Beliebte Blues-Kompositionen. Die berühmtesten Blues-Künstler
Lance ist einer der wenigen Gitarristen, die sich rühmen können, ihre eigene Band gegründet zu haben Professionelle Karriere mit 13 (mit 18 teilte er bereits die Bühne mit Johnny Taylor, Lucky Peterson und Buddy Miles). Auch in frühe Kindheit Lance verliebte sich in Gitarren: Jedes Mal, wenn er an einem Plattenladen vorbeikam, setzte sein Herz einen Schlag aus. Onkel Lance hatte ein ganzes Haus voller Gitarren, und als er zu ihm kam, konnte er sich nicht von diesem Instrument losreißen. Seine Haupteinflüsse waren immer Stevie Ray Vaughn und Elvis Presley (Lances Vater diente übrigens mit ihm in der Armee, und sie blieben bis zum Tod des Königs enge Freunde). Jetzt ist seine Musik eine brennbare Mischung aus Bluesrock Stevie Ray Vaughn, psychedelischem Jimi Hendrix und melodischem Carlos Santana.
Wie bei allen echten Bluesern ist sein Privatleben ein schwarzes, hoffnungsloses Loch, von Drogenproblemen ganz zu schweigen. Das spornt seine Kreativität jedoch nur an: Zwischen langen Saufgelagen nimmt er beispiellose Alben auf, die den Anspruch erheben, die treibendsten zu sein. Lance schrieb die meisten seiner Songs unterwegs, als lange Zeit spielte in Gruppen berühmter Bluesmänner. Sein Musikalische Bildung ermöglicht es, von einem Genre zum anderen zu fließen, ohne seinen einzigartigen Sound zu verlieren. Während sein Debütalbum „Wall of Soul“ Bluesrock ist, lehnt sich sein 2011er Album „Salvation From Sundown“ stark an traditionellen Blues und R&B an.
Wenn Sie glauben, dass echter Blues nur geschrieben werden kann, wenn sein Urheber ständig vom Unglück verfolgt wird, dann beweisen wir Ihnen das Gegenteil. Also hat Lance 2015 seine Drogen- und Alkoholsucht losgeworden, dann geheiratet und eine der coolsten Supergroups zusammengestellt letztes Jahrzehnt– Blaue Überschallmaschine. Das Album enthält die Session-Drummer Kenny Aaronoff (Chickenfoot, Bon Jovi, Alice Cooper, Santana), Billy Gibbons (ZZ Top), Walter Trout, Robben Ford, Eric Gales und Chris Duarte. Viele seltsame Musiker haben sich hier versammelt, aber ihre Philosophie ist einfach: Eine Band besteht wie eine Maschine aus vielen Teilen und treibende Kraft für sie ist alles der Blues.
Robin Trower
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Robin gilt als einer der Schlüsselmusiker, die die Vision des britischen Blues in den 70er Jahren geprägt haben. Er begann seine professionelle Karriere im Alter von 17 Jahren, als er seine Lieblingsband gründete Das Rollen Die Stones dieser Zeit waren The Paramounts. Sein wirklicher Erfolg kam jedoch, als er 1966 zu Procol Harum kam. Die Gruppe hat seine Arbeit stark beeinflusst und ihn auf den richtigen Weg gelenkt.
Aber sie hat gespielt Klassischer Rock, also spulen wir bis 1973 vor, als Robin die Entscheidung traf, eine Solokarriere zu starten. Zu dieser Zeit schrieb er viel Gitarrenmusik, also musste er die Gruppe verlassen. Twices Debütalbum Removed From Yesterday schaffte es kaum in die Charts, aber sein nächstes Album, Bridge Of Sights, landete sofort an der Spitze und verkauft sich bis heute weltweit 15.000 Mal im Jahr.
Die ersten drei Alben des Power-Trios sind berühmt für ihren Hendrix-Sound. Aus dem gleichen Grund – wegen der gekonnten Verbindung von Blues und Psychedelia – wird Robin auch der „weiße“ Hendrix genannt. Die Band hatte zwei starke Mitglieder, Robin Trower und Bassist James Dewar, die sich perfekt ergänzten. Der Höhepunkt ihrer Kreativität kam 1976-1978 auf den Alben Long Misty Days und In City Dreams. Bereits auf dem 4. Album begann Robin, sich in Richtung Hard Rock und Classic Rock neu zu orientieren und den Blues-Sound in den Hintergrund zu drängen. Ganz los wurde er jedoch nicht.
Robin war auch berühmt für sein Projekt mit dem Cream-Bassisten Jack Bruce. Sie veröffentlichten zwei Alben, aber alle Songs dort wurden von demselben Trower geschrieben. Die Alben enthalten sowohl Robins krächzende Gitarre als auch Jacks scharfen, funky Basssound, aber die Musiker mochten diese Zusammenarbeit nicht und ihr Projekt hörte bald auf zu existieren.
JJ Cale
John ist buchstäblich der bescheidenste und vorbildlichste Musiker der Welt. Er ist ein einfacher Typ mit einer ländlichen Seele, und seine Lieder, ruhig und aufrichtig, fallen wie Balsam auf die Seele inmitten ständiger Sorgen. Er wurde von Rockikonen verehrt - Eric Clapton, Mark Knopfler und Neil Young, und der erste verherrlichte seine Arbeit auf der ganzen Welt (die Songs Cocaine und After Midnight wurden von Cale geschrieben, nicht von Clapton). Er führte ein ruhiges und maßvolles Leben, ganz anders als der Rockstar, für den er gehalten wird.
Cale begann seine Karriere in den 50er Jahren in Tulsa, wo er sich die Bühne mit seinem Freund Leon Russell teilte. Die ersten zehn Jahre zog er von der Südküste in den Westen, bis er sich 1966 im Whiskey A Go Go Club niederließ, wo er als Vorgruppe für Love, The Doors und Tim Buckley spielte. Es wurde gemunkelt, dass es Elmer Valentine war, der Besitzer des legendären Clubs, der ihn JJ nannte, um ihn von John Cale, einem Mitglied des Velvet Underground, zu unterscheiden. Cale selbst nannte es jedoch eine Ente, da die Velvet Underground an der Westküste wenig bekannt waren. 1967 nahm John mit den Leathercoated Minds das Album A Trip Down the Sunset Strip auf. Obwohl Cale die Platte hasste und „wenn ich all diese Platten zerstören könnte, würde ich es tun“, wurde das Album zu einem psychedelischen Klassiker.
Als seine Karriere zu schwinden begann, kehrte John nach Tulsa zurück, aber wie es das Schicksal wollte, kehrte er 1968 nach Los Angeles zurück und zog in die Garage von Leon Russells Haus, wo er sich selbst und seinen Hunden überlassen wurde. Cale hat die Gesellschaft von Tieren immer der von Menschen vorgezogen, und seine Philosophie war einfach: „Leben zwischen Vögeln und Bäumen“.
Trotz einer sich langsam auflösenden Karriere veröffentlichte John sein erstes Soloalbum „Naturally“ auf Leon Russells Shelter-Label. Das Album war so einfach aufzunehmen wie Cales Temperament - es war in zwei Wochen fertig. Fast alle seine Alben wurden in diesem Tempo aufgenommen, und einige der meisten bekannte Lieder- und Demos überhaupt (zum Beispiel Crazy Mama und Call Me the Breeze, auf denen Lynyrd Skynyrd später ihr berühmtes Cover aufgenommen hat). Tatsächlich folgten Alben von Oakie und Troubadour, die Eric Clapton und Carl Radl mit ihrem Kokain süchtig machten.
Nach berühmtes Konzert 1994 im Hammersmith Odeon wurden er und Eric gute Freunde(Eric war zu Beginn seiner Karriere auch für seine Bescheidenheit bekannt) und blieb ständig in Kontakt. Die Frucht ihrer Freundschaft war 2006 das Album Road to Escondido. Dieses mit einem Grammy ausgezeichnete Album ist eine idealistische Darstellung des Blues. Die beiden Gitarristen gleichen sich so sehr aus, dass ein Gefühl völliger Ruhe entsteht.
JJ Cale starb 2013 und hinterließ der Welt sein Werk, das bis heute Musiker inspiriert. Eric Clapton veröffentlichte ein Tribute-Album für John, zu dem er seine Fans einlud – John Mayer, Mark Knopfler, Derek Trucks, Willie Nelson und Tom Petty.
Gary Clark jr.
Foto – Roger Kisby →
Barack Obamas Lieblingsmusiker Gary ist der innovativste Künstler des letzten Jahrzehnts. Während alle Mädels in den USA verrückt nach ihm sind (na ja, und John Mayer geht gar nicht ohne ihn), verwandelt Gary mit seinem Fuzz die Musik in eine psychedelische Mischung aus Blues, Soul und Hip-Hop. Der Musiker wuchs unter der strengen Anleitung von Jimmy Vaughn, dem Bruder von Stevie Ray, auf und hörte von Country bis Blues alles, was ihm in die Finger kam. All dies ist auf seinem ersten Album 110 aus dem Jahr 2004 zu hören, auf dem klassischer Blues, Soul und Country zu hören sind und sich nichts vom Stil des Albums abhebt, schwarz Volksmusik Mississippi 50er.
Nach der Veröffentlichung des Albums ging Gary in den Untergrund und spielte mit zahlreichen Musikern. 2012 kehrte er mit einem melodischen und elektrischen Album zurück, das alle von Kirk Hammett und Dave Grohl bis hin zu Eric Clapton umgehauen hat. Dieser schrieb ihm einen Dankesbrief und sagte, dass er nach seinem Konzert wieder zur Gitarre greifen wolle.
Seitdem ist er eine Blues-Sensation, „der Auserwählte“ und „die Zukunft der Bluesgitarre“, nimmt am Benefizkonzert von Eric Clapton Crossroads teil und erhält einen Grammy für den Song Please Come Home. Nach einem solchen Debüt ist es schwierig, die Messlatte hoch zu halten, aber Gary hat sich nie um die Meinung anderer gekümmert. Er veröffentlichte sein nächstes Album „um der Musik willen“, und in seinem Fall funktionierte diese Philosophie gut. Album Story of Sonny Boy Slim entpuppte sich als weniger heavy, passt aber mit seinem Elektro-Soul-Blues perfekt zum Stil des gesamten Albums. Auch wenn einige seiner Songs poppig klingen, haben sie doch etwas, das ihnen so sehr fehlt. zeitgenössische Musik- Individualität.
Dieses Album mag weicher klingen, da es sehr persönlich ist (als es aufgenommen wurde, brachte Frau Gary ihr erstes Kind zur Welt, was ihn dazu brachte, sein Leben zu überdenken), aber es stellte sich als genauso bluesig und melodisch heraus, wenn man seine Arbeit nahm auf eine ganz neue Ebene.
Joe Bonamassa
Foto - Theo Wargo →
Es gibt eine Meinung unter den Leuten, dass Joe der langweiligste Gitarrist der Welt ist (und aus irgendeinem Grund nennt niemand Gary Moore langweilig), aber jedes Jahr wird er immer beliebter, verkauft seine Shows in der Albert Hall und reitet alle auf der ganzen Welt mit Konzerten . Im Allgemeinen ist Joe, egal was sie sagen, ein talentierter und melodischer Gitarrist, der seit Beginn seiner Karriere große Fortschritte in seiner Arbeit gemacht hat.
Man kann sagen, dass er mit einer Gitarre in der Hand geboren wurde: Bereits mit 8 Jahren eröffnete er Shows für BB King, mit 12 spielte er hauptberuflich in Clubs in New York. Er veröffentlichte sein Debütalbum ziemlich spät - im Alter von 22 Jahren (davor spielte er zusammen mit den Söhnen von Miles Davis in der Band Bloodline). A New Day Yesterday wurde im Jahr 2000 veröffentlicht, erreichte aber erst 2002 die Charts (Platz 9 unter den Blues-Alben), was nicht verwunderlich ist: Es bestand hauptsächlich aus Coverversionen. Zwei Jahre später veröffentlichte Joe jedoch sein ikonischstes Album, So, It's Like That, das von allen ausgewählt wurde, die konnten.
Seitdem hat Joe normalerweise jedes Jahr ein oder zwei Alben veröffentlicht, die heftig kritisiert wurden, aber mindestens in die Top 5 kamen Billboard-Versionen. Seine Alben (insbesondere Blues Deluxe, Sloe Gin und Dust Bowl) klingen zäh, heavy und bluesig und lassen den Hörer bis zum Schluss nicht mehr los. Tatsächlich ist Joe einer der wenigen Musiker, dessen Weltbild sich von Album zu Album weiterentwickelt. Seine Songs werden kürzer und lebhafter, und seine Alben werden konzeptionell. Seine neueste Veröffentlichung wurde buchstäblich beim ersten Versuch aufgenommen. Laut Joe ist der heutige Blues zu glatt, die Musiker strengen sich nicht an, weil alles neu formatiert oder gespielt werden kann, sie haben alle Energie und Antrieb verloren. Dieses Album wurde also über einen fünftägigen Jam aufgenommen und man hört alles, was dort passiert ist (keine zweiten Takes und minimale Postproduktion, um die Atmosphäre zu erhalten).
Daher liegt der Schlüssel zu seiner Arbeit nicht darin, Songs in Alben zu hören (insbesondere frühe Arbeit: Ihr Gehirn wird von endlosen Soli und Spannungen vergewaltigt, die sich erst gegen Ende des Albums verstärken). Wenn Sie ein Fan von technischer Musik und verdrehten Soli sind, wird Ihnen Joe definitiv gefallen.
Philipp sagt
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Philip Says ist ein in Toronto lebender Gitarrist, dessen Spiel so beeindruckend ist, dass er eingeladen wurde, an Eric Claptons Crossroads Guitar Festival teilzunehmen. Er wuchs mit der Musik von Ry Cooder und Mark Knopfler auf, und seine Eltern besaßen eine riesige Sammlung von Blues-Alben, die seine Arbeit beeinflussten. Seinen Durchbruch in die Profiszene verdankt Philip aber dem legendären Gitarristen Jeff Healy, der ihn unter seine Fittiche nahm und ihm eine hervorragende musikalische Ausbildung ermöglichte.
Jeff kam irgendwie zu Philips Konzert in Toronto und er mochte sein Spiel so sehr, dass er ihn bei ihrem nächsten Treffen auf die Bühne zum Jammen einlud. Philip war mit seinem Manager im Club, und sobald sie sich hingesetzt hatten, kam Jeff auf sie zu und lud Philip ein, sich seiner Gruppe anzuschließen, und versprach, ihn auf die Beine zu stellen und ihm beizubringen, wie man an großen Orten spielt.
Philip verbrachte die nächsten dreieinhalb Jahre damit, mit Jeff Healy auf Tour zu gehen. Er trat beim berühmten auf Jazz-Festival in Montreux, wo er die Bühne mit Blues-Giganten wie BB King, Robert Cray und Ronnie Earl teilte. Jeff gab ihm die große Chance, von den Besten zu lernen, mit den Besten zu spielen und sich zu verbessern. Er öffnete für ZZ Top und dunkellila, und seine Musik ist ein endloser Antrieb.
Philip veröffentlichte 2005 sein erstes Soloalbum „Peace Machine“, und dies ist seins die beste Kreativität bis heute. Es kombiniert die rohe Energie von Blues-Rock-Gitarre und Soul. Seine nachfolgenden Alben (Inner Revolution und Steamroller sollten hervorgehoben werden) werden härter, haben aber immer noch diesen Blues-Drive im Stil von Stevie Ray Vaughn, der Teil seines Stils ist – man kann es nur an einem seiner verrückten Vibratos erkennen, die er verwendet, wenn er live spielt.
Viele werden eine Ähnlichkeit zwischen Philip Says und Stevie Ray finden – die gleichen zerfetzten Stratocaster-, Shuffle- und Crazy-Shows, und einige glauben, dass er ihm zu ähnlich ist. Der Sound von Philip unterscheidet sich jedoch von seinem Mastermind: Er klingt moderner und schwerer.
Susan Tedeschi und Derek Trucks
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Wie die Ikone der Slide-Gitarre aus Louisiana, Sonny Landreth, sagte, wusste er innerhalb von fünf Sekunden, dass Derek Trucks der vielversprechendste Gitarrist in der weißen Blues-Jam-Szene sein würde. Neffe Der Schlagzeuger Allman Brothers Butch Trucks kaufte er sich im Alter von 9 Jahren eine Akustikgitarre für fünf Dollar und fing an, Slide-Gitarre zu lernen. Er schockierte alle mit seiner Spieltechnik, egal mit wem er spielte. Ende der 90er wurde er dank seines Soloprojekts Grammy-Gewinner, spielte mit der Allman Brothers Band und tourte mit Eric Clapton.
Berühmt wurde Susan hingegen nicht nur durch ihr gekonntes Gitarrenspiel, sondern auch durch ihre magische Stimme, die Zuhörer vom ersten Moment an in ihren Bann zieht. Seit der Veröffentlichung ihres Debütalbums „Just Won’t Burn“ tourte Susan unermüdlich, nahm mit Double Trouble auf, teilte sich die Bühne mit Britney Spears bei den Grammy Awards, trat mit Buddy Guy und BB King auf und sang sogar Seite an Seite mit Bob Dylan .
Jahrzehnte nach Beginn ihrer Karriere heirateten Susan und Derek nicht nur, sondern gründeten ihr eigenes Team namens Tedeschi Trucks Band. Es ist wirklich verdammt schwer, die Worte zu finden, um zu zeigen, wie gut sie sind: Derek und Susan sind wie Delaney & Bonnie der Gegenwart. Blues-Fans können es immer noch nicht glauben, dass zwei Blues-Legenden ihre eigene Gruppe gegründet haben, und zwar eine ungewöhnliche: Tedeschi Trucks Band besteht aus den besten 11 Musikern der modernen Blues- und Soul-Szene. Sie begannen als fünfköpfige Gruppe und fügten nach und nach weitere Musiker hinzu. Ihr neuestes Album enthält zwei Schlagzeuger und eine ganze Bläsersektion.
Sie verkaufen sofort alle Tickets für Konzerte in den USA und alle sind einfach nur begeistert von ihrer Show. Ihre Gruppe bewahrt alle Traditionen des amerikanischen Blues und Soul. Die Slide-Gitarre passt perfekt zu Tedeschis samtiger Stimme, und wenn Derek technisch irgendwie besser ist als seine Gitarristen-Frau, dann stellt er sie keineswegs in den Schatten. Ihre Musik ist eine perfekte Fusion aus Blues, Funk, Soul und Country.
John Mayer
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Auch wenn Sie diesen Namen zum ersten Mal hören, glauben Sie mir, John Mayer ist sehr berühmt. Er ist so berühmt, dass er in Bezug auf die Anzahl der Follower auf Twitter auf Platz 7 liegt, und die Presse in Amerika diskutiert sein Privatleben genauso wie die gelbe Presse in Russland über Alla Pugacheva. Er ist so berühmt, dass alle amerikanischen Mädchen, Frauen und Großmütter nicht nur wissen, wer er ist, sondern auch davon träumen, dass alle Gitarristen der Welt zu ihm aufschauen und nicht zu Jeff Hanneman.
Er ist auch der einzige Instrumentalist, der es mit den heutigen Pop-Idolen aufnehmen kann. Wie er selbst einmal einem britischen Magazin sagte: „Man kann nicht Musik machen und beliebt sein. Promis machen wirklich, wirklich schlechte Musik, also schreibe ich meine wie ein Musiker.“
John nahm im Alter von 13 Jahren zum ersten Mal die Gitarre in die Hand, inspiriert vom texanischen Bluesman Stevie Ray Vaughn. Er spielte in seinen lokalen Bars Heimatort Bridgeport, bis er die High School abschloss und am Berklee College of Music studierte. Dort studierte er zwei Semester, bis er mit 1.000 Dollar in der Tasche nach Atlanta aufbrach. Er spielte in Bars und schrieb leise Songs für sein Debütalbum „Room For Squares“ aus dem Jahr 2001, das mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde.
John hat mehrere Grammys zu seinem Verdienst, und seine Kombination aus tadellosen Melodien, hochwertigen Texten und gut durchdachten Arrangements hat ihn so großartig gemacht wie Stevie Wonder, Sting und Paul Simon, die Musiker, die Popmusik in Kunst verwandelt haben.
Doch 2005 schaltete er die Spur eines Pop-Künstlers ab, fürchtete sich nicht, seine Zuhörer zu verlieren, tauschte seinen akustischen Martin gegen eine Fender Stratocaster und reiste in die Riege der Blues-Legenden ein. Er spielte mit Buddy Guy und BB King, er wurde sogar von Eric Clapton höchstpersönlich zum Crossroads Guitar Festival eingeladen. Kritiker standen diesem Tapetenwechsel skeptisch gegenüber, doch John überraschte alle: Sein Elektro-Trio (zusammen mit Pino Palladin und Steve Jordan) produzierte einen beispiellosen Bluesrock mit Killer-Groove. Auf dem 2005er Album Try! John konzentrierte sich auf die sanftere Seite des Spiels von Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughn und B.B. King und schlug mit seinen melodischen Soli brillant alle Blues-Klischees.
Melodisch war John schon immer, selbst sein letztes Album aus dem Jahr 2017 fiel überraschend sanft aus: Hier hört man Soul und sogar Country. Mit seinen Songs treibt John in den USA nicht nur 16-jährige Mädchen in den Wahnsinn, sondern bleibt auch ein echter Profimusiker, der sich ständig weiterentwickelt und jedes Mal etwas Neues in seine Musik einbringt. Seinen Ruf als Pop-Künstler und seine Entwicklung als Musiker balanciert er perfekt aus. Wenn Sie selbst seine poppigsten Songs nehmen und sie aufschlüsseln, werden Sie überrascht sein, wie viel dort vor sich geht.
In seinen Songs geht es um alles – Liebe, Leben, persönliche Beziehungen. Wenn sie von jemand anderem gespielt würden, würden sie höchstwahrscheinlich zu gewöhnlichen Volksliedern werden, aber dank Johns sanfter Stimme in Kombination mit Blues, Soul und anderen Genres werden sie zu dem, was sie sind. Und sie wollen sicher nicht ausgeschaltet werden.
Werfen wir nun einen Blick auf die besten Blues-Rock-Bands aus der ganzen Welt. Außerdem gebe ich Ihnen eine Liste mit guten Alben und Russische Gruppen für dieses Genre.
Die besten Blues-Rock-Bands
Die Kombination von Blues und frühem Rock zur Entwicklung des Bluesrock-Genres fand nicht im luftleeren Raum statt. In vielerlei Hinsicht ist dies eine Erfindung weißer britischer Kinder. Sie waren verliebt in Blues-Platten von Muddy Waters, Howlin' Wolf und anderen Künstlern, die nach Großbritannien importiert wurden.
Die Blues-Pate Alexis Korner und John Mayall haben das Genre geschaffen. Er findet noch heute eine Resonanz in den Herzen vieler Zuhörer. Hier sind die frühesten und besten Bluesrock-Künstler.
Alexis Körner (Alexis Körner)
Bekannt als " Vater des britischen Blues". Als Musiker und Leiter seiner Bands war Alexis Korner ein fester Bestandteil der Bluesszene der 1960er Jahre in England.
Sein eigenes Musik bands trug zur Popularisierung des Blues bei. Und zu Beginn dieses Jahrzehnts trat Korner mit einer langen Liste britischer königlicher Musik auf.
Bei all seiner Arbeit hat er nie einen großen Spaß gemacht kommerzieller Erfolg. Somit steht sein Einfluss auf die Entwicklung des Bluesrock außer Zweifel. Was kann man nicht über seine Kollegen und Juniorassistenten sagen.
John Mayall (John Mayall)
Der britische Musiker John Mayall hat während seiner fünfzigjährigen Karriere einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung von Genres wie Jazz, Blues und Bluesrock geleistet.
Er entdeckte und entwickelte die instrumentalen Talente von Eric Clapton, Peter Green und Mike Taylor.
Mayall hat viele Alben im Gepäck. Sie zeigen Blues, Bluesrock, Jazz und afrikanische Musikstile.
Peter Green (Peter Green) und die Band Fleetwood Mac
Fleetwood Mac ist vor allem für seinen revolutionären Pop-Rock-Act weltweit bekannt. Unter der Leitung von Gitarrist Peter Green machte sich die Band als psychedelischer Blues einen Namen.
Die Gruppe wurde 1967 gegründet. Ihr erstes veröffentlichte sie 1968. Das Album, eine Kombination aus Originalkompositionen und Blues-Cover-Art, wurde in Großbritannien zu einem kommerziellen Erfolg und hielt sich ein Jahr lang in den Charts auf.
1970 verließ Peter Green krankheitsbedingt die Gruppe. Aber auch nach seinem Weggang trat Fleetwood Mac weiter auf und arbeitete an neuen Kompositionen.
Rory Gallagher (Rory Gallagher) und die Gruppe Taste
In der zweiten Hälfte der 1960er Jahre, auf dem Höhepunkt der britischen Blues-Rock-Mode, zeigte Rory Gallagher Auftritte seiner Band Taste.
Aufgrund ihrer dynamischen Showmanier tourte die Band mit den Superstars Yes und Blind Faith. Sie trat 1970 sogar auf der Isle of Wight auf.
Die Band wurde 1966 von Rory Gallakher, dem Bassisten Eric Ketherin und dem Schlagzeuger Norman Damery gegründet.
Nach einem Konzert in Großbritannien löste sich die Band von Rory Galakher auf.
Nach seinem Umzug nach London stellte der 20-jährige Gitarrist mit dem Bassisten Richard McCracken und dem Schlagzeuger John Wilson eine neue Version seines Taste-Teams zusammen. Nachdem er einen Vertrag mit Polydor unterschrieben hatte, begann er mit Aufnahmen und Tourneen in den USA und Kanada.
Seit Jahrzehnten die Rollende Steine war die coolste Rockband der Welt. Sie hatte die meistverkauften Alben. Vor allem in den USA. Deshalb sind Musiker sehr erfolgreich. Ihr Beitrag zur Entwicklung der Rockmusik ist sehr groß.
The Yardbirds und britischer Bluesrock
The Yardbirds waren eine der einflussreichsten und innovativsten britischen Blues-Rock-Bands der frühen 1960er Jahre. Ihr Einfluss geht weit über ihre flüchtigen kommerziellen Erfolge hinaus.
In den frühen 1960er Jahren als Blues Metropolis Quartett gegründet, war die Gruppe 1963 als Yardbirds bekannt.
Mit dem Sänger Keith Ralph, den Gitarristen Chris Drah und Andrew Topham, dem Bassisten Paul Samwell-Smith und dem Schlagzeuger Jimi McCarthy machte sich die Band schnell einen Namen mit einer elektrisierenden Fusion aus klassischem Blues und R&B.
Das erste Yardbirds-Album hieß „Five Live Yardbirds“. Es wurde 1964 im Marquee Club aufgenommen. Die Künstler begannen, Elemente aus Pop, Rock und Jazz hinzuzufügen.
Eric Clapton verließ die Band 1965, um mit den Bluesbreakers John Mayall puren Blues zu spielen. Neuer Gitarrist Jeff Beck brachte eine neue Dimension in den Sound der Band. 1968 löste sich das Team auf.
Die besten Blues-Rock-Alben
Nachfolgend möchte ich die besten Bluesrock-Alben vorstellen. Ich empfehle, sie in Ruhe anzuhören. Hier ist die Liste:
Wo hast du gespielt: Jefferson Airplaine, Jefferson Starship, Raumschiff, The Great Society
Genres: klassischer Rock, Bluesrock
Was ist cool: Grace Slick ist die Sängerin der legendären Psychedelic-Band Jefferson Airplane. Nicht nur mit einer betörenden Stimme, sondern auch mit einem attraktiven Äußeren (ein Auge ist was wert!) wurde sie zu einem echten Sexsymbol der 1960er Jahre, und die von ihr komponierten Songs White Rabbit und Somebody to Love wurden zu Rockklassikern. Grace Slick hat mit ihrer kraftvollen Stimme neue Wege im Frauenrock beschritten und sie auf Platz 20 der Liste der „100 größten Frauen des Rock and Roll“ gebracht. Leider hat die Neigung zu Unverschämtheit und Alkohol- und Drogensucht ihre Karriere ziemlich verwischt. Nachdem Grace jedoch 1990 die Welt der Musik verlassen hatte, fand sie sich dort wieder Bildende Kunst. Ein wesentlicher Teil davon künstlerische Kreativität Portraits von Kollegen der Rockszene machen.
Zitieren: Ich sang damals mit solcher Kraft und Wut, dass die Frauen dieser Zeit Angst hatten, es zu zeigen. Ich habe für mich selbst gemerkt, dass eine Frau Klischees ignorieren und tun kann, was sie will.
Mariska Veres
Foto – Ricky Noot →
Wo hast du gespielt:: schock blau, Solokarriere
Genres: Rhythm and Blues, klassischer Rock
Was ist cool: Mariska Veresh ist die Besitzerin einer der mächtigsten und schönsten Stimmen in der Rockmusik, eine atemberaubende Schönheit und ... ein wahnsinnig schüchternes und verletzliches Mädchen. Angesichts der Sitten der späten 60er - frühen 70er Jahre können Sie sich vorstellen, wie schwierig es für sie war. Wie dem auch sei, Shocking Blue erreichten den Höhepunkt des musikalischen Ruhms und verewigten sich und ihre Arbeit, vor allem dank Mariska. Und selbst die Haustiere in jedem Haushalt kennen ihre allgegenwärtige Venus fast auswendig.
Zitieren: Früher war ich nur eine bemalte Puppe, niemand kam an mich heran. Jetzt bin ich offener für Menschen.
Janis Joplin
Foto - David Gahr →
Wo hast du gespielt: Big Brother & The Holding Company, Kozmic Blues Band, Full Tilt Boogie Band
Genres: Bluesrock
Was ist cool: Eines der Mitglieder des berüchtigten Clubs 27. Janis Joplin hat es in ihrem kurzen Leben geschafft, nur vier Alben zu veröffentlichen, von denen eines nach ihrem Tod veröffentlicht wurde, aber das hindert Kritiker auf der ganzen Welt nicht daran, sie als die beste Interpretin des weißen Blues zu betrachten und einer der größten Sänger der Rockgeschichte. Joplin erhielt mehrere bedeutende Auszeichnungen, aber wiederum posthum – 1995 wurde sie in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, 2005 „erhielt“ sie einen Grammy für herausragende Leistungen, und 2013 wurde ihr zu Ehren auf dem Walk ein Stern eröffnet Ruhm in Hollywood. Ihre kreative Tätigkeit begann 1961, maßgeblich beeinflusst von den damals populären Beatniks, in deren Gesellschaft das junge Mädchen den Sommer 1960 verbrachte. Joplin galt als ungewöhnlich, um nicht zu sagen seltsam – sie kam in Levi's-Jeans zum Unterricht in die Universität, ging barfuß und trug überall eine Zither mit sich, falls sie singen wollte. Der Wendepunkt in Joplins Karriere war ein Auftritt mit Big Brother & The Holding Company beim Montreuil Festival. Dann trat die Gruppe sogar zweimal auf, weil der Regisseur Pennebaker sie auf Band aufnehmen wollte. Über die Leistungen von Janice kann man viel erzählen: Trotz ihres kurzen Lebens hat sie viel geschafft. Was kostet eine Teilnahme an Kultfest Woodstock 1969 auf der Bühne mit Die WHO und Hendrix. Streitigkeiten über die Todesursache des Sängers sind bisher nicht abgeebbt. Jemand sagt, es geht nur darum Drogenabhängigkeit, besteht jemand darauf, dass es Selbstmord war. Auf die eine oder andere Weise sind sich viele einig, dass der spontane und vorzeitige Tod sehr geworden ist schlechter Witz Schicksal, denn in diesem Moment begann sich Joplins Leben zu verbessern - sie wollte heiraten, hatte lange Zeit kein Heroin mehr konsumiert. Aber sie war immer noch nicht glücklich.
Zitieren: Im Stadion liebe ich fünfundzwanzigtausend Menschen und kehre dann allein nach Hause zurück.
Annie Haslam
Foto - R.G. Daniel →
Wo hast du gespielt: Renaissance, Solokarriere
Genres: Progressive Rock, klassischer Rock
Was ist cool: Alle Umfragen wie "Best Prog Vocalist" verlieren schnell ihre Faszination, wenn Annie auf der Liste steht. Und es ist für Sie kaum überraschend, wenn Sie mindestens ein Lied gehört haben, das ihr vorgesungen wurde. Purer, in transzendente Höhen entrückter, scheinbar zerbrechlicher, aber gleichzeitig ziemlich kraftvoller Fünf-Oktaven-Gesang von Haslam brachte ihr und der Renaissance in den 70er Jahren Scharen von Fans. Weiter - erfolgreich Solokarriere Sängerin und Künstlerin, ein glücklicherweise siegreicher Kampf gegen den Krebs und gelegentliche Liveband-Wiedervereinigungen.
Zitieren: Ich habe mich immer gefragt: Wir waren so einzigartig und sind es immer noch, hätten wir also nicht mehr tun sollen, als wir getan haben? Zumindest hätten wir alle unsere Shows auf Video aufnehmen sollen. Wir mussten so viel wie möglich aufnehmen. Wir haben praktisch nichts gemacht.
Blueskünstler können Freiheitssänger genannt werden. In ihren Liedern und in ihrer Musik singen sie vom Leben selbst, ohne Schnörkel, aber gleichzeitig mit der Hoffnung auf bessere Zeiten. Hier sind laut dem JazzPeople-Portal die besten Blues-Künstler aller Zeiten.
Die besten Blues-Künstler
Sie sagen, der Blues ist wann guter Mann Schlecht. Wir haben die berühmtesten Bluessänger gesammelt, deren Arbeit die Struktur dieser schwierigen Welt widerspiegelt.
BB-König
King nannte alle seine Gitarren "Lucille". Mit diesem Namen ist eine Geschichte aus der Konzerttätigkeit verbunden. Einmal, während einer Aufführung, begannen zwei Männer eine Schlägerei und stürzten einen Petroleumkocher um. Dies verursachte ein Feuer, alle Musiker verließen eilig die Anstalt, aber BB King, der sein Leben riskierte, kehrte für die Gitarre zurück.
Denkmal für B.B. King in Montreux, Schweiz Später, nachdem er erfahren hatte, dass eine Frau namens Lucille die Ursache des Kampfes war, nannte er seine Gitarre so, als Zeichen dafür, dass keine Frau solchen Unsinn wert ist.
Mehr als 20 Jahre lang kämpfte King gegen Diabetes, der am 14. Mai 2015 im Alter von 89 Jahren zu seinem Tod führte.
Robert Leroy Johnson
- ein heller, aber schnell fliegender Stern in der Welt der Bluesmusik - wurde am 8. Mai 1911 geboren. IN Jugend Er lernte die berühmten Bluesmusiker Sun House und Willie Brown kennen und beschloss, professionell Blues zu spielen.
Robert LeroyJohnson Ein paar Monate Training im Team führten nur dazu, dass der Typ ein guter Amateur blieb. Dann schwor Robert, dass er großartig spielen würde und verschwand für mehrere Monate. Als er wieder auftauchte, wurde das Niveau seines Spiels deutlich höher. Johnson selbst sagte, er habe den Teufel kontaktiert. Die Legende des Musikers, der seine Seele verkaufte, um Blues spielen zu können, hat sich auf der ganzen Welt verbreitet.
Robert Leroy Johnson starb im Alter von 28 Jahren am 16. August 1938. Er wurde angeblich vom Ehemann seiner Geliebten vergiftet. Seine Familie hatte kein Geld, also wurde er auf dem städtischen Friedhof beerdigt. Johnsons Vermächtnis ist schwer zu zählen - obwohl er selbst nur sehr wenig aufgenommen hat, wurden seine Songs oft von vielen Weltstars (Eric Clapton, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Doors, Bob Dylan) aufgeführt.
Schlammiges Wasser
- der Gründer der Chicagoer Schule - wurde am 4. April 1913 in der Kleinstadt Rolling Fork geboren. Als Kind lernte er Mundharmonika spielen und als Teenager beherrschte er die Gitarre.
Schlammiges Wasser Einfach akustische Gitarre passte nicht gut zu Muddy. Er fing erst richtig an zu spielen, als er zur E-Gitarre wechselte. Kraftvolles Gebrüll und ruckartige Stimme verherrlichten den Novizensänger und -darsteller. Tatsächlich bewegt sich die Arbeit von Muddy Waters an der Grenze zwischen Blues und Rock and Roll. Der Musiker starb am 30. April 1983.
Gary Moore
- ein berühmter irischer Gitarrist, Sänger und Songwriter - wurde am 4. April 1952 geboren. In seiner Karriere experimentierte er viel mit verschiedenen Musikbereichen, bevorzugte aber dennoch den Blues.
Gary Moore In einem seiner Interviews gab Moore zu, dass er den Dialog zwischen Gesang und Gitarre im Blues mag. Dies eröffnet ein weites Feld für Experimente.
Obwohl Gary Moore Linkshänder war, lernte er interessanterweise von Kindheit an, als Rechtshänder Gitarre zu spielen, und spielte sein ganzes Leben lang so, bis er am 6. Februar 2011 starb.
Eric Clapton
eine der einflussreichsten Persönlichkeiten Britischer Rock- Geboren am 30. März 1945. Er ist der einzige Musiker, der dreimal in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde, zweimal mit einer Band und einmal als Solokünstler. Clapton spielte in verschiedenen Genres, fühlte sich aber immer zum Blues hingezogen, was sein Spiel wiedererkennbar und unverwechselbar machte.
Eric Clapton Sonny Boy Williamson I & II
Sonny Boy Williamson (* 5. Dezember 1912) ist ein US-amerikanischer Bluesharmonikaspieler und -sänger.
Es gibt zwei berühmte Sonny Boy Williamsons auf der Welt. Tatsache ist, dass Sonny Boy Williamson II zu Ehren seines Idols - Sonny Boy Williamson I - das gleichnamige Pseudonym annahm. Der Ruhm des zweiten Sony überschattete das Erbe des ersten stark, obwohl er es war, der ein Innovator war sein Feld.
Sonny Boy Williamson I Sonny Boy war einer der berühmtesten und originellsten Mundharmonikaspieler. Er zeichnet sich durch einen besonderen Spielstil aus: einfach, melodisch, sanft. Texte seiner Lieder: dünn, lyrisch.
Sonny Boy Williamson II Williamson II schätzte vor allem nicht Ruhm, sondern persönlichen Komfort, also erlaubte er sich manchmal, für ein paar Monate zu verschwinden, um sich auszuruhen, und tauchte dann wieder auf der Bühne auf. Sonny Boy Williamson II starb am 25. Mai 1965.
