Welche Musikrichtung vertritt Beethoven? Romantische Züge im Werk Ludwig van Beethovens

„Musik soll Feuer aus der menschlichen Brust schlagen“ – das sind die Worte des deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven, dessen Werke zu den höchsten Errungenschaften der Musikkultur gehören.

Beethovens Weltbild formte sich unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung und der freiheitsliebenden Ideale der Französischen Revolution. Musikalisch knüpfte sein Schaffen einerseits an die Traditionen der Wiener Klassik an, andererseits griff er die Züge der neuen romantischen Kunst auf. Vom Klassizismus in den Werken Beethovens appellieren die Erhabenheit des Inhalts und die hervorragende Beherrschung musikalischer Formen an die Genres Symphonie und Sonate. Von der Romantik mutiges Experimentieren auf dem Gebiet dieser Gattungen, Interesse an Gesangs- und Klavierminiaturen.

Ludwig van Beethoven wurde in Bonn (Deutschland) in der Familie eines Hofmusikers geboren. Er begann, Musik von früher Kindheit an unter der Anleitung seines Vaters zu studieren. Der eigentliche Mentor Beethovens war jedoch der Komponist, Dirigent und Organist K.G. Kirchenschiff. Er brachte dem jungen Musiker die Grundlagen der Komposition bei, brachte ihm das Klavier- und Orgelspiel bei. Ab seinem elften Lebensjahr war Beethoven Hilfsorganist an der Kirche, dann Hoforganist, Konzertmeister am Bonner Opernhaus. Mit 18 Jahren trat er in die Philosophische Fakultät der Universität Bonn ein, machte dort aber keinen Abschluss und machte anschließend viel Autodidakt.

1792 Beethoven zog nach Wien. Er nahm Musikunterricht bei J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (die größten Musiker dieser Zeit). Albrechtsberger führte Beethoven in die Werke von Händel und Bach ein. Daher das brillante Wissen des Komponisten über musikalische Formen, Harmonie und Polyphonie.

Beethoven begann bald, Konzerte zu geben; wurde bekannt. Er wurde auf der Straße erkannt, zu feierlichen Empfängen in die Häuser hochrangiger Personen eingeladen. Er komponierte viel: er schrieb Sonaten, Konzerte für Klavier und Orchester, Sinfonien.

Lange Zeit ahnte niemand, dass Beethoven von einer schweren Krankheit heimgesucht wurde - er begann sein Gehör zu verlieren. Überzeugt von der Unheilbarkeit der Krankheit beschloss der Komponist zu sterben und 1802. erstellte ein Testament, in dem er die Gründe für seine Entscheidung darlegte. Beethoven schaffte es jedoch, die Verzweiflung zu überwinden und fand die Kraft, weiter Musik zu schreiben. Der Ausweg aus der Krise war die Dritte ("Heroische") Symphonie.

1803-1808. der Komponist arbeitete auch an der Entstehung von Sonaten; insbesondere die Neunte für Violine und Klavier (1803; dem Pariser Geiger Rudolf Kreutzer gewidmet, daher "Kreutzer" genannt), die Dreiundzwanzigste ("Appassionata") für Klavier, die Fünfte und Sechste Symphonie (beide 1808) .

Die sechste ("pastorale") Sinfonie trägt den Untertitel "Erinnerungen an das ländliche Leben". Diese Arbeit zeigt verschiedene Zustände der menschlichen Seele, die vorübergehend von inneren Erfahrungen und Kämpfen entfernt ist. Die Sinfonie vermittelt Gefühle, die durch den Kontakt mit der Welt der Natur und des ländlichen Lebens entstehen. Seine Struktur ist ungewöhnlich - fünf statt vier Teile. Die Symphonie hat Elemente der Figuration, Lautmalerei (Vögel singen, Donnergrollen usw.). Beethovens Funde wurden später von vielen romantischen Komponisten verwendet.

Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen war die Neunte Symphonie. Es wurde bereits 1812 konzipiert, aber der Komponist arbeitete von 1822 bis 1823 daran. Die Sinfonie ist grandios angelegt; Besonders ungewöhnlich ist das Finale, das so etwas wie eine große Kantate für Chor, Soli und Orchester ist, geschrieben auf den Text der Ode „An die Freude“ von J.F. Schiller.

Im ersten Teil ist die Musik streng und dramatisch: Aus dem Chaos der Klänge erwächst ein klares und sehr großangelegtes Thema. Der zweite Teil – das Scherzo erinnert charakterlich an den ersten. Der dritte Teil, langsam vorgetragen, ist der ruhige Blick einer erleuchteten Seele. Zweimal brachen Fanfarenklänge in den gemächlichen Musikfluss ein. Sie erinnern an Gewitter und Schlachten, können aber das allgemeine philosophische Bild nicht ändern. Diese Musik ist der Höhepunkt von Beethovens Lyrik. Der vierte Teil ist das Finale. Die Themen der vorangegangenen Teile schweben vor dem Hörer wie die vorbeiziehende Vergangenheit. Und hier kommt das Thema Freude. Die innere Struktur des Themas ist verblüffend: Beklommenheit und strenge Zurückhaltung, eine gewaltige innere Kraft, die in einer grandiosen Hymne auf das Gute, die Wahrheit und die Schönheit freigesetzt wird.

Die Uraufführung der Sinfonie fand 1825 statt. im Wiener Opernhaus. Das Theaterorchester reichte nicht aus, um den Plan des Autors umzusetzen, und Amateure mussten eingeladen werden: vierundzwanzig Geigen, zehn Bratschen, zwölf Celli und Kontrabässe. Für ein Wiener Klassikorchester war eine solche Komposition ungewöhnlich kraftvoll. Außerdem umfasste jede Chorstimme (Bass, Tenor, Alt und Sopran) vierundzwanzig Sänger, was ebenfalls die üblichen Normen übertraf.

Zu Beethovens Lebzeiten blieb die Neunte Symphonie für viele unverständlich; es wurde nur von denen bewundert, die den Komponisten genau kannten, seine Schüler und musikalisch aufgeklärten Zuhörer. Im Laufe der Zeit begannen die besten Orchester der Welt, die Symphonie in ihr Repertoire aufzunehmen, und sie fand ein neues Leben.

Die Werke des Spätwerks des Komponisten zeichnen sich durch Zurückhaltung der Gefühle und philosophischen Tiefgang aus, was sie von den leidenschaftlich-dramatischen Frühwerken unterscheidet. Beethoven schrieb in seinem Leben 9 Sinfonien, 32 Sonaten, 16 Streichquartette, die Oper Fidelio, Feierliche Messe, 5 Klavierkonzerte und eines für Violine und Orchester, Ouvertüren, einzelne Stücke für verschiedene Instrumente.

Überraschenderweise schrieb der Komponist viele Werke (darunter die Neunte Symphonie), als er bereits völlig taub war. Seine neuesten Werke – Klaviersonaten und -quartette – sind jedoch unübertroffene Meisterwerke der Kammermusik.

Abschluss

So entstand im 17. Jahrhundert in Frankreich der künstlerische Stil des Klassizismus, basierend auf Vorstellungen über die Gesetze und Rationalität der Weltordnung. Die Meister dieses Stils strebten nach klaren und strengen Formen, harmonischen Mustern, der Verkörperung hoher moralischer Ideale. Sie betrachteten die Werke der antiken Kunst als die höchsten, unübertroffenen Beispiele künstlerischer Kreativität, deshalb entwickelten sie antike Handlungen und Bilder.

Der Höhepunkt in der Entwicklung der musikalischen Klassik war das Werk von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven, die hauptsächlich in Wien wirkten und die Wiener Klassik in der Musikkultur der zweiten Hälfte des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts prägten. Beachten Sie, dass der Klassizismus in der Musik in vielerlei Hinsicht dem Klassizismus in Literatur, Theater oder Malerei nicht ähnlich ist. In der Musik ist es unmöglich, sich auf alte Traditionen zu verlassen, da sie fast unbekannt sind. Darüber hinaus wird der Inhalt musikalischer Kompositionen oft mit der Welt der menschlichen Gefühle in Verbindung gebracht, die einer strengen Kontrolle des Geistes nicht zugänglich sind. Allerdings haben die Komponisten der Wiener Klassik ein sehr harmonisches und logisches Regelwerk für den Aufbau eines Werkes geschaffen. Dank eines solchen Systems wurden die komplexesten Gefühle in eine klare und perfekte Form gekleidet. Leiden und Freude wurden für den Komponisten zu einem Thema der Reflexion, nicht der Erfahrung. Und wenn auch in anderen Kunstgattungen die Gesetze des Klassizismus schon zu Beginn des 19. Jahrhunderts gelten. vielen überholt erschien, behält in der Musik das von der Wiener Schule entwickelte System der Gattungen, Formen und Harmonieregeln bis heute seine Bedeutung.

Noch einmal stellen wir fest, dass die Kunst der Wiener Klassik für uns von großem Wert und künstlerischer Bedeutung ist.

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Die Wiener Klassik ist als große Reformer in die Weltmusikgeschichte eingegangen, ihr Werk ist nicht nur einzigartig, sondern auch wertvoll, weil es die Weiterentwicklung des Musiktheaters, der Genres, Stilrichtungen und Strömungen bestimmt hat. Ihre Kompositionen legten den Grundstein für das, was heute als klassische Musik gilt.

Allgemeine Merkmale der Epoche

Diese Autoren verbindet die Tatsache, dass sie an der Wende zweier großer kultureller und historischer Epochen gearbeitet haben: Klassizismus und Romantik. Die Wiener Klassik lebte in einer Zeit des Umbruchs aktive Suche neue Formen nicht nur in der Musik, sondern auch in der Fiktion, Malerei, Architektur. All dies bestimmte weitgehend die Richtung ihrer Aktivitäten und die Probleme der Schriften. Das 18. – die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts war geprägt von schweren politischen Umwälzungen, Kriegen, die die Landkarte Europas buchstäblich auf den Kopf stellten und einen starken Einfluss auf die Köpfe der modernen Intelligenz und der gebildeten Gesellschaft hatten. Die Wiener Klassiker waren da keine Ausnahme. Es ist zum Beispiel eine bekannte Tatsache, dass die napoleonischen Kriege das Werk Beethovens stark beeinflussten, der in seiner berühmten 9. Symphonie ("Choral") die Idee der universellen Einheit und des Friedens vertrat. Es war eine Art Reaktion auf all die Katastrophen, die den europäischen Kontinent zum Zeitpunkt, den wir hier betrachten, erschüttert haben.

Kulturleben

Die Wiener Klassik lebte in einer Zeit, in der der Barock in den Hintergrund trat und eine neue Richtung eine führende Rolle zu spielen begann. Es strebte nach Harmonie der Formen, nach Einheit der Komposition und gab daher die großartigen Formen der früheren Epoche auf. Der Klassizismus begann das kulturelle Bild vieler europäischer Staaten zu bestimmen. Aber gleichzeitig gab es schon damals die Tendenz, die starren Formen dieses Trends zu überwinden und starke Werke mit dramatischen und sogar tragischen Elementen zu schaffen. Dies waren die ersten Anzeichen für die Entstehung der Romantik, die bestimmend war kulturelle Entwicklung das gesamte 19. Jahrhundert.

Opernreform

Die Wiener Klassik spielte eine entscheidende Rolle in der Entwicklung aller Musikgattungen des Berichtszeitraums. Jeder von ihnen spezialisierte sich sozusagen auf einen Stil oder eine Musikform, aber alle ihre Errungenschaften wurden in den goldenen Fundus der Weltmusik aufgenommen. Gluck (Komponist) war der größte und einer der berühmtesten Komponisten seiner Zeit. Seine Rolle in der Entwicklung des Theaters kann man kaum überschätzen, schließlich war er es, der der Gattung Oper die vollendete Form gab, in der wir sie heute kennen. Das Verdienst von Christopher Gluck ist, dass er sich als erster vom Verständnis der Oper als Demonstrationswerk entfernt hat stimmliche Fähigkeiten, sondern ordnete das musikalische Prinzip der Dramaturgie unter.

Bedeutung

Gluck ist der Komponist, der die Oper zu einer echten Aufführung gemacht hat. In seinen Werken sowie in den Werken seiner Anhänger begann der Gesang weitgehend vom Wort abzuhängen. Die Handlung und Komposition und vor allem das Drama begannen, die Entwicklung der musikalischen Linie zu bestimmen. So war die Oper kein ausschließlich unterhaltsames Genre mehr, sondern wurde zu einem ernster Blick ein musikalisches Werk mit komplexer Dramaturgie, psychologisch interessant, Charaktere, eine faszinierende Komposition.

Werke des Komponisten

Die Wiener Klassik bildete die Grundlage des gesamten Weltmusiktheaters. Dafür gebührt Gluck viel Verdienst. Seine Oper „Orpheus und Eurydike“ war ein Durchbruch dieses Genre. Darin konzentrierte sich der Autor nicht auf die Virtuosität der Aufführung, sondern auf die Dramatik der Charaktere, dank derer das Werk einen solchen Klang erhielt und immer noch aufgeführt wird. Eine andere Oper – „Alceste“ – war ebenfalls ein neues Wort in der Weltmusik. Der österreichische Komponist betonte erneut die Entwicklung Handlung wodurch das Werk eine starke psychologische Färbung erhielt. Das Werk wird bis heute auf den besten Bühnen der Welt aufgeführt, was darauf hindeutet, dass die von Gluck durchgeführte Reform der Gattung Oper von grundlegender Bedeutung für die Entwicklung des Musiktheaters insgesamt war und die Weiterentwicklung der Oper in dieser Richtung bestimmt hat.

Die nächste Entwicklungsstufe

österreichisch Komponist Haydn gehört ebenfalls zur berühmten Konstellation von Autoren, die maßgeblich zur Reform der musikalischen Gattungen beigetragen haben. Er ist vor allem als Schöpfer von Symphonien und Quartetten bekannt. Dank ihnen erlangte der Maestro nicht nur in mitteleuropäischen Ländern, sondern auch im Ausland große Popularität. Am bekanntesten sind seine Werke, die unter dem Namen „Twelve London Symphonies“ ins Weltrepertoire aufgenommen wurden. Sie zeichnen sich durch eine Aufbruchsstimmung und Heiterkeit aus, die jedoch fast alle Werke dieses Komponisten prägen.

Merkmale der Kreativität

Ein charakteristisches Merkmal der Werke von Joseph Haydn war ihre Verbindung zur Folklore. In den Werken des Komponisten sind sehr oft Lied- und Tanzmotive zu hören, die sein Werk so erkennbar machten. Dies spiegelte die Haltung des Autors wider, der Mozart in vielerlei Hinsicht nachahmte und ihn für den besten Komponisten der Welt hielt. Von ihm entlehnte er fröhliche Lichtmelodien, die sein Werk ungewöhnlich ausdrucksstark und klangvoll machten.

Weitere Werke des Autors

Haydns Opern sind nicht so populär wie seine Quartette und Symphonien. Dennoch nimmt dieses Musikgenre einen herausragenden Platz im Werk von ein Österreichischer Komponist, daher sind einige seiner Werke dieser Art zu erwähnen, zumal sie eine bemerkenswerte Stufe in seinem sind kreative Biographie. Eine seiner Opern heißt The Apothecary und wurde für die Eröffnung eines neuen Theaters geschrieben. Auch für die Theaterneubauten schuf Haydn noch einige Werke dieser Art. Er schrieb hauptsächlich im Stil der italienischen Buffa-Oper und kombinierte manchmal komische und dramatische Elemente.

Die berühmtesten Schriften

Haydns Quartette werden zu Recht als die Perle der Weltklassik bezeichnet. Sie vereinten die Hauptprinzipien des Komponisten: Eleganz der Form, Virtuosität der Aufführung, optimistischer Klang, thematische Vielfalt und eine originelle Art der Aufführung. Einer der bekannten Zyklen heißt „Russisch“, da er Zarewitsch Pawel Petrowitsch, dem späteren russischen Kaiser Paul I., gewidmet ist. Eine weitere Gruppe von Quartetten ist für den preußischen König bestimmt. Diese Kompositionen wurden auf eine neue Weise geschrieben, da sie sich durch ihre außergewöhnliche Klangflexibilität und den Reichtum kontrastierender musikalischer Schattierungen auszeichneten. Mit dieser Sorte Musik Genre der Name des Komponisten hat weltweite Bedeutung erlangt. An dieser Stelle sei auch angemerkt, dass der Autor in seinen Kompositionen oft auf die sogenannten „Überraschungen“ zurückgriff und unerwartete musikalische Passagen an jenen Stellen einführte, wo das Publikum es am wenigsten erwartete. Unter diesen ungewöhnliche Kompositionen Haydns „Kindersymphonie“

Allgemeine Merkmale von Mozarts Werk

Dies ist einer der berühmtesten Musikautoren, der sich unter Klassik-Fans noch immer außerordentlicher Beliebtheit erfreut und auf der ganzen Welt geliebt wird. Der Erfolg seiner Schriften beruht darauf, dass sie sich durch logische Harmonie und Vollständigkeit auszeichnen. In dieser Hinsicht ordnen viele Forscher sein Werk der Ära des Klassizismus zu. Andere glauben jedoch, dass der Wiener Komponist zu einem Vorboten der Romantik wurde: Schließlich gab es in seinen Werken bereits eine klare Tendenz zur Darstellung starker, außergewöhnlicher Bilder sowie eine tiefgreifende psychologische Beschäftigung mit Charakteren (wir sprechen von Oper in dieser Fall). Wie dem auch sei, die Werke des Maestros zeichnen sich durch ihre Tiefe bei gleichzeitig außergewöhnlicher Leichtigkeit, Dramatik und Optimismus aus. Sie sind leicht und für jedermann zugänglich, aber gleichzeitig sehr ernst und philosophisch in Inhalt und Klang. Genau das ist das Phänomen seines Erfolges.

Opern des Komponisten

Die Wiener Klassik spielte eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Operngattung. Darin gebührt Mozart ein großes Verdienst. Aufführungen zu seiner Musik sind immer noch sehr beliebt und werden nicht nur von echten Musikliebhabern, sondern auch vom Massenpublikum geliebt. Vielleicht ist dies der einzige Komponist, dessen Musik irgendwie allen bekannt ist, auch wenn sie nur die entfernteste Ahnung von seinem Werk haben.

Die vielleicht berühmteste Oper ist Le nozze di Figaro. Das ist wohl das heiterste und zugleich ungewöhnlich witzigste Werk des Autors. Humor klingt in fast jeder Party, was ihm eine solche Popularität verschaffte. Die berühmte Arie des Protagonisten wurde schon am nächsten Tag zu einem echten Hit. Mozarts Musik - hell, verspielt, verspielt, aber gleichzeitig ungewöhnlich weise in ihrer Einfachheit - gewann sofort universelle Liebe und Anerkennung.

Noch eine berühmte Oper Autor - "Don Juan". In Bezug auf die Popularität steht es dem vorgenannten vielleicht nicht nach: Inszenierungen dieser Aufführung sind in unserer Zeit zu sehen. Bezeichnend ist die Tatsache, dass ziemlich komplexe Geschichte der komponist hat diesen mann in einer sehr einfachen und zugleich ernsten form dargestellt und damit einmal mehr sein tiefes lebensverständnis unter Beweis gestellt. Dabei gelang es dem Genie, sowohl dramatische als auch optimistische Komponenten zu zeigen, die in all seinen Werken untrennbar miteinander verbunden sind.

In unserer Zeit ist die Oper nicht weniger berühmt. magische Flöte". Mozarts Musik erreichte ihren Höhepunkt in ihrer Ausdruckskraft. In dieser Komposition ist es leicht, luftig, heiter und zugleich ungewohnt ernst, sodass man sich nur wundern kann, wie es dem Autor gelungen ist, ein ganzes philosophisches System in so einfachen, harmonischen Klängen zu transportieren. Auch andere Opern des Komponisten sind bekannt, zum Beispiel kann man derzeit regelmäßig "Die Barmherzigkeit des Titus" hören, sowohl im Theater als auch im Konzert. Somit nahm das Operngenre einen der Hauptplätze im Schaffen des genialen Komponisten ein.

Ausgewählte Werke

Der Komponist arbeitete in verschiedene Richtungen und schuf eine Vielzahl musikalischer Werke. Mozart, dessen „Nachtständchen“ beispielsweise längst über Konzertaufführungen hinausgegangen ist und große Popularität erlangt hat, schrieb in einer sehr einfachen und zugänglichen Sprache. Vielleicht wird er deshalb oft als das Genie der Harmonie bezeichnet. Auch in den tragischen Werken gab es ein Hoffnungsmotiv. In „Requiem“ drückte er seine Gedanken zu einem besseren aus zukünftiges Leben, sodass das Werk trotz des tragischen Tons der Musik ein Gefühl erleuchteter Ruhe hinterlässt.

Auch Mozarts Konzert zeichnet sich durch harmonische Harmonik und logische Vollständigkeit aus. Alle Teile unterliegen einem einzigen Thema und sind durch ein gemeinsames Motiv verbunden, das den Ton für das gesamte Werk angibt. Daher hört man seine Musik in einem Atemzug. In dieser Art von Genre wurden die Hauptprinzipien der Arbeit des Komponisten verkörpert: eine harmonische Kombination von Klängen und Stimmen, ein leichter und gleichzeitig virtuoser Klang des Orchesters. Niemand sonst könnte seine so harmonisch bauen musikalische Komposition wie Mozart. Die „Night Serenade“ des Komponisten ist eine Art Standard für die harmonische Kombination unterschiedlich klingender Parts. Fröhliche und laute Passagen werden sehr rhythmisch durch kaum hörbare virtuose Parts ersetzt.

Separat sollte es über die Massen des Autors gesagt werden. Sie nehmen in seinem Werk einen herausragenden Platz ein und sind wie andere Werke von einem Gefühl heller Hoffnung und erleuchteter Freude durchdrungen. Erwähnenswert ist auch das berühmte "Türkische Rondo", das über Konzertaufführungen hinausgegangen ist, so dass es oft sogar in Fernsehwerbung zu hören ist. Aber das größte Harmoniegefühl besitzt vielleicht Mozarts Konzert, in dem das Prinzip der logischen Vollständigkeit seinen höchsten Grad erreicht hat.

Kurz über das Werk Beethovens

Dieser Komponist gehört ganz der Epoche der Dominanz der Romantik an. Steht Johann Amadeus Mozart sozusagen an der Schwelle zur Klassik und einer neuen Richtung, dann ist Ludwig van Beethoven ganz aufs Bild umgestiegen starke Leidenschaften, starke Gefühle und herausragende Persönlichkeiten in ihren Werken. Er wurde vielleicht am meisten prominenter Vertreter Romantik. Es ist bezeichnend, dass er mit Bezug auf dramatische, tragische Themen nur eine Oper geschrieben hat. Das Hauptgenre für ihn blieben Symphonien und Sonaten. Ihm wird zugeschrieben, diese Werke reformiert zu haben, so wie Gluck zu seiner Zeit die Opernaufführung verändert hat.

Auffallend an der Arbeit des Komponisten war, dass das Hauptthema seiner Werke das Bild des mächtigen, titanischen Willens des Individuums war, der Schwierigkeiten und alle Hindernisse mit einer enormen Willensanstrengung überwindet. Auch L. V. Beethoven widmete in seinen Kompositionen dem Thema Kampf und Konfrontation sowie dem Motiv der universellen Einheit viel Raum.

Einige biografische Fakten

Er stammte aus einer Musikerfamilie. Sein Vater wollte, dass der Junge ein berühmter Komponist wird, also arbeitete er mit ihm und griff auf ziemlich harte Methoden zurück. Vielleicht wuchs das Kind deshalb von Natur aus düster und hart auf, was sich später auf seine Arbeit auswirkte. Beethoven arbeitete und lebte in Wien, wo er bei Haydn studierte, aber diese Studien enttäuschten sowohl den Schüler als auch den Lehrer sehr schnell. Letzterer machte darauf aufmerksam, dass der junge Autor von eher düsteren Motiven dominiert wurde, was damals nicht akzeptiert wurde.

Beethovens Biographie erzählt auch kurz von der Zeit seiner Leidenschaft für den Befreiungskampf. Die napoleonischen Kriege nahm er zunächst begeistert hin, verwarf aber später, als Bonaparte sich selbst zum Kaiser ausrief, die Idee, ihm zu Ehren eine Symphonie zu schreiben. 1796 begann Ludwig sein Gehör zu verlieren. Dies unterbrach jedoch seine kreative Tätigkeit nicht. Bereits völlig taub schrieb er seine berühmte 9. Symphonie, die zu einem echten Meisterwerk der Welt wurde musikalisches Repertoire. (es ist unmöglich, darüber kurz zu sprechen) enthält auch Informationen über die Freundschaft des Maestros mit prominenten Persönlichkeiten seiner Zeit. Trotz seines zurückhaltenden und schroffen Charakters war der Komponist mit Weber, Goethe und anderen Persönlichkeiten der Klassik befreundet.

Die berühmtesten Werke

Es wurde oben schon gesagt charakteristisches Merkmal Kreativität L. V. Beethoven war der Wunsch, starke, emotionale Charaktere, den Kampf der Leidenschaften und die Überwindung von Schwierigkeiten darzustellen. Unter den Werken dieser Gattung sticht besonders die „Appassionata“ hervor, die in Bezug auf die Intensität der Gefühle und Emotionen vielleicht eine der stärksten ist. Als der Komponist nach der Idee seiner Entstehung gefragt wurde, verwies er auf Shakespeares Schauspiel „Der Sturm“, das seiner Meinung nach als Inspirationsquelle diente. Der Autor zog eine Parallele zwischen den Motiven titanischer Impulse im Werk des Dramatikers und seiner eigenen musikalischen Interpretation dieses Themas.

Eines der beliebtesten Werke des Autors ist die Mondscheinsonate, die im Gegenteil von einem Gefühl der Harmonie und des Friedens durchdrungen ist, als ob sie der dramatischen Melodie seiner Symphonien gegenübersteht. Bezeichnenderweise schon der Name diese Arbeit von den Zeitgenossen des Komponisten gegeben, vielleicht weil die Musik an Meeresüberschwemmungen in einer stillen Nacht erinnerte. Es waren diese Assoziationen, die beim Hören dieser Sonate bei den meisten Zuhörern aufkamen. Nicht weniger und vielleicht sogar noch beliebter ist die berühmte Komposition „To Elise“, die der Komponist der Frau des russischen Kaisers Alexander I., Elizabeth Alekseevna (Louise), gewidmet hat. Diese Komposition besticht durch eine erstaunliche Kombination aus leichten Motiven und ernsthaften dramatischen Passagen in der Mitte. Einen besonderen Platz im Schaffen des Maestro nimmt seine einzige Oper „Fidelio“ (aus dem Italienischen übersetzt „Treue“) ein. Dieses Werk ist wie viele andere vom Pathos der Freiheitsliebe und dem Aufruf zur Freiheit durchdrungen. "Fidelio" verlässt die Bühnen der Gastgeber noch immer nicht, obwohl die Oper, wie es fast immer geschieht, nicht sofort Anerkennung fand.

Neunte Symphonie

Dieses Werk ist vielleicht das berühmteste unter den anderen Werken des Komponisten. Es wurde drei Jahre vor seinem Tod im Jahr 1824 geschrieben. Die Neunte Symphonie schließt die langjährige Suche des Komponisten nach der Schaffung eines perfekten symphonischen Werkes ab. Sie unterscheidet sich von allen vorangegangenen dadurch, dass sie erstens eine Chorstimme (auf die berühmte „Ode an die Freude“ von F. Schiller) einführte und zweitens darin vom Komponisten die Struktur reformierte Symphonisches Genre. Das Hauptthema wird nach und nach durch jeden Teil der Arbeit offenbart. Der Beginn der Sinfonie ist eher düster, schwer, aber auch dann klingt ein fernes Motiv der Versöhnung und Aufklärung, das sich im Laufe der Entwicklung verstärkt. musikalische Komposition. Schließlich, ganz im Finale, erklingt ein ziemlich kraftvoller Chorgesang, der alle Völker der Welt aufruft, sich zu vereinen. Damit betonte der Komponist die Grundidee seines Werkes noch mehr. Er wollte seinen Gedanken so klar wie möglich zum Ausdruck bringen, deshalb beschränkte er sich nicht nur auf die Musik, sondern führte auch das Auftreten von Sängern ein. Die Symphonie war ein voller Erfolg: Bei der Uraufführung spendete das Publikum dem Komponisten Standing Ovations. Es ist bezeichnend, dass L. V. Beethoven es komponierte, da er bereits ein völlig gehörloser Mensch war.

Bedeutung der Wiener Schule

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven wurden die Begründer der klassischen Musik und hatten einen großen Einfluss auf die gesamte nachfolgende Musik. Musikgeschichte nicht nur Europa, sondern die Welt. Die Bedeutung dieser Komponisten und ihr Beitrag zur Reformation des Musiktheaters kann kaum überschätzt werden. Sie arbeiteten in einer Vielzahl von Genres und schufen das Rückgrat und die Form von Werken, auf deren Grundlage ihre Anhänger neue Werke komponierten. Viele ihrer Kreationen gehen längst über Konzertauftritte hinaus und sind in Filmen und im Fernsehen weithin zu hören. "Türkisches Rondo", "Mondscheinsonate" und viele andere Werke dieser Autoren sind nicht nur Musikliebhabern bekannt, sondern auch denen, die mit klassischer Musik nicht vertraut sind. Viele Forscher bezeichnen die Wiener Etappe in der Entwicklung der Klassik zu Recht als die prägende der Musikgeschichte, da in dieser Zeit die wesentlichen Grundlagen für das Schaffen und Komponieren von Opern, Sinfonien, Sonaten und Quartetten gelegt wurden.

Ludwig van Beethoven (1771-1827) Biografie. Ludwig van Beethoven wurde im Dezember 1770 in Bonn geboren. Das genaue Geburtsdatum ist nicht bekannt, nur das Taufdatum ist bekannt - der 17. Dezember. Sein Vater Johann (Johann van Beethoven, 1740–1792) war Sänger in der Hofkapelle, seine Mutter Maria Magdalena, vor ihrer Heirat Keverich (Maria Magdalena Kewerich, 1748–1787), war die Tochter eines Hofkochs in Koblenz, sie 1767 heiratete. Großvater Ludwig (1712-1773) diente in derselben Kapelle wie Johann, zunächst als Sänger, dann als Kapellmeister. Er stammte aus Holland, daher das Präfix „van“ vor dem Nachnamen. Der Vater des Komponisten wollte aus seinem Sohn einen zweiten Mozart machen und begann ihm Cembalo und Violine beizubringen. 1778 fand die Uraufführung des Knaben in Köln statt. Ein Wunderkind wurde Beethoven jedoch nicht, der Vater vertraute den Jungen seinen Kollegen und Freunden an. Der eine brachte Ludwig das Orgelspiel bei, der andere die Geige. Der Beginn des kreativen Weges. Im Frühjahr 1787 klopfte ein Teenager im Kostüm eines Hofmusikers an die Tür eines kleinen Armenhauses am Stadtrand von Wien, in dem der berühmte Mozart lebte. Bescheiden bat er den großen Maestro, sich seine Fähigkeit anzuhören, über ein bestimmtes Thema zu improvisieren. Mozart, der in die Arbeit an der Oper Don Giovanni vertieft war, gab dem Gast zwei Zeilen polyphoner Exposition. Der Junge verlor nicht den Kopf und erledigte die Aufgabe hervorragend, wobei er den berühmten Komponisten mit seinen außergewöhnlichen Fähigkeiten beeindruckte. Mozart sagte zu seinen hier anwesenden Freunden: „Achtet auf diesen jungen Mann, die Zeit wird kommen, die ganze Welt wird von ihm sprechen.“ Diese Worte erwiesen sich als prophetisch. Die Musik des großen Komponisten Ludwig van Beethoven ist heute wirklich der ganzen Welt bekannt. Beethovens musikalischer Weg. Das ist der Weg vom Klassizismus zum neuen Stil, zur Romantik, der Weg des mutigen Experiments und der kreativen Suche. Beethovens musikalischer Nachlass ist riesig und überraschend vielfältig: 9 Sinfonien, 32 Sonaten für Klavier, Violine und Violoncello, eine symphonische Ouvertüre zum Drama Egmont von J. W. Goethe, 16 Streichquartette, 5 Konzerte mit Orchester, „Festliche Messe“, Kantaten, Oper "Fidelio", Romanzen, Arrangements von Volksliedern (es gibt etwa 160 davon, darunter auch russische). Beethoven mit 30. Sinfonische Musik von Beethoven. Beethoven erreichte in der symphonischen Musik unerreichbare Höhen und sprengte die Grenzen der sonaten-symphonischen Form. Die Dritte „Heroische“ Sinfonie (1802-1804) wurde zu einer Hymne an die Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes, an die Behauptung des Sieges von Licht und Vernunft. Diese grandiose Schöpfung, die in Umfang, Themen und Episoden die bis dahin bekannten Symphonien übertraf, spiegelt die turbulente Zeit der Französischen Revolution wider. Ursprünglich wollte Beethoven dieses Werk Napoleon Bonaparte widmen, der zu seinem wahren Idol wurde. Doch als sich der „General der Revolution“ zum Kaiser ausrief, zeigte sich, dass ihn Macht- und Ruhmsucht trieb. Beethoven strich die Widmung vom Titelblatt aus und schrieb ein Wort „Heroisch“. Die Sinfonie besteht aus vier Sätzen. Im ersten erklingt schnelle Musik, die den Geist des heroischen Kampfes, den Wunsch nach Sieg vermittelt. Im zweiten, langsamen Teil erklingt ein Trauermarsch voll erhabener Trauer. Erstmals wurde das Menuett des dritten Satzes durch ein schnelles Scherzo ersetzt, das nach Leben, Licht und Freude ruft. Der letzte, vierte Teil ist voller dramatischer und lyrischer Variationen. . Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen ist die Neunte Symphonie. Es dauerte zwei Jahre, um es zu schaffen - (1822-1824). Bilder von weltlichen Stürmen, schmerzlichen Verlusten, friedlichen Bildern der Natur und des ländlichen Lebens wurden zu einer Art Prolog zu einem ungewöhnlichen Finale, das auf den Text der Ode geschrieben war Deutscher Dichter WENN. Schiller (1759-1805). Zum ersten Mal in der symphonischen Musik verschmolzen der Klang des Orchesters und der Klang des Chors zu einer Einheit, die eine Hymne auf das Gute, die Wahrheit und die Schönheit verkündete und zum Reichtum aller Menschen auf Erden aufrief. Beethoven schreibt seine sechste Sinfonie. Sechste "Pastoral"-Symphonie. Es wurde 1808 unter dem Eindruck von Volksliedern und fröhlichen Tanzweisen geschrieben. Es trug den Untertitel „Erinnerungen an das ländliche Leben“. Die Solistencelli stellten das Bild des Rauschens des Baches nach, in dem Vogelstimmen zu hören waren: eine Nachtigall, eine Wachtel, Kuckucke, das Stampfen von Tänzern zu einem fröhlichen Dorflied. Doch ein plötzliches Donnergrollen stört die Feierlichkeiten. Bilder eines Sturms und eines ausbrechenden Gewitters regen die Fantasie der Zuhörer an. Sonaten von Beethoven. Auch Beethovens Sonaten sind in die Schatzkammer der Weltmusikkultur eingegangen. Beethoven widmete Juliet Guicciardi die Mondscheinsonate. Letzte Lebensjahre. Beethoven war so groß, dass ihn die Popularität der Regierung jedoch nicht zu berühren wagte. Trotz der Taubheit verfolgt der Komponist weiterhin nicht nur politische, sondern auch musikalische Neuigkeiten. Er liest (d. h. hört mit seinem inneren Ohr) die Partituren von Rossinis Opern, sieht die Sammlung von Schuberts Liedern durch, lernt die Opern des deutschen Komponisten Weber kennen. magischer Shooter"und" Evryanta. In Wien angekommen, besuchte Weber Beethoven. Sie aßen zusammen zu Mittag, und Beethoven, der normalerweise nicht zu Zeremonien neigte, machte seinem Gast den Hof. Nach dem Tod seines jüngeren Bruders übernahm der Komponist die Betreuung seines Sohnes. Beethoven bringt seinen Neffen in die besten Internate und weist seinen Schüler Czerny an, bei ihm Musik zu studieren. Sein Gesundheitszustand verschlechterte sich stark. Der Komponist entwickelt eine schwere Lebererkrankung. Beethovens Beerdigung. Beethoven starb am 26. März 1827. Über 20.000 Menschen folgten seinem Sarg. Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit! Die Präsentation wurde gemacht von: Sergeicheva Tatyana 10. Klasse.

L.Karankova

1. Merkmale von Beethovens Schaffensstil.

L. V. Beethoven - Deutscher Komponist, Vertreter der Wiener Klassik (geboren in Bonn, verbrachte aber den größten Teil seines Lebens in Wien - seit 1792).

Beethovens musikalisches Denken ist eine komplexe Synthese:

die schöpferischen Leistungen der Wiener Klassik (Gluck, Haydn, Mozart);

die Kunst der Französischen Revolution;

Neuerscheinungen in den 20er Jahren. 19. Jahrhundert künstlerische Leitung - Romantik.

Beethovens Kompositionen tragen die Prägung der Ideologie, Ästhetik und Kunst der Aufklärung. Dies erklärt weitgehend das logische Denken des Komponisten, die Klarheit der Formen, die Bedachtheit der gesamten künstlerischen Konzeption und einzelner Details der Werke.

Bemerkenswert ist auch, dass Beethoven sich am stärksten in den Gattungen der Sonate und Symphonie (für die Klassik charakteristische Gattungen) zeigte. Beethoven war der erste, der die sog. "conflict symphonism", basierend auf der Opposition und Kollision von hellen Kontrasten musikalische Bilder. Je dramatischer der Konflikt, desto komplexer der Entwicklungsprozess, der für Beethoven zur Hauptantriebskraft wird.

Ideen und Kunst der Französischen Revolution prägten viele Werke Beethovens. Von Cherubinis Opern führt ein direkter Weg zu Beethovens Fidelio.

In den Werken des Komponisten fanden ansprechende Intonationen und ziselierte Rhythmen, weite melodische Atemzüge und kraftvolle Instrumentierung der Hymnen von Liedern, Märschen und Opern dieser Epoche ihren Niederschlag. Sie veränderten Beethovens Stil. Deshalb unterschied sich die Tonsprache des Komponisten, obwohl mit der Kunst der Wiener Klassik verbunden, zugleich von ihr grundlegend. In den Werken von Beethoven sind im Gegensatz zu Haydn und Mozart selten exquisite Verzierungen, glatte rhythmische Muster, Kammern, transparente Texturen, Ausgewogenheit und Symmetrie musikalischer Themen zu finden.

Als Komponist einer neuen Ära findet Beethoven andere Intonationen, um seine Gedanken auszudrücken – dynamisch, unruhig, scharf. Der Klang seiner Musik wird viel gesättigter, dichter und dramatisch kontrastreicher. Seine musikalischen Themen erreichen eine bisher beispiellose Prägnanz, strenge Einfachheit.

Mit dem Klassizismus des 18. Jahrhunderts aufgewachsene Zuhörer waren fassungslos und oft missverstanden von der emotionalen Kraft von Beethovens Musik, die sich entweder in stürmischer Dramatik, in grandioser epischer Tragweite oder in eindringlichen Texten manifestierte. Aber gerade diese Qualitäten von Beethovens Kunst faszinierten romantische Musiker. Und obwohl Beethovens Verbindung zur Romantik unbestreitbar ist, stimmt seine Kunst in ihren Grundzügen nicht mit ihm überein. Es passt nicht ganz in den Rahmen des Klassizismus. Denn Beethoven ist wie kaum ein anderer einzigartig, individuell und facettenreich.

Beethovens Themen:

Im Mittelpunkt von Beethovens Aufmerksamkeit steht das Leben des Helden, das sich in einem unaufhörlichen Ringen um eine wunderbare Zukunft für alle abspielt. Der heroische Gedanke zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte Schaffen Beethovens. Beethovens Held ist untrennbar mit dem Volk verbunden. Er sieht den Sinn seines Lebens darin, der Menschheit zu dienen, ihr die Freiheit zu erringen. Aber der Weg zum Ziel führt durch Dornen, Kampf, Leiden. Oft stirbt ein Held, aber sein Tod wird von einem Sieg gekrönt, der der befreiten Menschheit Glück bringt. Beethovens Anziehungskraft auf heroische Bilder und die Idee des Kampfes ist einerseits dem Lager seiner Persönlichkeit geschuldet, schwieriges Schicksal, der Kampf dagegen, die ständige Überwindung von Schwierigkeiten; andererseits der Einfluss der Ideen der Großen Französischen Revolution auf das Weltbild des Komponisten.

Die reichste Reflexion fand sich im Werk Beethovens und dem Thema Natur (6. Sinfonie „Pastorale“, Sonate Nr. 15 „Pastorale“, Sonate Nr. 21 „Aurora“, 4. Sinfonie, viele langsame Teile von Sonaten, Sinfonien, Quartetten ). Passive Kontemplation ist Beethoven fremd: Die Ruhe der Natur hilft, die spannenden Fragen tiefer zu verstehen, Gedanken zu sammeln und interne Kräfte für den Kampf des Lebens.

Beethoven dringt tief in die Sphäre menschlicher Gefühle ein. Aber Beethoven enthüllt die Welt des inneren, emotionalen Lebens eines Menschen und zeichnet alle denselben Helden, der in der Lage ist, die Spontaneität der Gefühle den Anforderungen der Vernunft unterzuordnen.

Die Hauptmerkmale der Musiksprache:

Melodika. Das Grundprinzip seiner Melodie liegt in Trompetensignalen und Fanfaren, in beschwörenden oratorischen Ausrufen und Marschwendungen. Bewegung entlang der Klänge des Dreiklangs wird oft verwendet (G.P. "Heroic Symphony"; Thema des Finales der 5. Symphonie, G.P. I Teil 9 der Symphonie). Beethovens Zäsuren sind Satzzeichen in der Rede. Beethovens Fermaten sind Pausen nach pathetischen Fragen. Musikalische Themen Beethovens Stücke bestehen oft aus gegensätzlichen Elementen. Die kontrastierende Themenstruktur findet sich auch bei Beethovens Vorgängern (insbesondere Mozart), aber bei Beethoven wird sie bereits zum Muster. Der Kontrast innerhalb des Themas entwickelt sich zu einem Konflikt zwischen G.P. und P. P. in Sonatenform, dynamisiert alle Abschnitte des Sonaten-Allegros.

Metrorhythmus. Beethovens Rhythmen sind aus derselben Quelle geboren. Rhythmus trägt eine Ladung von Männlichkeit, Wille, Aktivität.

Marschrhythmen sind sehr verbreitet

Tanzrhythmen (in Bildern des Volksspaßes - das Finale der 7. Symphonie, das Finale der Aurora-Sonate, wenn nach langem Leiden und Kampf ein Moment des Triumphs und der Freude kommt.

Harmonie. Mit der Einfachheit der Akkordvertikale (Akkorde der Hauptfunktionen, lakonische Verwendung von Nicht-Akkord-Klängen) - eine kontrastdramatische Interpretation der harmonischen Sequenz (Verbindung mit dem Prinzip der Konfliktdramaturgie). Scharfe, kühne Modulationen in entfernten Tonarten (im Gegensatz zu den plastischen Modulationen von Mozart). In seinen späteren Werken nimmt Beethoven die Merkmale romantischer Harmonik vorweg: polyphonisiertes Gewebe, eine Fülle von nicht übereinstimmenden Klängen, exquisite harmonische Sequenzen.

Die musikalischen Formen von Beethovens Werken sind grandiose Konstruktionen. „Das ist der Shakespeare der Massen“, schrieb V. Stasov über Beethoven. "Mozart war nur für Einzelne verantwortlich ... Beethoven hingegen dachte an die Geschichte und die ganze Menschheit." Beethoven ist der Schöpfer der Form der freien Variationen (Finale der Klaviersonate Nr. 30, Variationen über ein Thema von Diabelli, Teile 3 und 4 der 9. Symphonie). Ihm wird die Einführung zugeschrieben Variationsform in eine große Form.

Musikgenres. Beethoven entwickelte die meisten der bestehenden musikalischen Genres. Grundlage seiner Arbeit ist die Instrumentalmusik.

Liste von Beethovens Kompositionen:

Orchestermusik:

Sinfonien - 9;

Ouvertüren: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 Fassungen zur Oper "Fidelio";

Konzerte: 5 Klavier, 1 Violine, 1 Tripel - für Violine, Cello und Klavier.

Klaviermusik:

32 Sonaten;

22 Variationszyklen (davon 32 C-Moll-Variationen);

Bagatellen (einschließlich "To Elise").

Kammermusik:

Sonaten für Violine und Klavier (ua „Kreutzer“ Nr. 9); Cello und Klavier;

16 Streichquartette.

Vokalmusik:

Oper „Fidelio“;

Lieder inkl. der Zyklus „To a Distant Beloved“, Bearbeitungen von Volksliedern: schottisch, irisch, etc.;

2 Messen: C-dur und feierliche Messe;

Oratorium „Christus am Ölberg“

2. Leben und Werk Beethovens.

Bonner Zeit. Kindheit und Jugend.

Beethoven wurde am 16. Dezember 1770 in Bonn geboren. In seinen Adern (väterlicherseits) floss neben deutschem auch flämisches Blut.

Beethoven wuchs in Armut auf. Mein Vater hat sein mageres Gehalt verzehrt; er brachte seinem Sohn das Geigen- und Klavierspielen bei, in der Hoffnung, dass er ein Wunderkind, der neue Mozart, werden und für seine Familie sorgen würde. Im Laufe der Zeit wurde das Gehalt des Vaters entsprechend der Zukunft seines begabten und fleißigen Sohnes erhöht.

Beethovens Allgemeinbildung war ebenso unsystematisch wie seine musikalische Ausbildung. Bei letzterem spielte jedoch die Übung eine große Rolle: Er spielte Bratsche in der Hofkapelle, spielte auf Tasteninstrumenten, darunter die Orgel, die er schnell beherrschte. KG. Nefe, der Bonner Hoforganist, wurde Beethovens erster wirklicher Lehrer (unter anderem ging er mit ihm die gesamte „HTK“ von S. Bach durch).

1787 gelang Beethoven erstmals ein Besuch in Wien – damals die Musikhauptstadt Europas. Den Erzählungen zufolge schätzte Mozart, nachdem er das Stück des jungen Mannes gehört hatte, seine Improvisationen sehr und sagte ihm eine große Zukunft voraus. Doch bald musste Beethoven nach Hause zurückkehren – seine Mutter lag dem Tode nahe. Er blieb der alleinige Ernährer der Familie, die aus einem ausschweifenden Vater und zwei jüngeren Brüdern bestand.

Das Talent des jungen Mannes, seine Gier nach musikalischen Eindrücken, sein feuriges und empfängliches Wesen erregten die Aufmerksamkeit einiger aufgeklärter Bonner Familien und bescherten ihm brillante Klavierimprovisationen freier Eintritt zu jedem Musiktreffen. Die Familie Breuning hat besonders viel für ihn getan.

Erste Wiener Zeit (1792 - 1802).

In Wien, wohin Beethoven 1792 zum zweiten Mal kam und wo er bis an sein Lebensende blieb, fand er schnell angesehene Mäzene.

Menschen, die den jungen Beethoven kennenlernten, beschrieben den zwanzigjährigen Komponisten als einen stämmigen jungen Mann, zu Elan neigend, manchmal forsch, aber gutmütig und süß im Umgang mit Freunden. Als er die Unzulänglichkeit seiner Ausbildung erkannte, ging er zu Joseph Haydn, einer anerkannten Wiener Autorität auf diesem Gebiet Instrumentalmusik(Mozart starb ein Jahr zuvor) und brachte ihn einige Zeit dazu, Übungen im Kontrapunkt zu überprüfen. Haydn beruhigte sich jedoch bald gegenüber dem hartnäckigen Schüler, und Beethoven begann, heimlich vor ihm, Unterricht bei I. Shenk und dann bei dem gründlicheren J. G. Albrechtsberger zu nehmen. Um sich im Vokalsatz zu verbessern, besuchte er mehrere Jahre lang den berühmten Opernkomponisten Antonio Salieri. Bald schloss er sich einem Kreis an, der betitelte Amateure und professionelle Musiker vereinte. Prinz Karl Likhnovsky stellte den jungen Provinzial seinem Freundeskreis vor.

Politische und öffentliches Leben Europa dieser Zeit war alarmierend: Als Beethoven 1792 in Wien ankam, wurde die Stadt von der Nachricht von der Revolution in Frankreich erschüttert. Beethoven nahm begeistert revolutionäre Parolen an und besang in seiner Musik die Freiheit. Die vulkanische Brisanz seines Schaffens verkörpert zweifelsohne den Zeitgeist, aber nur in dem Sinne, dass der Charakter des Schöpfers gewissermaßen von dieser Zeit geprägt wurde. Ein frecher Bruch allgemeingültiger Normen, eine kraftvolle Selbstbehauptung, eine donnernde Atmosphäre von Beethovens Musik – all das wäre in der Zeit Mozarts undenkbar gewesen.

Dennoch folgen Beethovens frühe Kompositionen weitgehend den Kanons des 18. Jahrhunderts: Dies gilt für Trios (Streicher und Klavier), Violin-, Klavier- und Cellosonaten. Das Klavier war damals Beethovens engstes Instrument, in Klavierwerken drückte er die intimsten Gefühle mit größter Aufrichtigkeit aus. Die Erste Symphonie (1801) ist Beethovens erste rein orchestrale Komposition.

Der Ansatz der Taubheit.

Inwieweit Beethovens Taubheit sein Schaffen beeinflusste, lässt sich nur erahnen. Die Krankheit entwickelte sich allmählich. Bereits 1798 klagte er über Tinnitus, es fiel ihm schwer, hohe Töne zu unterscheiden, ein im Flüsterton geführtes Gespräch zu verstehen. Erschrocken über die Aussicht, ein Objekt des Mitleids zu werden - ein gehörloser Komponist - sprach er über seine Krankheit mit einem engen Freund - Carl Amenda - sowie mit Ärzten, die ihm rieten, sein Gehör so gut wie möglich zu schützen. Er drehte sich weiter im Kreis seiner Wiener Freunde, nahm teil musikalische Abende Sie hat viel geschrieben. Er verstand es so gut, seine Taubheit zu verbergen, dass selbst Menschen, die ihm oft begegneten, bis 1812 nicht ahnten, wie ernst seine Krankheit war. Dass er während des Gesprächs oft unpassend antwortete, wurde auf schlechte Laune oder Zerstreutheit zurückgeführt.

Im Sommer 1802 zog sich Beethoven in einen ruhigen Wiener Vorort nach Heiligenstadt zurück. Dort tauchte ein beeindruckendes Dokument auf – das Heiligenstädter Testament, ein schmerzliches Geständnis eines von Krankheit gequälten Musikers. Das Testament ist an die Brüder Beethovens gerichtet (mit Anweisungen zur Verlesung und Ausführung nach seinem Tod); darin spricht er von seinem seelischen Leiden: Es schmerzt, wenn „ein neben mir stehender Mensch von weitem eine Flöte spielen hört, die für mich nicht hörbar ist; oder wenn jemand einen Hirten singen hört und ich kein Geräusch verstehe." Doch dann ruft er in einem Brief an Dr. Wegeler aus: „Ich werde das Schicksal an der Kehle packen! op. 31 und drei Violinsonaten op. dreißig.

Zeitraum reife Kreativität. « Neuer Weg"(1803 - 1812).

Der erste entscheidende Durchbruch zu dem, was Beethoven selbst den „neuen Weg“ nannte, erfolgte in der Dritten Symphonie (Heroisch, 1803-1804). Ihre Dauer ist dreimal so lang wie jede andere zuvor geschriebene Symphonie. Nicht umsonst wird oft behauptet, Beethoven habe die „Heroic“ zunächst Napoleon gewidmet, aber als er erfuhr, dass er sich zum Kaiser ausgerufen hatte, habe er die Widmung wieder rückgängig gemacht. „Jetzt wird er die Rechte des Menschen mit Füßen treten und nur seinen eigenen Ehrgeiz befriedigen“, soll Beethoven laut Erzählungen gesagt haben, als er das Titelblatt der Partitur mit der Widmung zerriss. Am Ende wurde "Heroic" einem der Mäzene gewidmet - Prinz Lobkowitz.

In diesen Jahren entstanden unter seiner Feder brillante Kreationen nacheinander. Die Hauptwerke des Komponisten bilden einen unglaublichen Strom brillanter Musik, diese imaginäre Klangwelt ersetzt die Welt der realen Klänge, die ihn verlässt. Es war eine siegreiche Selbstbestätigung, ein Spiegel der intensiven Gedankenarbeit, ein Beweis für das reiche Innenleben des Musikers.

Werke der zweiten Periode: Violinsonate A-Dur op. 47 (Kreutzerova, 1802-1803); Dritte Symphonie (Heroisch, 1802-1805); Oratorium Christus am Ölberg op. 85 (1803); Klaviersonaten: "Waldstein", op. 53; "Appassionata" (1803-1815); Klavierkonzert Nr. 4 in G-Dur (1805-1806); Beethovens einzige Oper, Fidelio (1805, zweite Ausgabe 1806); drei "russische" Quartette op. 59 (dem Grafen Razumovsky gewidmet; 1805-1806); Vierte Symphonie (1806); Ouvertüre zur Tragödie des Collinus Coriolanus op. 62 (1807); Messe in C-Dur (1807); Fünfte Symphonie (1804-1808); Sechste Symphonie (Pastorale, 1807-1808); Musik zur Tragödie von Goethe Egmont (1809) und anderen.

Eine Reihe von Kompositionen wurde von den romantischen Gefühlen inspiriert, die Beethoven für einige seiner High-Society-Schüler hatte. Die später „Lunar“ genannte Sonate ist der Gräfin Juliette Guicciardi gewidmet. Beethoven dachte sogar daran, ihr einen Heiratsantrag zu machen, erkannte aber rechtzeitig, dass ein gehörloser Musiker nicht zu einer koketten weltlichen Schönheit passte. Andere Damen, die er kannte, lehnten ihn ab; Einer von ihnen nannte ihn "Freak" und "halb verrückt". Anders war die Situation bei der Braunschweiger Familie, in der Beethoven zwei älteren Schwestern – Teresa und Josephine – Musikunterricht gab. Die Annahme, dass Teresa die Adressatin der Botschaft an die „unsterbliche Geliebte“ war, die in Beethovens Nachlass nach seinem Tod gefunden wurde, wurde lange verworfen, aber moderne Forscher schließen nicht aus, dass diese Adressatin Josephine war. Jedenfalls verdankt die idyllische Vierte Symphonie ihre Idee Beethovens Aufenthalt auf dem ungarischen Gut Braunschweig im Sommer 1806.

1804 nahm Beethoven bereitwillig einen Auftrag an, eine Oper zu komponieren, denn in Wien bedeutete Erfolg auf der Opernbühne Ruhm und Geld. Die Handlung in Kürze lautete wie folgt: Eine mutige, unternehmungslustige Frau, gekleidet in Männerkleidung, rettet ihren geliebten Ehemann, der von einem grausamen Tyrannen gefangen gehalten wird, und entlarvt diesen vor dem Volk. Um Verwechslungen mit der bereits existierenden Oper zu diesem Thema – „Leonora“ von Gaveau – zu vermeiden, wurde Beethovens Werk „Fidelio“ genannt, nach dem Namen, den die verkleidete Heldin trägt. Natürlich hatte Beethoven keine Erfahrung mit dem Komponieren für das Theater. Die Höhepunkte des Melodrams sind von hervorragender Musik geprägt, aber in anderen Abschnitten lässt es der Komponist aufgrund mangelnder dramatischer Ausstrahlung nicht zu, sich über die Opernroutine zu erheben (obwohl er sehr darauf bedacht war: In Fidelio gibt es Fragmente, die neu erfunden wurden bis achtzehnmal). Trotzdem eroberte die Oper nach und nach die Zuhörer (zu Lebzeiten des Komponisten fanden drei seiner Produktionen in verschiedenen Ausgaben statt - 1805, 1806 und 1814). Man kann argumentieren, dass der Komponist in kein anderes Werk so viel Arbeit investiert hat.

Beethoven verehrte, wie bereits erwähnt, die Werke Goethes zutiefst, komponierte mehrere Lieder auf seine Texte, Musik zu seiner Tragödie Egmont, traf Goethe aber erst im Sommer 1812, als sie zusammen in einem Kurort in Teplitz landeten. Gepflegte Umgangsformen der große Dichter und die Schärfe im Verhalten des Komponisten trugen nicht zu ihrer Annäherung bei. „Sein Talent ist mir sehr aufgefallen, aber leider hat er ein unbezähmbares Temperament, und die Welt scheint ihm ein hasserfülltes Geschöpf“, heißt es in einem seiner Briefe.

Beethovens Freundschaft mit Rudolf, dem österreichischen Erzherzog und Halbbruder des Kaisers, ist eine der merkwürdigsten historischen Handlungen. Um 1804 begann der damals 16-jährige Erzherzog Klavierunterricht bei dem Komponisten zu nehmen. Trotz des großen Unterschieds im sozialen Status hatten der Lehrer und der Schüler eine aufrichtige Zuneigung zueinander. Beim Erscheinen zum Unterricht im erzherzoglichen Palais musste Beethoven an unzähligen Lakaien vorbeigehen, seinen Schüler „Eure Hoheit“ nennen und gegen seine dilettantische Einstellung zur Musik ankämpfen. Und das alles tat er mit erstaunlicher Geduld, obwohl er nie zögerte, den Unterricht abzusagen, wenn er mit dem Komponieren beschäftigt war. Im Auftrag des Erzherzogs entstanden Kompositionen wie die Klaviersonate „Lebewohl“, das Tripelkonzert, das letzte und grandioseste fünfte Klavierkonzert, die Feierliche Messe (Missa solemnis). Erzherzog, Fürst Kinsky und Fürst Lobkowitz richteten eine Art Stipendium für den Komponisten ein, der Wien berühmt machte, aber von der Stadtverwaltung keine Unterstützung erhielt, und der Erzherzog erwies sich als der zuverlässigste der drei Förderer.

Letzten Jahren.

Die finanzielle Situation des Komponisten verbesserte sich deutlich. Verleger jagten nach seinen Partituren und gaben Werke in Auftrag wie Grand Piano Variations on a Waltz von Diabelli (1823). Als sein Bruder Kaspar 1815 starb, wurde der Komponist einer der Vormunde seines zehnjährigen Neffen Karl. Beethovens Liebe zu dem Jungen, der Wunsch, seine Zukunft zu sichern, geriet in Konflikt mit dem Misstrauen des Komponisten gegenüber Karls Mutter; in der Folge stritt er sich nur ständig mit beiden, und diese Situation warf ein tragisches Licht auf die letzte Zeit seines Lebens. In den Jahren, als Beethoven das Sorgerecht beantragte, komponierte er wenig.

Beethovens Taubheit wurde fast vollständig. Bis 1819 musste er vollständig auf die Kommunikation mit seinen Gesprächspartnern mittels Schiefertafel oder Papier und Bleistift umstellen (die sogenannten Beethoven-Gesprächshefte sind erhalten). Völlig in die Arbeit an Kompositionen wie der majestätischen Feierlichen Messe in D-Dur (1818) oder der Neunten Symphonie vertieft, benahm er sich seltsam und löste bei Fremden Alarm aus: Er „sang, heulte, stampfte mit den Füßen und schien im Allgemeinen einen Sterblichen zu führen Kampf mit unsichtbarem Gegner" (Schindler). Brillante letzte Quartette, fünf letzte Klaviersonaten- grandios im Maßstab, ungewöhnlich in Form und Stil - schienen vielen Zeitgenossen die Werke eines Wahnsinnigen zu sein. Dennoch erkannten die Wiener Zuhörer den Adel und die Erhabenheit von Beethovens Musik, sie hatten das Gefühl, es mit einem Genie zu tun zu haben. 1824, während der Aufführung der Neunten Symphonie mit ihrem Chorfinale auf den Text von Schillers Ode „An die Freude“, stand Beethoven neben dem Dirigenten. Der Saal war gefesselt von der kraftvollen Klimax am Ende der Symphonie, das Publikum tobte, aber der taube Beethoven drehte sich nicht um. Einer der Sänger musste ihn am Ärmel packen und zum Publikum drehen, sodass sich der Komponist verneigte.

Das Schicksal anderer späterer Werke war komplizierter. Viele Jahre vergingen nach Beethovens Tod, und erst dann begannen die empfänglichsten Musiker, seine letzten Quartette und letzten Klaviersonaten aufzuführen und den Menschen diese höchsten, schönsten Errungenschaften Beethovens zu offenbaren. Bisweilen wird Beethovens Spätstil als nachdenklich, abstrakt charakterisiert, bisweilen die Gesetze des Wohlklangs vernachlässigend.

Beethoven starb am 26. März 1827 in Wien an einer durch Gelbsucht und Wassersucht komplizierten Lungenentzündung.

3. Beethovens Klavierwerk

Das Erbe von Beethovens Klaviermusik ist groß:

32 Sonaten;

22 Variationszyklen (darunter "32 Variationen in c-moll");

Bagatellen, Tänze, Rondos;

viele kleine Aufsätze.

Beethoven war ein brillanter virtuoser Pianist, der mit unerschöpflichem Einfallsreichtum zu jedem Thema improvisierte. In Beethovens Konzertauftritten offenbarte sich sehr schnell sein gewaltiges, gigantisches Wesen, die enorme emotionale Ausdruckskraft. Es war nicht mehr der Stil eines Kammersalons, sondern einer großen Konzertbühne, auf der der Musiker nicht nur lyrische, sondern auch monumentale, heroische Bilder enthüllen konnte, zu denen er sich leidenschaftlich hingezogen fühlte. All dies manifestierte sich bald deutlich in seinen Kompositionen. Darüber hinaus offenbarte sich Beethovens Individualität gerade erst in Klavierkompositionen: Beethoven begann mit einem bescheidenen klassischen Klavierstil, der noch weitgehend mit der Kunst des Cembalospiels verbunden war, und endete mit Musik für das moderne Klavier.

Innovative Techniken des Klavierstils von Beethoven:

Erweiterung bis an die Grenze des Schallbereichs, wodurch bisher Unbekanntes zum Vorschein kommt Ausdrucksmittel Endregister. Daher - das Gefühl eines weiten Luftraums, das durch den Vergleich entfernter Register erreicht wird;

Verschieben der Melodie in tiefe Register;

die Verwendung von massiven Akkorden, reicher Textur;

Bereicherung der Pedaltechnik.

Unter Beethovens umfangreichem Klaviererbe ragen seine 32 Sonaten heraus. Beethovens Sonate wurde wie eine Klaviersymphonie. Wenn die Symphonie für Beethoven die Sphäre monumentaler Ideen und breiter "allmenschlicher" Probleme war, dann hat der Komponist in den Sonaten die Welt der inneren Erfahrungen und Gefühle eines Menschen neu erschaffen. Laut B. Asafiev sind „Beethovens Sonaten das ganze Leben eines Menschen. Es scheint keine emotionalen Zustände zu geben, die hier nicht auf die eine oder andere Weise ihren Niederschlag finden würden.

Beethoven bricht seine Sonaten im Geiste unterschiedlicher Gattungstraditionen:

Symphonien ("Appassionata");

Fantasien ("Mond");

Ouvertüre ("Pathetisch").

In einer Reihe von Sonaten überwindet Beethoven das klassische 3-stimmige Schema, indem er eine zusätzliche Stimme – ein Menuett oder ein Scherzo – zwischen den langsamen Satz und das Finale einfügt und die Sonate damit einer Symphonie gleicht. Unter den späten Sonaten gibt es zweistimmige.

Sonate Nr. 8, „Erbärmlich“ (c-moll, 1798).

Der Name „Pathetic“ wurde von Beethoven selbst vergeben, nachdem er sehr genau den Hauptton bestimmt hatte, der die Musik dieses Werks dominiert. "Erbärmlich" - übersetzt aus dem Griechischen. - leidenschaftlich, aufgeregt, voller Pathos. Es sind nur zwei Sonaten bekannt, deren Namen Beethoven selbst gehören: „Pathetique“ und „Farewell“ (Es-dur, op. 81 a). Unter Beethovens frühen Sonaten (vor 1802) ist Pathetique die reifste.

Sonate Nr. 14, "Mondschein" (cis-moll, 1801).

Der Name "Lunar" wurde von Beethovens zeitgenössischem Dichter L. Relshtab (Schubert schrieb viele Lieder auf seine Gedichte) gegeben, weil. Die Musik dieser Sonate war mit Stille, Geheimnis verbunden mondhelle Nacht. Beethoven selbst bezeichnete sie als „Sonata quasi una fantasia“ (sozusagen eine Sonate, eine Fantasie), was die Neuordnung von Teilen des Zyklus rechtfertigte:

Teil I - Adagio, in freier Form geschrieben;

Teil II - Allegretto in vorspiel-improvisatorischer Manier;

Teil III - Finale, in Sonatenform.

Die Originalität der Komposition der Sonate beruht auf ihrer poetischen Absicht. Ein spirituelles Drama, die dadurch verursachten Zustandsübergänge - von trauriger Selbstversenkung bis zu gewalttätiger Aktivität.

Ich teile (cis-moll) - traurige Monologreflexion. Erinnert mich an einen erhabenen Choral, einen Trauermarsch. Anscheinend hat diese Sonate die Stimmung eingefangen tragische Einsamkeit dem Beethoven zum Zeitpunkt des Zusammenbruchs seiner Liebe zu Julia Guicciardi gehörte.

Oft wird der zweite Teil der Sonate (Des-dur) mit ihrem Bild in Verbindung gebracht. Voller anmutiger Motive, des Spiels von Licht und Schatten, unterscheidet sich Allegretto deutlich vom ersten Satz und dem Finale. Nach der Definition von F. Liszt ist dies „eine Blume zwischen zwei Abgründen“.

Das Finale der Sonate ist ein alles mitreißender Sturm, ein tobendes Element der Gefühle. Das Finale der Mondsonate nimmt die Appassionata vorweg.

Sonate Nr. 21, „Aurora“ (C-dur, 1804).

In diesem Werk offenbart sich ein neues Gesicht Beethovens, fernab von heftigen Leidenschaften. Hier atmet alles mit ursprünglicher Reinheit, erstrahlt in blendendem Licht. Kein Wunder, dass sie "Aurora" genannt wurde (in der antiken römischen Mythologie - die Göttin der Morgenröte, dasselbe wie Eos im Altgriechischen.). "White Sonata" - Romain Rolland nennt es. Naturbilder erscheinen hier in ihrer ganzen Pracht.

Teil I - monumental, entspricht der Vorstellung eines königlichen Bildes des Sonnenaufgangs.

Teil II bezeichnet R. Rolland als „den Seelenzustand Beethovens inmitten friedlicher Gefilde“.

Das Finale ist ein Genuss aus der unsagbaren Schönheit der umgebenden Welt.

Sonate Nr. 23, „Appassionata“ (f-moll, 1805).

Der Name „Appassionata“ (leidenschaftlich) gehört nicht zu Beethoven, er wurde vom Hamburger Verleger Kranz erfunden. Die Wut der Gefühle, der tobende Strom der Gedanken und Leidenschaften von wahrhaft titanischer Kraft sind hier in klassisch klaren, perfekten Formen verkörpert (Leidenschaften werden durch einen eisernen Willen gezügelt). R. Rolland definiert „Appassionata“ als „einen feurigen Strom in einem Granitruder“. Als Beethovens Schüler Schindler seinen Lehrer nach dem Inhalt dieser Sonate fragte, antwortete Beethoven: „Lies Shakespeares Der Sturm“. Aber Beethoven hat seine eigene Interpretation von Shakespeares Werk: Der titanische Kampf des Menschen mit der Natur erhält für ihn eine ausgeprägte soziale Färbung (der Kampf gegen Tyrannei und Gewalt).

Appassionata ist das Lieblingswerk von V. Lenin: „Ich kenne nichts Besseres als Appassionata, ich bin bereit, es jeden Tag zu hören. toll, unmenschliche Musik. Ich denke immer stolz, vielleicht auch naiv: Das sind die Wunder, die Menschen vollbringen können!

Die Sonate endet tragisch, aber gleichzeitig wird der Sinn des Lebens gewonnen. Appassionata wird Beethovens erste „optimistische Tragödie“. Das Erscheinen eines neuen Bildes im Code des Finales (eine Episode im Rhythmus eines schwerfälligen Massentanzes), das bei Beethoven die Bedeutung eines Symbols hat, schafft einen beispiellosen Kontrast von Hoffnung, Ansturm auf das Licht und düsterer Verzweiflung .

Eines der charakteristischen Merkmale der "Appassionata" ist ihre außergewöhnliche Dynamik, die ihre Skala zu kolossalen Ausmaßen erweiterte. Das Wachstum der Sonaten-Allegro-Form erfolgt aufgrund der Entwicklung, die in alle Abschnitte der Form eindringt, inkl. und Belichtung. Die Durchführung selbst wächst zu gigantischen Ausmaßen an und geht ohne Zäsur in eine Reprise über. Die Coda geht in eine zweite Durchführung über, wo der Höhepunkt des ganzen Teils erreicht wird.

Die nach der „Appassionata“ entstandenen Sonaten markierten einen Wendepunkt, eine Hinwendung zu einem neuen, späten Stil Beethovens, der die Werke romantischer Komponisten des 19. Jahrhunderts in vielerlei Hinsicht vorwegnahm.

4. Symphonische Werke von Beethoven.

Beethoven war der erste, der der Symphonie einen öffentlichen Zweck gab, sie auf die Ebene der Philosophie erhob. In der Sinfonie verkörperte sich das revolutionär-demokratische Weltbild des Komponisten am tiefsten.

Beethoven schuf in seinen symphonischen Werken majestätische Tragödien und Dramen. Beethoven-Symphonie, an riesige Menschenmassen gerichtet, hat monumentale Formen. So ist der I-Teil der „Heroischen“ Sinfonie fast doppelt so groß wie der I-Teil der größten von Mozarts Symphonien – „Jupiter“, und die gigantischen Dimensionen der 9. Sinfonie sind im Allgemeinen mit keinem der zuvor geschriebenen symphonischen Werke vergleichbar .

Bis zu seinem 30. Lebensjahr hat Beethoven überhaupt keine Sinfonie geschrieben. Beliebig symphonisches Werk Beethoven - die Frucht der längsten Arbeit. So entstand die "Heroische" 1,5 Jahre, die Fünfte Symphonie - 3 Jahre, die Neunte - 10 Jahre. Die meisten Symphonien (von der Dritten bis zur Neunten) fallen in die Zeit des höchsten Aufstiegs von Beethovens Schaffen.

Ich Symphonie fasst die Suche zusammen frühe Periode. „Das ist nicht mehr Haydn, aber noch nicht Beethoven“, so Berlioz. Im Zweiten, Dritten und Fünften werden Bilder revolutionären Heldentums ausgedrückt. Die vierte, sechste, siebte und achte - zeichnen sich durch ihre lyrischen, genrehaften, scherzo-humorigen Züge aus. In Beethovens Neunter Symphonie das letzte Mal kehrt zum Thema des tragischen Kampfes und der optimistischen Lebensbejahung zurück.

Dritte Sinfonie, „Heroisch“ (1804).

Die wahre Blüte von Beethovens Werk ist mit seiner Dritten Symphonie verbunden (die Zeit der reifen Kreativität). Dem Erscheinen dieser Arbeit ging voraus tragische Ereignisse im Leben des Komponisten - der Beginn der Taubheit. Als er erkannte, dass es keine Hoffnung auf Genesung gab, stürzte er in Verzweiflung, Gedanken an den Tod ließen ihn nicht los. 1802 schrieb Beethoven sein Testament an seine Brüder, bekannt als die Heiligenstadt.

In diesem für den Künstler schrecklichen Moment wurde die Idee der 3. Sinfonie geboren und die seelischer Bruch, mit der die fruchtbarste Zeit in Beethovens Schaffen beginnt.

Dieses Werk spiegelte Beethovens Faszination für die Ideale der Französischen Revolution und Napoleons wider, der in seiner Vorstellung das Bild des Wahren verkörperte Volksheld. Nach Beendigung der Sinfonie nannte Beethoven sie „Buonaparte“. Aber bald kam die Nachricht nach Wien, dass Napoleon die Revolution gewendet und sich zum Kaiser ausgerufen hatte. Als Beethoven davon erfuhr, war er wütend und rief aus: „Auch dieser ist ein gewöhnlicher Mensch! Jetzt wird er alle Menschenrechte mit Füßen treten, nur seinem eigenen Ehrgeiz folgen, sich über alle anderen stellen und ein Tyrann werden! Laut Augenzeugen ging Beethoven zum Tisch, schnappte sich das Titelblatt, riss es von oben nach unten auf und warf es auf den Boden. Anschließend gab der Komponist der Symphonie einen neuen Namen - "Heroic".

Mit der Dritten Symphonie begann eine neue Ära in der Geschichte der Weltsymphonie. Die Bedeutung der Arbeit ist wie folgt: Im Verlauf eines titanischen Kampfes stirbt der Held, aber seine Leistung ist unsterblich.

Teil I - Allegro con brio (Es-dur). GP - das Bild eines Helden und Kampfes.

Teil II - Trauermarsch (c-moll).

III Teil - Scherzo.

Teil IV - Finale - ein Gefühl von allumfassendem Folk-Spaß.

Fünfte Symphonie, c-Moll (1808).

Diese Symphonie setzt die Idee des heroischen Kampfes der Dritten Symphonie fort. "Durch die Dunkelheit - zum Licht" - so definierte A. Serov dieses Konzept. Der Komponist hat dieser Symphonie keinen Namen gegeben. Aber sein Inhalt ist mit den Worten Beethovens verbunden, die er in einem Brief an einen Freund sagte: „Es braucht keinen Frieden! Ich kenne keine andere Ruhe als den Schlaf ... Ich werde das Schicksal an der Kehle packen. Sie wird mich überhaupt nicht beugen können.“ Es war die Idee des Schicksals- und Schicksalskampfes, die den Inhalt der Fünften Symphonie bestimmte.

Nach einem grandiosen Epos (Dritte Symphonie) schafft Beethoven ein lakonisches Drama. Vergleicht man die Dritte mit Homers Ilias, so vergleicht man die Fünfte Symphonie mit der klassizistischen Tragödie und Glucks Opern.

Der 4. Teil der Symphonie wird als 4 tragische Akte wahrgenommen. Sie sind verbunden durch das Leitmotiv, mit dem das Werk beginnt und über das Beethoven selbst sagte: „So klopft das Schicksal an die Tür.“ Äußerst prägnant, wie ein Epigraph (4 Töne), wird dieses Thema mit einem scharf klopfenden Rhythmus umrissen. Dies ist ein Symbol des Bösen, das auf tragische Weise in das Leben eines Menschen eindringt, als ein Hindernis, das unglaubliche Anstrengungen erfordert, um es zu überwinden.

In Teil I steht das Thema Rock im Vordergrund.

In Teil II ist ihr „Klopfen“ manchmal erschreckend alarmierend.

Im dritten Teil - Allegro - (Beethoven lehnt hier sowohl das traditionelle Menuett als auch das Scherzo ("Witz") ab, weil die Musik hier verstörend und widersprüchlich ist) - erklingt mit neuer Bitterkeit.

Im Finale (Feiertag, Triumphmarsch) klingt das Rockthema wie eine Erinnerung an vergangene dramatische Ereignisse. Das Finale ist eine grandiose Apotheose, die ihren Höhepunkt in einer Coda erreicht, die den Siegesjubel der von einem heroischen Impuls ergriffenen Massen zum Ausdruck bringt.

Sinfonie Nr. 6, "Pastorale" (F-dur, 1808).

Die Natur und das Verschmelzen mit ihr, ein Gefühl der Ruhe, Bilder des Volkslebens - das ist der Inhalt dieser Symphonie. Unter Beethovens neun Symphonien ist die Sechste die einzige Programmsymphonie; hat einen gemeinsamen Titel und jeder Teil trägt den Titel:

Teil I - "Freude bei der Ankunft im Dorf"

II. Teil - "Szene am Bach"

Teil III - "Ein fröhliches Treffen der Dorfbewohner"

IV Teil - "Gewitter"

Teil V - „Hirtenlied. Danklied an die Gottheit nach einem Gewitter.

Beethoven bemühte sich, naive Bildlichkeit zu vermeiden und betonte im Untertitel des Titels – „mehr Gefühlsausdruck als Malerei“.

Die Natur versöhnt Beethoven sozusagen mit dem Leben: In seiner Anbetung der Natur sucht er Vergessenheit von Sorgen und Ängsten, eine Quelle der Freude und Inspiration. Der taube Beethoven, abseits von Menschen, irrte oft in den Wäldern am Wiener Stadtrand umher: „Allmächtig! Ich bin glücklich in den Wäldern, wo jeder Baum von dir spricht. Dort kann ich dir in Frieden dienen.“

Die „pastorale“ Symphonie gilt oft als Vorbote musikalische Romantik. Die "freie" Interpretation des Sinfonischen Zyklus (5 Stimmen gleichzeitig, da die letzten drei Teile ohne Pause gespielt werden - dann drei Teile), sowie die Art der Programmatik, die Werke von Berlioz, Liszt u andere Romantiker.

Neunte Symphonie (d-moll, 1824).

Die neunte Symphonie ist eines der Meisterwerke der Weltmusikkultur. Hier wendet sich Beethoven wieder dem Thema des heroischen Kampfes zu, das eine universelle, universelle Dimension annimmt. An Größe der künstlerischen Konzeption übertrifft die Neunte Symphonie alle Werke Beethovens vor ihr. Kein Wunder, dass A. Serov schrieb, dass „die ganze große Aktivität des brillanten Symphonikers auf diese„ neunte Welle “zusteuerte“.

Die erhabene ethische Idee des Werks – ein Appell an alle Menschen mit einem Aufruf zur Freundschaft, zur brüderlichen Einheit von Millionen – verkörpert sich im Finale, das das semantische Zentrum der Symphonie darstellt. Hier stellt Beethoven erstmals Chor und Solisten vor. Diese Entdeckung Beethovens wurde mehr als einmal von Komponisten des 19.-20. Jahrhunderts genutzt (Berlioz, Mahler, Schostakowitsch). Beethoven verwendete Zeilen aus Schillers Ode an die Freude (die Idee der Freiheit, der Brüderlichkeit, des Glücks der Menschheit):

Die Menschen sind untereinander Brüder!

Umarmung, Millionen!

Verschmelzen Sie in der Freude an einem!

Beethoven brauchte ein Wort, weil das Pathos der Rede eine gesteigerte Wirkungskraft hat.

In der Neunten Symphonie gibt es Funktionen der Programmierung. Im Finale werden alle Themen der vorangegangenen Teile wiederholt – eine Art musikalische Erläuterung der Idee der Symphonie, gefolgt von einer verbalen.

Interessant ist auch die Dramaturgie des Zyklus: Zuerst folgen zwei schnelle Teile mit dramatischen Bildern, dann der dritte Teil – langsam und abschließend. So bewegt sich alle kontinuierliche figurative Entwicklung stetig auf das Finale zu - das Ergebnis des Lebenskampfes, dessen verschiedene Aspekte in den vorherigen Teilen dargestellt wurden.

Der Erfolg der Uraufführung der Neunten Symphonie im Jahr 1824 war triumphal. Beethoven wurde mit fünfmal Applaus begrüßt, während selbst die kaiserliche Familie laut Etikette nur dreimal begrüßt werden sollte. Der taube Beethoven konnte den Applaus nicht mehr hören. Erst als er sich dem Publikum zuwandte, konnte er die Freude sehen, die die Zuhörer erfasste.

Aber trotz alledem fand die zweite Aufführung der Symphonie wenige Tage später in einem halbleeren Saal statt.

Ouvertüren.

Insgesamt hat Beethoven 11 Ouvertüren. Fast alle entstanden als Einleitung zu einem Opern-, Ballett- oder Theaterstück. War früher die Aufgabe der Ouvertüre, die Wahrnehmung einer musikalisch-dramatischen Handlung vorzubereiten, so entwickelt sich bei Beethoven die Ouvertüre zu einem eigenständigen Werk. Bei Beethoven hört die Ouvertüre auf, eine Einführung in die nachfolgende Handlung zu sein, und wird zu einer eigenständigen Gattung, die ihren eigenen inneren Entwicklungsgesetzen unterliegt.

Beethovens beste Ouvertüren sind Coriolanus, Leonore No. 2, Egmont. Ouvertüre "Egmont" - basierend auf der Tragödie von Goethe. Sein Thema ist der Kampf der Holländer gegen die spanischen Unterdrücker im 16. Jahrhundert. Der für die Freiheit kämpfende Held Egmont kommt ums Leben. Auch in der Ouvertüre bewegt sich alle Entwicklung von der Dunkelheit zum Licht, vom Leiden zur Freude (wie in der fünften und neunten Symphonie).

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Bagatelle (französisch - „Schmuckstück“) ist ein kleines Musikstück, das nicht schwer aufzuführen ist, hauptsächlich für Tasteninstrument. Der Name wurde erstmals von Couperin verwendet. Beethoven, Liszt, Sibelius, Dvorak haben Bagatellen geschrieben.

Es gibt insgesamt 4 Leonora-Ouvertüren. Sie wurden als 4 Fassungen der Ouvertüre zur Oper Fidelio geschrieben.

Beethoven hatte das Glück, in einer Zeit geboren zu sein, die perfekt zu seiner Natur passte. Dies ist eine Epoche, die reich an großen gesellschaftlichen Ereignissen ist, deren wichtigstes der revolutionäre Umbruch in Frankreich ist. Die Große Französische Revolution und ihre Ideale prägten den Komponisten stark – sowohl in seiner Weltanschauung als auch in seinem Schaffen. Die Revolution gab Beethoven den Grundstoff zum Verständnis der „Dialektik des Lebens“.

Die Idee eines heroischen Kampfes wurde zur wichtigsten Idee von Beethovens Werk, wenn auch keineswegs zur einzigen. Leistungsfähigkeit, ein aktiver Wunsch nach einer besseren Zukunft, ein Held im Einklang mit der Masse – das stellt der Komponist in den Vordergrund. Die Idee der Staatsbürgerschaft, das Bild des Protagonisten - eines Kämpfers für republikanische Ideale - machen Beethovens Werk mit der Kunst des revolutionären Klassizismus verbunden (mit den heroischen Gemälden von David, Cherubinis Opern, revolutionären Marschliedern). „Unsere Zeit braucht Menschen mit starkem Geist“, sagte der Komponist. Bezeichnenderweise widmete er seine einzige Oper nicht der witzigen Susana, sondern der mutigen Leonora.

Aber nicht nur gesellschaftliche Ereignisse, sondern auch das persönliche Leben des Komponisten trugen dazu bei, dass das heroische Thema in seinem Werk in den Vordergrund trat. Die Natur hat Beethoven mit einem neugierigen, aktiven Geist eines Philosophen ausgestattet. Seine Interessen waren schon immer ungewöhnlich breit gefächert, sie erstreckten sich auf Politik, Literatur, Religion, Philosophie, Naturwissenschaften. Einem wirklich immensen kreativen Potenzial stand eine schreckliche Krankheit entgegen - Taubheit, die den Weg zur Musik anscheinend für immer versperren könnte. Beethoven fand die Kraft, sich gegen das Schicksal zu stellen, und die Ideen des Widerstands, der Überwindung wurden zum Hauptsinn seines Lebens. Sie waren es, die den heroischen Charakter "geschmiedet" haben. Und in jeder Zeile von Beethovens Musik erkennen wir ihren Schöpfer - sein mutiges Temperament, unbeugsamer Wille, Unnachgiebigkeit gegenüber dem Bösen. Gustav Mahler formulierte diesen Gedanken folgendermaßen: „Die Worte, die Beethoven angeblich über das erste Thema der Fünften Symphonie gesagt haben soll – „So klopft das Schicksal an die Tür“ … erschöpfen für mich noch lange nicht ihren enormen Gehalt. Vielmehr könne er über sie sagen: "It's me."

Periodisierung von Beethovens Schaffensbiographie

• I - 1782-1792 - Bonner Zeit. Der Beginn des kreativen Weges.
• II - 1792-1802 - Frühe Wiener Zeit.
• III - 1802-1812 - Mittelzeit. Zeit für Kreativität.
• IV - 1812-1815 - Übergangsjahre.
• V - 1816-1827 - Spätzeit.

Kindheit und Jugend Beethovens

Beethovens Kindheit und Jugend (bis Herbst 1792) sind mit seiner Geburtsstadt Bonn verbunden Dezember 1770 des Jahres. Sein Vater und Großvater waren Musiker. Unweit der französischen Grenze war Bonn im 18. Jahrhundert eines der Zentren der deutschen Aufklärung. 1789 wurde hier eine Universität eröffnet, unter deren Lehrunterlagen später Beethovens Notenbuch gefunden wurde.

IN frühe Kindheit Beethovens berufliche Ausbildung wurde häufig wechselnden, „zufälligen“ Lehrern anvertraut – Bekannten seines Vaters, die ihm Orgel-, Cembalo-, Flöten- und Geigenunterricht erteilten. Seltenes finden musikalisches Talent Sohn, sein Vater wollte aus ihm ein Wunderkind machen, den "zweiten Mozart" - eine große und konstante Einnahmequelle. Zu diesem Zweck nahmen er selbst und seine von ihm eingeladenen Freunde in der Kapelle die technische Ausbildung des kleinen Beethoven auf. Er musste sogar nachts Klavier üben; die ersten öffentlichen Auftritte des jungen Musikers (1778 wurden Konzerte in Köln veranstaltet) rechtfertigten jedoch nicht die Geschäftspläne des Vaters.

Ludwig van Beethoven wurde kein Wunderkind, aber er entdeckte schon früh sein Talent als Komponist. Er hatte großen Einfluss Christian Gottlieb Nefe, der ihm ab seinem 11. Lebensjahr Komposition und Orgelspiel beibrachte, ist ein Mann mit fortgeschrittenen ästhetischen und politischen Überzeugungen. Als einer der gebildetsten Musiker seiner Zeit führte Nefe Beethoven in die Werke von Bach und Händel ein, klärte ihn in Sachen Geschichte und Philosophie auf und, was am wichtigsten ist, erzog ihn im Geiste des tiefen Respekts für seine deutsche Heimatkultur . Darüber hinaus wurde Nefe der erste Verleger des 12-jährigen Komponisten und veröffentlichte eines seiner frühen Werke - Klaviervariationen über Dresslers Marsch(1782). Diese Variationen wurden Beethovens erstes erhaltenes Werk. Drei Klaviersonaten wurden im folgenden Jahr fertiggestellt.

Zu diesem Zeitpunkt hatte Beethoven bereits begonnen, im Theaterorchester zu arbeiten und bekleidete die Stelle eines Hilfsorganisten in der Hofkapelle, und wenig später wirkte er auch als Musiklehrer in Adelsfamilien (aufgrund der Armut der Familie war er gezwungen, sehr früh in den Dienst einzutreten). Daher erhielt er keine systematische Ausbildung: Er besuchte nur bis zum Alter von 11 Jahren die Schule, schrieb sein ganzes Leben lang mit Fehlern und verstand nie die Geheimnisse der Multiplikation. Trotzdem gelang es Beethoven dank seiner eigenen Beharrlichkeit, ein gebildeter Mensch zu werden: Er beherrschte selbstständig Latein, Französisch und Italienisch, las ständig viel.

Im Traum, bei Mozart zu studieren, besuchte Beethoven 1787 Wien und traf sein Idol. Mozart sagte, nachdem er der Improvisation des jungen Mannes zugehört hatte: „Achten Sie auf ihn; er wird eines Tages die Welt dazu bringen, über ihn zu sprechen." Ein Schüler Mozarts konnte Beethoven nicht werden: Aufgrund der tödlichen Krankheit seiner Mutter musste er dringend nach Bonn zurückkehren. Dort fand er moralische Unterstützung bei einem Erleuchteten die Braining-Familie.

Die Ideen der Französischen Revolution wurden von Beethovens Bonner Freunden begeistert aufgenommen und hatten starken Einfluss auf die Ausbildung seiner demokratischen Überzeugungen.

Beethovens Talent als Komponist entwickelte sich nicht so schnell wie Mozarts phänomenale Begabung. Beethoven komponierte eher langsam. Seit 10 Jahren der erste - Bonn Zeitraum (1782-1792) 50 Werke wurden geschrieben, darunter 2 Kantaten, mehrere Klaviersonaten (heute Sonatinen genannt), 3 Klavierquartette, 2 Trios. Auch der größte Teil des Bonner Schaffens besteht aus Variationen und Liedern, die für das Laienmusizieren bestimmt sind. Darunter ist das bekannte Lied „Marmot“.

Wiener Frühzeit (1792-1802)

Trotz der Frische und Helligkeit jugendlicher Kompositionen verstand Beethoven, dass er ernsthaft studieren musste. Im November 1792 verließ er Bonn endgültig und zog nach Wien, dem größten Musikzentrum Europas. Hier studierte er Kontrapunkt und Komposition mit I. Haydn, I. Schenk, I. Albrechtsberger Und A. Salieri . Gleichzeitig begann Beethoven als Pianist aufzutreten und erlangte bald Ruhm als unübertroffener Improvisator und brillantester Virtuose.

Der junge Virtuose wurde von vielen angesehenen Musikliebhabern gefördert - K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, der russische Botschafter A. Razumovsky und andere, Beethovens Sonaten, Trios, Quartette und später sogar Symphonien erklangen zum ersten Mal in ihren Salons. Ihre Namen finden sich in den Widmungen vieler Werke des Komponisten wieder. Allerdings war Beethovens Umgang mit seinen Gönnern damals nahezu unbekannt. Stolz und unabhängig verzieh er niemandem Versuche, seine Menschenwürde zu demütigen. Bekannt sind die legendären Worte, die der Komponist dem Gönner zuwarf, der ihn beleidigte: "Es gab und wird Tausende von Fürsten geben, Beethoven ist nur einer." Obwohl er nicht gern unterrichtete, war Beethoven dennoch der Lehrer von K. Czerny und F. Ries im Klavier (beide erlangten später europäischen Ruhm) und des Erzherzogs Rudolf von Österreich in Komposition.

Im ersten Wiener Jahrzehnt schrieb Beethoven hauptsächlich Klavier- und Kammermusik: 3 Klavierkonzerte und 2 Dutzend Klaviersonaten, 9(aus 10) Violin Sonaten(einschließlich Nr. 9 - "Kreutzer"), 2 Cellosonaten, 6 Streichquartette, eine Reihe von Ensembles für verschiedene Werkzeuge, Ballett "Schöpfungen des Prometheus".

Mit Beginn des 19. Jahrhunderts Symphonische Kreativität Beethoven: 1800 vollendete er seine Erste Symphonie, und 1802 - zweite. Gleichzeitig entstand sein einziges Oratorium „Christus am Ölberg“. Die ersten Zeichen, die 1797 erschienen unheilbare Krankheit- Fortschreitende Taubheit und die Erkenntnis der Aussichtslosigkeit aller Behandlungsversuche führten Beethoven 1802 in eine seelische Krise, die sich in der berühmten Urkunde niederschlug - "Heiligenstädter Testament" . Kreativität sei der Weg aus der Krise: "... Es hat mir nicht gereicht, Selbstmord zu begehen", schrieb der Komponist. - "Nur es, Kunst, es hat mich gehalten."

Zentrale Schaffensperiode (1802-1812)

1802-12 - die Zeit der glänzenden Blüte des Genies Beethoven. Die Vorstellungen von der Überwindung des Leidens mit der Kraft des Geistes und dem Sieg des Lichts über die Finsternis, den er nach erbittertem Kampf zutiefst erlitten hat, entpuppten sich als übereinstimmend mit den Ideen der Französischen Revolution. Diese Ideen wurden in der 3. ("Heroischen") und Fünften Symphonie, in der Oper "Fidelio", in der Musik zur Tragödie von J. W. Goethe "Egmont", in der Sonate - Nr. 23 ("Appassionata") verkörpert.

Insgesamt schuf der Komponist in diesen Jahren:

sechs Symphonien (von Nr. 3 bis Nr. 8), Quartette Nr. 7-11 und andere Kammerensembles, die Oper Fidelio, die Klavierkonzerte 4 und 5, das Violinkonzert sowie das Tripelkonzert für Violine, Violoncello und Klavier und Orchester.

Übergangsjahre (1812-1815)

1812-15 Jahre - ein Wendepunkt im politischen und spirituellen Leben Europas. Es folgte die Zeit der napoleonischen Kriege und der Aufstieg der Befreiungsbewegung Wiener Kongress (1814-15), woraufhin sich reaktionär-monarchistische Tendenzen in der Innen- und Außenpolitik der europäischen Länder verstärkten. Der Stil der heroischen Klassik wich der Romantik, die zur Leitströmung in der Literatur wurde und sich auch in der Musik durchsetzte (F. Schubert). Beethoven würdigte den Siegesjubel mit einer spektakulären sinfonischen Fantasie „Die Schlacht bei Vittoria“ und der Kantate „Happy Moment“, deren Uraufführungen zeitlich auf den Wiener Kongress fielen und Beethoven einen unerhörten Erfolg bescherten. Andere Schriften von 1813-17 spiegeln jedoch die beharrliche und manchmal schmerzhafte Suche nach neuen Wegen wider. In dieser Zeit entstanden Cello- (Nr. 4, 5) und Klavier- (Nr. 27, 28) Sonaten, mehrere Dutzend Arrangements von Liedern verschiedener Nationen für Gesang mit Ensemble, der erste Gesangszyklus in der Geschichte der Gattung "An einen fernen Geliebten"(1815). Der Stil dieser Werke ist experimentell, mit vielen brillanten Entdeckungen, aber nicht immer so solide wie in der Zeit des "revolutionären Klassizismus".

Spätzeit (1816-1827)

Das letzte Jahrzehnt von Beethovens Leben war sowohl von der allgemeinen bedrückenden politischen und geistigen Atmosphäre in Metternichs Österreich als auch von persönlichen Nöten und Umbrüchen überschattet. Die Taubheit des Komponisten wurde vollständig; seit 1818 musste er "Gesprächsnotizbücher" verwenden, in die Gesprächspartner an ihn gerichtete Fragen schrieben. Die Hoffnung auf persönliches Glück verloren (der Name der "unsterblichen Geliebten", an die Beethovens Abschiedsbrief vom 6.-7. Juli 1812 gerichtet ist, bleibt unbekannt; einige Forscher betrachten sie als J. Brunswick-Deym, andere als A. Brentano) übernahm Beethoven die Erziehung seines Neffen Karl, des Sohnes seines 1815 verstorbenen jüngeren Bruders. Dies führte zu einem langjährigen (1815-20) Rechtsstreit mit der Mutter des Jungen um das alleinige Sorgerecht. Ein tüchtiger, aber frivoler Neffe bereitete Beethoven viel Kummer.

Die Spätzeit umfasst die letzten 5 Quartette (Nr. 12-16), „33 Variationen über einen Walzer von Diabelli“, Klavierbagatellen op. 126, zwei Cellosonaten op.102, Fuge für Streichquartett, all diese Schriften qualitativ anders als alle vorherigen. Es lässt Sie über Stil sprechen spät Beethoven, der eine deutliche Ähnlichkeit mit dem Stil romantischer Komponisten hat. Die für Beethoven zentrale Idee des Kampfes zwischen Licht und Dunkelheit gewinnt in seinem Spätwerk nachdrücklich an Bedeutung philosophischer Klang . Der Sieg über das Leiden wird nicht mehr durch heroische Taten gegeben, sondern durch die Bewegung des Geistes und der Gedanken.

1823 war Beethoven fertig „Festliche Messe“, das er selbst als sein größtes Werk betrachtete. Die feierliche Messe wurde am 7. April 1824 in St. Petersburg uraufgeführt. Einen Monat später fand Beethovens letztes Benefizkonzert in Wien statt, bei dem neben Teilen aus der Messe sein letztes, Neunte Symphonie mit dem Schlusschor zu den Worten der „Ode an die Freude“ von F. Schiller. Die neunte Symphonie mit ihrem letzten Ruf - Umarmt Millionen! - wurde zum ideologischen Zeugnis der Menschheit des Komponisten und beeinflusste die Sinfonie des 19. und 20. Jahrhunderts stark.

Über Traditionen

Beethoven wird meist als ein Komponist bezeichnet, der einerseits die klassizistische Ära in der Musik vollendet und andererseits der Romantik den Weg ebnet. Im Allgemeinen ist das richtig, aber seine Musik wird den Anforderungen beider Stile nicht vollständig gerecht. Der Komponist ist so vielseitig, dass kein stilistisches Merkmal die Fülle seines schöpferischen Bildes überdeckt. Manchmal schuf er im selben Jahr so ​​gegensätzliche Werke, dass es äußerst schwierig ist, Gemeinsamkeiten zwischen ihnen zu erkennen (z. B. die 5. und 6. Symphonie, die 1808 in einem Konzert uraufgeführt wurden). Vergleicht man Werke, die in verschiedenen Epochen entstanden sind, zum Beispiel früh und reif oder reif und spät, dann werden sie mitunter als Schöpfungen unterschiedlicher Kunstepochen wahrgenommen.

Gleichzeitig ist Beethovens Musik bei aller Neuartigkeit untrennbar mit der alten deutschen Kultur verbunden. Es ist unbestreitbar beeinflusst von den philosophischen Texten J. S. Bachs, den feierlich-heroischen Bildern von Händels Oratorien, Glucks Opern, Werken von Haydn und Mozart. Zur Stilbildung Beethovens trug auch die Musikkunst anderer Länder bei, vor allem Frankreichs, seine massenrevolutionären Gattungen, die so weit von dem galant sensiblen Stil des 18. Jahrhunderts entfernt sind. Für ihn typische Verzierungen, Verhaftungen, Soft Endings gehören der Vergangenheit an. Viele fanfarenmarschierende Themen in Beethovens Kompositionen sind den Liedern und Hymnen der Französischen Revolution nahe. Sie illustrieren anschaulich die strenge, edle Schlichtheit der Musik des Komponisten, der gerne wiederholte: „Es geht immer einfacher.“