Persönlichkeiten der künstlerischen Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts
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St. Petersburg State Medical University, benannt nach Akademiker I.P. Pawlowa
Disziplin: Geschichte des Vaterlandes
Thema: "Berühmte Persönlichkeiten der russischen Kultur des 19. Jahrhunderts."
Aufgeführt:
Schüler Gr.125
Gontscharenko D.A.
Geprüft:
Zimin I.V.
Sankt Petersburg 2012
Einführung
2.1 Architektur
2.2 Bildende Kunst
3.1 Architektur und Skulptur
3.2 Lackierung
3.3 Wanderer
4. Kunst des späten XIX - frühen XX Jahrhunderts
Abschluss
Verzeichnis der verwendeten Literatur
Einführung
Erste Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts fand in Russland in der Atmosphäre eines landesweiten Aufstands im Zusammenhang mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 statt. Die Ideale dieser Zeit fanden ihren Ausdruck in der Poesie des jungen A. S. Puschkin. Der Krieg von 1812 und die freiheitsliebenden Hoffnungen der jungen Generation des russischen Adels und besonders jener seiner Vertreter, die nach den napoleonischen Kriegen als Befreier in Paris einzogen, bestimmten im ersten Drittel maßgeblich den Charakter der russischen Kultur des Jahrhunderts. Kultur Kunst humanistisch
Wachsendes Interesse an künstlerisches Leben Russland drückte sich in diesen Jahren in der Gründung von Kunstgesellschaften und der Veröffentlichung spezieller Zeitschriften aus: "Die Freie Gesellschaft der Liebhaber der Literatur, Wissenschaft und Kunst" (1801), "Journal of Fine Arts" (zuerst in Moskau und dann in St. Petersburg), „Gesellschaft zur Förderung von Künstlern“ (1820), „Russisches Museum“ P. P. Svinin (1810er Jahre) und „Russische Galerie“ in der Eremitage (1825); die Gründung provinzieller Kunstschulen, wie die Schule von A. V. Stupin in Arzamas oder A. G. Venetsianov in St. Petersburg.
1. Faktoren in der Entwicklung der Kultur in Russland
Die damals verbliebene Leibeigenschaft, die allgemeine wirtschaftliche Rückständigkeit Russlands gegenüber westeuropäischen Ländern behinderten den kulturellen Fortschritt. Und doch hat Russland im 19. Jahrhundert trotz dieser ungünstigen Bedingungen und sogar trotz ihnen einen wahrhaft gigantischen Sprung in der Kulturentwicklung gemacht, einen enormen Beitrag dazu geleistet Weltkultur. Ein solcher Aufstieg der russischen Kultur war auf eine Reihe von Faktoren zurückzuführen www.ru.wikipedia.org:
den Prozess der Bildung der russischen Nation in einer kritischen Ära des Übergangs vom Feudalismus zum Kapitalismus
Der Beginn der revolutionären Befreiungsbewegung in Russland
enge Kommunikation und Interaktion mit anderen Kulturen
Einfluss des Erbes der Moskauer Rus auf die Kultur des 19. Jahrhunderts: Die Assimilation alter Traditionen ermöglichte es, neue kreative Triebe in Literatur, Poesie, Malerei und anderen Kulturbereichen zu sprießen
2. Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts
In der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts. Seit dem 18. Jahrhundert hat sich viel verändert. Wie im Westen hat die gesellschaftliche Rolle des Künstlers, die Bedeutung seiner Persönlichkeit, sein Recht auf kreative Freiheit zugenommen, in der sich soziale und moralische Probleme immer mehr verschärfen.
Die bedingte Wasserscheide in der Geschichte der russischen Kunst wurde in zwei Phasen definiert - ihre erste und zweite Hälfte, und in dieser letzten scheint es ganz natürlich, das Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts herauszugreifen. als Epoche mit eigenen semantischen und stilistischen Merkmalen.
Bis Mitte des Jahrhunderts gab es kulturelle Gemeinsamkeiten zwischen Europa und Russland, ab der Jahrhundertmitte aber Entwicklungspfade künstlerische Kultur etwas auseinander gehen. Europäische Künstler, angeführt von französischen, sind zunehmend in die Probleme der Form eingetaucht und suchen und finden neue künstlerische Techniken, wie es die Impressionisten und Postimpressionisten brillant taten. Russische Künstler hingegen nehmen die Kunst in erster Linie als Tribüne wahr, von der aus die „wunden Fragen der Gegenwart“ gelöst werden. Geschichte der russischen Kunst 5. Auflage, 2010.
2.1 Architektur
Die humanistischen Ideale der russischen Gesellschaft spiegelten sich in den hochbürgerlichen Beispielen der Architektur und der monumentalen und dekorativen Skulptur wider, in deren Synthese sie sich befanden dekorative Malerei und angewandte Kunst, oft die Schöpfungen der Architekten selbst. Der vorherrschende Stil dieser Zeit ist der reife oder hohe Klassizismus Wissenschaftliche Literatur, oft als "Russisches Reich" bezeichnet. Eigentlich können nur die 1820er bis 1830er Jahre als Empire-Stil betrachtet werden, und das erste Jahrzehnt kann genauer als "Alexanders Klassizismus" bezeichnet werden.
Die Architektur des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts ist in erster Linie die Lösung großer städtebaulicher Probleme. In St. Petersburg wird die Planung der Hauptplätze der Hauptstadt abgeschlossen: Palast und Senat; erstellt die besten Ensembles Städte. Besonders intensiv nach dem Brand von 1812. Moskau ist im Bau. Das architektonische Bild besticht durch Größe und Monumentalität. Eine große Rolle im Gesamtbild des Gebäudes spielt die Skulptur, die eine gewisse semantische Bedeutung hat. Unter den Gebäuden nehmen öffentliche Gebäude den Hauptplatz ein: Theater, Abteilungen, Bildungseinrichtungen, Paläste und Tempel werden viel seltener gebaut (mit Ausnahme von Regimentskathedralen in der Kaserne).
Der größte Architekt dieser Zeit, Andrej Nikiforowitsch Woronikhin (1759-1814), begann seinen unabhängigen Weg bereits in den 1790er Jahren. Neugestaltung der Innenräume des Stroganov-Palais an der Moika (Architekt F. B. Rastrelli) in St. Petersburg (1793, Mineralienkabinett, Gemäldegalerie, Ecksaal).
Die wichtigste Idee von Voronikhin ist die Kasaner Kathedrale (1801-1811). Die halbkreisförmige Kolonnade des Tempels, die er nicht von der Seite der Haupt- (West-), sondern von der Seiten-Nordfassade errichtete, bildete einen Platz im Zentrum von Newski. Voronichin verlieh dem Bergbaukadettenkorps (1806-1811, jetzt das Bergbauinstitut) einen noch strengeren, aktiveren Charakter, in dem alles einem mächtigen dorischen Portikus aus 12 Säulen untergeordnet ist, der der Newa zugewandt ist.
A. N. Voronikhin, der Architekt des Klassizismus, widmete viel Energie der Schaffung eines urbanen Ensembles, der Synthese von Architektur und Skulptur, der organischen Kombination skulpturaler Elemente mit architektonischen Unterteilungen, sowohl in großen als auch in kleinen Strukturen.
Führender Petersburger Architekt des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. ("Russisches Reich") war Karl Iwanowitsch Rossi G.G. Grimm - Rossi-Ensembles - L., 1947 (1775--1849). Rossi erhielt seine erste architektonische Ausbildung in der Werkstatt von VF Brenna und reiste dann nach Italien, wo er die Denkmäler der Antike studierte. Seine unabhängige Arbeit beginnt in Moskau und wird in Twer fortgesetzt. Eines der ersten Werke in St. Petersburg ist der Palast- und Parkkomplex auf der Insel Elagin (1818, fertiggestellt 1822). Über Rossi lässt sich sagen, dass er „in Ensembles dachte“, einen Palast oder ein Theater in ein städtebauliches Zentrum mit Plätzen und neuen Straßen verwandelte. Als er den Mikhailovsky-Palast (1819-1825) schuf, organisierte er den Platz vor dem Palast und pflasterte die Straße am Newski-Prospekt, während er seinen Plan mit anderen nahe gelegenen Gebäuden - dem Mikhailovsky-Schloss und dem Raum des Marsfeldes - in Einklang brachte. Bei der Gestaltung des Schlossplatzes (1819-1829) stand Rossi vor der schwierigsten Aufgabe: das barocke Schloss Rastrelli und die monotone klassizistische Fassade des Gebäudes des Generalstabs und der Ministerien zu einem Ganzen zu vereinen. Der Architekt brach diese Monotonie kühn mit einem kolossalen Bogen des Generalstabsgebäudes, dessen Zentrum der Triumphbogen war, der den Weg zur Bolshaya Morskaya Street zum Newski-Prospekt öffnet.
Das neue Jahrhundert war geprägt von der Gründung der wichtigsten Ensembles in St. Petersburg. Also, Andrey Dmitrievich Zakharov GG Grimm - Architekt Andrey Zakharov. Leben und Werk - M., 1940 (1761 - 1811) Student der St. Petersburger Akademie der Künste und Schüler des Pariser Architekten Zh.F. Schalgren, von 1805. Beginn des Baus des Admiralitätsgebäudes (1806 - 1823).
Zakharovs kompositorische Lösung ist äußerst einfach: eine Konfiguration aus zwei Volumen, und ein Volumen ist sozusagen in ein anderes verschachtelt, von dem das äußere, U-förmig, durch einen Kanal von zwei inneren Nebengebäuden getrennt ist, die im Grundriss L-förmig sind . Das interne Volumen sind Schiffs- und Zeichenwerkstätten, Lagerhäuser, das externe Volumen sind Abteilungen, Verwaltungseinrichtungen, ein Museum, eine Bibliothek und so weiter. Die Fassade der Admiralität erstreckt sich über 406 m. Die seitlichen Fassadenflügel blicken auf die Newa, die zentrale Fassade endet in der Mitte mit einem triumphalen Durchgangsbogen mit Turmspitze, der das Schloss der Komposition ist und durch das der Haupteingang im Inneren verläuft . Zakharov behielt Korobovs geniales Design für die Turmspitze bei, zeigte Takt und Respekt vor der Tradition und schaffte es, es in ein neues klassizistisches Bild des Gebäudes als Ganzes zu verwandeln. Die Monotonie der fast einen halben Kilometer langen Fassade wird durch gleichmäßig verteilte Portiken gebrochen.
HÖLLE. Zakharov starb, ohne die Admiralität in ihrer fertigen Form zu sehen. Dieses Gebäude ist eng mit der Architektur des Stadtzentrums verbunden. Von hier aus gehen drei Alleen hervor: Voznesensky, Gorokhovaya Street, Newski Prospekt (dieses Balkensystem wurde unter Peter I. konzipiert)
2.2 Bildende Kunst
Der Klassizismus war im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts die Leitrichtung in Architektur und Bildhauerei. In der Malerei wurde es vor allem von akademischen Künstlern entwickelt - im historischen Genre, d.h. Geschichten aus der Heiligen Schrift, Antike Mythologie und tatsächlich historisch. Aber die wahren Erfolge der Malerei lagen in einer anderen Richtung: besseres Streben menschliche Seele, Höhen und Tiefen des Geistes drückten die romantische Malerei jener Zeit aus.
Aber die Romantik manifestierte sich auf russischem Boden am subtilsten im Porträtgenre, und der führende Platz sollte hier Orest Adamovich Kiprensky I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoche und Helden - M., 1982 (1782-- 1836). Als Sohn eines Gutsbesitzers A. S. Dyakonov und eines Leibeigenen wurde Kiprensky in der Provinz St. Petersburg geboren. Von 1788 bis 1803 studierte er (beginnend mit der Pädagogischen Schule) an der Akademie der Künste, wo er in der Klasse für Historienmalerei bei Professor G. I. Ugryumov und dem französischen Maler G. F. Doyen studierte. 1805 erhielt er die Große Goldmedaille für das Gemälde „Dmitri Donskoi über den Sieg über Mamai“.
Kompliziert, nachdenklich, wechselhaft in der Stimmung - solche erscheinen vor uns, dargestellt von Kiprensky „E. P. Rostopchin“ (1809, Staatliche Tretjakow-Galerie), „D. N. Khvostov" (1814, Staatliche Tretjakow-Galerie), Junge "L. A. Chelishchev“ (1809, Staatliche Tretjakow-Galerie). In freier Pose, abwesend zur Seite blickend, lässig an einen steinernen Vogel gelehnt, steht Oberst der Leibhusaren „E.V. Davydov (1809, Russisches Museum). Dieses Porträt wird als kollektives Bild des Helden des Krieges von 1812 wahrgenommen, obwohl es sehr spezifisch ist.
Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) war der Vorfahre des Alltagsgenres. Venetsianov, ein ausgebildeter Landvermesser, verließ den Dienst für die Malerei und zog nach St. Petersburg. Wurde ein Schüler von Borovitsky. Seine ersten Gehversuche in der „Kunst“ machte er im Porträt-Genre und schuf mit Pastell, Bleistift und Öl erstaunlich poetische, lyrische, manchmal mit romantischen Stimmungsbildern („Portrait of V. S. Putyatina“) angereicherte Stimmungsbilder.
Um die Wende 1810-1820. Venetsianov verließ St. Petersburg in die Provinz Tver, wo er ein kleines Anwesen kaufte. Hier fand er sein Hauptthema und widmete sich der Darstellung des bäuerlichen Lebens.
Venetsianov war ein ausgezeichneter Lehrer. Die Venetsianov-Schule, die Venezianer, ist eine ganze Galaxie von Künstlern der 1820er bis 1840er Jahre, die sowohl in St. Petersburg als auch in seinem Safonkovo-Anwesen mit ihm zusammengearbeitet haben. Vertreter der venezianischen Schule waren A. V. Tyranov, E. F. Krendovsky, K. L. Zelentsov, A. A. Alekseev, S. K. Zaryanko, L. K. Plakhov, N. S. Krylov und viele andere.
3. Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts
3.1 Architektur und Skulptur
Weniger schnell als zuvor entwickelten sich in dieser Zeit Bildhauerei und Architektur. Wie bereits erwähnt, Ende der 1830er Jahre. Der Klassizismus stirbt aus. Meint es künstlerische Ausdruckskraft widersprechen jenen neuen Aufgaben, die die Architektur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stellt. Normalerweise wurde es „retrospektive Stilisierung“ oder Eklektizismus genannt, aber jetzt wird es häufiger als Historismus bezeichnet, weil die Architekten zu dieser Zeit begannen, die Motive und Muster der Baustile vergangener Epochen zu verwenden - Gotik, Renaissance, Barock, Rokoko usw. DE Arkin - Architekturbilder - M., 1941.
Eines der Hauptprobleme dieser Zeit war der Bau von Mehrfamilienhäusern (Miethäusern).
Ebenso blieb die Blütezeit der monumental-dekorativen Bildhauerei in der ersten Hälfte des Jahrhunderts erhalten.
Der berühmteste der Meister dieser Zeit war Mark Matveyevich Antokolsky (1843--1902), der, wie von Forschern richtig bemerkt, das Fehlen monumentaler Ausdrucksmittel mit dem Bild "monumentaler Persönlichkeiten" kompensiert: Beweis dafür ist "Iwan der Schreckliche" (1870), "Peter I" (1872), Der sterbende Sokrates (1875), Spinoza (1882), Mephistopheles (1883), Yermak (1888). In diesen nach vorgegebenem Programm ausgeführten Bildern finden sich Pose, Gestik, Mimik immer wieder erfolgreich, aber die wahre Ausdruckskraft der bildhauerischen Mittel ist durch diese naturalistischen Details ersetzt worden.
3.2 Lackierung
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts galt es, von allen bildenden Künsten der Malerei und vor allem der Genremalerei ihr gewichtiges Wort zu sagen. Eine kritische Haltung zur Wirklichkeit, ausgeprägte staatsbürgerliche und moralische Positionen, eine ausgeprägte soziale Orientierung werden vor allem für die Malerei charakteristisch, in der sich ein neues künstlerisches Sichtsystem herausbildet, ausgedrückt im sogenannten kritischen Realismus. Meistens als Grundlage der Handlung die akuten sozialen Probleme, die damals lebten Russische Gesellschaft Tatsächlich fungierten die Künstler nicht so sehr als Sprecher dieser Ideen, sondern als ihre direkten Illustratoren, geradlinigen Interpreten. Die soziale Seite verdunkelte sie von rein malerischen, plastischen Aufgaben, und die formale Kultur sank zwangsläufig. Wie zu Recht bemerkt wurde, „hat die Illustriertheit ihre Malerei ruiniert“.
Wahre Seele des Werdenden kritische Richtung in der Malerei war Vasily Grigorievich Perov V.A. Lenjaschin - V.G. Perov - M., 1987 (1834--1882), der Fedotovs Fall direkt aus den Händen nahm, gelang es mit anklagendem Pathos, viele Aspekte des einfachen Alltags zu zeigen: das unansehnliche Aussehen einiger Geistlicher ("Landprozession zu Ostern", 1861; „Teetrinken in Mytischtschi“, 1862), das hoffnungslose Leben der russischen Bauern („Seeing the Dead Man“, 1865; „The Last Tavern at the Outpost“, 1868), das Leben der städtischen Armen („Troika“ , 1866) und die Intelligenz, gezwungen, hartes Geld aus „Geldsäcken“ zu suchen („Ankunft einer Gouvernante in einem Kaufmannshaus“, 1866). Seine Werke sind einfach in der Handlung, aber ergreifend in ihrer Trauer.
3.3 Wanderer
In den 1870er Jahren progressive demokratische Malerei gewinnt öffentliche Anerkennung. Sie hat ihre eigenen Kritiker - I. N. Kramskoy und V. V., Stasov und ihren eigenen Sammler - P. M. Tretyakov. Die Zeit für die Blüte des russischen demokratischen Realismus in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist gekommen. Zu dieser Zeit braute sich im Zentrum der offiziellen Schule – der St. Petersburger Akademie der Künste – auch ein Kampf um das Recht der Kunst auf Hinwendung zum wirklichen, wirklichen Leben zusammen, der in der sogenannten „Revolte der 14“ mündete. im Jahr 1863. Eine Reihe von Absolventen der Akademie weigerte sich, ein programmatisches Bild zu einem Thema des skandinavischen Epos zu schreiben, wenn es so viele aufregende moderne Probleme gibt, und verließen die Akademie, nachdem sie keine Erlaubnis erhalten hatten, ein Thema frei zu wählen, und gründeten das "Petersburger Artel der Künstler".
"Artel" bestand nicht lange, und bald schlossen sich Moskau und St. Petersburg fortschrittliche künstlerische Kräfte im Verband der Wanderkunstausstellungen (1870) zusammen.
Die Kunst der Wanderers war Ausdruck demokratischer Ideen in der heimischen Kunstkultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Die Zusammensetzung der "Wanderers" umfasste mehr "Senioren" - dies sind Ivan Nikolaevich Kramskoy, Nikolai Nikolaevich Ge, Vasily Vasilyevich Vereshchagin, Konstantin Apollonovich Savitsky und "Young" - Ivan Ivanovich Shishkin, der "die Natur des Helden" genannt wurde Menschen", Arkhip Ivanovich Kuindzhi, mit seinen auffälligen Lichteffekten ("Ukrainian Night", 1876; " Birkenhain“, 1879), Isaak Iljitsch Levitan.
Es ist erwähnenswert, Ilya Efimovich Repin. Er wurde in der Ukraine in der Provinz Charkow geboren und lernte die ersten handwerklichen Fähigkeiten ukrainischer Ikonenmaler kennen. Repin betrachtete Kramskoi als seinen ersten Lehrer. Das erste Werk, das eine starke Reaktion in der Öffentlichkeit hervorrief, war das Gemälde „Barge Haulers on the Wolga“.
1873 unternahm Repin eine „Rentnerreise“ nach Frankreich, wo er zusammen mit Polenov Freilichtstudien malte und viel über die Probleme von Licht und Luft lernte.
Nach seiner Rückkehr beginnt Repin fruchtbar zu arbeiten. Es scheint, dass es kein Genre gibt, in dem er sich nicht erklären würde: Porträts mit stark individuellen Merkmalen und Porträttypen, Porträtgemälde.
Fast alle Genres unterlagen Repin (er schrieb nicht nur Kampfszenen), alle Arten – Malerei, Grafik, Skulptur; Er schuf eine wunderbare Malerschule, erklärte sich als Kunsttheoretiker und hervorragender Schriftsteller. Repins Werk war ein typisches Phänomen der russischen Malerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Er war es, der das verkörperte, was D. V. Sarabyanov "Wandering Realism" nannte, alles Charakteristische aufnahm, das laut dem Forscher in verschiedene Genres und Persönlichkeiten "verstreut" werden würde. Und das ist der Universalismus, die enzyklopädische Natur des Künstlers. In solch einer vollständigen Übereinstimmung mit seiner Zeit in seiner „angemessenen Umsetzung“ ist ein Beweis für das Ausmaß und die Stärke von Repins Talent. Siehe: Sarabyanov, D. V. Repin und die russische Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts - M., 1978
4. Kunst des späten XIX - frühen XX Jahrhunderts
In den 1890er Jahren Im Zusammenhang mit der beginnenden Krise der populistischen Bewegung wird auch die „analytische Methode des Realismus des 19. Jahrhunderts“, wie sie in der russischen Wissenschaft genannt wird, obsolet. Während dieser Zeit erlebten viele Wanderer kreative Krise Sie haben sich in die Kleinlichkeit eines unterhaltsamen Genrebildes begeben. Es sei jedoch darauf hingewiesen, dass die besten Traditionen von V. G. Perov vor allem in der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur dank der Lehrtätigkeit von Künstlern wie S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov und anderen bewahrt wurden .
Alle Arten von Kunst – Malerei, Theater, Musik, Architektur – traten für die Erneuerung der künstlerischen Sprache auf hohe Professionalität. Die Krise der Wanderers mit ihrer Sucht nach Kleinigkeiten drückte sich in ideologischen und nationalen Bekundungen aus, die jedoch von keinem ästhetischen Programm getragen wurden. Für Maler der Jahrhundertwende sind andere Ausdrucksweisen charakteristisch als bei den Wanderern andere Formen künstlerische Kreativität-- in widersprüchlichen, komplizierten Bildern, die die Moderne ohne Anschaulichkeit und Erzählung widerspiegeln. Künstler suchen schmerzlich nach Harmonie und Schönheit in einer Welt, die sowohl Harmonie als auch Schönheit grundsätzlich fremd ist. Deshalb sehen viele von ihnen ihre Mission darin, den Sinn für Schönheit zu kultivieren. Aber es hat auch den Universalismus einer ganzen Generation von Künstlern hervorgebracht, die nach den „klassischen“ Wanderers kamen, ein Beispiel dafür sind die Arbeiten von V. A. Serov und M. A. Vrubel.
Eine große Rolle bei der Popularisierung sowohl der einheimischen als auch der westeuropäischen Kunst, um Meister für Ausstellungen zu gewinnen Westeuropa gespielt von den Künstlern des Vereins "World of Art" (1898 - 1924). Nachdem sie die besten künstlerischen Kräfte in St. Petersburg versammelt und ihre eigene Zeitschrift herausgegeben hatten, trug die "Welt der Kunst" durch ihre bloße Existenz zur Konsolidierung der künstlerischen Kräfte in Moskau bei, der Gründung der "Union russischer Künstler" (1903-1323). ) Iljina T.V. Geschichte der russischen Kunst 5. Auflage, 2010.
Abschluss
Russische bildende Kunst, durchdrungen von den fortschrittlichen Ideen jener Zeit, diente einem großen humanen Ziel – dem Kampf für die Befreiung des Menschen, für die soziale Neuordnung der ganzen Gesellschaft.
Im Allgemeinen erzielte Russland in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts beeindruckende Erfolge auf dem Gebiet der Kultur. Der Weltfonds umfasste für immer die Werke vieler russischer Künstler. Der Prozess der Bildung der nationalen Kultur wurde abgeschlossen.
An Wende XIX-XX Jahrhunderte модернистские поиски привели к складыванию группы художников, объединившихся вокруг журнала "Мир искусства" (А.Н. Бенуа, К.А. Сомов, Е.Е. Лансере, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих, И З. Грабарь usw.). Die World of Artisans verkündete neue künstlerische und ästhetische Prinzipien. Sie förderten den Individualismus, die Freiheit der Kunst von sozialen und politischen Problemen. Die Hauptsache für sie sind die Schönheit und Traditionen der russischen Nationalkultur, die man nicht über die "Wanderer" sagen kann.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. die "russische Avantgarde" entstand. Seine Vertreter K.S. Malewitsch, P.P. Falk, M.Z. Chagall und andere predigten die Kunst der "reinen" Formen und der äußerlichen Gegenstandslosigkeit. Sie waren die Vorläufer des Abstraktionismus und hatten einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Weltkunst.
Referenzliste
1. www.ru.wikipedia.org
2. Ilyina T.V. Geschichte der russischen Kunst 5. Auflage, 2010
3. G.G. Grimm - Ensembles von Rossi - L., 1947
4. GG Grimm - Architekt Andrey Sacharow. Leben und Werk - M., 1940
5. IV. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoche und Helden - M., 1982
6. D.E. Arkin - Architekturbilder - M., 1941
7. V.A. Lenjaschin - V.G. Perov - M., 1987
8. Siehe: Sarabyanov, D. V. Repin und die russische Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts - M., 1978
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Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts - eine besondere Periode in der Entwicklung der russischen Kultur. Die Regierungsjahre von Alexander II., der gab sehr wichtig im kulturellen Leben der "Selbständigkeit des Volksgeistes", waren eine Zeit der Suche nach einem nationalen Weg in der Kunst und akuter gesellschaftlicher Aktualität. In den 60er Jahren entstanden in Russland neue gesellschaftspolitische Kräfte - Raznochintsy, Menschen aus demokratischen Schichten, revolutionär gesinnte Intelligenzia. Revolutionär-demokratische Ideen der K.I. Herzen, N. P. Ogareva, A.F. Pisemsky, ON. Nekrasova, M.E. Saltykov-Shchedrin, N. G. Chernyshevsky, NA. Dobrolyubov, der soziale Laster stigmatisierte, beeinflusste maßgeblich die bildende Kunst. Die kritische Analyse der umgebenden Realität und ihre realistische Darstellung wurde zur Methode der fortgeschrittenen russischen Literatur und danach der bildenden Kunst. Chernyshevsky legte mit seinen Werken die Grundlagen der Ästhetik. In seiner Abhandlung „Das ästhetische Verhältnis der Kunst zur Wirklichkeit“ heißt es direkt: „Schön ist das Leben“, dass „ größte Schönheit ist gerade die Schönheit, der der Mensch in der Welt der Wirklichkeit begegnet, und nicht die von der Kunst geschaffene Schönheit. Sie begannen, vom Künstler "Inhalt", "Erklärung des Lebens" und sogar "einen Satz über die dargestellten Phänomene" zu fordern. Chef auf Russisch malen war die Vorherrschaft moralischer und sozialer Prinzipien über das Künstlerische. Am deutlichsten manifestierte sich dieses Merkmal in der Arbeit demokratisch gesinnter Künstler.
1863 stellte die Akademie der Künste ein Programm für eine Goldmedaille mit einer Handlung aus der skandinavischen Mythologie auf. Alle dreizehn Bewerber, darunter I.N. Kramskoy, K. G. Makovsky, A. D. Litovchenko, die mit diesem Programm und mit Programmen im Allgemeinen nicht einverstanden waren, weigerten sich, am Wettbewerb teilzunehmen und verließen die Akademie. Trotzig verließen die Rebellen die Akademie, organisierten das Artel of Artists und 1870 zusammen mit Moskauer Malern die Association of Travelling Art Exhibitions. An diesen Ausstellungen nahmen von Perov bis Levitan alle herausragenden Vertreter der russischen Malerei teil - Wanderer.
Für das russische Publikum war die Bedeutung der Wanderer enorm – sie interessierten sie und brachten ihr bei, vor den Gemälden stehenzubleiben; Mit ihrem Erscheinen begann erst die Verbindung zwischen der russischen Gesellschaft und russischen Künstlern. Ihre Kreativität, beharrlich auf den Grundprinzipien des Realismus, lehrte die russische Öffentlichkeit, das Leben in der Kunst zu sehen und darin die Wahrheit von der Lüge zu unterscheiden. Hier sollten wir zwei Russen erwähnen, denen die Wanderers ihren Erfolg und Einfluss verdanken: Uhr Tretjakow und V. V. Stasov. Tretjakow unterstützte Genosse-
durch Einkäufe und Bestellungen, wodurch das einzige Museum für nationale Kunst der Welt entsteht. Der „alles zerstörende Koloss“ Stasov, der die nationale Bewegung in der russischen Kunst anführte, war der Vorbote der ästhetischen Ansichten der Wanderers, und viele Künstler verdanken ihm kreative Ratschläge, die Auswahl von Plots für Gemälde und leidenschaftliche Propaganda ihrer Aktivitäten in die Presse.
Einer der ersten russischen Künstler, die im Geiste der progressiven Presse der 60er Jahre ihre Bilder in eine geißelnde Predigt verwandelten Wassili Grigorjewitsch Perow(1834-1882). Schon in seinem ersten Gemälde Predigt im Dorf, das im Jahr der Bauernbefreiung erschien, war von Fedotovs harmlosem Spott keine Spur: Der fettleibige Gutsbesitzer, gleichgültig gegenüber den Worten des Priesters, schlief auf einem ein Stuhl; Seine junge Frau, die den Moment nutzt, flüstert mit ihrem Verehrer und demonstriert damit die Verachtung spiritueller Werte seitens der "aufgeklärten" Gesellschaft. Das nächste Bild, „Die religiöse Prozession zu Ostern“, war in seiner Schärfe ganz „Basarow“ und im Einklang mit den dunkelsten Anklageromanen jener Zeit.
Eine Prozession in voller Kraft mit Bannern und Ikonen verlässt den Tselovalnik, nachdem sie sich dort gerade den Ruhm gegönnt haben: Betrunkene Pilger fallen in Unordnung aus der Taverne und klatschen auf den Frühlingsmatsch; der Priester, kaum mit den Füßen tretend, steigt mit großer Mühe von der Veranda herab; Der Diakon mit dem Räuchergefäß stolperte und fiel.
Die Vielfalt künstlerischer Strömungen im 19. Jahrhundert war eine Folge des Modernisierungsprozesses. Das künstlerische Leben der Gesellschaft wurde nun nicht mehr nur von kirchlichen Geboten und der Mode höfischer Kreise bestimmt. Ändern Sozialstruktur führte zu einem Wandel in der Wahrnehmung von Kunst in der Gesellschaft: Es gibt neue soziale Schichten von wohlhabenden und gebildeten Menschen, die in der Lage sind, Kunstwerke unabhängig zu beurteilen, wobei sie sich nur auf die Anforderung des Geschmacks konzentrieren. Es war im 19. Jahrhundert, dass die Gründung von Massenkultur; Zeitungen und Zeitschriften von Ausgabe zu Ausgabe, die lange Romane mit unterhaltsamer Handlung druckten, wurden zum Prototyp der Fernsehserien in der Kunst des 20. Jahrhunderts.
In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entfaltete sich in Europa eine Stadtplanung von beispiellosem Ausmaß. Die meisten europäischen Hauptstädte - Paris, St. Petersburg, Berlin - haben ihr charakteristisches Aussehen angenommen; In ihren architektonischen Ensembles nahm die Rolle öffentlicher Gebäude zu. Der berühmte Eiffelturm, 1889 zur Eröffnung der Weltausstellung erbaut, ist zum Wahrzeichen von Paris geworden. Der Eiffelturm demonstrierte die technischen Fähigkeiten eines neuen Materials - Metall. Die ursprüngliche künstlerische Lösung wurde jedoch nicht sofort erkannt, der Turm wurde zum Abriss aufgefordert, als monströs bezeichnet.
Neoklassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. erlebte eine späte Blütezeit, nun erhält es den Namen Empire (vom französischen „Empire“), dieser Stil drückte die Größe des von Napoleon geschaffenen Reiches aus. Mitte des Jahrhunderts war das Hauptproblem der europäischen Architektur die Suche nach Stil. Aufgrund der romantischen Faszination für die Antike versuchten viele Meister, die Traditionen der Architektur der Vergangenheit wiederzubeleben – so entstand die Neugotik, Neorenaissance, Neobarock. Die Bemühungen der Architekten führten oft zum Eklektizismus - einer mechanischen Kombination von Elementen verschiedener Stilrichtungen, alt und neu.
Im künstlerischen Leben der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts dominierte die Romantik, die die Enttäuschung über die Ideologie der Aufklärung widerspiegelte. Die Romantik ist zu einer besonderen Weltanschauung und Lebensweise geworden. Das romantische Ideal einer Person, die von der Gesellschaft nicht verstanden wird, prägt die Verhaltensweise ihrer Oberschicht. Die Romantik ist gekennzeichnet durch den Gegensatz zweier Welten: der realen und der imaginären. Die Realität wird als seelenlos, unmenschlich, eines Menschen unwürdig und ihm widerstrebend angesehen. Der „Lebensprosa“ der realen Welt steht die Welt der „poetischen Wirklichkeit“, der Welt der Ideale, Träume und Hoffnungen gegenüber. Die Romantik sieht die Welt der Laster in der heutigen Realität und versucht, einen Ausweg für den Menschen zu finden. Dieser Ausstieg ist zugleich ein Ausstieg aus der Gesellschaft verschiedene Optionen: Der Held geht in seine eigene innere Welt, jenseits der Grenzen des realen Raums und geht für eine andere Zeit. Die Romantik beginnt, die Vergangenheit, insbesondere das Mittelalter, zu idealisieren und darin Realität, Kultur und Werte als Frost zu sehen.
Eugene Delacroix (1798-1863) war dazu bestimmt, das Oberhaupt der französischen Romantik in der Malerei zu werden. Die unerschöpfliche Vorstellungskraft dieses Künstlers schuf eine ganze Welt von Bildern, die mit ihrem intensiven, kämpferischen und leidenschaftsvollen Leben noch heute auf der Leinwand leben. Delacroix schöpfte oft Motive aus den Werken von William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, wandte sich den Ereignissen der Französischen Revolution und anderen Episoden zu nationale Geschichte("Schlacht von Poitiers"). Delacroix hat zahlreiche Bilder der Menschen des Ostens aufgenommen, hauptsächlich Algerier und Marokkaner, die er während seiner Reise nach Afrika gesehen hat. In Das Massaker auf der Insel Chios (1824) spiegelte Delacroix den Kampf der Griechen gegen die türkische Herrschaft wider, die damals ganz Europa beunruhigte. Eine Gruppe leidender gefangener Griechen Vordergrund Gemälde, darunter eine vor Trauer verzweifelte Frau und ein Kind, das an die Brust einer toten Mutter kriecht, stellte der Künstler die arroganten und grausamen Figuren von Bestrafern gegenüber; In der Ferne ist eine brennende zerstörte Stadt zu sehen. Das Bild beeindruckte die Zeitgenossen mit der atemberaubenden Kraft menschlichen Leidens und mit seiner ungewöhnlich kräftigen und klangvollen Farbgebung.
Die Ereignisse der Julirevolution von 1830, die mit der Niederlage der Revolution und der Wiederherstellung der Monarchie endeten, inspirierten Delacroix zu einem breiten Schaffen berühmtes Gemälde"Freiheit auf den Barrikaden" (1830). Die Frau, die das dreifarbige Banner der Französischen Republik gehisst hat, steht für Freiheit. Das Bild der Freiheit auf den Barrikaden 0 Personifikation des Kampfes.
Der spanische Künstler Francisco Goya (1746-1828) war ein weltberühmter Vertreter der Romantik, der sich relativ spät zu einem bedeutenden Künstler entwickelte. Der erste bedeutende Erfolg brachte ihm zwei Serien (1776-1791) zahlreicher Wandteppiche, die für die Königliche Manufaktur von Santa Barbara in Madrid geschaffen wurden ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Hochzeit"). In den 90er Jahren. XVIII Jahrhundert in der Arbeit von Goya wachsen die Merkmale der Tragödie, die Feindseligkeit gegenüber dem feudal-klerikalen Spanien der "alten Ordnung". Die Hässlichkeit seiner moralischen, spirituellen und politischen Grundlagen offenbart Goya in grotesk-tragischer Form, sich aus folkloristischen Quellen nährend, in einer großen Radierungsserie „Caprichos“ (80 Blätter mit Kommentaren des Künstlers); die kühne Neuheit der künstlerischen Sprache, die scharfe Ausdruckskraft von Linien und Strichen, die Kontraste von Licht und Schatten, die Verbindung von Groteske und Realität, Allegorie und Fantasie, Gesellschaftssatire und eine nüchterne Analyse der Realität eröffneten neue Wege für die Entwicklung des europäischen Kupferstichs. In den 1790er - frühen 1800er Jahren erreichte Goyas Porträtarbeit eine außergewöhnliche Blüte, in der ein alarmierendes Gefühl der Einsamkeit (Porträt von Senora Bermudez), mutige Konfrontation und Herausforderung für die Umwelt (Porträt von F. Guimardet), der Duft von Geheimnis und Verborgenheit Sinnlichkeit ("Maja gekleidet" und "Nude Maha"). Mit erstaunlicher Überzeugungskraft hat der Künstler die Arroganz, den körperlichen und seelischen Elend der königlichen Familie eingefangen Gruppenporträt"Die Familie Karls IV". Tiefer Historismus, leidenschaftlicher Protest durchziehen Goyas große Gemälde, die dem Kampf gegen die französische Intervention gewidmet sind ("Aufstand am 2. Mai 1808 in Madrid", "Erschießung der Rebellen in der Nacht des 3. Mai 1808"), eine Reihe von philosophischen Radierungen Nachvollziehen des Schicksals der Menschen "Kriegskatastrophen" (82 Blatt, 1810-1820).
Francisco Goya „Caprichos“
Wenn in der Literatur die Subjektivität der künstlerischen Wahrnehmung durch den Symbolismus entdeckt wird, dann macht der Impressionismus in der Malerei eine ähnliche Entdeckung. Impressionismus (von französisch Eindruck - Eindruck) - Richtung hinein Europäische Malerei entstand Mitte des 19. Jahrhunderts in Frankreich. Die Impressionisten haben in der Zeichnung jegliche Details vermieden und versucht, den Gesamteindruck dessen einzufangen, was das Auge in einem bestimmten Moment sieht. Diesen Effekt erzielten sie mit Hilfe von Farbe und Textur. Das künstlerische Konzept des Impressionismus basierte auf dem Wunsch, natürlich und natürlich einzufangen die Umwelt in seiner Variabilität und vermittelt seine flüchtigen Eindrücke. Einen fruchtbaren Boden für die Entwicklung des Impressionismus bereiteten die Künstler der Barbizon-Schule: Sie waren die ersten, die Skizzen nach der Natur malten. Das Prinzip „das Gesehene inmitten von Licht und Luft zu malen“ bildete die Grundlage der Freilichtmalerei der Impressionisten.
In den 1860er Jahren versuchten die jungen Genremaler E. Manet, O. Renoir und E. Degas zu inspirieren französische Malerei Frische und Unmittelbarkeit der Lebensbeobachtung, Darstellung von Augenblickssituationen, Unstetigkeit und Unausgeglichenheit von Formen und Kompositionen, ungewöhnliche Winkel und Blickwinkel. Die Arbeit im Freien trug dazu bei, auf den Leinwänden das Gefühl von funkelndem Schnee, den Reichtum natürlicher Farben, die Auflösung von Objekten in der Umgebung, die Vibration von Licht und Luft zu erzeugen. Impressionistische Künstler widmeten der Beziehung eines Objekts zu seiner Umgebung besondere Aufmerksamkeit, Studien über die Veränderung von Farbe und Ton eines Objekts in einer sich ändernden Umgebung. Anders als die Romantiker und Realisten neigten sie nicht mehr dazu, die historische Vergangenheit darzustellen. Die Moderne war ihr Interessengebiet. Das Leben kleiner Pariser Cafés, lärmende Straßen, malerische Ufer der Seine, Bahnhöfe, Brücken, die unscheinbare Schönheit ländlicher Landschaften. Künstler sind nicht mehr bereit, akute gesellschaftliche Probleme anzusprechen.
Das Werk von Edouard Manet (1832-1883) nahm eine neue Richtung in der Malerei vorweg - den Impressionismus, aber der Künstler selbst schloss sich dieser Bewegung nicht an, obwohl er seinen kreativen Stil unter dem Einfluss der Impressionisten etwas änderte. Manet erklärte sein Programm: „Lebe deine Zeit und stelle dar, was du vor dir siehst, entdecke wahre Schönheit und Poesie im täglichen Lauf des Lebens.“ Gleichzeitig gab es in den meisten Werken von Manet keine Handlung, nicht einmal eine minimale Handlung. Paris wird zu einem ständigen Motiv für Manets Arbeit: das Stadtvolk, Cafés und Theater, die Straßen der Hauptstadt.
Édouard Manet "Bar im Folies Bergère"
Edourd Manet „Musik in den Tuilerien“
Schon der Name Impressionismus verdankt seinen Ursprung der Landschaft von Claude Monet (1840-1926) „Impression. Sonnenaufgang".
Im Werk Monets nimmt das Element Licht eine führende Rolle ein. Bis in die 70er. 19. Jahrhundert Der erstaunliche "Boulevard des Capucines" ist einer von ihnen, wo auf die Leinwand geworfene Pinselstriche sowohl die Perspektive einer belebten Straße, die in die Ferne geht, als auch einen endlosen Strom von Kutschen, die darauf fahren, und eine fröhliche festliche Menge vermitteln. Er malte viele Bilder mit dem gleichen, aber unterschiedlich beleuchteten Betrachtungsgegenstand. Zum Beispiel ein Heuhaufen morgens, mittags, abends, im Mondlicht, im Regen und so weiter.
Viele der Errungenschaften des Impressionismus sind mit dem Werk von Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) verbunden, der als „Maler des Glücks“ in die Kunstgeschichte einging. Er hat in seinen Gemälden wirklich eine besondere Welt aus fesselnden Frauen und heiteren Kindern, fröhlicher Natur und wunderschönen Blumen geschaffen. Sein ganzes Leben lang malte Renoir Landschaften, aber seine Berufung blieb das Bild eines Mannes. Er malte gerne Genrebilder, in denen er mit erstaunlicher Lebendigkeit das Treiben der Pariser Straßen und Boulevards, den Müßiggang von Cafés und Theatern, die Lebendigkeit von Landspaziergängen und Urlauben unter freiem Himmel nachbildete. Alle diese im Freien gemalten Gemälde zeichnen sich durch die Klangfülle der Farbe aus. Das Gemälde „Moulin de la Galette“ (Volksball im Garten des Montmartre-Tanzsaals) ist ein Meisterwerk des Renoir-Impressionismus. Es erahnt den lebhaften Rhythmus des Tanzes, das Aufblitzen junger Gesichter. Es gibt keine abrupten Bewegungen in der Komposition, und durch den Rhythmus der Farbflecken entsteht ein Gefühl von Dynamik. Interessant ist die räumliche Organisation des Bildes: Der Vordergrund ist von oben gegeben, die sitzenden Figuren verdecken die Tänzer nicht. Zahlreiche Porträts werden von Kindern und jungen Mädchen dominiert, in diesen Porträts zeigte sich sein Können: „Junge mit Katze“, „Mädchen mit Fächer“.
Ein aktiver Teilnehmer an allen Ausstellungen, Edgar Degas (1834 - 1917), war weit entfernt von allen Prinzipien der Impressionisten: Er war ein Gegner des Freilichts, malte nicht nach dem Leben, suchte nicht die Natur verschiedener Zustände einzufangen von Natur. Einen bedeutenden Platz im Werk von Degas nimmt eine Reihe von Gemälden ein, die einen nackten weiblichen Körper darstellen. Viele seiner Gemälde den letzten Jahren der "Frau hinter der Toilette" gewidmet. In vielen Arbeiten zeigt Degas die Besonderheit des Verhaltens und Aussehens von Menschen, die durch die Besonderheiten ihres Lebens erzeugt werden, enthüllt den Mechanismus einer professionellen Geste, Haltung, Bewegung einer Person, ihre plastische Schönheit („Bügeleisen“, „Wäscherinnen mit Leinen"). In der Bejahung der ästhetischen Bedeutung des Lebens der Menschen, ihrer alltäglichen Aktivitäten, spiegelt sich der eigentümliche Humanismus von Degas' Werk wider. Die Kunst von Degas liegt in der Kombination des Schönen, manchmal Phantastischen und des Prosaischen: in vielen Ballettszenen („Ballet Star“, „Ballet School“, „Dance Lesson“) den festlichen Geist des Theaters zu vermitteln.
Der Postimpressionismus umfasst die Zeit von 1886, als die letzte Impressionistenausstellung stattfand, die die ersten Werke der Neoimpressionisten präsentierte, bis in die 1910er Jahre, die mit den Formen des Kubismus und Fauvismus die Geburt einer völlig neuen Kunst einläuteten. Der Begriff „Post-Impressionismus“ wurde von dem englischen Kritiker Roger Fry eingeführt und drückte den allgemeinen Eindruck der Ausstellung moderner französischer Kunst aus, die er 1910 in London organisierte und Werke von Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne und anderen zeigte Künstler.
Postimpressionisten, von denen sich viele zuvor dem Impressionismus angeschlossen hatten, begannen, nach Methoden zu suchen, um nicht nur das Momentane und Vergängliche auszudrücken – sie begannen jeden Moment, die langfristigen Zustände der Welt um sie herum zu verstehen. Der Postimpressionismus zeichnet sich durch unterschiedliche kreative Systeme und Techniken aus, die die spätere Entwicklung der bildenden Kunst beeinflussten. Van Goghs Werk nahm das Aufkommen des Expressionismus vorweg, Gauguin ebnete den Weg für den Jugendstil.
Vincent van Gogh (1853-1890) schuf das auffälligste künstlerische Bilder durch Synthetisieren (Kombinieren) von Muster und Farbe. Van Goghs Technik sind Punkte, Kommas, vertikale Linien, feste Punkte. Seine Straßen, Beete und Furchen laufen wirklich in die Ferne, und die Büsche brennen wie Feuer auf dem Boden. Er stellte nicht einen ergriffenen Moment dar, sondern die Kontinuität von Momenten. Er stellte nicht diesen Effekt eines vom Wind gebogenen Baumes dar, sondern das Wachstum eines Baumes aus dem Boden. Van Gogh wusste, wie man alles Zufällige in kosmisches verwandelt. Van Goghs Seele verlangte nach leuchtenden Farben, er beklagte sich ständig bei seinem Bruder über die mangelnde Kraft selbst seiner leuchtend gelben Lieblingsfarbe.
Sternennacht war nicht Van Goghs erster Versuch, den Nachthimmel darzustellen. 1888 malte er in Arles „Sternennacht über der Rhone“. Van Gogh wollte die sternenklare Nacht als Beispiel für die Kraft der Vorstellungskraft darstellen, die eine erstaunlichere Natur erschaffen kann, als wir beim Betrachten der realen Welt wahrnehmen können.
Eine gesteigerte Realitätswahrnehmung und geistiges Ungleichgewicht führen Van Gogh dazu Geisteskrankheit. Gauguin kommt, um in Arles zu bleiben, aber kreative Differenzen verursachen einen Streit. Van Gogh wirft ein Glas auf den Kopf des Künstlers, dann wirft er sich nach Gauguins Erklärung seiner Absicht, zu gehen, mit einem Rasiermesser auf ihn. Am Abend desselben Tages schneidet sich der Künstler in einem Wahnsinnsanfall ein Ohr ab („Selbstbildnis mit verbundenem Ohr“).
Das Werk von Paul Gauguin (1848-1903) ist untrennbar mit seinem tragischen Schicksal verbunden. Das Wichtigste in Gauguins Stilkonzept war sein Farbverständnis. Auf ungefähr. Tahiti, wohin der Künstler 1891 aufbrach, malte er unter dem Einfluss der primitiven Formen der polynesischen Kunst Bilder, die sich durch Dekorativität, flache Formen und außergewöhnlich reine Farben auszeichnen. Gauguins „exotische“ Malerei – „Bist du eifersüchtig?“, „Ihr Name ist Vairaumati“, „Frau, die einen Fötus hält“ – spiegelt weniger die natürlichen Eigenschaften der Objekte wider, als vielmehr den emotionalen Zustand des Künstlers und die symbolische Bedeutung der Bilder, die er sich ausgedacht hat. Die Besonderheit von Gauguins Malstil ist ein ausgeprägter dekorativer Effekt, der Wunsch, große Flächen der Leinwand mit einer Farbe zu übermalen, in Liebe zur Ornamentik, die auf den Stoffen von Kleidern, auf Teppichen und im Landschaftshintergrund vorhanden war.
Paul Gauguin "Wann heiraten" "Frau mit Frucht"
Die wichtigste Errungenschaft der Kultur des 19. Jahrhunderts. ist die Entstehung der Kunst der Fotografie und des Designs. Die erste Kamera der Welt wurde 1839 von Louis Jacques Mande Daguerre hergestellt.
Daguerres frühe Versuche, eine funktionsfähige Kamera herzustellen, waren erfolglos. 1827 lernte er Joseph Niépce kennen, der ebenfalls versuchte (und bis dahin etwas erfolgreicher war), die Kamera zu erfinden. Zwei Jahre später wurden sie Partner. Niépce starb 1833, aber Daguerre arbeitete weiter hart. 1837 konnte er sich endlich entwickeln praktisches System Fotografie, genannt Daguerreotypie. Das Bild (Daguerreotypie) wurde auf einer mit Joddampf behandelten Silberplatte erhalten. Nach 3-4 Stunden Belichtung wurde die Platte in Quecksilberdampf entwickelt und mit einer heißen Kochsalz- oder Hyposulfitlösung fixiert. Die Daguerreotypien waren von sehr hoher Bildqualität, es konnte jedoch nur eine Aufnahme gemacht werden.
1839 veröffentlichte Daguerre seine Erfindung, reichte aber kein Patent ein. Als Reaktion darauf gewährte die französische Regierung ihm und Niépces Sohn lebenslange Renten. Die Ankündigung von Daguerres Erfindung erregte großes Aufsehen. Daguerre wurde zum Helden des Tages, Ruhm fiel auf ihn und die Daguerreotypie-Methode fand schnell breite Anwendung.
Die Entwicklung der Fotografie führte zu einer Überarbeitung künstlerische Prinzipien Grafik, Malerei, Skulptur, kombiniertes Künstlerisches und Dokumentarisches, was in anderen Kunstformen nicht zu erreichen ist. Die Grundlage für Design wurde 1850 durch die International Industrial Exhibition in London gelegt. Ihr Design markierte die Konvergenz von Kunst und Technologie und legte den Grundstein für eine neue Art von Kreativität.
Louis Daguerre, Nicephore Niepce und Niepces Camera Obscura
Joseph Nicephore Niepce. Das weltweit erste Foto, aufgenommen auf einer Legierung aus Zinn und Blei, 1826.
Daguerres "Atelier des Künstlers", 1837
In den 1870er Jahren entwickelten zwei Erfinder, Elisha Gray und Alexander Graham Bell, unabhängig voneinander Geräte, die Sprache über Elektrizität übertragen konnten, was sie später als Telefon bezeichneten. Beide schickten ihre jeweiligen Patente an die Patentämter, der Unterschied in den Anmeldungen betrug nur wenige Stunden. Allerdings erhielt Alexander Graham Bell) zuerst das Patent.
Telefon und Telegraf sind elektrische Systeme, die auf Drähten basieren. Der Erfolg von Alexander Bell, oder besser gesagt seiner Erfindung, war ganz natürlich, da er mit der Erfindung des Telefons versuchte, den Telegrafen zu verbessern. Als Bell begann, mit elektrischen Signalen zu experimentieren, war der Telegraf bereits seit rund 30 Jahren als Kommunikationsmittel im Einsatz. Obwohl der Telegraf ein ziemlich erfolgreiches Kommunikationssystem war, das auf dem Morsecode mit seiner Anzeige von Buchstaben mit Punkten und Strichen basierte, bestand der große Nachteil des Telegrafen jedoch darin, dass die Informationen darauf beschränkt waren, jeweils eine Nachricht zu empfangen und zu senden.
Alexander Bell spricht im ersten Telefonmodell
Das erste Telefon, geschaffen von Alexander Graham Bell, war ein Gerät, durch das die Töne der menschlichen Sprache mit Hilfe von Elektrizität übertragen wurden (1875). Am 2. Juni 1875 entdeckte Alexander Graham Bell, als er mit seiner Technik experimentierte, die er den „harmonischen Telegraphen“ nannte, dass er Töne über ein Kabel hören konnte. Es war das Geräusch einer Uhr.
Bells größter Erfolg wurde am 10. März 1876 erzielt. Bell sprach über eine Röhre mit seinem Assistenten Thomas Watson, der sich im Nebenzimmer befand, und äußerte die Worte, die heute jedem bekannt sind: „Mr. Watson - komm her - ich will dich sehen “(Mr. Watson - komm her - ich will dich sehen). Zu dieser Zeit wurde nicht nur das Telefon geboren, auch der Mehrfachtelegraf starb. Das Potenzial der Kommunikation, zu demonstrieren, dass es möglich ist, durch Elektrizität zu sprechen, unterschied sich stark von dem, was der Telegraf mit seinem System der Informationsübertragung mit Punkten und Strichen bieten konnte.
Der Begriff des Kinos tauchte zum ersten Mal in seiner französischen Version auf – „Cinema“, ein System zur Erstellung und Vorführung eines Films, das von den Brüdern Louis Jean und Auguste Lumiere entwickelt wurde. Der erste Film wurde von dem Franzosen Louis Aimé Augustin Le Princy (1842–1890) im November 1888 in Großbritannien mit einer Filmkamera gedreht und bestand aus zwei Fragmenten: Der erste hatte 10-12 Bilder pro Sekunde, der zweite 20 Bilder pro Sekunde. Aber offiziell wird angenommen, dass das Kino am 28. Dezember 1895 entsteht. An diesem Tag fand im indischen Salon „Grand Cafe“ am Boulevard des Capucines (Paris, Frankreich) eine öffentliche Vorführung des „Kinematographen der Gebrüder Lumiere“ statt. 1896 machten die Brüder mit ihrer Erfindung eine Welttournee und besuchten London, New York und Bombay.
Louis Jean Lumiere absolvierte eine Gewerbeschule, war Fotograf und arbeitete in einer Fotofabrik seines Vaters. 1895 erfand Lumière die Filmkamera zum Aufnehmen und Projizieren von „bewegten Fotografien“. Sein Bruder Auguste Lumiere beteiligte sich aktiv an seiner Arbeit an der Erfindung des Kinos. Das Gerät wurde patentiert und hieß Kino. Lumieres erste Filmprogramme zeigten Szenen, die vor Ort gedreht wurden: „Ausgang der Arbeiter aus Lumieres Fabrik“, „Ankunft eines Zuges“, „Kinderfrühstück“, „Sprinkler“ und andere. Interessanterweise bedeutet das Wort lumiere auf Französisch „Licht“. Vielleicht ist es ein Unfall, oder vielleicht wurde das Schicksal der Schöpfer des Kinos im Voraus entschieden.
Antropov Alexej Petrowitsch(1716-1795) - Russischer Maler. Antropovs Porträts zeichnen sich durch ihre Verbindung zur Parsuna-Tradition, die Wahrhaftigkeit der Merkmale, Maltechniken Barock.
Argunow Iwan Petrowitsch(1729-1802) - Russischer Leibeigener Porträtmaler. Autor repräsentativer Prunk- und Kammerporträts.
Nikolaj Iwanowitsch Argunow(1771-1829) - Russischer Leibeigener Porträtmaler, der in seinem Werk den Einfluss des Klassizismus erfuhr. Der Autor des berühmten Porträts von P. I. Kovaleva-Zhemchugova.
Baschenow Wassili Iwanowitsch(1737-1799) - der größte russische Architekt, einer der Begründer des russischen Klassizismus. Autor des Projekts zur Rekonstruktion des Kremls, des romantischen Palast- und Parkensembles in Zarizyn, des Paschkow-Hauses in Moskau, des Michailowski-Schlosses in St. Petersburg. Seine Projekte zeichneten sich durch Kühnheit der Komposition, Ideenvielfalt, kreative Nutzung und Kombination von Traditionen der Weltklassik und der altrussischen Architektur aus.
Bering Vitus Jonassen (Iwan Iwanowitsch)(1681-1741) - Navigator, Kapitän und Kommandant der russischen Flotte (1730). Leiter der 1. (1725–1730) und 2. (1733–1741) Kamtschatka-Expeditionen. Er passierte die Tschuktschen-Halbinsel und Alaska (die Meerenge zwischen ihnen trägt heute seinen Namen), erreichte Nordamerika und entdeckte eine Reihe von Inseln im Aleutenrücken. Ein Meer, eine Meerenge und eine Insel im Nordpazifik sind nach Bering benannt.
Borovikovsky Vladimir Lukich(1757-1825) - Russischer Porträtmaler. Seine Werke zeichnen sich durch Merkmale des Sentimentalismus aus, eine Kombination aus dekorativer Subtilität und Anmut von Rhythmen mit einer echten Charakterübertragung (Porträt von M. I. Lopukhina und anderen).
Wolkow Fedor Grigorjewitsch(1729-1763) - Russischer Schauspieler und Theaterfigur. 1750 organisierte er in Jaroslawl eine Amateurtruppe (Schauspieler - I. A. Dmitrevsky, Ya. D. Shumsky), auf deren Grundlage 1756 in St. Petersburg das erste dauerhafte professionelle russische öffentliche Theater entstand. Er selbst spielte in mehreren Tragödien von Sumarokov mit.
Derzhavin Gavrila Romanovich (1743-1816) - Russischer Dichter. Vertreter des russischen Klassizismus. Der Autor feierlicher Oden, die von der Idee einer starken russischen Staatlichkeit durchdrungen sind, darunter Satire auf Adlige, Landschafts- und Haushaltsskizzen, philosophische Reflexionen - "Felitsa", "Velmozha", "Waterfall". Autor zahlreicher lyrischer Gedichte.
Kasakow Matvei Fjodorowitsch(1738-1812) - ein herausragender russischer Architekt, einer der Begründer des russischen Klassizismus. In Moskau entwickelte er Typen von städtischen Wohngebäuden und öffentlichen Gebäuden, die große Stadträume organisieren: der Senat im Kreml (1776–1787); Moskauer Universität (1786–1793); Krankenhaus Golitsynskaya (1. Gradskaya) (1796–1801); Hausgut von Demidov (1779-1791); Petrovsky Palace (1775-1782) usw. Er zeigte ein besonderes Talent in der Innenarchitektur (das Gebäude der Adelsversammlung in Moskau). Beaufsichtigte die Ausarbeitung des Masterplans von Moskau. Erstellt eine Architekturschule.
Kantemir Antioch Dmitrijewitsch(1708-1744) - Russischer Dichter, Diplomat. Rationalistischer Pädagoge. Einer der Begründer des russischen Klassizismus im Genre der poetischen Satire.
Quarenghi Giacomo(1744-1817) - Russischer Architekt italienischer Herkunft, ein Vertreter des Klassizismus. Ab 1780 arbeitete er in Russland. Der Pavillon „ Konzertsaal"(1786) und der Alexanderpalast (1792-1800) in Zarskoje Selo, die Auftragsbank (1783-1790), das Eremitage-Theater (1783-1787), das Smolny-Institut (1806-1808) in St. Petersburg.
Krascheninnikow Stepan Petrowitsch(1711-1755) - Russischer Reisender, Entdecker von Kamtschatka, Akademiker der St. Petersburger Akademie der Wissenschaften (1750). Mitglied der 2. Kamtschatka-Expedition (1733–1743). Erstellte die erste "Beschreibung des Landes Kamtschatka" (1756).
Kulibin Iwan Petrowitsch(1735-1818) - ein herausragender russischer Autodidakt. Autor vieler einzigartiger Mechanismen. Verbessertes Polierglas für optische Instrumente. Er entwickelte ein Projekt und baute ein Modell einer Einbogenbrücke über den Fluss. Newa mit einer Spannweite von 298 m. Er schuf einen Prototyp eines Suchscheinwerfers („Spiegellampe“), eines Semaphor-Telegraphen, eines Palastaufzugs usw.
Laptew Khariton Prokofjewitsch(1700-1763) - Kapitän des 1. Ranges. Vermessen 1739–1742. Küste vom Fluss Lena zum Fluss. Khatanga und die Halbinsel Taimyr.
Levitsky Dmitry Grigorievich(1735-1822) - Russischer Maler. In kompositorisch spektakulären Prunkporträts verbindet sich Feierlichkeit mit bildhafter Lebendigkeit, farbenfroher Fülle („Kokorinov“, 1769–1770; eine Serie von Porträts von Schülern des Smolny-Instituts, 1773–1776); Intime Porträts sind in ihren Merkmalen zutiefst individuell und farblich zurückhaltend („M. A. Dyakova“, 1778). IN Spätzeit nahm teilweise den Einfluss des Klassizismus an (Porträt von Katharina II., 1783).
Lomonossow Michail Wassiljewitsch(1711-1765) - der erste russische Weltklasse-Wissenschaftler, Enzyklopädist, Dichter. Der Begründer der modernen russischen Literatursprache. Künstler. Historiker. Abbildung der öffentlichen Bildung und Wissenschaft. Er studierte an der Slawisch-Griechisch-Lateinischen Akademie in Moskau (seit 1731), der Akademischen Universität in St. Petersburg (seit 1735), in Deutschland (1736-1741), seit 1742. - Adjunkt, seit 1745 - der erste russische Akademiker der St. Petersburger Akademie der Wissenschaften. Mitglied der Akademie der Künste (1763).
Maikow Wassili Iwanowitsch(1728-1778) - Russischer Dichter. Autor der Gedichte The Ombre Player (1763), Elisha, or the Irritated Bacchus (1771), Prayerful Fables (1766–1767).
Polzunov Iwan Ivanovich (1728-1766) - Russischer Heizungsingenieur, einer der Erfinder der Wärmekraftmaschine. 1763 entwickelte er ein Projekt für eine universelle Dampfmaschine. 1765 schuf er das erste Dampf- und Wärmekraftwerk in Russland für den Fabrikbedarf, das 43 Tage arbeitete. Gestorben vor ihrem Probelauf.
Popovsky Nikolai Nikitich(1730-1760) - Russischer Pädagoge, Philosoph und Dichter. Professor an der Moskauer Universität (seit 1755). Ein Anhänger und einer der Ideologen des aufgeklärten Absolutismus.
Rastrelli Bartolomeo Carlo(1675-1744) - Bildhauer. Italienisch. Seit 1716 - Im Dienst in St. Petersburg zeichnen sich seine Werke durch barocke Pracht und Pracht aus, die Fähigkeit, die Textur des abgebildeten Materials zu vermitteln ("Kaiserin Anna Ioannovna mit einem schwarzen Kind", 1733-1741).
Rastrelli Varfolomey Varfolomeevich(1700-1771) - ein herausragender russischer Architekt, ein Vertreter des Barock. Sohn von B. K. Rastrelli. Seine Werke zeichnen sich durch einen grandiosen räumlichen Umfang, Klarheit der Volumen, Strenge geradliniger Pläne, kombiniert mit Plastizität der Massen, Reichtum an skulpturaler Dekoration und Farbe, skurrile Ornamentik aus. Die größten Werke sind das Smolny-Kloster (1748–1754) und der Winterpalast (1754–1762) in St. Petersburg, Großer Palast in Peterhof (1747–1752), der Katharinenpalast in Zarskoje Selo (1752–1757).
Rokotov Fjodor Stepanowitsch(1735-1808) - Russischer Maler. Fein in der Malerei, tief poetische Porträts durchdrungen von einem Bewusstsein für die geistige und körperliche Schönheit einer Person („Unbekannt in einem rosa Kleid“, 1775; „VE Novosiltsova“, 1780 usw.).
Sumarokow Alexander Petrowitsch(1717-1777) - Russischer Schriftsteller, einer der prominentesten Vertreter des Klassizismus. In den Tragödien "Khorev" (1747), "Sinav und Truvor" (1750) und anderen sprach er das Problem der Bürgerpflicht an. Autor vieler Komödien, Fabeln, lyrischer Lieder.
Tatishchev Vasily Nikitich(1686-1750) - Russischer Historiker, Staatsmann. Verwaltete staatliche Fabriken im Ural, war der Gouverneur von Astrachan. Autor zahlreicher Werke über Ethnographie, Geschichte, Geographie. Das größte und bekannteste Werk ist „Russische Geschichte seit der Antike“.
Trediakovsky Vasily Kirillovich(1703-1768) - Russischer Dichter, Philologe, Akademiker der St. Petersburger Akademie der Wissenschaften (1745-1759). In der Arbeit "Ein neuer und kurzer Weg, russische Poesie zu komponieren" (1735) formulierte er die Prinzipien der russischen Silben-Tonika-Versifikation. Das Gedicht "Tilemakhida" (1766).
Trezzini Domenico(1670-1734) - Russischer Architekt, Vertreter des Frühbarock. Schweizer nach Nationalität. In Russland seit 1703 (eingeladen, am Bau von St. Petersburg mitzuwirken). Er baute den Sommerpalast von Peter I. (1710–1714), die Kathedrale St. Peter und Paul in der Peter-und-Paul-Festung (1712–1733), dem Bau von 12 Hochschulen (1722–1734) in St. Petersburg.
Felten Yuri Matveevich(1730-1801) - Russischer Architekt, Vertreter des frühen Klassizismus. Autor der Alten Eremitage (1771–1787), Zäune des Sommergartens (1771–1784) in St. Petersburg. Beteiligt am Bau der Granitböschungen der Newa (seit 1769).
Cheraskov Michail Matveevich(1733-1807) - Russischer Schriftsteller. Autor des berühmten Epos "Rossiyada" (1779), geschrieben im Geiste des Klassizismus.
Shelikhov (Shelekhov) Grigori Iwanowitsch(1747-1795) - Russischer Kaufmann, Pionier. 1775 gründete er ein Unternehmen für Pelz und Pelzhandel weiter nördliche Inseln Pazifischer Ozean und Alaska. Er gründete die ersten russischen Siedlungen in Russisch-Amerika. Führte bedeutende geografische Recherchen durch. Auf der Grundlage des von Shelikhov gegründeten Unternehmens wurde 1799 die Russian-American Company gegründet.
Schubin Fedot Iwanowitsch(1740-1805) - ein herausragender russischer Bildhauer. Vertreter des Klassizismus. Er schuf eine Galerie mit psychologisch ausdrucksstarken skulpturalen Porträts (Büsten von A. M. Golitsyn, 1775; M. R. Panina, 1775; I. G. Orlova, 1778; M. V. Lomonosov, 1792 usw.).
Jachontow Nikolai Pawlowitsch(1764-1840) - Russischer Komponist. Der Autor einer der ersten russischen Opern „Sylph oder der Traum einer jungen Frau“.
Russische Kunst der ersten Hälfte XIX Jahrhundert. Nationaler Aufschwung im Zusammenhang mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 Krieg und dekabristischer Aufstand in der russischen Kultur im ersten Drittel des Jahrhunderts Akute Zeitwidersprüche in den 40er Jahren. Romantische Motive in Literatur und Kunst, was natürlich ist für Russland, das seit mehr als einem Jahrhundert am gesamteuropäischen Kulturprozess beteiligt ist. Der Weg vom Klassizismus zum kritischen Realismus durch die Romantik.
Die gestiegene gesellschaftliche Rolle des Künstlers, die Bedeutung seiner Persönlichkeit, das Recht auf kreative Freiheit, in der zunehmend soziale und moralische Probleme aufgeworfen werden; die Gründung von Kunstvereinen und Fachzeitschriften („Freie Gesellschaft der Liebhaber von Literatur, Wissenschaft und Kunst“, „Journal of Fine Arts“, „Gesellschaft zur Förderung von Künstlern“, „Russisches Museum“, „Russische Galerie“), provinziell Kunstschulen Der vorherrschende Stil dieser Zeit ist der reife oder hohe Klassizismus (Russisches Reich).
Die Architektur des ersten Drittels des Jahrhunderts ist die Lösung großer urbaner Probleme. In St. Petersburg wird die Gestaltung der Hauptplätze der Hauptstadt fertiggestellt: des Palastes und des Senats. Moskau wurde nach dem Brand von 1812 besonders intensiv bebaut. Die Antike in ihrer griechischen (und sogar archaischen) Version wird zum Ideal. Die dorische (oder toskanische) Ordnung wird verwendet, streng und prägnant. Eine große Rolle im Gesamtbild des Gebäudes spielt die Skulptur, die eine gewisse semantische Bedeutung hat. Die Farbe entscheidet viel, normalerweise ist die Architektur des Hochklassizismus zweifarbig: Säulen und Stuckstatuen sind weiß, der Hintergrund ist gelb oder Ohrringe. Unter den Gebäuden nehmen öffentliche Gebäude den Hauptplatz ein: Theater, Abteilungen, Bildungseinrichtungen, Paläste und Tempel werden viel seltener gebaut.
A. Woronichin - der größte Architekt dieser Zeit (Kasaner Kathedrale). A. Sacharow seit 1805 - "der Chefarchitekt der Admiralität" (Admiralität als Hauptensemble von St. Petersburg). C.Rossi - der führende Petersburger Architekt des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. („Russisches Reich“), „Denken in Ensembles“: Ein Palast oder ein Theater wurde aus Plätzen und neuen Straßen zu einem städtebaulichen Zentrum (Mikhailovsky-Palast, heute Russisches Museum; Gebäude Alexandria-Theater; Senatsgebäude auf dem berühmten Senatsplatz). „Der strengste“ aller Architekten des Spätklassizismus V. Staso v(Pavlovsky-Kaserne auf dem Marsfeld, die "Stallabteilung" am Moika-Damm, die Regimentskathedrale des Ismailovsky-Regiments, die Triumphtore von Narva und Moskau, Innenräume Winterpalast nach dem Feuer), die überall die Masse betont, ihre plastische Schwere, Statik, Imposanz und Schwere. Die St. Isaaks-Kathedrale in St. Petersburg (O.Montferrand) ist eines der letzten herausragenden Denkmäler der religiösen Architektur in Europa des 19. Jahrhunderts, das vereint beste Kräfte Architekten, Bildhauer, Maler, Maurer und Gießer, ein Beispiel des Klassizismus, der seine Harmonie, Gewichtung, Kompliziertheit verliert.
Die Verbindung zwischen der Skulptur der ersten Hälfte des Jahrhunderts und der Entwicklung der Architektur: die Statuen von Barclay de Tolly und Kutuzov in der Kasaner Kathedrale (B. Orlovsky), die den Symbolen des heroischen Widerstands einen schönen architektonischen Rahmen verliehen. („Guy Playing Money“ von N. Pimenov, „Guy Playing Pile“ von A. Loganovsky). die andere zeigt den Wunsch nach einer direkteren und multilateraleren Reflexion der Realität, sie verbreitet sich in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, aber beide Richtungen verlieren allmählich die Merkmale des monumentalen Stils.
Wahre Erfolge der Malerei in der Romantik. Im Porträtgenre wird der führende Platz von besetzt O. Kiprensky (das Gemälde "Dmitry Donskoy über den Sieg über Mamai", das das Recht auf eine Auslandsreise eines Rentners einräumte; Porträts von E. Rostopchin, D. Khvostov, dem Jungen Chelishchev, Oberst der Life Hussars E. Davydov - ein kollektives Bild von der Held des Krieges von 1812).
Die Romantik findet ihren Ausdruck in der Landschaft. S. Shchedrin („Blick auf Neapel in einer Mondnacht“) war der erste, der die Freilichtmalerei für Russland öffnete: Er malte Skizzen im Freien und vollendete das Bild („dekoriert“) im Atelier. IN neuere Werke Shchedrins Interesse an Hell-Dunkel-Effekten wurde immer deutlicher. Wie der Porträtmaler Kiprensky und der Schlachtenmaler Orlovsky malte der Landschaftsmaler Shchedrin häufig Genreszenen.
Brechung des alltäglichen Genres in Porträts V. Tropinina (Porträt seines Sohnes Arseny, Porträt von Bulakhov), einem Künstler, der erst im Alter von 45 Jahren aus der Leibeigenschaft befreit wurde. Die besten Porträts von Tropinin zeichnen sich durch hohe künstlerische Perfektion, Aufrichtigkeit der Bilder, Lebendigkeit und Unmittelbarkeit aus, die durch gekonnte Beleuchtung betont werden.
Tropinin brachte nur ein Genreelement in das Porträt ein. "Vater des russischen Haushaltsgenres" - A. Wenezianow („Schnitter“, „Frühling. Auf Ackerland“, „Bäuerin mit Kornblumen“, „Morgen des Gutsbesitzers“), der in seinem Werk Elemente des Klassizismus, der Romantik, der Sentimentalität und des Naturalismus verband, d.h. aller „lebendigen“ künstlerischen Strömungen zu Beginn des 19. Jh. Er enthüllte nicht die scharfen Kollisionen des Bauernlebens, stellte nicht die „kranken Fragen“ unserer Zeit. Er malte eine patriarchalische Lebensweise, aber er brachte die Poesie nicht von außen hinein, er erfand sie nicht, sondern schöpfte sie aus dem Leben der Menschen selbst.
Die Entwicklung der russischen Historienmalerei in den 1930er und 1940er Jahren im Zeichen der Romantik. "Das Genie des Kompromisses" zwischen den Idealen der Klassik und den Innovationen der Romantik - K. Brjullow („Narzisse“ ist eine Skizze, die zu einem Gemälde wurde; „Der letzte Tag von Pompeji“ ist das Hauptwerk des Künstlers, das die Größe und Würde eines Menschen im Angesicht des Todes zeigt.) Die zentrale Figur im Gemälde von Mitte des Jahrhunderts ist A. Iwanow (das Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, das den leidenschaftlichen Glauben des Künstlers an die moralische Transformation der Menschen, an die Perfektion eines Menschen widerspiegelt, der nach Freiheit und Wahrheit sucht).
Die Hauptquellen für die Genremalerei der zweiten Hälfte des Jahrhunderts liegen im Werk von P. Fedotova , dem es gelang, den Geist Russlands in den 40er Jahren auszudrücken Der Weg von der einfachen Alltagsschrift zur Umsetzung der Probleme des russischen Lebens in Bildern: "Major's Matchmaking" (Aufdeckung der Ehen verarmter Adliger mit kaufmännischen "Geldsäcken") , „Die wählerische Braut“ (eine Satire auf die Scheinehe), „Frühstück eines Aristokraten“ (Anprangerung der Leere eines säkularen Kerls, der ihm Staub in die Augen streut), „Anker, mehr Anker!“ (ein tragisches Gefühl der Sinnlosigkeit des Daseins), "The Fresh Cavalier" ... Fedotovs Kunst vervollständigt die Entwicklung der Malerei in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. und eröffnet eine neue Stufe - die Kunst des kritischen (demokratischen) Realismus.
Russische Kunst der zweiten Hälfte XIX Jahrhundert . Skulptur und Architektur entwickelten sich in dieser Zeit weniger schnell. Die künstlerischen Ausdrucksmittel des Klassizismus widersprechen den Aufgabenstellungen der Architektur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Historismus (retrospektive Stilisierung, Eklektizismus) als Reaktion auf die Kanonizität des klassischen Stils. Neue Arten von Gebäuden der Zeit des Kapitalismus erforderten neue und vielfältige kompositorische Lösungen, nach denen die Architekten in den dekorativen Formen der Vergangenheit suchten und Motive der Gotik, Renaissance, des Barock und des Rokoko verwendeten.
1840er Jahre: Faszination für Renaissance, Barock, Rokoko. Im Geiste des Neobarocks und der Neorenaissance werden einige Innenräume, der Nikolaevsky-Palast, ausgeführt. In den 1970er und 1980er Jahren verschwanden klassische Traditionen in der Architektur. Die Einführung von Metallbeschichtungen, Metallrahmenstrukturen, erweckte eine rationale Architektur mit ihren neuen funktionalen und konstruktiven Konzepten zum Leben. Technische und funktionale Zweckmäßigkeit beim Bau neuer Gebäudetypen: Industrie- und Verwaltungsgebäude, Bahnhöfe, Passagen, Märkte, Krankenhäuser, Banken, Brücken, Theater- und Unterhaltungseinrichtungen.
Die Krise des Monumentalismus wirkte sich auch auf die Entwicklung der Monumentalplastik aus. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts werden die Denkmäler zu pathetisch, zu bruchstückhaft in der Silhouette, zu detailliert (das Denkmal für Katharina II. in St. Petersburg) oder zu Kammern im Geiste (das Denkmal für Puschkin in Moskau). Staffeleiskulptur entwickelt sich, hauptsächlich Genre, Erzählung, sieht aus wie ein in Skulptur übersetztes Genrebild (M. Chizhov "Ein Bauer in Schwierigkeiten", V. Beklemishev "Village Love"). Das animalische Genre entwickelt sich (E. Lansere und A. Aubert), das eine große Rolle bei der Entwicklung der russischen realistischen Skulptur kleiner Formen spielte.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts waren auch für die Malerei eine kritische Haltung zur Wirklichkeit, ausgeprägte staatsbürgerliche und moralische Positionen sowie eine ausgeprägte gesellschaftliche Orientierung charakteristisch, in der sich eine neue künstlerische Sichtweise herausbildete, die sich im kritischen Realismus ausdrückte enge Verbindung von Malerei und Literatur. Künstler als Illustratoren, geradlinige Interpreten akuter sozialer Probleme der russischen Gesellschaft.
Die Seele einer kritischen Richtung in der Malerei W. Perow , der Fedotovs Fall aufgriff und es schaffte, einfach und eindringlich die Seiten des einfachen Alltags zu zeigen: das unansehnliche Aussehen des Klerus („Landprozession zu Ostern“), das hoffnungslose Leben russischer Bauern („Seeing the Dead“), die Leben der städtischen Armen („Troika“) und der Intelligenz („The Governess’s Arrival at the Merchant’s House“).
Der Kampf um das Recht der Kunst, sich dem wirklichen Leben zuzuwenden, an der St. Petersburger Akademie der Künste ("Revolte der 14"). Die Vereinigung von Absolventen der Akademie, die sich weigerten, ein programmatisches Bild zu einem Thema des skandinavischen Epos zu schreiben (es gibt so viele moderne Probleme!), Verband der Wanderkunstausstellungen (1870-1923). Diese Ausstellungen wurden mobil genannt, weil sie in St. Petersburg, Moskau, den Provinzen organisiert wurden („zu den Menschen gehen“).Jede Ausstellung der „Wanderer“ ist wie ein riesiges Ereignis. Das ideologische Programm der Partnerschaft: ein Abbild des Lebens mit all seinen akuten gesellschaftlichen Problemen in seiner ganzen Aktualität Die Kunst der Wanderer als Ausdruck revolutionärer demokratischer Ideen in der Kunstkultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Die Partnerschaft wurde auf Initiative von Myasoedov gegründet, unterstützt von Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin , Brüder Makovsky. Später kamen junge Künstler hinzu; Repin, Surikow, Wasnezow, Jaroschenko. Serov, Levitan, Polenov nehmen seit Mitte der 80er Jahre an Ausstellungen teil. Der Anführer und Theoretiker der Wanderers I. Kramskoy.
Battle-Genre in den 70-80er Jahren. W. Wereschtschagin („The Apotheosis of War“) als den Wanderers nahestehend (organisatorisch gehörte er nicht zu ihnen). Er arrangierte seine Ausstellungen in verschiedenen Teilen der Welt und verwirklichte die Idee des Wanderns sehr weit.
Demokratie im Landschaftsgenre. Äußerlich wenig spektakuläre zentralrussische Landschaft, raue nordische Natur als Hauptthema der Maler. A. Savrasov („Rooks Have Arrived“, „Rye“, „Country Road“) – „der König der Lüfte“, der jene zutiefst ergreifenden, oft traurigen Züge, die in der heimischen Landschaft so stark zu spüren sind, im Einfachsten zu finden wusste so unwiderstehlich auf die Seele einwirken ... Eine weitere Begriffslandschaft in der Kunst F. Wassiljew („Nach dem Regen“, „Tauwetter“, „Nasse Wiese“) – ein „genialer Junge“, der den „lebendigen Himmel“ für die Landschaftsmalerei entdeckte und mit seinem „mozartschen“ Schicksal zeigte, dass das Leben nicht für die gelebten Jahre zählt, aber wie bereit Mann sehen, erschaffen, lieben und wundern. W. Polenow („Moscow Yard“, „Christ and the Sinner“) befasste sich viel mit häuslichen und historischen Genres, in denen die Landschaft eine große Rolle spielte. Polenov ist ein echter Reformator der russischen Malerei, der sie auf dem Weg des Pleinairismus entwickelt hat. Sein Verständnis der Skizze als eigenständiges Kunstwerk hatte großen Einfluss auf die Maler der Folgezeit. I. Levitan als Nachfolger der Traditionen von Savrasov und Vasilyev („Birch Grove“, „Evening Ringing“, „At the Pool“, „March“, „Golden Autumn“), „ein riesiges, originelles, originelles Talent“, „das Beste Russischer Landschaftsmaler“.
Der Höhepunkt des demokratischen Realismus in der russischen Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. zu Recht die Arbeit von Repin und Surikov betrachtet, die jeder auf seine Weise ein monumentales Heldenbild des Volkes geschaffen haben. I. Repin („Barge Haulers on the Wolga“, „Religious Procession in Provinz Kursk», « Die Verhaftung des Propagandisten“, „Geständnisverweigerung“, „Sie haben nicht erwartet“) - „ein großer Realist“, der in verschiedenen Genres arbeitete, von der Folklore bis zur Porträtmalerei, dem es gelang, die nationalen Besonderheiten des russischen Lebens heller auszudrücken als andere Maler . Sein Kunstwelt Ganz, weil es mit einem Gedanken, einer Liebe "durchscheinend" ist - Liebe zu Russland. In Kreativität V. Surikow („Morgen der Streltsy-Hinrichtung“, „Menshikov in Berezov“, „Boyar Morozova“, „Die Eroberung Sibiriens durch Ermak“, „Die Eroberung der Schneestadt“) hat die Historienmalerei ihre eigene gefunden modernes Verständnis. Surikov, als "Zeuge der Vergangenheit", gelang es, "die schrecklichen Dinge der Vergangenheit zu zeigen, präsentierte der Menschheit in seinen Bildern die heroische Seele seines Volkes." Neben Surikov, im russischen historischen Genre der zweiten Hälfte das 19. Jahrhundert. andere Künstler arbeiteten auch. An Kreativität W. Vasnetsova Märchen, Folklore oder legendäres Bild überwiegen („Alyonushka“, „The Knight at the Crossroads“, „Bogatyrs“).
Russische Kunst des Endes XIX -Anfang XX Jahrhundert . Mit der Krise der populistischen Bewegung in den 1990er Jahren wurde die „analytische Methode des Realismus des 19. Jahrhunderts“ obsolet. Der kreative Niedergang der Wanderers, die sich in das „kleine Thema“ eines unterhaltsamen Genrebildes begaben. Perovs Traditionen wurden an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur bewahrt. Alle Kunstgattungen – Malerei, Theater, Musik, Architektur – stehen für die Erneuerung der künstlerischen Sprache, für hohe Professionalität.
Für die Maler der Jahrhundertwende sind andere Ausdrucksformen charakteristisch als die der Wanderers, andere Formen künstlerischen Schaffens – in Bildern, die widersprüchlich, kompliziert sind und die Moderne ohne Anschaulichkeit und Erzählung widerspiegeln. Künstler suchen schmerzlich nach Harmonie und Schönheit in einer Welt, die sowohl Harmonie als auch Schönheit grundsätzlich fremd ist. Deshalb sahen viele ihre Mission darin, einen Sinn für Schönheit zu kultivieren. Diese Zeit der „Vorabende“, der Erwartung von Veränderungen im öffentlichen Leben, brachte viele Bewegungen, Vereinigungen, Gruppierungen hervor.
Die Rolle der Vereinskünstler "Welt der Kunst" in der Popularisierung einheimischer und westeuropäischer Kunst. "World of Art" (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) trug zur Konsolidierung der künstlerischen Kräfte bei, die Gründung des „Verbandes russischer Künstler". Bedeutung für die Bildung der Vereinigung der Persönlichkeit von Diaghilev, Mäzen, Veranstalter von Ausstellungen, Impresario des russischen Balletts und Operntourneen im Ausland („Russische Jahreszeiten"). Die wichtigsten Bestimmungen des "Welt der Kunst": die Autonomie der Kunst, die Probleme der Kunstform, die Hauptaufgabe der Kunst ist die Erziehung des ästhetischen Geschmacks der russischen Gesellschaft durch Bekanntschaft mit Werken der Weltkunst.
Die Geburt des Jugendstils, der alle bildenden Künste von der Architektur bis zur Grafik betraf, ist kein eindeutiges Phänomen, es enthält auch dekadente Anmaßung, Anmaßung, die für den bürgerlichen Geschmack bestimmt ist, aber es gibt auch den Wunsch nach Einheit des Stils ist an sich bedeutsam. Merkmale des Jugendstils: in der Skulptur - die Fließfähigkeit der Formen, die besondere Ausdruckskraft der Silhouette, die Dynamik der Komposition; in der Malerei - die Symbolik der Bilder, die Sucht nach Allegorien.
Das Aufkommen des Jugendstils bedeutete nicht den Zusammenbruch der Wanderideen, die sich anders entwickeln: Das Bauernthema wird auf neue Weise enthüllt (S. Korovin, A. Arkhipov). Alte Rus' zieht M. Nesterow , aber das Bild von Rus erscheint in seinen Gemälden als eine ideale, verzauberte Welt, im Einklang mit der Natur, aber verschwunden wie die legendäre Stadt Kitezh (“Vision to the Youth Bartholomew”).
Ein anderer Blick auf die Welt K. Korovina , der schon früh unter freiem Himmel zu schreiben begann, seine französischen Landschaften („Pariser Lichter“) sind bereits recht impressionistische Schriften. Gestochen scharfe Impressionen des Großstadtlebens: ruhige Straßen in andere Zeit Tage, im Licht-Luft-Medium aufgelöste Objekte - Merkmale, die an die Landschaften von Manet, Pissarro erinnern. Impressionistische Etüde, malerische Meisterschaft, Kunstfertigkeit bewahrt Korovin im Porträt und Stillleben, in dekorativen Tafeln, in theatralischen Kulissen.
Erneuerer der russischen Malerei um die Jahrhundertwende W. Serow („Das Mädchen mit Pfirsichen“, „Das von der Sonne erleuchtete Mädchen“) ist eine ganze Etappe der russischen Malerei. Portrait, Landschaft, Stillleben, Häusliche, Historienmalerei; Öl, Gouache, Tempera, Kohle - es ist schwierig, Genres zu finden, in denen Serov nicht arbeiten würde.Ein besonderes Thema in seiner Arbeit ist der Bauer, in dem es keine umherziehende soziale Schärfe gibt, sondern einen Sinn für die Schönheit und Harmonie von bäuerliches Leben, Bewunderung für die gesunde Schönheit des russischen Volkes.
"Herold anderer Welten" M. Vrubel , der als Mensch für Verwirrung und als Künstlerin für Empörung sorgte („Pan“, „Die Schwanenprinzessin“, „ Dämon sitzt"," Wahrsager", "Flieder"). Der erste Symbolist (?), "Universal in der Kunst", dessen Suche mit der Methode von Leonardo da Vinci verglichen wird, Vrubel "fällt" sehr schnell aus der "traditionellen" Malerei heraus, schlägt mit einem Original voller Geheimnisse und fast dämonische Macht in der Art der Malerei, die sich als prophetisch für neue künstlerische Richtungen des 20. Jahrhunderts herausstellte ...
"Miriskussnik" N. Roerich . Als Kenner der Philosophie und Ethnographie des Ostens hatte der Archäologe und Wissenschaftler Roerich mit der „Welt der Kunst“ die Liebe zur Retrospektive, zur heidnischen slawischen und skandinavischen Antike („Messenger“, „The Elders Converge“, „Sinister“) gemeinsam. ). Roerich war am engsten mit der Philosophie und Ästhetik des russischen Symbolismus verbunden, aber seine Kunst passte nicht in den Rahmen bestehender Trends, weil er gemäß der Weltanschauung des Künstlers mit einem Appell an die gesamte Menschheit appellierte freundliche Vereinigung alle Völker. Später weichen historische Themen religiösen Legenden ("Himmlische Schlacht"). Seine dekorative Tafel „Die Schlacht von Kerzhents“ wurde während der Aufführung eines gleichnamigen Fragments aus Rimsky-Korsakovs Oper „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“ in den Pariser „Russischen Jahreszeiten“ ausgestellt.
In zweiter Generation war die „World of Art“ einer der begabtesten Künstler B. Kustodiev , ein Schüler von Repin, der sich durch Stilisierung auszeichnet, aber dies ist eine Stilisierung eines beliebten Volksdrucks („Messen“, „Fasching“, „Balagany“, „Händler für Tee“).
1903 Gründung des Vereins "Union russischer Künstler" , die Figuren aus der "Welt der Kunst" umfasst - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, und die Teilnehmer an den ersten Ausstellungen waren Vrubel, Borisov-Musatov. Die Initiatoren der Gründung des Vereins waren Moskauer Künstler, die mit " die Welt der Kunst“, aber von der programmatischen Ästhetik der Petersburger belastet. K. Korovin galt als Anführer der "Union".
1910 Gründung des Vereins "Der Karobube" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), die sich gegen die Vagheit, Unübersetzbarkeit, Nuancen der Symbolsprache der „Blauen Rose“ und den ästhetischen Stil der „World of Kunst". "Knaves of Diamonds" bekennt sich zu einem klaren Bildaufbau, betont die Objektivität der Form, Intensität, voll klingende Farbe. Stilleben als Lieblingsgenre von "Jacks".
"Einsame und einzigartige" Kreativität P. Filonova , der sich zum Ziel gesetzt hat, die Metaphysik des Universums durch Malerei zu verstehen und kristallähnliche Formen als primäre Elemente des Universums zu schaffen ("Fest der Könige", "Heilige Familie"). Vitalität nationaler Traditionen, großer alter Russe Malen in der Kreativität K. Petrova-Wodkina , ein künstlerischer Denker („Baden des roten Pferdes“ als Bildmetapher, „Mädchen an der Wolga“ - eine Orientierung an den Traditionen der russischen Kunst).
Die Ära des hochentwickelten industriellen Kapitalismus und Veränderungen in der Architektur der Stadt. Neue Gebäudetypen: Fabriken, Bahnhöfe, Geschäfte, Banken, Kinos. Neue Baumaterialien - Stahlbeton- und Metallkonstruktionen, die es ermöglichen, riesige Räume zu bedecken und riesige Ladenfronten zu schaffen.
Die Kunst der vorrevolutionären Jahre in Russland ist durch die ungewöhnliche Komplexität und Widersprüchlichkeit der künstlerischen Suche gekennzeichnet, weshalb sich die Gruppierungen durch eigene Programmeinstellungen und stilistische Sympathien ersetzen. Aber zusammen mit den Experimentatoren auf dem Gebiet der abstrakten Formen in der damaligen russischen Kunst, der "Welt der Kunst" und "Blauen Träger", "Verbündeten", "Knaves of Diamonds", arbeiteten gleichzeitig Künstler des neoklassischen Trends weiter .
