Russische Volkschöre. H

Künstlerisches Bild Musikstück im Chor wird es durch die Melodie und das Wort geschaffen und offenbart. Die wichtigsten technischen Anforderungen an die Chorklanglichkeit sind daher erstens die Genauigkeit der hohen Tonintonation jedes Sängers in einer separaten Stimme und jeder Stimme im Gesamtklang des Chors; zweitens die klangliche Einheit und das dynamische Gleichgewicht der einzelnen Stimmen innerhalb jeder Stimme und aller Stimmen im allgemeinen Chorensemble; drittens eine klare Aussprache von Wörtern.
Aber ein harmonischer, intonationsreiner, in der Kraft ausgewogener, in der Klangfarbe vereinter Chorklang ist nur Voraussetzung für die Schaffung eines künstlerischen Bildes, das den Inhalt des Werkes vermittelt. Daher muss der Leiter, bevor er beginnt, ein Lied zu lernen, durch Analyse des Werks seinen Inhalt und die Mittel verstehen, mit denen es vom Komponisten offenbart wird. Durch die Bekanntschaft mit dem literarischen Text kann man das Thema und die Idee des Werks und seinen Charakter verstehen: entweder heroisch oder lyrisch oder komisch usw. Abhängig von der allgemeinen Art des Liedes, dem Tempo, der Dynamik , Klangfarbe des Klangs, die Art der Bewegung der Melodie bestimmt werden, künstlerische semantische Auswahl der Phrasen.

Nach einer solchen Analyse der Arbeit wird ein Leistungsplan erstellt, an den sich das gesamte anschließende anschließt Gesangs- und Chorarbeit. Der Leiter ermittelt die Schwierigkeiten bei der Bewältigung des Werkes, skizziert Wege zu ihrer Überwindung, entwickelt bestimmte Übungen und erstellt einen detaillierten Probenplan.
Arbeiten Sie mit dem Chor neues Lied beginnt normalerweise mit grobem Lernen - dem Auswendiglernen der Melodie, dem Aufbau von Intervallen, Konsonanzen, dem Erarbeiten der rhythmischen Seite der Arbeit und der Diktion.
Mit der Beherrschung der technischen Elemente beginnt der Regisseur, der künstlerischen Vollendung der Arbeit mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Es kommt eine Zeit, in der nackte Noten beginnen, künstlerisches Fleisch anzunehmen.
Als Beispiel geben wir eine künstlerische Analyse und einen Aufführungsplan für die Arbeit mit dem Chor am Lied „Polyushko Kolkhoznoe“, Text und Melodie von G. Savitsky, arrangiert für weibliche Zusammensetzung Volkschor I. Ivanova. (Das Lied ist in dieser Ausgabe der Sammlung auf Seite 13 abgedruckt).

Der literarische Text des Liedes offenbart das Bild eines weiten, geteilten Kolchosfeldes.

Oh, du bist mein Schatz
Kolchos Polyushko,
Du bist meine Frau
Du bist meine Weite.
Rye dichte Wellen
Der Wind schwankt.
einjährige polyushko
Die Ernte ist berühmt.
Oh, du bist mein Schatz
Kolchos Polyushko,
Du bist meine Braut.
Du bist meine Weite.

Das Gedicht zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Prägnanz und gleichzeitig Ausdruckskraft des Bildes aus. Trotz der Tatsache, dass es nur aus drei Vierzeilern besteht und der dritte eine wörtliche Wiederholung des ersten ist, sticht das Bild der "Kolchos-Polyuschka" konvex und stark hervor. Welch großen und thematisch breiten Sinn legt der Autor in das Wort „Kollektivwirtschaftsfeld“! Sie enthalten einen tiefen Subtext: In dieser „Polyushka“ ist das ganze Leben eines Arbeiters, ein neues, glückliches Leben, wie eine „Polyushka“, weit und geräumig.
Diese innere Bedeutung oder Idee des Gedichts wird bereits im ersten Vierzeiler skizziert, wo sich das majestätische Bild der „Polyushka“ durch einen tief emotionalen, liebevollen Appell zu entfalten beginnt: „Oh, du bist mein Pol“.

Zeigt sich im ersten Quartett das Bild des „Kolchospols“ in lyrisch-epischem Charakter, so tritt im zweiten Quartett der heroische Klang des Bildes in den Vordergrund, der einen immer dynamischeren Gehalt erhält. Also, der energische Beginn des zweiten Vierzeilers -

Rye dichte Wellen
Der Wind schwankt.

vermittelt die ungestüme Bewegung, die Dynamik in der Entwicklung des Bildes „Kollektivwirtschaftsfeld“. Es ist nicht mehr nur „weit und geräumig“, sondern auch „berühmt für die Ernte“. Hier kommt die weitere Offenlegung des Subtextes des Gedichts. Das wogende Roggenmeer ist die Frucht kreativer Arbeit Sowjetischer Mann- der Schöpfer aller irdischen Segnungen. Daher erklingt im dritten Vierzeiler, der eine wörtliche Wiederholung des ersten ist, der Appell an die „Poluschka“ mit neuer Kraft: nicht mehr als Reflexion, sondern als Hymne an ihre Fruchtbarkeit, als Hymne an die kreative Arbeit von Sowjetisches Volk.
So offenbart sich das Bild des „Kollektivbauernmastes“ im Gedicht in dynamischer Entwicklung von lyrisch-epischer Majestät zu einem mächtigen heroischen Klang. Die Rahmungstechnik gibt dem Gedicht eine thematische Ganzheit und öffnet gleichzeitig Raum für die Kreativität des Komponisten und Autors von Chorarrangements.

Analyse der Musik des Liedes " Kolchos Polyushko“, ist es leicht zu bemerken, dass die Intonation sehr genau ist und den Charakter volksliedhaft vermittelt Literarisches Bild. Die Melodie des Liedes ist breit, melodiös und schafft dank der abwechslungsreichen Metrum-Rhythmik-Organisation eine Atmosphäre emotionaler Erregung und innerer Bewegung. Jede Strophe des Liedes, die die Stimmung des entsprechenden Vierzeilers wiedergibt, ist sozusagen eine bestimmte Stufe in der Entwicklung des musikalischen Bildes des Liedes.
In der Musik der ersten Strophe gibt es einen sanften, liebevollen Appell an den „Kolchospol“. Aber gleichzeitig ist dies kein Gespräch im wörtlichen Sinne, sondern eine tiefe Reflexion, bei der das „Kollektivwirtschaftsfeld“ und das Schicksal eines Menschen, sein ganzes Leben zu einem einzigen Konzept verschmelzen. Von hier kommt die bestimmende Stimmung des ersten Verses – Weichheit, Aufrichtigkeit und Bedeutung.

Das Tempo ist langsam, die Bewegung der Melodie ist glatt, der Gesamtton ist pianissimo (sehr leise).
Alle Elemente des künstlerischen Ausdrucks (Melodie, Metro-Rhythmus, Textur, Phrasierung) sind in ständiger Bewegung, als würden sie immer neue Aspekte des Bildes offenbaren, wodurch das Werk zu einem fruchtbaren Material für künstlerische Darbietungen wird.

Der erste Vers sowie die nachfolgenden Verse bestehen aus vier Phrasen, von denen jede ihren eigenen dynamischen Höhepunkt hat. Die Töne, die nach oben folgen, werden mit erhöhter Klangfülle gespielt, und die Töne, die nach der Spitze folgen, werden mit Abschwächung gespielt. Dadurch wird der Peak dynamisch betont und ordnet die vorherigen und nachfolgenden Töne um sich herum. In dem analysierten Song ist der Anfang jeder Phrase der erste Schlag des zweiten Takts. Aber die Sätze sind in ihrer Bedeutung nicht gleichwertig. IN dieser Fall die wichtigste Vertex-Phrase ist die dritte. Emotionales Wachstum steigt auf, die Melodie erweitert den Tonumfang, die innere Bewegung beschleunigt sich, indem die Anzahl der Takte in der zweiten Phrase reduziert wird, die Textur wird gesättigt: Zuerst singt eine Sängerin, in der zweiten Phrase gesellt sich die zweite hinzu, und in der dritten Satz erklingt bereits ein polyphoner Chor. In der vierten Phrase hingegen schwächt sich bereits die emotionale Spannung ab, sie klingt dynamisch schwächer als die dritte, ihr rhythmisches Muster ändert sich, der Tonumfang wird verkürzt und die Textur vereinfacht: Der Unisono tritt an die Stelle des Quadrupels.
Eine solche Unterscheidung zwischen Phrasen künstlerischer Wert Phrasierung genannt. (Beispiel Nr. 1) Wenn der allgemeine Ton des Verses pianissimo ist, dann kann der Klang am Anfang der Phrasen etwas ansteigen, das Piano erreichen und am Ende der Phrase zum ursprünglichen Ton zurückkehren.

Die dritte Phrase (oben) klingt etwas stärker als alle anderen (innerhalb des Klaviers).

Die Entwicklung des musikalischen Bildes in der zweiten und dritten Strophe folgt dem Pfad des dynamischen Wachstums - vom Piano zum Forte, der strukturellen Komplikation, der varianten Entwicklung der Stimmen, der Veränderung der Klangfarbe, der Art der Bewegung der Melodie und der Aussprache der Wörter. Alle diese Veränderungen basieren auf dem Injektionsprinzip - einer allmählichen und kontinuierlichen Steigerung, Expansion. Lassen Sie uns zur Unterstützung des Gesagten den dynamischen Plan und die strukturellen Änderungen des Liedes betrachten.

Dynamischer Plan
Die erste Strophe ist pianissimo.
Die zweite Strophe ist Klavier.
Die dritte Strophe geht von mezzo forte bis fortissimo.

Änderungen in der Dynamik sind eng mit strukturellen Komplikationen verbunden: Die erste Strophe wird von einem Sänger gesungen, die zweite von zwei, und die dritte Strophe beginnt mit dem gesamten Chor. Hier sehen wir nicht nur eine Zunahme der Anzahl der Leads, sondern auch eine Zunahme der Anzahl der Stimmenteile sowie eine Variation in der Melodielinie der Leads selbst. (Beispiel Nr. 2)

Seinen Höhepunkt erreicht das Lied in der letzten Strophe mit den Worten: „Du bist mein Weit, du bist mein Raum.“ Alle künstlerischen Ausdruckselemente erreichen an diesem Ort ihr höchstes Niveau. Hier ist der lauteste Klang des Chores, die Art der Bewegung der Melodie (im Gegensatz zu den vorherigen Strophen zeichnet sie sich nicht mehr durch die weiche und ruhige Gestaltung des Klangs aus, sondern durch die schwungvolle, helle, eingängige Aussprache von der Klang und das Wort, basierend auf einer Kombination aus Akzent und maximaler Klanglänge), die Textur erreicht ihre Grenzentwicklung (5 Stimmen, Untertöne), schließlich hebt die Melodie zu ihrem Höhepunkt ab und betont den emotionalen Höhepunkt und das Ende von das ganze Lied. (Beispiel Nr. 3)

Als Ergebnis der künstlerischen Analyse klärte der Regisseur den Inhalt des Liedes und die Mittel, mit denen der Komponist es enthüllt. Dies beschränkt sich jedoch nicht auf die Vorarbeiten zum Werk.
Jede Art von Kunst hat ihre eigene Technik, dh eine Reihe bestimmter Fähigkeiten, die erforderlich sind, um ein künstlerisches Bild zu schaffen. In der Chorkunst sind dies System, Ensemble, Diktion, stimmliche Fähigkeiten – Atmung, Klangerzeugung und Resonanz. Daher ist es klar, dass die nächste Stufe der Vorarbeit des Leiters die Analyse der Arbeit bereits unter dem Gesichtspunkt ihrer technischen Schwierigkeiten ist.
Betrachten Sie die Hauptpunkte der Arbeit an der Bildung des Chores.
Das Singen ohne Begleitung stellt an die Interpreten besonders hohe Anforderungen an die Intonation von Intervallen und Akkorden. Die sehr entwickelte melodische Linie des Liedes, vollgestopft mit weiten Intervallen, bereitet große Schwierigkeiten für die Intervallintonation. Es ist notwendig, auf die melodischen Segmente zu achten, die der Chor verstimmen kann: auf die Klänge des zweiten Verhältnisses

zu einer Folge von Tönen derselben Tonhöhe, was oft zu einer Verringerung der Intonation führt und daher ein „Hochziehen“ der Tonhöhe jedes nachfolgenden Tons erfordert, bis zur Intonation von Halbtönen.
Um einen intonationsreinen Klang zu erzielen, muss der Chorleiter die Intonationsmuster der verschiedenen Grade der Dur- und Molltonleiter entsprechend ihrer modalen Bedeutung kennen.
Intonation große Tonleiter.

Der Ton des ersten Schrittes (Grundton) wird gleichmäßig angestimmt. Die Klänge der zweiten, dritten, fünften, sechsten und siebten Stufe werden x.o durch den Wunsch, sich zu erheben, intoniert. Bei besonders starkem Auftriebsdrang werden die Klänge der dritten und siebten Stufe (die Terz des Tonika-Dreiklangs und der Einleitungston) angestimmt. Der Klang des vierten Schritts wird mit einem Wunsch nach Abnahme intoniert.

Es sollte beachtet werden, dass es im russischen Lied oft einen Dur-Modus mit einem abgesenkten siebten Schritt gibt. In diesem Fall wird es mit dem Wunsch nach Abnahme intoniert.

Beispiel Nr. 5 zeigt die Art der Intonation verschiedener Stufen der Dur-Tonleiter. Pfeile nach oben zeigen an, dass der Ton mit steigender Tendenz intoniert werden soll, ein horizontaler Pfeil zeigt eine stabile Intonation an und ein Pfeil nach unten zeigt eine Intonation mit fallender Tendenz an.

Moll-Intonation (natürlich).

Die Klänge des ersten, zweiten und vierten Schrittes werden mit dem Wunsch nach Aufstehen intoniert.
Klänge der dritten, sechsten und siebten Stufe - mit dem Wunsch nach Abnahme.
Im harmonischen und melodischen Moll wird der Klang der siebten Stufe mit stark steigender Tendenz intoniert. Im melodischen Moll wird auch der Klang des sechsten Schrittes mit einem Wunsch nach Aufsteigen intoniert.

Beispiel Nr. 6 zeigt die Art der Intonation der Klänge der Tonleiter "B-Moll", in der das Lied "Polyushko Kolkhoznoe" geschrieben ist.
Die genaue Intonation hängt zu einem großen Teil von der Singatmung ab. Träge Atmung mit Luftverlust führt zu einer Geräuschminderung, überanstrengtes Atmen mit zu starkem Luftdruck hingegen zu forcierter und ansteigender Intonation. Die träge Klangbildung (bei einem Einsatz) verursacht auch Intonationsungenauigkeiten. Eine tiefe Position, die eine Überlastung des Kehlkopfes verursacht, führt zu einer Abnahme der Intonation des Tons, die Überlagerung des Tons im oberen Register führt zum gleichen Ergebnis (bei Volksstimmen geschieht dies in leisen Liedern). Bei unzureichender Verwendung von Brustresonatoren ändert sich die Intonation nach oben.
Die „Hochlage“ des Schalls wirkt sich besonders günstig auf die Intonation aus, deren Kern darin besteht, den Schall auf die oberen Resonatoren zu lenken und den Kehlkopf zu entlasten. In jedem Register muss eine hohe Position erreicht werden.

Dies sollte bei der Erarbeitung dieses Liedes besonders beim Üben mit zweiten Altisten berücksichtigt werden, die in einer sehr tiefen Lage singen. Stimmübungen, das Singen einzelner Phrasen mit geschlossenem Mund oder auf der Silbe „li“, „le“ sind von großem Nutzen bei der Erarbeitung von Höhenlagen.
Somit hängt der intonationsreine Gesang im Chor maßgeblich vom Niveau der gesamten Stimmarbeit ab, die in Richtung der Ausbildung verschiedener sängerischer Fähigkeiten und der Behebung gewisser Mängel in der Stimme der Sänger (Klangdichte, Forcierung, Zittern, Nasal) geleistet werden sollte Ton usw.).)
Die wichtigste stimmliche Fertigkeit ist die richtige, angelehnte Atmung.“ Oft wird einem Sänger, der die Singatmung besitzt, nachgesagt, er singe „auf einer Unterlage“, oder „anlehnenden Ton“. Die angelehnte Atmung zeichnet sich dadurch aus, dass die ganze Luft beim Singen geht vollständig zur Klangerzeugung ohne Leckage und wird sanft und sparsam verbraucht. In diesem Fall tritt der sogenannte "unterstützte Klang" auf. Er hat viel Sättigung, Dichte, Elastizität. Ein nicht unterstützter Klang ist dagegen dumpf, locker , schwach, mit einer Heiserkeit, die auf nutzlosen Luftverlust hindeutet, eine große Luftersparnis ist möglich und folglich das Singen großer musikalischer Strukturen in einem Atemzug musikalische Phrase.

Um einen gegensätzlichen Klang zu erhalten, muss eine „Inhalationseinstellung“ beibehalten werden, dh der Sänger sollte beim Singen das Absenken und Verengen der Brust nicht zulassen. Nach dem Einatmen ist es notwendig, den Atem für einen Moment „anzuhalten“ und dann mit der Klangerzeugung fortzufahren. Dieser Moment der „Verzögerung“ versetzt sozusagen den gesamten Gesangsapparat in Alarmbereitschaft. Sie müssen leicht und natürlich atmen, ohne übermäßige Anspannung, fast genauso wie bei normaler Konversation. Der Sänger muss so viel Luft holen, wie er braucht, um eine bestimmte Aufgabe zu erfüllen. Die Menge der eingeatmeten Luft hängt von der Größe der musikalischen Phrase und der Tonlage, in der sie klingt, sowie von der Stärke des Klangs ab. Das Singen in hoher Lage erfordert mehr Luft. Zu viel Luft einzuatmen führt zu überspanntem Klang und ungenauer Intonation. Die Dauer des Atems hängt vom Tempo der Arbeit ab und sollte der Zeitdauer eines Taktschlags entsprechen. Für die kontinuierliche Ausführung langer musikalischer Konstruktionen und sogar des gesamten Werks wird die sogenannte "Kettenatmung" verwendet. Seine Essenz liegt in der sukzessiven Erneuerung des Atems durch die Chorsänger. Am Beispiel von Nr. 7 ist der Chorteil der zweiten Strophe gegeben, der auf der „Kettenatmung“ ausgeführt wird.

Jeder einzelne Sänger kann diesen ganzen Abschnitt nicht ohne Atemerneuerung singen, aber im Chor klingt diese Phrase aufgrund der sukzessiven Atemerneuerung durch die Sänger unartikuliert. Die normale Gesangsatmung eines Sängers versiegt an der Wende des vierten und fünften Taktes, aber selbst ein Sänger sollte an dieser Stelle nicht atmen. Beim „Kettenatmen“ atmet man besser nicht an der Kreuzung zweier musikalischer Konstruktionen, sondern davor oder nach einiger Zeit. Sie müssen sich vom Singen lösen und unmerklich wieder eintreten, kurz und hauptsächlich mitten in einem Wort oder bei einem anhaltenden Ton Luft holen. (Beispiel Nr. 7).

Die Bedeutung der Art der Ausatmung sollte noch einmal betont werden. Es sollte wirtschaftlich und über seine gesamte Länge gleichmäßig sein. Nur ein solches Ausatmen kann einen sanften, elastischen Gesang erzeugen. Achten Sie darauf, dass beim Ausatmen nicht die gesamte Luft verbraucht wird. Es ist schädlich, mit stark verbrauchter Luft zu singen.
Beim Singen ist der Vorgang des Atmens eng mit dem Moment der Tonentstehung bzw. des Anschlags verbunden. Es gibt drei Arten von Angriffen – hart, angesaugt und weich. Bei einem harten Angriff schließen sich die Bänder, bevor Luft zugeführt wird. Dann öffnet der Luftstrahl die Bänder mit geringem Kraftaufwand. Das Ergebnis ist ein rauer Klang.
Ein aspirierter Angriff ist das Gegenteil eines harten. Damit geht dem Auftreten von Geräuschen ein stilles Ausatmen voraus, wonach sich die Bänder ruhig schließen. In diesem Fall scheint der Vokal „A“ den Charakter des Lautes „xx-a“ zu bekommen, aber der Konsonant „x“ sollte nicht gehört werden.

Bei einem sanften Anschlag beginnt der Verschluss der Bänder gleichzeitig mit dem Beginn des Tons.
Ein fester Anschlag beim Singen ist selten (bei lauten Ausrufen, bei der lauten Tonbildung nach einer Pause).
Fest angegriffene Übungen sind von großem Nutzen, sie erzeugen das Gefühl eines „unterstützten“ Klangs und sind ein Mittel gegen träge Klangbildung, die „Einsatz“ verursacht. Solche Übungen (Beispiel Nr. 8) sollten langsam zum Vokal "A" gesungen werden.

Die Grundlage des Singens ist ein weicher Anschlag. Aspiriert - wird für leise und sehr leise Klangfülle verwendet.
Bei Sängern mit scharfer Stimme ist es sinnvoll, auf den Vokalen „I“, „E“, „E“, „Yu“ oder der Silbe „LA“, „ LE“, „LE“, „LU“.
Das künstlerische Bild in der Vokalkunst erscheint in der Einheit von Musik und Wort. Nicht nur die Qualität der Botschaft an den Zuhörer hängt von der Art der Aussprache oder Diktion ab. Literarischer Text Lieder, sondern der gesamte Gesangsprozess. Wie Sie wissen, besteht das Wort aus der Einheit von Vokalen und Konsonanten. Sine qua non richtige Diktion Beim Singen basiert das längste Ertönen von Vokalen und kurze, aktive Aussprache von Konsonanten auf einem klaren Zusammenspiel von Zunge, Lippen, Zähnen und Gaumen mit einer gleichmäßigen und keinesfalls ruckartigen Ausatmung. Es ist nützlich, die Klarheit der Aussprache von Konsonanten in einem leisen Klang herauszuarbeiten, indem man sie verdoppelt. Gleichzeitig ist es nützlich, um die ganze Aufmerksamkeit auf die Konsonanten zu richten, jede Silbe kurz, aber nicht abrupt zu werfen und die Dauer der gehaltenen Töne im Kopf zu berechnen. (Beispiel Nr. 9)

Besonders schwierig bei der Aussprache sind Kombinationen aus mehreren Konsonanten (Land), einem Konsonanten am Wortanfang (meet, not meet) und einem Konsonanten am Ende eines Wortes (color, not color).
Um die endgültige Kontinuität des Klangs der Melodie zu bewahren, müssen Konsonanten am Ende einer Silbe mit der nächsten Silbe verbunden werden.
"U—ro—zha—e—ms l a—v und—ts I.“
Klare Ausdrucksweise wird normalerweise mit der klaren Aussprache von Konsonanten identifiziert, wobei vergessen wird, dass Vokale auch eine große Rolle bei der Aussprache von Wörtern und bei der Gesamteinheit des Chorklangs spielen.
Vokale sind reine Laute ohne Beimischung von Rauschen. Einige von ihnen klingen hell, offen - "A", andere sind bedeckt - "O", "U", der dritte - "close" - "I". Der Grad der Spannung oder Helligkeit von Vokalen ist unterschiedlich, er hängt von der Position des Mundes und von der Stelle des Vokals im Wort ab (betonte Vokale klingen intensiver, heller als unbetonte).

Um beim Singen eine glatte Gesangslinie zu erzeugen, werden alle Vokale auf irgendeine Weise neutralisiert, dh die scharfe Linie zwischen ihnen wird gelöscht. Dies geschieht dadurch, dass für alle Vokale ungefähr die gleiche Position des Mundes beibehalten wird. Es ist bekannt, dass derselbe Vokal unterschiedliche Bestimmungen Mund erwirbt unterschiedliche Klangqualitäten: mit breit offener Mund es klingt offen, hell, halboffen - bedeckt, weich, beim Singen mit geöffneten Lippenwinkeln (bei einem Lächeln) - es klingt leicht, leicht, "nah". Daher ist es ganz klar, dass im Klang einer einzelnen Phrase oder des gesamten Werks, das von einer bestimmten Stimmung geprägt ist, alle Vokale im gleichen emotionalen Ton mit einer vorherrschenden Mundstellung erklingen sollten. Die einheitliche Art der Vokalbildung im Chor ist von entscheidender Bedeutung, da sie die Grundlage der klanglichen Einheit der Stimmen ist. Um eine Einzelvokalresonanz zu entwickeln, ist es sinnvoll, eine Folge von Tönen gleicher Tonhöhe auf den Silben MI-ME-MA-MO-MU zu singen (der Konsonant „M“ wird verwendet, um den Anschlag abzuschwächen. Beispiel Nr. 10) . Dabei ist darauf zu achten, dass alle Vokale mit gleicher Mundöffnung ausgeführt werden.

Um einen "Eintritt" beim Singen der Vokale "A", "O", "U", "E", "I" nach einem anderen oder demselben Vokal zu vermeiden, insbesondere an der Verbindung zweier Wörter, ist es notwendig dehnen Sie den ersten Vokal so lange wie möglich und bewegen Sie sich sofort zum zweiten, wobei Sie den Ton etwas härter angreifen. Zum Beispiel: "...Polyushko ist berühmt für seine Ernte."
Wir haben oben bereits gesagt, dass der betonte Vokal stärker und heller klingt als der unbetonte. Aber manchmal stimmt in Volksliedern der starke Schlag des Taktes nicht mit der Betonung im Wort überein. In diesen Fällen muss der Vokal, der auf dem starken Schlag des Taktes erklingt, weniger prominent ausgeführt werden als der Vokal, auf dem die Wörter betont werden (Beispiel 11).

Hier sehen wir, dass im Wort „My“ der unbetonte Vokal „O“ einem relativ starken Schlag des Taktes entspricht und daher, hervorstechend, das Wort verfälscht. Um dies zu verhindern, muss die Silbe „MO“ etwas leiser vorgetragen werden als der Vokal „Yo“.
Der Arbeit an Vokalen in einem Volkschor kommt eine besondere Bedeutung im Zusammenhang mit der irrigen Auffassung mancher Musiker über die Klangfarbe der Volksstimme zu. Sie glauben, dass nur ein offener, weißer Klang charakteristisch für den Volksgesang ist. Die vokale Grundlage des Volksgesangs nicht zu verstehen, führt zu einer falschen Ausrichtung dieser wunderbaren Gattung der Chorkunst. Ist der Genrereichtum des Russen einheimische Lieder von einem leisen, sanften Refrain, einem scharfen Liedchen bis hin zu weiten Leinwänden aus lyrischen Singsangsongs und lautstarken Sommersprossen spricht nicht von ihrer größten emotionalen Bandbreite?! Wie kannst du all diese Lieder mit einem Ton singen?! Es ist völlig klar, dass der Klang eines Volkschores, wie jedes anderen Chores, vom Inhalt des Liedes abhängt, von seinem emotionalen Ton.

Die Basis eines jeden Kollektivs Musikalische Kunst, einschließlich des Chors, ist die Einheit und eine gewisse Koordination der Aktionen aller Mitglieder des Teams. Alle Elemente der Chorklanglichkeit: Struktur, Diktion, Stärke, Klangfarbe, Bewegungsgeschwindigkeit usw. existieren nur in einer kollektiven Ensembleform. Daher durchdringt die Arbeit im Ensemble alle Phasen der Chorarbeit.
Wir haben bereits über eine einzige Art gesprochen, Vokale und Konsonanten zu bilden. Betrachten wir nun das rhythmische und dynamische Ensemble. In "Polyushka Kolkhozny" hat jede Stimme ihr eigenes unabhängiges rhythmisches Muster. Bei einmaliger Aufführung besteht die Gefahr, die rhythmische Gesamtheit zu verletzen. Um dies zu verhindern, ist es notwendig, die Sänger dazu zu erziehen, das Pulsieren der Melodie zu spüren. Zu diesem Zweck ist es gut, musikalische Passagen zu singen, bei denen jede Viertel-, Halb- und Ganze Note laut in Achtel zerlegt wird (Beispiel N2 12).

Dank dieser Übung wird der Chor komplexe Dauern genau überstehen und rechtzeitig zu nachfolgenden Klängen übergehen. Normalerweise verlieren Sänger bei Klängen von langer Dauer ihr präzises Bewegungsgefühl und gehen zu spät oder vorzeitig zu nachfolgenden Klängen über.
Das dynamische Ensemble im Chor beruht auf der Ausgewogenheit in der Stärke der Stimmen einer Partei und auf einer gewissen Abstimmung der Parteien untereinander: Entweder klingt die obere Partei, die die Hauptstimme führt, lauter als die anderen Parteien, dann die Mittel- oder Unterstimme treten in den Vordergrund, dann klingen alle Parteien mit der gleichen Kraft . So klingt im Lied „Polyushko Kolkhoznoye“ zunächst die Oberstimme lauter, dann werden melodische Änderungen in verschiedenen Stimmen dynamisch betont, am Höhepunkt des Liedes erklingen alle Stimmen mit gleicher Kraft.

Die meisten russischen Volkslieder werden mit Leadsängern aufgeführt. In diesen Fällen ist das Ensemble zwischen Leiter und Chor sehr wichtig, das den gesamten Charakter der Aufführung des Liedes vom Leiter übernimmt. Dies sollte beim Lernen dieses Liedes berücksichtigt werden. Basis gutes Ensemble im Chor ist die richtige Wahl der Stimmen und deren quantitative Gleichheit in jeder Partei. Das Ergebnis ist ein natürliches Ensemble. Aber manchmal haben die Stimmen, aus denen der Akkord besteht, unterschiedliche Tessitura-Bedingungen. In diesem Fall wird die Klangbalance künstlich durch eine spezielle Verteilung der Klangstärke zwischen den Stimmen erreicht: Die in einer hohen Lage geschriebene Nebenstimme sollte leiser klingen, und die in einer tiefen Lage geschriebene Hauptstimme sollte lauter gespielt werden. Wenn alle Stimmen in einer bestimmten Situation mit der gleichen Kraft gespielt werden, übertönt die Nebenstimme die Hauptstimme, und natürlich gibt es kein Ensemble.
Um ein künstlerisch vollwertiges Ensemble zu schaffen, ist es notwendig, dass jeder Sänger nicht nur seine Rolle genau singt, sondern auch, wenn er seinen Partynachbarn zuhört, mit ihnen verschmilzt. Außerdem muss er auf die Hauptstimme hören und mit ihr die Stärke seiner Stimme messen.

Das Kollektiv geht auf seine Geschichte am 2. März 1911 zurück, als das erste Konzert des Bauernchors unter der Leitung von Mitrofan Efimovich Pyatnitsky auf der kleinen Bühne der Noble Assembly stattfand. Das Programm des ersten Konzerts umfasste 27 Lieder aus den russischen Regionen Woronesch, Rjasan und Smolensk. Sergej Rachmaninow, Fjodor Schaljapin und Iwan Bunin waren schockiert von der makellosen und inspirierten Gesangskunst der Bauern und gaben den bäuerlichen Sängern und Musikern die höchste Bewertung. Diese Einschätzung hat wesentlich dazu beigetragen, das Team als kreative Einheit zu formen. Russische Bühne jene Jahre. Bis 1917 war die Mannschaft "Amateur". Nach Oktoberrevolution Die Aktivitäten des Chores wurden von der Sowjetregierung unterstützt. Alle Mitglieder ziehen um festen Platz Wohnsitz in Moskau. Und seit Anfang der 1920er Jahre führt der Chor eine große Konzerttätigkeit nicht nur in Moskau, sondern im ganzen Land durch.

Ab Anfang der 30er Jahre leitete das Team als Musikdirektor Volkskünstler der UdSSR, Preisträger der Staatspreise V. G. Zakharov, dessen Autorenlieder „Und wer kennt ihn“, „Im Dorf“, „Russische Schönheit“ den Pjatnizki-Chor im ganzen Land verherrlichten.

Ende der 1930er Jahre wurden im Chor Orchester- und Tanzgruppen unter der Leitung des Volkskünstlers der Russischen Föderation V. V. Khvatov und des Volkskünstlers der UdSSR, Träger der Staatspreise, Professor T. A. Ustinova, gegründet. Dadurch konnten die Ausdrucksmittel der Bühne erheblich erweitert werden, und eine solche strukturelle Basis ist bis heute erhalten geblieben, und viele Staatskollektive wurden nach diesem Bild geschaffen.

Während des Zweiten Weltkriegs führte der nach M. E. Pyatnitsky benannte Chor eine große Konzerttätigkeit als Teil der Frontkonzertbrigaden durch. Und das Lied „Oh, fogs“ von V.G. Sacharowa wurde zur Hymne Partisanenbewegung. Am 9. Mai 1945 war der Chor eine der Hauptgruppen der Feierlichkeiten großer Sieg In Moskau. Außerdem war er eines der ersten Teams, das damit betraut wurde, das Land im Ausland zu vertreten. In den folgenden Jahrzehnten führte der nach M. E. Pyatnitsky benannte Chor eine enorme Tournee- und Konzerttätigkeit. Er führte seine Kunst in jeden Winkel des Landes ein, besuchte mehr als 40 Länder der Welt. Das Team schuf Meisterwerke der Volkskunst der Welt.

Eine bedeutende Seite in der Geschichte der Gruppe ist die Arbeit des Volkskünstlers der UdSSR, Preisträger des Staatspreiskomponisten V.S. Levashov. Die Lieder von V.S. Levashov "Nimm einen Mantel - lass uns nach Hause gehen", "Meine Heimatvororte" - und heute sind sie eine Zierde der modernen Liedbühne.

Über den nach M. E. benannten Chor schuf Pyatnitsky künstlerisch und Dokumentarfilme, wie "Singing Russia", "Russian Fantasy", "All life is in dance", "You, my Russia", Die Bücher "State Russian Folk Choir named after M.E. Pyatnitsky" wurden über den M.E. Pyatnitsky Choir, "Memories von V. G. Zakharov", "Russisch Volkstänze» ; Eine große Anzahl von Musiksammlungen „Aus dem Repertoire des nach M.E. Pyatnitsky benannten Chores“, Zeitungs- und Zeitschriftenveröffentlichungen, viele Schallplatten wurden veröffentlicht.

Moderner Chor benannt nach M.E. Pyatnitsky ist ein komplexer kreativer Organismus, bestehend aus Chor-, Orchester- und Ballettgruppen mit einem künstlerischen und administrativen Apparat.

Quelle - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

Von Arafans bis zum Floor, Kokoshniks und Song Art. Russische Volkschöre mit dem Titel "Akademiker" - als Anerkennung für höchste Bühnenleistung. Mehr zum Weg der „Populisten“ unter große Bühne- Natalia Letnikowa.

Kuban-Kosaken-Chor

200 Jahre Geschichte. Die Lieder der Kosaken sind entweder ein Pferdemarsch oder ein Fußausfall unter „Marusya, eins, zwei, drei ...“ mit einer tapferen Pfeife. 1811 - das Jahr der Gründung des ersten Chor in Russland. Ein lebendiges historisches Denkmal, das die Geschichte des Kuban und die Gesangstraditionen der Kosakenarmee durch die Jahrhunderte getragen hat. An den Ursprüngen standen der geistliche Aufklärer der Kuban, Erzpriester Kirill Rossinsky und der Regent Grigory Grechinsky. Ab Mitte des 19. Jahrhunderts nahm das Kollektiv nicht nur an Gottesdiensten teil, sondern gab auch weltliche Konzerte im Geiste der Leichtsinnigkeit Kosaken freie Männer und laut Yesenin - "fröhliche Melancholie".

Mitrofan-Pjatnizki-Chor

Ein Team, das sich seit einem Jahrhundert stolz „Bauer“ nennt. Und auch wenn heute professionelle Künstler auf der Bühne auftreten und keine gewöhnlichen lautstarken großrussischen Bauern aus Rjasan, Woronesch und anderen Provinzen, präsentiert der Chor ein Volkslied in erstaunlicher Harmonie und Schönheit. Jede Aufführung ist bewundernswert, wie vor hundert Jahren. Das erste Konzert des Bauernchores fand im Saal der Adelsversammlung statt. Das Publikum, darunter Rachmaninov, Chaliapin, Bunin, ging nach der Aufführung schockiert.

Nordvolkschor

In Veliky Ustyug lebte eine einfache ländliche Lehrerin Antonina Kolotilova. Für Handarbeiten versammelte sie Liebhaber von Volksliedern. An einem Abend im Februar nähten sie Leinen für ein Waisenhaus: „Das sanfte, sanfte Licht, das von der Blitzlampe fällt, erzeugt eine besondere Behaglichkeit. Und vor dem Fenster wütete das schlechte Februarwetter, der Wind pfiff im Schornstein, rüttelte an den Brettern auf dem Dach, warf Schneeflocken aus dem Fenster. Von dieser Diskrepanz zwischen der Wärme eines gemütlichen Zimmers und dem Heulen eines Schneesturms wurde es ein wenig traurig in der Seele. Und plötzlich ertönte ein Lied, traurig, nachklingend ... " So klingt die nordische Melodie - 90 Jahre. Schon von der Bühne.

Ryazan Folk Choir, benannt nach Evgeny Popov

Yesenins Lieder. In der Heimat des Hauptsängers des russischen Landes werden seine Gedichte gesungen. Melodisch, ergreifend, mitreißend. Wo weiße Birke- nicht dieser Baum, nicht dieses Mädchen, eingefroren am hohen Ufer der Oka. Und die Pappel ist sicherlich "silbern und hell". Der Chor wurde auf der Grundlage des ländlichen Folkloreensembles des Dorfes Bolshaya Zhuravinka gegründet, das seit 1932 auftritt. Der Ryazan-Chor hatte Glück. Der Kopf der Gruppe, Yevgeny Popov, hat selbst Musik zu den Gedichten eines Landsmannes geschrieben, der einen erstaunlichen Sinn für Schönheit hatte. Sie singen diese Lieder, als würden sie über ihr Leben sprechen. Warm und sanft.

Sibirischer Volkschor

Chor, Ballett, Orchester, Kinderatelier. Sibirischer Chor facettenreich und im Einklang mit dem frostigen Wind. Das Konzertprogramm „Yamshchitsky skaz“ basiert wie viele Bühnenskizzen der Gruppe auf dem musikalischen, liedhaften und choreografischen Material der sibirischen Region. Die Kreativität der Sibirier wurde in 50 Ländern der Welt gesehen - von Deutschland und Belgien bis zur Mongolei und Korea. Wovon sie leben, davon singen sie. Zuerst in Sibirien und dann im ganzen Land. Wie bei Nikolai Kudrins Lied „Brot ist der Kopf von allem“, das vom Sibirischen Chor uraufgeführt wurde.

Voronezh Russian Folk Choir, benannt nach Konstantin Massalitinov

Songs an vorderster Front in diesen schwierigen Tagen, in denen anscheinend überhaupt keine Zeit für Kreativität bleibt. Der Voronezh-Chor erschien in der Arbeitssiedlung Anna auf dem Höhepunkt des Großen Vaterländischer Krieg- 1943. Die ersten, die die Lieder der neuen Band hörten, waren in den Militäreinheiten. Erste großes Konzert- mit Tränen in den Augen - ging in Woronesch vorbei, befreit von den Deutschen. Im Repertoire - lyrische Lieder und Liedchen, die in Russland bekannt und beliebt sind. Einschließlich Dank an die berühmteste Solistin des Voronezh-Chores - Maria Mordasova.

Wolga-Volkschor, benannt nach Pjotr ​​Miloslavov

„Ein Steppenwind geht über die Bühne des Châtelet-Theaters und bringt uns den Duft origineller Lieder und Tänze“,- schrieb 1958 die französische Zeitung L'Umanite. Samara-gorodok führte die Franzosen in das Liederbe der Wolga-Region ein. Der Interpret ist der Volga Folk Choir, der auf Beschluss der Regierung der RSFSR im Jahr 1952 von Pyotr Miloslavov gegründet wurde. Gemütliches und aufrichtiges Leben an den Ufern der großen Wolga und auf der Bühne. Ekaterina Shavrina begann ihre Karriere im Team. Der Wolga-Chor spielte zum ersten Mal das Lied "Snow-White Cherry".

Omsker Volkschor

Bär mit Balalaika. Das Emblem des berühmten Teams ist sowohl in Russland als auch im Ausland bekannt. „Liebe und Stolz des sibirischen Landes“, wie die Kritiker das Team während einer ihrer Auslandsreisen betitelten. „Der Omsker Volkschor kann nicht nur als Restaurator und Bewahrer eines alten Volksliedes bezeichnet werden. Er selbst ist eine lebendige Verkörperung der Volkskunst unserer Tage“,- schrieb der britische The Daily Telegraph. Das Repertoire basiert auf sibirischen Liedern, die die Bandgründerin Elena Kalugina vor einem halben Jahrhundert aufgenommen hat, und lebendigen Bildern aus dem Leben. Zum Beispiel die Suite „Winter Siberian Fun“.

Uraler Volkschor

Auftritte an der Front und in Lazaretten. Der Ural gab dem Land nicht nur Metal, sondern hob auch die Moral mit Wirbelwindtänzen und Rundtänzen, dem reichsten Folklorematerial des Urallandes. Unter der Swerdlowsker Philharmonie wurden Amateurgruppen aus den umliegenden Dörfern Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach, Laya vereint. „Unser Genre lebt“- sagen sie heute im Team. Und dieses Leben zu retten, gilt als Hauptaufgabe. Wie der berühmte Ural "Semyora". Drobushki und Barabushki stehen seit 70 Jahren auf der Bühne. Kein Tanz, sondern ein Tanz. Authentisch und fern.

Orenburger Volkschor

Ein Daunenschal als Teil eines Bühnenkostüms. Flauschige Spitzen verflochten mit Volksliedern und im Reigen – als Teil des Lebens der Orenburger Kosaken. Das Team wurde 1958 gegründet, um die einzigartige Kultur und Rituale zu bewahren, die "am Rande der riesigen Rus, entlang der Ufer des Urals" existieren. Jeder Auftritt ist wie ein Auftritt. Sie führen nicht nur Lieder auf, die die Leute komponiert haben. Auch das Tanzen hat eine literarische Grundlage. "When the Cossacks Cry" - eine choreografische Komposition, die auf der Geschichte von Mikhail Sholokhov aus dem Leben der Dorfbewohner basiert. Jedes Lied oder jeder Tanz hat jedoch seine eigene Geschichte.

Nordrussischer Volkschor - die Seele des Weißen Meeres

Die Pomoren von Archangelsk sind die Nachkommen der alten Nowgoroder, die diese Region in der Antike besiedelten. Ihre Kunst ist noch in ihrer ursprünglichen Form erhalten. Diese eigentümliche künstlerische Welt mit eigenen Schönheitsgesetzen und Schönheitsidealen. Gleichzeitig manifestieren sich in den Liedern und Tänzen des Nordens der Humor, die Begeisterung und das innere Temperament der Pomoren deutlich. Die nordische Liedkunst ist etwas Besonderes, sie zeichnet sich durch die Strenge des Stils, die keusche Reinheit und Zurückhaltung aus, all dies wird mit einem mutigen Epos und einem willensstarken Beginn kombiniert.
Der Nordchor wird zu Recht als Perle der russischen Kultur bezeichnet. In den 85 Jahren seines Bestehens hat es seine Rolle nie geändert. Jede Aufführung ist eine besondere künstlerische Welt und eine helle dynamische Aufführung: große Handlungsproduktionen, vokale und choreografische Kompositionen, Gemälde Volksfeste. Alle Klangnuancen der nordischen Natur erklingen in der Gesangspolyphonie des Chores: der nachdenkliche Dialekt der Taiga, die sanfte Keuschheit der Flüsse, die widerhallende Tiefe des Ozeans und das transparente Zittern der weißen Nächte.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - Gründerin und künstlerische Leiterin des Staatlichen Akademischen Nordrussischen Volkschores (1926 - 1960), Volkskünstlerin der RSFSR, Verdiente Künstlerin der RSFSR, Trägerin des Staatspreises der UdSSR

„Wer sein einheimisches Lied nicht liebt, liebt sein einheimisches Volk nicht!“(A. Ja. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) wurde 1890 im Dorf Zhilino, nicht weit entfernt, geboren alte Stadt Großer Ustjug.
1909 schloss Kolotilova das Frauengymnasium von Veliky Ustyug mit Auszeichnung ab und unterrichtete an einer ländlichen Schule im Dorf Pelyaginets im Bezirk Nikolsky in der Provinz Wologda. In diesem Dorf begann Antonina Kolotilova, ihr berufliches Interesse an Folklore zu zeigen. Sie beobachtete immer interessiert die nordischen Zeremonien, lauschte Liedern, lernte zu klagen, sich zu verherrlichen, beherrschte die Bewegungsart von Mädchen und Frauen in Rundtänzen, Quadrillen und Verbeugungen.
Kolotilova, geboren und aufgewachsen im Norden Russlands, liebte sie sehr Heimat, besonders - die Weite der Auen zur Zeit blühender Gräser.
1914 heiratete Antonina Jakowlewna und zog nach Nikolsk. Dort arbeitet sie als Lehrerin öffentliche Schule und sammelt und nimmt weiterhin lokale Lieder, Geschichten und Liedchen auf. Das angeborene künstlerische Talent half dem jungen Mädchen, die Kultur und Art der Aufführung leicht zu beherrschen.
Nach 5 Jahren zogen die Kolotilovs nach Veliky Ustyug. In dieser alten russischen Stadt im Norden beginnt die Geschichte des Northern Choir. Hier organisiert Antonina Yakovlevna ein Amateur-Frauenensemble, das in Clubs und wenig später bei einem in der Stadt eröffneten Rundfunksender auftritt. Ich muss sagen, dass die ersten Mitglieder des Teams hauptsächlich Hausfrauen waren. Sie kamen leicht in ihre Wohnung, arrangierten gemeinsame Proben, studierten die Lieder, die sie interessierten. Die Konzerte der jungen Chorsänger wurden von den Zuhörern mit Zustimmung aufgenommen, und die Radioauftritte machten die Gruppe sehr beliebt. Zu dieser Zeit bestand der Laienchor von Kolotilova aus etwa 15 Personen.

„Antonina Yakovlevna hat die Liebe der Menschen und den Ruhm ihrer selbst voll und ganz verdient, weil sie all ihre Kraft und Gedanken, unerschöpfliche Energie und Leidenschaft ihrer Seele dem Volksgesang und dem Chor, den sie geschaffen hat, gewidmet hat ... Wenn diese wunderbare Frau nicht gewesen wäre um alles in der Welt hätte es unseren nordrussischen Volkschor nicht gegeben!"(Nina Konstantinowna Meschko)

Geburt des Nordchores

1922 lernte Antonina Yakovlevna in Moskau im Aufnahmestudio Mitrofan Pyatnitsky kennen. Es war dieses Treffen, das für Kolotilova zu einem Meilenstein wurde. Die Bekanntschaft mit der Arbeit des Pyatnitsky-Chores diente als Anstoß für die Gründung eines eigenen Volkschores mit nördlichen Liedern. Am 8. März 1926 trat erstmals eine kleine Laiengruppe im Haus der Erziehungsarbeiter auf. Dieser Tag wurde zum Geburtstag des Nordrussischen Volkschores.
Zunächst war der Chor ethnographisch geprägt, doch dann erforderten die Bedingungen des Bühnenlebens eine organisatorische und gestalterische Umstrukturierung: eine Tanzgruppe, Akkordeonisten. 1952 wurde der Chor organisiert Orchestergruppe durch die Bemühungen des Komponisten V.A. Laptev.
Im Team waren damals nur 12 Sänger. Als Kostüme dienten die Outfits von Müttern und Großmüttern - echte bäuerliche Sommerkleider und Blusen. Die ersten Harmonisten waren die Tryapitsyn-Brüder Boris und Dmitry sowie der jüngere Bruder von Antonina Yakovlevna Valery Sherstkov. Die Partys bei den Proben wurden von der Stimme des künstlerischen Leiters unterrichtet. Antonina Jakowlewna zeigte nicht nur, wie man singt, sondern auch, wie man sich richtig bewegt, verbeugt und sich auf der Bühne benimmt.
Der neu gegründete Chor wurde in den Unternehmen der Stadt, in Bildungseinrichtungen und umliegenden Dörfern immer herzlich willkommen geheißen. Der Status einer Amateurgruppe hinderte Kolotilova nicht daran, ernsthaft zu arbeiten, das nordische Lied sorgfältig zu behandeln und die Art und Weise ihrer Darbietung genau zu reproduzieren! Diese Anforderungen hat sie auch in Zukunft nie geändert. In den Anfangsjahren trug der Chor vor allem alte Volkslieder vor, die die Sängerinnen – ehemalige Bäuerinnen, Ureinwohnerinnen des Nordens – von Kindesbeinen an kannten, nicht nur sängerische Fähigkeiten, sondern auch volkstümlichen Improvisationsstil besaßen. Kein Wunder, dass der Northern Choir seit langem als der ethnographisch authentischste gilt, konsequent in seiner kreativen Linie, die Traditionen des nordischen Liedes bewahrt, und die Chorsänger sich seit jeher durch die Fähigkeit auszeichnen, in die Tiefe des musikalischen Bildes vorzudringen und zu verkörpern es in einzigartiger Schönheit.
1931 organisierte Kolotilova einen größeren Chor in Archangelsk, sowohl in Bezug auf die Anzahl der Teilnehmer als auch auf den Umfang des Repertoires. Die Konzertprogramme umfassen Lieder aus Pinezhye, Nordpommern, Tänze und Alltagsszenen. Das reichhaltigste musikalische Material sammelt Kolotilova während ihrer Reisen in verschiedene Regionen der Region Archangelsk. Gleichzeitig wurden Kostüme für die Chormitglieder angeschafft.
Im Jahr 1935 lernte Antonina Jakowlewna auf einer Reise durch Pomorie die berühmte Geschichtenerzählerin Marfa Semjonowna Kryukova kennen. Kolotilova sorgte dafür, dass Kryukova am ersten All-Union Radio Festival (1936) teilnahm. Zukünftig reiste Marfa Kryukova mit dem Northern Choir nach Moskau, wo sie zusammen mit Antonina Yakovlevna an den ersten Märchen arbeitete.
Auf den Programmen des Chores standen neben Epen immer auch lustige, tänzerische, komische Possenreißer-Songs, die aus der Kunst der fahrenden Musikanten-Positiven hervorgingen, und langatmige lyrische Lieder, die von den Sängern berührend und aufrichtig vorgetragen wurden.
Während des Krieges gab das Team viele Konzerte. Sie reisten in Lieferwagen, lebten von der Hand in den Mund, schliefen schlecht und entkamen hin und wieder den Bombenangriffen. Sie gingen zur Nordflotte, nach Murmansk, in die Arktis, an die karelisch-finnische Front, an den Ural. 1944 brachen sie für ein halbes Jahr in den Fernen Osten auf.

Antonina Kolotilova: „Ich liebe meine nordische Heimat und ich singe ihr Lieder vor!“

Bis 1960 blieb Antonina Yakovlevna die künstlerische Leiterin der Gruppe. All die Jahre von Kolotilovas Arbeit waren erfüllt von unermüdlicher, harter Arbeit und kreativem Brennen, einem aufrichtigen Wunsch, die Tiefe der Originalität und Schönheit der Volkskunst zu bewahren und den Zeitgenossen zu vermitteln Nördliches Territorium, ständige Suche immer neue Bühnenformen und Aufführungsmittel. Kolotilovas Leben war eine wahre kreative Leistung, und die von ihr festgelegten Traditionen sind im Team lebendig.

Quelle: Prominente Einwohner von Wologda: Biografische Skizzen/
Ed. Rat "Wologda-Enzyklopädie" - Wologda:
VSPU, Verlag "Rus", 2005. - 568 p. - ISBN 5-87822-271-X

1960 übergab die Volkskünstlerin der RSFSR, Preisträgerin des Staatspreises Antonina Jakowlewna Kolotilova die Leitung der Gruppe an eine Absolventin des Moskauer Staatlichen Tschaikowsky-Konservatoriums, eine erfahrene Lehrerin und Chorleiterin Nina Konstantinowna Meshko. neue Periode Das Teamleben ist geprägt von wachsender Professionalität und Bühnenkultur.

Nina Konstantinovna Meshko - Volkskünstlerin der UdSSR, Preisträgerin des nach Glinka benannten Staatspreises der RSFSR, künstlerische Leiterin des nördlichen Volkschores von 1960 bis 2008, Akademikerin der IAU, Professorin der Abteilung der Russischen Akademie der Wissenschaften. Gnesine

„Die Menschen basieren auf ihrer traditionellen, indigenen Kultur!“(Nina Meshko)

Nina Meshko wurde 1917 im Dorf Malakhovo im Bezirk Rzhevsky in der Region Tver in einer Lehrerfamilie geboren, in der sie Lieder sehr liebten. Mutter, Alexandra Vasilievna, hatte eine wundervolle Stimme, und ihr Vater, Konstantin Ivanovich, leitete nicht nur den Schulchor, sondern sang auch gerne in der örtlichen Kirche.

Aus den Erinnerungen von N.K. Meshko: „Ich weiß nicht mehr, wie alt ich war, vielleicht sogar weniger als ein Jahr … Ich war in einen flaumigen Schal gehüllt, und jemand hielt mich in seinen Armen. In der Küche saßen die Leute um einen großen Holztisch und alle sangen. Und gleichzeitig erlebte ich eine völlig unerklärliche Glückseligkeit ... "

Die kleine Nina beherrschte selbstständig das Klavierspielen, studierte elementare Musiktheorie, Solfeggio. Und sie war so von der Welt der Musik gefangen, dass sie beschloss: nur Musik und sonst nichts! Und deshalb betritt Nina Meshko zweifellos die nach der Oktoberrevolution benannte Musikschule und nach ihrem Abschluss am Moskauer Konservatorium die Dirigenten- und Chorfakultät. Dort hörte Nina Konstantinowna zum ersten Mal den Nordchor. Er machte einen sehr starken Eindruck auf sie.
Und dann wurde Nina Meshko angeboten, einen Volkschor der Region Moskau zu gründen. Nach dieser Arbeit entschied Nina Konstantinowna schließlich: nur Volksgesang und sonst nichts.

Aus den Erinnerungen von N.K. Meshko: „Irgendeine Art Obsession brach buchstäblich in mich ein, die Volkskultur des Singens wiederzubeleben. Denn sie war die Beste! Das ist so eine Fähigkeit! Dies wird durch die Aufzeichnungen, insbesondere die nördlichen, belegt.

Nach dem Moskauer Chor arbeitete Nina Meshko mit dem Russian Folk Song Choir des All-Union Radio, und dann folgte eine Einladung, den Northern Choir zu leiten. Der Norden eroberte sie und brachte sie dazu, sich in sich selbst zu verlieben.

Aus den Erinnerungen von N.K. Meshko: „Ein Lied wie im Norden zu singen, kann von Leuten gemacht werden, die mit der Kultur des Singens bemerkenswert vertraut sind und schöne, flexible, freie Stimmen haben.“

Fast 50 Jahre lang leitete Nina Konstantinovna Meshko den Academic Northern Russian Folk Choir, der nicht nur in Russland, sondern weit über seine Grenzen hinaus bekannt ist. Diesen Staffelstab übernahm sie von ihrer Lehrerin Antonina Kolotilova. Unter Nina Meshko wurde der Chor mehrfach ausgezeichnet internationale Wettbewerbe. Meshko war der Gründer der Gnessin School of Folk Singing. "School Meshko" brachte eine Galaxie von Lehrern, Chorleitern und Volksliedsängern hervor. Unter ihnen sind Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov und viele andere. Lyudmila Zykina betrachtete sie als ihre Lehrerin. Meshko entwickelte ihre eigene Chortechnik, die heute von ihren zahlreichen Schülern angewendet wird.

Aus den Erinnerungen von N.K. Meshko: „Die Liedkunst ist eine Chronik des Lebens des gesamten russischen Volkes. Es ist einzigartig, außerordentlich reich, da die russische Sprache unübertroffen reich ist. Und dann ist es lebendig, entwickelt sich ständig, erneuert sich, wird aus der Asche wiedergeboren ... Die Menschen basieren auf ihrer traditionellen, indigenen Kultur.

Geständnis

Vergib mir, vergib mir Herr
Für das, was ich nicht konnte
Und das in der Hektik des Tages
Ich hatte keine Zeit, meine Schulden zu begleichen.
Ich durfte nicht geben
Jemand schaut, jemand streichelt,
Man linderte den Schmerz nicht,
Ich habe die Geschichte anderen nicht erzählt.
Vor Angehörigen zu trauriger Stunde
Hat es nicht bereut
Und der Bettler im Sack mehr als einmal
Gab kein Almosen.
Liebevolle Freunde, oft sie
Ich beleidige mich unfreiwillig
Und die Sorgen anderer sehen,
Ich laufe vor dem Leiden davon.
Ich stürze eifrig zum Himmel,
Aber die Last der Sorgen zieht die Erde an.
Ich möchte ein Stück Brot geben -
Und ich vergesse auf dem Tisch.
Ich weiß alles, was ich sollte
Aber den Bund nicht erfüllt ...
Vergibst du mir Herr
Für alles, für alles, für alles dafür?

N. Meshko

Irina Lyskova,
Pressesprecher des Nordchors

Die Originalität des Repertoires und die Aufmerksamkeit für den Liedreichtum der Region

Die führende Gruppe des Kollektivs - der Frauenchor fesselt den Zuhörer mit seinem einzigartigen Timbre, der Schönheit origineller Gesänge, der Reinheit des Klangs der Frauenstimmen a cappella. Der Chor pflegt die Kontinuität der Gesangstradition. Der Nordchor, der sich durch eine hohe Gesangskultur und einzigartige Originalität auszeichnet, bewahrt die Traditionen und die Priorität hoher Spiritualität in der Aufführung.
Besondere Beachtung verdienen die Kostüme des Nordchores. Sie wurden von professionellen Kostümdesignern nach den besten Mustern aus den Museumssammlungen von Archangelsk, Moskau und St. Petersburg entworfen und sind ein kollektives Bild der russischen Nationaltracht der Nordländer. Während des Konzerts wechseln die Künstler mehrmals ihre Kostüme – sie treten vor dem Publikum in festlichen, alltäglichen oder stilisierten Kostümen auf, die eigens für Konzertnummern kreiert wurden.
Die Gruppe besteht aus drei Gruppen - Chor, Tanz und Orchester russischer Volksinstrumente. Bereits 1952 wurde durch die Bemühungen des Komponisten V.A. Laptew. Im Klang der russischen Volksinstrumente des Orchesters liegt eine erstaunliche Aufrichtigkeit und Wärme. Die Originalität des Repertoires und die Aufmerksamkeit für den Liedreichtum der Region, Modernität und ein hohes Leistungsniveau bringen dem Chor einen wohlverdienten Erfolg!
Die Aufmerksamkeit des Zuschauers ist stets auf die Bühne gerichtet: Fröhliche Possenreißer wechseln sich mit lyrischen Nachhallgesängen ab, inbrünstige Quadrillen ersetzen behäbige Reigen, A-cappella-Gesänge wechseln sich mit musikalischen Werken ab.
Der Northern Choir legt besonderes Augenmerk auf die Bildung seiner Zuhörer, seiner Zuschauer, daher sind viele seiner Programme Kindern, Jugendlichen und Studenten gewidmet. Der Chor setzt seine Konzerttätigkeit in Russland und im Ausland aktiv fort.
1957 wurde das Team Preisträger des Festivals der Jugend und Studenten in Moskau. Diese Veranstaltung öffnete dem Chor den Weg ins Ausland. Hat begonnen neue Bühne in den aktivitäten des kollektivs muss der chor etwas besonderes sein, um im ausland anerkannt zu werden.
Seit 1959 reiste der Chor nach Polen, Bulgarien, Frankreich, Deutschland, Italien, China, Indien, Afghanistan, Japan, Tunesien und in die USA. Das Team ging mehrmals mit Konzerten nach Finnland, besuchte Schweden und Norwegen. Bereitete das Programm „Arctic Rhapsody“ zusammen mit dem Folklore-Tanzensemble „Rimpparemmi“ in Finnland (Rovaniemi) vor. Er arbeitete 2004 und 2007 in Damaskus (Syrien), wo im Russisch-Syrischen Zentrum die Russlandtage stattfanden. 2005 wird das Team vom Museumsverein der Stadt Varde (Norwegen) eingeladen, das Stadtjubiläum zu feiern. Im Herbst 2005 nimmt das Team am Festival der russischen Kultur und Filmkunst in Nizza teil. „Die intimsten Ecken der französischen Seele wurden von Künstlern berührt - Nordländer aus Russland, die eine starke emotionale Reaktion erhalten hatten, ließen die Künstler lange Zeit nicht los und applaudierten mit Tränen in den Augen. Das ist der Triumph der russischen nationalen Volkskunst!“ - so wurden die Auftritte des Chores von den französischen Medien bewertet. 2007 wurde der Northern Choir offiziell vom Kulturministerium Syriens, der Repräsentanz des Roszarubezhcenters in der Arabischen Republik Syrien und der Russischen Föderation eingeladen Kulturzentrum in Damaskus für das Folklorefestival in der Stadt Bosra.
Der Nordchor nimmt regelmäßig an großen Veranstaltungen in Russland teil, so nahm das Team im Frühjahr 2004 am Osterfestival in Moskau teil, 2005 zusammen mit dem Verdienten Künstler Russlands, einem Schüler von N.K. Meshko T. Petrova und das National Academic Orchestra of Folk Instruments of Russia, benannt nach N.P. Osipova nahm an der Feier zum 250-jährigen Jubiläum der Staatlichen Universität Moskau teil.
Der Northern Choir kombiniert erfolgreich die Musik des Autors moderner Komponisten mit traditionellen Volksmelodien und erreicht Bühnenwahrheit und nordisches Flair in der Darbietung der Künstler. Das Repertoire des Chores umfasst Lieder nach Gedichten von: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, Archangelsker Dichter Dmitry Ushakov und Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Auszeichnungen und Titel des Nordchores

Für sein 85-jähriges kreatives Leben wurden dem Team hohe Titel und Auszeichnungen verliehen.

1940
Das Team erhielt den Status eines professionellen Landesteams.

1944
1 Auszeichnung pro Allrussische Rezension Chöre (Moskau)

1957
Preisträger und groß Goldene Medaille VI Weltfest Jugend und Studenten (Moskau).
Preisträger und Diplom des 1. Grades (Sekundarstufe) beim zweiten All-Union Festival Musiktheater, Ensembles, Chöre (Moskau).

1967
Diplom der All-Union-Überprüfung von professionellen Kunstgruppen.

1971
Preisträger des VI. Internationalen Folklorefestivals in Tunis.

1975
Preisträger und Diplom des 1. Grades in der Gesamtrussischen Überprüfung professioneller russischer Volkschöre.

1976
Auf Anordnung des Kulturministers wurde ihm der Titel "Akademiker" verliehen.

1977
Preisträger und Goldmedaille des Magdeburger Festes der sowjetisch-deutschen Freundschaft.
Preisträger des Wettbewerbs künstlerischer Gruppen Russlands.

1999
Preisträger des IV. Festivals "Folklore Spring" und des 1. Allrussischen Festivals der Nationalkultur.

Jahr 2001
Preisträgerin des Internationalen Folklorefestivals in Saint-Ghislain (Belgien).

2002
Preisträger des Internationalen Folklorefestivals in Rovaniemi (Finnland).
Preisträger des Allrussischen Moskauer Festivals nationale Kulturen.

2003
Preisträger des Russischen Festivals der Nationalkulturen (St. Petersburg).
Gewinner des Kongresses und Festivals der nationalen Kulturen der Völker Russlands (Nischni Nowgorod).

2007
Preisträger des Volkskunstfestivals in der Stadt Bosra (Arabische Republik Syrien).

2010
Preisträger des I. Gesamtrussischen Festivals für Volksgesangskunst „Ewige Ursprünge“ (Moskau).

2011
8. März Konzertprogramm"Northern Choir for All Seasons" markierte das 85-jährige Jubiläum des Northern Choir.
Dem Nordchor wurde der Status „Besonders wertvolles Objekt des Kulturerbes der Region Archangelsk“ verliehen.
Preisträger des Internationalen Weihnachtsfestivals in Italien. Im Rahmen des Wettbewerbs erhielt das Team zwei goldene Diplome in den Nominierungen „Bühnenfolklore“ und „Geistlicher Gesang“.

Jahr 2012
Preisträger des Festivals professioneller Chöre "Slawischer Rundtanz" (Ryazan).
Organisator des II. Allrussischen Festivals der Erinnerung Volkskünstler UdSSR, künstlerischer Leiter der Gruppe Nina Konstantinovna Meshko.

Leiter des Nordchores

Chorleiter: Natalja GeorgjewnaAsadchik.

Künstlerischer Leiter: Verdiente Künstlerin Russlands, Professorin der Gnessin-Musikakademie Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Chefdirigent: Verdienter Künstler Russlands Alexander Mikhailovich Kachaev.

Chefchoreograf: Verdienter Künstler Russlands Selivanov Alexander Petrovich.