Musikalische Romantik ist ein gemeinsames Merkmal. Musikalische Kunst der Ära der Romantik-Präsentation im Moskauer Kunsttheater

Musik hat in der Ästhetik der Romantik einen besonderen Platz eingenommen. Sie wurde zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst erklärt, da sie aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollsten zum Ausdruck bringen kann.„Musik beginnt, wenn Worte enden“ (G. Heine).

Am Anfang entwickelte sich die musikalische Romantik als RichtungXIXJahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Erste Stufe Die musikalische Romantik ist vertreten durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; die nächste Stufe (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Die Spätphase der Romantik reicht bis zum EndeXIXJahrhundert. Wenn also in Literatur und Malerei die romantische Richtung ihre Entwicklung im Grunde in der Mitte abschließtXIXJahrhunderts ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger.

IN musikalische Romantik Der Gegensatz von Welt der schönen, unerreichbaren Ideale und dem vom Geist der Spießbürgerlichkeit durchdrungenen Alltagsleben führte, wie auch in anderen Formen der Kunst und Literatur, einerseits zu dramatischen Konflikten, der Dominanz tragischer Motive Einsamkeit, Hoffnungslosigkeit, Umherirren usw., mit dem anderen - die Idealisierung und Poetisierung der fernen Vergangenheit, des Volkslebens, der Natur. Wie die Gemütsverfassung eines Menschen ist auch die Natur in den Werken der Romantik meist von einem Gefühl der Disharmonie gefärbt.

Wie andere Romantiker waren auch die Musiker davon überzeugt, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele sind als der Verstand:"Der Verstand irrt sich, Gefühle - niemals" (R. Schumann).

Das besondere Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, das der romantischen Musik innewohnt, drückte sich in der Dominanz von auspersönlicher ton . Die Offenlegung persönlicher Dramen erlangte unter Romantikern oft eine Konnotation.Autobiographie, die der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verliehen. Also zum Beispiel viele Klavierwerke Schumann sind mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Berlioz schrieb die autobiografische Symphonie „Fantastic“. Der autobiografische Charakter seiner Opern wurde von Wagner stark betont.

Sehr oft verflochten mit dem Thema "lyrische Beichte"Thema Natur .

Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten warFantasy-Thema. Erstmals lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln märchenhaft-phantastische Bilder zu verkörpern. Bei OpernXVIII - XVIIIJahrhunderts „überirdische“ Gestalten (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „ Zauberflöte“) sprach in der „allgemein akzeptierten“ musikalischen Sprache, die sich kaum vom Hintergrund echter Menschen abhob. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben). Ein markantes Beispiel ist die „Wolf Gulch Scene“ in Webers Magic Shooter.

Wenn XVIIIJahrhundert war die Ära der virtuosen Improvisatoren eines universellen Typs, die damals gleichermaßen geschickt im Singen, Komponieren und Spielen verschiedener Instrumente warenXIXdas Jahrhundert war eine Zeit beispielloser Begeisterung für die Kunst virtuoser Pianisten (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Die Ära der Romantik veränderte die "musikalische Geographie der Welt" vollständig. Unter dem Einfluss des aktiven Erwachens des nationalen Selbstbewusstseins der Völker Europas drängten junge Komponistenschulen in Russland, Polen, Ungarn, Tschechien und Norwegen auf die internationale Musikbühne. Die Komponisten dieser Länder, die die Bilder der nationalen Literatur, Geschichte, heimische Natur, stützte sich auf Intonationen und Rhythmen der einheimischen Folklore.

Charakteristisch für die musikalische Romantik ist das Interesse anVolkskunst . Wie die romantischen Dichter, die auf Kosten der Folklore bereichert und aktualisiert haben literarische Sprache, Musiker wandten sich weithin der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg usw.). Sie verkörperten die Bilder der nationalen Literatur, der Geschichte und der einheimischen Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten die alten diatonischen Modi.Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.

Neue Themen und Bilder erforderten die Entwicklung von Romantikernneue Mittel der musikalischen Sprache und die Prinzipien der Formgebung, Individualisierung der Melodie und Einführung von Sprachintonationen, Erweiterung der Klangfarbe und harmonischen Palette der Musik (natürliche Bünde, bunte Nebeneinanderstellungen von Dur und Moll usw.).

Denn im Mittelpunkt der Romantik steht nicht mehr die Menschheit als Ganzes, sondern ein bestimmter Mensch mit seinem jeweils einzigartigen Empfindenund in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine immer mehr dem Individuellen, individuell Einmaligen. Der Anteil verallgemeinerter Intonationen in der Melodie, allgemein verwendeter Akkordfolgen in der Harmonie und typischer Muster in der Textur nimmt ab – all diese Mittel werden individualisiert. In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.

Der wichtigste PunktÄsthetik musikalische Romantik wardie Idee der Kunstsynthese , die ihren lebendigsten Ausdruck im Opernwerk Wagners und inProgrammmusik Berlioz, Schumann, Liszt.

Musikgenres in den Werken romantischer Komponisten

In der romantischen Musik kristallisieren sich deutlich drei Genregruppen heraus:

• Gattungen, die in der Kunst des Klassizismus einen untergeordneten Platz einnahmen (vor allem Lied und Klavierminiatur);
• Genres, die von den Romantikern der vorangegangenen Epoche wahrgenommen wurden (Oper, Oratorium, Sonaten-Symphonie-Zyklus, Ouvertüre);
• freie, poetische Gattungen (Balladen, Fantasien, Rhapsodien, symphonische Dichtungen). Das Interesse an ihnen erklärt sich aus dem Wunsch romantischer Komponisten nach freiem Selbstausdruck, der allmählichen Transformation von Bildern.

Vordergrund ein musikalische Kultur Verfechter der RomantikLied als ein Genre, das am besten geeignet ist, die innersten Gedanken eines Künstlers auszudrücken (während in der professionellen Arbeit von KomponistenXVIIIJahrhunderts wurde dem lyrischen Lied eine bescheidene Rolle zugeschrieben - es diente vor allem der Ausfüllung der Muße). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg und andere arbeiteten auf dem Gebiet des Liedes.

Der typische romantische Komponist kreiert sehr direkt, spontan, auf Wunsch seines Herzens. Romantisches Weltverständnis ist kein konsequentes philosophisches Erfassen der Wirklichkeit, sondern eine augenblickliche Fixierung all dessen, was die Seele des Künstlers berührte. In dieser Hinsicht blühte das Genre in der Ära der Romantik aufMiniaturen (unabhängig oder in einem Zyklus mit anderen Miniaturen kombiniert). Dies ist nicht nur ein Lied und eine Romanze, sondern auch Instrumentalkompositionen -musikalische Momente, Impromptu, Präludien, Etüden, Nocturnes, Walzer, Mazurkas (im Zusammenhang mit der Anlehnung an die Volkskunst).

Viele romantische Gattungen verdanken ihren Ursprung der Poesie, ihren poetischen Formen. Das sind Sonette, Lieder ohne Worte, Kurzgeschichten, Balladen.

Eine der Leitideen der romantischen Ästhetik – die Idee eines Gesamtkunstwerks – stellte naturgemäß das Problem der Oper in den Mittelpunkt. Fast alle romantischen Komponisten wandten sich mit seltenen Ausnahmen (Brahms) der Operngattung zu.

Die der Romantik innewohnende persönliche, vertrauliche Ausdrucksweise verändert die klassischen Gattungen Symphonie, Sonate und Quartett vollkommen. Sie kriegenpsychologische und lyrisch-dramatische Interpretation. Der Inhalt vieler romantischer Werke ist damit verbundenProgrammierung (Klavierzyklen Schumann, Liszts Wanderjahre, Berlioz’ Sinfonien, Mendelssohns Ouvertüre).

Französisch Romantik

Eine künstlerische Bewegung, die im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert entstand. zuerst in der Literatur (Deutschland, Großbritannien, andere Länder Europas und Amerika), dann in der Musik und anderen Künsten. Der Begriff „Romantik“ kommt vom Beinamen „romantisch“; vor dem 18. Jahrhundert Er wies auf einige Merkmale literarischer Werke hin, die in romanischen Sprachen (d. h. nicht in den Sprachen der klassischen Antike) verfasst wurden. Dies waren Romanzen (spanische Romanze) sowie Gedichte und Romane über Ritter. Im con. 18. Jahrhundert „Romantik“ wird weiter gefasst: nicht nur als abenteuerlich, unterhaltsam, sondern auch als uralt, ursprünglich, volkstümlich, distanziert, naiv, fantastisch, spirituell erhaben, gespenstisch sowie erstaunlich, beängstigend. „Romantiker romantisierten alles, was ihnen aus der jüngeren und fernen Vergangenheit gefiel“, schrieb F. Blume. Sie nehmen das Werk von Dante und W. Shakespeare, P. Calderon und M. Cervantes, J. S. Bach und J. W. Goethe als „ihr eigenes“ wahr, viel in der Antike; Sie fühlen sich auch von der Poesie von Dr. Östliche und mittelalterliche Minnesänger. F. Schiller nannte seine „Jungfrau von Orleans“ aufgrund der oben genannten Merkmale eine „romantische Tragödie“, und in den Bildern von Mignon und Harper sieht er die Romantik von Goethes „Wilhelm Meisters Lehrjahren“.

Romantik als literarischer Begriff erscheint erstmals in Novalis als musikalischer Begriff- E. T. A. Hoffmann. Inhaltlich unterscheidet es sich jedoch nicht sehr von dem entsprechenden Epitheton. Romantik war nie ein klar definiertes Programm oder Stil; Das weiter Kreis Ideologische und ästhetische Strömungen, in denen die historische Situation, das Land, die Interessen des Künstlers bestimmte Akzente setzten, bestimmten verschiedene Ziele und Mittel. Die romantische Kunst verschiedener Formationen weist jedoch auch wichtige Gemeinsamkeiten sowohl in der ideologischen Position als auch im Stil auf.

Die Romantik, die viele ihrer fortschrittlichen Züge von der Aufklärung geerbt hat, ist gleichzeitig mit tiefer Enttäuschung sowohl über die Aufklärung selbst als auch über die Erfolge der gesamten neuen Zivilisation als Ganzes verbunden. Für Frühromantiker, die die Folgen des Großen noch nicht kannten Französische Revolution, enttäuschend war der allgemeine Prozess der Rationalisierung des Lebens, seine Unterordnung unter eine durchschnittliche nüchterne "Vernunft" und seelenlose Praktikabilität. In der Zukunft, besonders in den Jahren des Kaiserreichs und der Restauration, wurde die gesellschaftliche Bedeutung der Position der Romantiker – ihrer Antibürgerlichkeit – immer klarer umrissen. Nach F. Engels „erweisen sich die durch den Sieg der Vernunft geschaffenen öffentlichen und politischen Institutionen als böse, bitter enttäuschende Karikatur der glänzenden Versprechungen der Aufklärer“ (Marx K. und Engels F., Über die Kunst, Bd. 1, M., 1967, S. 387).

Im Werk der Romantiker verbindet sich die Erneuerung der Persönlichkeit, die Bejahung ihrer geistigen Kraft und Schönheit mit der Entblößung des Spießbürgertums; vollwertiger Mensch, kreativ ist im Gegensatz zu mittelmäßig, unbedeutend, versunken in Eitelkeit, Eitelkeit, kleinlichem Kalkül. Zur Zeit von Hoffmann und J. Byron, V. Hugo und George Sand, H. Heine und R. Schumann war die Gesellschaftskritik an der bürgerlichen Welt zu einem der Hauptelemente der Romantik geworden. Auf der Suche nach Quellen der spirituellen Erneuerung idealisierten Romantiker oft die Vergangenheit und versuchten zu inspirieren neues Leben in religiöse Mythen. So entstand ein Widerspruch zwischen der allgemein progressiven Ausrichtung der Romantik und den konservativen Tendenzen, die in ihrem eigenen Kanal entstanden. In der Arbeit romantischer Musiker spielten diese Tendenzen keine nennenswerte Rolle; sie manifestierten sich hauptsächlich in den literarischen und poetischen Motiven einiger Werke, bei der musikalischen Interpretation solcher Motive überwog jedoch meist das lebendige, realmenschliche Prinzip.

Die Musikromantik, die sich im zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts spürbar manifestierte, war ein historisch neues Phänomen und offenbarte gleichzeitig eine tiefe, sukzessive Verbundenheit mit musikalischen Klassikern. Das Schaffen herausragender Komponisten der Vorzeit (darunter nicht nur die Wiener Klassik, sondern auch die Musik des 16. und 17. Jahrhunderts) diente als Stütze für die Pflege eines hohen künstlerischen Ranges. Diese Art von Kunst wurde zum Vorbild für die Romantiker; „nur diese reine Quelle kann die Kräfte der neuen Kunst nähren“, so Schumann („Von Musik und Musikern“, Bd. 1, M., 1975, S. 140). Und das ist verständlich: Nur das Erhabene und Perfekte konnte dem musikalischen Geschwätz des weltlichen Salons, der spektakulären Virtuosität der Bühne und der Bühne erfolgreich entgegentreten Opernbühne, gleichgültiger Traditionalismus handwerklicher Musiker.

Die musikalischen Klassiker der Nach-Bach-Ära dienten inhaltlich als Grundlage der musikalischen Romantik. Beginnend mit C. F. E. Bach, in dem sich das Element des Gefühls immer freier manifestierte, beherrschte die Musik neue Mittel, die es ermöglichten, sowohl die Kraft als auch die Subtilität des Gefühlslebens auszudrücken, die Lyrik in ihrer individuellen Version. Diese Bestrebungen machten sich viele Musiker in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts verbunden. mit der literarischen Bewegung Sturm und Drang. Hoffmanns Haltung zu K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart und insbesondere zu L. Beethoven als Künstler eines romantischen Lagerhauses war ganz natürlich. Solche Einschätzungen spiegelten nicht nur die Vorliebe für romantische Wahrnehmung wider, sondern auch die Aufmerksamkeit für die Merkmale der "Vorromantik", die den großen Komponisten der zweiten Hälfte des 18. und frühen 19. Jahrhunderts tatsächlich innewohnten.

Die Musikromantik wurde auch historisch durch die ihr vorangegangene Bewegung der Literaturromantik in Deutschland unter den „Jenischen“ und „Heidelberger“ Romantikern (W. G. Wackenroder, Novalis, Brüder F. und A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L . Arnim, C. Brentano und andere), von dem ihnen nahestehenden Schriftsteller Jean Paul, später von Hoffmann in Großbritannien, von den Dichtern der sogenannten. Die „Lake-Schule“ (W. Wordsworth, S. T. Coleridge und andere) hatte bereits die allgemeinen Prinzipien der Romantik vollständig entwickelt, die dann auf ihre Weise in der Musik interpretiert und entwickelt wurden. In der Zukunft wurde die musikalische Romantik maßgeblich von Schriftstellern wie Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz und anderen beeinflusst.

Zu den wichtigsten Schaffensbereichen romantischer Musiker gehören Lyrik, Fantasy, Folk und National Original, Natürlich, Charakteristisch.

Die überragende Bedeutung der Lyrik in der Romantik. Kunst, insbesondere in der Musik, wurde von ihm grundlegend begründet. R. Theoretiker Für sie ist „romantisch“ in erster Linie „musikalisch“ (in der Musikhierarchie wurde der ehrenhafteste Platz in der Kunsthierarchie eingeräumt), weil in der Musik das Gefühl an erster Stelle steht und daher das Werk eines romantischen Künstlers sein höchstes Ziel findet drin. Musik ist also der Text. Im abstrakten philosophischen Aspekt, nach der Theorie von lit. R., lässt eine Person mit der „Seele der Welt“, mit dem „Universum“ verschmelzen; im Hinblick auf das konkrete Leben ist die Musik ihrem Wesen nach der Antipode der Prosa. In Wirklichkeit ist es die Stimme des Herzens, die in der Lage ist, mit höchster Vollständigkeit über einen Menschen, seinen spirituellen Reichtum, sein Leben und seine Bestrebungen zu sprechen. Deshalb im Bereich der Musentexte. R. gehört zum hellsten Wort. Lyrik, Unmittelbarkeit und Ausdruck, Individualisierung der Lyrik durch romantische Musiker waren neu. Aussagen, die Übertragung von psychologischen. die Entwicklung eines Gefühls voller neuer wertvoller Details in allen Phasen.

Belletristik als Gegensatz zur Prosa. die realität ist den texten verwandt und oft, besonders in der musik, mit letzteren verflochten. Die Fantasie offenbart an sich verschiedene Facetten, die für R gleichermaßen wesentlich sind. Sie fungiert als Freiheit der Vorstellungskraft, als freies Gedanken- und Gefühlsspiel und zugleich. als Freiheit des Wissens, die sich kühn in die Welt des "fremden", wunderbaren, unbekannten, wie gegen spießbürgerliche Sachlichkeit, elenden "gesunden Menschenverstand" stürzenden. Fantasie ist auch eine Art romantische Schönheit. Gleichzeitig ermöglicht Science-Fiction in indirekter Form (und damit mit maximaler künstlerischer Verallgemeinerung) das Aufeinanderprallen von Schönem und Hässlichem, Gutem und Bösem. In der Kunst. R. hat einen großen Beitrag zur Entwicklung dieses Konflikts geleistet.

Das Interesse der Romantiker am Leben "draußen" ist untrennbar mit dem allgemeinen Konzept solcher Konzepte wie Volks- und Nationalidentität, natürlich, charakteristisch verbunden. Es war ein Wunsch, die Authentizität, den Primat und die Integrität, die in der umgebenden Realität verloren gegangen sind, wiederherzustellen; daher das Interesse an der Geschichte, an der Folklore, dem Kult der Natur, interpretiert als ursprünglich, als die vollständigste und unverfälschteste Verkörperung der "Seele der Welt". Für einen Romantiker ist die Natur ein Zufluchtsort vor den Wirren der Zivilisation, sie tröstet und heilt einen unruhigen Menschen. Romantiker leisteten einen großen Beitrag zum Wissen, zur Kunst. Wiederbelebung der Menschen Poesie und Musik vergangener Epochen sowie „ferner“ Länder. R. ist, so T. Mann, „eine Sehnsucht nach Vergangenem und zugleich eine realistische Anerkennung des Anspruchs auf Originalität für alles, was jemals wirklich mit eigener Lokalfarbe und Atmosphäre existiert hat“ (Coll. soch., v 10, M., 1961, S. 322), begann im Vereinigten Königreich im 18. Jahrhundert. Sammlung nationaler Folklore wurde im 19. Jahrhundert fortgesetzt. W. Scott; in Deutschland waren es die Romantiker, die als erste die Schätze der Hochbetten sammelten und öffentlich machten. Kreativität ihres Landes (Sammlung von L. Arnim und K. Brentano "Das magische Horn eines Jungen", "Kinder- und Familienmärchen" von Bruder Grimm), die hatte sehr wichtig und für Musik. Der Wunsch nach einer originalgetreuen Weitergabe des national-nat. Künste. Stil ("Lokalkolorit") - ein gemeinsames Merkmal romantischer Musiker aus verschiedenen Ländern und Schulen. Dasselbe lässt sich über die Musik sagen. Landschaft. Erstellt in diesem Bereich von Komponisten 18 - früh. 19. Jahrhundert von den Romantikern weit übertroffen. In der Musik als Verkörperung der Natur erreichte R. eine bisher unbekannte figurative Konkretheit; Dies wurde von den neu entdeckten Expressen bedient. Mittel der Musik, vor allem harmonisch und orchestral (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Charakteristisch" zog Romantiker in einigen Fällen als originell, integral, originell, in anderen als seltsam, exzentrisch, karikiert an. Das Merkmal wahrzunehmen, es freizulegen bedeutet, den nivellierenden Grauschleier der gewöhnlichen Wahrnehmung zu durchbrechen und das wirkliche, bizarr bunte und brodelnde Leben zu berühren. Im Streben nach diesem Ziel wird eine für Romantiker typische Art-in-lit. und Musik. Porträtmalerei. Ein solcher Anspruch war oft mit der Kritik des Künstlers verbunden und führte zur Entstehung parodistischer und grotesker Porträts. Von Jean Paul und Hoffmann geht die Tendenz zur charakteristischen Porträtskizze auf Schumann und Wagner über. In Russland nicht ohne den Einfluss der Romantik. musikalische Traditionen. Portraitmalerei entwickelt unter Komponisten nat. realistisch. Schulen - von A. S. Dargomyzhsky bis M. P. Mussorgsky und N. A. Rimsky-Korsakov.

R. entwickelte Elemente der Dialektik in der Deutung und Darstellung der Welt und stand ihm in dieser Hinsicht nahe. klassisch Philosophie. Im Anzug wird das Verständnis für die Beziehung zwischen dem Einzelnen und dem Allgemeinen verbessert. Nach F. Schlegel romantisch. Poesie ist „allgemein“, sie „enthält alles Poetische, vom größten System der Künste, das wiederum ganze Systeme umfasst, bis zum Seufzer, bis zum Kuss, wie sie sich ausdrücken in dem ungekünstelten Kinderlied“ („Fr. Schlegels Jugendschriften“, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Grenzenlose Vielfalt mit Hidden ext. Einigkeit - darauf legen zum Beispiel Romantiker Wert. in Don Quijote von Cervantes; „Die Musik des Lebens“ nennt F. Schlegel den bunten Stoff dieses Romans (ebd., S. 316). Dies ist ein Roman mit "offenen Horizonten" - bemerkt A. Schlegel; nach seiner Beobachtung greift Cervantes zu „endlosen Variationen“, „als wäre er ein raffinierter Musiker“ (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Solche Kunst. Position erzeugt besondere Aufmerksamkeit hinsichtlich der otd. Eindrücke und deren Verbindungen bis hin zur Erstellung eines gemeinsamen Konzepts. In der Musik direkt. der Gefühlsausbruch wird philosophisch, die Landschaft, der Tanz, die Genreszene, das Porträt werden von Lyrik durchdrungen und führen zu Verallgemeinerungen. R. zeigt ein besonderes Interesse am Lebensprozess, an dem, was N. Ya. Berkovsky den „direkten Fluss des Lebens“ nennt („Romanticism in Germany“, Leningrad, 1973, S. 31); das gilt auch für die musik. Typisch für romantische Musiker ist das Streben nach endlosen Transformationen des ursprünglichen Gedankens, nach „endloser“ Entwicklung.

Denn R. sah in allen Ansprüchen einen einzigen Sinn und ein einziges Kapitel. Ziel ist es, mit der geheimnisvollen Essenz des Lebens zu verschmelzen, die Idee der Synthese der Künste erhält eine neue Bedeutung. „Die Ästhetik einer Kunst ist die Ästhetik einer anderen; nur das Material ist anders“, bemerkt Schumann („Über Musik und Musiker“, Bd. 1, M., 1975, S. 87). Doch die Kombination „verschiedener Materialien“ steigert die beeindruckende Kraft des künstlerischen Ganzen. In der tiefen und organischen Verschmelzung von Musik mit Poesie, mit Theater, mit Malerei eröffneten sich der Kunst neue Möglichkeiten. Im Bereich Instr. Musik kommt dem Prinzip der Programmierbarkeit eine wichtige Rolle zu, d. h. der Einbeziehung sowohl in die Idee des Komponisten als auch in den Prozess der Musikwahrnehmung, lit. und andere Vereine.

R. ist besonders stark in der Musik Deutschlands und Österreichs vertreten. In einem frühen Stadium - die Arbeit von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; ferner von der Leipziger Schule, vor allem von F. Mendelssohn-Bartholdy und R. Schumann; im 2. Stock. 19. Jahrhundert - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. In Frankreich trat R. bereits in den Opern von A. Boildieu und F. Aubert auf, dann in einer viel weiter entwickelten und originellen Form von Berlioz. Romantisch in Italien Tendenzen spiegelten sich deutlich bei G. Rossini und G. Verdi wider. Gemeiner Europäer Wert erhielt die Arbeit des polnischen Computers. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, Italiener. - N. Paganini (das Werk von Liszt und Paganini war auch der Gipfel der romantischen Darbietung), Deutsch. - J. Meyerbeer.

Unter den Bedingungen der nationalen Die R.-Schulen behielten viele Gemeinsamkeiten bei und zeigten gleichzeitig eine bemerkenswerte Originalität in Ideen, Handlungen, Lieblingsgenres und auch im Stil.

In den 30er Jahren. Wesen wurden gefunden. Meinungsverschiedenheiten zwischen ihm. und Französisch Schulen. Über das zulässige Maß an Stilistik gibt es unterschiedliche Vorstellungen. Innovation; Umstritten war auch die Frage nach der Zulässigkeit von Ästhetik. Kompromisse der Künstler, um den Geschmack der "Menge" zu befriedigen. Der Antagonist von Berlioz' Innovation war Mendelssohn, der entschieden die Normen eines gemäßigten „klassisch-romantischen“ Stils verteidigte. Schumann, der Berlioz und Liszt leidenschaftlich verteidigte, akzeptierte dennoch nicht, was ihm als die Extreme der Franzosen erschien. Schulen; er zog den viel ausgeglicheneren Chopin dem Autor der Phantastischen Symphonie vor, äußerst hochgestellte Mendelssohn und A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett und andere, die diesem Komponisten nahestanden.Schumann kritisiert Meyerbeer mit außerordentlicher Schärfe, hineinsehend seine spektakuläre Theatralik, nur Demagogie und Streben nach Erfolg. Heine und Berlioz hingegen schätzen die „Hugenotten“-Dynamik des Autors. Musik Dramaturgie. Wagner entwickelt kritisch Schumanns Motive gehen jedoch in seinem Werk weit von den Normen eines gemäßigten Romantikers ab. Stil; sich (anders als Meyerbeer) an strenge ästhetische Kriterien. Selektion geht er den Weg mutiger Reformen. Alle R. 19. Jahrhundert als Opposition zur Leipziger Schule, der sog. Neue Deutsche oder Weimarer Schule; Liszt wurde in seinen Weimarer Jahren (1849-61) zu ihrem Zentrum, R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff ua waren Anhänger der Weimarer, Anhänger der Programmmusik, der Musik. Dramen des Wagnerschen Typs und andere radikal reformierte Arten der Neuen Musik. Klage. Die Ideen der neuen deutschen Schule werden seit 1859 durch den „Allgemeinen Deutschen Ferein“ und die bereits 1834 von Schumann gegründete Zeitschrift vertreten. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym seit 1844 unter der Leitung von K. F. Brendel. Auf der Gegenseite befand sich neben dem Kritiker E. Hanslik, dem Geiger und Komponisten J. Joachim und anderen J. Brahms; Letzterer bemühte sich nicht um Kontroversen und verteidigte seine Prinzipien nur in Kreativität (1860 setzte Brahms im Alleingang seine Unterschrift unter einen polemischen Artikel - eine Sammelrede gegen bestimmte Ideen der "Weimariter", veröffentlicht in der Berliner Zeitschrift "Echo". ). Was Kritiker dazu neigten, den Konservatismus im Werk von Brahms zu betrachten, war tatsächlich eine lebendige und originelle Kunst, wo die Romantik. Die Tradition wurde aktualisiert und erfuhr einen neuen starken Einfluss des Klassikers. Musik der Vergangenheit. Die Perspektiven dieses Weges zeigten die Entwicklung Europas. Musik als nächstes. Jahrzehnte (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev und andere). Ebenso vielversprechend erwiesen sich die Erkenntnisse der „Weimariter“. In Zukunft werden die Streitigkeiten zwischen den beiden Schulen historisch obsolet.

Da im Mainstream von R. erfolgreich nach nat. Authentizität, soziale und psychologische. Ehrlich gesagt waren die Ideale dieser Bewegung eng mit der Ideologie des Realismus verflochten. Solche Verbindungen zeigen sich zum Beispiel in den Opern von Verdi und Bizet. Derselbe Komplex ist typisch für eine Reihe von Nat. Musik Schulen im 19. Jahrhundert Auf Russisch romantische Musik. Elemente werden bereits in der 2. Hälfte von M. I. Glinka und A. S. Dargomyzhsky deutlich dargestellt. 19. Jahrhundert - von den Komponisten von The Mighty Handful und von P. I. Tschaikowsky, später von S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Unter dem starken Einfluss von R. entwickelten sich junge Musen. Kulturen Polens, Tschechiens, Ungarns, Norwegens, Dänemarks, Finnlands (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius und andere) sowie Spanisch. Musik 2. Stock. 19 - bitten. 20. Jahrhundert (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Musen. R. wirkte aktiv an der Entwicklung von Kammergesangstexten und Opern mit. In Übereinstimmung mit den Idealen von R. in der Wok-Reform. Musik ch. Rolle spielt die Vertiefung der Synthese von Kunst-in. Wok. die melodie reagiert sensibel auf die expressivität des poetischen. Worte, wird detaillierter und individueller. Werkzeug die Partei verliert den Charakter der neutralen "Begleitung" und wird zunehmend von figurativen Inhalten durchdrungen. Im Werk von Schubert, Schumann, Franz, Wolf lässt sich ein Weg von einem aus der Handlung entwickelten Lied zur „Musik. Gedicht." Unter Wok. Genres nimmt die Rolle der Ballade, des Monologs, der Szene, des Gedichts zu; Lieder in Pl. Fälle werden zu Zyklen zusammengefasst. In der Romantik Oper, die im Dez. Richtungen nimmt die Verbindung zwischen Musik, Wort und Theater stetig zu. Aktionen. Diesem Zweck dient: das System der Musen. Merkmale und Leitmotive, die Entwicklung von Sprachmelodien, die Verschmelzung der Logik der Musik. und Bühne Entwicklung, die Nutzung von reichen Möglichkeiten symphonischen. Orchester (die Wagner-Partituren gehören zu den höchsten Errungenschaften der Opernsymphonie).

Instr. Musik sind romantische Komponisten besonders anfällig für FP. Miniatur. Ein kurzes Stück wird zur Fixierung des Augenblicks, die für einen romantischen Künstler wünschenswert ist: eine flüchtige Skizze einer Stimmung, einer Landschaft, eines charakteristischen Bildes. Es schätzt und verbindet. Einfachheit, Nähe zu den lebenswichtigen Quellen der Musik - zu Gesang, Tanz, die Fähigkeit, einen frischen, originellen Geschmack einzufangen. Beliebte Sorten von Romantik. kurzes Stück: „Lied ohne Worte“, Nocturne, Präludium, Walzer, Mazurka, sowie Stücke mit Programmnamen. Instr. Miniatur erreicht eine inhaltsreiche, reliefartige Bildsprache; Mit einer kompakten Form zeichnet es sich durch einen hellen Ausdruck aus. Wie im Wok. Texte, hier gibt es eine Tendenz, otd zu vereinen. Stücke in Zyklen (Chopin - Präludien, Schumann - "Kinderszenen", Liszt - "Wanderjahre" usw.); in manchen Fällen handelt es sich um Zyklen einer "Durch"-Struktur, wobei sie zwischen den einzelnen relativ unabhängig sind. Spiele entstehen diff. Art der Intonation. Kommunikation (Schumann - "Schmetterlinge", "Karneval", "Kreisleriana"). Solche "Durch"-Zyklen geben bereits eine Vorstellung von den Haupttendenzen der Romantik. Interpretation eines großen Instruments Formen. Einerseits betont es den Kontrast, die Vielfalt des Individuums. Episoden hingegen wird die Einheit des Ganzen gestärkt. Im Zeichen dieser Tendenzen ist eine neue Kreativität gegeben. Interpretation des Klassikers Sonate und Sonatenzyklus; dieselben Bestrebungen bestimmen die Logik einstimmiger „freier“ Formen, die gewöhnlich die Merkmale eines Sonaten-Allegros, eines Sonatenzyklus und einer Variation vereinen. "Freie" Formen waren besonders praktisch für Programmmusik. In ihrer Entwicklung, in der Stabilisierung der Gattung der einstimmigen „Symphonie. Gedichte" Liszts Verdienst ist groß. Das konstruktive Prinzip, das Liszts Gedichten zugrunde liegt – die freie Transformation eines Themas (Monothematismus) – schafft einen Ausdruck. Kontraste und sorgt gleichzeitig für die größtmögliche Einheit der gesamten Komposition (Präludien, Tasso etc.).

Im Stil der Musik R. die wichtigste Rolle spielen modale und harmonische Mittel. Die Suche nach neuer Ausdruckskraft ist mit zwei parallelen und oft miteinander verknüpften Prozessen verbunden: mit der Stärkung von Funktion und Dynamik. Seiten von Harmonien und mit Verstärkung der Harmonischen. Farbigkeit. Der erste dieser Prozesse war die zunehmende Sättigung der Akkorde mit Veränderungen und Dissonanzen, die ihre Instabilität verschlimmerten, die Spannung erhöhten, die eine Auflösung in den zukünftigen Harmonien erforderte. Bewegung. Solche Harmonieeigenschaften drückten am besten die für R. typische „Müdigkeit“, den Strom „unendlich“ sich entwickelnder Gefühle aus, der in Wagners „Tristan“ besonders vollständig verkörpert war. Farbige Effekte zeigten sich bereits bei der Nutzung der Möglichkeiten des Dur-Moll-Tonartsystems (Schubert). Neue, sehr vielfältige Farben. Schattierungen wurden aus den sogenannten extrahiert. natürliche Modi, mit deren Hilfe Nar betont wurde. oder archaisch. die Natur der Musik; Eine wichtige Rolle - insbesondere in der Science-Fiction - wurde Bünden mit Ganzton- und „Ton-Halbton“-Skalen zugeschrieben. Farbige Eigenschaften wurden auch in einem chromatisch komplizierten, dissonanten Akkord gefunden, und an diesem Punkt berührten sich die oben erwähnten Prozesse deutlich. Frisch Soundeffekte wurden auch durch erreicht Vergleiche von Akkorden oder Modi innerhalb der Diatonik. Skala.

In der Romantik melodisch gespielt die folgenden ch. Tendenzen: in der Struktur - der Wunsch nach Breite und Kontinuität der Entwicklung und teilweise nach der "Offenheit" der Form; im Rhythmus - Überwindung von Traditionen. Regelmäßigkeit Metrik. Akzente und jede Automatik Wiederholung; in die Intonation. Komposition - Detaillierung, Füllen mit Ausdruckskraft nicht nur die Anfangsmotive, sondern auch die ganze Melodie. Zeichnung. Wagners Ideal der „endlosen Melodie“ umfasste alle diese Strömungen. Auch die Kunst der größten Melodiker des 19. Jahrhunderts ist mit ihnen verbunden. Chopin und Tschaikowsky. Musen. R. bereicherte, individualisierte die Darstellungsmittel (Textur) stark und machte sie zu einem der wichtigsten Elemente der Musen. Bilder. Gleiches gilt für die Verwendung von Instr. Kompositionen, insbesondere symphonische. Orchester. R. entwickelte Farbe. die Mittel des Orchesters und die Dramaturgie des Orks. Entwicklung zu einer Höhe, die die Musik früherer Epochen nicht kannte.

Späte Musik. R. (spätes 19. - frühes 20. Jahrhundert) gab noch "reiche Sämlinge", und unter seinen größten Nachfolgern die Romantiker. Die Tradition drückte noch die Ideen des Fortschrittlichen, Humanistischen aus. Ansprüche (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

Neue Kreativität ist mit der Stärkung und qualitativen Transformation der Tendenzen von R. verbunden. Erfolge in der Musik. Eine neue Detailbildsprache wird kultiviert – sowohl im Bereich der äußeren Eindrücke (impressionistische Farbigkeit) als auch in der feinsinnigen Übermittlung von Gefühlen (Debussy, Ravel, Skrjabin). Die Möglichkeiten der Musik erweitern sich. Bildhaftigkeit (R. Strauss). Verfeinerung einerseits und gesteigerte Ausdruckskraft andererseits schaffen eine breitere Skala emotionaler Ausdruckskraft der Musik (Skrjabin, Mahler). Gleichzeitig in der späten R., die eng mit den neuen Strömungen um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert verflochten war. (Impressionismus, Expressionismus) wuchsen die Symptome der Krise. Am Anfang. 20. Jahrhundert Die Entwicklung von R. offenbart eine Hypertrophie des subjektiven Prinzips, eine allmähliche Degeneration der Verfeinerung in Formlosigkeit und Unbeweglichkeit. Eine polemisch scharfe Reaktion auf diese Krisenerscheinungen war die Muse. Antiromantik der 10-20er Jahre (I. F. Strawinsky, junger S. S. Prokofjew, Komponisten der französischen „Six“ usw.); der späte R. widersetzte sich dem Wunsch nach inhaltlicher Sachlichkeit, nach formaler Klarheit; entstand neue Welle"Klassizismus", der Kult der alten Meister, Kap. Arr. Vor-Beethoven-Zeit. Mitte des 20. Jahrhunderts zeigte jedoch die Lebensfähigkeit der wertvollsten Traditionen von R. Trotz der in der westlichen Musik verstärkten destruktiven Tendenzen behielt R. seine spirituelle Basis und bereicherte sich mit neuen Stilistiken. Elemente, wurde von vielen entwickelt. herausragende Komponisten des 20. Jahrhunderts. (D. D. Schostakowitsch, Prokofjew, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok und andere).

Literatur: Asmus V., Musikästhetik der philosophischen Romantik, „SM“, 1934, Nr. 1; Nef K., Geschichte der westeuropäischen Musik, aus dem Französischen übersetzt. Herausgegeben von B. V. Asafiev, Moskau, 1938. Sollertinsky I., Romantik, ihre allgemeine und musikalische Ästhetik, in seinem Buch: Historische Etüden, L., 1956, Bd. 1, 1963; Shitomirsky D., Anmerkungen zur musikalischen Romantik (Chopin und Schumann), "SM", 1960, Nr. 2; sein eigenes, Schumann and Romanticism, in seinem Buch: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Romantisches Lied des 19. Jahrhunderts, M., 1966; Konen, V., Geschichte der ausländischen Musik, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Probleme der klassischen Harmonielehre, M., 1972 (Kap. 9 - Zur historischen Entwicklung der klassischen Harmonielehre im 19. Jahrhundert und zu Beginn des 20. Jahrhunderts); Skrebkov S., Künstlerische Prinzipien Musikstile, M., 1973; Musikästhetik Frankreichs im 19. Jahrhundert. Komp. Texte, Einleitung. Artikel und Einleitung. Essays von E. F. Bronfin, M., 1974 (Denkmäler des musikalischen und ästhetischen Denkens); Musik Österreichs und Deutschlands des 19. Jahrhunderts, Buch. 1, M., 1975; Druskin M., Geschichte der ausländischen Musik, vol. 4, M., 1976.

D. V. Shitomirsky

Ideologisch künstlerische Leitung, die sich in allen Ländern Europas und des Nordens entwickelt hat. Amerika in con. 18 - 1. Stock. 19. Jahrhundert R. brachte die Unzufriedenheit der bürgerlichen Gesellschaft zum Ausdruck. Veränderungen, die sich gegen Klassizismus und Aufklärung stellen. F. Engels stellte fest, dass "... die durch den "Sieg der Vernunft" geschaffenen gesellschaftlichen und politischen Institutionen sich als böse, bitter enttäuschende Karikatur der glänzenden Versprechungen der Aufklärer entpuppten." Die Kritik an der neuen Lebensweise, die im Mainstream der Aufklärung unter den Sentimentalisten skizziert wurde, war noch deutlicher unter den Romantikern. Die Welt erschien ihnen absichtlich unvernünftig, voller mysteriöser, unverständlicher und feindseliger Menschen. Persönlichkeit. Für Romantiker waren hohe Ansprüche mit der Außenwelt unvereinbar, und die Zwietracht mit der Realität erwies sich als fast die Hauptursache. Feature R. Lowlands und Vulgarität der realen Welt R. gegen Religion, Natur, Geschichte, fantastisch. und exotisch. Kugeln, adv. Kreativität, vor allem aber - das Innenleben des Menschen. Darstellungen über ihr R. äußerst angereichert. War die Antike das Ideal des Klassizismus, so orientierte sich R. an der Kunst des Mittelalters und der Neuzeit und betrachtete A. Dante, W. Shakespeare und J. W. Goethe als seine Vorgänger. R. behauptete Kunst, die nicht von Modellen bereitgestellt, sondern vom freien Willen des Künstlers geschaffen wurde und seine innere Welt verkörperte. R. akzeptierte die umgebende Realität nicht und kannte sie tatsächlich tiefer und umfassender als den Klassizismus. die höchste Kunst für R. war die Musik, als Verkörperung des freien Elementes des Lebens. Sie erzielte in dieser Zeit große Erfolge. R. war auch eine Zeit ungewöhnlich schneller und bedeutender Entwicklung des Balletts. Die ersten Schritte eines Romantikers Ballette wurden in England, Italien und Russland hergestellt (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky und andere). Am vollständigsten und konsequentesten nahm R. jedoch im Französischen Gestalt an. Balletttheater, dessen Einfluss sich auch in anderen Ländern niederschlug. Eine der Voraussetzungen dafür war die damalige hohe Entwicklung der klassischen Technik in Frankreich. Tanzen, besonders Frauen. Am deutlichsten romantisch. Tendenzen manifestierten sich in den Balletten von F. Taglioni ("La Sylphide", 1832 usw.), wo sich die Handlung normalerweise parallel in der realen und der fantastischen Welt abspielte. Die Fantasie befreite den Tanz von der Notwendigkeit privater Alltagsbegründungen, eröffnete Spielräume für die Nutzung der angesammelten Technik und ihre Weiterentwicklung, um die wesentlichen Eigenschaften der im Tanz dargestellten Figuren freizulegen. Im Frauentanz, der im Ballett von R. in den Vordergrund trat, wurden immer mehr Sprünge eingeführt, Tanz auf Spitzenschuhen usw., die dem Erscheinungsbild vollkommen entsprachen überirdische Kreaturen- Willis, Sylphe. Im Ballett dominierte R. den Tanz. Neue Kompositionsformen der Klassik Tanz hat die Rolle des Unisono-Corps de Ballet-Frauentanzes stark zugenommen. Ensemble, Duett u solo tanzen. Die Rolle der führenden Ballerina nahm ab M. Taglioni zu. Eine Tunika erschien als dauerhaftes Kostüm für einen Tänzer. Die Rolle der Musik hat zugenommen, oft vor der der Nationalmannschaft. Die Symphonie der Tänze begann. Aktionen. Der Gipfel der Romantik. Ballett - "Giselle" (1841), inszeniert von J. Coralli und J. Perrot. Die Arbeit von Perrault markierte eine neue Stufe im Ballett R. Die Aufführung stützte sich nun stark auf lit. die Originalquelle ("Esmeralda" nach Hugo, "Corsair" nach Byron usw.), und dementsprechend wurde der Tanz dramatisiert, die Rolle effektiver Kompositionen (pas d "action" erhöht), Tanzfolklore wurde mehr verwendet Ähnliche Bestrebungen manifestierten sich in der Arbeit der prominentesten Balletttänzer in August Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya traten hervor.

Romantischer Typ. Aufführung, etabliert in den Balletten von Taglioni, Perrot, Bournonville, blieb bis zum Ende bestehen. 19. Jahrhundert Allerdings ist die interne Struktur dieser Aufführungen in erster Linie in der Arbeit von Balletten. M. I. Petipa, transformiert.

Der Wunsch nach einem romantischen Revival. Ballett in seiner ursprünglichen Form manifestierte sich in der Arbeit einiger Ballettmeister des 20. Jahrhunderts. M. M. Fokin gab R. im Ballett neue Züge des Impressionismus.

Ballett. Enzyklopädie, SE, 1981

I Musik (aus dem Griechischen musike, wörtlich Kunst der Musen) ist eine Kunstform, die die Realität widerspiegelt und durch sinnvolle und speziell organisierte Klangfolgen, die hauptsächlich aus Tönen bestehen, auf den Menschen einwirkt ... ... Große sowjetische Enzyklopädie

- (griech. moysikn, von mousa muse) eine Art Anzug, der die Realität widerspiegelt und durch sinnvolle und in Höhe und Zeit speziell organisierte Tonfolgen auf einen Menschen einwirkt, die hauptsächlich aus Tönen bestehen ... ... Enzyklopädie der Musik

Inhalt 1 Historische Aspekte 2 Literatur 2.1 Entstehung 2.2 Realismus ... Wikipedia

Dieser Begriff basiert auf dem Griechischen ή μουσική (impliziert τέχνη Kunst), dh die Kunst der Musen (hauptsächlich die Göttinnen des Singens und Tanzens). Später erhielt es bei den Griechen eine weitere Bedeutung, im Sinne der harmonischen Entwicklung des Geistes im Allgemeinen, und bei uns wieder ... ... Enzyklopädisches Wörterbuch F.A. Brockhaus und I.A. Efron

SPIRITUELLE MUSIK- Musik. Werke Christi. Inhalte, die nicht dazu bestimmt sind, während des Gottesdienstes aufgeführt zu werden. D. m. steht oft der weltlichen Musik gegenüber, und in diesem Sinne werden mitunter verschiedenste Phänomene aus der liturgischen Musik auf diesen Bereich bezogen ... ... Orthodoxe Enzyklopädie

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Merkmale der Musenbildung. US-Kultur, die in con begann. 17. Jahrhundert, waren maßgeblich von der kolonialen Art der Entwicklung des Landes bestimmt. Nach Amer übertragen. der Boden der Musik die Traditionen Europas, Afrikas, später Asiens wurden assimiliert und interagieren, ... ... Enzyklopädie der Musik

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Ende XVIII - frühes XIX Jahrhunderts entstand eine künstlerische Richtung wie die Romantik. In dieser Zeit träumten die Menschen von einer idealen Welt und „flohen“ in der Fantasie. Seine lebendigste und figurativste Verkörperung fand dieser Stil in der Musik. Unter den Vertretern der Romantik sind Komponisten des 19. Jahrhunderts wie Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt und Richard Wagner.

Franz Liszt

Die Zukunft wurde in der Familie eines Cellisten geboren. Sein Vater brachte ihm schon früh Musik bei. Als Kind sang er in einem Chor und lernte Orgel spielen. Als Franz 12 Jahre alt war, zog seine Familie nach Paris, damit der Junge Musik studieren konnte. Am Konservatorium wurde er jedoch nicht aufgenommen, seit seinem 14. Lebensjahr komponiert er Skizzen. Ein solches 19. Jahrhundert wie Berlioz, Paganini, hatte einen großen Einfluss auf ihn.

Paganini wurde Liszts wahres Idol, und er beschloss, seine eigenen Klavierkünste zu verbessern. Die Konzerttätigkeit von 1839-1847 war von einem glänzenden Triumph begleitet. In diesen Jahren schuf Ferenc die berühmte Theaterstücksammlung „Years of Wanderings“. Ein Virtuose des Klavierspiels und Publikumsliebling ist zu einer wahren Verkörperung der Epoche geworden.

Franz Liszt komponierte Musik, schrieb mehrere Bücher, unterrichtete und leitete offenen Unterricht. Komponisten des 19. Jahrhunderts aus ganz Europa kamen zu ihm. Wir können sagen, dass er sich fast sein ganzes Leben lang mit Musik beschäftigt hat, weil er 60 Jahre lang gearbeitet hat. Seine musikalische Begabung und sein Können sind bis heute ein Vorbild für moderne Pianisten.

Richard Wagner

Das Genie schuf Musik, die niemanden gleichgültig lassen konnte. Sie hatte sowohl Bewunderer als auch erbitterte Gegner. Wagner war seit seiner Kindheit vom Theater fasziniert, und im Alter von 15 Jahren beschloss er, mit Musik eine Tragödie zu schaffen. Mit 16 Jahren brachte er seine Kompositionen nach Paris.

3 Jahre lang versuchte er vergeblich, eine Oper zu inszenieren, aber niemand wollte sich mit einem unbekannten Musiker auseinandersetzen. Solch beliebte Komponisten Das 19. Jahrhundert wie Franz Liszt und Berlioz, die er in Paris kennengelernt hat, bringen ihm kein Glück. Er lebt in Armut und niemand will seine musikalischen Ideen unterstützen.

Nach dem Scheitern in Frankreich kehrt der Komponist nach Dresden zurück, wo er als Dirigent am Hoftheater zu arbeiten beginnt. 1848 emigrierte er in die Schweiz, weil er nach seiner Teilnahme am Aufstand zum Verbrecher erklärt wurde. Wagner war sich der Unvollkommenheit der bürgerlichen Gesellschaft und der abhängigen Stellung des Künstlers bewusst.

1859 sang er die Liebe in der Oper Tristan und Isolde. In Parsifal wird die universale Brüderlichkeit utopisch dargestellt. Das Böse wird besiegt, und Gerechtigkeit und Weisheit gewinnen. Alle großen Komponisten des 19. Jahrhunderts wurden von Wagners Musik beeinflusst und lernten aus seinem Werk.

Im 19. Jahrhundert wurde in Russland eine nationale Kompositions- und Aufführungsschule gegründet. Es gibt zwei Perioden in der russischen Musik: frühe Romantik und klassisch. Die erste umfasst solche russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts wie A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Michail Glinka

Michail Glinka hat in unserem Land eine Komponistenschule gegründet. Der russische Geist ist in all seinen berühmten Opern wie „Ruslan und Ljudmila“, „Leben für den Zaren“ präsent, die von Patriotismus durchdrungen sind. Glinka fasste die charakteristischen Merkmale der Volksmusik zusammen, indem er alte Melodien und Rhythmen der Volksmusik verwendete. Der Komponist war auch ein Innovator in der musikalischen Dramaturgie. Seine Arbeit ist der Aufstieg der nationalen Kultur.

Russische Komponisten gaben der Welt viele geniale Werke die noch heute die Herzen der Menschen erobern. Unter den brillanten russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts sind Namen wie M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tschaikowsky verewigt.

Klassische Musik spiegelt anschaulich und sinnlich die innere Welt eines Menschen wider. Der strenge Rationalismus wurde von der Romantik des 19. Jahrhunderts abgelöst.

Romantische Zeit

Die romantische Periode in der Musik dauerte ungefähr von den 1830er bis in die 1910er Jahre. Das Wort „Romantik“ ist gewissermaßen nur ein Etikett, ein Begriff, der nicht genau definiert werden kann, wie viele andere auch. Viele der Werke, die ausnahmslos in allen Kapiteln unseres Buches erwähnt werden, können mit Recht als „romantisch“ bezeichnet werden.

Der Hauptunterschied dieser Zeit zu anderen besteht darin, dass die Komponisten dieser Zeit den Gefühlen und der Wahrnehmung von Musik mehr Aufmerksamkeit schenkten und versuchten, mit ihrer Hilfe emotionale Erfahrungen auszudrücken. Darin unterscheiden sie sich von den Komponisten der Klassik, denen in der Musik die Form am wichtigsten war und die versuchten, bestimmte Regeln für den Aufbau der Komposition einzuhalten.

Gleichzeitig lassen sich bei einigen Komponisten der Klassik Elemente der Romantik und bei den Komponisten der Romantik Elemente der Klassik erkennen. Alles, worüber wir oben gesprochen haben, ist also überhaupt keine feste Regel, sondern gerecht allgemeine Charakteristiken.

Die Geschichte blieb nicht stehen, und alle Menschen wurden plötzlich nicht mehr zu Romantikern, die sich nur für ihre emotionalen Erfahrungen interessieren. Dies ist die Zeit der Geburt des Sozialismus, der Postreform und der Gründung der Heilsarmee. Gleichzeitig wurden Vitamine und Radium entdeckt, der Suezkanal gebaut; Daimler entwarf das erste Auto und die Gebrüder Wright machten den ersten Flug. Marconi erfand das Radio, indem er erfolgreich eine drahtlose Nachricht anderthalb Meilen entfernt sendete. Königin Victoria saß länger als jeder andere englische Monarch auf dem britischen Thron. Der Goldrausch veranlasste Tausende von Menschen, nach Amerika zu reisen.

Wenn Sie unser Buch durchblättern, werden Sie feststellen, dass dies das umfangreichste aller seiner Kapitel ist, in denen nicht weniger als siebenunddreißig Komponisten erwähnt werden. Viele von ihnen lebten und arbeiteten gleichzeitig in verschiedenen Ländern. Deshalb haben wir dieses Kapitel in drei Abschnitte gegliedert: „Frühromantiker“, „Volkskomponisten“ und „Spätromantiker“.

Wie Sie wahrscheinlich schon erraten haben, erhebt auch diese Einteilung keinen Anspruch auf absolute Genauigkeit. Dennoch hoffen wir, dass es dazu beitragen wird, die Erzählung konsistent zu halten, wenn auch nicht immer in chronologischer Reihenfolge.

Das sind Komponisten, die zu einer Art Brücke zwischen der Klassik und der Spätromantik geworden sind. Viele von ihnen arbeiteten gleichzeitig mit den „Klassikern“, und Mozart und Beethoven hatten großen Einfluss auf ihr Schaffen. Gleichzeitig leisteten viele von ihnen ihren persönlichen Beitrag zur Entwicklung der klassischen Musik.

Unser erster Komponist der Romantik war ein echter Star seiner Zeit. Während seiner Auftritte demonstrierte er die Wunder der Geigenvirtuosität und trat auf unglaubliche Stunts. Wie der virtuose Rockgitarrist Jimi Hendrix, der hundertsechzig Jahre später geboren wurde, Niccolò Paganini beeindruckte das Publikum stets mit seiner leidenschaftlichen Darbietung.

Paganini könnte das ganze Stück auf zwei Geigensaiten statt auf vier spielen. Manchmal

Er ließ sogar mitten in der Aufführung absichtlich die Saiten reißen, woraufhin er das Werk unter dem lauten Applaus des Publikums immer noch brillant beendete.

Als Kind beschäftigte sich Paganini ausschließlich mit Musik. Sein Vater bestrafte ihn jedoch sogar dafür, dass er sich nicht genug bewegte, indem er ihm weder Essen noch Wasser gab.

Als Erwachsener spielte Paganini so virtuos Geige, dass gemunkelt wurde, er habe selbst einen Pakt mit dem Teufel geschlossen, da kein Sterblicher so großartig spielen könne. Nach dem Tod des Musikers weigerte sich die Kirche zunächst sogar, ihn auf ihrem eigenen Grundstück zu beerdigen.

Paganini selbst verstand zweifellos alle Vorteile seiner öffentlichen Reden und erklärte:

"Ich bin hässlich, aber wenn Frauen mich spielen hören, kriechen sie zu meinen Füßen."

Der Stil und die Struktur musikalischer Kompositionen entwickelten sich sowohl in Instrumentalkompositionen als auch in der Oper weiter. In Deutschland führte die Avantgarde der Oper Carl Maria von Weber, obwohl er in Jahren lebte, die viele nicht der Romantik zuschreiben.

Man kann sagen, dass die Oper für die Webers eine Familienangelegenheit war, und Carl reiste als Kind viel mit der Operngesellschaft seines Vaters. Seine Oper Freier Shooter (Magischer Shooter) ging in die Musikgeschichte ein, weil darin volkstümliche Motive verwendet wurden.

Etwas später erfahren Sie, dass eine solche Technik in Betracht gezogen wird charakteristisches Merkmal romantische Zeit.

Weber schrieb auch mehrere Klarinettenkonzerte, für die er heute weithin bekannt ist.

Italien ist der Geburtsort der Oper, und ins Gesicht Gioacchino Antonio Rossini Die Italiener hatten das Glück, einen neuen Helden dieses Genres zu finden. Mit gleichem Erfolg schrieb er Opern mit sowohl komischem als auch tragischem Inhalt.

Rossini war einer jener Komponisten, die schnell komponieren, und normalerweise brauchte er nur wenige Wochen, um eine Oper zu schreiben. Auf dem Höhepunkt seines Ruhms sagte er einmal:

"Gib mir die Wäscherechnung und ich vertone sie."

Sie sagen, dass Barbier von Sevilla Rossini komponierte in nur dreizehn Tagen. Ein so schnelles Arbeitstempo führte dazu, dass seine neuen Opern ständig in allen Theatern Italiens aufgeführt wurden. Aber er behandelte die Interpreten seiner Kompositionen nicht immer wohlwollend und sprach sich einmal sogar abschätzig über sie aus:

„Was für eine wunderbare Oper wäre, wenn es keine Sänger gäbe!“

Aber im Alter von siebenunddreißig Jahren hörte Rossini plötzlich auf, Opern zu schreiben, und in der Vergangenheit fast vier Jahrzehnte seines Lebens nur aus großen Werken, die er geschaffen hat Stabat mater.

Bis heute ist nicht ganz klar, wovon er sich bei einer solchen Entscheidung leiten ließ, jedoch hatte sich zu diesem Zeitpunkt ein beträchtlicher Betrag auf seinem Bankkonto angesammelt - Tantiemen aus Produktionen.

Neben der Musik hatte Rossini eine Leidenschaft für die Kochkunst, und viel mehr Gerichte sind nach ihm benannt als nach anderen Komponisten. Sie können sogar ein ganzes Abendessen mit Rossini-Salat, Rossini-Omelett und Rossini-Tournedo arrangieren. (Turnedos sind panierte Fleischstreifen, serviert mit Pastete und Trüffeln.)

Franz Schubert, der nur einunddreißig Jahre alt wurde, hatte sich bereits im Alter von siebzehn Jahren als talentierter Komponist etabliert. Für mich selbst langes Leben insgesamt schrieb er mehr als sechshundert Lieder, neun Symphonien, elf Opern und etwa vierhundert andere Werke. Allein 1815 komponierte er einhundertvierundvierzig Lieder, zwei Messen, eine Symphonie und eine Reihe anderer Werke.

1823 erkrankte er an Syphilis und starb fünf Jahre später, 1828, an Typhus. Ein Jahr zuvor nahm er an der Beerdigung seines Idols Ludwig van Beethoven teil.

Bemerkenswert ist, dass Schubert einer der ersten großen Komponisten war, der durch die Aufführung fremder Werke berühmt wurde. Er selbst gab nur einen großes Konzert im Jahr seines Todes, und schon damals wurde er überschattet von der Aufführung Paganinis, der etwa zur gleichen Zeit nach Wien kam. So bekam der arme Schubert zu Lebzeiten nie den Respekt, den er verdiente.

Eines der größten Geheimnisse Schuberts ist Symphonie Nr. 8, unter dem Namen bekannt Unvollendet. Er schrieb nur zwei Teile davon und hörte dann auf zu arbeiten. Niemand weiß, warum er das tat, aber diese Symphonie ist immer noch eines seiner beliebtesten Werke.

Hektor Berlioz wurde in der Familie eines Arztes geboren, so dass er im Gegensatz zu vielen anderen in unserem Buch erwähnten Komponisten keine vollwertige musikalische Ausbildung erhielt.

Zunächst entschloss er sich, in die Fußstapfen seines Vaters zu treten und Arzt zu werden, wofür er nach Paris ging, dort aber immer mehr Zeit an der Oper verbrachte. Schließlich entschied er sich, der Musik nachzugehen, sehr zum Leidwesen seiner Eltern.

Das Bild von Berlioz mag Menschen, die bisher nicht geschrieben haben, karikiert erscheinen

Alle Komponisten werden vorgestellt: sehr nervös und reizbar, impulsiv, mit starken Stimmungsschwankungen und natürlich ungewöhnlich romantisch in Beziehungen zum anderen Geschlecht. Einmal griff er seine ehemalige Geliebte mit einer Waffe in der Hand an und drohte ihr, sie zu vergiften; einen anderen verfolgte er in Frauenkleidern.

Doch das Hauptthema von Berlioz' romantischen Bestrebungen war die Schauspielerin Harriet Smithson, die später einen schweren Nervenzusammenbruch erlitt - offenbar hat sie dies zu einem großen Teil Berlioz selbst zu verdanken. Er sah sie zum ersten Mal 1827, aber es gelang ihm erst 1832, sie persönlich kennenzulernen. Zunächst lehnte Smithson Berlioz ab, und er schrieb, um Gegenseitigkeit zu erreichen fantastische Symphonie. 1833 heirateten sie trotzdem, aber wie zu erwarten war, verliebte sich Berlioz einige Jahre später in eine andere Frau.

Was die Musik betrifft, so liebte Berlioz den Spielraum. Nehmen Sie zum Beispiel seine Requiem, geschrieben für ein riesiges Orchester und Chor sowie vier Blaskapellen in jeder Ecke der Bühne. So eine Vorliebe für große Formen trug nicht viel zu seinem posthumen Ruhm bei. Seine Werke in der Form aufzuführen, in der er sie konzipiert hat, kann sehr teuer und manchmal sogar unmöglich sein. Aber solche Hindernisse störten ihn überhaupt nicht, und er komponierte weiter mit aller Leidenschaft, zu der er fähig war. Einmal sagte er:

"Jeder Komponist kennt den Schmerz und die Verzweiflung, die entstehen, wenn man nicht genug Zeit hat, das aufzuschreiben, was man sich ausgedacht hat."

Jeder Schüler, der dieses Buch liest, sollte neidisch auf solche Leute sein Felix Mendelsohn, an Menschen, die in der Kindheit berühmt wurden.

Wie wir an zahlreichen Beispielen sehen, ist dies in der Welt der klassischen Musik keine Seltenheit.

Mendelssohn war jedoch nicht nur in der Musik erfolgreich; Er war einer der wenigen Menschen, die es schaffen, in allem, was sie anpacken, ein gutes Ergebnis zu erzielen - in der Malerei, in der Poesie, im Sport, in den Sprachen.

All dies zu meistern, fiel Mendelssohn nicht schwer.

Mendelssohn hatte Glück – er wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren und wuchs in der kreativen Atmosphäre der Berliner Künstlerkreise auf. Als Kind traf er viele talentierte Künstler und Musiker, die seine Eltern besuchten.

Seinen ersten öffentlichen Auftritt hatte Mendelssohn im Alter von neun Jahren, mit sechzehn hatte er bereits komponiert Streicher-Oktett. Ein Jahr später schrieb er eine Ouvertüre zu Shakespeares Schauspiel Ein Traum in einer Sommernacht. Aber die restliche Musik für diese Komödie schuf er erst nach siebzehn Jahren (einschließlich der berühmten Hochzeitsmarsch, die immer noch oft bei Hochzeiten aufgeführt wird).

Auch Mendelssohns Privatleben entwickelte sich erfolgreich: In den Jahren einer langjährigen Ehe bekam er mit seiner Frau fünf Kinder.

Er arbeitete und reiste viel, unter anderem in Schottland, über dessen Bewohner er nicht allzu anerkennend sprach:

"... [sie] produzieren nichts als Whisky, Nebel und schlechtes Wetter."

Aber das hinderte ihn nicht daran, zwei wundervolle Werke zu schreiben, die Schottland gewidmet waren. Dreizehn Jahre, nachdem die erste Reise vorbei war Schottische Sinfonie; die Basis Ouvertüren der Hebriden Schottische Melodien legen sich nieder. Mit Großbritannien war Mendelssohn auch durch sein Oratorium Elijah verbunden, das 1846 in Birmingham uraufgeführt wurde. Er traf sogar Queen Victoria und gab Prinz Albert Musikunterricht.

Mendelssohn starb in einem Verwandten an einem Schlaganfall Junges Alter mit achtunddreißig. Natürlich kann man sagen, dass er sich mit übermäßiger Arbeit nicht verschont und überanstrengt hat, aber sein Tod wurde in hohem Maße durch den Tod seiner geliebten Schwester Fanny beschleunigt, die ebenfalls eine begabte Musikerin war.

Vor uns liegt ein weiterer Romantiker bis ins Mark der Knochen. Dabei Frederic Chopin er zeichnete sich auch durch eine leidenschaftliche Hingabe an ein Instrument aus, was bei den in unserem Buch erwähnten Komponisten eine große Seltenheit ist.

Zu sagen, dass Chopin das Klavier liebte, ist eine Untertreibung. Er bewunderte es, er widmete sein ganzes Leben dem Komponieren von Klavierkompositionen und der Verbesserung der Spieltechniken. Es war, als gäbe es für ihn keine anderen Instrumente, außer vielleicht als Begleitung in Orchesterkompositionen.

Chopin wurde 1810 in Warschau geboren; sein Vater war gebürtiger Franzose und seine Mutter Polin. Frederick begann im Alter von sieben Jahren aufzutreten, und seine ersten Kompositionen stammen aus derselben Zeit. Es muss gesagt werden, dass seine Kennzeichen hatte immer die Zukunft im Blick.

Anschließend wurde Chopin in Paris berühmt, wo er begann, reichen Leuten Musikunterricht zu geben, wodurch er selbst reich wurde. Er hat seine immer gut im Auge behalten Aussehen und um seine Garderobe mit der neuesten Mode auf dem Laufenden zu halten.

Als Komponist war Chopin methodisch und akribisch. Dabei erlaubte er sich nie Nachlässigkeit, jedes Werk wurde von ihm bis zur Perfektion perfektioniert. Es überrascht nicht, dass das Komponieren von Musik für ihn ein schmerzhafter Prozess war.

Insgesamt komponierte er einhundertneunundsechzig Solowerke für Klavier.

In Paris verliebte sich Chopin in Amandine Aurora Lucile Dupin, eine bekannte französische Schriftstellerin mit einem ausgefallenen Namen, besser bekannt unter dem Pseudonym George Sand. Sie war eine ziemlich bemerkenswerte Person: Sie war oft in Männerkleidung und Zigarre rauchend auf den Straßen von Paris anzutreffen, was das wohlerzogene Publikum schockierte. Die Romanze zwischen Chopin und George Sand verlief stürmisch und endete in einem schmerzhaften Bruch.

Wie einige andere Komponisten der Romantik lebte Chopin nicht lange – er starb im Alter von 39 Jahren an Tuberkulose, kurz nach seinem Bruch mit George Sand.

Robert Schumann- ein weiterer Komponist, der ein kurzes und aufregendes Leben führte, obwohl bei ihm alles mit einer gehörigen Portion Wahnsinn gewürzt war. Heute sind Werke für Klavier, Lieder und Kammermusik von Schumann bekannt.

Schumann war ein brillanter Komponist, aber zu Lebzeiten stand er im Schatten seiner Frau Klara Schumann, brillanter Pianist der Zeit. Als Komponistin ist sie weniger bekannt, obwohl sie auch recht interessante Musik geschrieben hat.

Robert Schumann selbst konnte wegen einer Handverletzung nicht als Pianist auftreten, und es fiel ihm schwer, neben einer Frau zu leben, die auf diesem Gebiet berühmt wurde.

Der Komponist litt an Syphilis und einem Nervenzusammenbruch; einmal versuchte er sogar Selbstmord zu begehen, indem er sich in den Rhein stürzte. Er wurde gerettet und in eine psychiatrische Klinik gebracht, wo er zwei Jahre später starb.

Schumann ging pragmatisch mit der Kunst um. Folgende Aussage ist bekannt:

„Um zu komponieren, muss man sich nur eine Melodie einfallen lassen, auf die noch niemand gekommen ist.“

Wenn Paganini als König der Geiger bezeichnet werden kann, dann gehört dieser Titel zu Recht zu den romantischen Pianisten Franz Liszt. Er engagierte sich auch in der Lehrtätigkeit und führte unermüdlich die Werke anderer Komponisten auf, insbesondere Wagner, auf den später noch eingegangen wird.

Liszts Klavierkompositionen sind äußerst schwierig aufzuführen, aber er schrieb gemäß seiner Spieltechnik, wohl wissend, dass niemand sie besser spielen würde als er.

Außerdem transkribierte Liszt die Werke anderer Komponisten auf das Klavier: Beethoven, Berlioz, Rossini und Schubert. Unter seinen Fingern erlangten sie eine bizarre Originalität und begannen auf eine neue Weise zu klingen. Bedenkt man, dass sie ursprünglich für Orchester geschrieben wurden, bleibt die Kunstfertigkeit des Musikers zu bestaunen, der sie überraschend genau auf einem einzigen Instrument wiedergibt.

Liszt war ein echter Star seiner Zeit; Hundert Jahre vor der Erfindung des Rock'n'Roll führte er ein Leben, das jedem Rockmusiker würdig war, einschließlich einiger weniger Liebesaffären. Auch die Entscheidung, die Priesterweihe anzunehmen, hinderte ihn nicht daran, eine Affäre zu beginnen.

Liszt machte auch Aufführungen mit Klavier und Orchester populär, ein Genre, das bis heute andauert. Er genoss es, die bewundernden Blicke der Fans zu erhaschen und den begeisterten Schreien des Publikums zu lauschen, während seine Finger über die Tasten flogen. Also drehte er das Klavier so, dass das Publikum dem Spiel des Pianisten folgen konnte. Davor saßen sie mit dem Rücken zum Publikum.

Die breite Öffentlichkeit weiß es George Bizet als Schöpfer der Oper Carmen aber die am Ende unseres Buches veröffentlichte Liste enthielt ein weiteres seiner Werke, Au Fond du Temple Saint(auch bekannt als Duett von Nadir und Zurgi) aus der Oper Perlensucher. Seit wir 1996 damit begannen, die Liste der beliebtesten Songs unter Classic FM-Hörern zusammenzustellen, war es stets an der Spitze der Charts.

Bizet ist ein weiteres Wunderkind, das seine Außergewöhnlichkeit unter Beweis gestellt hat musikalische Fähigkeit schon in der Kindheit. Seine erste Sinfonie schrieb er im Alter von siebzehn Jahren. Zugegeben, er starb auch früh im Alter von 36 Jahren und fügte der Liste der zu früh verstorbenen Genies hinzu.

Trotz seines Talents erlangte Bizet zu Lebzeiten nie wirkliche Anerkennung. Oper Perlensucher wurde mit gemischtem Erfolg inszeniert, und die Uraufführung Carmen und endete völlig im Scheitern - das damalige modische Publikum akzeptierte es nicht. Beliebt bei Kritikern und wahren Musikkennern Carmen erst nach dem Tod des Komponisten erobert. Seitdem wurde es in allen führenden eingesetzt Opernhäuser Frieden.

Hier ist eine weitere äußerst vage Definition. Nicht nur alle Komponisten der Romantik, sondern teilweise auch viele Vertreter des Barock und der Klassik können zu Recht als „Nationalisten“ bezeichnet werden.

Dennoch werden wir in diesem Abschnitt vierzehn führende Komponisten der Romantik auflisten, deren Werke in einem solchen Stil geschrieben sind, dass selbst mit klassischer Musik nicht sehr vertraute Zuhörer erkennen können, woher dieser oder jener Meister kommt.

Manchmal werden diese Komponisten der einen oder anderen nationalen Musikschule zugeordnet, obwohl dieser Ansatz nicht ganz richtig ist.

Wenn das Wort „Schule“ verwendet wird, wird normalerweise ein Klassenzimmer vorgestellt, in dem Kinder unter Anleitung eines Lehrers dieselbe Aufgabe ausführen.

Wenn wir über Komponisten sprechen, waren sie durch eine gemeinsame Richtung vereint, und sie gingen jeder ihren eigenen Weg und versuchten, ihre eigenen, einzigartigen musikalischen Ausdrucksmittel zu finden.

Wenn die russische klassische Musik einen Gründervater hat, dann ist es ohne Zweifel Michail Iwanowitsch Glinka. Nationalistische Musiker zeichnen sich gerade dadurch aus, dass sie Volksmelodien in ihren Werken verwenden. Glinka wurde von seiner Großmutter in russische Lieder eingeführt.

Im Gegensatz zu vielen anderen talentierten Komponisten, die so oft auf den Seiten unseres Buches erwähnt werden, begann Glinka relativ spät, sich ernsthaft mit Musik zu beschäftigen – in seinen frühen Zwanzigern. Zunächst war er Beamter im Eisenbahnministerium.

Als Glinka beschloss, seine Karriere zu ändern, ging er nach Italien, wo er als Pianist auftrat. Dort entwickelte er eine tiefe Liebe zur Oper. Nach Hause zurückgekehrt, komponierte er seine erste Oper Leben für den König. Die Öffentlichkeit erkannte ihn sofort als den besten zeitgenössischen Komponisten Russlands an. Seine zweite Oper Ruslan und Ludmila, war nicht so erfolgreich, obwohl es den Test der Zeit besser bestanden hat.

Alexander Porfirjewitsch Borodin gehört zu den Komponisten, die neben der Musik aktiv an anderen Aktivitäten beteiligt waren. Borodin begann seine Karriere als Wissenschaftler - Chemiker. Seine erste Komposition hieß „On the action of ethyl iodide on hydrobenzamide and amarin“, und Sie werden es natürlich nie auf Classic FM hören, da es so ist wissenschaftliche Arbeit das hat nichts mit musik zu tun.

Borodin war der uneheliche Sohn eines georgischen Prinzen; Seine Liebe zur Musik und sein Interesse an Kunst im Allgemeinen hat er von seiner Mutter übernommen und ein Leben lang behalten.

Aufgrund ständiger Beschäftigung gelang es ihm, nur etwa zwanzig Werke zu veröffentlichen, darunter Symphonien, Lieder und Kammermusik.

Zusammen mit Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cui Und Modest Mussorgsky Borodin war Mitglied der Musikgemeinschaft Mighty Handful. Der Erfolg all dieser Komponisten ist insofern noch bemerkenswerter, als sie alle andere Beschäftigungen als die Musik hatten.

Darin unterscheiden sie sich deutlich von den meisten anderen in diesem Buch erwähnten Komponisten.

Das beliebteste Werk von Borodin - Polovtsian Tänze aus seiner Oper Prinz Igor. Es sollte erwähnt werden, dass er selbst es nie fertiggestellt hat (obwohl er siebzehn Jahre daran gearbeitet hat). Die Oper wurde von seinem Freund Rimsky-Korsakov fertiggestellt, über den wir später ausführlicher sprechen werden.

Unserer Meinung nach Modest Petrowitsch Mussorgsky war der einfallsreichste und einflussreichste der Komponisten der "Mighty Handful", obwohl er als ungewöhnlicher Mensch dem einen oder anderen Laster nicht entging, das vielen Vertretern kreativer Berufe innewohnt.

Nachdem er die Armee verlassen hatte, bekam Mussorgsky eine Stelle im öffentlichen Dienst. In seiner Jugend ging er gerne spazieren, zeichnete sich durch Beeindruckbarkeit aus und litt gegen Ende seines Lebens an Alkoholismus. Aus diesem Grund wird er oft mit zerzaustem Haar und einer unnatürlich roten Nase dargestellt.

Mussorgsky beendete seine Werke oft nicht, und seine Freunde taten es für ihn – manchmal nicht so, wie er es beabsichtigt hatte, sodass wir uns jetzt nicht sicher sind, was die ursprüngliche Absicht des Autors war. Orchestrierung der Oper Boris Godunow Remake Rimsky-Korsakov, sowie das berühmte " musikalisches Bild» Nacht auf dem kahlen Berg(verwendet im Disney-Film Fantasie). Orchestrierung zu Bilder von der Ausstellung schrieb Maurice Ravel, und in dieser Version sind sie in unserer Zeit bekannt.

Obwohl Mussorgsky aus einer wohlhabenden Familie stammte und großes Talent als Pianist und Komponist hatte, starb er im Alter von nur zweiundvierzig Jahren an Alkoholismus.

Eltern Nikolai Rimski-Korsakow träumten davon, dass ihr Sohn in der Marine diente, und er erfüllte ihre Erwartungen. Aber nachdem ich mehrere Jahre in der Marine gedient und eine Reihe von gemacht hatte Seereisen, wurde er Komponist und Musiklehrer, was seine Familie zweifellos überraschte. Um die Wahrheit zu sagen, Rimsky-Korsakov interessierte sich immer für Musik und begann sogar zu komponieren Sinfonie Nr. 1, als sein Schiff im Industriegebiet von Gravesend an der Themsemündung vor Anker lag. Dies ist wahrscheinlich einer der am wenigsten romantischen Orte, um die in diesem Buch erwähnte Musik zu komponieren.

Neben der Tatsache, dass Rimsky-Korsakov einige von Mussorgskys Kompositionen vervollständigte und überarbeitete, schuf er selbst fünfzehn Opern zu Themen aus dem russischen Leben, obwohl in seinen Werken auch der Einfluss exotischer Länder zu spüren ist. Zum Beispiel, Scheherazade basierend auf der Geschichte aus Tausend und einer Nacht.

Rimsky-Korsakov verstand es besonders gut, die Klangschönheit des gesamten Orchesters zu zeigen. Dem widmete er in seiner Lehrtätigkeit große Aufmerksamkeit und beeinflusste damit viele russische Komponisten, die nach ihm wirkten, insbesondere Strawinsky.

Peter Iljitsch Tschaikowsky verarbeitete in seinen Kompositionen auch russische Volksmelodien, verarbeitete sie aber, anders als andere russische Nationalkomponisten, auf seine eigene Art und Weise als musikalisches Erbe ganz Europas.

Tschaikowskys Privatleben, das in verschiedene Geheimnisse gehüllt war (es gab weit verbreitete Gerüchte über seine homosexuellen Neigungen), war nicht einfach. Er selbst sagte einmal:

„Ohne die Musik wäre es wirklich etwas zum Verrücktwerden!“

Als Kind war er leicht zu beeindrucken und als Erwachsener neigte er zu Anfällen von Melancholie und sogar Depressionen. Mehr als einmal hatte er Selbstmordgedanken. In seiner Jugend studierte er Jura und arbeitete kurzzeitig im Justizministerium, verließ den Dienst aber bald, um sich ganz der Musik zu widmen. Im Alter von siebenunddreißig Jahren heiratete er unerwartet, aber seine Ehe wurde zu einer wahren Qual für ihn und seine Frau. Am Ende landete seine Frau in einer psychiatrischen Klinik, wo sie starb. Auch Tschaikowsky selbst litt lange unter einer Trennung, die nur zwei Monate nach der Hochzeit stattfand.

Die frühen Werke von Tschaikowsky wurden von der breiten Öffentlichkeit nicht anerkannt, was ihm viel Leid zufügte. Seltsamerweise viele dieser Werke, darunter Konzert für Violine und Orchester Und Klavierkonzert Nr. 1, in sind derzeit sehr beliebt. Aufzeichnung Klavierkonzert Nr. 1überhaupt die erste Aufnahme klassischer Musik, die den Status einer "Goldenen Schallplatte" für den Verkauf von einer Million Exemplaren erhielt.

Tschaikowsky schrieb zehn Opern, darunter Eugen Onegin, und Musik für Ballette wie z Nussknacker, Dornröschen Und Schwanensee. Beim Hören dieser Musik wird einem sofort die ganze Größe von Tschaikowskys Talent bewusst, der in der Lage war, eine äußerst harmonische und aufregende Melodie zu erschaffen. Seine Ballette werden immer noch oft auf Weltbühnen aufgeführt und erregen die unveränderliche Bewunderung des Publikums. Aus dem gleichen Grund sind musikalische Phrasen aus seinen Symphonien und Konzerten auch denen bekannt, die mit klassischer Musik nicht vertraut sind.

Jahrelang genoss Tschaikowsky die Gunst einer wohlhabenden Witwe namens Nadezhda von Meck, die ihm große Geldsummen schickte, unter der Bedingung, dass sie sich nie persönlich treffen. Es ist möglich, dass sie sich bei einem persönlichen Treffen nicht wiedererkennen würden.

Die Todesumstände des Komponisten sind noch immer nicht ganz geklärt. Laut offizieller Schlussfolgerung starb Tschaikowsky an Cholera: Er trank virusverseuchtes Wasser. Aber es gibt eine Version, nach der er selbst Selbstmord begangen hat, weil er befürchtete, dass seine homosexuellen Beziehungen öffentlich gemacht würden.

Wenn Glinka als Vater der russischen klassischen Musik gilt, dann spielt er dieselbe Rolle in der tschechischen klassischen Musik Bedrich Smetana.

Smetana war schon immer von Tschechisch inspiriert Volkskultur und Natur Heimatland. Dies ist besonders in seinem Zyklus sinfonischer Dichtungen zu spüren. Mein Mutterland, für dessen Schreiben Smetana acht Jahre brauchte.

Derzeit ist das beliebteste Werk dieses Zyklus Moldau, einem der größten tschechischen Flüsse gewidmet, die durch Prag fließen.

Gegen Ende seines Lebens erkrankte Bedřich Smetana schwer (vermutlich an Syphilis), wurde taub und verlor den Verstand. Er starb im Alter von sechzig Jahren.

Seine Musik beeinflusste den nächsten Komponisten auf unserer Liste, Antonín Dvořák, dessen Kompositionen weit über die Tschechische Republik hinaus bekannt sind.

Antonin Dworak war ein echter tschechischer Nationalheld, der seine Heimat leidenschaftlich liebte. Seine Landsleute erwiderten und verehrten ihn.

Die Werke von Dvorak wurden von Brahms (auf den wir später noch eingehen werden) weithin gefördert. Allmählich wurde der Name Dvorak auf der ganzen Welt anerkannt. So gewann er beispielsweise Fans in England, wo er auf Einladung der Royal Philharmonic Society auftrat, sowie bei Festivals in Birmingham und Leeds.

Danach entschloss sich Dvorak, in die Vereinigten Staaten zu gehen, wo ihm in den 1890er Jahren die Stelle des Dirigenten des National Conservatory in New York angeboten wurde, die er drei Jahre lang innehatte. Dvorak vermisste seine Heimat sehr, hörte aber nicht auf, sich für lokale Musik zu interessieren. Ihre Eindrücke spiegeln sich in seinen wider Sinfonien Nr. 9, genannt Aus der Neuen Welt.

Schließlich beschloss Dvorak, nach Hause zurückzukehren und verbrachte die letzten Jahre seines Lebens in Prag, wo er unterrichtete.

Neben der Musik interessierte sich Dvorak für Züge und Schiffe, und diese Leidenschaft trug offenbar dazu bei, dass er einem Besuch in den Vereinigten Staaten zustimmte, obwohl auch das hohe Honorar, das ihm angeboten wurde, eine entscheidende Rolle spielen könnte.

d Zu den Vertretern der nationalen tschechischen Musikschule gehören auch Josef Suk, Leos Janacek Und Boguslaw Martin.

norwegisch Edvard Grieg gehört zum Kreis der Komponisten, die ihre Heimat leidenschaftlich liebten. Und das Mutterland antwortete ihm im Gegenzug. In Norwegen sind seine Kompositionen immer noch sehr beliebt. Doch es hätte alles anders kommen können, denn eigentlich war die Familie Grieg schottischer Herkunft – sein Ururgroßvater wanderte nach der Niederlage im Kampf gegen die Briten bei Culloden nach Skandinavien aus.

Am besten stellte Grieg Werke kleiner Genres heraus, wie z Lyrik spielt für Klavier. Aber sein berühmtestes Konzert ist Klavierkonzert, mit einer beeindruckenden Einleitung, in der die Klänge des Klaviers unter dem Paukentremolo zu regnen scheinen.

d Vertreter der Skandinavischen Nationalen Musikschule gehören ebenfalls dazu Karl Nielsen Und Johann Svendsen.

Trotz der Tatsache, dass in XIX Jahrhundert auch in Spanien klassische Musik schrieb, lebten nicht so viele Komponisten, die Weltruhm erlangten. Eine der Ausnahmen ist Isaac Albéniz, in seiner Jugend zeichnete er sich nicht durch einen gefälligen Charakter aus.

Man sagt, Albeniz habe im Alter von einem Jahr Klavier spielen gelernt. Drei Jahre später trat er öffentlich auf und im Alter von acht Jahren begann er zu touren. Mit fünfzehn Jahren gelang es ihm, Argentinien, Kuba, die USA und England zu besuchen.

Albeniz war besonders erfolgreich in der Improvisation: Er konnte spontan eine Art Melodie erfinden und sie sofort in mehreren Versionen schlagen. Er demonstrierte auch die Wunder der Beherrschung des Instruments – er spielte mit dem Rücken zu ihm stehend. Um das Ganze abzurunden, verkleidete er sich jedes Mal als Musketier, was das Spektakel seiner Auftritte noch verstärkte.

Im Erwachsenenalter beruhigte er sich etwas und verblüffte das Publikum nicht mehr mit seinem unverschämten Verhalten, sondern mit seinen Kompositionen. Berühmt ist er vor allem für seinen Zyklus von Klavierstücken. Iberia. Dank seines Erfolgs hat dieser Komponist Spanien aus dem Schatten geholt und die Aufmerksamkeit der Weltmusikszene auf sich gezogen.

d Albéniz hatte einen großen Einfluss auf viele andere Komponisten der spanischen Nationalschule, darunter Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla Und Heitora-Villa - Lobosa(der Brasilianer war).

Arthur Sullivan heute bekannt. Aber die Geschichte behandelte ihn nicht fair, denn heute erinnert man sich bei weitem nicht an die besten seiner Werke. In den 1870er Jahren begann er mit dem Dichter und Librettisten W. S. Gilbert zusammenzuarbeiten. Zusammen schrieben sie mehrere komische Operetten: Prozess vor der Jury, Pirates of Penzance, Her Majesty's Fregate Pinafore, Prinzessin Ida, The Mikado, Yeoman the Guard und andere.

Trotz des großen Erfolgs ihrer gemeinsamen Arbeit kamen die beiden Autoren nicht sehr gut miteinander aus und beendeten schließlich nach heftigen Auseinandersetzungen die Kommunikation ganz. Diese Streitigkeiten waren jedoch leer.

So betraf eine davon zum Beispiel einen neuen Teppich im Londoner Savoy Theatre, wo normalerweise ihre Operetten aufgeführt wurden.

Sullivan träumte davon, als ernsthafter Komponist berühmt zu werden, aber seine Werke, die nicht zum Genre der Operette gehören, sind inzwischen in Vergessenheit geraten.

Allerdings schrieb er eine Oper Ivanhoe ziemlich interessant Sinfonie in e-Moll und Hymne "Vorwärts, Christi Heer!"- sein vielleicht am häufigsten aufgeführtes Werk.

d Vertreter der English National School of Music gehören ebenfalls dazu Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanford Und Georg Butterworth.

Das französische Analogon der Operetten von Gilbert und Sullivan kann als Werk bezeichnet werden Jaques Offenbach, ein Mann, der definitiv Sinn für Humor hatte. Er wurde in Köln geboren und signierte daher manchmal als „O. aus Köln“ („O. de Cologne“ klingt wie „Köln“).

1858 verblüffte Offenbach die Pariser Cancan aus einer Operette Orpheus in der Hölle; einem feinen Publikum erschienen solche Volkstänze wild und obszön, die Operette selbst galt jedoch als skandalös.

Übrigens, wenn Ihnen dieser Name bekannt vorkommt, sollten Sie sich daran erinnern, dass Peri, Monteverdi und Gluck in früheren Jahrhunderten Musik für den Mythos von Orpheus geschrieben haben. Offenbachs Version war satirisch, zur Unterhaltung gedacht und enthielt daher sehr frivole Szenen. Doch trotz des ersten Eindrucks verliebte sich das Publikum schließlich in die Operette, sodass Offenbach selbst kaum Grund hatte, das Geschriebene zu bereuen.

Ernste Oper ist unter seinen anderen Werken bekannt. Geschichten von Hoffmann in dem es klingt Barcarolle.

Leo Delibes war kein weniger einflussreicher Komponist als Offenbach, obwohl heute meist nur eine seiner Opern in Erinnerung bleibt - Lakme, in dem die berühmte Blumen-Duo, Wird in zahlreichen Fernsehbildschirmschonern und Werbespots verwendet.

Zu den Bekannten von Delibes gehörten so große Musiker wie Berlioz und Bizet, mit denen er als Chorleiter des Lyric Theatre in Paris zusammenarbeitete.

d Vertreter der französischen nationalen Musikschule gehören ebenfalls dazu Alexis – Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante – Lub Und Jules Massenet, Oper Thais die, einschließlich des Intermezzos Reflexionen (Meditation), beliebt bei vielen zeitgenössischen Geigern.

Unsere letzten beiden nationalen Komponisten – Romantik – sind Vater und Sohn, obwohl der Altersunterschied zwischen ihnen (einundzwanzig Jahre) für die Geschichte nicht so groß ist. Johann Strauss sen gilt als „Vater des Walzers“. Er war ein ausgezeichneter Geiger und leitete ein Orchester, das in ganz Europa auftrat und dafür solides Geld erhielt.

Dennoch gehört der Titel „König des Walzers“ zu Recht seinem Sohn, der ebenfalls Johann Strauss hieß. Sein Vater wollte nicht, dass er Geiger wurde, aber der jüngere Johann widmete sein Leben trotzdem der Musik und organisierte sein eigenes Orchester, das dem seines Vaters Konkurrenz machte. Bei jüngerer Strauss hatte einen guten Geschäftssinn, dank dem er seine finanzielle Position stärken konnte.

Gesamt Johann Strauss - Sohn schrieb einhundertachtundsechzig Walzer, darunter die beliebtesten von ihnen - An der schönen blauen Donau. Am Ende wurden bis zu sechs Orchester nach Strauss benannt, von denen eines von Johanns Bruder, dem jüngeren Joseph, und das andere von seinem anderen Bruder Eduard geleitet wurde (jeweils etwa dreihundert Kompositionen komponiert).

Johanns Walzer und Polkas waren echte Hits in den Wiener Kaffeehäusern, und sein leichter und frecher Stil wurde zum Standard der Tanzmusik in ganz Europa.

Manche Klassik-Liebhaber halten die Kompositionen von Strauss noch immer für zu vulgär und frivol. Glauben Sie ihnen nicht und erliegen Sie nicht ihren Provokationen! Diese Familie konnte direkt nach dem ersten Hören wahrhaft großartige Werke schreiben, erhebend und lange einprägsam.

Viele der Komponisten dieser Zeit schrieben bis weit ins 20. Jahrhundert hinein Musik. Wir sprechen jedoch hier und nicht im nächsten Kapitel über sie, weil gerade der Geist der Romantik in ihrer Musik stark war.

Es sei darauf hingewiesen, dass einige von ihnen enge Verbindungen und sogar Freundschaften zu den in den Unterabschnitten „Frühromantiker“ und „Nationalisten“ erwähnten Komponisten pflegten.

Außerdem ist zu bedenken, dass in dieser Zeit so viele hervorragende Komponisten in verschiedenen europäischen Ländern gewirkt haben, dass eine Einteilung nach irgendeinem Prinzip völlig willkürlich wäre. Wenn in verschiedenen Literaturen, die sich der Klassik und dem Barock widmen, ungefähr der gleiche Zeitrahmen erwähnt wird, dann wird die Romantik überall anders definiert. Es scheint, dass die Grenze zwischen dem Ende der Romantik und dem Beginn des 20. Jahrhunderts in der Musik sehr fließend ist.

Der führende Komponist des Italiens des 19. Jahrhunderts war zweifellos Giuseppe Verdi. Dieser Mann mit dickem Schnurrbart und Augenbrauen, der uns mit leuchtenden Augen ansah, stand allen anderen Opernkomponisten weit voraus.

Alle Kompositionen von Verdi sind buchstäblich überfüllt mit hellen, einprägsamen Melodien. Insgesamt schrieb er 26 Opern, von denen die meisten bis heute regelmäßig aufgeführt werden. Darunter sind die berühmtesten und herausragendsten Werke der Opernkunst aller Zeiten.

Verdis Musik wurde schon zu Lebzeiten des Komponisten hoch geschätzt. bei der Uraufführung Hades Das Publikum spendete so lange Standing Ovations, dass sich die Künstler bis zu 32 Mal verbeugen mussten.

Verdi war ein reicher Mann, aber Geld konnte die beiden Ehefrauen und zwei Kinder des Komponisten nicht vor dem frühen Tod retten, daher gab es tragische Momente in seinem Leben. Er vermachte sein Vermögen einem unter seiner Leitung errichteten Heim für alte Musiker in Mailand. Verdi selbst betrachtete die Schaffung eines Schutzraums und nicht der Musik als seine größte Leistung.

Obwohl der Name Verdi in erster Linie mit Opern verbunden ist, ist es unmöglich, ihn nicht zu erwähnen Requiem, die als eines der besten Beispiele für Chormusik gilt. Es ist voller Dramatik, und einige Züge der Oper schlüpfen hindurch.

Unser nächster Komponist ist keineswegs der charmanteste Mensch. Im Allgemeinen ist dies die skandalöseste und umstrittenste Figur aller in unserem Buch erwähnten. Wenn wir eine Liste erstellen würden, die nur auf Persönlichkeitsmerkmalen basiert, dann Richard Wagner würde es nie treffen. Allerdings orientieren wir uns ausschließlich an musikalischen Kriterien, und die Geschichte der klassischen Musik ist ohne diesen Mann nicht denkbar.

Wagners Talent ist unbestreitbar. Aus - unter seiner Feder kamen einige der bedeutendsten und beeindruckendsten Musikalische Kompositionen für die gesamte Romantik - insbesondere für die Oper. Gleichzeitig wird er als Antisemit, Rassist, Bürokratie, letzter Betrüger und sogar als Dieb bezeichnet, der nicht zögert, sich alles zu nehmen, was er braucht, und als unhöflicher Mensch ohne Reue. Wagner hatte ein übertriebenes Selbstwertgefühl, und er glaubte, dass sein Genie ihn über alle anderen Menschen erhebt.

Wagner ist für seine Opern bekannt. Dieser Komponist brachte die deutsche Oper auf eine ganz neue Ebene, und obwohl er zur gleichen Zeit wie Verdi geboren wurde, unterschied sich seine Musik stark von den italienischen Kompositionen dieser Zeit.

Eine von Wagners Neuerungen war, dass jeder Hauptfigur eine eigene gegeben wurde musikalisches Thema, die jedes Mal wiederholt wurde, wenn er begann, eine bedeutende Rolle auf der Bühne zu spielen.

Heute scheint es selbstverständlich, aber damals machte diese Idee eine echte Revolution.

Wagners größte Leistung war der Zyklus Ring des Nibelungen, bestehend aus vier Opern: Rheingold, Walküre, Siegfried Und Tod der Götter. Sie finden in der Regel vier Nächte hintereinander statt und dauern insgesamt etwa fünfzehn Stunden. Diese Opern allein würden ausreichen, um ihren Komponisten zu verherrlichen. Bei aller Zweideutigkeit der Person Wagner sollte man anerkennen, dass er ein herausragender Komponist war.

Eine Besonderheit von Wagners Opern ist ihre Dauer. Seine letzte Oper parzival dauert über vier Stunden.

Der Dirigent David Randolph sagte einmal über sie:

„Das ist die Art von Oper, die um sechs beginnt, und wenn Sie nach drei Stunden auf Ihre Armbanduhr schauen, stellt sich heraus, dass sie 6:20 anzeigt.“

Leben Anton Brückner Als Komponist ist dies eine Lektion, wie man nicht aufgibt und auf sich selbst besteht. Er übte zwölf Stunden am Tag, widmete seine ganze Zeit der Arbeit (er war Organist) und lernte selbst viel in der Musik, wobei er in einem ziemlich reifen Alter - mit siebenunddreißig - die Beherrschung der Schreibfähigkeiten durch Korrespondenz vollendete.

Heute sind vor allem Bruckners Symphonien in Erinnerung geblieben, von denen er insgesamt neun Stücke geschrieben hat. Zeitweilig wurde er von Zweifeln an seiner musikalischen Eignung gepackt, doch Anerkennung erlangte er, wenn auch gegen Ende seines Lebens. Nachdem Sie es ausgeführt haben Sinfonien Nr. 1 Kritiker lobten schließlich den Komponisten, der zu diesem Zeitpunkt bereits 44 Jahre alt war.

Johannes Brahms nicht einer jener Komponisten, die sozusagen mit einem silbernen Stab in der Hand geboren wurden. Zum Zeitpunkt seiner Geburt hatte die Familie ihren früheren Reichtum verloren und kam kaum über die Runden. Als Teenager verdiente er seinen Lebensunterhalt damit, in den Bordellen seiner Heimatstadt Hamburg zu spielen. Als Brahms erwachsen wurde, lernte er zweifellos weit entfernt von den attraktivsten Seiten des Lebens kennen.

Brahms' Musik wurde von seinem Freund Robert Schumann gefördert. Nach Schumanns Tod kam Brahms Clara Schumann nahe und verliebte sich schließlich sogar in sie. Es ist nicht genau bekannt, welche Art von Beziehung sie hatten, obwohl das Gefühl für sie wahrscheinlich eine gewisse Rolle in seinen Beziehungen zu anderen Frauen gespielt hat - er hat keiner von ihnen sein Herz geschenkt.

Als Mensch war Brahms eher hemmungslos und reizbar, aber seine Freunde behaupteten, dass in ihm Weichheit sei, obwohl er es seinen Mitmenschen nicht immer zeigte. Eines Tages, als er von einer Party nach Hause kam, sagte er:

„Wenn ich niemanden beleidigt habe, dann bitte ich ihn um Verzeihung.“

Brahms hätte den Wettbewerb um den modischsten und elegantesten Komponisten nicht gewonnen. Er kaufte furchtbar ungern neue Kleider und trug oft die gleichen weiten, geflickten Hosen, fast immer zu kurz für ihn. Bei einer Aufführung wäre ihm fast die Hose heruntergefallen. Bei einer anderen Gelegenheit musste er seine Krawatte abnehmen und sie anstelle eines Gürtels verwenden.

Brahms' Musikstil wurde stark von Haydn, Mozart und Beethoven beeinflusst, und einige Musikhistoriker behaupten sogar, er habe im Geiste der damals schon aus der Mode gekommenen Klassik geschrieben. Gleichzeitig besitzt er auch mehrere neue Ideen. Besonders erfolgreich war er darin, kleine Musikstücke zu entwickeln und sie durch das Werk hindurch zu wiederholen – was Komponisten ein „sich wiederholendes Motiv“ nennen.

Opern schrieb Brahms nicht, aber er versuchte sich in fast allen anderen Genres der klassischen Musik. Daher kann er als einer der größten Komponisten bezeichnet werden, die in unserem Buch erwähnt werden, ein wahrer Gigant der klassischen Musik. Er selbst sagte über seine Arbeit:

"Es ist nicht schwer zu komponieren, aber es ist überraschend schwierig, zusätzliche Noten unter den Tisch zu werfen."

Max Bruch wurde nur fünf Jahre nach Brahms geboren, und dieser hätte ihn sicher in den Schatten gestellt, wäre da nicht ein Werk gewesen, Violinkonzert Nr. 1.

Bruch selbst hat diese Tatsache anerkannt und mit einer für viele Komponisten ungewöhnlichen Bescheidenheit festgestellt:

„In fünfzig Jahren wird Brahms als einer der größten Komponisten aller Zeiten bezeichnet werden, und ich werde für das Schreiben des Violinkonzerts in g-Moll in Erinnerung bleiben.“

Und er sollte Recht behalten. Es stimmt, der Brujah selbst hat etwas, an das er sich erinnern muss! Er hat viele andere Werke komponiert – insgesamt etwa zweihundert – er hat besonders viele Werke für Chor und Oper, die heutzutage selten aufgeführt werden. Seine Musik ist melodisch, aber er hat nichts besonders Neues zu ihrer Entwicklung beigetragen. Vor seinem Hintergrund scheinen viele andere Komponisten dieser Zeit echte Innovatoren zu sein.

1880 wurde Bruch zum Dirigenten der Liverpool Royal Philharmonic Society ernannt, kehrte aber drei Jahre später nach Berlin zurück. Die Musiker des Orchesters waren nicht glücklich mit ihm.

Auf den Seiten unseres Buches sind wir schon vielen musikalischen Wunderkindern begegnet Camille Saint-Sans nimmt nicht die meisten unter ihnen ein letzter Platz. Bereits im Alter von zwei Jahren lernte Saint-Saens Melodien am Klavier und lernte gleichzeitig Notenlesen und -schreiben. Im Alter von drei Jahren spielte er Theaterstücke eigene Komposition. Im Alter von zehn Jahren spielte er Mozart und Beethoven perfekt. Er interessierte sich jedoch ernsthaft für Entomologie (Schmetterlinge und Insekten) und später für andere Wissenschaften, einschließlich Geologie, Astronomie und Philosophie. Es schien, dass sich ein so talentiertes Kind einfach nicht auf eine Sache beschränken konnte.

Nach seinem Abschluss am Pariser Konservatorium arbeitete Saint-Saens viele Jahre als Organist. Mit zunehmendem Alter begann er zu beeinflussen Musikalisches Leben Frankreich, und es war ihm zu verdanken, dass die Musik von Komponisten wie J. S. Bach, Mozart, Händel und Gluck häufiger aufgeführt wurde.

Am meisten berühmter Aufsatz Heiliger - Sansa - Tierkarneval, die der Komponist zu Lebzeiten aufzuführen untersagte. Er war besorgt darüber, wie Musikkritiker, nachdem er dieses Werk gehört hatte, hielt es nicht für zu leichtfertig. Immerhin ist es lustig, wenn das Orchester auf der Bühne einen Löwen, Hühner mit Hahn, Schildkröten, einen Elefanten, ein Känguru, ein Aquarium mit Fischen, Vögeln, einem Esel und einem Schwan darstellt.

Saint-Saens schrieb einige seiner anderen Kompositionen für nicht so häufige Kombinationen von Instrumenten, einschließlich der berühmten "Orgel" Symphonie Nr. 3, klang im Film "Babe".

Die Musik von Saint-Saens beeinflusste die Arbeit anderer Französische Komponisten, einschließlich Gabriel Faure. Dieser junge Mann übernahm die Stelle des Organisten an der Pariser Kirche St. Magdalene, die zuvor von Saint-Saens bekleidet wurde.

Und obwohl Faures Talent nicht mit dem Talent seines Lehrers verglichen werden kann, war er ein großartiger Pianist.

Fauré war ein armer Mann und arbeitete deshalb hart, spielte Orgel, leitete den Chor und gab Unterricht. Er schrieb ein Freizeit, die sehr wenige blieben, aber trotzdem gelang es ihm, mehr als zweihundertfünfzig seiner Werke zu veröffentlichen. Einige von ihnen wurden sehr lange komponiert: zum Beispiel work on Requiem dauerte über zwanzig Jahre.

1905 wurde Fauré Direktor des Pariser Konservatoriums, also der Mann, von dem die Entwicklung der französischen Musik jener Zeit maßgeblich abhing. Fünfzehn Jahre später ging Faure in den Ruhestand. Am Ende seines Lebens litt er unter Hörverlust.

Heute wird Faure außerhalb Frankreichs respektiert, obwohl er dort am meisten geschätzt wird.

Für Fans englischer Musik ist das Erscheinen einer solchen Figur wie Eduard Elgar, es muss wie ein echtes Wunder erschienen sein. Viele Musikhistoriker nennen ihn den ersten bedeutenden englischen Komponisten nach Henry Purcell, der in der Barockzeit wirkte, obwohl wir Arthur Sullivan etwas früher erwähnt haben.

Elgar liebte England sehr, besonders seine Heimatstadt Worcestershire, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte und Inspiration in den Feldern der Malvern Hills fand.

Als Kind war er überall von Musik umgeben: Sein Vater besaß ein lokales Musikgeschäft und brachte dem kleinen Elgar bei, verschiedene zu spielen Musikinstrumente. Bereits im Alter von zwölf Jahren ersetzte der Junge den Organisten bei Gottesdiensten.

Nachdem er in einer Anwaltskanzlei gearbeitet hatte, beschloss Elgar, sich einem finanziell weniger abgesicherten Beruf zu widmen. Einige Zeit arbeitete er halbtags, gab Geigen- und Klavierunterricht, spielte in örtlichen Orchestern und dirigierte sogar ein wenig.

Allmählich wuchs Elgars Ruhm als Komponist, obwohl er sich schwer tun musste, seinen Weg außerhalb seines Heimatlandes zu finden. Der Ruhm brachte ihn Variationen über ein originelles Thema, die heute besser bekannt sind als Enigma-Variationen.

Jetzt wird Elgars Musik als sehr englisch empfunden und erklingt bei den größten Veranstaltungen des nationalen Maßstabs. Bei den ersten Tönen davon Cellokonzert die englische Landschaft taucht sofort auf. Nimrod aus Variationen oft bei offiziellen Zeremonien gespielt, und Feierlicher und zeremonieller Marsch Nr. 1, bekannt als Land der Hoffnung und des Ruhms trat bei Abschlussbällen in ganz Großbritannien auf.

Elgar war ein Familienmensch und liebte ein ruhiges, geordnetes Leben. Trotzdem hat er seine Spuren in der Geschichte hinterlassen. Dieser Komponist mit einem dicken, üppigen Schnurrbart ist auf der 20-Pfund-Banknote sofort zu erkennen. Offensichtlich stellten die Designer von Banknoten fest, dass solche Gesichtsbehaarung sehr schwer zu fälschen wäre.

In Italien wurde Giuseppe Verdis Nachfolger in der Opernkunst Giacomo Puccini, gilt als einer der anerkannten Weltmeister dieser Kunstform.

Die Familie Puccini ist seit langem verbunden Kirchenmusik aber als Giacomo zum ersten Mal Oper hörte Aida Verdi erkannte er, dass dies seine Berufung war.

Nach seinem Studium in Mailand komponiert Puccini eine Oper Manon Lesko, was ihm 1893 seinen ersten großen Erfolg einbrachte. Danach folgte eine erfolgreiche Produktion auf die andere: Böhmen 1896, Sehnsucht um 1900 u Frau Schmetterling im Jahr 1904.

Insgesamt komponierte Puccini zwölf Opern, von denen die letzte war Turandot. Er starb, ohne diese Komposition fertig zu stellen, und ein anderer Komponist vollendete das Werk. Bei der Premiere der Oper stoppte Dirigent Arturo Toscanini das Orchester genau dort, wo Puccini aufgehört hatte. Er wandte sich an das Publikum und sagte:

"Hier hat der Tod über die Kunst gesiegt."

Mit dem Tod Puccinis endete die Blütezeit der Opernkunst Italiens. In unserem Buch wird Italienisch nicht mehr erwähnt Opernkomponisten. Aber wer weiß, was die Zukunft für uns bereithält?

Im Leben Gustav Mahler Als Dirigent war er besser bekannt als als Komponist. Im Winter dirigierte er, im Sommer schrieb er in der Regel lieber.

Als Kind soll Mahler auf dem Dachboden des Hauses seiner Großmutter ein Klavier gefunden haben. Vier Jahre später, im Alter von zehn Jahren, gab er bereits seinen ersten Auftritt.

Mahler studierte am Wiener Konservatorium, wo er mit dem Komponieren begann. 1897 wurde er Direktor der Wiener Staatsoper und erlangte in den nächsten zehn Jahren auf diesem Gebiet beachtliche Berühmtheit.

Er selbst begann drei Opern zu schreiben, vollendete sie aber nie. In unserer Zeit ist er vor allem als Komponist von Symphonien bekannt. In diesem Genre besitzt er einen der echten "Hits" - Symphonie Nr. 8, an deren Aufführung mehr als tausend Musiker und Sänger beteiligt sind.

Nach Mahlers Tod kam seine Musik für 50 Jahre aus der Mode, gewann aber in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts vor allem in Großbritannien und den USA wieder an Popularität.

Richard Strauß wurde in Deutschland geboren und gehörte nicht der Wiener Strauss-Dynastie an. Obwohl dieser Komponist fast die gesamte erste Hälfte des 20. Jahrhunderts lebte, gilt er bis heute als Vertreter der deutschen Musikromantik.

Die weltweite Popularität von Richard Strauss litt etwas darunter, dass er sich entschied, nach 1939 in Deutschland zu bleiben, und ihm nach dem Zweiten Weltkrieg voll und ganz der Kollaboration mit den Nazis vorgeworfen wurde.

Strauss war ein ausgezeichneter Dirigent, dank dessen er perfekt verstand, wie dieses oder jenes Instrument im Orchester klingen sollte. Dieses Wissen wendete er oft in der Praxis an. Er gab auch anderen Komponisten verschiedene Ratschläge, wie zum Beispiel:

„Schau niemals Posaunen an, du ermutigst sie nur.“

„Schwitzen Sie nicht, während Sie auftreten; nur die Zuhörer sollen heiß werden.“

An Strauss erinnert man sich heute vor allem im Zusammenhang mit seiner Komposition Also sprach Zarathustra, das Intro, das Stanley Kubrick in seinem Film 2001: Odyssee im Weltraum verwendet hat. Aber er hat auch einige der besten deutschen Opern geschrieben, darunter - Rosenkavalier, Salome Und Ariadne auf Naxos. Ein Jahr vor seinem Tod komponierte er auch sehr schön Vier letzte Lieder für Stimme und Orchester. Eigentlich waren dies nicht die letzten Lieder von Strauss, aber sie wurden zu einer Art Finale seines Schaffens.

Bisher gab es unter den in diesem Buch erwähnten Komponisten nur einen Vertreter Skandinaviens - Edvard Grieg. Aber jetzt werden wir wieder in dieses raue und kalte Land transportiert - diesmal nach Finnland, wo Jean Sibelius, großes musikalisches Genie.

Die Musik von Sibelius nahm die Mythen und Legenden seiner Heimat auf. Sein größtes Werk Finnland, gilt als Verkörperung des Nationalgeistes der Finnen, ebenso wie in Großbritannien die Werke von Elgar als nationaler Schatz anerkannt sind. Außerdem war Sibelius, wie Mahler, ein wahrer Meister der Sinfonien.

Was die anderen Leidenschaften des Komponisten betrifft, so trank und rauchte er in seinem täglichen Leben übermäßig, so dass er im Alter von über vierzig Jahren an Kehlkopfkrebs erkrankte. Außerdem fehlte ihm oft das Geld, und der Staat gab ihm eine Rente, damit er weiter Musik schreiben konnte, ohne sich um sein finanzielles Wohlergehen sorgen zu müssen. Aber mehr als zwanzig Jahre vor seinem Tod hörte Sibelius überhaupt auf, irgendetwas zu komponieren. Er lebte den Rest seines Lebens in relativer Einsamkeit. Er war besonders hart gegenüber denen, die Geld für Rezensionen seiner Musik erhielten:

„Achten Sie nicht darauf, was die Kritiker sagen. Bisher hat noch kein einziger Kritiker eine Statue bekommen.“

Der letzte auf unserer Liste romantischer Komponisten lebte ebenfalls bis fast zur Mitte des 20. Jahrhunderts, obwohl er die meisten seiner berühmtesten Werke in den 1900er Jahren schrieb. Und doch zählt er zu den Romantikern, und es scheint uns, dass dies die meisten sind romantischer Komponist aus der ganzen Gruppe.

Sergej Wassiljewitsch Rahmaninow wurde in eine Adelsfamilie hineingeboren, die damals viel Geld ausgegeben hatte. Schon früh entwickelte er ein Interesse an Musik frühe Kindheit, und seine Eltern schickten ihn zum Studium, zuerst nach St. Petersburg und dann nach Moskau.

Rachmaninow war ein überraschend talentierter Pianist, und er entpuppte sich auch als wunderbarer Komponist.

Mine Klavierkonzert Nr. 1 er schrieb mit neunzehn. Auch für seine erste Oper fand er Zeit, Aleko.

Aber dieser große Musiker war in der Regel nicht besonders zufrieden mit dem Leben. Auf vielen Fotos sehen wir einen wütenden, die Stirn runzelnden Mann. Ein anderer russischer Komponist, Igor Strawinsky, bemerkte einmal:

„Die unsterbliche Essenz von Rachmaninoff war sein Stirnrunzeln. Er war 1,80 m groß und runzelte die Stirn … er war ein furchterregender Mann.“

Als der junge Rachmaninow für Tschaikowsky spielte, war er so begeistert, dass er eine Fünf mit vier Plus auf den Notenbogen setzte – die höchste Note in der Geschichte des Moskauer Konservatoriums. Bald sprach die ganze Stadt über das junge Talent.

Trotzdem blieb das Schicksal dem Musiker lange Zeit ungünstig.

Kritiker gingen sehr hart mit ihm um. Sinfonien Nr. 1, dessen Uraufführung mit einem Misserfolg endete. Dies bescherte Rachmaninov schwere emotionale Erfahrungen, er verlor den Glauben an seine eigene Kraft und konnte überhaupt nichts komponieren.

Nur die Hilfe des erfahrenen Psychiaters Nikolai Dahl ließ ihn schließlich aus der Krise herauskommen. Bis 1901 hatte Rachmaninoff das Klavierkonzert fertiggestellt, an dem er viele Jahre hart gearbeitet und Dr. Dahl gewidmet hatte. Diesmal begrüßte das Publikum das Werk des Komponisten mit Freude. Seitdem Klavierkonzert Nr. 2 wurde zum Liebling ein Klassiker durchgeführt von verschiedenen musikalische Gruppen weltweit.

Rachmaninow begann mit Tourneen durch Europa und die USA. Nach seiner Rückkehr nach Russland dirigierte und komponierte er.

Nach der Revolution von 1917 besuchten Rachmaninov und seine Familie Konzerte in Skandinavien. Er kehrte nie nach Hause zurück. Stattdessen zog er in die Schweiz, wo er ein Haus am Ufer des Vierwaldstättersees kaufte. Er liebte Gewässer schon immer, und jetzt, als er ein ziemlich reicher Mann wurde, konnte er es sich leisten, am Ufer zu entspannen und die sich öffnende Landschaft zu bewundern.

Rachmaninoff war ein ausgezeichneter Dirigent und gab denjenigen, die auf diesem Gebiet hervorragende Leistungen erbringen wollten, immer den folgenden Rat:

„Ein guter Dirigent muss ein guter Fahrer sein. Beide brauchen die gleichen Qualitäten: Konzentration, kontinuierliche intensive Aufmerksamkeit und Geistesgegenwart. Der Dirigent muss die Musik nur ein wenig kennen …“

1935 beschloss Rachmaninow, sich in den USA niederzulassen. Er lebte zunächst in New York und zog dann nach Los Angeles. Dort begann er für sich zu bauen neues Haus, völlig identisch mit dem, was er in Moskau hinterlassen hat.

Mit zunehmendem Alter dirigierte Rachmaninoff immer weniger und hörte fast vollständig auf, Musik zu komponieren. Als exzellenter Pianist erreichte er den Höhepunkt seines Ruhmes.

Trotz Heimweh mochte Rachmaninow die USA. Er war stolz auf seinen riesigen Cadillac und lud oft Gäste zu einer Autofahrt ein, nur um sein Auto zu zeigen.

Kurz vor seinem Tod erhielt Rachmaninow die US-Staatsbürgerschaft. In diesem Land wurde er begraben.

Wir haben in unserem Buch der Romantik viel mehr Aufmerksamkeit geschenkt als allen anderen Epochen der klassischen Musik.

In dieser Zeit sind in verschiedenen Ländern so viele interessante Dinge passiert, dass es einfach unmöglich ist, alles in einem kleinen Artikel zu erzählen. Die klassische Musik hat sich sehr verändert, ebenso wie ihr Sound, der dank großartig geworden ist Sinfonieorchester reichhaltiger und intensiver. Die Werke von Rachmaninoff sind in vielerlei Hinsicht das perfekte Beispiel für diesen Sound. Vergleichen wir es mit Beethoven, wird deutlich, wie grandios die Veränderungen waren.

Aber egal, wie bedeutend dieselben Veränderungen in der Welt der Musik während etwa achtzig Jahren der Romantik stattfanden, sie können nicht mit dem verglichen werden, was später geschah. Und in Zukunft wurde die Musik noch vielfältiger und ausgefallener – was unserer Meinung nach nicht immer zu ihren Gunsten ausging.