Der geniale Künstler A. Zverev und seine Gedichte

Wie viele Welten gibt es auf der Erde? So viele wie es Menschen gibt. Denn jeder erschafft sich seine eigene Welt. Wie kommt es dazu? Von Kindheit an fühlen wir uns unaufhaltsam zu Fantasie, Märchen hingezogen. Um dieses Leben in seiner Gesamtheit zu erfahren. Die Welt wirkt nicht nur langweilig, sondern körperlos. Und wenn wir uns erlauben zu erschaffen, erscheint eine neue Welt.

Was lehrt uns die Erfahrung des Künstlers? Zeichnen Sie zuerst, wenn Sie Lust zum Zeichnen haben! Wenn dies Ihre Art ist, auszudrücken, was Ihnen wichtig ist. Zweitens - stellen Sie Ihr Leben dar, erzählen Sie mit einer Linie, Farbe, erinnern Sie sich an die Details, versuchen Sie, das gesamte "Theater Ihrer Erinnerung" zu vermitteln. Drittens - wenn es kein Album und keine Pinsel gibt, nehmen Sie ein einfaches Notizbuch, einen Satz Kinderbleistifte, einen Kugelschreiber und schließlich - gehen Sie.

Unser Leben ist ein Kunstwerk. Auch wenn wir nicht schreiben oder zeichnen, erschaffen wir trotzdem.

Zurück im Buch

Wenn Sie verstehen, dass das Leben Kreativität ist, dass jeder Moment von der Energie der Schöpfung erleuchtet wird, dann wird die Erkenntnis davon zum Erwachen Ihres Talents und dann Ihres Genies führen. Wie einst in der Kindheit wird alles möglich sein - und malen, singen und tanzen, eine eigene Welt erschaffen, alles war damals möglich - sogar fliegen!

Dieses Berühren gutes Buch hilft, Ihr kreatives Ich zu finden und zu entwickeln. Daraus lernen Sie:

• wie man Kunstprojekte erstellt
• was ist eine schatzkiste
• über die Feinheiten des Karikaturzeichnens
• wie man drachen in einem gemälde hält
• Lettering- und Kalligrafie-Tipps
• warum ist das "schwarze quadrat" so teuer
• wer sind die dabloiden, die im rüssel eines elefanten leben und geheimes Leben Taucher
• Über das Malen mit Wind

…340 Seiten Inspiration, Metaphern, Geschichten, die Ihren inneren Künstler ansprechen.

Haben Sie keine Angst vor Ihrem Talent. Entdecken Sie Ihr einzigartiges „Ich“ und glauben Sie an sich! Eines schönen Tages werden Ihre Welten unabhängig werden und wie Regenbogenblasen über die Erde fliegen und beginnen, ihr eigenes Leben zu führen.

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Adolphe-William Bouguereau (Bouguereau)(1825-1905) - einer der talentiertesten Französische Künstler 19. Jahrhundert größter Vertreter Salonakademiker, der mehr als 800 Gemälde schrieb. Aber es geschah so, dass sein Name und genial künstlerisches Erbe wurden schärfster Kritik ausgesetzt und gerieten für fast ein Jahrhundert in Vergessenheit.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0002.jpg" alt=""Eine Frau aus Cervar und ihr Kind". Autor: William Bouguereau." title=""Frau aus Chervar und ihr Kind".

Die Begabung des zukünftigen Künstlers zeigte sich voll und ganz in Grundschule: Alle seine Notizbücher waren buchstäblich mit Zeichnungen und verschiedenen Skizzen bemalt. Aufgrund finanzieller Probleme in der Familie wurde der sehr junge William in die Obhut des 27-jährigen Onkels Yuzhen gegeben, der ihn einflößte junges Talent Interesse an Philosophie, Literatur, Mythologie und Religion.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0033.jpg" alt="Junger Johannes der Täufer. Autor: Adolf William Bouguereau." title="Der junge Johannes der Täufer.

Bald wurde der Traum wahr und William Bouguereau wurde einer der besten Schüler dieser Schule. In dem Bemühen, mehr über Sie zu erfahren zukünftiger Beruf, belegt er Kurse in Trachtengeschichte, studiert Archäologie und nimmt an anatomischen Autopsien teil.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0028.jpg" alt=""Italienischer Junge mit einem Stück Brot". Autor: William Bouguereau." title=""Italienischer Junge mit einem Stück Brot."

Und als der Maler nach Paris zurückkehrte, kannte seine Popularität keine Grenzen.
Bouguereau arbeitete unermüdlich an seinen Kreationen. Er kam frühmorgens in seine Werkstatt und verließ das Haus nach Mitternacht. Wie alle großen Künstler war er geprägt von ständiger Unzufriedenheit mit sich selbst und einem unbändigen Streben nach Perfektion. Zeitgenossen gaben ihm dafür den Spitznamen „Sisyphus des 19. Jahrhunderts“.

Und der talentierte Maler wurde mit Rembrandt verglichen. Sie sagten, dass "Rembrandt hat die Seele des Alters eingefangen, während Bouguereau die Seele der Jugend eingefangen hat." Perfekte Kenntnisse der Anatomie menschlicher Körper, sorgfältige Detaillierung, überraschend ausgewählte Farben - all dies machte die Leinwände von William Bouguereau ungewöhnlich realistisch.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0003.jpg" alt=""Jungfrau des Trostes". (1877). Autor: William Bouguereau." title=""Jungfrau des Trostes" (1877).

Und um den schmerzlichen Verlust irgendwie zu vergessen, widmete sich der Künstler ganz der Arbeit. Er malte Porträts und Gemälde zu historischen, mythologischen, biblischen und allegorischen Themen, bei denen Nacktheit vorherrschte. weibliche Körper und Müßiggang, der bei vielen für Unzufriedenheit sorgte.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0004.jpg" alt=""Oreads".

Aber Bouguereau schrieb weiterhin in seinem eigenen Stil, und als neue Modetrends und Trends schnell in die Kunst einströmten, akzeptierte er sie nicht und widersetzte sich ihnen mit all seiner Arbeit.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00113.jpg" alt="Elizabeth Gardner ist die zweite Frau des Künstlers. (1879). Autor: William Bouguereau." title="Elizabeth Gardner ist die zweite Frau des Künstlers. (1879).

Der Tod seines Sohnes lähmte die Gesundheit des Meisters vollständig. Und die depressive Stimmung, die angestaute Müdigkeit, die immense Alkohol- und Rauchsucht wirkten sich nachteilig auf sein Herz aus. Und im Alter von 79 Jahren starb der brillante Maler.

Vergessen und triumphale Rückkehr

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00115.jpg" alt=" Dante und Virgil in Hell. (1850). Autor: William Bouguereau." title="Dante und Virgil in der Hölle. (1850).

Fast ein Jahrhundert lang gerieten sein Name und sein künstlerisches Erbe in Vergessenheit, und nur in der kritischen Literatur fand man eine negative Erwähnung von William Bouguereau als Maler des Aktgenres. Seine Gemälde, die in die Lagerräume der Museen geschickt wurden, wurden all die Jahre feucht gehalten Keller und auf Dachböden.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0017.jpg" alt=""Schöne Bürde".

1984 mit Unterstützung des Montreal Museum Bildende Kunst in Paris wurde die erste retrospektive Ausstellung eines brillanten Malers organisiert.
Mit großer Mühe gelang es den Organisatoren, das Vermächtnis von William Bouguereau zu sammeln und in eine präsentable Form zu bringen. Viele Kreationen mussten restauriert werden, da fast ein Jahrhundert vergangen war und die Räumlichkeiten, in denen sie gelagert wurden, überhaupt nicht speziellen Lagereinrichtungen entsprachen.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219412167.jpg" alt=""Gebet".

Bei den ersten Auktionsverkäufen im Jahr 1977 überstiegen die Kosten für Gemälde von William Bouguereau nicht 10.000 Dollar, aber bereits 1999 nur eine Leinwand"Амур и Психея" было продано на аукционе Christie’s за 1,76 миллиона долларов. Ну а к 2005 году стоимость его работ превысила отметку в 23 миллиона долларов. Это было воистину триумфальным возвращением гениального художника.!}

Sie sagten, er habe die Rolle eines Stadtverrückten gespielt. Ich habe gespielt, um zu überleben und nicht unter die Repression zu fallen. Er verkaufte seine Werke zu Lebzeiten nicht, er schenkte sie Kindern und sagte, er schreibe für den zukünftigen Betrachter.

Der Künstler entwickelte seinen eigenen, originellen Malstil, der manchmal als "fantastischer Expressionismus" bezeichnet wird. Jetzt werden seine Bilder geschätzt - 15.000-26.000 Dollar.

Wie ein Fakir, ein Magier und ein Magier, konnte er aus gewöhnlichen Dingen leicht ein echtes Wunder schaffen. Seine Kulisse für Aufführungen im Theater. Abai in Alma-Ata verwandelte eine gewöhnliche lokale Aufführung in eine ungewöhnlich helle Show, und das Publikum freute sich immer auf das Erscheinen seiner neuen Werke. Sein ganzes Leben ist ein Theater, und der Künstler hat es großzügig mit allen ihm zur Verfügung stehenden Mitteln ausgestattet.

Ohne diese Person ist Alma-Ata in den 40-60er Jahren schwer vorstellbar. Er lief in seltsamen, lächerlichen Outfits durch die Stadt und war ein fester Bestandteil der Hauptstadt. genialer Künstler oder stadtverrückt? Der berühmte Alma-Ata-Bewohner Sergey Kalmykov war eine umstrittene und umstrittene Figur. Dennoch sind es seine Gemälde, die heute die Museen vieler Städte schmücken.

Sie gewöhnten sich an Kalmykov - an seine selbstgenähten Hosen mit bunten Hosen, an seine scharlachrote Baskenmütze, an seine fantastische Jacke mit daran gebundenen leeren Blechdosen, die beim Gehen klimperten. Im Laufe der Zeit ist es zu einem einzigartigen Teil der Stadtlandschaft von Almaty geworden, wie ein Kolibri in der sibirischen Taiga. Er selbst bezeichnete sich nicht ohne Ironie als „den letzten Avantgarde-Künstler der ersten Stunde“ … schließlich entpuppte er sich wirklich als fast einziger Vertreter einer brillanten Kultur Silbernes Zeitalterüberlebte auf wundersame Weise bis zum Chruschtschow-Tauwetter.

1896, Familie. Unterschrift auf der Rückseite: „Mein Vater, Mutter, Lelya, Shura! Wanja und ich, die Kleinsten. Ich erinnere mich, als wir gefilmt wurden. Wanja und ich trugen rote Seidenhemden. Shura ist ein Gymnasiast!

Sergej Iwanowitsch Kalmykow wurde 1891 in Samarkand geboren. Bald zog seine Familie nach Orenburg, wo Seryozha Kalmykov am Gymnasium, dann an der Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur studierte. In seiner Jugend war er ein zurückhaltender, verschlossener Mensch. 1910 ging er nach St. Petersburg und besuchte 4 Jahre lang die Schule von V.N. Zvantseva, wo solche berühmte Künstler wie Dobuzhinsky, Petrov-Vodkin, Bakst.

Damals erschuf ein zwanzigjähriger Jüngling tolles Bild"Baden der roten Pferde" Petrov-Vodkin schätzte die Arbeit des Studenten sehr und sagte über ihn: "Er ist wie ein junger Japaner, der gerade zeichnen gelernt hat."

Ein Jahr später malte Kuzma Petrov-Vodkin selbst sein berühmtes Rotes Pferd, das zum Symbol der russischen Avantgarde wurde. Kalmykov erinnerte sich bei dieser Gelegenheit: „Sieht aus wie ein Japaner gelber Junge Wer auf einem roten Pferd sitzt, bin ich. Aber meine Beine sind nicht so kurz. Dieser Petrov-Vodkin schrieb aus einem niedrigeren Winkel. Meine Beine werden länger."

Kalmykov kehrte nach Orenburg zurück und arbeitete danach hart Oktoberrevolution wurde einer der aktivsten Künstler Orenburgs. Er beteiligte sich an der Gestaltung revolutionärer Feiertage, öffentlicher Gebäude und hielt Vorlesungen. Seine Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen erregten die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit. In den 1920er Jahren beteiligte sich Kalmykov an der künstlerischen Gestaltung der Aufführungen des Orenburger Theaters und Zirkusses, an der Entwicklung von Skizzen Theaterkostüme und Plakate. Damals reiste er viel mit der Mittleren Wolga als Mobile Opera Hauptkünstler, zur gleichen Zeit entschied sich Kalmykov als Dekorateur und beschloss, seine zu binden kreatives Leben mit dem Theater.

drei Grazien

1935 wurde Kalmykov nach Kasachstan eingeladen, um in der neu geschaffenen zu arbeiten Musiktheater(jetzt GATOB benannt nach Abay). Hier gestaltete er selbstständig die Opern Aida, Prinz Igor, Faust, Floria Tosca und andere.

Die „Kasachstanskaja Prawda“ vom 30. Oktober 1935 schrieb über das Stück „Prinz Igor“: „Die Künstler Kalmykov und Mikheev haben die Gestaltung der Bühne erfolgreich gelöst und beim Publikum zu Recht Applaus hervorgerufen. Geschrieben in angenehmen Farben, mit viel Augenmaß, Kulissen, die die Szenen nicht wie üblich überladen, gelungene Kostüme - zeigen, dass die Künstler die Epoche sorgfältig studiert und das verfügbare Material gekonnt eingesetzt haben. In Alma-Ata zeichnet er viel, schreibt, stellt aber nicht aus, veröffentlicht nicht, verkauft seine Werke nicht.

Das Kunstzentrum ist derzeit in meinem Kopf- schrieb der Künstler.

1936 wurde Sergej Iwanowitsch Mitglied der Union der Künstler Kasachstans. Parallel zu seiner Arbeit im Theater leitete Kalmykov auch eine unabhängige künstlerische Arbeit Zeichnen, Malen und Gravieren. Er nahm an fast allen Gewerkschaften teil Kunstausstellungen. 1946 gab er aus gesundheitlichen Gründen die Arbeit auf. 1952 kehrte er ans Theater zurück und arbeitete als Dekorateur.

Selbstportrait

So beschrieb der Schriftsteller Yuri Dombrovsky seine erste Begegnung mit dem Künstler: „... und dann sah ich den Künstler an der Staffelei. Ich habe schon einmal von diesem Typen gehört. Vor einem Monat reichte er eine Erklärung bei der Polizei ein (Nachbarn beschwerten sich) und unterschrieb wie folgt: „Genie des 1. Ranges der Erde und der Galaxis, Dekorateur, Künstler-Performer des Opern- und Balletttheaters. Abai Sergej Iwanowitsch Kalmykow.<…>

Er war auch nicht für Menschen gekleidet, sondern für die Galaxis. Auf seinem Kopf lag eine flache und eine Art ungestüme Baskenmütze, und auf seinen dünnen Schultern hing ein blauer Umhang mit Schmuckstücken, und darunter blitzte etwas unglaublich Helles und Verzweifeltes hervor - rot-gelb-lila. Der Künstler hat gearbeitet. Er warf einen Strich auf die Leinwand, einen anderen, einen dritten - das alles nachlässig, beiläufig, spielend - dann trat er zur Seite, senkte den Pinsel scharf - die Menge scheute zurück, der Künstler probierte es an, sah genau hin und warf plötzlich die Hand aus - Zeit ! - und ein schwarzer fetter Fleck fiel auf die Leinwand. Irgendwo unten klebte es, schräg, ungeschickt, als wäre es völlig fehl am Platz, aber dann kamen noch mehr Striche und noch ein paar Striche und Pinselstriche - also Flecken - gelb, grün, blau - und jetzt auf der Leinwand des farbigen Nebels begann etwas auszubrechen, sich zu verdichten, zu zeigen. Und ein Stück Basar erschien: Staub, Hitze, zu einem weißen Ton erhitzter Sand und ein mit Wassermelonen beladener Karren ... ".

„Die Leute stellen sich ein Genie vor, wahrscheinlich so. Das sind die höchsten Gehälter. Popularität. Wachsender Ruhm, Geld. Wir sind bescheiden professionelle Genies, wissen wir: Genie ist zerrissene Hose. Das sind dünne Socken. Das ist ein abgenutzter Mantel“, schrieb der Künstler.

„Kalmykov wurde von allen beachtet talentierter Künstler- dann sagte einer der Kollegen des Künstlers. - Dies wurde von sehr kompetenten Leuten anerkannt, aber die Masse an Kuriositäten in seinem Verhalten erlaubte ihm nicht, die Position zu erreichen, die er verdiente. So konnte er auf Bestellung die großartigste Skizze oder das schönste Bild zeichnen, dann aber alles zudecken und etwas Peinliches schreiben. Zum Beispiel könnte er Venus von Milo schreiben, ihre Hände zeichnen und einen Primus in sie setzen.

Oder einen Schauspieler in einer Skizze in einem absurden Kostüm darstellen, das nicht der Situation und der Idee entspricht. In seinem Kopf drängten sich immer eine Menge verschiedenster Theorien: Entweder wollte er ungewöhnliche Raketen bauen oder einen Korridor, der Moskau mit Alma-Ata verbindet. Oder er arbeitete an seiner Dissertation „Verbindungsnähte des Schädels“. Schon damals zeigten sich seine Vorstellungen von Größe deutlich. Er nannte sich selbst ein kosmisches Genie, einen brillanten Künstler und sagte, dass jeder seine Fersen küssen sollte ...

IN letzten Jahren er wurde nicht beauftragt unabhängige Arbeit Er machte oft völlig lächerliche Dinge, verwöhnt. Viele seiner Werke, mit denen seine ganze Wohnung übersät ist, wurden inzwischen von Moskauer Künstlern gesehen und für ihn in Betracht gezogen bester Künstler Städte. Er war immer schlampig, sein Aussehen und seine Kleidung interessierten ihn nicht. Fing an, Haare zu schmieren Ölgemälde, erklärte, dass er für ein langes Leben schwarze Haare haben musste ... Er hatte sein eigenes Ernährungssystem: Er aß nur Brot (in seiner Jugend kaute er immer Brötchen), aber gleichzeitig aß er, wenn er zu Besuch war alles was gegeben wurde. Dann aß er hauptsächlich Milch, Käse und Hüttenkäse, aber ohne Brot. Er aß kein Fleisch, er war Vegetarier. Er sagte, heißer Tee und Essen seien ungesund, elektrisches Licht sei schlecht für die Augen, deshalb habe er kein Benzin, und abends arbeite er bei Kerzenlicht oder sitze im Dunkeln.

Häusliche Armut war ihm auf den Fersen, er wusste, was Unterernährung und Hunger waren. Jahr für Jahr bildeten Milch und Brot seine Ernährung. Die "Möbel" in seinem Zwinger wurden aus Bündeln alter Zeitungen gebaut, die mit Bindfäden zusammengebunden waren.

Als ihm im Künstlerverband ein Mantel überreicht wurde, riss er ihn auf, steckte Keile ein. Seitdem begann er in lächerlichen Outfits zu laufen, bizarren Kleidern, die er aus verschiedenen alten Abfällen veränderte. Er glaubte, dass er eine Revolution in der Welt des Modellierens schuf. Er hielt sich für einen Schriftsteller, schrieb viel unter falschem Namen. Er kannte keine Frauen, führte Tagebücher, in denen er über seine sexuellen Erfahrungen schrieb. Niemand wusste, ob er jemals ein Badehaus besucht hatte. Auf Zeitungen auf dem Boden geschlafen. IN In letzter Zeit Ich habe niemanden reingelassen, ich habe keine Hilfe von Nachbarn angenommen.“

Raumarchitektur war ein wichtiges Thema des russischen Kosmismus, daher baut Sergey Kalmykov seine Türme von Babel, die in den Himmel ragen, und entwirft einige bewohnbare Fahrzeuge für den Weltraum. Manchmal taucht in seinen „Weltraumpastoralen“ plötzlich ein Frosch auf, der sich bald in eine schöne Prinzessin verwandeln muss, und das ist leicht zu erklären, denn der allein lebende Künstler träumte natürlich von einer Freundin, aber nicht von „Venus mit Primus “, wie er eine seiner Zeichnungen nannte, sondern von einer süßen und schönen Dame.

Die Titel von Kalmykovs Werken sind voller Anmaßung: der Roman " Letzten Tage Führung durch die legendären Kasfikis oder die Apotheose von Sergei Kalmykov“, Selbstporträt „Der Anwärter auf absolute Unsterblichkeit - S. Kalmykov“, „Außergewöhnliche Paragraphen“, seine Manuskripte, Essays, kunsthistorischen Schriften, philosophischen Diskurse und Romane sind erhalten geblieben : „Taubenbuch“, „ grünes Buch“, „Boom Factory“, „Moon Jazz“ und andere.

Die offizielle Kritik erkannte Kalmykovs Arbeit nicht an, sie verursachte "unglückliche Verwirrung".

„Die Welt ist krank. Und es ist nicht verwunderlich, dass nur Künstler die Welt zum Heil führen können.“. - schrieb Sergej Kalmykow

Heute hängen seine Kreationen jedoch in den Museen von St. Petersburg, Moskau, Astana und Almaty. Leinwände werden auch in Privatsammlungen aufbewahrt. Einige von Sergey Kalmykovs Gemälden sind immer noch http://bonart.kz/kalmyikov-s.html Und einer der amerikanischen Sammler gründete die Sergey Kalmykov Foundation.

1962 ging Sergei Kalmykov in den Ruhestand und wurde von der Arbeit im Theater entlassen. Für die aktive Teilnahme an der Produktion und Sozialarbeit des Theaters wurde Kalmykov wiederholt mit Diplomen des Obersten Rates der Kasachischen SSR (1940, 1945, 1959) ausgezeichnet.

Im März 1967 wurde Kalmykov mit dem Krankenwagen ins Krankenhaus gebracht ernste Erkrankung, wo sie schlussfolgerten: „Erschöpfte, unzusammenhängende Sprache, wackeliger Gang. Paranoider Unsinn. Dystrophie". Am 27. April 1967 starb Sergei Kalmykov. Vor seinem Tod bewunderte er in einem Krankenzimmer den Geschmack warmer Speisen. Seine Ruhestätte ist unbekannt. Es ist fair zu sagen: Planet Erde.

Nach groben Schätzungen hinterließ Kalmykov über anderthalbtausend Werke (Zeichnungen, Grafiken, Gemälde) und etwa zehntausend Manuskriptseiten. Diese Manuskripte selbst sind eine Art "Samizdat": geheftete, gebundene und gebundene Bücher, reich illustriert. Alle Texte sind ausnahmslos von Hand ausgeführt, jeder Buchstabe ist eine Zeichnung, jede Seite enthält eine vollständige Komposition.

Das Material verwendet Fotografien aus der Zentrale Staatsarchiv RK.

Quellen,

Zunächst muss gleich gesagt werden, dass Genie ein Mythos ist, der relativ neu entstanden ist und erfolgreich funktioniert, um spezifische Probleme zu lösen, die kaum mit den Aspekten der Realität zu tun haben, die uns interessieren.

Ersetzen wir die Frage durch eine adäquatere „Ist Pawlenski ein talentierter Künstler-Aktivist“, dann können wir schon streiten.

Das Problem mit künstlerischem Aktivismus ist, dass er zwei Stränge verbindet: Kunst und politischen Aktivismus. Als Aktivist ist es nicht sehr ethisch, über Pavlensky zu diskutieren, da er wirklich mutige Dinge tut, einfache, verständliche und solide Ideen behauptet und dafür verantwortlich ist. Darüber hinaus ist sein Aktivismus zweifellos ehrgeiziger als Streikposten und Transparente, wofür er sicherlich Respekt verdient.

Andererseits kann man über Pawlensky als Künstler diskutieren. Die Einstellung der Kritiker-Philosophen ihm gegenüber als Ganzes variiert von zurückhaltend positiv bis (je nach Empfindung - in den meisten Fällen) enthusiastisch; Das Problem ist, dass die meisten von ihnen es teilen Politische Sichten, und es entsteht eine Situation, in der Kritik an Pawlensky mit Unterstützung des Regimes und allgemeinem Obskurantismus gleichgesetzt wird.

Jedes künstlerische Handeln umfasst zwei Aspekte: Ästhetisch-konzeptionelle Nachdenklichkeit und Wirkung. Die Aktien von Pavlensky sind sehr heterogen. Ja, die meisten Gut gemacht„Kadaver“ (der nackte Künstler kletterte in eine Stacheldrahtrolle, blieb darin stecken, wurde von der Polizei gerettet, die ihn sofort festnahm), in dem er gewissenhaft die Situation wechselnder Zustände von Gefahr – Wehrlosigkeit – Schutz – Bestrafung inszenierte So eine Resonanz wie eine geradlinigere und dümmere Aktion mit dem Nageln des Hodensacks fand sie nicht: Ihr gesellschaftliches Pathos wurde durch das verstörende Image des Künstlers komplett erschlagen.

Die Aktion mit dem Anzünden der Tür ist mäßig interessant: Ihr wichtigstes Ergebnis (neben sehr schöne Fotos) - die Aktionen der FSB-Beamten, die die beschädigte Tür mit Blechen verschlossen und dabei eine erstaunliche Angst offenbarten, ihre eigene Integrität zu zerstören. Es gab eine solche Stigmatisierung der Unsterilität, es entstand der Wunsch, alle Spuren äußerer Einmischung zu beseitigen, selbst um den Preis der Einschränkung der eigenen Freiheit. Es kann mit der Handlung einer Person verglichen werden, die, verlegen wegen eines Kratzers im Gesicht, ihren ganzen Kopf verbindet, während sie die Fähigkeit zu sehen verliert.

Der Gegensatz zwischen Absicht und Ergebnis wird recht deutlich, wenn man sich die Aktien von Pussy Riot anschaut (und beide gehören ohnehin den Künstlern). Also taten sie dasselbe mehrmals (am Lobnoje mesto, auf dem Dach eines Oberleitungsbusses, in der U-Bahn, im XXC). Jedes Mal ist es im Wesentlichen dieselbe Arbeit, aber es war der „Aufruhr“ der Aktion in der Christ-Erlöser-Kathedrale, der ihre Arbeit auf eine völlig andere Ebene brachte.

Zusammenfassend bin ich überzeugt, dass Pjotr ​​Pawlenski ein sehr guter Künstler ist, mit einer etwas uneinheitlichen Kreativität, zu deren Anteilen sowohl herausragende Werke als auch vorübergehende Dinge gehören.

Er ging in die Geschichte ein, aber er wird keine eigene Schule gründen.

Warum in den Gemälden der sogenannten. Die moderne Kunst hat nicht einen solchen Detaillierungsgrad wie die klassische Malerei?

Auf der ganzen Welt werden sie besonders von den Amerikanern geliebt, die Russland einfach so sehen wollen. Er zeigt das Leben eines Russen ohne "Masken". Trinken, Ausschweifungen, Po und menschliche Laster. Jemand respektiert seine Arbeit und jemand verachtet sie. Jedes Bild trägt tiefe Bedeutung. Wenn Sie genau hinschauen, können Sie die Geschichte jedes Charakters sehen. Viele Leute denken, dass Vasily hasst, aber vielleicht möchte er, dass sich derjenige ändert, der sich auf der Leinwand gesehen hat?! Seine Arbeit kann als "düster, aber wahr" beschrieben werden.

Der polnische surrealistische Künstler Jacek Yerka hat sein eigenes Special, in dem er jedes Detail zeichnet. Seine Bilder werden von warmen angenehmen Farben dominiert. Ihr Anblick umhüllt ein Gefühl von Magie, der mächtigen Kraft der Natur und der Welt, von der wir vielleicht nichts wissen. Bilder lassen unserer Fantasie freien Lauf und verändern die Wahrnehmung der Realität. Jacek Yerka ist definitiv außergewöhnlich kreativer Künstler und seine Bilder verdienen unsere Aufmerksamkeit.

Funktioniert Deutscher Künstler und der Illustrator Quint Buchholz geben unserem Gehirn „Anstoß“ zum Nachdenken. Ich möchte zu seinen Bildern zurückkehren und sie mir immer wieder anschauen. Jeder hat seine eigene Geschichte. Die Palette ist angenehm, zart und schwerelos. Beim Betrachten seiner Bilder beruhigt man sich unwillkürlich und bekommt ein Gefühl von Leichtigkeit. Der Künstler hat mehr als 70 Ausstellungen abgehalten und seine Bilder wurden mit zahlreichen und internationalen Preisen ausgezeichnet. Unter seinen Werken findet jeder etwas nach seinem Geschmack.

Gemälde Amerikanischer Künstler Mark Raiden mag zunächst seltsam und ein wenig verrückt erscheinen, aber wenn man sie genauer betrachtet, erkennt man die inneren Erfahrungen der Charaktere, die Welt der Aufrichtigkeit und Ehrlichkeit in menschlichen Beziehungen und Beziehungen zu sich selbst. Meistens enden seine Bilder mit Traurigkeit, Traurigkeit und Trauer. Der Performance-Stil wird als Pop bezeichnet, und sein Markenzeichen sind „Auge und Hummel“, die auf jedem seiner Werke aufflackern.