heim › elektrische Ausrüstung › Vivaldi ist einer der größten Vertreter des Barock. Antonio Vivaldi

Vivaldi ist einer der größten Vertreter des Barock. Antonio Vivaldi

Kreativität des herausragenden italienischen Komponisten und Geigers A.Corelli hatte einen großen Einfluss auf die europäische Instrumentalmusik spätes XVII- der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts gilt er zu Recht als Begründer der italienischen Geigenschule. Viele der großen Komponisten der folgenden Ära, darunter J. S. Bach und G. F. Händel, schätzten Corellis Instrumentalkompositionen sehr. Er zeigte sich nicht nur als Komponist und wunderbarer Geiger, sondern auch als Lehrer (die Corelli-Schule hat eine ganze Galaxie brillanter Meister) und als Dirigent (er war Leiter verschiedener Instrumentalensembles). Kreativität Corelli und seine vielfältigen Aktivitäten haben eine neue Seite in der Geschichte der Musik und Musikgenres aufgeschlagen.

Über Corellis frühes Leben ist wenig bekannt. Seinen ersten Musikunterricht erhielt er bei einem Priester. Nach mehreren Lehrerwechseln landet Corelli schließlich in Bologna. Diese Stadt war der Geburtsort einer Reihe bemerkenswerter italienischer Komponisten, und der Aufenthalt dort hatte offensichtlich einen entscheidenden Einfluss auf das weitere Schicksal des jungen Musikers. In Bologna studiert Corelli unter der Leitung des berühmten Lehrers J. Benvenuti. Dass Corelli bereits in seiner Jugend herausragende Erfolge auf dem Gebiet des Geigenspiels erzielte, belegt die Tatsache, dass er 1670 im Alter von 17 Jahren in die berühmte Bologna-Akademie aufgenommen wurde. In den 1670er Jahren Corelli zieht nach Rom. Hier spielt er in verschiedenen Orchester- und Kammerensembles, leitet einige Ensembles und wird Kirchenkapellmeister. Aus Corellis Briefen ist bekannt, dass er 1679 in den Dienst der Königin Christina von Schweden trat. Als Orchestermusiker ist er auch kompositorisch tätig – er komponiert Sonaten für seine Gönnerin. Corellis erstes Werk (12 Kirchentrio-Sonaten) erschien 1681. Mitte der 1680er Jahre. Corelli trat in den Dienst des römischen Kardinals P. Ottoboni, wo er bis zu seinem Lebensende blieb. Nach 1708 zog er sich vom öffentlichen Reden zurück und konzentrierte seine ganze Energie auf die Kreativität.

Corellis Kompositionen sind relativ gering: 1685, nach dem ersten Opus, erscheinen seine Kammertrio-Sonaten op. 2, 1689 - 12 Kirchentrio-Sonaten, op. 3, 1694 - Kammertrio-Sonaten op. 4, um 1700 - Kammertrio-Sonaten op. 5. Schließlich wurden 1714, nach Corellis Tod, seine Concerti grossi op. in Amsterdam veröffentlicht. 6. Diese Sammlungen sowie mehrere einzelne Stücke bilden das Vermächtnis von Corelli. Seine Kompositionen sind für Streichinstrumente (Violine, Viola da Gamba) mit Cembalo oder Orgel als Begleitinstrument vorgesehen.

Kreativität Corelli umfasst 2 Hauptgenres: Sonaten und Konzerte. In Corellis Werk hat sich die Sonatengattung in der für die vorklassische Epoche charakteristischen Form herausgebildet. Corellis Sonaten sind in 2 Gruppen unterteilt: Kirche und Kammer. Sie unterscheiden sich sowohl in der aufführenden Komposition (bei einer Kirchensonate begleitet eine Orgel, bei einer Kammersonate ein Cembalo) als auch inhaltlich (die Kirchensonate zeichnet sich durch ihre inhaltliche Strenge und Tiefe aus, die Kammersonate steht dem Tanz nahe Suite). Die Instrumentalkomposition, für die solche Sonaten komponiert wurden, umfasste 2 melodische Stimmen (2 Violinen) und Begleitung (Orgel, Cembalo, Viola da Gamba). Deshalb werden sie Triosonaten genannt.

Auch Corellis Konzerte wurden zu einem herausragenden Phänomen dieser Gattung. Die Gattung Concerto grosso existierte lange vor Corelli. Er war einer der Vorgänger symphonische Musik. Die Idee der Gattung war eine Art Wettbewerb zwischen einer Gruppe von Soloinstrumenten (in Corellis Konzerten spielen 2 Violinen und ein Cello diese Rolle) mit einem Orchester: Das Konzert wurde also als Wechsel von Solo und Tutti aufgebaut. 12 Corelli-Konzerte eingeschrieben letzten Jahren das Leben des Komponisten, wurde zu einer der hellsten Seiten in der Instrumentalmusik des frühen 18. Jahrhunderts. Sie sind immer noch vielleicht das beliebteste Werk von Corelli.

Ein von Hauptvertreter Barockzeit A. Vivaldi ging in die Geschichte ein musikalische Kultur als Begründer der Gattung Instrumentalkonzert, Begründer der orchestralen Programmmusik. Vivaldis Kindheit ist mit Venedig verbunden, wo sein Vater als Geiger im Markusdom arbeitete. Die Familie hatte 6 Kinder, von denen Antonio der älteste war. Über die Kindheit des Komponisten gibt es fast keine Details. Es ist nur bekannt, dass er Geige und Cembalo studierte. Am 18. September 1693 wurde Vivaldi zum Mönch und am 23. März 1703 zum Priester geweiht. Gleichzeitig lebte der junge Mann (vermutlich aufgrund einer schweren Krankheit) weiterhin zu Hause, was ihm die Möglichkeit gab, nicht zu gehen Musikstunden. Wegen seiner Haarfarbe wurde Vivaldi der „rote Mönch“ genannt. Es wird vermutet, dass er schon in diesen Jahren seinen Pflichten als Geistlicher nicht allzu eifrig nachging. Viele Quellen erzählen die Geschichte (vielleicht unzuverlässig, aber aufschlussreich), wie der „rothaarige Mönch“ eines Tages während des Gottesdienstes hastig den Altar verließ, um das Thema der Fuge aufzuschreiben, das ihm plötzlich einfiel. Auf jeden Fall heizten sich Vivaldis Beziehungen zu geistlichen Kreisen weiter auf, und bald weigerte er sich unter Berufung auf seinen schlechten Gesundheitszustand öffentlich, die Messe zu feiern.

Im September 1703 begann Vivaldi als Lehrer (maestro di violino) im venezianischen karitativen Waisenhaus „Pio Ospedale delia Pieta“ zu arbeiten. Zu seinen Aufgaben gehörte das Erlernen des Violin- und Viola d'amore-Spiels sowie die Überwachung der Erhaltung Streichinstrumente und neue Geigen kaufen. Die „Gottesdienste“ in der „Pieta“ (sie können zu Recht als Konzerte bezeichnet werden) standen im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit des aufgeklärten venezianischen Publikums. Aus Spargründen wurde Vivaldi 1709 entlassen, aber 1711-16. in gleicher Position wieder eingesetzt, und ab Mai 1716 war er bereits Konzertmeister des Pieta-Orchesters. Schon vor der Neubesetzung etablierte sich Vivaldi nicht nur als Lehrer, sondern auch als Komponist (hauptsächlich als Autor geistlicher Musik). Parallel zu seiner Arbeit bei Pieta sucht Vivaldi nach Möglichkeiten, seine weltlichen Schriften zu veröffentlichen. 12 Triosonaten op. 1 wurden 1706 veröffentlicht; 1711 die berühmteste Sammlung von Violinkonzerten „Harmonic Inspiration“ op. 3; 1714 - eine weitere Sammlung namens "Extravagance" op. 4. Vivaldis Violinkonzerte wurden in Westeuropa und besonders in Deutschland sehr bald weithin bekannt. Großes Interesse an ihnen zeigten I. Quantz, I. Mattheson, der große J. S. Bach „zu Vergnügen und Unterricht“ persönlich arrangierte 9 Violinkonzerte von Vivaldi für Clavier und Orgel. In denselben Jahren schrieb Vivaldi seine ersten Opern Otto (1713), Orlando (1714), Nero (1715). 1718-20. er lebt in Mantua, wo er hauptsächlich Opern für die Karnevalszeit schreibt, sowie Instrumentalkompositionen für den herzoglichen Hof von Mantua. 1725 erschien eines der berühmtesten Werke des Komponisten mit dem Untertitel „The Experience of Harmony and Invention“ (op. 8). Wie die vorherigen besteht die Sammlung aus Violinkonzerten (es gibt 12 davon hier). Die ersten 4 Konzerte dieses Opus werden vom Komponisten jeweils „Frühling“, „Sommer“, „Herbst“ und „Winter“ genannt. In der modernen Aufführungspraxis werden sie oft zum Zyklus „Jahreszeiten“ zusammengefasst (eine solche Überschrift gibt es im Original nicht). Offenbar war Vivaldi mit den Einnahmen aus der Veröffentlichung seiner Konzerte nicht zufrieden und teilte 1733 einem gewissen englischen Reisenden E. Holdsworth seine Absicht mit, auf weitere Veröffentlichungen zu verzichten, da handschriftliche Abschriften im Gegensatz zu gedruckten Manuskripten teurer seien. Tatsächlich sind seitdem keine neuen Originalwerke von Vivaldi erschienen.

Ende 20 - 30. oft als "Reisejahre" bezeichnet (bevorzugt Wien und Prag). Im August 1735 kehrte Vivaldi auf den Posten des Kapellmeisters des Pieta-Orchesters zurück, aber das Leitungskomitee mochte die Reiseleidenschaft seines Untergebenen nicht, und 1738 wurde der Komponist entlassen. Gleichzeitig arbeitete Vivaldi weiterhin hart an der Operngattung (einer seiner Librettisten war der berühmte C. Goldoni), während er es vorzog, persönlich an der Produktion teilzunehmen. Jedoch Opernaufführungen Vivaldi besonderer Erfolg sie taten es nicht, zumal dem Komponisten aufgrund des Einreiseverbots des Kardinals die Möglichkeit genommen wurde, seine Opern am Theater von Ferrara zu leiten (der Komponist wurde wegen einer Liebesaffäre mit Anna Giraud, seiner ehemaligen Schülerin, angeklagt). , und die Weigerung des „roten Mönchs“, die Messe zu feiern ). Daran scheiterte die Opernpremiere in Ferrara.

1740, kurz vor seinem Tod, unternahm Vivaldi seine letzte Reise nach Wien. Die Gründe für seinen plötzlichen Abgang sind unklar. Er starb im Haus der Witwe eines Wiener Sattlers namens Waller und wurde ärmlich begraben. Bald nach seinem Tod geriet der Name des herausragenden Meisters in Vergessenheit. Fast 200 Jahre später, in den 20er Jahren. 20. Jahrhundert der italienische Musikwissenschaftler A. Gentili entdeckte eine einzigartige Sammlung von Manuskripten des Komponisten (300 Konzerte, 19 Opern, geistliche und weltliche Vokalkompositionen). Ab dieser Zeit beginnt eine echte Wiederbelebung des einstigen Ruhms von Vivaldi. Der Musikverlag „Ricordi“ begann 1947 mit der Veröffentlichung des Gesamtwerks des Komponisten, und die Firma „Philips“ begann kürzlich mit der Umsetzung eines ebenso grandiosen Plans – der Veröffentlichung „aller“ Vivaldi auf Schallplatte. In unserem Land ist Vivaldi einer der meistgespielten und beliebtesten Komponisten. Das kreative Erbe von Vivaldi ist groß. Nach dem maßgeblichen thematisch-systematischen Katalog von Peter Ryom (internationale Bezeichnung - RV) umfasst es mehr als 700 Titel. Den Hauptplatz im Werk von Vivaldi nahm ein Instrumentalkonzert ein (insgesamt etwa 500 erhalten). Das Lieblingsinstrument des Komponisten war die Geige (ca. 230 Konzerte). Daneben schrieb er Konzerte für zwei, drei und vier Violinen sowie Orchester und Basso, weiterhin Konzerte für Viola d'amour, Cello, Mandoline, Längs- u Querflöten, Oboe, Fagott. Mehr als 60 Konzerte für Streichorchester und Basso gehen weiter, Sonaten für verschiedene Instrumente sind bekannt. Von den mehr als 40 Opern (bei denen die Urheberschaft von Vivaldi mit Sicherheit festgestellt wurde) sind nur die Hälften der Partituren erhalten. Weniger beliebt (aber nicht weniger interessant) sind seine zahlreichen Vokalkompositionen - Kantaten, Oratorien, Werke über geistliche Texte (Psalmen, Litaneien, "Gloria" usw.).

Viele von Vivaldis Instrumentalkompositionen haben programmatische Untertitel. Manche beziehen sich auf den ersten Interpreten (Carbonelli Concerto, RV 366), andere auf den Feiertag, an dem diese oder jene Komposition uraufgeführt wurde (For the Feast of St. Lorenzo, RV 286). Eine Reihe von Untertiteln weist auf ein ungewöhnliches Detail der Aufführungstechnik hin (im Konzert „L'ottavina“, RV 763, müssen alle Soloviolinen in der oberen Oktave gespielt werden). Die typischsten Überschriften, die die vorherrschende Stimmung charakterisieren, sind „Ruhe“, „Angst“, „Verdacht“ oder „harmonische Inspiration“, „Zither“ (die letzten beiden sind Namen von Sammlungen von Violinkonzerten). Dabei geht es dem Komponisten auch in jenen Werken, deren Titel äußere Bildmomente anzudeuten scheinen („Sturm auf See“, „Steigfink“, „Jagd“ etc.), stets um die Übermittlung des Allgemeinen Lyrischen Stimmung. Die Partitur von Die vier Jahreszeiten ist mit einem relativ ausführlichen Programm versehen. Schon zu Lebzeiten wurde Vivaldi als herausragender Kenner des Orchesters berühmt, Erfinder vieler koloristischer Effekte, er hat viel zur Entwicklung der Technik des Geigenspiels beigetragen.

Giuseppe Tartini gehört zu den Koryphäen der italienischen Geigenschule des 18. Jahrhunderts, deren Kunst bis heute ihre künstlerische Bedeutung behält. D. Oistrach

Der herausragende italienische Komponist, Lehrer, Violinvirtuose und Musiktheoretiker G. Tartini nahm in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts einen der wichtigsten Plätze in der Geigenkultur Italiens ein. Traditionen von A. Corelli, A. Vivaldi, F. Veracini und anderen großen Vorgängern und Zeitgenossen verschmolzen in seiner Kunst.

Tartini wurde in eine Adelsfamilie hineingeboren. Die Eltern beabsichtigten für ihren Sohn die Laufbahn eines Geistlichen. Daher studierte er zunächst an der Pfarrschule in Pirano und dann am Capo d "Istria. Dort begann Tartini auch Geige zu spielen.

Das Leben eines Musikers ist in 2 scharf entgegengesetzte Perioden unterteilt. Windig, von Natur aus unbeherrscht, Gefahren suchend – so ist er in seinen jungen Jahren. Tartinis Eigenwille zwang seine Eltern, die Idee aufzugeben, ihren Sohn auf einen spirituellen Weg zu schicken. Er geht nach Padua, um Jura zu studieren. Aber auch Tartini zieht ihnen das Fechten vor und träumt von der Tätigkeit eines Fechtmeisters. Parallel zum Fechten beschäftigt er sich immer gezielter mit der Musik.

Eine heimliche Heirat mit seiner Schülerin, der Nichte eines großen Geistlichen, änderte alle Pläne von Tartini dramatisch. Die Heirat erregte die Empörung der aristokratischen Verwandten seiner Frau, Tartini wurde von Kardinal Cornaro verfolgt und musste sich verstecken. Seine Zuflucht war das Minoritenkloster in Assisi.

Von diesem Moment an begann die zweite Periode von Tartinis Leben. Das Kloster beherbergte nicht nur den jungen Rake und wurde in den Jahren des Exils zu seinem Zufluchtsort. Hier fand Tartinis moralische und spirituelle Wiedergeburt statt, und hier begann seine wahre Entwicklung als Komponist. Im Kloster studierte er Musiktheorie und Komposition unter der Leitung des tschechischen Komponisten und Theoretikers B. Chernogorsky; studierte selbstständig Geige und erreichte wahre Perfektion in der Beherrschung des Instruments, die nach Ansicht von Zeitgenossen sogar das Spiel des berühmten Corelli übertraf.

Tartini blieb 2 Jahre im Kloster, dann spielte er weitere 2 Jahre Opernhaus in Ancona. Dort traf der Musiker auf Veracini, der sein Schaffen maßgeblich beeinflusste.

Tartinis Exil endete 1716. Von dieser Zeit bis zu seinem Lebensende lebte er mit Ausnahme von kurzen Unterbrechungen in Padua, leitete das Kapellenorchester in der Basilika St. Antonio und trat als Violinsolist in verschiedenen Städten Italiens auf . 1723 erhielt Tartini eine Einladung nach Prag, um anlässlich der Krönung Karls VI. an musikalischen Feierlichkeiten teilzunehmen. Dieser Besuch dauerte jedoch bis 1726: Tartini nahm das Angebot an, eine Stelle als Kammermusiker in der Prager Kapelle des Grafen F. Kinsky anzunehmen.

Nach seiner Rückkehr nach Padua (1727) organisierte der Komponist dort eine Musikakademie und widmete einen Großteil seiner Energie dem Unterrichten. Zeitgenossen nannten ihn „Lehrer der Nationen“. Zu den Schülern von Tartini gehören so herausragende Geiger des 18. Jahrhunderts wie P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausse, F. Rust und andere.

Der Beitrag des Musikers zur Weiterentwicklung der Kunst des Geigenspiels ist groß. Er änderte das Design des Bogens und verlängerte ihn. Die Fähigkeit, den Bogen von Tartini selbst zu dirigieren, sein außergewöhnlicher Gesang auf der Violine begann als vorbildlich zu gelten. Der Komponist hat eine Vielzahl von Werken geschaffen. Darunter sind zahlreiche Triosonaten, etwa 125 Konzerte, 175 Sonaten für Violine und Cembalo. Letztere erfuhr in Tartinis Werk eine weitere genre- und stilistische Weiterentwicklung.

Lebendige Bilder musikalisches Denken Der Komponist äußerte sich in dem Wunsch, seinen Werken programmatische Untertitel zu geben. Besondere Berühmtheit erlangten die Sonaten „Abandoned Dido“ und „Teufelstriller“. Der letzte bemerkenswerte russische Musikkritiker V. Odoevsky betrachtete den Beginn einer neuen Ära in der Geigenkunst. Neben diesen Werken ist der monumentale Zyklus „Die Kunst des Bogens“ von großer Bedeutung. Es besteht aus 50 Variationen über das Thema von Corellis Gavotte und ist eine Art Techniksammlung, die nicht nur pädagogische Bedeutung, sondern auch einen hohen künstlerischen Wert hat. Tartini war einer der neugierigen Musiker-Denker des 18. Jahrhunderts, seine theoretischen Ansichten fanden ihren Ausdruck nicht nur in verschiedenen Abhandlungen über Musik, sondern auch in Korrespondenzen mit bedeutenden Musikwissenschaftlern dieser Zeit, die die wertvollsten Dokumente seiner Zeit sind.

20. Suite als Prinzip des musikalischen Denkens in der Musik des 17.-18. Jahrhunderts. Die Struktur der klassischen Suite. (Nehmen Sie eine beliebige Suite und analysieren Sie sie) ; (Lesen Sie die Arbeit von Yavorsky).

Suite (französische Suite, "Sequenz"). Der Name impliziert eine Folge von Instrumentalstücken (stilisierten Tänzen) oder Instrumentalfragmenten aus Oper, Ballett, Musik für Schauspiel usw.

Karikatur von Vivaldis „Roter Priester“

Wegen seiner leuchtenden Haarfarbe auch „Der rote Priester“ genannt, war er ein talentierter Geiger und einer der großen Komponisten des Barock.

Bekannt für seine Instrumentalkonzerte, hauptsächlich für Violine, heilige Choräle sowie mehr als 40 Opern. Einer von seinen die besten konzerte- "Die vier Jahreszeiten" - hat viele Wiedergeburten erlebt, und einige seiner Teile werden überall verwendet. Wenden wir uns der Biographie des Meisters zu.

Antonio Lucio Vivaldi wurde am 4. März 1678 in Venedig geboren. Sein Vater war Geiger am Markusdom. Höchstwahrscheinlich war es der Elternteil, der Antonio den ersten gab Musikalische Bildung. Vivaldi wurde zum Geistlichen ausgebildet und 1703 ordiniert, wobei er weltliche Ansprüche aufgab. Es gibt eine Meinung, dass er beabsichtigte, sich gegen finanzielle Schwierigkeiten abzusichern, eine kostenlose Ausbildung zu erhalten und sich auch auf eine musikalische Karriere konzentrieren zu können. Ein Waisenhaus für Mädchen ("Ospedale della Pietà"), das von Antonio geleitet wird

Es gab eine Anekdote, die Vivaldi den Kranken erzählte, den Altar verließ und sich in der Sakristei versteckte, um ein weiteres Werk zu komponieren. Wie dem auch sei, aber so begann der Weg des Komponisten zum Ruhm. Violinistisches Geschick und gutes Organisationstalent machten das Instrumentalensemble des Mädchenwaisenhauses ("Ospedale della Pietà") unter der Leitung von Antonio so beliebt, dass große Menschenmengen zum sonntäglichen Konzert in der Kirche La Pietà strömten.

Der Aufstieg Vivaldis als Komponist

Vivaldi strebte immer nach Einfachheit und Klarheit

1705 führte der Ruf des Komponisten zur Veröffentlichung einer Reihe von 12 Triosonaten, drei Jahre später folgte eine Sammlung von Violinsonaten. Die Venezianer begannen zu erkennen, dass ihr Landsmann war musikalisches Genie, der die barocke Konzertform zur Vollendung brachte und gleichzeitig einen neuen Zugang zur Ausdrucksentfaltung in der Instrumentalmusik fand. Sehr wichtig in diesem Zusammenhang war die Veröffentlichung einer Sammlung von 12 Konzerten "L'Estro Armonico". Diese Sammlung ist zum Maßstab der Organisation geworden Musikalisches Material in einer einzigen Form, was enorme Möglichkeiten für neue Forschungen eröffnete.

Vivaldi strebte immer nach Einfachheit und Klarheit, vermied Bombast und konzentrierte sich auf die ausdrucksstarke Offenlegung einer Melodie, die er mit makelloser transparenter Harmonie begleitete. Diese Konzerte wurden zu einer Offenbarung für Zeitgenossen und strichen alles, was bisher in diesem Genre geschrieben wurde. Sie wurden auch zu einer Herausforderung für andere, die versuchten, Antonio zu übertreffen, aber nur wenige konnten einer solchen Kombination aus Leidenschaft, Vorstellungskraft, Anmut und Harmonie nahe kommen.

Daher ist es kein Zufall, dass der Junge, nachdem er sich mit L'Estro Armonico vertraut gemacht hatte, es als Modell für seine eigenen Kompositionen verwendete.

Sein Biograf Nikolaus Forkel kommentierte diese Tatsache: „Er hörte sie oft mit großer Aufmerksamkeit an und entschloss sich schließlich, sie für sein Klavier zu transkribieren. Auf diese Weise lernte er die Logik musikalischer Ideen, Struktur, die richtige Reihenfolge von Modulationen und vieles mehr ... er lernte musikalisches Denken ... seine musikalischen Ideen nicht aus den Fingern zu nehmen, sondern aus seiner Fantasie.

Vivaldis Anziehungskraft auf vokale Musikgenres

Die Oper „Ottone in Villa“ bezeichnet neue Bühne im Leben eines Komponisten

Vivaldi hingegen ruhte sich nicht auf seinen Lorbeeren aus und begann sich für die Oper zu interessieren. Das Debüt von „Ottone in Villa“ im Jahr 1713 markierte einen neuen Abschnitt im Leben des Komponisten, der sich immer mehr dem Komponieren, der Suche nach Finanzierung und der Leitung von Opernproduktionen widmete. Ein weiterer wichtiger Wendepunkt war 1714 die Versetzung seines Häuptlings Gasparini nach Rom. Als Ergebnis dieses Ereignisses musste Antonio neben der Arbeit an eigenen Instrumental- und Opernwerken Material für den Pieta-Chor erstellen.

Schon am Ende nächstes Jahr Vivaldi präsentierte eine Messe, ein Oratorium, eine Vesper und über 30 Hymnen. Zuvor, im Jahr 1714, gelang es ihm, ein weiteres zu veröffentlichen erfolgreiche Arbeit im Konzertgenre - "La stravanganza". Immer wieder nahm das Publikum seine Werke dankbar an, in denen die Entwicklung von Musikalische Formen sowohl Solo-Instrumentalkonzerte als auch Ensemble Orchesterkonzerte- Concerto grosso (Konzert grosso). 1714 veröffentlichte Vivaldi ein weiteres erfolgreiches Werk im Konzertgenre - "La stravanganza".

Wandernde Jahre

Nach einer Reihe von Siegen beschließt Vivaldi, einen längeren Urlaub zu machen, reist durch Italien und Europa. Zeitweise war er im Dienst des Statthalters von Mantua, Philipp von Hessen-Homburg. Dort lernte Antonio die Sängerin Anna Giraud kennen, die später als Sopranistin in seinen Opern auftrat. Ihre Beziehung war recht eng, Anna und ihre Schwester waren oft Begleiter des Komponisten auf seinen Reisen.

Der Komponist, der 1723-1724 in Rom lebte, hatte die Gelegenheit, seine Musik dem Papst vorzustellen, wo er einen guten Eindruck auf ihn machte.

In Amsterdam veröffentlicht er weiterhin Konzerte. Der Höhepunkt der Kreativität war ein Satz von 8 Konzerten, der 1725 veröffentlicht wurde. Die Sammlung mit dem Titel Il cimento dell' armonia e dell'inventione enthielt international anerkannte Konzerte mit dem Titel The Four Seasons. Sie wurden von kurzen Versen begleitet, die jahreszeitliche Skizzen beschreiben, die Vivaldi in seiner Musik zu wiederholen versuchte. Andere Werke dieser Sammlung, wie die Violinkonzerte Storm on the Sea und The Hunt, waren nicht weniger malerisch.
Konzerte mit dem Titel "The Four Seasons" von Vivaldi wurden von kurzen Gedichten begleitet, die saisonale Skizzen beschreiben.

Der nächste, zuletzt erschienene Konzertzyklus „La Cetra“ erschien 1727. Diese Sammlung war dem österreichischen Kaiser Karl VI. gewidmet, den Vivaldi Anfang der 1920er Jahre in Wien kennenlernte. Der Kaiser als Amateurkomponist war von den Werken Antonios beeindruckt.

Dies wird im Bericht über ihr Treffen im Jahr 1728 bestätigt: „Der Kaiser sprach lange mit Vivaldi über Musik, sie sagen, dass er in 15 Tagen mehr privat mit ihm sprach als in zwei Jahren mit seinen Ministern.“

Es ist merkwürdig, dass es unter dem Titel „La Cetra“ einen zweiten Zyklus von 12 Konzerten gibt, der ebenfalls dem Kaiser gewidmet ist, aber nur eine gemeinsame Komposition enthält. Die Musik in dieser Sammlung ist nicht weniger interessant als die frühere Sammlung, mit der gleichen hohen Qualität.

Heimkehr und Zeit des Niedergangs

Seit Anfang der 30er Jahre erlebt A. Vivaldi eine Zeit des langen Niedergangs

Ab Anfang der 30er Jahre ging der Ruhm von Antonio Vivaldi in eine Zeit des langen Niedergangs über. Neue Komponisten und neue Musikstile erregten die Aufmerksamkeit des Publikums. Seine lange Abwesenheit von Venedig forderte seinen Tribut, und er konnte seine frühere Tätigkeit in der Pieta nicht mehr aufnehmen.

Tod von Antonio Vivaldi

1737 wurden seine Opern unter dem Vorwand verboten, er könne wegen seiner Verbindung zu Anna Giraud nicht mehr Priester sein. Dies führte auch zur Vertragsauflösung mit Pieta. Ende 1740 ging Vivaldi, der langen Isolation überdrüssig, nach Wien, aber sein Freund, Kaiser Karl VI., starb kurz vor der Ankunft des Komponisten, und Österreich stürzte sich in den Krieg um die königliche Nachfolge. Infolgedessen starb Antonio Vivaldi, der am Ende seines Lebens keine Unterstützung fand, am 28. Juli 1741 und wurde als Bettler begraben.

IN IVALDI (Vivaldi) Antonio (1678-1741), italienischer Komponist, virtuoser Geiger. Begründer der Gattung Solo-Instrumentalkonzert und, zusammen mit A. Corelli, Concerto grosso. Sein Zyklus „Die Jahreszeiten“ (1725) ist eines der frühesten Beispiele für Programmierung in der Musik. St. 40 Opern, Oratorien, Kantaten; Instrumentalkonzerte verschiedener Kompositionen (465) usw.

Er studierte Violine bei seinem Vater, Giovanni Battista Vivaldi, Geiger an der St. Marke; vielleicht Komposition bei Giovanni Legrenzi, vielleicht auch Studium bei Arcangelo Corelli in Rom.

Am 18. September 1693 wurde Vivaldi zum Mönch ernannt. Am 18. September 1700 wurde er in den Stand eines Diakons erhoben. 23. März 1703 Vivaldi wurde zum Priester geweiht. Am nächsten Tag feierte er die erste unabhängige Messe in der Kirche San Giovanni in Oleo. Wegen seiner für die Venezianer ungewöhnlichen Haarfarbe erhielt er den Spitznamen „roter Priester“. Am 1. September 1703 wurde er als Maestro in die Violinklasse in das Pieta-Waisenhaus aufgenommen. Befehl der Gräfin Lucrezia Trevisan, 90 Votivmatinen in der Kirche San Giovanni in Oleo zu halten. Der 17. August 1704 erhält eine zusätzliche Belohnung für das Erlernen des Spiels auf der Viola d'amore. Nach Ableistung der Hälfte der Votivmatinen lehnt Vivaldi aus gesundheitlichen Gründen den Orden von Lucrezia Trevisan ab. 1706 erste öffentliche Aufführung im Palast der französischen Botschaft. Ausgabe des "Guide to Venice", erstellt vom Kartographen Coronelli, der den Vater und den Sohn von Vivaldi als Geigenvirtuosen erwähnt. Umzug von der Piazza Bragora in ein neues, größeres Haus in der Nachbargemeinde San Provolo.

1723 die erste Reise nach Rom. 1724 - die zweite Reise nach Rom zur Uraufführung der Oper Giustino. Audienz bei Papst Benedikt XIII. 1711 Veröffentlichung von 12 Konzerten "L'estro armonico" ("Harmonische Inspiration") Op. 3.1725 op. VIII "Il Cimento dell'Armonia e dell'Invenzione. In diesem Zyklus "Die Kunst der Harmonie und Erfindung" oder ("Der Streit der Harmonie mit der Erfindung"), op. 8 (um 1720), der schon damals einen unauslöschlichen Eindruck machte mit heftiger Leidenschaft und Innovation auf die Zuhörer ein, umfasste nun vier weltberühmte Konzerte „Die vier Jahreszeiten". Jean Jacques Rousseau, der damals in der französischen Botschaft in Venedig arbeitete, schätzte Vivaldis Musik sehr und spielte gerne einige davon auf Zyklus auf seiner Lieblingsflöte selbst. Vivaldi-Konzerte sind ebenfalls weithin bekannt - „La notte“ (Nacht), „Il cardellino“ (Fink) für Flöte und Orchester, Konzert für zwei Mandolinen RV532, das sich durch künstlerische Darstellung und harmonische Großzügigkeit auszeichnet seine Werke, sowie spirituelle Werke: „Gloria“, „Magnificat“, „Stabat Mater“, „Dixit Dominus“.

1703-1725 war er Lehrer, dann Orchesterdirigent und Konzertleiter, ab 1713 auch Orchester- und Chorleiter der "della Pieta" in Venedig, einem Waisenhaus, das als eines der berühmtesten war am besten Musikschulen für Mädchen. 1735 war er für kurze Zeit wieder Kapellmeister.

Vivaldi ist der größte Vertreter der italienischen Violine Kunst XVIII Jahrhundert, das einen neuen dramatisierten, sogenannten "lombardischen" Aufführungsstil genehmigte. Er schuf die Gattung des Solo-Instrumentalkonzerts, beeinflusste die Entwicklung der virtuosen Geigentechnik. Meister des Ensemble- und Orchesterkonzerts - Concerto grosso (Concerto grosso). Vivaldi-Satz für das Concerto grosso 3-stimmig zyklische Form, hob den virtuosen Part des Solisten hervor.

Schon zu Lebzeiten wurde er als Komponist bekannt, der in fünf Tagen eine Oper in drei Akten schaffen und viele Variationen über ein Thema komponieren konnte. Als virtuoser Geiger wurde er in ganz Europa berühmt. Obwohl der freundliche Vivaldi Goldoni nach dem Tod des rothaarigen Priesters in seinen Memoiren von einem eher mittelmäßigen Komponisten sprach. Lange Zeit An Vivaldi wurde nur erinnert, weil J. S. Bach eine Reihe von Transkriptionen der Werke seines Vorgängers anfertigte und erst im 20. Jahrhundert die Veröffentlichung einer vollständigen Sammlung von Vivaldis Instrumentalwerken unternommen wurde. Vivaldis Instrumentalkonzerte waren eine Etappe auf dem Weg zur Entstehung einer klassischen Sinfonie. In Siena wurde das nach Vivaldi benannte Italienische Institut gegründet (unter der Leitung von F. Malipiero).

Mitte Mai 1740 verlässt der Musiker schließlich Venedig. Er kam zu einem ungünstigen Zeitpunkt in Wien an, Kaiser Karl VI. war gerade gestorben und der Österreichische Erbfolgekrieg hatte begonnen. Wien war Vivaldi nicht gewachsen. Von allen vergessen, krank und ohne Existenzgrundlage, starb er am 28. Juli 1741 in Wien. Der vierteljährlich erscheinende Arzt verzeichnete den Tod von „Reverend Don Antonio Vivaldi an einer inneren Entzündung“. Er wurde gegen eine bescheidene Gebühr von 19 Gulden 45 Kreuzer auf einem Armenfriedhof beigesetzt. Einen Monat später erhielten die Schwestern Margherita und Zanetta die Nachricht von Antonios Tod. Am 26. August beschrieb der Gerichtsvollzieher sein Vermögen zur Begleichung von Schulden.

Zeitgenossen kritisierten ihn oft für seine übertriebene Begeisterung für die Opernbühne und die gleichzeitig gezeigte Hast und Unleserlichkeit. Kurios ist, dass Freunde nach der Inszenierung seiner Oper „Furious Roland“ Vivaldi nannten, niemand Geringeres als Dirus (lat. Furious). Erbe der Oper Komponist (ca. 90 Opern) ist noch nicht Eigentum der Welt geworden Opernbühne. Erst in den 1990er Jahren wurde Furious Roland erfolgreich in San Francisco aufgeführt.

Das Werk von Vivaldi hatte nicht nur einen großen Einfluss auf zeitgenössische italienische Komponisten, sondern auch auf Musiker anderer Nationalitäten, vor allem deutscher. Hier ist es besonders interessant, den Einfluss von Vivaldis Musik auf J. S. Bach, den größten deutschen Komponisten der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts, nachzuvollziehen. In der ersten Bach-Biographie, die 1802 veröffentlicht wurde, hob ihr Verfasser, Johann Nikolaus Forkel, den Namen Vivaldi unter den Meistern hervor, die zum Studienfach des jungen Johann Sebastian wurden. Die Stärkung des instrumental-virtuosen Charakters von Bachs Thematisierung in der Köthener Schaffenszeit (1717-1723) steht in direktem Zusammenhang mit dem Studium der Musik Vivaldis. Ihre Wirkung zeigte sich aber nicht nur in der Aneignung und Verarbeitung einzelner Ausdruckstechniken – sie war viel breiter und tiefer. Bach nahm Vivaldis Stil so organisch auf, dass er sein eigener wurde. musikalische Sprache. Die innere Verbundenheit mit Vivaldis Musik ist am stärksten spürbar verschiedene Werke Bach bis hin zu seiner berühmten "hohen" Messe in h-Moll. Der Einfluss, den Vivaldis Musik auf den deutschen Komponisten ausübte, war zweifellos enorm. Laut A. Casella "ist Bach sein größter Bewunderer und wahrscheinlich der einzige, der damals die ganze Größe des Genies dieses Musikers verstehen konnte."

Kompositionen
Mehr als 40 Opern, darunter „Roland – eingebildeter Wahnsinniger“ (Orlando fiato pozzo, 1714, Theater „Sant’Angelo“, Venedig), „Nerone, der Cäsar wurde“ (Nerone fatto Cesare, 1715, ebd.), „Krönung des Darius „(L’incoronazione di Daria, 1716, ebd.), „In der Liebe triumphierende Täuschung“ (L’inganno trionfante in amore, 1725, ebd.), „Farnace“ (1727, ebd., später auch „Farnace, Herrscherin“ genannt von Pontus"), Cunegonde (1727, ebd.), Olympias (1734, ebd.), Griselda (1735, Theater San Samuele, Venedig), Aristides (1735, ebd.), "Orakel in Messenien" (1738, Theater " Sant'Angelo", Venedig), "Ferasp" (1739, ebd.); Oratorien - „Moses, Gott des Pharaos“ (Moyses Deus Pharaonis, 1714), „Triumphant Judith“ (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), „Anbetung der Könige“ (L'Adorazione delli tre Re Magi, 1722 ) usw. ;
Autor von mehr als 500 Konzerten, darunter:
44 Konzerte für Streichorchester und Basso continuo;
49 Konzerte grossi;
352 Konzerte für ein Instrument, begleitet von Streichorchester und/oder Basso continuo (253 für Violine, 26 für Cello, 6 für Viol d'amore, 13 für Traverse, 3 für Längsflöten, 12 für Oboe, 38 für Fagott, 1 für Mandoline);
38 Konzerte für 2 Instrumente, begleitet von Streichorchester und/oder Basso continuo (25 für Violine, 2 für Cello, 3 für Violine und Cello, 2 für Hörner, 1 für Mandolinen);
32 Konzerte für 3 oder mehr Instrumente, begleitet von Streichorchester und/oder Basso continuo.

Einer der meisten Berühmte Werke- ein Zyklus von 4 Violinkonzerten "Die Jahreszeiten" - ein frühes Beispiel symphonischer Programmmusik. Vivaldis Beitrag zur Entwicklung der Instrumentierung ist bedeutend (er war der erste, der Oboen, Hörner, Fagotte und andere Instrumente als eigenständige und nicht duplizierende Instrumente einsetzte).

Antonio Vivaldi ist ein herausragender Geiger und Komponist, einer der glänzendsten Vertreter der italienischen Geigenkunst des 18. Jahrhunderts. Im Gegensatz zu Corelli, mit seiner seltenen Konzentration auf wenige Genres, schrieb der Komponist und Geiger Vivaldi mehr als 500 Konzerte für verschiedene Kompositionen und 73 Sonaten für verschiedene Werkzeuge, schuf 46 Opern, 3 Oratorien, 56 Kantaten, Dutzende von Kultwerken. Aber das bevorzugte Genre in seiner Arbeit war natürlich ein Instrumentalkonzert. Außerdem machen Concerti grossi nur etwas mehr als ein Zehntel seiner Konzerte aus: Er bevorzugte immer Solowerke. Über 344 davon sind für ein Instrument (mit Begleitung) und 81 für zwei oder drei Instrumente geschrieben. Unter den Solokonzerten sind 220 Violinkonzerte. Besitzen scharfes Gefühl Klangfarbe schuf Vivaldi Konzerte für eine Vielzahl von Kompositionen.

Die Gattung des Konzerts reizte den Komponisten besonders durch ihre Wirkungsbreite, ihre Zugänglichkeit für ein breites Publikum, die Dynamik des dreiteiligen Zyklus mit dem Vorherrschen schneller Tempi, die Reliefkontraste von Tutti und Soli und die Brillanz von virtuose Präsentation. Der virtuose Instrumentalstil trug zur Gesamthelligkeit der Eindrücke von der figurativen Struktur des Werks bei. In dieser kreativen Interpretation war das Konzert damals die größte und zugänglichste der Instrumentalgattungen und blieb es bis zur Genehmigung der Sinfonie in Konzertleben.

Im Werk Vivaldis erhielt das Konzert erstmals eine vollendete Form, die die verborgenen Möglichkeiten der Gattung verwirklichte. Dies macht sich besonders in der Interpretation bemerkbar Solostart. Wenn in Corellis Concerto grosso die Soloepisoden kurz, mehrere Takte lang, Soloepisoden geschlossen sind, dann sind sie bei Vivaldi, geboren aus einem grenzenlosen Höhenflug, anders aufgebaut: in einer freien, fast improvisatorischen Darbietung ihrer Teile, ein Virtuose

die Art der Instrumente. Dementsprechend erhöht sich die Skala der Orchesterritornelle, und die gesamte Form erhält einen völlig neuen dynamischen Charakter mit betont funktionaler Klarheit der Harmonien und scharf akzentuierter Rhythmik.

Wie bereits erwähnt, besitzt Vivaldi eine Vielzahl von Konzerten für verschiedene Instrumente, vor allem für Violine. Zu Lebzeiten des Komponisten wurden relativ wenige Konzerte veröffentlicht – 9 Werke, davon 5 Werke mit jeweils 12 Konzerten und 4 mit jeweils 6. Alle mit Ausnahme von 6 Konzerten op. 10 für Flöte und Orchester, bestimmt für eine oder mehrere Violinen mit Begleitung. Damit wurde weniger als 1/5 der Gesamtzahl der Vivaldi-Konzerte veröffentlicht, was sich nicht nur durch das damals noch unzureichend entwickelte Musikverlagsgeschäft erklärt. Vielleicht hat Vivaldi die Veröffentlichung seiner komplexesten und technisch vorteilhaftesten Konzerte absichtlich nicht zugelassen, um die Geheimnisse der Aufführungsfähigkeiten geheim zu halten. (Später tat N. Paganini dasselbe.) Es ist bezeichnend, dass die überwiegende Mehrheit der von Vivaldi selbst veröffentlichten Werke (4, 6, 7, 9, 11, 12) in Bezug auf die Aufführung aus den einfachsten Violinkonzerten besteht. Die Ausnahme bilden die berühmten Opus 3 und 8: op. 3 enthält die ersten veröffentlichten und daher besonders bedeutenden Konzerte Vivaldis, mit deren Verbreitung er seinen Ruf als Komponist zu begründen suchte; aus 12 Konzerten op. 8–7 haben Programmnamen und nehmen einen ganz besonderen Platz im Schaffen des Komponisten ein.

Zwölf Konzerte aus Op. 3, vom Komponisten „Harmonische Inspiration“ („L“ Estro Armonico „) genannt, waren zweifellos lange vor ihrer Veröffentlichung in Amsterdam (1712) weithin bekannt. Dies wird durch handschriftliche Kopien einzelner Konzerte bestätigt, die sich in vielen europäischen Städten befinden von Stil und Originalität“ „Zwei-Horn“-Aufteilung der Orchesterstimmen erlauben es uns, die Entstehung der Idee des Zyklus auf den Beginn des 17. Jahrhunderts zurückzuführen, als Vivaldi im Markusdom spielte. Die Orchesterstimmen von jedem der Konzerte werden in 8-stimmiger Darbietung ausgehalten - 4 Violinen, 2 Bratschen, Violoncello und Kontrabass mit Cembalo (oder Orgel); dadurch wird der Orchesterklang in due cori (in zwei Chöre) geteilt, was anschließend extrem auftritt selten in Vivaldi. dieser Fall„zweichörigen“ Kompositionen folgte Vivaldi einer langen Tradition, die sich damals bereits völlig erschöpft hatte.

Oder. 3 spiegelt eine Übergangsphase in der Entwicklung des Instrumentalkonzerts wider, in der traditionelle Techniken noch mit neuen Trends koexistieren. Das gesamte Opus ist in 3 Gruppen zu je 4 Konzerten aufgeteilt, je nach Anzahl der verwendeten Soloviolinen. Es gibt 4 in der ersten Gruppe, 2 in der zweiten und einen in der dritten. Konzerte für 4 Violinen sind bis auf eine Ausnahme nicht mehr entstanden. Diese Gruppe von Konzerten kommt Corellis Concerto grosso mit ihrer kleinen Zergliederung von Soloteilen und Tutti am nächsten. Auch Konzerte für zwei Violinen mit weiter entwickelten Ritornellen in der Interpretation des Soloanfangs erinnern in vielerlei Hinsicht noch an Corelli. Und nur in Konzerten für eine Violine bekommen Soloepisoden eine ziemlich vollständige Entwicklung.

Die besten Konzerte dieses Opus gehören zu den meistgespielten. Dies sind die Konzerte in h-Moll für 4 Violinen, in a-Moll für 2 und in E-Dur für eine. Ihre Musik sollte die Zeitgenossen mit der Neuheit des Lebens verblüffen, ausgedrückt in ungewöhnlich lebendigen Bildern. Schon heute schrieb einer der Forscher über die vorletzte Solo-Episode aus dem III. Teil des Doppelkonzerts in a-Moll: „Es scheint, als öffneten sich im Prachtsaal der Barockzeit Fenster und Türen, und die freie Natur trat grüßend ein; die Musik erklingt mit einem stolzen, majestätischen Pathos, das dem 17. Jahrhundert noch unbekannt war: der Ausruf eines Weltbürgers.

Veröffentlichung op. 3 markierte den Beginn von Vivaldis intensivem Kontakt mit Amsterdamer Verlegern, und für weniger als zwei Jahrzehnte, bis Ende der 1720er Jahre, wurden alle anderen lebenslangen Ausgaben der Konzerte des Komponisten in Amsterdam veröffentlicht. Einige dieser Werke haben auch Titel, die zwar nicht programmatisch im strengen Sinne des Wortes sind, aber helfen, die musikalische Intention des Autors zu verstehen. Offenbar spiegeln sie die für diese Zeit charakteristische Leidenschaft der Komponisten für figurative Assoziationen wider. Also 12 Konzerte für eine Violine mit Begleitung op. 4 heißen „La Stravaganza“, was mit „Exzentrizität, Fremdheit“ übersetzt werden kann. Dieser Titel hätte vielleicht die außergewöhnliche Kühnheit des musikalischen Denkens betonen sollen, die diesem Opus innewohnt. 12 Konzerte für eine und zwei Violinen mit Begleitung aus op. 9 tragen den Titel „Lyra“ („La Cetra“), was hier offensichtlich symbolisiert Musikalische Kunst. Abschließend noch das bereits erwähnte op. 8 mit seinen 7 Programmkonzerten heißt „The Experience of Harmony and Fantasy“ („II Cimento dell’Armonia e dell „Inventione“), als wollte der Autor die Zuhörer warnen, dass dies nur ein bescheidener Versuch, eine Probesuche ist in einem bisher unbekannten Bereich musikalischer Ausdruckskraft.

Die Veröffentlichung der Konzerte fiel mit der Blütezeit von Vivaldis Aktivitäten als virtuoser Geiger und Leiter des Ospedale-Orchesters zusammen. IN reife Jahre Zu seinen Lebzeiten war er einer der berühmtesten Geiger Europas jener Zeit. Die zu Lebzeiten des Musikers veröffentlichten Partituren geben kein vollständiges Bild seiner erstaunlichen schauspielerischen Fähigkeiten, die eine große Rolle bei der Entwicklung der Geigentechnik spielten. Es ist bekannt, dass damals noch ein Geigentyp mit kurzem Hals und kleinem Griffbrett üblich war, der die Verwendung hoher Lagen nicht zuließ. Nach Aussagen von Zeitgenossen zu urteilen, besaß Vivaldi eine Geige mit einem besonders verlängerten Hals, dank der er die 12. Position frei erreichte (in einer der Kadenzen seiner Konzerte ist die höchste Note Fis der 4. Oktave - zum Vergleich). , stellen wir fest, dass Corelli sich darauf beschränkte, die 4. und 5. Position zu verwenden).

So beschreibt einer seiner Zeitgenossen den überwältigenden Eindruck von Vivaldis Auftritt im Sant'Angelo-Theater am 4. Februar 1715: Niemand hat je spielen können und wird es auch nie können; mit unglaublicher Geschwindigkeit, eine Art Fuge auf allen 4 Saiten spielend, erhob er sich mit den Fingern seiner linken Hand so hoch am Hals, dass sie nicht mehr als die Dicke eines Strohhalms vom Ständer entfernt waren, und da war kein Platz für den Bogen, um auf den Saiten zu spielen ... " .

Trotz möglicher Übertreibungen erscheint diese Beschreibung im Allgemeinen plausibel, was durch die erhaltenen Kadenzen von Vivaldi bestätigt wird (insgesamt sind 9 Manuskripte seiner Kadenzen bekannt). Sie zeigen am deutlichsten das erstaunliche technische Talent von Vivaldi, das es ihm ermöglichte, die Ausdrucksmöglichkeiten nicht nur der Geige, sondern auch anderer Instrumente erheblich zu erweitern. Seine Musik für Streichinstrumente bedient sich erfindungsreich neuer Techniken, die damals weit verbreitet waren: Akkordspiel mit verschiedenen Arpeggios, Verwendung hoher Lagen, Bogeneffekte von Staccato, scharfe Würfe, Bariolage usw. Seine Konzerte zeigen, dass er ein Geiger war mit einer hochentwickelten Streichtechnik, die neben einem einfachen und fliegenden Staccato auch ausgefeilte Arpeggio-Techniken mit für die damalige Zeit ungewöhnlichen Schattierungen beinhaltete. Vivaldis Fantasie beim Erfinden verschiedener Möglichkeiten, Arpeggios zu spielen, scheint unerschöpflich. Es genügt, auf das 21-taktige Larghetto aus dem II. Teil des h-Moll-Konzerts op. 3, bei der drei Arten von Arpeggios gleichzeitig verwendet werden und abwechselnd in den Vordergrund treten.

Und doch am meisten starker Punkt Vivaldi der Geiger war offenbar die außergewöhnliche Beweglichkeit der linken Hand, die keine Einschränkungen bei der Verwendung jeder Position auf dem Griffbrett kannte.

Die Besonderheiten von Vivaldis Aufführungsstil verliehen dem Spiel des Ospedale-Orchesters, das er viele Jahre lang leitete, das Siegel einzigartiger Originalität. Vivaldi erreichte eine außergewöhnliche Feinheit dynamischer Abstufungen und ließ damit alles Bekannte seiner Zeitgenossen auf diesem Gebiet weit hinter sich. Es ist auch wichtig, dass die Aufführungen des Ospedale-Orchesters in der Kirche stattfanden, wo die strengste Stille herrschte, die es ermöglichte, die geringsten Klangnuancen zu unterscheiden. (Im 18. Jahrhundert Orchestermusik gewöhnlich begleitet von lärmenden Mahlzeiten, bei denen auf Aufführungsdetails keine Rede sein konnte.) Vivaldis Manuskripte zeigen eine Fülle subtiler Übergänge in Klangnuancen, die der Komponist normalerweise nicht auf gedruckte Partituren übertrug, da zu dieser Zeit solche Nuancen berücksichtigt wurden nicht ausführbar. Forscher von Vivaldis Werk haben herausgefunden, dass die volle Dynamikskala seiner Werke 13 (!) Klangabstufungen umfasst: von Pianissimo bis Fortissimo. Die konsequente Anwendung solcher Schattierungen führte tatsächlich zu den damals völlig unbekannten Wirkungen von Crescendo oder Diminuendo. (In der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts war der Klangwechsel der Streicher „terrassiert“, ähnlich wie bei einem mehrmanualigen Cembalo oder einer Orgel.)

Unter den Streichern erregte nach der Violine das Cello Vivaldis größte Aufmerksamkeit. In seinem Nachlass sind 27 Konzerte für dieses Instrument mit Begleitung erhalten. Die Zahl ist erstaunlich, da das Cello damals noch äußerst selten als Soloinstrument eingesetzt wurde. Im 17. Jahrhundert war es vor allem als Continuo-Instrument bekannt und rückte erst zu Beginn des nächsten Jahrhunderts in die Gruppe der Solisten vor. Die ersten Cellokonzerte erschienen in Norditalien, in Bologna, und waren Vivaldi zweifellos vertraut. Seine zahlreichen Konzerte zeugen von einem zutiefst organischen Verständnis für die Natur des Instruments und seiner innovativen Interpretation. Vivaldi hebt kühn die tiefen Töne des Cellos hervor, die an den Klang eines Fagotts erinnern, und beschränkt die Begleitung manchmal auf ein Continuo, um den Effekt zu verstärken. Die Solostimmen seiner Konzerte enthalten erhebliche technische Schwierigkeiten, die vom Interpreten eine große Beweglichkeit der linken Hand erfordern.

Nach und nach führt Vivaldi neue Geigenspieltechniken in die Cellostimmen ein: Erweiterung der Lagenzahl, Staccato, Bogenwürfe, Verwendung nicht benachbarter Saiten in schnellen Bewegungen usw. Das hohe künstlerische Niveau von Vivaldis Cellokonzerten macht es möglich, sie einzuordnen die herausragendsten Beispiele dieses Genre. Das Schaffen des Komponisten umfasst zwei 10 Jahre, besonders bedeutsam für die Entstehung eines neuen Instruments, die 10 Jahre vor dem Erscheinen von Bachs Suiten für Cello solo (1720).

Fasziniert von neuen Saitenvarianten schenkte Vivaldi der Bratschenfamilie kaum Beachtung. Die einzige Ausnahme ist Viola d'amore (lit. - Bratsche der Liebe), für die er sechs Konzerte geschrieben hat. Vivaldi war zweifellos von dem sanften, silbrigen Klang dieses Instruments angezogen, der durch die Obertöne resonanter (aliquoter) Metallsaiten erzeugt wurde, die unter dem Ständer gespannt waren. In seinen Vokalwerken wird die Viola d'amore immer wieder als unverzichtbares Soloinstrument eingesetzt (insbesondere in einem der beste Arien Oratorium Judith. Vivaldi schrieb auch ein Konzert für Viola d'amore und Laute.

Von besonderem Interesse sind Vivaldis Konzerte für Blasinstrumente – Holz und Blech. Hier wandte er sich als einer der ersten neuen Instrumentenvarianten zu und legte damit den Grundstein für ihr modernes Repertoire. Als er Musik für Instrumente schuf, die außerhalb seiner eigenen Aufführungspraxis lagen, entdeckte Vivaldi einen unerschöpflichen Einfallsreichtum bei der Interpretation ihrer Ausdrucksmöglichkeiten. Seine Bläserkonzerte stellen immer noch ernsthafte technische Anforderungen an die Interpreten.

Die Flöte ist in Vivaldis Werk weit verbreitet. Zu Beginn des 18. Jahrhunderts gab es zwei Varianten davon - längs und quer. Vivaldi schrieb für beide Instrumententypen. Von besonderer Bedeutung ist sein Beitrag zur Schaffung eines Repertoires für die Traversflöte als Solo-Konzertinstrument. Beachten Sie, dass es praktisch keine Konzertkompositionen für sie gab. Flötisten spielten oft Stücke, die für Violine oder Oboe bestimmt waren. Vivaldi war einer der ersten, der Konzerte für die Traversflöte schuf, die ihrem Klang neue Ausdrucks- und Dynamikmöglichkeiten eröffneten.

Neben den beiden Hauptvarianten des Instruments schrieb Vivaldi auch für das Flautino – eine Flöte, die der modernen Piccoloflöte anscheinend ähnlich ist. Große Aufmerksamkeit widmete Vivaldi der Oboe, die in den Opernorchestern des 17. Jahrhunderts einen Ehrenplatz einnahm. Besonders häufig wurde die Oboe in der „Freilichtmusik“ eingesetzt. 11 Vivaldi-Konzerte für Oboe und Orchester und 3 Konzerte für zwei Oboen sind erhalten. Viele davon wurden zu Lebzeiten des Komponisten veröffentlicht.

In 3 Konzerten für verschiedene Instrumente („con molti Istromenti“) setzte Vivaldi die Klarinette ein, die sich damals noch in der experimentellen Phase ihrer Entwicklung befand. Die Klarinette ist auch in der Partitur des Oratoriums Judith enthalten.

Vivaldi hat erstaunlich viel für das Fagott geschrieben – 37 Liederabende mit Begleitung. Darüber hinaus kommt das Fagott in fast allen Kammerkonzerten zum Einsatz, wobei es meist mit der Klangfarbe des Cellos kombiniert wird. Die Interpretation des Fagotts in Vivaldis Konzerten ist durch den häufigen Einsatz tiefer, dicker Lagen und schnelles Staccato gekennzeichnet, was vom Interpreten eine hochentwickelte Technik erfordert.

Viel seltener als Holzbläser wandte sich Vivaldi Blechblasinstrumenten zu, was sich aus der damaligen Schwierigkeit erklärt, sie in einem Solokonzert einzusetzen. Im 18. Jahrhundert war die Messingwaage noch auf Naturtöne beschränkt. In Solokonzerten kamen die Blechbläser daher meist nicht über C- und D-Dur hinaus, und die nötigen klanglichen Kontraste wurden den Streichern anvertraut. Vivaldis Konzert für zwei Trompeten und zwei Konzerte für zwei Hörner und Orchester zeigen die bemerkenswerte Fähigkeit des Komponisten, die Beschränkungen der natürlichen Tonleiter durch häufige Imitationen, Klangwiederholungen, dynamische Kontraste und ähnliche Techniken auszugleichen.

Im Dezember 1736 entstanden zwei Vivaldi-Konzerte für eine und zwei Mandolinen und Orchester. Dank transparenter Orchestrierung mit häufigem Pizzicato erreichen sie eine organische Einheit mit der Klangfarbe der Soloinstrumente voller bezauberndem Klangzauber. Die Mandoline erregte die Aufmerksamkeit von Vivaldi mit ihrer farbenfrohen Klangfarbe und als Begleitinstrument. In einer der Arien des Oratoriums Judith wurde die Mandoline als obligatorisches Instrument verwendet. Teile von zwei Mandolinen sind in der Partitur eines Konzerts enthalten, das 1740 im Ospedale aufgeführt wurde.

Von den anderen Zupfinstrumenten verwendete Vivaldi die Laute, die er in zwei seiner Konzerte verwendete. (Heute wird der Lautenpart meist auf der Gitarre gespielt.)

Als Geiger aus Berufung folgte der Komponist Vivaldi im Wesentlichen immer den Mustern der Violinkantilene. Es überrascht nicht, dass er Keyboards fast nie als Soloinstrumente verwendete, obwohl er für sie ausnahmslos die Continue-Funktion beibehielt. Eine Ausnahme bildet das Konzert in C-Dur für mehrere Instrumente mit zwei Solochambali. Vivaldi interessierte sich sehr für ein anderes Tasteninstrument – die Orgel mit ihrer reichen Klang- und Farbpalette. Sechs Vivaldi-Konzerte mit Solo-Orgel sind bekannt.

Fasziniert von den vielfältigen Möglichkeiten der neuen Form des Solokonzerts versuchte Vivaldi, sie in Kompositionen für Ensembles unterschiedlichster Zusammensetzung einzusetzen. Er schrieb besonders viel für zwei oder mehr Instrumente mit Orchesterbegleitung – insgesamt sind 76 seiner Konzerte dieser Art bekannt. Anders als das Concerto grosso mit seiner üblichen Besetzung von drei Solisten – zwei Violinen und einem Basso continuo – stellen diese Kompositionen eine völlig neue Art von Ensemblekonzert dar. Ihre Solo-Sätze verwenden die unterschiedlichsten in Zusammensetzung und Anzahl von Instrumentengruppen, darunter bis zu zehn Mitwirkende; in der Durchführung treten einzelne Solisten in den Vordergrund oder die Form des instrumentalen Dialogs dominiert.

Vivaldi verwies auch immer wieder auf den Typus des Orchesterkonzerts, bei dem die Klangfülle des Tutti überwiegt, nur durchsetzt mit Auftritten einzelner Solisten. 47 Werke dieser Art sind bekannt, deren Ideen ihrer Zeit weit voraus waren. Er gab verschiedene Titel seine Orchesterkonzerte mit der Bezeichnung „Sinfonia“, „Concerto“, „Concerto a quattro“ (für vier) oder „Concerto ripieno“ (tutti).

Eine große Anzahl von Vivaldis Orchesterkonzerten spricht von seinem ständigen Interesse an dieser Gattungsvielfalt. Offenbar zwang ihn die Arbeit im „Ospedale“ oft zu solchen Formen des Musizierens, die keine erstklassigen Solisten erforderten.

Eine besondere Gruppe bilden schließlich Vivaldis Kammerkonzerte für mehrere Solisten ohne Orchesterbegleitung. Dabei nutzen sie besonders raffiniert die Möglichkeiten, Instrumente unterschiedlicher Art zu kombinieren. Zu den 15 Werken dieser Art gehören auch die bereits erwähnten 4 Konzerte ab op. 10 in der Erstausgabe.

Die Entwicklung des Solokonzerts (in erster Linie des Violinkonzerts) ist das Verdienst von A. Vivaldi, dessen Hauptschöpfungsgebiet war Instrumentalmusik. Unter seinen vielen Konzerten nehmen die Konzerte für eine oder zwei Violinen und Orchester einen zentralen Platz ein.

Wichtige Anschaffungen wurden von Vivaldi auf dem Gebiet der thematischen Entwicklung und Kompositionsform getätigt. Für die ersten Teile seiner Konzerte entwickelte und etablierte er schließlich eine dem Rondo nahestehende Form, die später von J.S. Bach, sowie klassische Komponisten.

Vivaldi trug zur Entwicklung der virtuosen Geigentechnik bei und begründete einen neuen, dramatischen Spielstil. Vivaldis Musikstil zeichnet sich durch melodische Großzügigkeit, Dynamik und Ausdruckskraft des Klangs, Transparenz des Orchestersatzes, klassische Harmonik kombiniert mit emotionalem Reichtum aus.

Referenzliste

Harnoncourt N. Programmmusik - Vivaldi Konzerte op. 8 [Text] / N. Arnokur // Sowjetische Musik. - 1991. - Nr. 11. - S. 92-94.
Beletsky I. V. Antonio Vivaldi [Text]: ein kurzer Überblick über Leben und Werk / I. V. Beletsky. - L.: Musik, 1975. - 87 p.
Zeyfas N. Ein alter Mann mit einer erstaunlichen unerschöpflichen Leidenschaft für Komposition [Text] / N. Zeyfas // Sowjetische Musik. - 1991. - Nr. 11. - S. 90-91.
Zeyfas N. Concerto grosso in Werken von Händel [Text] / N. Zeyfas. - M.: Musik, 1980. - 80 S.
Liwanova T. Geschichte der westeuropäischen Musik bis 1789 [Text]. In 2 Bänden Lehrbuch. T. 1. Bis zum 18. Jahrhundert / T. Livanova. - 2. Aufl., überarbeitet. und zusätzlich - M.: Musik, 1983. - 696 S.
Lobanowa M. Westeuropäischer Barock: Probleme der Ästhetik und Poetik [Text] / M. Lobanova. - M.: Musik, 1994. - 317 S.
Raben L. Barockmusik [Text] / L. Raaben // Fragen Musikrichtung/ Staat Leningrad. in - t Theater, Musik und Kinematographie. - Leningrad, 1978. - S. 4-10.
Rosenschild K. Geschichte ausländische Musik[Text]: Lehrbuch für Performer. Fälschung. Wintergärten. Fehler 1. Bis Mitte 18. Jahrhundert / K. Rosenshild. - M.: Musik, 1969. - 535 S.
Solovtsov A.A.. Konzert [Text]: Populärwissenschaftliche Literatur / A. A. Solovtsov. - 3. Aufl., erg. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 S.

A. Vivaldi, einer der größten Vertreter des Barock, ging als Schöpfer der Gattung Instrumentalkonzert, Begründer der orchestralen Programmmusik in die Geschichte der Musikkultur ein. Vivaldis Kindheit ist mit Venedig verbunden, wo sein Vater als Geiger im Markusdom arbeitete. Die Familie hatte 6 Kinder, von denen Antonio der älteste war. Über die Kindheit des Komponisten gibt es fast keine Details. Es ist nur bekannt, dass er Geige und Cembalo studierte.

Am 18. September 1693 wurde Vivaldi zum Mönch und am 23. März 1703 zum Priester geweiht. Gleichzeitig lebte der junge Mann (vermutlich aufgrund einer schweren Krankheit) weiterhin zu Hause, was ihm die Möglichkeit gab, den Musikunterricht nicht zu verlassen. Wegen seiner Haarfarbe wurde Vivaldi der „rote Mönch“ genannt. Es wird vermutet, dass er schon in diesen Jahren seinen Pflichten als Geistlicher nicht allzu eifrig nachging. Viele Quellen erzählen die Geschichte (vielleicht unzuverlässig, aber aufschlussreich), wie der „rothaarige Mönch“ eines Tages während des Gottesdienstes hastig den Altar verließ, um das Thema der Fuge aufzuschreiben, das ihm plötzlich einfiel. Auf jeden Fall heizten sich Vivaldis Beziehungen zu geistlichen Kreisen weiter auf, und bald weigerte er sich unter Berufung auf seinen schlechten Gesundheitszustand öffentlich, die Messe zu feiern.

Schon vor der Neubesetzung etablierte sich Vivaldi nicht nur als Lehrer, sondern auch als Komponist (hauptsächlich als Autor geistlicher Musik). Parallel zu seiner Arbeit bei Pieta sucht Vivaldi nach Möglichkeiten, seine weltlichen Schriften zu veröffentlichen. 12 Triosonaten op. 1 wurden 1706 veröffentlicht; 1711 die berühmteste Sammlung von Violinkonzerten „Harmonic Inspiration“ op. 3; 1714 - eine weitere Sammlung namens "Extravagance" op. 4. Vivaldis Violinkonzerte wurden in Westeuropa und besonders in Deutschland sehr bald weithin bekannt. Großes Interesse an ihnen zeigten I. Quantz, I. Mattheson, der große J. S. Bach „zu Vergnügen und Unterricht“ persönlich arrangierte 9 Violinkonzerte von Vivaldi für Clavier und Orgel. In denselben Jahren schrieb Vivaldi seine ersten Opern Otto (1713), Orlando (1714), Nero (1715). 1718-20. er lebt in Mantua, wo er hauptsächlich Opern für die Karnevalszeit schreibt, sowie Instrumentalkompositionen für den herzoglichen Hof von Mantua.

1725 erschien eines der berühmtesten Werke des Komponisten mit dem Untertitel „The Experience of Harmony and Invention“ (op. 8). Wie die vorherigen besteht die Sammlung aus Violinkonzerten (es gibt 12 davon hier). Die ersten 4 Konzerte dieses Opus werden vom Komponisten jeweils „Frühling“, „Sommer“, „Herbst“ und „Winter“ genannt. In der modernen Aufführungspraxis werden sie oft zum Zyklus „Jahreszeiten“ zusammengefasst (eine solche Überschrift gibt es im Original nicht). Offenbar war Vivaldi mit den Einnahmen aus der Veröffentlichung seiner Konzerte nicht zufrieden und teilte 1733 einem gewissen englischen Reisenden E. Holdsworth seine Absicht mit, auf weitere Veröffentlichungen zu verzichten, da handschriftliche Abschriften im Gegensatz zu gedruckten Manuskripten teurer seien. Tatsächlich sind seitdem keine neuen Originalwerke von Vivaldi erschienen.

Ende 20 - 30. oft als "Reisejahre" bezeichnet (bevorzugt Wien und Prag). Im August 1735 kehrte Vivaldi auf den Posten des Kapellmeisters des Pieta-Orchesters zurück, aber das Leitungskomitee mochte die Reiseleidenschaft seines Untergebenen nicht, und 1738 wurde der Komponist entlassen. Gleichzeitig arbeitete Vivaldi weiterhin hart an der Operngattung (einer seiner Librettisten war der berühmte C. Goldoni), während er es vorzog, persönlich an der Produktion teilzunehmen. Vivaldis Opernaufführungen waren jedoch nicht besonders erfolgreich, zumal dem Komponisten aufgrund des Einreiseverbots des Kardinals (der Komponist wurde angeklagt) die Möglichkeit genommen wurde, als Regisseur seiner Opern im Theater von Ferrara zu fungieren Liebesaffäre mit Anna Giraud, seiner ehemaligen Schülerin, und die Weigerung des "rothaarigen Mönchs", die Messe zu feiern). Daran scheiterte die Opernpremiere in Ferrara.

1740, kurz vor seinem Tod, unternahm Vivaldi seine letzte Reise nach Wien. Die Gründe für seinen plötzlichen Abgang sind unklar. Er starb im Haus der Witwe eines Wiener Sattlers namens Waller und wurde ärmlich begraben. Bald nach seinem Tod geriet der Name des herausragenden Meisters in Vergessenheit. Fast 200 Jahre später, in den 20er Jahren. 20. Jahrhundert Der italienische Musikwissenschaftler A. Gentili entdeckte einzigartige Sammlung Komponistenmanuskripte (300 Konzerte, 19 Opern, geistliche und weltliche Vokalkompositionen). Ab dieser Zeit beginnt eine echte Wiederbelebung des einstigen Ruhms von Vivaldi. Der Musikverlag „Ricordi“ begann 1947 mit der Ausgabe komplette Sammlung Werke des Komponisten, und die Firma "Philips" hat vor kurzem begonnen, einen nicht weniger grandiosen Plan umzusetzen - die Veröffentlichung von "all" Vivaldi auf Schallplatte. In unserem Land ist Vivaldi einer der meistgespielten und beliebtesten Komponisten. Veliko kreatives Erbe Vivaldi. Nach dem maßgeblichen thematisch-systematischen Katalog von Peter Ryom (internationale Bezeichnung - RV) umfasst es mehr als 700 Titel. Den Hauptplatz im Werk von Vivaldi nahm ein Instrumentalkonzert ein (insgesamt etwa 500 erhalten). Das Lieblingsinstrument des Komponisten war die Geige (ca. 230 Konzerte). Daneben schrieb er Konzerte für zwei, drei und vier Violinen sowie Orchester und Basso, Konzerte für Viola d'amour, Cello, Mandoline, Längs- und Querflöte, Oboe, Fagott. Mehr als 60 Konzerte für Streichorchester und Basso gehen weiter, Sonaten für verschiedene Instrumente sind bekannt. Von den mehr als 40 Opern (bei denen die Urheberschaft von Vivaldi mit Sicherheit festgestellt wurde) sind nur die Hälften der Partituren erhalten. Weniger beliebt (aber nicht weniger interessant) sind seine zahlreichen Vokalkompositionen - Kantaten, Oratorien, Werke über geistliche Texte (Psalmen, Litaneien, "Gloria" usw.).

Beliebt in der Kategorie: