Stellung und Charakter sonaten-instrumentaler Gattungen in Beethovens Schaffen. Beethovens Symphonien: Ihre Weltbedeutung und ihr Platz im kreativen Erbe des Komponisten

Für Beethoven ist die Sinfonie eine rein gesellschaftliche Gattung, die hauptsächlich in der große Hallen ziemlich solides großes Orchester. Das Genre ist ideologisch sehr bedeutsam, was es nicht erlaubt, Werke in Serien zu schreiben. Daher sind Beethovens Symphonien in der Regel viel größer als sogar Mozarts (mit Ausnahme der 1. und 8.).

Es gibt gewisse Regelmäßigkeiten in der Abfolge von Beethovens Symphonien. Ungerade Symphonien sind explosiver, heroischer oder dramatischer (mit Ausnahme der 1.), und sogar Symphonien sind "friedlicher", genre-inländisch (vor allem - 4., 6. und 8.).

Die Hauptmerkmale von Beethovens symphonischer Methode:

1. Das Bild in der Einheit von gegensätzlichen Elementen zeigen, die sich bekämpfen. Beethovens Themen bauen oft auf gegensätzlichen Motiven auf, die eine innere Einheit bilden.

2. Die große Rolle des Ableitungskontrasts. Der abgeleitete Kontrast ist ein solches Entwicklungsprinzip, bei dem ein neues kontrastierendes Motiv oder Thema das Ergebnis der Transformation des vorherigen Materials ist.

3. Kontinuität der Entwicklung und qualitativer Wandel der Bilder. Entwicklung beginnt mit der Exposition. Der Entwicklungsprozess umfasst ab der Ausstellung nicht nur die Entwicklung, sondern auch die Reprise und den Code, der gleichsam zu einer zweiten Entwicklung wird.

Eine qualitativ neue Einheit des Sonaten-Symphonie-Zyklus im Vergleich zu den Zyklen von Haydn und Mozart. Die Symphonie wird zu einem „Instrumentaldrama“, in dem jeder Teil ein notwendiges Glied in einer einzigen musikalischen und dramatischen „Aktion“ ist. Der Höhepunkt dieses "Dramas" ist das Finale. Das leuchtendste Beispiel von Beethovens Instrumentaldrama ist die "Heroische" Sinfonie, deren alle Teile durch eine gemeinsame Entwicklungslinie verbunden sind, die im Finale auf ein grandioses Bild eines nationalen Triumphs gerichtet ist.

Apropos Beethovens Symphonien, man sollte seine orchestrale Innovation hervorheben. Von Innovationen:

1. Die eigentliche Bildung der Kupfergruppe. Obwohl die Trompeten immer noch zusammen mit den Pauken gespielt und aufgenommen werden, beginnt man, sie und die Hörner funktionell als eine einzige Gruppe zu behandeln. Dazu gesellen sich Posaunen, die nicht dabei waren Symphonieorchester Haydn und Mozart.

2. Die Verdichtung der „mittleren Ebene“ macht es erforderlich, die Vertikale von oben und unten zu erhöhen. Oben erscheint eine Piccoloflöte und unten ein Kontrafagott. Aber in jedem Fall gibt es in einem Beethoven-Orchester immer zwei Flöten und Fagotte.

In Fortführung der Traditionen von Haydns Londoner Symphonien und Mozarts späten Symphonien verstärkt Beethoven die Eigenständigkeit und Virtuosität der Stimmen fast aller Instrumente, einschließlich der Trompete (das berühmte Off-Stage-Solo in den Leonore-Ouvertüren Nr. 2 und Nr. 3) und der Pauke. Er hat oft wirklich 5 Streicherstimmen (Kontrabässe sind von Celli getrennt) und manchmal mehr

Alle Holzbläser, einschließlich Fagott, sowie Hörner (im Chor, wie im Scherzo-Trio der 3. Symphonie, oder separat) können solo spielen und sehr helles Material spielen.

Die Oper spielte eine große Rolle bei der Entwicklung der Symphonie. Die Operndramaturgie hatte einen wesentlichen Einfluss auf den Prozess der Dramatisierung der Symphonie – dies war offensichtlich bereits im Werk von Mozart. Mit Beethoven wächst die Sinfonie zu einer wahrhaft dramatischen Instrumentalgattung heran.

Er schrieb nur 9 Symphonien.

№3, Heroisch

№6, Pastoral

Nr. 9, Ode an die Freude

Und 11 Ouvertüren:

Beethoven setzt in ihnen die Traditionen der Gattung der Symphonischen Ouvertüre von Gluck, Mozart, Cherubini fort. Theaterproduktionen. Die besten von ihnen sind Egmont, Coriolanus sowie die Ouvertüre zur Oper Fidelio (Leonora 2 und 3).Beethoven verkörpert in den Ouvertüren bürgerliche heroische Themen und verallgemeinert die Hauptidee des Stücks. Programm-Ouvertüren (Unterschiedlich durch helle Theatralik und Bildhaftigkeit). Sie verwenden Intonationen von Liedern, Tänzen, Hymnen, Märschen.

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)

Beethoven ist eine Schlüsselfigur der europäischen Musikgeschichte. Seine Kunst prägte die Entwicklung solcher Gattungen wie Symphonie, Ouvertüre, Konzert, Sonate, Quartett. Es war Instrumentalmusik, die dauerte Hauptposition im Werk Beethovens: 9 Symphonien, 10 Ouvertüren, 16 Streichquartette, 32 Klaviersonaten, 7 Instrumentalkonzerte (5 für Klavier und Orchester, 1 Violine und 1 Tripel - für Violine, Violoncello und Klavier).

Der mutige Beethoven-Stil entpuppte sich als äußerst zeitgemäß Französische Revolution und die Napoleonischen Kriege (1789-1812). Die Idee eines heroischen Kampfes wurde zur wichtigsten Idee seines Schaffens, wenn auch keineswegs zur einzigen. „Unsere Zeit braucht Menschen mit starkem Geist“, sagte der Komponist. Er selbst war seiner Natur nach ein unbestrittener Anführer, ein Künstler mit einer „heroischen“ dominanten Persönlichkeit (und das schätzten seine Zeitgenossen an ihm). Nicht umsonst nannte Beethoven Händel seinen Lieblingskomponisten. Stolz, unabhängig, vergab er niemandem Versuche, sich selbst zu demütigen.

Leistungsfähigkeit, der Wunsch nach einer besseren Zukunft, der Held im Einssein mit der Masse – das steht in vielen Kompositionen Beethovens im Vordergrund. Begünstigt wurde dies nicht nur durch gesellschaftliche Ereignisse, deren Zeitgenosse er war, sondern auch durch die persönliche Tragödie des großen Musikers (progressive Taubheit). Beethoven fand die Kraft, sich gegen das Schicksal zu stellen, und die Ideen des Widerstands, der Überwindung wurden zum Hauptsinn seines Lebens. Sie waren es, die den heroischen Charakter "geschmiedet" haben.

Periodisierung der Schaffensbiographie:

Ich - 1782-1792 - Bonner Zeit. Der Beginn des kreativen Weges.

II - 1792-1802 - Frühe Wiener Zeit.

III - 1802-1812 -"Heroisches Jahrzehnt"

IV - 1812-1815 - Jahre des Durchbruchs.

V - 1816-1827 - Spätzeit.

BEETHOVEN KLAVIERSONATEN

Unter allem Genre-Vielfalt Beethovens Klavierwerk (von Konzerten, Fantasien und Variationen bis hin zu Miniaturen) ragte natürlich die Sonatengattung als die bedeutendste heraus. Das Interesse des Komponisten an ihm war konstant: Die ersten Erfahrungen auf diesem Gebiet – 6 Bonner Sonaten – gehen auf das Jahr 1783 zurück. Die letzte, 32. Sonate (op. 111) wurde 1822 vollendet.

Neben dem Streichquartett war die Gattung der Klaviersonate die wichtigste Kreativlabor Beethoven. Hier bildeten sich erstmals die charakteristischen Merkmale seines Stils heraus. Bezeichnend ist, dass Beethovens Sonate die Entwicklung der Gattung Symphonie deutlich überflügelte („Appassionata“, der Höhepunkt des Sonatenschaffens, war gleich alt wie die 3., „heroische“ Sinfonie). In der Sonate wurden die gewagtesten Ideen kammermusikalisch erprobt, um später in Sinfonien eine monumentale Verkörperung zu erhalten. So war der „Trauermarsch auf den Tod eines Helden“ der 12. Sonate der Prototyp des Trauermarsches der 3. Symphonie. Die Ideen und Bilder der „Appassionata“ bereiteten die 5. Sinfonie vor. Die pastoralen Motive von „Aurora“ wurden in der 6. „Pastoral“-Symphonie entwickelt.

Von Beethoven Der traditionelle Sonatenzyklus wird schnell aktualisiert. Das Menuett weicht einem Scherzo (bereits in der 2. Sonate, obwohl es in den folgenden Sonaten mehr als einmal anzutreffen sein wird). Neben den traditionellen Stimmen enthält die Sonate Märsche, Fugen, Instrumentalrezitative und Arioso. Eine auffällige Vielfalt an kompositorischen Lösungen. Sonaten Nr. 19, 20, 22, 24, 27, 32 haben nur zwei Sätze; in 1-4, 7, 11, 12, 13, 15, 18, 29 - vier. Der Rest ist dreigliedrig.

Im Gegensatz zu Haydn und Mozart wandte sich Beethoven nie dem Cembalo zu und erkannte nur das Klavier. Als brillanter Pianist kannte er seine Möglichkeiten perfekt. Ruhm erlangte er vor allem als Konzertvirtuose.

In der Öffentlichkeit führte Beethoven meist nur seine eigenen Werke auf. Meistens improvisierte er, und zwar in bestimmten Stilen und Formen (einschließlich Sonatensatz).

Charakteristische Merkmale von Beethovens Klavierstil:

„Hochvolt“-Spannung, fast brutale Kraft, Vorliebe für „große“ Technik, knallige dynamische Kontraste, Liebe zur „dialogischen“ Darstellung.

Bei Beethoven klang das Klavier erstmals wie ein ganzes Orchester, mit einer rein orchestralen Kraft (wird von Liszt, A. Rubinstein entwickelt). Zeitgenossen verglichen seinen Aufführungsstil mit feurige Rede des Redners, wild schäumender Vulkan.

Sonate Nr. 8 - "Erbärmlich" (c-moll), op. 13, 1798

Seine Hauptidee - der Kampf des Menschen mit dem Schicksal - ist typisch für Musiktheater XVIII Jahrhundert. Es überrascht nicht, dass sich die Musik der „Pathetic“-Sonate durch ihre betonte Theatralik auszeichnet. Ihre Bilder sind wie Charaktere in einem Drama.

IN Teil I(c-moll) Beethovens Lieblingsmethode dialogischer Kontraste wird hier besonders hautnah präsentiert: als Kontrast zwischen der langsamen tragischen Einleitung (Grave) und dem stürmischen, leidenschaftlichen, gespannten Sonaten-Allegro.

Die unaufhaltsame „Stimme des Schicksals“ erklingt in der Einleitung. Hier gibt es einen Dialog aus düsteren, gebieterischen Intonationen und lyrisch-traurigen. Es wird als ein Zusammenprall von Menschen mit tödlichen Kräften wahrgenommen, ähnlich der Szene von Orpheus mit den Furien in Glucks Oper. Beethoven kehrt zweimal zur Musik der Einleitung zurück: zu Beginn der Durchführung und vor der Coda. Gleichzeitig zielt die Entwicklung des Themas darauf ab, darin ein Gefühl von tragischer Hoffnungslosigkeit und Müdigkeit zu verstärken (vergleiche 1 und 3 des Themas). Darüber hinaus entwickelt sich das Material der Einleitung in der Durchführung selbst und tritt in einen Dialog mit dem Hauptthema des Sonaten-Allegros.

heim das thema (c-moll) hat einen willensstarken heroischen charakter. Es basiert auf einer Aufwärtsbewegung entlang der harmonischen Moll-Tonleiter.

In lyrisch traurig Seite Thema (anstelle des für eine klassische Sonate üblichen Parallel-Durs ist es in es-moll geschrieben) herrschen fallende Terzen und Sekunden mit Mordenten auf kräftigen Schlägen vor. Durch einen ausgeprägten thematischen Kontrast wird ihre intonatorische und figurative Verwandtschaft (Aspiration, stürmische Impulsivität, erregte Leidenschaft) deutlich, betont durch eine gemeinsame Moll-Färbung. Außerdem gibt es in beiden Themen Intonationen der Einleitung.

Die Exposition endet mit einer Hauptversion des Hauptthemas in letzte Party. Dies ist der helle Höhepunkt, auf den alle Entwicklung gerichtet ist.

Entwicklung behält das Prinzip der dialogischen Kontraste bei: sein Hauptteil basiert auf der Opposition des Hauptthemas und des Themas der Einleitung (seiner abgeschwächten, lyrischen Version). Die Einheit der Durchführung wird durch ein einziges rhythmisches Pulsieren erleichtert - den "brodelnden" Rhythmus des Hauptthemas. In Wiederholung das Nebenthema erklingt zunächst in der Tonart der Subdominante - f-moll.

Der letzte Konflikt ereignet sich in Code, wenn mal wieder das Thema Grave kollidiert und Hauptthema Allegro. Gleichzeitig bleibt das „entscheidende Wort“ bei der heroischen Hauptsache.

Musik Teil II - Adagio cantabile (As-dur) - hat einen lyrisch-philosophischen Charakter. Das Erste, was in diesem Adagio auffällt, ist die besondere Melodiösität des musikalischen Gewebes. Das Hauptthema erklingt im „Cello“-Register. Es ist frei von Verzierungen, es betont strenge, mutige Einfachheit. Es ist diese Art von Melodie, die in den langsamen Sätzen von Beethovens Sinfonien und Sonaten die führende sein wird. Reifezeit. Die Strenge der melodischen Linie wird durch das kontinuierliche rhythmische Pulsieren der Mittelstimme gemildert, sie wird bis zum Ende des Adagios nicht unterbrochen und zementiert das gesamte musikalische Gewebe.

Adagio ist in Form eines Rondos mit zwei Episoden (ABACA) geschrieben. Die Episoden kontrastieren sowohl den Refrain als auch einander. IN erste Episode(f-moll) die Texte werden emotionaler, offener. Thema zweite Folge(as-moll), das eine dialogische Struktur hat, erklingt vor einem unruhigen Triolenhintergrund, der auch in erhalten bleibt zuletzt Refrain.

Das endgültige(c-moll, Rondosonatenform) ist mit Teil I durch ein rebellisches, ungestümes Ton- und Intonationsverhältnis verbunden. Sein Hauptthema steht in der Nähe des Seitenthemas der ersten Allegro-Sonate. Im Allgemeinen hat die Musik des Finales jedoch mehr Folk-Genre-Charakter (Tanzschatten im Hauptthema). Der allgemeine Charakter ist objektiver, optimistischer, besonders in der zentralen Episode.

Sonate Nr. 14 - "MOND" (cis-moll), op. 27 Nr. 2, 1802

Die Musik der „Mondschein“-Sonate kann als spirituelles Bekenntnis des Komponisten angesehen werden und steht nicht zufällig zum Zeitpunkt der Entstehung neben dem „Heiligenstädter Testament“. In Sachen Dramaturgie das lyrisch-dramatisch Sonate. Beethoven hat es genannt Sonate-Fantasie, wobei die Kompositionsfreiheit betont wird, die weit vom traditionellen Schema abweicht ( langsames Tempo im ersten Satz improvisatorische Elemente in der Sonatensatzform des Finales).

Ich trenne mich(cis-moll) - Adagio, völlig frei von Beethoven-typischen Kontrasten. Seine Musik ist voll stiller, stiller Trauer. Es hat viel mit der Dramatik von Bachs Moll-Präludien gemeinsam (einheitliche Textur, ostinato rhythmisches Pulsieren). Ständige Veränderung des Tons, des Wertes von Phrasen. Der punktierte Rhythmus, der sich im Schluss besonders eindringlich durchsetzt, wird als Rhythmus eines Trauerzuges empfunden.

II. Teil- ein kleines Allegretto in der Tonart Des-dur. Es wird vollständig in lebhaften Dur-Tönen gehalten und ähnelt einem anmutigen Menuett mit einer frechen Tanzmelodie. Typisch für das Menuett ist auch eine komplexe 3x-Privatform mit einem Trio und einer Da-Capo-Reprise.

Der zentrale Teil der Sonate, ihr Höhepunkt - das endgültige (Presto, cis-Moll). Hier wird alles gelenkt. figurative Entwicklung. Prestos Musik ist voll von extremer Dramatik und Pathos, scharfen Akzenten, Explosionen von Emotionen.

Die Sonatenform des Finales von „Lunar“ ist wegen der ungewöhnlichen Korrelation der Hauptthemen interessant: Das Nebenthema spielt in allen Teilen (Exposition, Durchführung, Reprise und Coda) die führende Rolle. Das Hauptthema fungiert als improvisatorische Einführung, die auf "allgemeinen Bewegungsformen" basiert (dies ist ein schneller Strom wogender Wellen von Arpeggios). .

Leidenschaftlich, extrem aufgeregt, Nebenthema basierend auf pathetischen, verbal expressiven Intonationen. Ihr Schlüssel ist Gis-Moll, weiter verankert im energischen, offensiven Schlussthema. So offenbart sich das tragische Bild des Finales bereits in seinem tonalen Plan (die ausschließliche Moll-Dominanz).

Die Rolle des Höhepunkts der gesamten Sonate wird von gespielt Code, die größer ist als die Entwicklung. Zu Beginn der Coda taucht kurz das Hauptthema auf, während die Hauptaufmerksamkeit dem Nebenthema gilt. Solch eine hartnäckige Rückkehr zu einem Thema wird als Besessenheit von einem Gedanken empfunden.

Im Verhältnis der extremen Teile der „Moonlight“ -Sonate manifestierte sich das Prinzip des abgeleiteten Kontrasts:

· Mit ihrer tonalen Einheit unterscheidet sich die Farbe der Musik stark. Dem gedämpften, transparenten Adagio steht die tosende Klanglawine des Presto gegenüber;

· extreme Parts und arpeggierte Textur vereinen. In Adagio drückt sie jedoch Kontemplation, Konzentration aus, und in Presto trägt sie zur Verkörperung des mentalen Schocks bei;

erster thematischer Kern Hauptpartei der Schluss basiert auf den gleichen Klängen wie der melodiöse, wogende Beginn des 1. Satzes.

Sonate Nr. 23, Appassionata

in f-Moll, op. 57, 1806

Name Leidenschaft(aus dem Lateinischen leidenschaft- Leidenschaften) ist nicht autoritär, spiegelt jedoch sehr genau die Essenz dieser Sonate wider. Shakespeares Leidenschaften toben in ihrer Musik. Beethoven selbst hielt die Appassionata für seine beste Sonate.

Sonate in 3 Teilen. Extrem, voller Dramatik, in Sonatenform geschrieben, mittel - in Variation.

Musik Teil I entsteht ein Gefühl akuten Kampfes, der ultimativen Anspannung mentaler Stärke. hart, tragisch Hauptthema(f-moll) baut auf dem Kontrast von vier gegensätzlichen Elementen auf. 1– wird in Unisono-Bewegung entlang der Töne eines Moll-Dreiklangs gegeben. 2 das Element basiert auf dem zweiten Motiv der Beschwerde. 3 das im Bass erklingende Element mit versteckter Drohung (V. 10) nimmt das „Schicksalsmotiv“ aus der 5. Sinfonie vorweg. Der Höhepunkt des Hauptthemas ist sie 4-Element - eine schnelle Arpeggio-Welle nach den Klängen des Geistes. 5/3, die fast die gesamte Klaviertastatur (Takt 14-15) abdeckt F .

Der zweite Satz des Hauptthemas erfüllt die Funktion einer verbindenden Partei. Das Eröffnungsmotiv wird nun von kraftvollen Akkorden begleitet ff. Weiterhin tritt der „Beschwerdegrund“ (Element 2) in den Vordergrund.

Nebenthema(As-dur) erinnert an französische Revolutionslieder wie die Marseillaise. Es klingt enthusiastisch, feierlich, ist aber in hellem Kontrast zum Hauptthema intonatorisch und rhythmisch mit dessen 1. Element verwandt (abgeleiteter Kontrast).

Der Höhepunkt der gesamten Ausstellung ist Abschlussthema(as-moll) - düster, wütend, aber auch titanenstark.

Die Belichtung wiederholt sich nicht(erstmals in der Geschichte der klassischen Sonatensatzform). Die Durchführung beginnt mit dem Hauptthema in E-dur und wiederholt den Plan der Exposition: Auf das Hauptthema folgt ein verbindendes, dann ein sekundäres und abschließendes. Alle Themen werden in erweiterter Form, d.h. begleitet von einer sehr aktiven tonal-harmonischen, Register-, Intonationsentwicklung. Die thematische Natur des Schlussteils verwandelt sich in einen ununterbrochenen Fluss von Arpeggien an den Geist VII f-moll, der wie eine Fanfare vom „Schicksalsmotiv“ des Hauptthemas durchschnitten wird. Er "rumpelt" weiter ff einmal in der oberen, dann in der unteren Schrift, die den Höhepunkt der Entwicklung markiert, die zur Dominante führt Prädikat. Die Einzigartigkeit dieses Prädikats liegt darin, dass die gesamte Reprise des Hauptthemas vor seinem Hintergrund stattfindet. Koda Teil I zeichnet sich durch seinen grandiosen Umfang aus und wird gleichsam zu einer „zweiten Entwicklung“.

Teil II der Appassionata zeichnet sich durch seine philosophische Tiefe und Konzentration aus. Das Andante in Des-dur in Form von Variationen. Sein majestätisches, ruhig getragenes Thema vereint die Merkmale eines Chorals und einer Hymne. Vier Variationen vereint die Stimmung erhabener Erleuchtung.

Umso tragischer Das endgültige(f-moll) eindringender attacca (ohne Unterbrechung). Seine ganze Musik ist ein Impuls, ein Streben, ein Kampf. Der wogende Wirbelwind der Passagen stoppt nur einmal – vor der Reprise.

In der Sonatenform des Finales gibt es keine ausgedehnten fertigen Melodien. Statt dessen tauchen kurze Motive auf, mal heroisch, stolz, beschwörend (in ch.p.), mal schmerzlich traurig.

Das semantische Ergebnis der ganzen Sonate ist Code. Sie nimmt den Gedanken vorweg, der in der 5. Symphonie erklingen wird: Nur in der Einheit mit anderen Menschen, mit der Masse kann man siegen, Kraft gewinnen. Das Thema Coda ist neu, es war weder ausgestellt noch in Entwicklung. Dies ist ein kraftvoller Heldentanz in einem einfachen Rhythmus, der das Bild des Volkes erzeugt.

BEETHOVENS SYMPHONIE

Beethoven war der größte Symphoniker, und in der symphonischen Musik wurden seine wichtigsten künstlerischen Prinzipien am vollständigsten verkörpert.

Fast ein Vierteljahrhundert umfasste der Weg Beethovens als Symphoniker. Seine erste Sinfonie schrieb der Komponist im Jahr 1800 im Alter von 30 Jahren. Die letzte, 9. Symphonie, wurde 1824 vollendet. Verglichen mit der großen Zahl von Sinfonien Haydns oder Mozarts sind Beethovens neun Sinfonien wenige. Allerdings waren die Bedingungen, unter denen sie komponiert und aufgeführt wurden, radikal anders als unter Haydn und Mozart. Eine Symphonie ist für Beethoven zunächst einmal keineswegs eine Gattung nicht Kammer, aufgeführt von einem für damalige Verhältnisse ziemlich großen Orchester; und zweitens das Genre ideologisch sehr bedeutsam, was es nicht erlaubt, solche Aufsätze in einer Serie von 6 Stücken auf einmal zu schreiben.

Üblicherweise konzipierte Beethoven seine Symphonien paarweise und schuf sie sogar gleichzeitig oder unmittelbar nacheinander (5 und 6 „tauschten“ sogar Nummern bei der Uraufführung; 7 und 8 folgten hintereinander). Die meisten der „seltsamen“ Sinfonien – Nr. 3, Nr. 5, Nr. 9 – sind heroischer Art. Ihr Hauptinhalt ist der heldenhafte Kampf des Volkes, der durch Schwierigkeiten und Leiden zu Freude und Glück führt. . Die Idee der Überwindung des Leidens und des Triumphs des Lichts kommt im Finale der 9. Symphonie dank der Einführung eines poetischen Textes mit äußerster Konkretheit zum Ausdruck. Dies ist der Text von Schillers Ode „An die Freude“, dem Chor und vier Solisten anvertraut. Durch die Kombination der Instrumente eines Sinfonieorchesters mit Gesangsstimmen schafft Beethoven ein Gesamtbild neuer Typ Sinfonien-Kantaten.

Beethovens „gleichmäßige“ Symphonien sind „friedlicher“, konfliktfreier, sie gehören zum lyrisch-genretischen Typus der Symphonie.

Neuheit ideologischer Inhalt in Beethovens Symphonien spiegelte sich direkt in Innovation wider Musikalische Techniken:

· Die Symphonie hat sich gedreht im "Instrumental-Drama" alle Teile davon sind durch eine gemeinsame, auf das Finale gerichtete Entwicklungslinie verbunden; dabei zeichnen sich Beethovens Symphonien in der Regel durch einen kolossalen Umfang, einen enormen Umfang aus.

· die äußeren Konturen der Sonatenform haben sich radikal verändert. Aufgrund der Tatsache, dass die Entwicklung von Themen buchstäblich von Anfang an mit ihrer Präsentation beginnt, die Hauptsonatenabschnitte wuchsen außerordentlich. Dies gilt zunächst für Entwicklungen und Codes, die die Bedeutung von „Second Developments“ erlangen.

· Bereits in Beethovens 2. Symphonie wurde das traditionelle Menuett durch das Scherzo ersetzt. In der 3. Symphonie kommt erstmals ein Trauermarsch als langsamer Satz zum Einsatz. In der 9. Symphonie nähert sich der langsame Satz dem Finale, wird zum dritten in Folge und „überspringt“ das Scherzo auf den zweiten Platz.

· Die Themen heroischer Sinfonien sind meist von inneren Konflikten geprägt, die auf kontrastierenden, einander entgegengesetzten Motiven aufbauen. Allerdings ist der Kontrast zwischen thematischen Elementen und einzelnen Themen oft Derivat.

Lyrische Symphonien unterscheiden sich dramaturgisch stark von heroischen Symphonien.

Das gemeinsame Eigentum aller Symphonien Beethovens ist Orchesterinnovation. Von Innovationen:

a) Bildung einer Kupfergruppe. Zu den Trompeten und Hörnern gesellen sich Posaunen, die nicht im Sinfonieorchester von Haydn und Mozart waren. Posaunen spielen im Finale der 5. Symphonie, in der Gewitterszene der 6. und auch in einigen Teilen der 9.;

b) „Spreizung“ des Orchesterspektrums durch Piccoloflöte und Kontrafagott (im Finale der 5. und 9. Symphonie);

c) Stärkung der Eigenständigkeit und Virtuosität der Stimmen fast aller Instrumente. Alle Holzbläser können solistisch spielen und sehr helles Material spielen (z. B. das Oboenrezitativ in der Wiederholung von Teil I der 5. Symphonie oder das „Vogelkonzert“ in der „Szene am Bach“ aus der 6. Symphonie) sowie Hörner (das Scherzo-Trio aus der 3. Symphonie).

d) die Verwendung neuer Aufführungstechniken (z. B. Dämpfer in der Cellostimme, Nachahmung des Rauschens eines Baches in der „Pastoral“-Symphonie).

SYMPHONIE Nr. 3, "Heroisch",

Es-dur, op. 55 (1804)

Die „Heroische“ Symphonie wurde im Zusammenhang mit Napoleon Bonoparte konzipiert, aber der Komponist zerstörte später die ursprüngliche Widmung.

Dies ist eine der monumentalsten Symphonien in der gesamten Geschichte der symphonischen Gattung. Sie erzählt vom Schicksal eines ganzen Volkes und nicht eines Einzelnen, weshalb ihr die 3. Sinfonie zugeschrieben wird heroisch-epos Art Symphonie.

Die vier Teile der Sinfonie werden als vier Akte eines einzigen Instrumentaldramas wahrgenommen: Ich trenne mich zeichnet ein Panorama des heroischen Kampfes mit seinem Druck, Drama und siegreichen Triumph; Teil 2 der Erinnerung an gefallene Helden gewidmet; Inhalt 3 Teile ist die Überwindung von Trauer; Teil 4- ein grandioses Bild im Geiste der Massenfeste der Französischen Revolution.

Hauptthema Teil I(Es-dur, Cello) beginnt mit verallgemeinerten Intonationen im Geiste revolutionärer Massengenres. Allerdings erscheint bereits in Takt 5 der chromatische Klang „cis“ im Thema, betont durch Synkopen und Abweichungen im g-moll. Dies führt sofort ein widersprüchliches Prinzip in das ursprüngliche mutige Bild ein.

IN Nebenpartei nicht ein, sondern drei Themen. Erste Und dritte dicht beieinander - beide in der Tonart B-dur, melodisch-lyrisches Lagerhaus. 2. Seitenthema kontrastiert mit dem Extrem. Es hat einen heroisch-dramatischen Charakter, der von ungestümer Energie durchdrungen ist. Vertrauen auf den Verstand VII 7 macht ihn instabil. Der Kontrast wird durch tonale und orchestrale Farben verstärkt (2 Nebenthemenklänge in g-moll für Streicher und I und 3 für Holzbläser).

Ein weiteres Thema – von jubelnd optimistischem Charakter – taucht auf letzte Party.

Entwicklung es ist mehrfach dunkel, fast das gesamte Expositionsmaterial ist darin entwickelt (nur das 3. Nebenthema, das melodischste, fehlt). Die Themen werden in konflikthafter Wechselwirkung zueinander gegeben, ihr Erscheinungsbild verändert sich tiefgreifend. So klingt beispielsweise das Thema der Hauptstimme zu Beginn der Durchführung düster und angespannt (in Moll, tiefer Lage). Wenig später schließt es polyphon an das 2. Nebenthema an.

Der allgemeine Höhepunkt ist auf scharfen Akkorden in einem synkopierten Rhythmus und in zunehmender Dynamik aufgebaut. Für die damaligen Zuhörer erweckte dieser Moment den Eindruck einer dissonanten Falschheit, insbesondere durch das dissonante Horn. Das Ergebnis einer kraftvollen Injektion ist das Erscheinen eines sanften und traurigen Oboenthemas - eine ganz neue Episode im Rahmen der Sonatenentwicklung. Das neue Thema erklingt zweimal: in e-moll und f-moll, danach kehren die Ausstellungsbilder zurück.

Koda in kürzerer Form wiederholt es den Weg der Entwicklung, aber das Ergebnis dieses Weges ist anders: kein trauriger Höhepunkt in Moll, sondern die Behauptung eines siegreichen Heldenbildes. Eine reichhaltige Orchestertextur mit dem Summen von Pauken und Blechbläserfanfaren schafft eine Atmosphäre nationaler Feierlichkeiten.

zweiter Teil(c-moll) nannte Beethoven den „Trauermarsch“. Das Hauptthema des Marsches ist die Melodie einer traurigen Prozession. Die Intonationen von Ausruf (Wiederholung von Tönen) und Weinen (Seufzer) werden darin mit „ruckartigen“ Synkopen, leiser Klangfülle und Mollfarben kombiniert. Das Trauerthema wechselt in Es-dur mit einer anderen, männlichen Melodie, die als Verherrlichung des Helden empfunden wird.

Die Komposition des Marsches basiert auf dem Komplex 3 X-Privatform mit großem hellem Trio (C-dur).

Der auffallendste Kontrast tritt in der Symphonie zwischen dem Trauermarsch und dem Ungestümen auf Scherzo(Es-dur, komplexe 3-teilige Form). Sein Volksbilder bereitet das Finale vor. Die Musik des Scherzos ist erfüllt von ständiger Bewegung, Impuls. Sein Hauptthema ist ein schnell dahinströmender Strom willkürlicher invokativer Motive. IN Trio es gibt ein Fanfarenthema von drei Solohörnern, das an Jagdzeichen erinnert.

IV. Teil(Es-dur) der Symphonie bekräftigt die Idee eines nationalen Triumphs. Es ist in Form von Doppelvariationen geschrieben. 1. Thema Variationen klingt mysteriös und vage: fast konstant pp, Pausen, transparente Orchestrierung (Unisono von Pizzicato-Streichern).

Vor dem Erscheinen des 2. Themas des Finales gibt Beethoven zwei ornamentale Variationen über das 1. Thema. Ihre Musik erweckt den Eindruck eines allmählichen Erwachens, „Aufblühens“: das rhythmische Pulsieren lebt auf, die Textur verdichtet sich stetig, während sich die Melodie in eine höhere Lage bewegt.

2. Thema Variationen hat einen volkstümlichen, singenden und tänzerischen Charakter, es klingt hell und fröhlich mit Oboen und Klarinetten. Gleichzeitig dazu erklingt im Bass das 1. Thema. In Zukunft erklingen beide Themen des Schlusses entweder gleichzeitig oder getrennt (das 1. steht häufiger im Bass). Sie erfahren bildliche Transformationen. Es gibt kontrastreiche Episoden - mal entwicklungsgeschichtlicher Natur, mal materiell völlig eigenständig (wie z. 6. Variante - g-moll heroischer Marschüber das 1. Thema im Bass, bzw 9. Variante , basierend auf Thema 2: langsames Tempo, ruhige Klangfülle, plagale Harmonien verändern es komplett).

Den allgemeinen Höhepunkt des gesamten Variationszyklus bildet die 10. Variation, in der ein Bild grandiosen Jubels entsteht. Das zweite Thema klingt hier monumental und feierlich.

SYMPHONIE Nr. 5

(op. 67, c-moll)

Sie wurde 1808 fertiggestellt und im Dezember desselben Jahres in Wien unter der Leitung des Autors zeitgleich mit der 6. Symphonie uraufgeführt. In der 5. Symphonie offenbart sich das Hauptthema von Beethovens Symphonie – das Heldentum des Kampfes. Der viersätzige Zyklus der 5. Sinfonie zeichnet sich durch seine seltene Geschlossenheit aus:

· Die gesamte Komposition ist vom pochenden Rhythmus des „Schicksalsmotivs“ durchzogen;

· Die Teile 3 und 4 sind durch ein Prädikat verbunden, wodurch der Siegeszug des Finales nicht nur mit einer Attacca, sondern gleich mit einer Kulmination beginnt;

· Teile der Symphonie vereinen Intonationsverbindungen. So wird zum Beispiel der C-Moll-Marsch aus Satz III in der Durchführung des Finales wiederholt, Elemente massenhafter heroischer Genres machen Andantes Texte zu einem Bezug zum Finale.

Sonate allegro Teil I ( c-moll) basiert fast ausschließlich auf dem Prinzip des Ableitungskontrasts. Es zeigt sich bereits in Thema der Hauptpartei . Es ist unmöglich, eindeutig zu sagen, ob es kontrastierend oder homogen ist. Einerseits steht der betont kraftvolle Unisono des Orchestertutti der ersten Takte dem willensstarken Streben der weiteren Fortsetzung scharf entgegen. Grundlage des Kontrasts ist jedoch das gleiche Motiv. Es wird gleichzeitig sowohl als „fatales Element“ als auch als Manifestation des beginnenden Gegengesteins wahrgenommen.

Im Rhythmus des „Schicksalsmotivs“ baut sich die Kampffanfare der Waldhörner auf, die zum Seitenteil (Ligament) führt, und die Bassbegleitung zum Lyrischen Nebenthema (Es-dur). Die Aktivierung des lyrischen Anfangs führt zur Behauptung des Heldentums in Endspiel (Es-dur) - energisch, Fanfare.

Hauptmerkmal Entwicklung - Monotonie. Das Seitenthema wird fast vollständig entfernt, die gesamte Entwicklung steht im Zeichen des „Schicksalsmotivs“. Es klingt in zwei gegensätzlichen Versionen – streng gebieterisch und erbärmlich rastlos. Dadurch wird die gesamte Entwicklung von einem einzigen rhythmischen Pulsieren durchdrungen, was zu ihrer Integrität beiträgt.

Am Höhepunkt der Entwicklung auf ff in einem orchestralen Tutti erklingt vor dem Hintergrund von mind. VII 7 das „Schicksalsmotiv“. Dieser Moment fällt mit dem Beginn der Reprise zusammen. In der Reprise des Hauptteils wird der traurige Anfang verstärkt: Ein trauriges Rezitativ der Oboe taucht darin auf. Der erste Teil des großen Dramas Code Entwicklungscharakter.

II. Teil– Andante, As-dur, Doppelvariationen. Vieles in dieser Musik nimmt das Finale vorweg – das zweite, marschartige Variationsthema mit seinen beschwörenden hymnischen Intonationen, dem marschierenden, ziselierten Schritt, dem festlichen Klang von C-dur. Das 1. Thema der Variationen ist ruhiger und liedhafter, enthält ein lyrisches Element; gleichzeitig ist es eindeutig mit dem zweiten verwandt. Im Variationsprozess offenbart sich die innere Beziehung der Themen mit aller Deutlichkeit, da das erste Thema nach und nach ebenfalls aktiviert wird und sich in einen Marsch verwandelt.

III. Teil enthält keine Gattungsbezeichnung ("Menuett" oder "Scherzo"). In ihrer rastlosen und strengen Musik gibt es weder Tanz noch Spaß (mit Ausnahme des Trios in der Figur Volkstanz). Dies ist ein weiterer Kampf mit dem Rock, wie die Rückkehr der ursprünglichen Tonalität und die Entwicklung des "Schicksalsmotivs" belegen. In der Komposition des dritten Teils werden die äußeren Konturen einer komplexen 3-stimmigen Form mit Trio bewahrt, aber die Logik der dramatischen Entwicklung tiefgehend überdacht.

Erster Abschnitt baut auf zwei Themen auf, die in ihrer Bedeutung gegensätzlich sind (beide in c-moll). Erstes Thema für Bratschen und Celli pp, ist ein Dialog aus verstörenden Fragen und traurigen Antworten. Das zweite Thema drängt sich plötzlich auf ff am Wind. Sie erwuchs aus dem „Schicksalsmotiv“, das hier einen besonders herrischen und hartnäckigen Charakter annahm. Trotz der dreiteiligen Struktur weist dieses Thema deutliche Marschspuren auf. Der dreifache kontrastierende Wechsel der beiden Themen bildet eine rondoförmige Struktur. In C-dur-n Trio es gibt optimistische Bilder des Volkslebens. Ein aktives Gamma-ähnliches Thema voller kraftvollem Willensdruck entwickelt sich in Form eines Fugatos. Wiederholung Teil III ist gekürzt und stark transformiert: Der Kontrast, der die beiden Anfangsthemen auszeichnete, ist verschwunden – alles klingt auf einer soliden Basis pp, Pizzicato. Es herrscht eine einzige Stimmung ängstlicher Erwartung. Und plötzlich taucht ganz am Ende des Teils ein neues Motiv auf, auf dem der Übergang zum großen Finale aufbaut.

Das endgültige wird zum festlichen Höhepunkt der gesamten Sinfonie. Seine Besonderheit ist die engste Verbindung mit der Musik der Französischen Revolution: Heldenlieder und Märsche, Massenreigen, kämpferische Fanfaren, Siegesschreie, Pathos der Rede. Solche Bilder erforderten eine Stärkung der Orchesterressourcen: Zum ersten Mal in der symphonischen Musik enthielt die Partitur des Finales 3 Posaunen, eine kleine Flöte und ein Kontrafagott. Auch die Multi-Dunkelheit der Sonatensatzform des Finales trägt zum Eindruck des Massencharakters der Siegesfeier bei: Jedes der 4 Themen der Exposition baut auf eigenständigem Material auf. Gleichzeitig führt die Fülle der Themen nicht zu Kontrasten: Alle Themen sind Dur und festlich, basierend auf ziselierten, einfachen, fast elementaren melodischen Formeln (Bewegung entlang der Töne von Dreiklängen, schrittweise Auf- und Abstiege usw.). Der Unterschied liegt darin Genre Natur Themen: Hauptthema - marschieren, Bindung - hymnisch, Seite ist nah Reigen Tanz, das Finale klingt wie ein Triumphschrei .

BEETHOVEN

Zusammenfassungen)

So sagte der Komponist beispielsweise zu einem seiner Gönner, Fürst Likhnovsky: „Es gab und wird Tausende von Fürsten geben, Beethoven ist nur einer.“

Sie wurden nicht in die Sammlung der 32 Beethoven-Sonaten aufgenommen.

Juliette Guicciardi gewidmet. Der Name wurde von dem deutschen romantischen Dichter Ludwig Relstab gegeben.

Es wurde von einem der Verleger gegeben.

Zu den symphonischen Werken gehören auch Beethovens Ouvertüren (die bekanntesten sind Coriolanus, Egmont, Leonora Nr. 1, Leonora Nr. 2, Leonore Nr. 3), das Programmorchesterstück Die Schlacht von Vittoria und Instrumentalkonzerte(5 Klavier, Violine und Tripel - für Klavier, Violine und Cello.

Der abgeleitete Kontrast ist ein solches Entwicklungsprinzip, bei dem ein neues kontrastierendes Motiv oder Thema das Ergebnis der Transformation des vorherigen Materials ist.

Als er erfuhr, dass Napoleon sich selbst zum Kaiser von Frankreich ernannte

Die Sechste, Pastorale Symphonie (F-dur, op. 68, 1808) nimmt einen besonderen Platz in Beethovens Schaffen ein. Von dieser Symphonie haben sich die Vertreter der romantischen Programmsinfonie weitgehend abgestoßen. Ein begeisterter Bewunderer der Sechsten Symphonie war Berlioz.

Das Thema Natur findet in der Musik Beethovens, eines der größten Naturdichter, eine breite philosophische Verkörperung. In der Sechsten Symphonie erlangten diese Bilder den vollständigsten Ausdruck, denn das eigentliche Thema der Symphonie sind Natur und Bilder des ländlichen Lebens. Die Natur ist für Beethoven nicht nur ein Objekt, um malerische Gemälde zu schaffen. Sie war für ihn der Ausdruck eines umfassenden, lebensspendenden Prinzips. Im Einklang mit der Natur fand Beethoven die Stunden reiner Freude, nach denen er sich sehnte. Aussagen aus Beethovens Tagebüchern und Briefen sprechen von seiner enthusiastischen pantheistischen Einstellung zur Natur (siehe S. II31-133). Mehr als einmal treffen wir in Beethovens Notizen auf Äußerungen, sein Ideal sei "frei", das heißt natürliche Natur.

Das Naturthema verbindet sich in Beethovens Werk mit einem anderen Thema, in dem er sich als Anhänger Rousseaus ausdrückt - das ist schlichte Poesie, natürliches Leben in Gemeinschaft mit der Natur, die geistige Reinheit des Bauern. In den Anmerkungen zu den Skizzen der Pastorale weist Beethoven mehrfach auf „Erinnerungen an das Leben auf dem Lande“ als Hauptmotiv für den Inhalt der Symphonie hin. Dieser Gedanke ist auch im vollständigen Titel der Symphonie auf dem Titelblatt der Handschrift erhalten (siehe unten).

Die Rousseau-Idee der Pastoralsinfonie verbindet Beethoven mit Haydn (Oratorium Die vier Jahreszeiten). Aber bei Beethoven verschwindet jene Patina des Patriarchats, die bei Haydn zu beobachten ist. Das Thema Natur und Landleben interpretiert er als eine der Varianten seines Hauptthemas vom „freien Menschen“ – damit ist er mit den „Stürmern“ verwandt, die in Anlehnung an Rousseau in der Natur einen befreienden Anfang sahen, sich ihr entgegenstellten die Welt der Gewalt, Zwang.

In der Pastoralsinfonie wandte sich Beethoven der Handlung zu, die in der Musik mehr als einmal vorkommt. Unter den Programmwerken der Vergangenheit widmen sich viele Naturbildern. Aber Beethoven löst das Prinzip der Programmierung in der Musik auf eine neue Art und Weise. Von der naiven Anschaulichkeit geht er zur poetisch vergeistigten Verkörperung der Natur über. Beethoven drückte seine Sicht auf das Programmieren mit den Worten aus: "Mehr Gefühlsausdruck als Malerei." Der Autor hat eine solche Vorwarnung und ein solches Programm im Manuskript der Sinfonie gegeben.

Allerdings sollte man nicht meinen, dass Beethoven hier bildhafte, bildnerische Möglichkeiten aufgegeben hat. musikalische Sprache. Beethovens sechste Sinfonie ist ein Beispiel für die Verschmelzung von Ausdrucks- und Bildprinzipien. Ihre Bilder sind stimmungsvoll, poetisch, vergeistigt von einem großen inneren Gefühl, durchdrungen von einem verallgemeinernden philosophischen Gedanken und zugleich malerisch und malerisch.

Das Thema der Symphonie ist charakteristisch. Beethoven bezieht sich hier auf Volksmelodien (obwohl er sehr selten echte Volksmelodien zitierte): In der Sechsten Symphonie finden Forscher Slavic volkstümliche Ursprünge. Insbesondere B. Bartok, ein großer Kenner Volksmusik verschiedenen Ländern, schreibt, dass der Hauptteil des ersten Teils der Pastorale ein kroatisches Kinderlied ist. Andere Forscher (Becker, Schönewolf) verweisen auch auf die kroatische Melodie aus der Sammlung von D. K. Kukhach „Lieder der Südslawen“, die der Prototyp des Hauptteils des I-Teils der Pastorale war:

Das Erscheinungsbild der Pastoralsinfonie ist geprägt von einer breiten Umsetzung volksmusikalischer Gattungen - Lendler (die Extremteile des Scherzos), Gesang (im Finale). Liedursprünge sind auch im Scherzo-Trio sichtbar - Nottebohm gibt Beethovens Skizze des Liedes "Glück der Freundschaft" ("Glück der Freundschaft", op. 88), das später in der Sinfonie verwendet wurde:

Die malerische thematische Natur der Sechsten Symphonie manifestiert sich in der breiten Verwendung von Zierelementen - verschiedene Arten von Gruppettos, Figurationen, lange Vorschlagsnoten, Arpeggios; Diese Art von Melodie bildet zusammen mit dem Volkslied die Grundlage der Thematik der Sechsten Symphonie. Dies macht sich besonders im langsamen Teil bemerkbar. Sein Hauptteil erwächst aus dem Gruppetto (Beethoven sagte, er habe hier die Melodie des Pirols eingefangen).

Die Beachtung der koloristischen Seite manifestiert sich deutlich in der harmonischen Sprache der Symphonie. Es wird auf die tertiären Tonalitätsvergleiche in den Durchführungsteilen hingewiesen. Sie spielen eine wichtige Rolle sowohl in der Entwicklung von Satz I (H-Dur - D-Dur; G-Dur - E-Dur) als auch in der Entwicklung von Andante ("Szene am Bach"), das eine farbenfrohe Zierde ist Variation über das Thema des Hauptteils. In der Musik der Sätze III, IV und V steckt viel helle Bildhaftigkeit. Somit verlässt keiner der Teile den Plan der Programmbildmusik, während die gesamte Tiefe der poetischen Idee der Symphonie erhalten bleibt.

Das Orchester der Sechsten Symphonie zeichnet sich durch eine Fülle solistischer Blasinstrumente (Klarinette, Flöte, Horn) aus. In „Scene by the Stream“ (Andante) nutzt Beethoven den Klangfarbenreichtum auf neue Weise Streichinstrumente. Er verwendet Divisi und Mutes in der Stimme der Celli und reproduziert das "Rauschen des Baches" (Anmerkung des Autors im Manuskript). Solche Techniken des Orchesterschreibens sind typisch für spätere Zeiten. Im Zusammenhang damit kann man von Beethovens Vorwegnahme der Züge eines romantischen Orchesters sprechen.

Die Dramaturgie der Symphonie als Ganzes unterscheidet sich stark von der Dramaturgie der Heldensymphonien. In Sonatenform (Teil I, II, V) werden Kontraste und Kanten zwischen den Abschnitten geglättet. "Hier gibt es keine Konflikte oder Kämpfe. Fließende Übergänge von einem Gedanken zum anderen sind charakteristisch. Dies ist besonders ausgeprägt in Teil II: Der Seitenteil setzt den Hauptteil fort und tritt vor demselben Hintergrund ein, vor dem der Hauptteil erklang:

Becker schreibt in diesem Zusammenhang über die Technik des „Melodienbesaitens“. Die Fülle der Thematik, die Dominanz des melodischen Prinzips ist in der Tat das charakteristischste Merkmal des Stils der Pastoralsymphonie.

Diese Merkmale der Sechsten Symphonie manifestieren sich auch in der Methode der Themenentwicklung - die Hauptrolle gehört der Variation. In Satz II und im Finale führt Beethoven die Variationsteile in Sonatenform ein (Durchführung in „Scene by the Stream“, Hauptstimme im Finale). Diese Kombination von Sonate und Variation wurde zu einem der Grundprinzipien in Schuberts lyrischer Symphonik.

Die Logik des Zyklus der Pastoralsinfonie mit den typischen klassischen Kontrasten wird jedoch durch das Programm bestimmt (daher ihre fünfteilige Struktur und das Fehlen von Zäsuren zwischen den Teilen III, IV und V). Sein Zyklus zeichnet sich nicht durch eine so effektive und konsequente Entwicklung aus wie in den heroischen Symphonien, wo der erste Teil im Mittelpunkt des Konflikts steht und das Finale seine Auflösung ist. Bei der Abfolge der Teile spielen Faktoren der Programm-Bild-Ordnung eine wichtige Rolle, obwohl sie der verallgemeinerten Idee der Einheit des Menschen mit der Natur untergeordnet sind.

Beethovens Beitrag zu Weltkultur vor allem durch seine symphonischen Werke bestimmt. Er war der größte Symphoniker, und in der symphonischen Musik kamen seine Weltanschauung und seine künstlerischen Grundprinzipien am besten zum Ausdruck.

Der Weg Beethovens als Symphoniker umfasste fast ein Vierteljahrhundert (1800 - 1824), sein Einfluss erstreckte sich jedoch auf das gesamte 19. und zu einem großen Teil sogar auf das 20. Jahrhundert. Im 19. Jahrhundert musste jeder Symphoniker für sich entscheiden, ob er eine der Linien von Beethovens Symphonik weiterführt oder versucht, etwas grundlegend anderes zu schaffen. So oder so, aber ohne Beethoven wäre die symphonische Musik des 19. Jahrhunderts eine ganz andere gewesen.

Beethoven hat 9 Sinfonien (10 blieben in Skizzen). Im Vergleich zu 104 von Haydn oder 41 von Mozart ist das nicht viel, aber jedes davon ein Ereignis. Die Bedingungen, unter denen sie komponiert und aufgeführt wurden, waren radikal anders als unter Haydn und Mozart. Für Beethoven ist die Symphonie erstens eine rein öffentliche Gattung, die hauptsächlich in großen Sälen von einem für damalige Verhältnisse ziemlich soliden Orchester aufgeführt wird; und zweitens ist das Genre ideologisch sehr bedeutsam, was es nicht erlaubt, solche Kompositionen auf einmal in Serien von 6 Stücken zu schreiben. Daher sind Beethovens Symphonien in der Regel viel größer als sogar Mozarts (mit Ausnahme der 1. und 8.) und grundsätzlich individuell konzipiert. Jede Sinfonie gibt einzige Entscheidung sowohl figurativ als auch dramatisch.

Zwar finden sich in der Abfolge von Beethovens Symphonien gewisse Muster, die Musikern schon lange aufgefallen sind. So sind ungerade Symphonien explosiver, heroischer oder dramatischer (mit Ausnahme der 1.), und gerade Symphonien sind "friedlicher", genre-inländischer (vor allem - 4., 6. und 8.). Dies lässt sich damit erklären, dass Beethoven Symphonien oft paarweise konzipiert und sogar gleichzeitig oder unmittelbar nacheinander geschrieben hat (5 und 6 haben bei der Uraufführung sogar Nummern „vertauscht“; 7 und 8 folgten hintereinander).

Neben Symphonien, die Sphäre Symphonische Kreativität Beethoven umfasst andere Gattungen. Anders als Haydn und Mozart fehlen bei Beethoven Genres wie Divertissement oder Serenade gänzlich. Aber es gibt Genres, die bei seinen Vorgängern nicht zu finden waren. Dies ist eine Ouvertüre (einschließlich einer unabhängigen, dh nicht mit Theatermusik verbundenen) und ein programmatisches symphonisches Stück "Die Schlacht von Vittoria". Alle Werke Beethovens aus der Konzertgattung sind ebenfalls der symphonischen Musik zuzuordnen, da bei ihnen die Orchesterstimme eine tragende Rolle spielt: 5 Klavierkonzerte, Violine, Tripel (für Klavier, Violine und Violoncello) und zwei Romanzen für Violine und Orchester. Reine Orchestermusik ist im Grunde auch das Ballett Die Schöpfungen des Prometheus, das nun als eigenständiges sinfonisches Werk aufgeführt wird.

Hauptmerkmale von Beethovens Symphonischer Methode

• Das Bild in der Einheit von gegensätzlichen Elementen zeigen, die sich bekämpfen. Beethovens Themen bauen oft auf gegensätzlichen Motiven auf, die eine innere Einheit bilden. Daher ihr innerer Konflikt, der als Voraussetzung für eine intensive Weiterentwicklung dient.
• Die große Rolle des abgeleiteten Kontrasts. Der abgeleitete Kontrast ist ein solches Entwicklungsprinzip, bei dem ein neues kontrastierendes Motiv oder Thema das Ergebnis der Transformation des vorherigen Materials ist. Das Neue erwächst aus dem Alten, das sich in sein eigenes Gegenteil verkehrt.
• Kontinuität der Entwicklung und qualitative Veränderungen in Bildern. Die Entwicklung von Themen beginnt buchstäblich mit ihrer Präsentation. So gibt es in der 5. Sinfonie im ersten Teil keinen einzigen Takt der eigentlichen Exposition (mit Ausnahme des "Epigraphs" - der allerersten Takte). Bereits im Hauptteil wird das Ausgangsmotiv auffallend transformiert – es wird sowohl als „fatales Element“ (das Motiv des Schicksals) als auch als Symbol des heroischen Widerstands, also des Anfangs, der sich dem Schicksal widersetzt, wahrgenommen. Auch das Thema der Hauptparty ist äußerst dynamisch, was im Verlauf der rasanten Entwicklung auch sofort gegeben ist. Deshalb Mit der Lakonie von Beethovens Themen sind die Partien der Sonatenformen sehr entwickelt. Beginnend mit der Exposition umfasst der Entwicklungsprozess nicht nur die Entwicklung, sondern auch die Reprise und Code, welche wird zu einer zweiten Entwicklung.
• Qualitativ neue Einheit des Sonaten-Symphonie-Zyklus, verglichen mit den Zyklen von Haydn und Mozart. Sinfonie wird „Instrumentales Drama“, wo jeder Teil ein notwendiges Glied in einer einzigen musikalischen und dramatischen „Aktion“ ist. Der Höhepunkt dieses "Dramas" ist das Finale. Das leuchtendste Beispiel für Beethovens Instrumental-Drama ist die „Heroische“ Symphonie, deren alle Teile durch eine gemeinsame Entwicklungslinie verbunden sind, die im Finale auf ein grandioses Bild eines überregionalen Triumphs gerichtet ist.

Apropos Beethovens Symphonien, man sollte seine hervorheben Orchesterinnovation. Von Innovationen:

• die eigentliche Bildung der Kupfergruppe. Obwohl die Trompeten immer noch zusammen mit den Pauken gespielt und aufgenommen werden, beginnt man, sie und die Hörner funktionell als eine einzige Gruppe zu behandeln. Dazu gesellen sich Posaunen, die es im Sinfonieorchester von Haydn und Mozart nicht gab. Posaunen spielen im Finale der 5. Symphonie (3 Posaunen), in der Gewitterszene der 6. (hier sind es nur 2), und auch in einigen Teilen der 9. (im Scherzo und in der Gebetsepisode der Finale sowie in der Coda).
• Die Verdichtung der „mittleren Schicht“ macht es erforderlich, die Vertikale von oben und unten zu erhöhen. Von oben erscheint die Piccoloflöte (in allen angegebenen Fällen, mit Ausnahme der Gebetsepisode im Finale der 9.) und von unten - das Kontrafagott (im Finale der 5. und 9. Symphonie). Aber in jedem Fall gibt es in einem Beethoven-Orchester immer zwei Flöten und Fagotte.

Fortsetzung der Tradition

Das Konzept des "Symphonismus" ist etwas Besonderes, da es keine Entsprechungen in der Theorie anderer Künste gibt. Es bezeichnet nicht nur das Vorhandensein von Symphonien im Werk des Komponisten oder den Umfang dieser Gattung, sondern eine besondere Eigenschaft der Musik. Symphonie ist eine besondere Dynamik der Bedeutungs- und Formentfaltung, der inhaltlichen Tiefe und Entlastung der Musik, emanzipiert vom Text, Literarische Handlung, Charaktere und andere semantische Realitäten von Opern- und Gesangsgattungen. Musik, die sich an den Zuhörer zur gezielten Wahrnehmung richtet, sollte eine viel größere und spezifische Menge an künstlerischer Information enthalten als Hintergrundmusik, die soziale Rituale schmückt. Solche Musik bildete sich allmählich in den Eingeweiden von Westeuropäische Kultur und fand seinen höchsten Ausdruck im Werk der Wiener Klassiker und den Höhepunkt seiner Entwicklung - im Werk von Ludwig van Beethoven (1770-1827).

Natürlich sind auch die herausragenden Instrumentalwerke von Händel und vor allem Bach vollgestopft tiefe Bedeutung, kolossale Energie des Denkens, die uns oft erlaubt, über ihre philosophische Natur zu sprechen. Aber wir dürfen nicht vergessen, dass der Inhalt der Musik von der Tiefe der Kultur der Person abhängt, die sie wahrnimmt. Und Beethoven war derjenige, der Komponisten nachfolgender Generationen lehrte, großangelegte instrumentale „Dramen“, „Tragödien“, „Romane“ und „Gedichte“ zu schaffen. Ohne seine Sonaten und Symphonien, Konzerte, Variationen, die die Symphonie des Denkens verkörpern, gäbe es nicht nur die romantische Symphonie von Schubert, Schumann, Brahms, Liszt, Strauss, Mahler, sondern auch Komponisten des 20. Jahrhunderts. - Schostakowitsch, Penderetsky, Schnittke, Kantscheli.

Beethoven schrieb in den neuen Gattungen der Klassik – Sonaten für Pianoforte, Sonaten für Pianoforte und Violine, Quartette, Symphonien. Divertissements, Kassationen, Serenaden waren nicht seine Gattungen, wie auch sein Leben, das sich in enger Nachbarschaft zu den Wiener Adelskreisen abspielte, kein Hofmannsleben war. Demokratie war das ersehnte Ziel des Komponisten, der sich große Sorgen um seine "niedrige" Herkunft machte. Aber er strebte nicht nach dem Titel, wie zum Beispiel der russische Dichter A. Fet, der sein ganzes Leben lang den Adel suchte. Parolen der Französischen Revolution liberte, egalite, fraternite (Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit), die er persönlich begrüßte, waren ihm zutiefst nahe und verständlich. In seiner letzten, Neunten Symphonie führte er den Chor bis zum Finale zu den Worten von F. Schiller „Umarmung, Millionen“. Solche „Materialisierungen“ des Wortgehalts in Instrumentalgattungen hat er nicht mehr, aber viele Sonaten und Symphonien sind von einem heroischen, heroisch-pathetischen Klang durchdrungen. Ja, in der Tat ist dies die figurativ-inhaltliche Hauptsphäre von Beethovens Musik, die von Bildern einer hellen Idylle abgesetzt wird, die oft einen für die Zeit charakteristischen pastoralen Ton haben. Aber auch hier, in den lyrischsten Fragmenten, spürt man immer innere Stärke, gebändigte Willenskraft, Kampfbereitschaft.

Beethovens Musik wurde in unserem Land, insbesondere in der Zeit der UdSSR, mit einem revolutionären Impuls und sogar mit konkreten Bildern sozialer Kämpfe identifiziert. Im zweiten Teil der Dritten Symphonie – dem berühmten Trauermarsch – hörten sie die Beerdigung eines im revolutionären Kampf gefallenen Helden; über die Sonate Nr. 23 "Arrazzyupaa" die Worte der Bewunderung von V.I. Lenin, Führer Oktoberrevolution als Beweis für ihr soziales und öffentliches Pathos. Ob dem so ist oder nicht, ist nicht die Frage: musikalische Inhalte konventionell und unterliegt sozialpsychologischen Dynamiken. Dass Beethovens Musik jedoch eindeutig konkrete Assoziationen zum Seelenleben eines handelnden und denkenden Menschen hervorruft, ist eindeutig.

Wenn es für das Verständnis von Mozarts Musik so wichtig ist, sich sein Theater vorzustellen, dann haben Beethovens musikalische Themen eine andere "Adresse": Um ihre Bedeutung zu entschlüsseln, muss man die Sprache von Opera-Vena, Opern von Händel, Gluck und vielen ihrer Zeitgenossen kennen , der typische Affekte mit typisierten Motivformeln ausdrückte. Barockzeit Mit ihrem Pathos, tragischen Texten, heroischen Rezitationen und idyllischen Anmut entwickelte sie Bedeutungsfiguren, die dank Beethoven die Form eines musikalischen Sprachsystems angenommen haben, das Originalität und Perfektion besitzt, um Bilder-Ideen auszudrücken, und nicht Charaktere und ihre " Verhaltensweisen". Viele von Beethovens Musik- und Sprachfiguren erhielten später die Bedeutung von Symbolen: Schicksal, Vergeltung, Tod, Trauer, ein idealer Traum, Liebeslust. Es ist kein Zufall, dass L. Tolstoi seine Erzählung „Die Kreutzer-Sonate“ der Neunten Violinsonate gewidmet hat, aus der ich bedeutsame Worte zitieren möchte: „Ist es möglich, dieses Presto im Wohnzimmer unter tiefbesetzten Damen zu spielen? neuster Klatsch. Diese Dinge können nur unter bestimmten, wichtigen, signifikanten Umständen gespielt werden und wenn es notwendig ist, bestimmte wichtige Aktionen auszuführen, die dieser Musik entsprechen. Zu spielen und zu tun, wofür mich diese Musik geschaffen hat."

Mit dem Begriff „Symphonie“ verbindet sich auch jene besondere auditive Instrumentalphantasie, die bei Beethoven auffällt, der schon früh sein Gehör verlor und viele seiner Meisterwerke mit völliger Taubheit schuf. Zu seinen Lebzeiten kam das Klavier zum Einsatz, das in den folgenden Epochen zum Hauptinstrument werden sollte. musikalische Kultur. Alle Komponisten, auch die mit feinem Timbre-Ohr, werden darauf ihre Werke für Orchester komponieren - sie werden am Klavier komponieren, und dann "Instrument", d.h. Musik für Orchesterstimmen schreiben. Beethoven sah die Kraft des zukünftigen "Orchesterklaviers" so voraus, dass seine Klaviersonaten in der Konservatoriumspraxis den Studenten als Übungen zur Orchestrierung gegeben werden. Auffallend ist bereits seine frühe Sonate Nr. 3 in C-Dur, bei der man im ersten Teil den Eindruck gewinnt, es handele sich hier um das „Klavier“ eines Klavierkonzerts; in diesem Zusammenhang kann die Sonate Nr. 21 (bekannt unter dem Namen „Aurora“) (als R. Schumann eine seiner Sonaten) „Konzert ohne Orchester“ genannt werden. Überhaupt sind die Themen von Beethovens Sonaten selten „Arien“ oder gar „Lieder“, sie zeichnen sich durch ihren prinzipiell orchestralen Charakter aus.

Jeder kennt Beethovens Instrumentalwerke, obwohl es nicht so viele sind: 9 Symphonien, 32 Klaviersonaten, 5 Klavierkonzerte, 1 Violinkonzert, 1 - Tripel (für Klavier, Violine und Cello), 10 Sonaten für Klavier und Violine, 5 - für Klavier und Cello, 16 Quartette. Alle von ihnen wurden viele Male aufgeführt und werden noch heute aufgeführt. Zeitgenössische Beethoven-Interpretationen stellen ein interessantes kulturelles Phänomen dar.