Wo wurde Sergei Prokofjew Dirigent und Komponist geboren. Sergei Prokofjews Biografie kurz

Sergei Prokofjew ist ein herausragender russischer Komponist und eine Persönlichkeit mit einzigartigem Schicksal. Ein Mann mit erstaunlichen Fähigkeiten, der mit nur 13 Jahren in das St. Petersburger Konservatorium eintrat. Ein Mann, der nach der Revolution ins Ausland ging, aber in die UdSSR zurückkehrte – mit Ehre und ohne das Stigma des „Überläufers“. Eine Person mit unerschütterlichem Streben, die von den Schwierigkeiten des Lebens nicht gebrochen wurde. Er wurde von den Behörden bevorzugt, hatte die höchsten staatlichen Auszeichnungen und wurde dann zu Lebzeiten vergessen und in Ungnade gefallen. Der Mann, der das „einzige Genie“ des 20. Jahrhunderts genannt wird und dessen erstaunliche Werke Zuhörer auf der ganzen Welt begeistern.

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Kurzbiographie von Prokofjew

Sergey Sergeevich Prokofiev stammt aus dem ukrainischen Dorf Sontsovka. Es gibt verschiedene Versionen seines Geburtsdatums, aber es ist ratsam, dasjenige anzugeben, das er selbst in seiner "Autobiographie" angegeben hat - den 11. (23.) April 1891. Es scheint, dass er bereits als Komponist geboren wurde, denn dank seiner Mutter Maria Grigoryevna, die ausgezeichnet Klavier spielte, war das Haus der Prokofjews voller Musik. Das Interesse an dem Instrument veranlasste die kleine Serezha, mit dem Spielen zu beginnen. Seit 1902 begann Sergei Prokofjew Musik zu unterrichten R.M. Segelflugzeug.

Prokofjew wurde 1904 Student am Moskauer Konservatorium. Fünf Jahre später absolvierte er die Kompositionsabteilung und fünf Jahre später die Klavierabteilung und wurde der beste Absolvent. Er begann 1908 Konzerte zu geben. Das Debüt wurde von Kritikern äußerst positiv bewertet, sowohl das darstellerische Talent als auch die Originalität des Komponisten wurden hervorgehoben. Seit 1911 wurden Notizen seiner Werke veröffentlicht. Der Wendepunkt im Schicksal des jungen Prokofjew war seine Bekanntschaft SP Diagilew im Jahr 1914. Dank der Vereinigung des Unternehmers und des Komponisten wurden vier Ballette geboren. 1915 organisierte Diaghilev Prokofjews ersten Auftritt im Ausland mit einem Programm, das aus seinen Kompositionen bestand.

Prokofjew empfand die Revolution als Zerstörung, „Massaker und Wild“. Deshalb ging er gleich im nächsten Jahr nach Tokio und von dort nach New York. Er lebte lange Zeit in Frankreich und tourte als Pianist durch die alte und neue Welt. 1923 heiratete er die spanische Sängerin Lina Codina, sie bekamen zwei Söhne. Zu Auftritten kommen die Sowjetunion, sieht Prokofjew einen außergewöhnlich herzlichen, ja luxuriösen Empfang durch die Behörden, einen grandiosen, beispiellosen Erfolg beim Publikum, und er erhält auch ein Rückkehrangebot und die Zusage des Status "des ersten Komponisten". Und 1936 zog Prokofjew mit seiner Familie und seinem Besitz nach Moskau. Die Behörden haben ihn nicht getäuscht - eine luxuriöse Wohnung, gut ausgebildete Bedienstete, Befehle strömen wie aus einem Füllhorn herein. 1941 verließ Prokofjew die Familie zugunsten von Mira Mendelssohn.

unerwartet dramatische Ereignisse 1948 begann. Der Nachname von Prokofjew wurde in der Resolution der Partei "Über die Oper" Great Friendship "von V. Muradeli" erwähnt. Der Komponist wurde zu den „Formalisten“ gezählt. Infolgedessen wurden einige seiner Kompositionen, insbesondere die Sechste Symphonie, verboten, der Rest wurde fast nie aufgeführt. Diese Beschränkungen wurden jedoch bereits 1949 auf persönlichen Befehl Stalins aufgehoben. Dabei stellte sich heraus, dass auch der „erste Komponist“ des Landes nicht zur Kaste der Unberührbaren gehört. Weniger als zehn Tage nach der Veröffentlichung des verheerenden Dekrets wurde die erste Frau des Komponisten, Lina Iwanowna, verhaftet. Sie wurde wegen Spionage und Hochverrats zu 20 Jahren Lagerhaft verurteilt, erst 1956 kam sie frei. Prokofjews Gesundheitszustand verschlechterte sich zusehends, die Ärzte rieten ihm, kaum noch zu arbeiten. Trotzdem wohnte er 1952 persönlich der Uraufführung seiner Siebten Symphonie bei und schrieb noch am letzten Tag seines Lebens Musik. Am Abend des 5. März 1953 blieb Sergei Prokofjews Herz stehen...

Prokofjew - Komponist

Aus der Biografie von Prokofjew wissen wir, dass Seryozha im Alter von fünf Jahren sein erstes Stück auf dem Klavier erfand und spielte (Maria Grigoryevna schrieb die Noten auf). Nachdem er 1900 Moskauer Produktionen von " Faust" Und " Dornröschen“, war das Kind so begeistert von dem, was es hörte, dass nur sechs Monate später seine erste Oper „Der Riese“ geboren wurde. Bereits beim Betreten des Konservatoriums hatten sich mehrere Ordner mit Kompositionen angesammelt.

Die Idee seiner ersten großen Oper nach der Handlung des Romans von F.M. Dostojewski " Spieler“, zu dem Prokofjew in seiner Jugend wechseln wollte Opernbühne, wurde vom Komponisten hauptsächlich mit S. Diaghilev besprochen. Was sich jedoch nicht für die Idee interessierte. Anders als der Chefdirigent des Mariinsky-Theaters A. Coates, der sie unterstützte. Die Oper wurde 1916 fertiggestellt, die Stimmenverteilung wurde vorgenommen, die Proben begannen, aber aufgrund einer unglücklichen Reihe von Hindernissen kam es nie zur Uraufführung. Nach einer Weile machte Prokofjew die zweite Ausgabe der Oper, aber sie Grand Theatre erst 1974 eingestellt. Zu Lebzeiten des Komponisten wurde nur die Produktion der zweiten Ausgabe durch das Brüsseler Theater La Monnaie im Jahr 1929 realisiert, wo die Oper in französischer Sprache aufgeführt wurde. Das letzte Werk, das im vorrevolutionären St. Petersburg geschrieben und aufgeführt wurde, war die Erste Symphonie. Während der Zeit des Auslandslebens entstanden: Opern " Liebe für drei Orangen"und" Fiery Angel", drei Sinfonien, viele Sonaten und Stücke, Musik für den Film "Leutnant Kizhe", Konzerte für Celli, Klavier, Geigen mit Orchester.

Die Rückkehr in die UdSSR ist eine Zeit der Schnelllebigkeit kreativer Aufbruch Prokofjew, als die Werke, die sein " Visitenkarte» auch für diejenigen, die mit klassischer Musik nicht vertraut sind - Ballett "Romeo und Julia" und das symphonische Märchen „Peter und der Wolf“. 1940 das Opernhaus. KS Stanislavsky gibt die Premiere von Seeds of Kotko. Gleichzeitig wurde die Arbeit an der Oper Verlobung im Kloster abgeschlossen, bei der M. Mendelssohn als Co-Autor des Librettos fungierte.

1938 erschien S. Eisensteins Film „Alexander Newski“, der in wenigen Jahren zum Symbol des Kampfes gegen die Nazi-Invasoren werden sollte. Die Musik dieses Films sowie des zweiten monumentalen Films des Regisseurs "Iwan der Schreckliche" wurde von Sergej Prokofjew geschrieben. Die Kriegsjahre waren geprägt von der Evakuierung in den Kaukasus sowie der Arbeit an drei Hauptarbeiten: Fünfte Sinfonie, Ballett "Aschenputtel", Oper " Krieg und Frieden". Der Autor des Librettos dieser Oper und nachfolgender Werke des Komponisten war seine zweite Frau. Die Nachkriegszeit ist vor allem durch zwei Sinfonien geprägt – die Sechste, die als eine Art Requiem für die Opfer des Krieges gilt, und die Siebte, die der Jugend und den Hoffnungen gewidmet ist.

Interessante Fakten:

• Die 1916 für das Mariinski-Theater geschriebene Fassung der Oper Der Spieler wurde dort nie aufgeführt. Die Uraufführung der zweiten Auflage fand erst 1991 statt.
• Zu Lebzeiten von Prokofjew wurden nur 4 seiner Opern in der UdSSR aufgeführt. Zur gleichen Zeit - kein einziges im Bolschoi-Theater.
• Sergej Prokofjew hinterließ zwei legale Witwen. Einen Monat vor der Verhaftung von L. Prokofieva, die sich nicht von ihm scheiden ließ, entweder aus Gründen ihrer eigenen Sicherheit oder weil sie ihre Geliebte aufrichtig nicht gehen lassen wollte, heiratete die Komponistin erneut. Ihm wurde geraten, die gesetzlichen Bestimmungen des Erlasses über das Eheschließungsverbot mit Ausländern anzuwenden, der die in Deutschland geschlossene kirchliche Ehe mit Lina Iwanowna als ungültig anerkennt. Prokofjew beeilte sich, die Beziehungen zu M. Mendelssohn zu legalisieren und damit zu ersetzen Ex-Frau unter dem Schlag der sowjetischen Unterdrückungsmaschinerie. Schließlich verwandelte sie sich mit einem Federstrich und gegen ihren Willen von Prokofjews Frau in eine einsame Ausländerin, die Beziehungen zu anderen Ausländern in Moskau unterhielt. Nach der Rückkehr aus dem Lager stellte die erste Frau des Komponisten vor Gericht alle ihre ehelichen Rechte wieder her, einschließlich eines erheblichen Teils des Erbes.
• Der Komponist war ein brillanter Schachspieler . „Schach ist die Musik des Denkens“ ist einer seiner berühmtesten Aphorismen. Einmal konnte er sogar eine Partie gegen den Schachweltmeister H.-R. Capablanca.

• Von 1916 bis 1921 sammelte Prokofjew ein Album mit Autogrammen von seinen Freunden, die die Frage beantworteten: "Was denkst du über die Sonne?". Unter denen, die geantwortet haben, waren K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinshtein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont. Prokofjews Werk wird oft als sonnig, optimistisch, fröhlich bezeichnet. Sogar sein Geburtsort wird in einigen Quellen Solntsevka genannt.
• Prokofjews Biografie vermerkt, dass der Komponist in den Anfangsjahren seiner Auftritte in den Vereinigten Staaten dort als „musikalischer Bolschewik“ bezeichnet wurde. Das amerikanische Publikum erwies sich als zu konservativ, um seine Musik zu verstehen. Außerdem hatte sie bereits ihr eigenes russisches Idol - Sergei Rachmaninov.
• Nach seiner Rückkehr in die UdSSR erhielt Prokofjew eine geräumige Wohnung in einem Haus in Zemlyanoy Val 14, in dem insbesondere der Pilot V. Chkalov, der Dichter S. Marshak, der Schauspieler B. Chirkov und der Künstler K. Yuon lebten. Sie erlaubten mir auch, einen im Ausland gekauften blauen Ford mitzubringen und sogar einen persönlichen Fahrer zu bekommen.
• Zeitgenossen bemerkten die Fähigkeit von Sergej Sergejewitsch, sich mit Geschmack zu kleiden. Er war weder durch helle Farben noch durch mutige Kombinationen in der Kleidung verlegen. Er liebte französische Parfums und teure Accessoires wie Krawatten, erlesene Weine und Gourmetgerichte.
• Sergei Prokofjew führte 26 Jahre lang ein detailliertes persönliches Tagebuch. Aber nach seinem Umzug in die Sowjetunion entschied er, dass es klüger sei, dies nicht mehr zu tun.

• Nach dem Krieg lebte Prokofjew hauptsächlich in einer Datscha im Dorf Nikolina Gora bei Moskau, die er mit dem Geld des fünften Stalin-Preises kaufte. In Moskau war sein Zuhause drei Zimmer in einer Wohngemeinschaft, in der neben dem Komponisten und seiner Frau auch der Stiefvater von Mira Abramowna lebte.
• Der Komponist hat oft Fragmente und Melodien früherer Werke in seine Werke aufgenommen. Beispiele beinhalten:
  - Die Musik des Balletts "Ala and Lolly", die S. Diaghilev nicht inszenieren wollte, wurde von Prokofjew in die Skythen-Suite umgearbeitet;
  - die Musik der Dritten Symphonie ist der Oper "Fiery Angel" entnommen;
  - Die vierte Sinfonie wurde aus der Musik des Balletts "Verlorener Sohn" geboren;
  - Das Thema „Tatarensteppe“ aus dem Gemälde „Iwan der Schreckliche“ bildete die Grundlage von Kutusows Arie in der Oper „Krieg und Frieden“.
• "Steel lope" zum ersten Mal sah ich Russische Szene erst 2015, 90 Jahre nach seiner Gründung.
• Der Komponist beendete wenige Stunden vor seinem Tod die Arbeit am Duett von Katerina und Danila aus dem Ballett "The Tale of the Stone Flower".
• Das Leben von S.S. Prokofjew und I. V. Stalin wurde an einem Tag abgeschnitten, wodurch der Tod des Komponisten mit Verzögerung im Radio bekannt gegeben wurde und die Organisation der Beerdigung viel schwieriger war.

Sergej Prokofjew und das Kino

Die Schaffung von Filmmusik durch einen Komponisten dieses Kalibers ist in der Kunst beispiellos. 1930-40 schrieb Sergei Prokofjew Musik für acht Filme. Einer von ihnen, The Queen of Spades (1936), erblickte aufgrund eines Brandes bei Mosfilm, der die Filme zerstörte, nie das Licht der Welt. Prokofjews Musik für den allerersten Film, Lieutenant Kizhe, wurde unglaublich populär. Darauf basierend schuf der Komponist eine symphonische Suite, die von Orchestern auf der ganzen Welt aufgeführt wurde. Zu dieser Musik entstanden später zwei Ballette. Prokofjew nahm den Vorschlag der Filmemacher jedoch nicht sofort an – seine erste Reaktion war eine Absage. Aber nach der Lektüre des Drehbuchs und einer ausführlichen Diskussion über die Absicht des Regisseurs interessierte er sich für die Idee und, wie er in seiner Autobiographie feststellte, arbeitete er schnell und mit Freude an der Musik für Lieutenant Kizhe. Die Erstellung der Suite erforderte mehr Zeit, Neuorchestrierung und sogar Überarbeitung einiger Themen.

Im Gegensatz zu "Lieutenant Kizhe", dem Vorschlag, Musik für den Film zu schreiben, " Alexander Newski Prokofjew nahm ohne zu zögern an. Sie kannten Sergej Eisenstein schon lange, Prokofjew hielt sich sogar für einen Fan des Regisseurs. Die Arbeit an dem Bild war ein Fest echter Co-Creation: Mal schrieb der Komponist einen Notentext, und der Regisseur baute Dreharbeiten und Schnitt der Folge auf dessen Grundlage auf, mal schaute sich Prokofjew das fertige Material an und klopfte mit Rhythmen auf Holz seine Finger und bringt nach einer Weile die fertige Partitur. Die Musik von "Alexander Newski" verkörperte alle Hauptmerkmale von Prokofjews Talent und trat verdientermaßen in den goldenen Fonds der Weltkultur ein. Während der Kriegsjahre schuf Prokofjew Musik für drei patriotische Filme: „Partisanen in den Steppen der Ukraine“, „Kotovsky“, „Tonya“ (aus der Filmsammlung „Our Girls“) sowie für den biografischen Film „Lermontov“. (zusammen mit W. Puschkow).

Last but not least Prokofjews Arbeit an S. Eisensteins Film Iwan der Schreckliche, die in Alma-Ata begann. Die Musik von „Iwan der Schreckliche“ setzt mit ihrer volkstümlichen Kraft die Themen von „Alexander Newski“ fort. Aber das zweite gemeinsame Bild der beiden Genies besteht nicht nur aus Heldenszenen, sondern erzählt auch von der Geschichte der Bojarenverschwörung und diplomatischen Intrigen, die eine vielfältigere musikalische Leinwand erforderten. Dieses Werk des Komponisten wurde mit dem Stalin-Preis ausgezeichnet. Auch nach dem Tod von Prokofjew diente die Musik von Iwan dem Schrecklichen als Grundlage für die Entstehung des Oratoriums und Balletts.

Trotz der Tatsache, dass das erstaunliche Schicksal von Sergei Prokofjew die Grundlage eines interessanten Drehbuchs bilden könnte, gibt es immer noch keine Spielfilme über das Leben des Komponisten. Zu diversen Jubiläen – ab Geburts- oder Todestag – entstanden ausschließlich Fernsehfilme und Sendungen. Vielleicht liegt dies daran, dass sich niemand verpflichtet, die mehrdeutigen Handlungen von Sergej Sergejewitsch eindeutig zu interpretieren. Aus welchen Gründen kehrte er in die UdSSR zurück? War die Sowjetzeit seiner Arbeit Konformismus oder Innovation? Warum ist seine erste Ehe gescheitert? Warum hat er Lina Iwanowna erlaubt, sich rücksichtslos zu weigern, aus dem Militär-Moskau evakuiert zu werden, nicht zumindest die Kinder mitzunehmen? Und kümmerte ihn überhaupt etwas außer seiner eigenen Eitelkeit und schöpferischen Verwirklichung - das Schicksal der verhafteten ersten Frau und seiner eigenen Söhne zum Beispiel? Auf diese und viele andere brennende Fragen gibt es keine Antworten. Es gibt Meinungen und Vermutungen, die dem großen Komponisten möglicherweise nicht gerecht werden.

Der große russische Komponist, der im Alter von 9 Jahren seine erste Oper schrieb. Meister große Formen, dem es gelang, sowohl die Shakespeare-Leidenschaften von Romeo und Julia als auch die Begegnung der Pionierin Petya mit dem Wolf in die Sprache der Musik zu übersetzen.

Der berühmte Komponist wurde in der Provinz Jekaterinoslaw in der Familie eines Agronomen geboren. Der Junge aus der Kindheit zeigte musikalische Fähigkeit, seine erste Lehrerin war seine Mutter - eine gute Pianistin. 1902-1903 nahm Prokofjew Privatunterricht bei dem Komponisten Reinhold Gliere. 1904 trat er in das St. Petersburger Konservatorium ein. 1909 schloss Prokofjew es als Komponist ab, fünf Jahre später - als Pianist, und studierte es bis 1917 in der Orgelklasse.

Prokofjew begann ab 1908 als Solist aufzutreten und eigene Werke aufzuführen. Als Schüler von Rimski-Korsakow begann der Komponist Prokofiev mit Klavierstücken und Sonaten, aber die Chicagoer Premiere brachte ihm Ruhm – die fröhlichste Oper der Welt, The Love for Three Oranges. Ohne die Musik von Prokofjew ist sie heute nicht mehr wegzudenken anerkanntes Meisterwerk Vorkriegskino - der Film "Alexander Newski". Und die musikalische Untermalung von „Iwan der Schreckliche“ von Sergei Eisenstein erhalten eigenes Leben als eigenständiges Werk.

1918 verließ er den Sowjetstaat und gelangte über Tokio in die Vereinigten Staaten. In den folgenden Jahrzehnten lebte und tourte Prokofjew in Amerika und Europa und trat auch mehrmals in der UdSSR auf. 1936 kehrte er mit seiner spanischen Frau Lina Codina und seinen Söhnen in seine Heimat zurück. Nach der Rückkehr entstanden das berühmte Märchen „Peter und der Wolf“ sowie die Oper „Krieg und Frieden“. Zwölf Jahre lang arbeitete Prokofjew an dem Epos.

1948 wurde Lina Kodina, die zu diesem Zeitpunkt seine Ex-Frau war, verhaftet und ins Exil geschickt (1956 freigelassen, sie verließ später die UdSSR). Im selben Jahr begann Prokofjew wegen Formalismus zerschlagen zu werden, seine Werke wurden scharf als unangemessen für den sozialistischen Realismus kritisiert.

Prokofjew starb im Alter von 61 Jahren an einer hypertensiven Krise.

Fragmente aus der Autobiographie von S.S. Prokofjew.

<...>Mutter liebte Musik, Vater respektierte Musik. Wahrscheinlich liebte er sie auch, aber philosophisch als Manifestation der Kultur, als Flucht des menschlichen Geistes. Einmal, als ich als Junge am Klavier saß, blieb mein Vater stehen, hörte zu und sagte:
- Edle Klänge.
Das ist der Schlüssel zu seiner Einstellung zur Musik.
<...>Mutters Einstellung zur Musik war eher praktisch. Sie spielte nicht schlecht Klavier, und ihre ländliche Muße erlaubte ihr, dieser Sache so viel Zeit zu widmen, wie sie wollte. Hatte sie kaum musikalische Talente; Die Technik war schwierig, und den Fingern fehlten Polster vor den Nägeln. Sie hatte Angst, vor Leuten zu spielen. Aber sie hatte drei Tugenden: Ausdauer, Liebe und Geschmack. Mutter suchte die bestmögliche Umsetzung des Gelernten, behandelte ihre Arbeit mit Liebe und interessierte sich ausschließlich für ernste Musik. Letzteres spielte eine große Rolle bei der Kultivierung meines Musikgeschmacks: Von Geburt an hörte ich Beethoven und Chopin, und ich erinnere mich, dass ich im Alter von zwölf Jahren leichte Musik bewusst verachtete. Als meine Mutter auf meine Geburt wartete, spielte sie bis zu sechs Stunden am Tag: Der zukünftige kleine Mann wurde zur Musik geformt.

<...>]Musikalische Neigungen zeigten sich früh, wahrscheinlich im Alter von vier Jahren. Seit meiner Geburt höre ich Musik im Haus. Als sie mich abends ins Bett brachten, aber ich hatte keine Lust zu schlafen, lag ich da und lauschte, wie irgendwo in der Ferne, mehrere Zimmer entfernt, Beethovens Sonate erklang. Mutter spielte vor allem die Sonaten aus dem ersten Band; dann Chopins Präludien, Mazurkas und Walzer. Manchmal etwas von Liszt, was nicht so schwierig ist. Von russischen Autoren - Tschaikowsky und Rubinstein. Anton Rubinstein war auf dem Höhepunkt seines Ruhms, und seine Mutter war sich sicher, dass er ein größeres Phänomen als Tschaikowsky war. Rubinsteins Porträt hing über dem Klavier.

<...>Die Mutter begann ihren Klavierunterricht mit Übungen von Ganon und Etüden von Czerny. Hier habe ich versucht, mich an die Tastatur zu schmiegen. Mutter, die mit Übungen in der mittleren Lage beschäftigt war, reservierte mir manchmal die beiden oberen Oktaven, auf denen ich meine Kindheitsexperimente klopfte. Auf den ersten Blick ein ziemlich barbarisches Ensemble, aber die Rechnung der Mutter erwies sich als richtig, und bald setzte sich das Kind alleine ans Klavier und versuchte, etwas aufzuheben. Mutter hatte eine pädagogische Ader. Unmerklich versuchte sie, mich anzuleiten und zu erklären, wie man das Werkzeug benutzt. Die Tatsache, dass sie spielte, war ich neugierig und kritisch und sagte manchmal:
- Ich mag dieses Lied (ich sagte "Ich mag es"). Lass sie mein sein.
Es gab auch Streit mit meiner Großmutter: Was für ein Spiel spielte die Mutter. Ich hatte meistens recht.
Das Hören von Musik und das Improvisieren am Keyboard brachten mich dazu, eigenständige Stücke aufzunehmen.

<...>Im Frühjahr und Sommer 1897 nahm ich drei Stücke auf: Walzer, Marsch und Rondo. Im Haus gab es kein Notenblatt, der Schreiber Wanka linierte es für mich. Alle drei Stücke standen in C-Dur<...>Der vierte stellte sich als etwas schwieriger heraus – ein Marsch in h-Moll. Dann kam Ekaterina Ippokratovna in Sontsovka an, die Frau dieses Lyashchenko, dem ich mich nicht um seine Glatze scherte. Sie spielte gut Klavier und lernte sogar ein wenig bei ihrer Mutter. Zusammen spielten sie vier Hände, was mir sehr gut gefallen hat: Sie spielen verschiedene Dinge, aber zusammen kommt es ziemlich gut heraus!
- Mama, ich werde einen Marsch zu vier Händen schreiben.
- Es ist schwierig, Sergushechka. Sie können Musik nicht für eine Person und eine andere auswählen.
Trotzdem setzte ich mich hin, um abzuholen, und der Marsch ging aus. Es war schön, es zu vier Händen zu spielen und zu hören, wie es zusammen klingt, wenn man es separat aufnimmt. Immerhin war es der erste Treffer!

<...>Zu meinem musikalische Entwicklung Mutter mit großer Aufmerksamkeit und Vorsicht behandelt. Die Hauptsache ist, das Kind für Musik zu interessieren und es, Gott bewahre, nicht mit langweiligem Pauken zu verdrängen. Also: Möglichst wenig Zeit für Übungen und möglichst viel für die Einarbeitung in die Literatur. Der Blickwinkel ist wunderbar, den sich Mütter merken sollten.

SS. Prokofjew. Autobiographie. M., "Sowjetischer Komponist", 1973.

In der Frühzeit von Prokofjews Schaffen steht Klaviermusik verschiedenster Formen im Vordergrund – von Miniaturen bis zu kleinen Zyklen, Konzerten und Sonaten. In kleinen Programmklavierstücken reift der ursprüngliche Stil des Komponisten heran. Die zweite Welle des Aufstiegs von Prokofjewskaja Klaviermusik- Ende der 30er - Anfang der 40er Jahre, als der Sonaten-Dreiklang (Nr. 6, 7, 8) geboren wurde, der an epischer Kraft und dramatischer Konflikttiefe den Sinfonien fast ebenbürtig ist der gleichen Zeit - die fünfte und sechste.

Prokofjews Beitrag zur Klavierliteratur des 20. Jahrhunderts ist nur mit dem von Debussy, Skrjabin und Rachmaninow vergleichbar. Wie dieser schuf er eine Reihe monumentaler „Konzertsymphonien“ für Klavier und setzte in diesem Sinne die von Tschaikowsky hinterlassene Tradition fort.

Prokofjews Pianismus ist grafisch, muskulös, pedallos, was das Gegenteil von Rachmaninovs romantischem Stil und Debussys impressionistischer Fluktuation ist. B. Asafiev: "Strenger Konstruktivismus wird mit psychologischer Ausdruckskraft kombiniert." Merkmale: Elan, Toccato, konstante Dynamik, Instrumentalmelodie, transparente Textur, Neigung zum Psychologismus, gewagte Klangfarbenkombinationen, klare Formen, Spiel in extremen Lagen (Debussy). Scharfe Bildkontraste: Ursprünglichkeit und Eleganz, barbarischer Fauvismus und Raffinesse, Prosapassagen und Märchenepisoden, Sarkasmus und Lyrik.

Prokofjews Klavierwerk ist vielfältig im Genre ( Klavierzyklen, Miniaturen, Transkriptionen von Ballettkompositionen, Konzertsonaten). Prokofjew gilt neben Strawinsky, Bartok, Hindemith zu Recht als Vertreter der antiromantischen Tradition der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Überwindung der romantischen Interpretation des Klaviers ist auf mehrere Faktoren zurückzuführen:

Ablehnung sinnlicher Klanginterpretation (trocken, hart, glasig). Die besondere Rolle der Betonung, Non-Legato-Stil;

unbelastet klingen. Häufiger Einsatz extremer Register. Kein Völlegefühl;

Schlagzeuginterpretation des Klaviers. Prokofjew setzt die Traditionen der frühklassischen Kunst von Scarlatti, Haydn, französischen Clavisinisten, Debussys Clavier-Klassizismus und in der russischen Tradition von Mussorgsky fort.

Trotz der Dominanz antiromantischer Traditionen weist Prokofjews Klavierstil auch Züge romantischer Klaviermusik auf. Dies gilt insbesondere in Bezug auf die Momente von Kantilenenthemen. Gewöhnlich Klavier Kreativität Prokofjew ist in drei Perioden unterteilt:

1) Früh . Vor der Abreise ins Ausland (1908 - 1918). In dieser Zeit entstanden vier Sonaten, zwei Konzerte, Etüden (op. 2), Theaterstücke (op. 3,4), Toccata (op. 11), Sarkasmus (op. 17), Vergänglichkeit (op. 22);

2) Ausländisch (1918 - 1933). In der Kreativität gibt es eine Vertiefung der lyrischen Sphäre. Geschriebenes 3., 4., 5. Konzert, 5. Sonate, "Tales" (op. 31), vier Stücke (op. 32);

3) Sowjetisch (Mitte der 1930er Jahre). Laut Prokofjew selbst findet in dieser Schaffensphase ein „Übergang zu einer neuen Einfachheit“ statt. Geschriebene "Kindermusik" (op. 65), Transkriptionen, Sonaten 6-9.

Thema: N. Ya. Myaskovsky. Schaffung. Stilmerkmale.

Einführung.

Er ging als großer Symphoniker und hervorragender Lehrer in die Geschichte der sowjetischen Musik ein. Er stand an den Ursprüngen der Entstehung der sowjetischen Symphonie. Äußerer Prunk, konzertante Brillanz sind seinem Stil fremd, von Leidenschaft für bunte Klangmalerei oder Superrationalismus keine Spur. Das Werk von Myaskovsky ist ein eigenständiger Zweig des russischen philosophischen Symphonismus, in dem die Traditionen von Liszt, Wagner, Tschaikowsky und den „Kuchkisten“ ursprünglich im Geiste des Expressionismus weiterentwickelt und überarbeitet wurden.

Frühe Periode Kreativität.

Die Entwicklung von Myaskovsky war wie viele andere Komponisten des 20. Jahrhunderts darauf ausgerichtet, einfach über das Komplexe zu sprechen, ohne an Tiefe zu verlieren. Seine frühen Werke zeichnen sich aus durch: dichtes musikalisches Gewebe, komplizierte Harmonik. Die 5. Sinfonie eröffnet die zentrale Schaffensperiode Myaskovskys.

E Jahre.

Einer der schwierigsten kreative Perioden. Die Erfassung zutiefst persönlicher Gefühle und subjektiv tragischer Emotionen überwiegt in diesen Jahren merklich die objektive Sphäre (Symphonien Nr. 6, 7, 9, 10, 12, Sonaten Nr. 3, 4, „Modeerscheinungen“, „Gelbe Seiten“). Die Symphonien Nr. 5 und 8 enthalten Volksmessen-Bilder.

E Jahre.

Die Rolle der Volksbilder, des heroischen, mutigen und willensstarken Prinzips, wächst. Lyrische Thematik, Wohlklang, melodische Breite und Geschmeidigkeit (Symphonien Nr. 15, 17, 18, 19, 21), Zitate aus Volksliedern.

E Jahre.

Der etablierte Stil des Komponisten nahm Züge akademischer Strenge an. Lyrisch-episch-dramatische Symphonik der Kriegsjahre und Suiten-artige Werke (Symphonie Nr. 23). Das Genre koexistiert mit verstörenden Themen, narrativen Episoden, lyrischen Monologen. Das musikalische Gewebe ist klar und transparent.

Als Ergebnis kristallisierten sich zwei Linien von Myaskovskys Kreativität heraus: das lyrisch-psychologische und das epische Genre. Von den wichtigsten Stilrichtungen des 20. Jahrhunderts spiegelten sich Spätromantik und Expressionismus im Schaffen des Komponisten wider.

Thema: SS. Prokofjew. Kantate „Alexander Newski“.

Einführung.

Musik zum Film von S. Eisenstein „A. Newski "- einer der anerkannten Gipfel kreatives Leben Prokofjew. In dieser Arbeit wandte er sich zunächst russischen heroisch-epischen Themen zu. Weiter wurde diese Linie in der Oper „Krieg und Frieden“, der Symphonie Nr. 5, der Ersten Sonate für Violine und Klavier und der Filmmusik „Iwan der Schreckliche“ fortgesetzt. Im Mai 1939 fand die Uraufführung der Kantate statt.

Dramaturgie.

Die Gattung der Kantate ist in vielerlei Hinsicht originell. Dem Komponisten gelang eine kühne Kombination malerischer und bildhafter Orchesterepisoden mit Gesangs- und Chorszenen. So entstand eine neue Gattungsverschmelzung von programmatischer Symphonie mit einer spezifischen Opern- und Choraktion.

Die Dramaturgie der Kantate basiert auf einem scharfen Kontrast zwischen zwei gegensätzlichen Intonationssphären: der russischen patriotischen Armee und dem abstoßenden Gesicht der germanischen Kreuzfahrer. Die ersten zeichnen sich durch Lieder eines epischen Lagerhauses, traurige Parabeln und lustige Trottelmelodien aus. Der zweite wird mit aufgebauschten Militärfanfaren, katholischen Gesängen und einem automatisierten Marsch dargestellt. Prokofjew betonte wie immer den Kontrast zwischen ihnen mit Hilfe harmonischer und orchestraler Mittel. In der "russischen" Musik überwiegen leichte Diatonik, Weichheit der Klangfarben, melodische Klangfülle der Streicher, seelenvolle Klangfarben der Stimmen. "German" ist geprägt von harten polytonalen Klängen, "mechanischen" Rhythmen, schwerem Blechbläsertritt und Percussion. Einen besonderen Platz nehmen die Methoden der kontrapunktischen Kombination verschiedener Themen ein („Battle on the Ice“).

Das Kompositionsschema des Werkes besticht durch seine sorgfältige Nachdenklichkeit. Sieben inhaltlich sehr unterschiedliche Teile bauen auf einem kontrastreichen Wechsel von Bild- und Bildepisoden ("Russland unter dem mongolischen Joch", "Kreuzfahrer in Pskow", "Kampf auf dem Eis") mit relativ komprimierten Gesangs- und Chornummern (" Und es war an der Newa", "Steh auf, russisches Volk", "Totes Feld"). Die Komposition zeigt deutlich die Merkmale des Sonaten-Symphonie-Zyklus:

Die ersten 4 Teile sind Einführung und Exposition;

5. - Entwicklung;

6. - lyrisches Intermezzo;

7. - synthetisierendes Finale.

Analyse der Kantate.

Erster Teil "Rus unter dem mongolischen Joch" ist ein symphonischer Prolog zum Zyklus. Das Gefühl der Leere wird durch einen speziellen phonischen Effekt erreicht, der oft bei Prokofjew zu finden ist: Hohe und tiefe Klangfarben bewegen sich im Einklang mit einer ungefüllten Mitte. So entsteht eine Landschaft voller Angst und Trauer.

Der zweite Teil ist episch Lied über Alexander Newski". Mittlere Reichweite, gemächlicher Einsatz, klare Bewegung. Die schroffe Farbigkeit wird durch das Vorherrschen tiefer Klangfarben in Orchester und Chor unterstrichen. Das schlachtbildliche Element wird im Mittelteil verstärkt.

Die Merkmale des dramatischen Konflikts werden im dritten Teil vollständig offenbart - "Kreuzfahrer in Pskow". Erstmals prallen darin polare Bilder aufeinander: der grausame Germaneneinfall (Extreme Partien) und das Leid der Besiegten (Mitte). Die Kreuzritter werden mit drei Themen dargestellt: einem katholischen Gesang, einem Bassmotiv und einer Militärfanfare. In der Mitte gibt es eine traurige Melodie: eine traurige Klagemelodie, ein reicher subvokaler Stoff.

Vierter Teil - "Steh auf, russisches Volk"- wie das zweite ist es in Form einer Chorszene eines Liederlagers aufgebaut. Das Hauptthema ist voller Kampfmut und -stärke. Der Mittelteil („Native in Rus“) besticht mit leichter Poesie.

Im ausgedehntesten fünften Teil - "Kampf auf dem Eis"- Die Hauptereignisse des gesamten symphonischen Dramas werden konzentriert. Hier wird die Nähe zum Wesen des Kinos am deutlichsten: das Prinzip der „Montage“, kontrapunktische Techniken, die Durcharbeitung von Bildthemen. Einleitung, Schluss, Merkmale der Rondalität. Dem erschreckenden Thema der Kreuzritter steht die russische Possenreißermelodie gegenüber. Die Themen der vorherigen Teile - der 3. und 4. - erklingen. Nach dem grandiosen Höhepunkt (tutti, fff) und dem Scheitern der Deutschen unter dem Eis folgt ein ruhiges und poetisches Ende.

Sechster Teil "Totes Feld"- lyrisch-epische Entladung nach einem angespannten Kampf. Die einzige Arie in der gesamten Kantate, die zum ersten Mal ein Element persönlicher Gefühle in die Musik einführt. Gedämpfte Streicher, traurige Intonationen, natürliches Moll, Variabilität des Modus, Gesang - ein Paradebeispiel Slawische Melodien.

Der siebte Teil - "Alexanders Einzug in Pskow". Das siegreich-patriotische Finale der Kantate basiert fast ausschließlich auf russischen Themen aus dem 2., 4. und 5. Satz. Die Hauptstimmung ist Volksjubel, die Freude des russischen Volkes.

D.D. Schostakowitsch. (1906-1975).

Kindheit. Sergej Sergejewitsch Prokofjew (Abb. 1) wurde am 23. April 1891 in Sonzowka, Provinz Jekaterinoslaw (heute Dorf Krasnoje, Bezirk Krasnoarmeisky, Gebiet Donezk) geboren. Sein Vater - Sergei Alekseevich - war ein gelernter Agronom, Verwalter des Nachlasses des Gutsbesitzers Sontsov. Die Liebe zur Natur hat er an seinen Sohn weitergegeben. Unter den Kindermanuskripten von Seryozha Prokofjew hat sich ein Notizbuch erhalten, in dem der Junge notiert hat, wann welche Blumen in Sontsovka blühen.

Von Geburt an hörte er Musik im Haus. Mutter Maria Grigoryevna spielte Beethovens Sonaten, Chopins Mazurkas und Nocturnes und Tschaikowskys Dramen. Mit über fünf Jahren hatte Seryozha bereits ein Klavierstück mit dem Titel „Indian Gallop“ komponiert. Andere Schriften folgten bald.

Der Junge war neun Jahre alt, als er nach Moskau gebracht wurde, und er ging zuerst ins Opernhaus (er hörte die Opern Faust von Gounod und Prinz Igor von Borodin, besuchte das Ballett Dornröschen). Als er nach Sontsovka zurückkehrte, begann er, die Oper "The Giant" auf seiner eigenen Handlung zu schreiben.

Die Helden der Oper waren er selbst unter dem Namen Sergeev, seine Freundin Yegorka (in der Oper Egorov), die Tochter der Haushälterin Stenya (in der Oper Ustinya) und der Riese. Die Handlung war, dass der Riese das Mädchen Ustinya fangen wollte und Sergeyev und Yegorov sie verteidigten. Im zweiten Bild des ersten Akts erscheint der Riese in Ustinyas Haus und singt eine beeindruckende Arie zu folgenden Worten:

Wo ist sie? Ich werde dich essen.

NEIN? Egal,

Ich esse ihr Mittagessen!

Im Sommer 1901 wurde die Oper Der Riese mit großem Erfolg im Haus von Onkel Prokofjew aufgeführt, der Autor sang die Rolle von Sergejew.

Serezha wurde zuerst von seinen Eltern erzogen, die aufgeklärte, intelligente Menschen, kluge und strenge Erzieher waren. Sie gewöhnten ihn an konzentriertes und systematisches Arbeiten. Der Vater brachte seinem Sohn die russische Sprache, Rechnen, Erdkunde, Geschichte und Botanik bei. Mutter - Fremdsprachen (Seit seiner Kindheit kannte Sergei Sergeevich zwei Sprachen - Französisch und Deutsch, später Englisch). Maria Grigorievna war auch seine erste Musiklehrerin. Als sie den Erfolg ihres Sohnes sah, beschloss sie, ihn einem großen Musiker zu zeigen.

Im Winter 1902 wurde er zu Sergej Iwanowitsch Tanejew, einem herausragenden Komponisten und Professor am Moskauer Konservatorium, nach Moskau gebracht. Taneyev bemerkte das Talent des Jungen und riet ihm, ernsthaften Unterricht in Harmonie und systematischer Einarbeitung zu beginnen Musikalische Literatur. Auf Empfehlung von Taneyev kam ein junger Musiker für den Sommer nach Sontsovka, nachdem er das Moskauer Konservatorium mit einer Goldmedaille abgeschlossen hatte. Es war Reinhold Moritsevich Gliere, später ein bekannter sowjetischer Komponist, Autor der Ballette The Red Poppy, Bronzener Reiter“, ein Konzert für Stimme und Orchester und andere Kompositionen.

Der lebhafte, interessante Unterricht bei Gliere wirkte sich positiv auf die Entwicklung von Prokofjews Talent aus. Unter der Anleitung eines Lehrers begann er bald, eine Symphonie und eine Oper „Fest während der Pest“ nach Puschkin zu schreiben. Gliere fiel bei seinem Schüler eine erstaunliche Kombination aus einer erwachsenen, professionell ernsthaften Einstellung zur Musik, einem unabhängigen Urteilsvermögen und völlig kindlichen Zügen auf. So stand auf dem Notenpult des zwölfjährigen Seryozha Prokofjew, der gerade eine Oper oder eine Symphonie komponierte, eine Gummipuppe namens Mister, die sich eine neue Komposition anhören sollte.

Das stärkste Hobby des zukünftigen Autors berühmter Opern und Ballette war das Theater. Mit seinen Freunden - Jungen und Mädchen aus Sontsovka - erfand und spielte er ständig Aufführungen, an denen die Bewohner des Hauses in Sontsovka teilnahmen.

Schon in der Kindheit entdeckte Prokofjew eine seltene Beobachtungsgabe und vielfältige Interessen (Literatur, Theater, Schach). Kurios ist seine knabenhafte Leidenschaft für die Eisenbahn, schnelle und genaue Fortbewegung (die er selbst in der autobiografischen Geschichte „Kindheit“ erzählt). Eines der erstaunlichen Merkmale des Werks des erwachsenen Komponisten Prokofjew wird Schnelligkeit und Dynamik sein, durch die er sein neues Lebensgefühl, seine Jugend, seine Bewegung vermitteln wird.

Wintergarten. 1904 trat Prokofjew auf Anraten von Glasunow in das St. Petersburger Konservatorium ein. Die Aufnahmeprüfung war ausgezeichnet. Das Auswahlkomitee (darunter A. K. Glazunov und N. A. Rimsky-Korsakov) war begeistert vom absoluten Gehör, der Fähigkeit, von einem Blatt zu lesen, sowie von der „soliden“ Ladung an Kompositionen, die der dreizehnjährige Komponist mitbrachte.

„Ich trat ein“, sagt Prokofjew, „gebeugt unter dem Gewicht zweier Ordner, die vier Opern, zwei Sonaten, eine Symphonie und etliche Klavierstücke enthielten. "Ich mag das!" - sagte Rimsky-Korsakov, der die Prüfung leitete.

Prokofiev studierte am Konservatorium bei bemerkenswerten russischen Musikern: Anatoly Konstantinovich Lyadov (Harmonie, Kontrapunkt), Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (Instrumentation).

Während seiner Jahre am Konservatorium wurde sein musikalischer Geschmack bereichert und entwickelt. Grieg, Wagner, Rimski-Korsakow, Skrjabin, Rachmaninow (insbesondere sein zweites Konzert für Klavier und Orchester) sind zu Beethoven und Tschaikowsky hinzugekommen, die seit ihrer Kindheit beliebt sind. Er lernte die Werke zeitgenössischer westeuropäischer Komponisten kennen - Richard Strauss, Debussy, später Ravel und andere.

Interesse am Studium der Klassik u zeitgenössische Musik, und brachten Prokofjew auch die Arbeit des anderen mit Nikolai Jakowlewitsch Mjaskowski näher. Die Freundschaft, die in den Jahren ihres gemeinsamen Studiums am St. Petersburger Konservatorium begann, hielt ihr ganzes Leben lang an.

1909 absolvierte Prokofjew das Konservatorium in Komposition und fünf Jahre später - als Pianist in der Klasse des berühmten russischen Pianisten A. N. Esipova. Er wurde ausgezeichnet Goldmedaille und der A. Rubinstein-Preis - ein prächtiges Klavier. In den folgenden Jahren gab Prokofjew viele Konzerte, er war ein hervorragender Pianist.

Am Konservatorium studierte er auch in der Dirigierklasse unter der Leitung von N. Cherepnin, einem brillanten Musiker, der das Talent des jungen Komponisten schätzte. Anschließend trat Prokofjew bei der Aufführung seiner Werke auch als Dirigent auf.

Frühe Schriften. Schon die frühen Werke von Prokofjew - Klavierstücke, von ihm 1906-1909 geschrieben, verblüffen durch die ungewöhnliche Leuchtkraft der Bilder und Ausdrucksmittel.

Sein erstes bedeutendes Werk war das erste Konzert für Klavier und Orchester. Es wurde 1911 geschrieben. Es wurde vom Autor in Begleitung eines Orchesters im nächsten Sommer auf der Konzertbühne in Sokolniki (in Moskau) uraufgeführt. Das Konzert begeisterte das Publikum. Menschen, die an die raffinierte zerbrechliche Musik von Skrjabin, den melodischen Überfluss von Rachmaninows Konzerten, die Anmut und Zartheit von Chopins Musik gewöhnt waren, war es schwierig, Prokofjews Werk sofort zu verstehen und zu schätzen. Es war eine neue Schönheit darin – die Schönheit eines kühnen Sportspiels, einer kühnen Prozession der Jugend, eines starken Rhythmus aus Stahl, aber auch die Schönheit eines romantischen lyrischen Gefühls. Das Konzert beginnt mit einem immer wieder wiederholten kurzen Imperativmotiv, dessen Entwicklung äußerst zielstrebig und energisch ist:

Sensibel für die neuen Zuhörer, darunter Asafiev und Myaskovsky, bewunderten das Konzert. Feindselige Kritiker nannten es verächtlich "Fußball", "barbarisch" und schlugen vor, dem Autor eine "Zwangsjacke" anzulegen.

Prokofjew war sich bewusst, dass er in der Musik „neue Ufer“ entdeckte. Er war von der Richtigkeit des eingeschlagenen Weges überzeugt. Selbstvertrauen und Sinn für Humor halfen ihm, den Spott und die Beschimpfungen anderer Kritiker zu ertragen. Gleichzeitig war er aufmerksam, geduldig mit allen, die seine Musik verstehen wollten, spielte manches Werk bereitwillig zwei- oder dreimal, hörte sich vernünftige, wohlwollende Kritik an.

Ab der Aufführung des ersten Konzerts beginnt Prokofjews lauter Ruhm. Er tritt systematisch in der Öffentlichkeit auf, spielt neue Kompositionen und sorgt fast immer für hitzige Diskussionen. So verlaufen die Aufführungen des zweiten Konzerts und der symphonischen "Scythian Suite", in deren letztem Teil ein schillerndes und dynamisches Bild Sonnenaufgang.

1917 traf Prokofjew Mayakovsky in Petrograd. Die Auftritte des Dichters hinterließen einen starken Eindruck auf den Komponisten. Mayakovsky wiederum war von Prokofjews Musik begeistert, insbesondere von seinen schnellen Märschen.

Natur u Lebenswege Der Dichter und der Komponist sind in vielerlei Hinsicht verschieden. Aber in ihrer Arbeit gibt es einige Gemeinsamkeiten geboren aus der Zeit, in der sie lebten. In den schwierigen kritischen vorrevolutionären Jahren rebellierten beide gegen die Kunst des verwöhnten, entspannten, gewohnheitsmäßig „schönen“, beschäftigten

seufzt über "Rosen und Nachtigallen". Beide vertraten eine aktive Kunst, manchmal bewusst scharf, gesund und - sengend sonnig.

In dem Gedicht "A Cloud in Pants", geschrieben in den gleichen Jahren wie die "Scythian Suite"

Prokofjew, Majakowski sagte:

die vor Liebe nass waren,

aus denen

Tränen vergossen seit Jahrhunderten

Sonnenmonokel

Ich werde es in ein weit offenes Auge legen."

Mayakovsky schrieb diesen Auszug aus dem Gedicht in ein von Prokofjew geführtes Album mit dem Titel „Was denkst du über die Sonne?“.

Anfangs schien Prokofjew den Texten wenig Aufmerksamkeit zu schenken. Aber 1914 schuf er Musikalisches Märchen„Hässliches Entlein“ nach einem Märchen. Andersen. Hier zeigte der junge Komponist vor allem eine Art Zärtlichkeit, reine Lyrik, ohne jede Sentimentalität. Das Stück ist für eine Stimme mit Klavierbegleitung gedacht. Es erzählt von einem armen, hässlichen Entlein, das von den Bewohnern des Geflügelhofes ausgelacht wurde. Die Zeit verging und aus dem hässlichen Entlein wurde ein Schwan. Am Ende des „Fairy Tale“ erklingt eine wunderschöne lyrische Melodie, durchdrungen von Mitgefühl für das arme, wehrlose Geschöpf und dem Glauben an das Glück.

1916-1917 komponierte Prokofjew die "Klassische Sinfonie" - fröhlich und witzig. In der Sinfonie spürt man die Nähe von Prokofjews Musik zur klaren, geschliffenen Kunst der Klassik des 18. Jahrhunderts.

Gleichzeitig vollendete der Komponist den zuvor begonnenen Zyklus von zwanzig winzigen Klavierstücken mit dem Titel „Milletity“. Jede von ihnen stellt in Miniaturform ein Bild oder eine Szene dar, die für Prokofjews Musik charakteristisch ist: lyrisch mit einem Hauch von Fabelhaftigkeit (Nr. 1, 8, 16), humorvoll (Nr. 10), heftig dramatisch (Nr. 14, 19) usw. .

Prokofjews größtes Werk der vorrevolutionären Jahre ist die akut psychologische Oper „Der Spieler“ (nach einer Erzählung von F. Dostojewski). Im Ballett "Die Geschichte vom Narren, der sieben Narren überlistete" offenbarte sich das Interesse des jungen Komponisten am Russischen. Volkskunst, die weiterentwickelt wird.

Februar 1917 kam. " Februarrevolution sie hat mich in Petrograd gefunden“, schreibt Prokofjew in seiner Autobiographie. „Und ich und die Kreise, in denen ich mich bewegte, begrüßten sie freudig.“ Über die Bedeutung dessen, was als nächstes geschah Oktoberrevolution er ist ein Musiker, weit davon entfernt politische Ereignisse Sie hatte keine klare Vorstellung. Es schien ihm, dass in Russland, das mit revolutionären Transformationen beschäftigt ist, jetzt "Musik nicht ausreicht". „Dass ich ihr wie jeder Bürger nützlich sein kann, ist mir noch nicht bewusst geworden“ („Autobiographie“). Prokofjew beschloss, eine große Konzerttournee zu machen. Nachdem er die Erlaubnis des Volkskommissars für Bildung A. V. Lunacharsky erhalten hatte, ging er im Mai 1918 ins Ausland. Statt mehrerer Monate, wie er zunächst dachte, erstreckte sich sein Auslandsaufenthalt aus verschiedenen Gründen über 15 Jahre (1918-1933).

Jahre im Ausland verbracht. Prokofjew reiste um die ganze Welt.

Er war in Japan und den Vereinigten Staaten von Amerika, Kuba und vielen anderen europäische Länder. Er lebte die meiste Zeit in Frankreich. Überall trat er mit seinen Kompositionen auf. Zunächst machten seine Konzerte einen sensationellen Eindruck.

Im Ausland traf Prokofjew viele herausragende Künstler (Komponisten Ravel, Strawinsky, Rachmaninov, Dirigenten Stokowski und Toscanini, Filmschauspieler Charlie Chaplin und viele andere). Seine Werke wurden in verschiedenen Theatern auf der ganzen Welt aufgeführt. So fand 1921 in Chicago die Uraufführung von Prokofjews fröhlich-brillanter Oper „Die Liebe zu den drei Orangen“ (nach einem Märchen des italienischen Schriftstellers Carlo Gozzi) statt. Im selben Jahr vollendete der Komponist sein drittes Klavierkonzert. Die meisten seiner Themen wurden in Russland geschrieben. Das Konzert – dynamisch, blendend hell – ist einer der Höhepunkte von Prokofjews Schaffen. In der Einleitung zum ersten Teil erklingt ein russisches Singsang-Thema - das Thema Mutterland:

Nachdenkliche und poetische Klavierstücke, die Prokofjew „Geschichten der alten Großmutter“ nannte, sind von Erinnerungen an das Mutterland inspiriert.

Mitte der 1920er Jahre reagierte Prokofjew mit großer Freude auf die Vorschläge von S. P. Diaghilev, ein Ballett zum Thema Aufbau eines neuen Lebens in Russland zu schreiben. Die Handlung des Balletts namens "Steel lope" erwies sich als naiv, "industriell". In seiner Musik sind die Einflüsse des Konstruktivismus spürbar. Es gibt helle figurative Seiten darin. „Prokofjew reist durch unsere Länder, weigert sich aber, auf unsere Weise zu denken“, schrieben ausländische Zeitungen über die Premiere des Balletts, die 1927 in Paris und London aufgeführt wurde.

In den 1920er Jahren schrieb Prokofjew auch eine Reihe von Werken, in denen mehr oder weniger der Einfluss der neuesten Tendenzen in der westeuropäischen Kunst spürbar ist. Aber er grenzt an keinen von ihnen vollständig an, wie seine Originaloper The Fiery Angel (basierend auf dem gleichnamigen Roman von V. Bryusov) beweist. Allmählich beginnt sich Prokofjew immer mehr von seiner Heimat zu lösen. Die Atmosphäre ist fieberhaft künstlerisches Leben Paris in den 1920er Jahren befriedigte ihn nicht. Von Kunstwerken erwarteten sie in erster Linie Sensation, Neuheit, unbedingt. Und Prokofjew strebte nach einer tiefsinnigen Kunst. Einer der französischen Freunde des Komponisten erinnert sich an die Worte Prokofjews: „Ich muss zurück. Ich muss mich wieder an die Atmosphäre meiner Heimat gewöhnen ... Russische Sprache sollte in meinen Ohren klingen ... Hier verliere ich meine Kräfte.

Bis zur endgültigen Rückkehr kam der Komponist mit Konzerten in die Sowjetunion. Er wurde von Zuhörern in Moskau und Leningrad begeistert aufgenommen. „Wir alle erinnern uns“, schrieb Heinrich Gustavovich Neuhaus, „wie das ganze Publikum wie eine Person bei seinem ersten Auftritt auf der Bühne aufstand Große Halle Wintergarten und begrüßte ihn stehend, und er verbeugte sich und verbeugte sich, beugte sich im rechten Winkel in zwei Hälften wie ein Taschenmesser.

Heimkehr. Und hier ist Prokofjew in Moskau. Er trifft sich wieder mit seinen Freunden Myaskovsky und Asafiev. Beginn der Zusammenarbeit mit sowjetischen Regisseuren, Choreografen, Schriftstellern. Ihn fasziniert die Aufgabe, erhabene Ideen zu verkörpern, Menschlichkeit, die Möglichkeit, nicht einen engen Kreis von „Kennern“, sondern die große Masse der Menschen anzusprechen.

In einem seiner in jenen Jahren veröffentlichten Artikel schrieb Prokofjew über die Handlung, die ihn nun anzog: "... Die Handlung sollte heroisch und konstruktiv (kreativ) sein, denn dies sind die Merkmale, die diese Ära am deutlichsten charakterisieren."

Werke der 30er Jahre. In der sowjetischen Schaffenszeit erschienen nacheinander neue Hauptwerke. Sie unterscheiden sich in Themen, Handlungszeitpunkt, Charakteren der Charaktere. Aber sie alle haben etwas gemeinsam. Überall begegnet der Komponist hellen Bildern und Bildern von Grausamkeit und Gewalt von Angesicht zu Angesicht. Und bekräftigt immer den Sieg hoher menschlicher Ideale. In all diesen Kompositionen fällt der Mut auf, der Prokofjew als Komponist innewohnt.

1935 entstand das Ballett „Romeo und Julia“ (nach Shakespeares Tragödie). Seine Helden verteidigen ihre Liebe im Kampf gegen die blutigen mittelalterlichen Vorurteile, die ihnen befehlen, sich gegenseitig zu hassen. Der tragische Tod von Romeo und Julia zwingt die Familien Montague und Capuleti, die sich seit langem im Krieg befinden, zur Versöhnung.

Vor Prokofjew wagten große Musiker, die Ballettmusik schrieben, nicht, sich Shakespeares Tragödien zuzuwenden, weil sie glaubten, sie seien zu schwierig für das Ballett. Und Prokofjew hat ein Werk geschaffen, das vom Geist Shakespeares durchdrungen ist. Poetisch, tiefgründig, mit realistischen, psychologisch korrekten Porträts Schauspieler Die Musik von "Romeo und Julia" ermöglichte es dem Choreografen L. Lavrovsky, ein Ballett zu inszenieren, das weltweite Berühmtheit erlangte (die Uraufführung des Balletts fand 1940 im Leningrader Staat statt akademisches Theater Oper und Ballett nach S. M. Kirow benannt).

1938 wurde die Musik zum Film „Alexander Newski“ komponiert. Gemeinsam mit Filmregisseur Sergej Eisenstein besingt Prokofjew die edle patriotische Leistung der Truppe von Alexander Newski, die ihr Heimatland vor den Deutschen Rittern verteidigte. Die Handlung ist historisch, aber die Musik klingt modern, als würde sie das scharfe Drama und den siegreichen Ausgang des Kampfes des sowjetischen Volkes gegen den Faschismus vorwegnehmen.

1939 wurde die Oper „Semyon Kotko“ geschrieben (nach der Erzählung „Ich bin der Sohn der Werktätigen“ von V. Kataev). Seine Handlung spielt 1918 in der Ukraine. Prokofjews Musik zeigt mit erstaunlicher Wahrhaftigkeit Bilder von Bauern, Soldaten und Bolschewiki, die für die Errichtung der Sowjetmacht in der Ukraine kämpfen. Die jungen Helden der Oper - Semyon und Sofya - sind eine Art modernes Romeo und Julia. Ihre Liebe widersetzt sich dem bösen Willen von Sophias Vater, Tkachenkos Faust, der seine Tochter nicht als armen Soldaten ausgeben will.

Entstehung einer Oper in der Moderne Sowjetisches Thema- eine sehr schwierige Aufgabe. Und Prokofjew führte es mit Ehre in der Oper Semyon Kotko auf.

Eine seiner gewagtesten Ideen ist die wunderbare Kantate zum 20. Jahrestag des Oktobers, die auf politischen Texten basiert.

Man sollte nicht glauben, dass all diese neuen Werke von Prokofjew von Interpreten und Zuhörern leicht akzeptiert wurden. So erschien die Musik von "Romeo und Julia" zunächst unverständlich und unbequem zum Tanzen, selbst für Galina Ulanova, die später zu einer unübertroffenen Darstellerin der Rolle der Julia wurde. Es brauchte Zeit, sich an diese Musik zu gewöhnen. "Aber je mehr wir es hörten ... - sagt G. S. Ulanova, - desto heller stiegen die Bilder, die aus der Musik geboren wurden, vor uns auf."

In seinen Werken der Sowjetzeit strebte der Komponist vor allem nach Klarheit, Zugänglichkeit und Einfachheit. Er war jedoch ein Feind von simpler, nachahmender und "süßer" Musik. Er suchte nach einer neuen Schlichtheit, neuen Melodien, dem Hören modernes Leben moderne Menschen beobachten. Und ihm gelang das Schwierigste - originelle lyrische Melodien zu schaffen, in denen die Handschrift des Komponisten sofort erkennbar ist. Ein besonderes Aufblühen der Lyrik und der damit verbundenen weiten wohlklingenden Melodie setzt in Prokofjews Arbeit mit Romeo und Julia ein.

In den 1930er Jahren schrieb Prokofjew eine Reihe hervorragender Kompositionen für Kinder: Klavierstücke für Anfänger „Kindermusik“, Lieder nach Worten von L. Kvitko und A. Barto, ein symphonisches Märchen „Petja und Volk“ nach seinem eigenen Text.

Mit seinen beiden Söhnen kam Sergei Sergeevich mehr als einmal zu den Aufführungen des Central Kindertheater. Der künstlerische Leiter des Theaters, N. I. Sats, schlug dem Komponisten vor, ein symphonisches Märchen zu schreiben, das Kindern helfen könnte, den Charakter der Hauptinstrumente des Orchesters kennenzulernen.

So beschreibt Natalya Ilyinichna Sats Prokofjews ungewöhnliches Aussehen und sein Verhalten in jenen Jahren:

„Er war aufrichtig und offen. Mein erster Eindruck, Sergej Sergejewitsch sei steif und arrogant, war falsch. Er trug diese Toga, wenn er außer Fassung war und in Ruhe gelassen werden wollte.

Die einzigartige Ungewöhnlichkeit von Sergej Sergejewitsch manifestierte sich sogar in seinem Aussehen und seiner Art, sich zu verhalten. Ein paar rotrote Haare, ein glattes, rötliches Gesicht, „Eis und Feuer“ in den Augen hinter den Gläsern einer randlosen Brille, ein seltenes Lächeln, ein sandroter Anzug. „Er sieht aus wie die vierte seiner drei Orangen“, sagte eine unserer schelmischen Schauspielerinnen. Zu meinem Entsetzen hat das jemand an Sergej Sergejewitsch weitergegeben, aber der hatte so viel Humor, dass er nur laut gelacht hat.

Prokofjews Leistung ist erstaunlich. Er schrieb phantastisch schnell und konnte an mehreren Kompositionen gleichzeitig arbeiten. Er führte seine Musik als Pianist und Dirigent auf. Teilnahme an der Union of Composers. Interesse an Literatur. Ende der 1930er Jahre begann er, eine lebendige und witzige Autobiografie zu schreiben. Er war ein ausgezeichneter Schachspieler. Ich bin mit Leidenschaft gefahren. Er liebte es zu tanzen, unter Menschen zu sein.

All dies gelang Prokofjew nicht nur dank der genialen Begabung seiner Natur, sondern auch dank Organisation und Disziplin. Legenden erzählten von seiner Genauigkeit. Wenn er versprach, bis 12 Uhr am nächsten Tag Musik zu schreiben, konnte der Regisseur oder Choreograf, der es erwartete, beruhigt sein.

Kriegsjahre. Oper "Krieg und Frieden". Das Hauptwerk des Komponisten während des Großen Vaterländischen Krieges war die grandiose patriotische Oper War and Peace. Prokofjew hatte zuvor darüber nachgedacht, wie er die Bilder des großen Werks von Leo Tolstoi in Musik verkörpern könnte. In den Tagen des Krieges gegen den Faschismus wurde dieser Plan verwirklicht. Wieder einmal stellte sich der Komponist einer Aufgabe von seltener Komplexität. Von einem riesigen Literarische Arbeit Die wichtigsten Szenen mussten ausgewählt werden. Die Oper enthält einerseits subtile psychologische "friedliche" Szenen, an denen Natasha Rostova, Sonya, Prinz Andrei und Pierre Bezukhov teilnehmen; andererseits monumentale Gemälde, die den Kampf des Volkes gegen die napoleonischen Eindringlinge darstellen. Die Oper erwies sich als ungewöhnlich in ihrem Genre. Es verbindet lyrisch-psychologisches Drama und Nationalepos. Innovativ in Musik und Koi-Position entwickelt die Oper gleichzeitig die Traditionen der russischen Klassen - Mussorgsky und Borodin. Bei Mussorgsky wird Prokofjew durch besondere Aufmerksamkeit für die psychologischen Eigenschaften des Helden näher gebracht, die durch wahrheitsgemäße Stimmintonation offenbart werden. Interessanterweise wurde die Oper "Krieg und Frieden" nicht auf dem bedingten poetischen Text des Librettos, sondern auf dem Originaltext des Romans geschrieben. Für Prokofjew war schon die Intonation von Tolstois Rede wichtig, die er in Musik zu übertragen vermochte. Und das verleiht den Gesangspartien der Helden der Oper besondere Glaubwürdigkeit.

„Krieg und Frieden“ ist Prokofjews Lieblingswerk. Er perfektionierte es bis an sein Lebensende.

Im siegreichen Jahr 1945 erschienen drei bedeutende Werke des Komponisten:

fünfte Symphonie, gewidmet "der Größe des menschlichen Geistes:

die erste Folge des Films "Iwan der Schreckliche" - eine neue Zusammenarbeit mit Sergei Eisenstein;

leichtes Märchenballett "Cinderella". Diese Leistung, Post! im Herbst erschienen, war die erste Nachkriegspremiere am Bolschoi-Theater.

Werke der späten 40_er Jahre - Anfang 50er. In den Folgejahren erschienen mehrere neue Werke. Unter ihnen: Opern "The Tale of a Real Man", die den Mut verherrlichen Sowjetisches Volk während der Kriegsjahre; Ballett "Die Geschichte von steinerne Blume"(laut P. Bazhov) - über die Freude an der Kreativität, die an die Menschen gerichtet ist; das Oratorium "On Guard for Peace" (zu den Worten von S. Marshak); Konzertsymphonie für Cello und Orchester.

Wieder schreibt Prokofjew für Kinder. Suite "Winter Bonfire" für Rezitatoren, Knabenchor u Symphonieorchester(nach den Worten von S. Marshak) ist den sowjetischen Pionieren gewidmet.

Die Siebte Symphonie war ursprünglich als Sinfonie speziell für Kinder konzipiert, erhielt aber im Laufe der Arbeit eine umfassendere Bedeutung - eine weise Symphonisches Märchen Bekräftigung der Schönheit und Lebensfreude. Dies ist Prokofjews letztes vollendetes Werk.

In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren war Prokofjew schwer krank. Um Kraft für die Kreativität zu sparen, musste er auf vieles verzichten, unter anderem auf Theater- und Konzertbesuche. Am meisten schwere Zeit kam für ihn, als Ärzte ihm das Komponieren verboten oder ihm erlaubten, nicht mehr als 20 Minuten am Tag zu arbeiten.

Die meiste Zeit in diesen Jahren verbrachte Prokofjew in seiner Datscha auf Nikolina Gora am Ufer der Moskwa. Er ist sehr

liebte diese Orte, machte lange Spaziergänge (wenn es die Gesundheit zuließ). Musiker kamen hierher, um ihn zu sehen - Bewunderer und Interpreten seiner Musik: Komponist D. Kabalevsky, Pianist S. Richter und andere. Einige von ihnen schrieben später die interessantesten Memoiren über den großen Komponisten. S. S. Prokofjew starb am 5. März 1953 in Moskau.

„Ich bin der Überzeugung, dass der Komponist wie der Dichter, Bildhauer, Maler berufen ist, dem Menschen und den Menschen zu dienen. Er muss schmücken Menschenleben und beschütze sie. Zuallererst muss er ein Bürger in seiner Kunst sein, das menschliche Leben besingen und einen Menschen in eine bessere Zukunft führen."
So schrieb Sergej Prokofjew in seinem Artikel „Musik und Leben“, und er folgte diesem von ihm kurz vor seinem Tod proklamierten Kunstkodex sein ganzes Leben lang.
Leben bedeutete für Prokofjew, Musik zu komponieren. Und Komponieren bedeutete, sich immer wieder etwas Neues einfallen zu lassen. „Der kardinale Vorteil (oder, wenn man so will, Nachteil) meines Lebens“, schrieb der Komponist, „war schon immer die Suche nach einem Original musikalische Sprache. Ich hasse Nachahmung, ich hasse Klischees."
Prokofjew glaubte, dass in der Kunst nur das wertvoll ist, was aus dem sensiblen Hören des Künstlers auf Rhythmen und Intonationen entsteht. umgebendes Leben. Dies ist die Grundlage von Prokofjews Innovation.
Ein unerschöpfliches melodisches Geschenk, eine unbegrenzte Fähigkeit zur künstlerischen Transformation, die Fähigkeit, den Geist des dargestellten Lebens nachzubilden, ermöglichte es Prokofjew, einen großen, komplexe Welt unsere Realität. Es genügt, solche Werke von ihm zu nennen, wie die Opern "Semyon Kotko" (basierend auf der Geschichte von Valentin Kataev) und "The Tale of a Real Man" (basierend auf gleichnamiges Werk Boris Polevoy), das Oratorium „On Guard of the World“ und die Suite „Winter Bonfire“ zu den Versen von S. Ya. Marshak oder die 1945 aufgeführte epische Fünfte Sinfonie, deren Idee und Konzept Prokofjew selbst als „ Symphonie der Größe des menschlichen Geistes." „Er wusste, wie man auf die Zeit hört“, sagte Ilya Ehrenburg über ihn. Aber auch als der Komponist sich der fernen Geschichte zuwandte, blieb er zutiefst modern. So sind Prokofjews patriotische Texte und die furchtlose Kraft volkstümlicher Szenen in der Musik zum Film „Iwan der Schreckliche“, dem Gemälde „Borodino“ in der Oper „Krieg und Frieden“ nach dem Roman von Leo Tolstoi, dem Aufruf „Steh auf , Russian people" klingen so spannend, wie heute. und der fesselnde, Glinka-artige Singsang "In Russia, the feind will not be native" in der Kantate "Alexander Newski".
Sergej Sergejewitsch Prokofjew wurde im Dorf Sontsovka in der Provinz Jekaterinoslaw (heute Dorf Krasnoe in der Region Donezk) in der Familie eines Agronomen geboren. 1914 absolvierte er das St. Petersburger Konservatorium, wo seine Lehrer A. Lyadov, N. Rimsky-Korsakov und andere waren hervorragende Komponisten und Musiker. Zuvor wurde Prokofjews musikalische Ausbildung von dem später berühmten sowjetischen Komponisten R. M. Glier geleitet. Laut Prokofjew selbst hörte er von Geburt an Musik zu Hause. Die Mutter des Komponisten spielte Klavier. Außerdem war sie eine geborene Lehrerin. Sie war die erste, die ihren Sohn in die Welt der Beethoven-Sonaten einführte, und weckte in ihm die Liebe zur klassischen Musik.
Prokofjews schärfste Beobachtungsgabe und Liebe zur lebendigen Natur, glücklich kombiniert mit der reichsten kreativen Vorstellungskraft. Er war ein Komponist, nicht weil er Musik komponierte, sondern weil er nicht anders konnte, als sie zu komponieren. Prokofjew reiste mit seinen Konzerten durch ganz Europa und Amerika, spielte vor dem Publikum von Karthago. Aber ein gemütlicher Sessel und ein Schreibtisch, ein bescheidener Blick auf die Oka in Polenov bei Moskau, wo die Musik des Balletts „Romeo und Julia“ (eine der besten Schöpfungen des Komponisten) entstand, oder ein ruhiges Eckchen der französischen Bretagne an der Atlantikküste, wo das dritte Klavierkonzert mit einem wunderbaren Text russischer Themen geschrieben wurde, bevorzugte er Applaus und den Lärm von Konzertsälen.
Er war ein erstaunlicher Arbeiter. Zwei Stunden vor seinem Tod saß er noch an seinem Schreibtisch und beendete die letzten Seiten seines Balletts „Das Märchen von der Steinblume“ (lt Geschichten aus dem Ural P. Bazhov), in dem er es sich nach eigenen Worten zur Aufgabe machte, "die Freude an schöpferischer Arbeit zum Wohle des Volkes" zu singen, "über die geistige Schönheit des russischen Volkes, über die Macht und zu erzählen unschätzbare Reichtümer unserer Natur, die sich nur vor dem arbeitenden Menschen offenbaren“.
Das Ausmaß und die Bedeutung von Prokofjews Werk sind außergewöhnlich groß. Er schrieb 11 Opern, 7 Sinfonien, 7 Ballette, etwa 30 Romanzen und viele andere Werke.
Als Entdecker neuer Wege in der Kunst ging Prokofjew als einer der herausragendsten Künstler des 20. Jahrhunderts in die Geschichte der russischen und der Weltmusik ein.