20वीं सदी के आदिम कलाकार. आदिमवाद - अनुभवहीन कला

चित्रकला में आदिमवाद की शैली को व्यापक अनुप्रयोग मिला है। सबसे पहले, स्व-सिखाया गया कलाकार, जिनके पास पर्याप्त पेशेवर कौशल नहीं था, लेकिन वे खुद को और दुनिया के बारे में अपना दृष्टिकोण दिखाने की कोशिश करते थे, इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधि बन गए। किसी भी अन्य नवाचार की तरह, आदिमवाद ने महान कलाकारों को जन्म दिया जो प्रसिद्धि चाहते थे लंबे सालप्रशिक्षण के बाद, वे पेंटिंग की नई दिशा से असंतुष्ट थे, जिससे रचनाकारों को अपने कलात्मक कौशल को चमकाने में आधा जीवन नहीं लगा। हालाँकि, अधिकांश कला समीक्षकों को सरल कृतियाँ पसंद आईं, और फिर भी आदिमवाद ने शैलियों की एक विशाल विविधता में अपना स्थान ले लिया।

आदिमवाद की विशेषताएं

चित्रकला में आदिमवाद को छवियों के सरलीकरण की विशेषता है: कलाकार विकृत करते हैं दुनिया, जिससे पेंटिंग सामान्य बच्चों के चित्रों की तरह दिखती हैं। हालाँकि, परिवर्तन जानबूझकर किए गए थे: सादगी और लापरवाही के भ्रम के माध्यम से, कोई भी देख सकता है गहन अभिप्रायकाम करता है. अन्य सभी कलात्मक शैलियों की तरह, आदिमवाद में विवरण महत्वपूर्ण हैं - वे मुख्य अर्थ भार वहन करते हैं।

कला क्रूर

आर्ट ब्रूट आदिमवाद की एक महत्वपूर्ण शाखा है। परिभाषा का एक पर्यायवाची शब्द "बाहरी कला" है। इस उद्योग के कार्य मानसिक रूप से बीमार या सनकी लोगों की दुनिया का प्रतिनिधित्व करते हैं जो एक बार समाज से दूर चले गए और एक विशेष वास्तविकता में डूब गए। कला ब्रूट की एक महत्वपूर्ण विशेषता मानी जाती है पूर्ण अनुपस्थितिकलाकार की कल्पनाओं के बीच स्पष्ट सीमाएँ और वास्तविक जीवन. प्रचुरता छोटे भागयह जीवन की विचारहीनता और व्यर्थ की जल्दबाजी का सुझाव देता है आधुनिक दुनिया- यह आर्ट ब्रूट के सबसे आम लेखक के संदेशों में से एक है।

यह राय ग़लत है कि छवियों के भोलेपन के पीछे कोई विचार छिपा नहीं है। आदिमवाद परिवेश से नहीं, बल्कि संतृप्त है आंतरिक स्थितिआत्माओं. चित्रित विवरणों के सावधानीपूर्वक विचार और विश्लेषण के बाद ही इस पर ध्यान दिया जा सकता है - यहाँ सरसरी नज़र अनुचित है।

चित्रकला में आदिमवाद की सही पहचान करना कैसे सीखें

लेखक के भोलेपन और सहज प्रेरणा के बिना आदिमवाद का अस्तित्व नहीं है। जो व्यक्ति पहली बार ऐसी कहानियों का सामना करता है उसे पुरानी यादों जैसी अनुभूति का अनुभव होता है। दुनिया के बारे में बच्चों की दृष्टि टूटे हुए अनुपात, चमकीले और संतृप्त रंगों, गहरे नैतिक अर्थों में निहित है। आदिमवाद में एक आदमी एक गुड़िया की तुलना में अधिक है वास्तविक चरित्र- यह उसके रहस्य को बढ़ाता है।

विवरणों पर ध्यान देने और उनकी सही व्याख्या करने की क्षमता एक वास्तविक प्रतिभा है। निर्धारण करते समय कलात्मक शैलीयह अनावश्यक नहीं होगा. आप कलाकार को स्वयं समझना सीख सकते हैं। ऐसा करने के लिए, कई महत्वपूर्ण मानदंडों को याद रखना उचित है, जिन पर ध्यान देने से आदिमवाद के कार्यों को अतियथार्थवाद से अलग करना आसान हो जाएगा।

सबसे पहले, शुद्ध रंग. टोन और सेमीटोन की प्रचुरता, काइरोस्कोरो, अंतरिक्ष की गहराई - यह आदिमवाद नहीं है। भोली कला शुद्ध पेस्टल रंगों या, इसके विपरीत, अत्यधिक चमकीले रंगों का उपयोग करती है। दूसरे, टूटा हुआ अनुपात। यदि चित्र के लिए शैलीबद्ध चित्रण जैसा दिखता है काल्पनिक किताबतो यह आदिमवाद है. तीसरा, काल्पनिक विचारों के साथ वास्तविकता का मिश्रण - पेंटिंग में आदिमवाद एक शांत परिदृश्य और बहुत आकर्षक रंग, एक व्यक्ति और अविश्वसनीय प्राणियों को जोड़ता है।

आदिमवाद शैली के उत्कृष्ट प्रतिनिधि

केवल अमूर्तवादी और अतियथार्थवादी ही नहीं भरे पड़े हैं आधुनिक चित्रकला. आदिमवाद ने कई प्रतिभाशाली रचनाकारों के लिए रास्ता खोल दिया जिनके काम को पहले मान्यता नहीं मिली थी। इनमें बाबुष्का मोसेस, हेनरी रूसो, निको पिरोस्मानी, मारिया प्रिमाचेंको, अलीना अज़र्नया और कई अन्य शामिल हैं। सबसे प्रसिद्ध आदिम कलाकारों की तस्वीरें नीस के नाइव आर्ट संग्रहालय में रखी गई हैं।

बचपन की दुनिया

चित्रकला में आदिमवाद का एक विशेष स्थान है। सबसे पहले, यह कलाकारों की किसी व्यक्ति को लापरवाही, भोलापन और आध्यात्मिक शुद्धता की दुनिया में डुबोने की अद्वितीय क्षमता के कारण है। कई आदिमवादियों के बीच कला शिक्षा की कमी के बावजूद, पेंटिंग्स उस चीज़ से भरी हुई हैं जिसकी अधिकांश अन्य क्षेत्रों में बहुत कमी है: मनोदशा। कला प्रेमी इसे समझते हैं और इसकी सराहना करते हैं, यही कारण है कि आदिमवाद शैली में काम इतने लोकप्रिय हैं।

तिवादर कोस्तका का जन्म 5 जुलाई, 1853 को ऑस्ट्रिया (अब सबिनोव, स्लोवाकिया) के पहाड़ी गांव किशसेबेन में हुआ था - एक स्व-सिखाया हंगेरियन कलाकार।

उनके पिता लस्ली कोस्तका एक डॉक्टर और फार्मासिस्ट थे। भविष्य के कलाकार को बचपन से पता था कि वह फार्मासिस्ट बनेगा। लेकिन एक बनने से पहले, उन्होंने कई पेशे बदले- उन्होंने एक बिक्री कर्मचारी के रूप में काम किया, कुछ समय के लिए कानून संकाय में व्याख्यान में भाग लिया और उसके बाद ही फार्माकोलॉजी का अध्ययन किया।

एक बार, वह पहले से ही 28 साल का था, जब वह एक फार्मेसी में था, उसने एक पेंसिल पकड़ी और एक नुस्खे पर खिड़की से देखा एक साधारण दृश्य का चित्र बनाया - भैंसों द्वारा खींची जा रही एक गाड़ी।

उस समय से, या उससे भी पहले, उनका दृढ़ इरादा एक कलाकार बनने का था, इसके लिए उन्होंने एक छोटी सी पूंजी लगाने की कोशिश की, जिससे उन्हें भौतिक स्वतंत्रता मिली।

« बूढ़ा मछुआरा»

उन्होंने अपने बारे में निम्नलिखित लिखा: “मैं, तिवादर कोस्तका, ने दुनिया के नवीनीकरण के लिए अपनी युवावस्था का त्याग कर दिया। जब मैंने अदृश्य आत्मा से दीक्षा ली, तो मेरे पास एक सुरक्षित स्थिति थी, मैं प्रचुरता और आराम में रहता था। लेकिन मैंने अपनी मातृभूमि छोड़ दी क्योंकि मैं अपने समृद्ध और गौरवशाली जीवन के अंत में उसे देखना चाहता था। इसे हासिल करने के लिए मैंने यूरोप, एशिया और अफ्रीका में बड़े पैमाने पर यात्रा की। मैं उस सत्य को खोजना चाहता था जिसकी मुझे भविष्यवाणी की गई थी और उसे पेंटिंग में बदलना चाहता था।

ऐसा लगता है कि कलाकार बनने का विचार लगातार तिवादर कोस्टका को सताता रहा।

एक दिन वह रोम जाता है, फिर पेरिस जाता है, जहां उसकी मुलाकात प्रसिद्ध हंगेरियन कलाकार मिहाली मुनकासी से होती है।

और फिर वह अपनी मातृभूमि में लौट आता है, और चौदह वर्षों तक वह एक फार्मेसी में काम करता है, वित्तीय स्वतंत्रता प्राप्त करने की कोशिश करता है। अंत में, थोड़ी मात्रा में पूंजी जमा हो गई, और एक दिन उसने एक फार्मेसी किराए पर ली और पढ़ाई के लिए निकल गया, पहले म्यूनिख और फिर पेरिस।

एक अपरिचित प्रतिभा के भाग्य के निर्माण का सुप्रसिद्ध सिद्धांत इस प्रकार है।
उन्होंने महसूस किया कि पढ़ाई के दौरान जो कौशल वह हासिल करेंगे, वे उनकी धारणा के अनुरूप नहीं थे। इसलिए, उन्होंने स्कूल छोड़ दिया और 1895 में परिदृश्य चित्रित करने के लिए इटली की यात्रा पर चले गए। पूरे ग्रीस की यात्रा की उत्तरी अफ्रीकाऔर मध्य पूर्व.

1900 में उन्होंने अपना उपनाम कोस्तका बदलकर छद्म नाम चोंटवारी रख लिया।

उनके कार्यों के मूल्य पर कई आलोचकों ने सवाल उठाया है। यूरोप में उनका प्रदर्शन किया गया (यद्यपि बिना विशेष सफलता), लेकिन अपने मूल हंगरी में, चोंटवारी को हमेशा के लिए पागल कहा जाता था। अपने जीवन के अंत में ही वह बुडापेस्ट आए और वहां अपने कैनवस लेकर आए। मैंने उन्हें स्थानीय संग्रहालय को सौंपने की कोशिश की, लेकिन किसी को उनकी ज़रूरत नहीं पड़ी। 1919 में, तिवादर कोस्तका चोंटवारी वास्तव में पागल हो गए और गरीब, अकेले, उपहासित और बेकार मर गए।

दुर्भाग्य को दफनाने के बाद, रिश्तेदारों ने अच्छाइयों को बाँटना शुरू कर दिया। और सब कुछ अच्छा था - केवल तस्वीरें। और इसलिए, "विशेषज्ञों" से परामर्श करने के बाद, उन्होंने एक साधारण कैनवास की तरह, कैनवस को स्क्रैप करने और पैसे को आपस में बांटने का फैसला किया, ताकि सब कुछ निष्पक्ष हो।

इस समय, संयोग से, या बिल्कुल भी संयोग से नहीं (हालाँकि, एक अजीब संयोग!) एक युवा वास्तुकार, गेदोन गेरलोटसी, वहाँ से गुजरा। यह वह था जिसने कलाकार की कृतियों को बचाया, और उनके लिए कबाड़ विक्रेता द्वारा दी गई कीमत से थोड़ा अधिक भुगतान किया। अब तिवादर चोंटवारी की पेंटिंग पेक्स (हंगरी) शहर के संग्रहालय में रखी गई हैं।

और अभी हाल ही में, संग्रहालय के कर्मचारियों में से एक, 1902 में चित्रित कोस्टका की पेंटिंग "द ओल्ड फिशरमैन" की जांच करते समय, इसमें एक दर्पण संलग्न करने का विचार आया। और फिर उसने देखा कि कैनवास पर चित्र एक नहीं, बल्कि कम से कम दो थे! कैनवास को स्वयं दर्पण से विभाजित करने का प्रयास करें, और आप या तो शांतिपूर्ण, कोई कह सकता है, स्वर्ग परिदृश्य की पृष्ठभूमि में नाव में बैठे एक देवता को देखेंगे, या स्वयं शैतान को देखेंगे, जिसके पीछे काली लहरें भड़क रही हैं। या शायद चोंटवारी की अन्य पेंटिंग्स में भी हैं छिपे अर्थ? आखिरकार, यह पता चला कि इग्लो गांव का एक पूर्व फार्मासिस्ट इतना सरल नहीं था।

मार्क चैगल "प्रेमी" आदिमवाद आप अपने बालों को मेरी ओर ले जाते हैं, और मैं, आपके रूप को महसूस करते हुए और कांपते हुए, शरीर कांपते हुए, मैं आपसे फिर से पूछना चाहता हूं: शादी की निन्दा के तहत मेरे लंबे समय से खड़े फूल, बहुत दूर कहां हैं? मुझे याद है: रात, और तुम निकट हो, और पहली बार मैं तुम्हारे पास लेट गया, और हमने चाँद को बुझा दिया, और मोमबत्तियों की लौ बह गई, और ...

फ्रिडा काहलो स्टिल लाइफ विद ए फ़्राइटेंड ब्राइड, 1943 प्रिमिटिविज़्म फ्रीडा काहलो के काम का अर्थ हमेशा अंदर ही अंदर छिपा होता है। चित्र पर एक सरसरी नज़र डालने पर, दर्शक कभी भी इसका अर्थ नहीं समझ पाएगा, क्योंकि प्रत्येक वस्तु एक प्रतीक बन जाती है। दुल्हन कटे हुए तरबूज से बाहर झांकती एक छोटी सी गुड़िया है। तस्वीर में दिख रहे तरबूज के दो हिस्से दो हिस्से नहीं हैं. वे प्यार और जुनून का प्रतीक हैं, जो…

मार्क ज़खारोविच चागल "ब्लू हाउस", 1917 ललित कला संग्रहालय, लीज प्रिमिटिविज्म विटेबस्क चागल का पसंदीदा शहर था, एक ऐतिहासिक स्थान जिसे कलाकार हमेशा याद रखते थे और इन यादों को संजोते थे। यह कोई संयोग नहीं है कि चित्रकार को वहां जाने का अवसर मिला सोवियत संघफर्टसेवा के निमंत्रण पर, चागल ने जानबूझकर विटेबस्क की यात्रा से इनकार कर दिया - वह पुराने शहर को अपनी आत्मा, अपने शहर में रखना चाहता था ...

फ्रीडा काहलो "ब्रोकन कॉलम", 1944 डोलोरेस ओल्मेडो संग्रहालय, मेक्सिको सिटी प्रिमिटिविज्म, सेल्फ-पोर्ट्रेट इस तस्वीर में, फ्रीडा ने सभी भौतिक और व्यक्त किए दिल का दर्दजिसे मैंने जीवन भर अनुभव किया है। बचपन में उन्हें पोलियो हो गया था और युवावस्था के शुरुआती दिनों में वह एक कार दुर्घटना का शिकार हो गई थीं और कुछ समय के लिए बिस्तर पर पड़ी रहीं। उसकी रीढ़ की हड्डी कई जगह से टूट गई थी...

मार्क चागल "आई एंड द विलेज", 1911 आधुनिक कला संग्रहालय, न्यूयॉर्क, यूएसए आदिमवाद राजधानी के संरक्षकों के वित्तीय समर्थन के लिए धन्यवाद, 1910 में चागल पेरिस में समाप्त हो गए। युवा कलाकार, पहले एक अपार्टमेंट से दूसरे अपार्टमेंट में घूमता रहा, जल्द ही "ला ​​रुचे" नामक मंडप में बस गया, जिसका अर्थ है "मधुमक्खी का छत्ता"। इस लकड़ी की इमारत में सौ से अधिक गंदे, घटिया, लेकिन सस्ते मकान थे...

हेनरी रूसो "कार्निवल इवनिंग", 1886 कला संग्रहालय, फिलाडेल्फिया आदिमवाद यह एक है प्रारंभिक पेंटिंगहालाँकि रूसो ने इसे 42 साल की उम्र में लिखा था। हेनरी रूसो ने चालीस वर्ष की आयु तक एक सीमा शुल्क अधिकारी के रूप में काम किया और सेवानिवृत्त होने के बाद ही लिखना शुरू किया। कार्निवल शाम से एक साल पहले, उन्होंने चैंप्स एलिसीज़ पर निःशुल्क आर्ट सैलून में पुरानी पेंटिंग्स की अपनी प्रतियां प्रदर्शित कीं...

फ्रीडा काहलो गर्ल विद ए डेथ मास्क, 1938 नाइव आर्ट (प्राइमिटिविज्म) नागोया सिटी म्यूजियम, जापान फ्रीडा काहलो (स्पेनिश मैग्डेलेना कारमेन) फ्रीडा कैहलोवाई काल्डेरोन, 6 जुलाई, 1907, कोयोकैन - 13 जुलाई, 1954, कोयोकैन) - मैक्सिकन कलाकार, डिएगो रिवेरा की पत्नी। फ्रीडा काहलो की कृतियाँ मैक्सिकन लोक कला, अमेरिका की पूर्व-कोलंबियाई सभ्यताओं की संस्कृति से बहुत प्रभावित हैं। उनका काम प्रतीकों से भरा है और…

मार्क चैगल "हैप्पीनेस", 1980 पेपर, लिथोग्राफ, 116 x 75.5 सेमी राष्ट्रीय संग्रहालयमार्क चागल, नीस, फ़्रांस आदिमवाद हमारे जीवन में केवल एक ही रंग है, बिल्कुल एक कलाकार के पैलेट की तरह, जो जीवन और कला को अर्थ देता है। ये प्यार का रंग है. - मार्क चागल.

विवरण श्रेणी: कला में शैलियों और रुझानों की विविधता और उनकी विशेषताएं 07/24/2015 19:12 को पोस्ट किया गया दृश्य: 4998

इस प्रवृत्ति की उत्पत्ति हुई ललित कलाअंत XIX-शुरुआत 20 वीं सदी यह अलग है जानबूझकर किया गयासरलीकरण दृश्य साधनऔर आदिम कला के रूपों के प्रति कलाकारों की अपील: आदिम, मध्ययुगीन, लोक, बच्चों की कला।

आमतौर पर "आदिमवाद" और "भोली कला" की अवधारणाएँ समान हैं। लेकिन हम इससे पूरी तरह असहमत हैं, क्योंकि अनुभवहीन कला- यह गैर-पेशेवरों की कला है, और आदिमवाद कुछ हद तक एक शैलीकरण है। हम कई कलाकारों की "आदिम" पेंटिंग देखते हैं जिनके पास अकादमिक ज्ञान था कला शिक्षाया जिन्होंने विभिन्न मास्टर्स से पेंटिंग स्कूल पास किया हो। उन्हें अन्य शैलियों का भी अनुभव था। ये हैं, उदाहरण के लिए, पॉल गाउगिन, मिखाइल लारियोनोव, पाब्लो पिकासो, नतालिया गोंचारोवा, पॉल क्ले, क्लिमेंट रेड्को, यूरी वासनेत्सोव और कई अन्य। शायद ऐसे महान उस्तादों के काम को "शैलीकरण" कहना पूरी तरह से सही नहीं है, यह उनका है स्वयं की शैली, जो आदिम कला की प्लास्टिसिटी पर आधारित है। लेकिन उनके काम को भोला भी नहीं कहा जा सकता, क्योंकि तरीके आदिम हैं रचनात्मक अभिव्यक्तिउन्होंने जानबूझकर चुना, न कि कला शिक्षा की कमी के कारण। उदाहरण के लिए, पेशेवर कलाकारसेर्गेई ज़ाग्रेव्स्की अपने जीवन की शुरुआत से ही रचनात्मक गतिविधिवही विशिष्ट शैली बरकरार रखती है। इस शैली को हम आदिमवाद कहेंगे। और शायद कोई हमसे बहस करेगा और उसकी पेंटिंग का श्रेय भोली-भाली कला को देगा।

सर्गेई ज़ाग्रेव्स्की "एप्पल ऑर्चर्ड" (1992)
बेशक, आत्म-अभिव्यक्ति, लिखावट और तकनीकों के विभिन्न रचनात्मक तरीकों को एक निश्चित शैली में रखना असंभव है। कभी नहीँ कलात्मक विचारशैली के दायरे तक ही सीमित नहीं है, एक बार और सभी के लिए चुनी गई दिशा।
इस संबंध में, मैं एम. चागल के काम को याद करना चाहूंगा।

एम. चागल "व्हाइट क्रूसिफ़िशन" (1938)। कैनवास पर तेल, 254.3 x 139.7 सेमी. कला संस्थान (शिकागो)
यह पेंटिंग कलाकार द्वारा सेंट्रल और में यहूदियों के उत्पीड़न से प्रभावित होकर बनाई गई थी पूर्वी यूरोप. वह रूपकात्मक है. चागल के लिए क्रूस पर चढ़ाए गए यीशु की छवि एक नया प्रतीक है - यहूदी नश्वर पीड़ाओं का अनुभव कर रहे हैं।
इस चित्र में प्रतीकवाद, ऐतिहासिकता और आदिमवाद की सहज गंभीरता मिश्रित है।

मार्क चागल (1887-1985)

विटेबस्क में पैदा हुए। उन्होंने पारंपरिक घरेलू यहूदी शिक्षा प्राप्त की। उन्होंने कला के प्रोत्साहन के लिए सोसायटी के ड्राइंग स्कूल में एल.एस. के साथ अध्ययन किया। अकेले में बॅकस्ट कला स्कूलई. एन. ज़वंत्सेवा ने फिर पेरिस में अपनी कला की शिक्षा जारी रखी, जहाँ उनकी मुलाकात अवंत-गार्डे कलाकारों और कवियों से हुई।
वह जहां भी रहे: सेंट पीटर्सबर्ग, पेरिस, अमेरिका में - हर जगह वह यहूदी लोगों के बेटे बने रहे, लेकिन उन्होंने हमेशा अपने दिल में रखा गृहनगर, इसकी शांत सड़कों और निचले घरों का चित्रण। विटेबस्क को कलाकार का दूसरा सबसे महत्वपूर्ण "मॉडल" कहा जाता है। और पहली थीं बेला, पत्नी और म्यूज़ - 1909 से अपने जीवन के अंत तक।

एम. चागल "ओवर द सिटी" (1918)
चैगल में, प्लास्टिक भाषा का सचेतन आदिमीकरण स्पष्ट रूप से दिखाई देता है, केवल इस रूप में वह खुद को व्यक्त कर सकता था (और चाहता था)। कलाकार बनने के अपने प्रयासों के बारे में उन्होंने यह कहा: “मुझे लगता है कि मैं आम तौर पर सीखने के योग्य नहीं हूं। या वे नहीं जानते थे कि मुझे कैसे सिखाया जाए... मैं केवल अपनी प्रवृत्ति का पालन कर सकता हूं। क्या तुम समझ रहे हो? ए स्कूल के नियमोंमैं अपने दिमाग में नहीं आता।"
चागल ने न केवल अवंत-गार्डे कलाकारों के साथ अध्ययन किया - उन्होंने संकेतों के मास्टर के साथ भी काम किया। विटेबस्क पीपुल्स में कला स्कूलचागल ने साइनबोर्ड के मास्टरों और उनके छात्रों के साथ मिलकर क्रांति की पहली वर्षगांठ के लिए शहर का डिज़ाइन तैयार किया। कलाकार ने अध्ययन किया बच्चों की रचनात्मकता. अपनी पुस्तक "माई लाइफ" में वे लिखते हैं: "मैं उनके चित्रों, उनके प्रेरित प्रलाप की प्रशंसा करते नहीं थकता था..."। उनके कार्यों में, विशेष रूप से ग्राफिक्स में, एक बच्चे की ड्राइंग की विशेषताएं दिखाई दीं।
एम. चैगल को रोजमर्रा के दृश्य बहुत पसंद थे और वे उन्हें कल्पना, किसी चमत्कार का पूर्वाभास, पौराणिक प्रतीकों और जानवरों से भर देते थे।

यूरोपीय आदिमवाद के मूल में पी. गौगुइन, ए. मैटिस, ए. मोदिग्लिआनी की कृतियाँ हैं।

हेनरी मैटिस (1869-1954)

ए मैटिस - फ़्रांसीसी कलाकारऔर मूर्तिकार, फ़ौविस्ट धारा के नेता। वह अपना रास्ता तलाश रहे थे: पहले उन्होंने प्रभाववाद की भावना में पेंटिंग की, फिर उन्होंने पॉइंटिलिज्म की तकनीक में काम किया (लेख "पोस्ट-इंप्रेशनिज्म" में), और बाद में बनाया एक नई शैली, कला के इतिहास में "फौविज्म" नाम से दर्ज हुआ। XX सदी की शुरुआत की अवधि के उनके चित्रों के लिए। सपाट आकृतियों, स्पष्ट रेखाओं और कम सख्त बिंदुवाद की विशेषता।
1906 में, मैटिस ने अल्जीरिया का दौरा किया और अफ्रीका के लोगों की मूर्तिकला की खोज की, आदिमवाद और शास्त्रीय जापानी वुडकट्स में दिलचस्पी ली।

ए मैटिस "स्टिल लाइफ विद संतरे" (1912)

एमेडियो मोदिग्लिआनी (1884-1920)

एक इतालवी चित्रकार और मूर्तिकार जिन्होंने मुख्य रूप से अभिव्यक्तिवादी शैली में काम किया। लेकिन, पेरिसियन स्कूल (टूलूज़-लॉट्रेक, सेज़ेन, पिकासो, रेनॉयर) के कई कलाकारों के प्रभाव का अनुभव करने के बाद, उन्होंने उनकी विशेषताओं को आत्मसात कर लिया। उनके काम में आदिमवाद और अमूर्तता की गूँज भी है।

ए मोदिग्लिआनी "मारिया वासिलीवा का चित्रण" (1918)
हालाँकि, कुछ कला समीक्षक आदिमवाद को अभिव्यक्तिवाद का एक शैलीगत भेस मानते हैं। उदाहरण के लिए, प्रतिभाशाली ऑस्ट्रियाई अभिव्यक्तिवादी ऑस्कर कोकोस्का की रचनाएँ केवल विशेषज्ञों को लोक चित्रों की याद दिलाती हैं।

ऑस्कर कोकोस्का द्वारा पेंटिंग
20वीं सदी की शुरुआत के कुछ कलाकार, विभिन्न से संबंधित कलात्मक निर्देशऔर शैलियाँ, आदिमवाद की शैली में कार्य हैं। यहां इन कार्यों के उदाहरण दिए गए हैं।

पी. पिकासो "डांसर" (1907-1908)

एम. लारियोनोव "ऑफिसर हेयरड्रेसर" (1909)

पी. क्ली "एक्रोबेटिक्स" (1923)

पी. गौगुइन "येलो क्राइस्ट" (1889)। कैनवास, तेल. 91.1 x 74.3 सेमी. अलब्राइट-नॉक्स गैलरी (बफ़ेलो)
पी. गौगुइन की यह पेंटिंग इनमें से एक मानी जाती है महत्वपूर्ण कार्यप्रतीकवाद में, लेकिन आदिमवाद की शैली में क्रियान्वित किया गया।
मसीह द्वारा स्वीकार की गई असीमित पीड़ा लोगों द्वारा इस बलिदान की "अदृश्यता" का खंडन करती है। कलाकार "शाश्वत" विषय की ओर मुड़ता है, अपने कार्यों में खुद को और दूसरों को बलिदानीय सेवा के अर्थ को समझने और समझाने की कोशिश करता है। मुख्य विषयचित्र - मनुष्य का ईश्वर और स्वर्ग दोनों से अलगाव। लेकिन स्वयं मसीह के चेहरे की अभिव्यक्ति में भी, कोई मानवता के लिए इतना प्यार नहीं पढ़ सकता है जितना कि इस बारे में संदेह है कि क्या उसका बलिदान व्यर्थ था - उसका चेहरा पीड़ा के उस चरण को दर्शाता है जो उदासीनता, चारों ओर की हर चीज के प्रति उदासीनता पर निर्भर करता है।

एम. लारियोनोव (1912) द्वारा "वीनस", आदिमवाद की शैली में बनाया गया, एक बाड़ पर एक चित्र जैसा दिखता है, और यहां तक ​​​​कि एक शिलालेख के साथ भी। बेशक, यहां भोली कला का कोई सवाल ही नहीं हो सकता - यह एक स्पष्ट और जानबूझकर शैलीकरण है, एक उपहास है।

एन. गोंचारोवा "राउंड डांस" (1910)
लेकिन एन. गोंचारोवा का आदिमवाद किसान आकृतियों की स्थूल स्मारकीयता में व्यक्त होता है। उनकी छवियों की कृत्रिम स्थिर प्रकृति के बावजूद, एन. गोंचारोवा की पेंटिंग शक्तिशाली सतत गति से भरी हैं। उनका आदिमवाद अभिव्यक्तिवाद का ही एक रूप है।
और अब कलाकार अक्सर इस शैली की ओर रुख करते हैं। आदिम "स्कूल" की परंपरा से बंधा नहीं है, यह सिद्धांतों से मुक्त है, इसलिए इसकी तात्कालिकता है।
आदिम की दो किस्में: लोकप्रिय प्रिंट और रोमांटिक-सुखद - लंबे समय तक जीवित रहीं। वे आज भी हमारे दिनों के आदिम युग में जी रहे हैं।

डी. ज़वगोरोडनी "अजीब बैल"

डी. ज़वगोरोडनी "नॉर्दर्न लाइट्स"

) अपने अभिव्यंजक व्यापक कार्यों में कोहरे की पारदर्शिता, पाल की हल्कापन, लहरों पर जहाज के सहज हिलने-डुलने को संरक्षित करने में सक्षम थी।

उनकी पेंटिंग अपनी गहराई, मात्रा, संतृप्ति से विस्मित करती हैं और बनावट ऐसी है कि उनसे नज़रें हटाना असंभव है।

हार्दिक सादगी वेलेंटीना गुबरेवा

मिन्स्क के आदिम कलाकार वैलेन्टिन गुबारेवप्रसिद्धि का पीछा नहीं कर रहा हूँ और बस वही कर रहा हूँ जो उसे पसंद है। उनका काम विदेशों में बेहद लोकप्रिय है, लेकिन अपने हमवतन लोगों के लिए लगभग अपरिचित है। 90 के दशक के मध्य में, फ्रांसीसी को उनके रोजमर्रा के रेखाचित्रों से प्यार हो गया और उन्होंने कलाकार के साथ 16 साल के लिए एक अनुबंध पर हस्ताक्षर किए। पेंटिंग, जो, ऐसा प्रतीत होता है, केवल हमारे लिए समझ में आना चाहिए, "अविकसित समाजवाद के मामूली आकर्षण" के वाहक, यूरोपीय जनता द्वारा पसंद किए गए थे, और स्विट्जरलैंड, जर्मनी, ग्रेट ब्रिटेन और अन्य देशों में प्रदर्शनियां शुरू हुईं।

सर्गेई मार्शेनिकोव द्वारा कामुक यथार्थवाद

सर्गेई मार्शेनिकोव 41 साल के हैं। वह सेंट पीटर्सबर्ग में रहते हैं और शास्त्रीय रूसी स्कूल ऑफ रियलिस्टिक की सर्वोत्तम परंपराओं का निर्माण करते हैं चित्रांकन. उनके चित्रों की नायिकाएँ अपनी अर्ध-नग्न महिलाओं में कोमल और रक्षाहीन हैं। बहुतों पर प्रसिद्ध चित्रकलाकार की प्रेरणा और पत्नी नतालिया को दर्शाया गया है।

फिलिप बार्लो की अदूरदर्शी दुनिया

चित्रों के आधुनिक युग में उच्च संकल्पऔर अतियथार्थवाद के सुनहरे दिनों में, फिलिप बार्लो (फिलिप बार्लो) का काम तुरंत ध्यान आकर्षित करता है। हालाँकि, लेखक के कैनवस पर धुंधली छाया और चमकीले धब्बों को देखने के लिए खुद को मजबूर करने के लिए दर्शक को एक निश्चित प्रयास की आवश्यकता होती है। संभवतः, मायोपिया से पीड़ित लोग चश्मे और कॉन्टैक्ट लेंस के बिना दुनिया को इसी तरह देखते हैं।

लॉरेंट पार्सलियर द्वारा सनी बनीज़

लॉरेंट पार्सलियर की पेंटिंग है अद्भुत दुनियाजिसमें न तो उदासी है और न ही निराशा. उसमें आपको उदास और बरसाती तस्वीरें नहीं मिलेंगी। उनके कैनवस पर बहुत सारे प्रकाश, हवादार और चमकीले रंग हैं, जिन्हें कलाकार विशिष्ट पहचानने योग्य स्ट्रोक के साथ लागू करता है। इससे यह अहसास होता है कि पेंटिंग हजारों सूरज की किरणों से बुनी गई हैं।

जेरेमी मान के कार्यों में शहरी गतिशीलता

लकड़ी के पैनलों पर तेल अमेरिकी कलाकारजेरेमी मान आधुनिक महानगर के गतिशील चित्र बनाते हैं। "अमूर्त रूप, रेखाएं, प्रकाश और अंधेरे धब्बों का विरोधाभास - सब कुछ एक तस्वीर बनाता है जो उस भावना को उद्घाटित करता है जो एक व्यक्ति शहर की भीड़ और हलचल में अनुभव करता है, लेकिन उस शांति को भी व्यक्त कर सकता है जो शांत सुंदरता पर विचार करने से आती है," कहते हैं। कलाकार।

नील साइमन की मायावी दुनिया

ब्रिटिश कलाकार नील सिमोन (नील सिमोन) की पेंटिंग्स में सब कुछ वैसा नहीं है जैसा पहली नज़र में लगता है। साइमन कहते हैं, "मेरे लिए, मेरे आस-पास की दुनिया नाजुक और हमेशा बदलती आकृतियों, छायाओं और सीमाओं की एक श्रृंखला है।" और उनके चित्रों में सब कुछ वास्तव में भ्रामक और परस्पर जुड़ा हुआ है। सीमाएँ धुल जाती हैं, और कहानियाँ एक-दूसरे में प्रवाहित हो जाती हैं।

जोसेफ लोरासो का प्रेम नाटक

इटली में जन्मे समकालीन अमेरिकी कलाकार जोसेफ लोरुसो ने अपने द्वारा देखे गए दृश्यों को कैनवास पर उतारा है रोजमर्रा की जिंदगी आम लोग. आलिंगन और चुंबन, भावुक आवेग, कोमलता और इच्छा के क्षण उसकी भावनात्मक तस्वीरें भर देते हैं।

दिमित्री लेविन का ग्रामीण जीवन

दिमित्री लेविन रूसी परिदृश्य के एक मान्यता प्राप्त मास्टर हैं, जिन्होंने खुद को रूसी यथार्थवादी स्कूल के एक प्रतिभाशाली प्रतिनिधि के रूप में स्थापित किया है। उनकी कला का सबसे महत्वपूर्ण स्रोत प्रकृति के प्रति उनका लगाव है, जिसे वे कोमलता और जुनून से प्यार करते हैं और खुद को इसका एक हिस्सा महसूस करते हैं।

ब्राइट ईस्ट वालेरी ब्लोखिन