Deskripsi Edouard Manet bar foley bergere. Lukisan impresionis

"... Di Salon tahun 1881, Manet mengharapkan penghargaan yang telah lama ditunggu - medali kedua untuk potret Pertuise, sang pemburu singa. Kini Manet menjadi seniman "keluar dari persaingan" dan berhak memamerkan karya-karyanya tanpa persetujuan juri Salon.

Manet berharap dapat melakukan "sesuatu" untuk Salon tahun 1882 - untuk Salon pertama, di mana kanvasnya akan muncul dengan tanda "V.K." ("keluar dari kompetisi"). Dia tidak akan melewatkan ini!

Tetapi sekarang, ketika akhirnya kemuliaan yang dimenangkan dengan susah payah telah datang kepadanya, apakah hadiahnya akan jatuh ke tangan yang tidak berdaya? Apakah benar-benar hanya ketika dia akhirnya akan dihargai atas kerja keras dan kesulitannya. apakah semuanya akan berakhir?.. Penyakit Manet terus berkembang; dia mengetahui hal ini, dan kesedihan menggerogotinya, dan matanya berlinang air mata. Hidup! Hidup! Mane melawan. Tidak bisakah wasiatnya bisa mengatasi penyakit?..

Manet mengumpulkan semua keinginannya. Mereka ingin menguburnya terlalu cepat. Dan sekarang Anda bisa bertemu dengannya di kafe "New Athens", dekat Tortoni, di kafe Bad, di Folies Bergère; pada teman, saya akan memberikan separuh dunia. Dan dia selalu bercanda, ironisnya, bersenang-senang tentang kakinya yang sakit, "kelemahannya". Manet ingin menjalankan rencana baru: adegan baru kehidupan Paris, pemandangan bar Folies Bergère - Suzon yang cantik di belakang bar yang dipenuhi botol anggur; Suzon, yang dikenal baik oleh semua pengunjung reguler tempat ini.

The Bar at the Folies Bergère adalah karya dengan kelezatan yang indah dan keberanian yang luar biasa: Suzon yang berambut pirang di konter; di belakang ada cermin besar yang memantulkan aula dan penonton yang memenuhinya. Dia memiliki beludru hitam yang sama di lehernya yang dimiliki Olympia, dia sama tidak bergeraknya, tatapannya dingin, menggairahkan dengan ketidakpeduliannya terhadap lingkungan.

Ini pekerjaan yang paling kompleks berkembang dengan susah payah. Mane mengalahkannya, berulang kali membuat ulang. Pada Mei 1882, dia mengenal kebahagiaan, merenungkan di Salon "Musim Semi" dan "Bar di Folies Bergère", disertai dengan tanda "V.K." Mereka tidak lagi menertawakan kanvasnya. Jika beberapa orang masih membiarkan diri mereka mengkritik mereka, jika, misalnya, pembangunan "Bar" dengan cerminnya dan permainan pantulan dianggap terlalu rumit, mereka menyebutnya "rebus", maka tetap saja, lukisan Mane dianggap serius, hati-hati, diperdebatkan sebagai karya, yang harus diperhitungkan. Namun, tanda "V.K." menempatkan penonton pada posisi terhormat. Atas kehendak kedua surat ini, Manet menjadi seniman yang diakui; surat-surat ini menyerukan refleksi, mendorong simpati (sebelum mereka tidak berani mengungkapkannya dengan keras), tutup mulut yang bermusuhan ... "

"Dalam karya hebat terakhirnya, The Bar at the Folies Bergère, sang seniman sepertinya mengucapkan selamat tinggal pada kehidupan yang sangat dia hargai, yang sangat dia pikirkan dan yang tidak pernah lelah dia kagumi. Mungkin, masternya belum pernah melakukannya pandangan dunia diekspresikan dalam karya terpisah dengan kepenuhan seperti itu, berisi cinta untuk seseorang, untuk puisi spiritual dan bergambarnya, dan perhatian pada pandangannya yang kompleks dan dangkal tentang hubungan dengan orang lain, dan rasa kerapuhan makhluk, dan perasaan kegembiraan yang cerah saat berhubungan dengan dunia, dan ironi yang muncul saat mengamatinya. Penampilan Terbaik, termasuk dalam karyanya, terjalin bersama untuk diwujudkan dalam gadis muda ini yang berdiri di belakang meja kedai minuman Paris yang bising. Di sini, di mana orang mencari kesenangan dalam kontak dengan jenis mereka sendiri, di mana tampak menyenangkan memerintah, master sensitif menemukan kembali gambar hidup muda tenggelam dalam kesepian yang menyedihkan. Dunia di sekitar gadis itu sia-sia dan memiliki banyak sisi. Manet memahami hal ini, dan untuk mendengarkan hanya satu suara yang sangat dekat dengannya, dia membuat dunia ini terdengar lagi "di bawah bisu" - untuk menjadi pantulan goyah di cermin, untuk berubah menjadi kabut siluet yang kabur dan buram, wajah, bintik-bintik dan lampu. Dualitas ilusi penglihatan, yang diungkapkan kepada artis, secara fisik, seolah-olah, memperkenalkan gadis itu ke suasana perada bar, tetapi tidak lama. Mane tidak mengizinkannya menyatu dengan dunia ini, larut di dalamnya. Dia membuatnya mati secara internal bahkan dari percakapan dengan pengunjung acak, yang penampilannya biasa-biasa saja mengambil cermin yang terletak tepat di belakang meja, di mana pelayan bar itu sendiri terlihat miring dari belakang. Seolah-olah mulai dari refleksi itu, Manet mengembalikan kita ke satu-satunya realitas sejati dari seluruh tontonan hantu dunia ini. Sosok ramping terbungkus beludru hitam dikelilingi oleh pancaran cahaya cermin, meja marmer, bunga, buah-buahan, botol berkilau. Hanya dia, dalam kedipan warna-cahaya-udara ini, tetap menjadi nilai yang paling nyata, paling indah, dan tak terbantahkan. Kuas artis memperlambat gerakannya dan terletak lebih padat di atas kanvas, warnanya menebal, konturnya ditentukan. Tetapi perasaan yang akhirnya muncul dari stabilitas fisik pahlawan wanita kanvas tidak terbatas: tampilan gadis yang sedih, sedikit linglung dan bingung, tenggelam dalam mimpi dan terlepas dari segala sesuatu di sekitarnya, kembali membangkitkan perasaan rapuh dan elusivitas negaranya. Nilai pemberian konkretnya, tampaknya, harus diselaraskan dengan dualitas dunia di sekitarnya. Tapi tidak, struktur citranya, jauh dari habis sampai akhir, terus membangkitkan imajinasi, membangkitkan asosiasi puitis di mana kesedihan bercampur dengan kegembiraan.

Sulit dipercaya bahwa "Bar" diciptakan oleh orang yang sekarat, yang setiap gerakannya membawa penderitaan yang parah. Tapi memang begitu. Edouard Manet tetap menjadi pejuang bahkan sebelum kematiannya, karena dalam hidup dia adalah pejuang melawan kevulgaran borjuis, kemalasan pikiran dan perasaan filistin, seorang pria dengan jiwa dan pikiran yang langka. Dia melewati jalan yang sulit sebelum dia menemukan keindahan sejati yang dia cari kehidupan modern: dia ingin membukanya dan membukanya pada orang-orang yang sederhana dan tidak mencolok, menemukan di dalam diri mereka kekayaan batin yang dia berikan hatinya.

Berdasarkan materi buku karya A. Perryusho "Eduard Manet" dan kata penutup oleh M. Prokofieva. - M.: TERRA - klub buku. 2000. - 400 hal., 16 hal. sakit.

Lukisan karya Jacques Louis David "The Oath of the Horatii" merupakan titik balik dalam sejarah lukisan Eropa. Secara gaya, itu masih milik klasisisme; itu adalah gaya yang berorientasi pada Antiquity, dan sekilas orientasi ini dipertahankan oleh David. Sumpah Horatii didasarkan pada kisah tentang bagaimana patriot Romawi, tiga bersaudara Horace, dipilih untuk berperang melawan perwakilan kota Alba Longa yang bermusuhan, Curiatii bersaudara. Titus Livius dan Diodorus Siculus memiliki cerita ini; Pierre Corneille menulis sebuah tragedi di plotnya.

“Tapi justru sumpah Horatii yang hilang dari teks-teks klasik ini.<...>David-lah yang mengubah sumpah menjadi episode sentral dari tragedi itu. Orang tua itu memegang tiga pedang. Dia berdiri di tengah, dia mewakili sumbu gambar. Di sebelah kirinya ada tiga anak laki-laki yang menyatu menjadi satu sosok, di sebelah kanannya ada tiga perempuan. Gambar ini luar biasa sederhana. Sebelum David, klasisisme, dengan semua orientasinya terhadap Raphael dan Yunani, tidak dapat menemukan yang begitu keras dan sederhana lidah laki-laki untuk mengungkapkan nilai-nilai kewarganegaraan. David sepertinya mendengar apa yang dikatakan Diderot, yang tidak sempat melihat kanvas ini: "Kamu harus menulis seperti yang mereka katakan di Sparta."

Ilya Doronchenkov

Pada zaman Daud, Antiquity pertama kali menjadi nyata penemuan arkeologi Pompeii. Di hadapannya, Antiquity adalah kumpulan teks dari penulis kuno - Homer, Virgil, dan lainnya - dan beberapa lusin atau ratusan patung yang diawetkan dengan tidak sempurna. Sekarang menjadi nyata, hingga furnitur dan manik-manik.

“Tapi tidak ada yang ada dalam gambar David. Di dalamnya, Antiquity secara mencolok direduksi tidak begitu banyak menjadi lingkungan (helm, pedang tidak beraturan, toga, kolom), tetapi menjadi semangat kesederhanaan yang sangat primitif.

Ilya Doronchenkov

David dengan hati-hati mementaskan penampilan mahakaryanya. Dia melukis dan memamerkannya di Roma, menuai kritik yang antusias di sana, dan kemudian mengirim surat ke pelindung Prancis. Di dalamnya, sang seniman melaporkan bahwa pada suatu saat dia berhenti melukis untuk raja dan mulai melukisnya untuk dirinya sendiri, dan, khususnya, memutuskan untuk membuatnya tidak persegi, seperti yang dipersyaratkan untuk Salon Paris, tetapi persegi panjang. Seperti yang diharapkan sang seniman, rumor dan surat itu memicu kehebohan publik, lukisan itu dipesan ke tempat yang menguntungkan di Salon yang sudah dibuka.

“Jadi, terlambat, gambar itu dipasang dan menonjol sebagai satu-satunya. Jika bentuknya persegi, itu akan digantung di deretan yang lain. Dan dengan mengubah ukurannya, David mengubahnya menjadi unik. Itu adalah gerakan artistik yang sangat kuat. Di satu sisi, ia menyatakan dirinya sebagai yang utama dalam menciptakan kanvas. Di sisi lain, dia memusatkan perhatian semua orang pada gambar ini.

Ilya Doronchenkov

Gambar memiliki satu lagi arti penting yang membuatnya menjadi mahakarya sepanjang masa:

“Kanvas ini tidak menarik bagi individu - ini merujuk pada orang yang berdiri di barisan. Ini adalah sebuah tim. Dan ini adalah perintah untuk seseorang yang pertama bertindak dan kemudian berpikir. David dengan sangat tepat menunjukkan dua dunia yang tidak berpotongan, benar-benar terpisah secara tragis - dunia pria akting dan dunia wanita yang menderita. Dan penjajaran ini - sangat energik dan indah - menunjukkan kengerian yang sebenarnya ada di balik kisah Horatii dan di balik gambar ini. Dan karena kengerian ini bersifat universal, maka "Sumpah Horatii" tidak akan meninggalkan kita kemana-mana.

Ilya Doronchenkov 

Abstrak

Pada tahun 1816, fregat Prancis Medusa hancur di lepas pantai Senegal. 140 penumpang meninggalkan penjara dengan rakit, tetapi hanya 15 yang lolos; mereka harus menggunakan kanibalisme untuk bertahan hidup selama 12 hari mengembara di atas ombak. Skandal meletus di masyarakat Prancis; kapten yang tidak kompeten, seorang royalis karena keyakinan, dinyatakan bersalah atas bencana tersebut.

“Bagi masyarakat Prancis liberal, malapetaka fregat Medusa, tenggelamnya kapal, yang bagi orang Kristen melambangkan komunitas (pertama gereja, dan sekarang bangsa), telah menjadi simbol, pertanda awal yang sangat buruk. dari rezim Restorasi baru.”

Ilya Doronchenkov

Pada tahun 1818, seniman muda Théodore Géricault, mencari subjek yang layak, membaca buku para penyintas dan mulai mengerjakan lukisannya. Pada tahun 1819, lukisan itu dipamerkan di Salon Paris dan menjadi hit, simbol romantisme dalam seni lukis. Géricault dengan cepat meninggalkan niatnya untuk menggambarkan adegan kanibalisme yang paling menggoda; dia tidak menunjukkan penusukan, keputusasaan, atau momen keselamatan.

“Secara bertahap, dia memilih satu-satunya momen yang tepat. Ini adalah momen harapan maksimum dan ketidakpastian maksimum. Ini adalah momen ketika orang-orang yang selamat di atas rakit pertama kali melihat brig Argus di cakrawala, yang pertama kali melewati rakit (dia tidak menyadarinya).
Dan baru kemudian, mengikuti jalur tabrakan, dia tersandung. Pada sketsa, di mana idenya telah ditemukan, "Argus" terlihat, dan dalam gambar itu berubah menjadi titik kecil di cakrawala, menghilang, menarik perhatian, tetapi seolah-olah tidak ada.

Ilya Doronchenkov

Gericault meninggalkan naturalisme: alih-alih tubuh kurus, dia memiliki atlet pemberani yang cantik dalam fotonya. Tapi ini bukan idealisasi, ini universalisasi: gambarannya bukan tentang penumpang Meduza tertentu, ini tentang semua orang.

"Géricault menyebar latar depan orang mati. Dia tidak menciptakannya: pemuda Prancis mengoceh tentang mayat dan tubuh yang terluka. Itu bersemangat, membuat gugup, menghancurkan konvensi: seorang klasikis tidak dapat menunjukkan yang jelek dan mengerikan, tetapi kami akan melakukannya. Tapi mayat-mayat ini memiliki arti lain. Lihatlah apa yang terjadi di tengah gambar: ada badai, ada corong yang menarik perhatian. Dan di atas tubuh, penonton, yang berdiri tepat di depan gambar, melangkah ke atas rakit ini. Kita semua ada di sana."

Ilya Doronchenkov

Lukisan Géricault bekerja dengan cara baru: ditujukan bukan untuk pasukan penonton, tetapi untuk setiap orang, semua orang diundang ke rakit. Dan lautan bukan hanya lautan harapan yang hilang di tahun 1816. Inilah takdir manusia.

Abstrak

Pada tahun 1814, Prancis sudah bosan dengan Napoleon, dan kedatangan keluarga Bourbon diterima dengan lega. Namun, banyak kebebasan politik dihapuskan, Pemulihan dimulai, dan pada akhir tahun 1820-an, generasi muda mulai menyadari kekuatan ontologis yang biasa-biasa saja.

“Eugène Delacroix termasuk dalam strata elit Prancis yang bangkit di bawah Napoleon dan disingkirkan oleh Bourbon. Tapi bagaimanapun dia disukai: dia menerima medali emas untuk lukisan pertamanya di Salon, Perahu Dante, pada tahun 1822. Dan pada tahun 1824, ia membuat lukisan "Massacre on Chios", yang menggambarkan pembersihan etnis, ketika penduduk Yunani di pulau Chios dideportasi dan dihancurkan selama Perang Kemerdekaan Yunani. Inilah tanda pertama liberalisme politik dalam seni lukis, yang menyentuh negara-negara yang masih sangat jauh.

Ilya Doronchenkov

Pada Juli 1830, Charles X mengeluarkan beberapa undang-undang yang sangat membatasi kebebasan politik dan mengirim pasukan untuk memecat percetakan surat kabar oposisi. Tetapi orang Paris menanggapi dengan menembak, kota itu ditutupi dengan barikade, dan selama "Tiga Hari Mulia" rezim Bourbon jatuh.

Pada lukisan terkenal Delacroix didedikasikan untuk peristiwa revolusioner tahun 1830, strata sosial yang berbeda diwakili: seorang pesolek dengan topi tinggi, bocah gelandangan, seorang pekerja berbaju. Tapi yang utama tentu saja masih muda seorang wanita cantik telanjang dada dan bahu.

Delacroix berhasil di sini dalam hal yang hampir tidak pernah berhasil seniman ke-19 abad, pemikiran yang semakin realistis. Dia mengatur dalam satu gambar - sangat menyedihkan, sangat romantis, sangat nyaring - untuk menggabungkan kenyataan, nyata secara fisik dan brutal (lihat mayat di latar depan yang dicintai oleh romantisme) dan simbol. Karena wanita totok ini, tentu saja, adalah Freedom itu sendiri. Perkembangan politik sejak abad ke-18 membuat seniman perlu memvisualisasikan apa yang tidak bisa dilihat. Bagaimana Anda bisa melihat kebebasan? Nilai-nilai Kristiani disampaikan kepada seseorang melalui sesuatu yang sangat manusiawi - melalui kehidupan Kristus dan penderitaannya. Dan abstraksi politik seperti kebebasan, kesetaraan, persaudaraan tidak memiliki bentuk. Dan sekarang Delacroix, mungkin yang pertama dan, seolah-olah, bukan satu-satunya yang, secara umum, berhasil mengatasi tugas ini: sekarang kita tahu seperti apa kebebasan itu.

Ilya Doronchenkov

Salah satu simbol politik dalam lukisan itu adalah topi Frigia di kepala gadis itu, simbol demokrasi heraldik yang permanen. Motif berbicara lainnya adalah ketelanjangan.

“Ketelanjangan telah lama diasosiasikan dengan kealamian dan alam, dan pada abad ke-18 asosiasi ini dipaksakan. Sejarah Revolusi Prancis bahkan mengenal pertunjukan unik saat berada di katedral Notre Dame dari Paris nudie teater Prancis menggambarkan alam. Dan alam adalah kebebasan, itu adalah kealamian. Dan ternyata, ini nyata, sensual, wanita yang menarik cara. Itu menandakan kebebasan alami."

Ilya Doronchenkov

Meskipun lukisan ini membuat Delacroix terkenal, lukisan itu segera dihapus dari pandangan untuk waktu yang lama, dan alasannya jelas. Penonton yang berdiri di depannya menemukan dirinya dalam posisi orang-orang yang diserang oleh Freedom, yang diserang oleh revolusi. Sangat tidak nyaman melihat gerakan tak terbendung yang akan menghancurkan Anda.

Abstrak

Pada tanggal 2 Mei 1808, pemberontakan anti-Napoleon pecah di Madrid, kota itu berada di tangan para pengunjuk rasa, tetapi pada malam tanggal 3, eksekusi massal para pemberontak terjadi di sekitar ibu kota Spanyol. Peristiwa ini segera menyebabkan perang gerilya, yang berlangsung selama enam tahun. Setelah selesai, dua lukisan akan dipesan dari pelukis Francisco Goya untuk mengenang pemberontakan tersebut. Yang pertama adalah "Pemberontakan 2 Mei 1808 di Madrid."

“Goya benar-benar menggambarkan saat serangan dimulai - serangan Navajo pertama yang memulai perang. Kekompakan momen inilah yang sangat penting di sini. Ia seolah mendekatkan kamera, dari panorama ia berpindah ke eksklusif rencana dekat, yang juga tidak ada sedemikian rupa sebelum dia. Ada hal menarik lainnya: perasaan kacau dan tertusuk sangat penting di sini. Tidak ada orang di sini yang membuat Anda merasa kasihan. Ada korban dan ada pembunuh. Dan para pembunuh dengan mata merah ini, para patriot Spanyol, pada umumnya, terlibat dalam pembantaian.

Ilya Doronchenkov

Di gambar kedua, karakter berpindah tempat: yang dipotong di gambar pertama, di gambar kedua, yang dipotong ditembak. Dan ambivalensi moral dari perkelahian jalanan digantikan oleh kejelasan moral: Goya berada di pihak mereka yang memberontak dan mati.

“Musuh sekarang sudah bercerai. Di sebelah kanan adalah mereka yang akan hidup. Itu adalah serangkaian orang berseragam dengan senjata, persis sama, bahkan lebih mirip dengan David's Horace bersaudara. Wajah mereka tidak terlihat, dan shako mereka membuat mereka terlihat seperti mesin, seperti robot. Ini bukan sosok manusia. Mereka menonjol dalam siluet hitam di kegelapan malam dengan latar belakang lentera yang membanjiri tempat terbuka kecil.

Di sebelah kiri adalah mereka yang mati. Mereka bergerak, berputar, menggerakkan tangan, dan untuk beberapa alasan tampaknya mereka lebih tinggi dari algojo mereka. Meskipun utama karakter sentral- seorang pria Madrid dengan celana oranye dan kemeja putih - sedang berlutut. Dia masih lebih tinggi, dia sedikit di atas bukit kecil.

Ilya Doronchenkov

Pemberontak yang sekarat berdiri dalam pose Kristus, dan untuk persuasif yang lebih besar, Goya menggambarkan stigmata di telapak tangannya. Selain itu, artis membuat Anda mengalami pengalaman yang sulit sepanjang waktu - lihatlah saat-saat terakhir sebelum eksekusi. Akhirnya, Goya mengubah pemahaman kejadian bersejarah. Di hadapannya, sebuah peristiwa digambarkan oleh ritualnya, sisi retorisnya, di Goya, sebuah peristiwa adalah instan, gairah, seruan non-sastra.

Pada gambar pertama diptych, terlihat bahwa orang Spanyol tidak membantai orang Prancis: pengendara yang jatuh di bawah kaki kuda mengenakan kostum Muslim.
Faktanya, pasukan Napoleon memiliki detasemen Mamelukes, pasukan kavaleri Mesir.

“Akan terlihat aneh jika artis mengubah pejuang Muslim menjadi simbol pendudukan Prancis. Namun hal ini memungkinkan Goya mengubah peristiwa kontemporer menjadi penghubung dalam sejarah Spanyol. Bagi bangsa mana pun yang menempa kesadaran dirinya selama Perang Napoleon, sangat penting untuk menyadari bahwa perang ini adalah bagian dari perang abadi untuk nilai-nilainya. Dan perang mitologis bagi orang Spanyol adalah Reconquista, penaklukan kembali Semenanjung Iberia dari kerajaan Muslim. Maka, Goya, dengan tetap setia pada dokumenter, modernitas, mengaitkan peristiwa ini dengan mitos nasional, memaksanya untuk mewujudkan perjuangan tahun 1808 sebagai perjuangan abadi Spanyol untuk nasional dan Kristen.

Ilya Doronchenkov

Seniman berhasil membuat formula eksekusi ikonografi. Setiap kali rekan-rekannya - baik itu Manet, Dix atau Picasso - beralih ke topik eksekusi, mereka mengikuti Goya.

Abstrak

Revolusi bergambar abad ke-19, bahkan lebih nyata daripada di gambar acara, terjadi di lanskap.

“Lanskap benar-benar mengubah optik. Manusia mengubah skalanya, manusia mengalami dirinya dengan cara yang berbeda di dunia. Lanskap adalah penggambaran realistis tentang apa yang ada di sekitar kita, dengan rasa udara yang sarat kelembapan dan detail sehari-hari yang membuat kita tenggelam. Atau itu bisa menjadi proyeksi dari pengalaman kita, dan kemudian dalam permainan matahari terbenam atau kegembiraan hari yang cerah kita melihat keadaan jiwa kita. Tapi ada pemandangan mencolok yang termasuk dalam kedua mode tersebut. Dan sangat sulit untuk mengetahui, sungguh, mana yang dominan."

Ilya Doronchenkov

Dualitas ini terlihat jelas dalam artis Jerman Caspar David Friedrich: lanskapnya memberi tahu kita tentang sifat Baltik, dan pada saat yang sama mewakili pernyataan filosofis. Ada rasa melankolis yang melekat dalam lanskap Friedrich; seseorang jarang menembusnya di luar latar belakang dan biasanya memunggungi penonton.

Dalam lukisan terakhirnya, Ages of Life, sebuah keluarga digambarkan di latar depan: anak-anak, orang tua, seorang lelaki tua. Dan selanjutnya, di balik celah spasial - langit matahari terbenam, laut, dan perahu layar.

“Jika kita melihat bagaimana kanvas ini dibangun, kita akan melihat panggilan yang mencolok di antara ritme figur manusia di latar depan dan irama perahu layar di laut. Ini figur tinggi, ini figur rendah, ini perahu layar besar, ini perahu di bawah layar. Alam dan perahu layar - inilah yang disebut musik bola, itu abadi dan tidak bergantung pada manusia. Pria di latar depan adalah keberadaannya yang terbatas. Laut di Friedrich sering kali merupakan metafora untuk keberbedaan, kematian. Tapi kematian baginya, seorang mukmin, adalah sebuah janji hidup abadi yang tidak kita ketahui. Orang-orang di latar depan ini - kecil, kikuk, tidak ditulis dengan sangat menarik - mengikuti ritme perahu layar dengan ritme mereka, seperti seorang pianis mengulangi musik bola. Ini milik kita musik manusia, tetapi semuanya berima dengan musik yang bagi Friedrich mengisi alam. Oleh karena itu, menurut saya, dalam kanvas ini, Friedrich menjanjikan - bukan surga akhirat, tetapi keberadaan kita yang terbatas masih selaras dengan alam semesta.

Ilya Doronchenkov 

Abstrak

Setelah Agung revolusi Perancis orang menyadari bahwa mereka memiliki masa lalu. Abad ke-19, melalui upaya estetika romantis dan sejarawan positivis, diciptakan ide modern cerita.

“Abad ke-19 menciptakan lukisan sejarah seperti yang kita kenal. Pahlawan Yunani dan Romawi yang tidak terganggu, bertindak dalam lingkungan yang ideal, dipandu oleh motif yang ideal. Sejarah XIX abad menjadi teatrikal dan melodramatis, mendekati orang tersebut, dan kita sekarang dapat berempati bukan dengan perbuatan besar, tetapi dengan kemalangan dan tragedi. Setiap bangsa Eropa menciptakan sejarahnya sendiri pada abad ke-19, dan membangun sejarah, secara umum, menciptakan potret dan rencananya sendiri untuk masa depan. Dalam pengertian ini, lukisan sejarah Eropa abad ke-19 sangat menarik untuk dipelajari, meskipun menurut saya tidak meninggalkan, hampir tidak meninggalkan karya yang benar-benar hebat. Dan di antara karya-karya hebat ini, saya melihat satu pengecualian, yang patut dibanggakan oleh kami orang Rusia. Ini adalah "Pagi Eksekusi Streltsy" karya Vasily Surikov.

Ilya Doronchenkov

Lukisan sejarah abad ke-19, berorientasi pada kemungkinan eksternal, biasanya menceritakan tentang seorang pahlawan tunggal yang mengarahkan sejarah atau gagal. Lukisan Surikov di sini merupakan pengecualian yang mencolok. Pahlawannya adalah kerumunan dengan pakaian warna-warni, yang menempati hampir empat per lima gambar; karena itu, gambarannya tampak sangat tidak teratur. Di belakang kerumunan yang berputar-putar, yang sebagian akan segera mati, berdiri Katedral St. Basil yang penuh warna dan gelisah. Di belakang Peter yang membeku, barisan tentara, barisan tiang gantungan - barisan benteng tembok Kremlin. Gambaran itu disatukan oleh duel pandangan Peter dan pemanah berjanggut merah.

“Banyak yang bisa dikatakan tentang konflik antara masyarakat dan negara, rakyat dan kekaisaran. Tetapi menurut saya benda ini memiliki beberapa arti lagi yang membuatnya unik. Vladimir Stasov, seorang propagandis karya para Pengembara dan pembela realisme Rusia, yang menulis banyak hal berlebihan tentang mereka, berbicara dengan sangat baik tentang Surikov. Dia menyebut lukisan semacam ini "paduan suara". Memang, mereka kekurangan satu pahlawan - mereka kekurangan satu mesin. Rakyat adalah penggeraknya. Namun dalam gambar ini peran masyarakat sangat terlihat jelas. Joseph Brodsky dalam kuliah Nobelnya dengan sempurna mengatakan bahwa tragedi yang sebenarnya bukanlah saat sang pahlawan meninggal, tetapi saat paduan suara meninggal.

Ilya Doronchenkov

Peristiwa berlangsung dalam lukisan Surikov seolah-olah bertentangan dengan keinginan karakternya - dan dalam hal ini konsep sejarah seniman jelas dekat dengan Tolstoy.

“Masyarakat, umat, bangsa dalam gambar ini tampak terbagi. Prajurit Peter berseragam yang tampak hitam, dan pemanah berkulit putih dikontraskan sebagai baik dan jahat. Apa yang menghubungkan kedua bagian komposisi yang tidak sama ini? Ini adalah seorang pemanah dengan kemeja putih, akan dieksekusi, dan seorang prajurit berseragam, yang menopang bahunya. Jika kita secara mental menghapus segala sesuatu yang mengelilinginya, kita tidak akan pernah bisa berasumsi bahwa orang ini akan dieksekusi. Mereka adalah dua sahabat yang kembali ke rumah, dan yang satu mendukung yang lain dengan ramah dan hangat. Saat Petrush Grinev di " Putri kapten“Orang-orang Pugachev menutup telepon, mereka berkata:“ Jangan mengetuk, jangan mengetuk, ”seolah-olah mereka benar-benar ingin bersorak. Perasaan bahwa orang-orang yang terbagi oleh kehendak sejarah pada saat yang sama bersaudara dan bersatu adalah kualitas luar biasa dari kanvas Surikov, yang juga tidak saya ketahui di tempat lain.

Ilya Doronchenkov 

Abstrak

Dalam melukis, ukuran itu penting, tetapi tidak semua subjek dapat digambarkan di atas kanvas besar. Tradisi bergambar yang berbeda menggambarkan penduduk desa, tetapi paling sering tidak dalam lukisan besar, tetapi justru "Pemakaman di Ornans" oleh Gustave Courbet. Ornan adalah kota provinsi yang makmur, tempat asal seniman itu sendiri.

“Courbet pindah ke Paris tetapi tidak menjadi bagian dari institusi artistik. Dia tidak mengenyam pendidikan akademik, tetapi dia memiliki tangan yang kuat, mata yang sangat ulet, dan ambisi yang besar. Dia selalu merasa seperti orang provinsi, dan dia paling baik di rumah, di Ornan. Tapi dia tinggal hampir sepanjang hidupnya di Paris, bertarung dengan seni yang sudah sekarat, bertarung dengan seni yang mengidealkan dan berbicara tentang jenderal, tentang masa lalu, tentang keindahan, tidak memperhatikan masa kini. Seni seperti itu, yang agak memuji, yang agak menyenangkan, sebagai suatu peraturan, menemukan permintaan yang sangat besar. Courbet memang seorang revolusioner dalam seni lukis, meskipun sekarang sifat revolusionernya ini tidak begitu jelas bagi kita, karena dia menulis kehidupan, dia menulis prosa. Hal utama yang revolusioner dalam dirinya adalah dia berhenti mengidealkan sifatnya dan mulai menulisnya persis seperti yang dia lihat, atau seperti yang dia yakini yang dia lihat.

Ilya Doronchenkov

Dalam gambar raksasa, hampir tinggi penuh sekitar lima puluh orang digambarkan. Semuanya adalah orang sungguhan, dan para ahli telah mengidentifikasi hampir semua peserta pemakaman. Cobet melukis rekan senegaranya, dan mereka senang bisa masuk ke dalam gambar persis seperti apa adanya.

“Tapi ketika lukisan ini dipamerkan pada tahun 1851 di Paris, itu menimbulkan skandal. Dia menentang semua yang biasa dilakukan publik Paris pada saat itu. Dia menyinggung para seniman dengan kurangnya komposisi yang jelas dan lukisan impasto yang kasar dan padat, yang menyampaikan materialitas benda, tetapi tidak ingin menjadi indah. Dia menakuti orang biasa dengan fakta bahwa dia tidak bisa benar-benar mengerti siapa itu. Mencolok adalah disintegrasi komunikasi antara penonton Perancis provinsi dan Paris. Orang Paris menganggap citra orang kaya yang terhormat ini sebagai citra orang miskin. Salah satu kritikus berkata: "Ya, ini aib, tapi ini aib provinsi, dan Paris memiliki aibnya sendiri." Di bawah keburukan, sebenarnya, dipahami kebenaran tertinggi.

Ilya Doronchenkov

Courbet menolak untuk mengidealkan, yang membuatnya menjadi seniman avant-garde sejati abad ke-19. Dia berfokus pada cetakan populer Prancis, dan Belanda potret kelompok, dan kekhidmatan kuno. Courbet mengajari kita untuk memahami modernitas dalam orisinalitasnya, dalam tragedinya, dan dalam keindahannya.

“Salon Prancis tahu gambaran buruh tani yang keras, petani miskin. Tetapi mode gambar diterima secara umum. Para petani perlu dikasihani, para petani perlu dikasihani. Itu adalah pemandangan dari atas. Seseorang yang bersimpati, menurut definisi, berada dalam posisi prioritas. Dan Cobet merampas penontonnya dari kemungkinan empati yang menggurui seperti itu. Karakternya agung, monumental, mereka mengabaikan pemirsanya, dan mereka tidak mengizinkan Anda menjalin kontak dengan mereka yang menjadikan mereka bagian dari dunia yang akrab, mereka mematahkan stereotip dengan sangat kuat.

Ilya Doronchenkov 

Abstrak

Abad ke-19 tidak menyukai dirinya sendiri, lebih suka mencari keindahan di hal lain, baik itu Antiquity, Abad Pertengahan, atau Timur. Charles Baudelaire adalah orang pertama yang belajar melihat keindahan modernitas, dan itu diwujudkan dalam lukisan oleh seniman yang tidak ditakdirkan untuk dilihat oleh Baudelaire: misalnya, Edgar Degas dan Edouard Manet.

“Manet adalah seorang provokator. Manet pada saat yang sama adalah seorang pelukis yang brilian, pesona warna-warnanya, warna-warna yang dipadukan dengan sangat paradoks, membuat penontonnya tidak bertanya pada dirinya sendiri. pertanyaan yang jelas. Jika kita mencermati lukisannya, seringkali kita terpaksa mengakui bahwa kita tidak mengerti apa yang membawa orang-orang ini ke sini, apa yang mereka lakukan bersebelahan, mengapa benda-benda ini dihubungkan di atas meja. Jawaban paling sederhana adalah: Manet pada dasarnya adalah seorang pelukis, Manet pada dasarnya adalah seorang mata. Dia tertarik pada kombinasi warna dan tekstur, dan konjugasi logis objek dan orang adalah hal kesepuluh. Gambar seperti itu sering membingungkan penonton yang mencari konten, yang mencari cerita. Mane tidak bercerita. Dia bisa tetap menjadi alat optik yang sangat akurat dan halus jika dia tidak membuat mahakarya terbarunya pada tahun-tahun ketika dia dirasuki oleh penyakit yang mematikan.

Ilya Doronchenkov

Lukisan "The Bar at the Folies Bergère" dipamerkan pada tahun 1882, pada awalnya mendapat ejekan dari para kritikus, dan kemudian dengan cepat diakui sebagai mahakarya. Temanya adalah kafe-konser, fenomena mencolok kehidupan Paris di paruh kedua abad ini. Tampaknya Manet dengan jelas dan andal menangkap kehidupan Folies Bergère.

“Tetapi ketika kita mulai mencermati apa yang dilakukan Manet dalam fotonya, kita akan memahami bahwa ada banyak sekali ketidakkonsistenan yang secara tidak sadar mengganggu dan, secara umum, tidak mendapatkan penyelesaian yang jelas. Gadis yang kita lihat adalah pramuniaga, dia harus, dengan daya tarik fisiknya, membuat pengunjung berhenti, menggodanya, dan memesan lebih banyak minuman. Sementara itu, dia tidak menggoda kita, tetapi melihat melalui kita. Ada empat botol sampanye di atas meja, hangat, tapi mengapa tidak di atas es? DI DALAM pantulan cermin botol-botol ini tidak berada di tepi meja tempat mereka berada di latar depan. Gelas dengan mawar dilihat dari sudut yang berbeda dari mana semua benda lain di atas meja terlihat. Dan gadis di cermin tidak terlihat persis seperti gadis yang melihat kita: dia lebih gemuk, bentuknya lebih bulat, dia condong ke arah pengunjung. Secara umum, dia berperilaku seperti yang seharusnya dilakukan oleh orang yang kita lihat.

Ilya Doronchenkov

Kritik feminis menarik perhatian pada fakta bahwa gadis dengan garis luarnya menyerupai sebotol sampanye yang berdiri di atas meja. Ini adalah pengamatan yang ditujukan dengan baik, tetapi hampir tidak lengkap: gambar yang melankolis, isolasi psikologis dari pahlawan wanita menentang interpretasi langsung.

“Plot optik ini dan teka-teki psikologis lukisan yang sepertinya tidak memiliki jawaban pasti membuat kita mendekatinya lagi dan menanyakan pertanyaan-pertanyaan ini setiap saat, secara tidak sadar dipenuhi dengan perasaan indah, sedih, tragis, kehidupan modern sehari-hari yang diimpikan Baudelaire dan yang ditinggalkan Manet sebelum kita selamanya.

Ilya Doronchenkov 

Edouard Manet - Bar di Folies Berger 1882

Bar di Folies Berger
1882 96x130cm minyak/kanvas
Institut Seni Courtauld, London, Inggris

Dari buku Rewald John. "Sejarah Impresionisme" Di Salon tahun 1882, Manet, yang sekarang kalah bersaing, dipamerkan gambar besar"Bar at the Folies Bergère", sebuah komposisi mengesankan yang ditulis dengan keahlian luar biasa. Dia sekali lagi menunjukkan kekuatan kuasnya, kehalusan pengamatan dan keberanian untuk tidak mengikuti pola. Seperti Degas, dia terus menunjukkan minat yang tidak pernah padam pada topik kontemporer (dia bahkan akan menulis tentang pengemudi lokomotif), tetapi dia mendekati mereka bukan sebagai pengamat yang dingin, tetapi dengan antusiasme yang kuat dari seorang peneliti fenomena kehidupan baru. Ngomong-ngomong, Degas tidak menyukainya gambar terakhir dan menyebutnya "membosankan dan canggih". "Bar di Folies Bergère" menghabiskan banyak tenaga bagi Manet, karena ia mulai menderita ataksia parah. Ia kecewa ketika publik kembali menolak untuk memahami lukisannya, hanya melihat plotnya, dan bukan keahlian eksekusinya.
Dalam sepucuk surat kepada Albert Wolf, dia tidak dapat menahan diri untuk mengatakan, setengah bercanda, setengah serius: "Lagipula, saya tidak akan menentang membaca, selagi masih hidup, artikel luar biasa yang akan Anda tulis setelah kematian saya."

Setelah Salon ditutup, Manet akhirnya resmi dinyatakan sebagai Chevalier of the Legion of Honor. Betapapun besarnya kegembiraannya, itu bercampur dengan kepahitan. Saat kritikus Shesno mengucapkan selamat dan juga memberinya salam Count Riuwerkerke, Manet menjawab dengan tajam: "Saat Anda menulis kepada Count Riuwerkerke, Anda dapat mengatakan kepadanya bahwa saya menghargai perhatiannya yang lembut, tetapi dia sendiri yang memiliki kesempatan untuk memberi saya penghargaan ini. Dia bisa membuat saya bahagia, dan sekarang sudah terlambat untuk mengkompensasi kegagalan selama dua puluh tahun...

Penghargaan kedua yang telah lama ditunggu-tunggu untuk potret pemburu singa disajikan. Pertuise. Setelah itu, Manet keluar dari persaingan dan dapat memamerkan lukisannya, tanpa izin juri Salon.
Mannet memutuskan untuk melakukan sesuatu yang sama sekali tidak biasa untuk Art Salon, pada awal tahun 1882, di mana lukisannya akan muncul dengan tanda khusus “V. KE".
Apakah Anda percaya pada astrologi dan prediksi bintang? Jutaan orang mempercayai prediksi yang dibuat oleh berbagai peramal. Guru di antara prediktor tersebut adalah Pavel Globa. Tidak ada yang tahu lebih banyak tentang apa yang dijanjikan bintang kepada kita selain Globa.
Kemuliaan yang telah lama ditunggu-tunggu akhirnya datang kepadanya, tetapi penyakitnya berkembang tak terelakkan dan dia mengetahuinya dan karenanya, kerinduan menggerogoti dirinya. Mane mencoba melawan penyakit serius. Tidak bisakah dia mengatasi penyakitnya?
Manet memutuskan untuk mengumpulkan semua kekuatan dan kemauannya, mereka masih berusaha untuk menguburnya lebih awal. Dia bisa dilihat di kafe "Athena Baru", di kafe Buruk, di Tortoni, di Folies Bergère dan di teman-temannya. Dia selalu mencoba bercanda dan bersikap ironis, bersenang-senang tentang "kelemahannya" dan bercanda tentang kakinya. Manet memutuskan untuk mengimplementasikan ide barunya: menggambar pemandangan dari kehidupan sehari-hari Paris dan menggambarkan pemandangan bar Folies Bergère yang terkenal, di mana gadis cantik Suzon berdiri di belakang meja, di depan banyak botol. Gadis itu dikenal oleh banyak pengunjung tetap bar.
Lukisan Bar di Folies Bergère” adalah karya dengan keberanian luar biasa dan kehalusan gambar: seorang gadis pirang berdiri di belakang bar, di belakangnya ada cermin besar, yang memantulkan Aula besar perusahaan dengan publik duduk di dalamnya. Dia memiliki ornamen pada beludru hitam di lehernya, tatapannya dingin, dia tidak bergerak secara mempesona, dia memandang acuh tak acuh pada orang-orang di sekitarnya.
Plot kanvas yang rumit ini bergerak maju dengan susah payah. Artis berjuang dengan itu dan membuat ulang berkali-kali. Pada awal Mei 1882, Manet menyelesaikan lukisan itu dan dengan senang hati merenungkannya di Salon. Tidak ada lagi yang menertawakan lukisannya, semua lukisannya dianggap sangat serius, mereka mulai memperdebatkannya sebagai karya seni yang nyata.
Memiliki pekerjaan terakhir“Bar in the Folies Bergère” dibuat seolah-olah mengucapkan selamat tinggal pada kehidupan yang sangat dia hargai, sangat dikagumi, dan banyak dipikirkan. Karya itu menyerap segala sesuatu yang telah lama dicari dan ditemukan oleh seniman dalam kehidupan yang biasa-biasa saja. Gambar terbaik dijalin bersama untuk diwujudkan dalam gadis muda yang berdiri di kedai Paris yang bising ini. Di institusi ini, orang-orang mencari kegembiraan dengan menghubungi jenisnya sendiri, tampaknya kesenangan dan tawa menguasai di sini, seorang guru muda dan sensitif mengungkapkan citra kehidupan muda yang tenggelam dalam kesedihan dan kesepian.
Sulit dipercaya bahwa karya ini ditulis oleh seniman yang sekarat, yang setiap gerakan tangan menyebabkan rasa sakit dan penderitaan. Tetapi bahkan sebelum kematiannya, Edouard Manet tetap menjadi pejuang sejati. Dia harus melalui sulit jalan hidup sebelum dia menemukan kecantikan sejati yang telah dia cari sepanjang hidupnya dan menemukannya orang biasa, menemukan dalam jiwa mereka kekayaan batin yang dia berikan hatinya.

Merencanakan

Sebagian besar kanvas ditempati oleh cermin. Bukan hanya item interior yang memberi kedalaman pada gambar, tetapi secara aktif terlibat dalam plot. Dalam refleksinya kita melihat apa yang terjadi dengan karakter utama pada kenyataannya: kebisingan, permainan lampu, pria yang menyapanya. Hal yang sama yang ditunjukkan Manet sebagai kenyataan adalah dunia mimpi Suzon: dia tenggelam dalam pikirannya, terlepas dari hiruk pikuk kabaret - seolah-olah pemandangan sekitar tidak mempedulikannya sama sekali. Realitas dan mimpi berganti tempat.

sketsa lukisan

Refleksi pelayan bar berbeda dari tubuh aslinya. Di cermin, gadis itu tampak lebih berisi, dia mencondongkan tubuh ke arah pria itu, mendengarkannya. Klien, di sisi lain, menganggap sebagai produk tidak hanya apa yang ditampilkan di konter, tetapi juga gadis itu sendiri. Ini diisyaratkan oleh botol-botol sampanye: mereka termasuk dalam ember berisi es, tetapi Manet meninggalkannya agar kita dapat melihat bagaimana bentuknya mirip dengan sosok seorang gadis. Anda bisa membeli botol, Anda bisa membeli gelas, atau Anda juga bisa membuka tutup botol ini untuk Anda.

Penghitung bar menyerupai benda mati dalam genre vanitas, yang dibedakan oleh suasana moralistik dan mengingatkan bahwa segala sesuatu yang duniawi bersifat sementara dan dapat binasa. Buah - simbol kejatuhan, mawar - kesenangan duniawi, botol - penurunan dan kelemahan, bunga layu - kematian dan keindahan yang memudar. Botol bir dengan label Bass mengatakan bahwa orang Inggris sering menjadi tamu di tempat ini.

Bar di Folies Bergere, 1881

Penerangan listrik, yang tertulis begitu terang dan jelas dalam gambar, mungkin merupakan gambar pertama yang serupa. Lampu seperti itu saat itu hanya menjadi bagian dari kehidupan sehari-hari.

Konteks

Folies Bergère adalah tempat yang mencerminkan semangat waktu, semangat Paris baru. Ini adalah kafe-konser, pria berpakaian sopan dan wanita berpakaian tidak senonoh berkumpul di sini. Ditemani para wanita demimonde, para pria minum dan makan. Sementara itu, sebuah pertunjukan sedang berlangsung di atas panggung, angka-angka itu saling menggantikan. Wanita yang baik di tempat seperti itu tidak dapat muncul.

Ngomong-ngomong, Folies-Bergere dibuka dengan nama Folies-Trevize - ini mengisyaratkan kepada pelanggan bahwa "di dedaunan Trevize" (sebagaimana namanya diterjemahkan) Anda dapat bersembunyi dari mata yang mengintip dan menikmati kesenangan dan kesenangan. Guy de Maupassant menyebut pelayan bar setempat sebagai "penjual minuman dan cinta".

Folies Bergere, 1880

Manet biasa di Folies Bergère, tapi dia melukis gambar itu bukan di kafe-konser itu sendiri, tapi di bengkel. Di kabaret, dia membuat beberapa sketsa, Suzon (ngomong-ngomong, dia benar-benar bekerja di bar) dan seorang teman, seniman militer Henri Dupré, berpose di studio. Sisanya dipulihkan dari memori.

"Bar di Folies Bergère" adalah yang terakhir gambar besar seorang seniman yang meninggal setahun setelah selesai. Tak perlu dikatakan, publik hanya melihat ketidakkonsistenan, kekurangan, menuduh Manet amatir dan menganggap kanvasnya paling tidak aneh?

Nasib artis

Manet, yang berasal dari masyarakat kelas atas, sangat mengerikan. Dia tidak mau belajar apapun, sukses biasa-biasa saja dalam segala hal. Sang ayah kecewa dengan kelakuan anaknya. Dan setelah mengetahui tentang keinginannya untuk melukis dan ambisi senimannya, dia benar-benar di ambang bencana.

Sebuah kompromi ditemukan: Edward melakukan perjalanan, yang seharusnya membantu pemuda itu bersiap untuk masuk sekolah bahari(di mana, harus saya katakan, dia tidak bisa mendapatkan pertama kali). Namun, Manet kembali dari pelayaran ke Brasil bukan dengan bakat menjadi pelaut, melainkan dengan sketsa dan sketsa. Kali ini, sang ayah yang menyukai karya-karya tersebut mendukung hasrat putranya dan memberkatinya untuk hidup sebagai seniman.

, 1863

Karya-karya awal berbicara tentang Manet sebagai hal yang menjanjikan, tetapi ia tidak memiliki gaya dan plotnya sendiri. Edward segera fokus pada apa yang paling dia ketahui dan cintai - kehidupan Paris. Berjalan, Manet membuat sketsa pemandangan dari kehidupan. Sketsa semacam itu tidak dianggap oleh orang-orang sezaman sebagai lukisan serius, percaya bahwa gambar semacam itu hanya cocok untuk ilustrasi majalah dan laporan. Ini nantinya akan disebut Impresionisme. Sementara itu, Manet bersama orang-orang yang berpikiran sama - Pissarro, Cezanne, Monet, Renoir, Degas - membuktikan hak mereka untuk membebaskan kreativitas dalam kerangka sekolah Batignolles yang mereka ciptakan.

, 1863

Beberapa kemiripan pengakuan dengan Manet muncul di tahun 1890-an. Lukisannya mulai diperoleh dalam koleksi pribadi dan publik. Namun, saat itu artis tersebut sudah tidak hidup lagi.