Teater Prancis, akhir abad ke-19. Ceramah tentang sejarah teater asing dengan topik "Teater romantis Prancis" materi pendidikan dan metodologis tentang topik tersebut

Aksen Prancis dalam teks arsitektur St. Petersburg abad ke-20 Menjelang akhir masa pemerintahan Alexander III, ada dua jembatan logam permanen di Neva - Nikolaevsky dan Liteiny. Baris berikutnya adalah penggantian Jembatan Trinity terapung, yang seharusnya diselesaikan di level tersebut

N.I.Tregub Zinaida Serebryakova. periode Prancis: pencarian tema sendiri (1924-1939) Seni Zinaida Evgenievna Serebryakova (1884-1967) sejak awal hidupnya cara kreatif menarik perhatian penonton dan kritikus. Saat ini, karya seniman disimpan di banyak tempat

teater Prancis

Dalam pertunjukan akhir abad ke-18 - paruh pertama abad ke-19, ada kecenderungan untuk memperluas batas-batas aksi nyata, ada penolakan terhadap hukum kesatuan waktu dan tempat.

Perubahan yang memengaruhi seni drama tidak bisa tidak memengaruhi dekorasi panggung: tidak hanya peralatan panggung, tetapi juga gedung teater membutuhkan reorganisasi radikal, tetapi di pertengahan abad ke-19 sangat sulit untuk melakukan perubahan seperti itu.

Keadaan ini memungkinkan perwakilan sekolah pantomim amatir untuk mengambil tempat yang selayaknya di antara para aktor Zaman Baru, mereka menjadi penampil terbaik dari karya dramaturgi inovatif.

Lambat laun, panorama indah, diorama, dan neorama tersebar luas dalam seni pertunjukan abad ke-19. L. Daguerre adalah salah satu master dekorator paling terkenal di Prancis selama periode yang ditinjau.

Pada akhir abad ke-19, perubahan juga memengaruhi peralatan teknis panggung teater: pada pertengahan 1890-an, panggung berputar, pertama kali digunakan pada tahun 1896, selama produksi opera Mozart Don Giovanni oleh K. Lautenschläger, digunakan secara luas .

Salah satu aktris Prancis paling terkenal di abad ke-19 adalah Catherine Josephine Rafin Duchenois kelahiran Paris (1777-1835). Debutnya di atas panggung terjadi pada tahun 1802. Pada tahun-tahun itu, aktris berusia 25 tahun itu pertama kali tampil di panggung teater Comedie Francaise, pada 1804 ia sudah masuk bagian utama rombongan teater sebagai societaire.

Pada tahun-tahun pertama bekerja, Catherine Duchenois, yang memainkan peran tragis di atas panggung, harus terus-menerus memperebutkan telapak tangan dengan aktris Georges. Berbeda dengan permainan pertunjukan terakhir, Duchenois menarik perhatian penonton dengan kehangatan dan lirik, suaranya yang lembut dan tulus tidak dapat membuat siapa pun acuh tak acuh.

Pada 1808, Georges berangkat ke Rusia, dan Catherine Duchenois menjadi aktris tragis terkemuka di Comédie Française.

Di antara peran aktris yang paling signifikan adalah Phaedra dalam lakon dengan nama yang sama oleh Racine, Andromache dalam Hector oleh Luce de Lancival, Agrippina dalam Arnaud's Germanica, Valeria dalam Sulla oleh Jouy, Mary Stuart dalam lakon dengan nama yang sama oleh Lebrun, dll.

Yang terutama patut diperhatikan adalah lakon aktris Marie Dorval (1798-1849), yang dengan inspirasi, dengan keterampilan luar biasa, mewujudkan di atas panggung citra perempuan yang menantang masyarakat dalam perjuangan untuk cinta mereka.

Marie Dorval lahir dalam keluarga aktor, masa kecilnya dihabiskan di atas panggung. Meski begitu, gadis itu menemukan kemampuan akting yang luar biasa. Dalam peran kecil yang dipercayakan oleh sutradara, dia mencoba mewujudkan keseluruhan gambar.

Pada tahun 1818, Marie memasuki Konservatorium Paris, tetapi keluar setelah beberapa bulan. Alasan tindakan ini adalah ketidaksesuaian sistem pelatihan aktor di lembaga pendidikan ini dengan individualitas kreatif dari talenta muda. Segera Marie Dorval menjadi anggota rombongan akting dari salah satu teater boulevard terbaik Port-Saint-Martin. Di sinilah peran Amalia dimainkan dalam melodrama Ducange "Thirty Years, or the Life of a Gambler", yang membuat aktris itu sangat populer. Dalam pertunjukan ini, bakat Marie yang luar biasa terungkap, dia mendemonstrasikan permainannya yang luar biasa kepada penonton metropolitan: setelah berhasil melampaui citra melodramatis dan menemukan perasaan manusia yang nyata di dalamnya, aktris tersebut menyampaikannya kepada penonton dengan ekspresif dan emosionalitas khusus.

Pada tahun 1831, Dorval memainkan peran Ardel d'Hervey dalam drama romantis Antony oleh A. Dumas, dan beberapa bulan kemudian dia memainkan peran utama dalam drama Marion oleh V. Hugo.

Terlepas dari kenyataan bahwa drama puitis diberikan kepada aktris dengan susah payah, karena syair itu adalah semacam konvensi yang bertentangan dengan emosi langsungnya, Marie berhasil mengatasi peran tersebut. Marion yang dibawakan oleh Dorval menyebabkan badai kegembiraan tidak hanya di antara penonton, tetapi juga di antara penulis karya tersebut.

Pada tahun 1835, aktris tersebut memulai debutnya dalam drama Vigny, Chatterton, yang ditulis khusus untuknya. Kitty Bell yang diperankan oleh Dorval tampil di hadapan penonton sebagai wanita pendiam dan rapuh yang ternyata mampu memiliki cinta yang besar.

Marie Dorval - seorang aktris dengan suara serak dan fitur tidak teratur - menjadi simbol feminitas bagi pemirsa abad ke-19. Drama aktris emosional ini, yang mampu mengungkapkan perasaan manusia yang sangat dalam, membuat kesan yang tak terlupakan pada orang-orang sezamannya.

Aktor Prancis terkenal Pierre Bocage (1799-1862), yang menjadi terkenal sebagai pemeran utama dalam drama Victor Hugo dan Alexandre Dumas-son, menikmati kecintaan khusus dari publik.

Pierre Bocage dilahirkan dalam keluarga seorang pekerja sederhana, sebuah pabrik tenun menjadi sekolah kehidupan baginya, di mana bocah itu masuk dengan harapan bisa membantu orang tuanya. Bahkan di masa kanak-kanak, Pierre menjadi tertarik pada karya Shakespeare, yang menjadi katalisator kecintaannya pada panggung.

Bocage, yang hidup dengan impian akan sebuah teater, berjalan kaki ke ibu kota untuk memasuki konservatori. Para penguji, yang kagum dengan penampilan luar biasa dan temperamen pemuda yang tidak biasa itu, tidak memberikan hambatan apa pun.

Namun, studinya di Paris Conservatory ternyata berumur pendek: Pierre tidak punya cukup uang tidak hanya untuk membayar kelas, tetapi juga untuk hidup. Tak lama kemudian dia terpaksa meninggalkan institusi pendidikan dan masuk rombongan akting di salah satu teater boulevard. Selama beberapa tahun dia menjelajahi teater, pertama bekerja di Odeon, lalu di Porte Saint-Martin dan banyak lainnya.

Gambaran yang dibuat oleh Bocage di atas panggung tidak lain adalah ekspresi sikap aktor terhadap realitas sekitarnya, pernyataan ketidaksetujuannya dengan keinginan penguasa untuk menghancurkan kebahagiaan manusia.

Pierre Bocage memasuki sejarah teater Prancis sebagai penampil terbaik dari peran pahlawan pemberontak dalam drama sosial Victor Hugo (Didier in Marion Delorme), putra Alexandre Dumas (Antoni in Antony), F. Pia (Ango in Ango) dan dll.

Bocage-lah yang mengambil inisiatif untuk menciptakan di atas panggung citra seorang pahlawan romantis yang kesepian dan kecewa dalam hidup, yang ditakdirkan mati dalam pertarungan melawan elit penguasa. Peran pertama dari rencana semacam itu adalah Anthony dalam drama berjudul sama karya A. Dumas sang putra; transisi tiba-tiba dari keputusasaan ke kegembiraan, dari tawa ke isakan pahit ternyata sangat efektif. Penonton sudah lama mengingat citra Anthony yang dibawakan oleh Pierre Bocage.

Aktor tersebut menjadi peserta aktif dalam peristiwa revolusioner tahun 1848 di Prancis. Percaya pada kemenangan keadilan, dia membela aspirasi demokrasinya dengan tangan di tangan.

Runtuhnya harapan akan kemenangan keadilan di dunia modern tidak memaksa Bocage mengubah pandangan dunianya, ia mulai menggunakan panggung Teater Odeon sebagai sarana untuk memerangi kesewenang-wenangan dan despotisme otoritas negara.

Segera aktor tersebut dituduh melakukan kegiatan anti-pemerintah dan dipecat dari jabatannya sebagai direktur teater. Meski demikian, hingga akhir hayatnya, Pierre Bocage tetap teguh meyakini kemenangan keadilan dan mempertahankan cita-citanya.

Bersama dengan aktris paruh pertama abad ke-19 seperti C. Duchenois dan M. Dorval, adalah Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856) yang terkenal. Dia lahir di Mons, dalam keluarga sutradara teater. Keadaan ini telah menentukan seluruh nasib masa depan Louise Rosalie.

Suasana kehidupan teater akrab dengan aktris terkenal sejak kecil. Sudah pada usia sepuluh tahun, seorang gadis berbakat mendapat pengakuan di lingkungan akting, peran anak-anak yang dimainkannya di teater Parisian Comedie Francaise tidak membuat siapa pun acuh tak acuh.

Pada tahun 1827, setelah lulus dari kelas drama konservatori, Louise Allan-Depreo menerima pendidikan akting profesional. Saat itu, aktris muda itu sudah cukup terkenal, dan dia tidak terkejut dengan tawaran untuk bergabung dengan rombongan akting teater Comedie Francaise, tempat dia bekerja hingga tahun 1830. Pada periode 1831 hingga 1836, Allan-Depreo bersinar di panggung Teater Gimnaz.

Peran penting dalam kehidupan akting Louise Rosalie dimainkan oleh perjalanan ke Rusia: di sini, di rombongan Prancis Teater St. Petersburg Mikhailovsky, dia menghabiskan sepuluh tahun (1837-1847), meningkatkan keterampilan aktingnya.

Kembali ke tanah airnya, Allan-Depreo kembali bergabung dengan rombongan Comedie Francaise, menjadi salah satu aktris terbaik dalam peran grand coquette. Permainannya menarik perhatian strata aristokrat masyarakat Prancis dan Rusia: sopan santun dan anggun, kemampuan mengenakan kostum teater dengan keanggunan khusus - semua ini berkontribusi pada penciptaan gambar coquettes sekuler yang sembrono.

Louise Rosalie Allan-Depreo menjadi terkenal sebagai pemain peran dalam drama romantis oleh Alfred de Musset. Di antara peran paling terkenal dari aktris ini adalah Madame de Lery dalam Caprice (1847), Marquise dalam lakon The Door Must Be Open or Closed (1848), Countess Vernon dalam tragedi You Can't Foresee Everything (1849), Duchess Bouillon dalam "Adrienne Lecouvreur" (1849), Jacqueline dalam "The Candlestick" (1850), Countess d'Autret dalam "The Ladies' War" (1850) dan lain-lain.

Pada paruh pertama abad ke-19, teater pantomim mulai menikmati popularitas yang luas. Perwakilan terbaik dari genre ini adalah Jean Baptiste Gaspard Debireau (1796-1846).

Ia dilahirkan dalam keluarga ketua rombongan teater, dan suasana teater yang menyenangkan sejak masa kanak-kanak memenuhi seluruh hidupnya. Hingga tahun 1816, Jean Baptiste Gaspard bekerja di tim ayahnya, dan kemudian pindah ke rombongan Penari Tali, yang bekerja di Teater Funambul, salah satu kelompok panggung paling demokratis di ibu kota Prancis.

Sebagai bagian dari rombongan Penari Tali, ia memainkan peran Pierrot dalam pantomim Harlequin Doctor, yang membawa kesuksesan pertamanya kepada aktor berusia dua puluh tahun itu. Penonton sangat menyukai pahlawan Debureau sehingga sang aktor harus mewujudkan citra ini dalam sejumlah pantomim lainnya: "The Raging Bull" (1827), "The Golden Dream, atau Harlequin and the Miser" (1828), "The Whale" (1832) dan "Pierrot di Afrika" (1842).

Di awal abad ke-19, genre lawakan rakyat yang ceria masih mendominasi teater lucu. Jean Baptiste Gaspard Debireau membawa makna pada pantomim lucu, membawa pertunjukan rakyat tanpa kata lebih dekat ke produksi teater profesional modern yang sangat bermakna.

Ini menjelaskan popularitas Pierrot dari Deburov, yang kemudian menjadi pahlawan komik rakyat. Dalam gambar ini, ciri khas nasional dari karakter Prancis diekspresikan - usaha, kecerdikan, dan sarkasme pedas.

Pierrot, yang menjadi sasaran pemukulan, penganiayaan, dan penghinaan yang tak terhitung jumlahnya, tidak pernah kehilangan ketenangannya, mempertahankan kecerobohan yang tak tergoyahkan, yang memungkinkannya muncul sebagai pemenang dari situasi apa pun, bahkan yang paling rumit sekalipun.

Tokoh yang diperankan oleh Debureau ini dengan marah menolak tatanan yang ada, ia menentang dunia kejahatan dan kekerasan dengan akal sehat seorang penduduk kota atau petani sederhana.

Dalam pertunjukan pantomim periode sebelumnya, pemain peran Pierrot harus menerapkan apa yang disebut riasan lucu: dia memutihkan wajahnya, menaburkannya dengan tepung. Setelah melestarikan tradisi ini, Jean-Baptiste Gaspard menggunakan kostum Pierrot yang terkenal di dunia untuk menciptakan gambar: celana harem putih panjang, blus lebar tanpa kerah, dan perban hitam simbolis di kepalanya.

Belakangan, dalam pantomim terbaiknya, sang aktor mencoba merefleksikan topik nasib tragis orang miskin di dunia yang tidak adil, yang relevan di tahun-tahun itu. Berkat keahlian virtuoso-nya, yang secara harmonis memadukan keeksentrikan yang cemerlang dan refleksi mendalam dari esensi batin karakter, ia menciptakan gambar-gambar yang indah.

Permainan Debireau menarik perhatian kaum intelektual artistik progresif abad ke-19. Penulis terkenal - C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand dan lainnya berbicara dengan antusias tentang aktor ini Di antara strata aristokrat masyarakat Prancis, tidak ada pengagum bakat Debireau, citra sosialnya yang tajam, menyangkal keberadaan ketertiban, membangkitkan kemarahan pihak berwenang.

Namun, Jean-Baptiste Gaspard Debireau masuk dalam sejarah seni teater dunia bukan sebagai pejuang keadilan, melainkan hanya sebagai pemeran tokoh cerita rakyat yang populer. Tradisi terbaik karya Debureau sebagai aktor kemudian tercermin dalam karya aktor Prancis berbakat M. Mars.

Seorang aktris luar biasa di paruh pertama abad ke-19 adalah Virginie Dejazet (1798-1875). Ia dilahirkan dalam keluarga seniman, asuhan yang diterima di atas panggung berkontribusi pada pengembangan awal bakat panggungnya.

Pada 1807, seorang gadis berbakat menarik perhatian seorang pengusaha di teater Vaudeville di Paris. Virginie menerima lamaran untuk bergabung dengan rombongan akting dengan antusias, dia sudah lama ingin bekerja di teater ibu kota.

Bekerja di Vaudeville berkontribusi pada pengembangan keterampilan aktris muda itu, tetapi lambat laun dia tidak lagi memuaskannya. Meninggalkan teater ini, Virginie mulai bekerja di Variety, diikuti dengan undangan ke Gimnaz dan Nuvota, tempat aktris tersebut tampil hingga tahun 1830.

Masa kejayaan aktivitas kreatifnya datang pada tahun 1831-1843, ketika Virginie Dejazet bersinar di atas panggung Palais Royal Theatre. Pada tahun-tahun berikutnya, aktris tersebut, menyela kolaborasinya dengan grup teater Paris, sering melakukan tur keliling negara, terkadang tinggal selama satu atau dua musim di teater provinsi.

Menjadi ahli akting, Dejaze berhasil berperan sebagai waria, memainkan peran sebagai anak laki-laki penggaruk, marquise yang dimanjakan, gadis muda dan wanita tua. Peran paling sukses dimainkan olehnya di vaudeville dan lelucon oleh Scribe, Bayard, Dumanoir dan Sardou.

Orang-orang sezaman Virginie Dejazet sering menunjuk pada keanggunan aktris yang luar biasa, keahliannya dalam dialog panggung, dan kemampuannya untuk mengungkapkan kata-kata dengan tepat.

Pahlawan wanita Dejaze yang ceria dan jenaka, yang dengan mudah membawakan syair di vaudeville, memastikan kesuksesan aktris tersebut, untuk waktu yang lama menjadikannya favorit publik metropolitan yang menuntut. Dan terlepas dari kenyataan bahwa repertoar Virginie tidak sesuai dengan selera tradisional penonton massal.

Keahlian aktris dan karakter yang sangat nasional dari penampilannya paling jelas terlihat dalam penampilan lagu-lagu Béranger (dalam monolog Beranger "Lisette Béranger", dalam vaudeville "Béranger's Songs" oleh Clairville dan Lambert-Tibout).

Salah satu aktris Prancis paling terkenal yang bekerja di era romantisme dalam peran tragis adalah Eliza Rachel (1821-1858). Dia lahir di Paris, dalam keluarga seorang Yahudi miskin yang menjual berbagai barang kecil di jalanan kota. Sudah di masa kanak-kanak, gadis itu menunjukkan kemampuan luar biasa: lagu-lagu yang dibawakannya menarik banyak pembeli ke nampan ayahnya.

Bakat artistik alami memungkinkan Eliza yang berusia tujuh belas tahun untuk bergabung dengan rombongan akting dari teater Prancis yang terkenal "Comedy Francaise". Peran debutnya di panggung ini adalah Camille dalam drama Corneille Horace.

Perlu dicatat bahwa pada tahun 30-an abad ke-19, repertoar sebagian besar teater metropolitan didasarkan pada karya novelis (V. Hugo, A. Vigny, dll.). Hanya dengan kemunculan bintang cemerlang seperti Eliza Rachel di dunia teater, produksi karya klasik yang terlupakan dilanjutkan.

Saat itu, citra Phaedra dalam lakon berjudul sama karya Racine dianggap sebagai indikator kemampuan akting tertinggi dalam genre tragis. Peran inilah yang membawa aktris sukses besar dan pengakuan penonton. Phaedra yang diperankan oleh Eliza Rachel ditampilkan sebagai pribadi yang sombong dan pemberontak, perwujudan dari kualitas terbaik manusia.

Pertengahan tahun 1840-an ditandai dengan aktivitas tur aktif dari aktris berbakat: perjalanannya keliling Eropa mengagungkan sekolah seni teater Prancis. Suatu kali Rachel bahkan mengunjungi Rusia dan Amerika Utara, di mana penampilannya mendapat nilai tinggi dari kritikus teater.

Pada tahun 1848, sebuah pertunjukan berdasarkan drama oleh J. Racine "Gofalia" dipentaskan di atas panggung Comedie Francaise, di mana Eliza Rachel memainkan peran utamanya. Gambar yang dia ciptakan, yang menjadi simbol kekuatan jahat dan destruktif, yang secara bertahap membakar jiwa penguasa, memungkinkan aktris tersebut untuk sekali lagi menunjukkan bakatnya yang luar biasa.

Pada tahun yang sama, Eliza memutuskan untuk membaca Marseillaise oleh Rouget de Lisle di depan umum di atas panggung di ibu kota. Hasil dari pertunjukan ini adalah kegembiraan galeri dan kemarahan penonton yang duduk di warung.

Setelah itu, aktris berbakat itu menganggur selama beberapa waktu, karena Eliza menganggap repertoar sebagian besar teater modern tidak layak untuk bakatnya yang tinggi. Namun, kerajinan panggung masih menarik perhatian aktris tersebut, dan tak lama kemudian dia mulai latihan lagi.

Aktivitas teatrikal yang aktif merusak kesehatan Rachel yang buruk: aktris berusia tiga puluh enam tahun itu jatuh sakit karena TBC dan meninggal beberapa bulan kemudian, meninggalkan warisan yang kaya dari keahliannya yang tak tertandingi kepada keturunannya yang berterima kasih.

Salah satu aktor paling populer di paruh kedua abad ke-19 adalah aktor berbakat Benoit Constant Coquelin (1841-1909). Ketertarikan pada seni teater, yang ditunjukkan olehnya di awal masa mudanya, berubah menjadi masalah hidup.

Belajar di Paris Conservatory dengan aktor terkenal Renier pada tahun-tahun itu memungkinkan pemuda berbakat itu naik ke panggung dan mewujudkan impian lamanya.

Pada tahun 1860, Coquelin memulai debutnya di panggung teater Comedie Francaise. Peran Gros Rene dalam lakon yang didasarkan pada lakon Love Annoyance karya Molière membawa ketenaran aktor tersebut. Pada tahun 1862, ia menjadi terkenal sebagai pemeran Figaro dalam drama Beaumarchais, The Marriage of Figaro.

Namun, Coquelin memainkan peran terbaiknya (Sganarelle dalam The Unwilling Doctor, Jourdain dalam The Tradesman in the Nobility, Mascarille dalam The Funny Cossacks, Tartuffe dalam drama Molière dengan nama yang sama) setelah meninggalkan Comédie Française pada tahun 1885.

Banyak kritikus mengenali gambar paling sukses yang dibuat oleh aktor berbakat dalam produksi karya Molière. Pada periode terakhir kreativitas dalam repertoar Coquelin, peran dalam lakon Rostand menang.

Aktor berbakat ini juga menjadi terkenal sebagai penulis sejumlah risalah teoretis dan artikel tentang masalah akting. Pada tahun 1880, bukunya "Art and Theatre" diterbitkan, dan pada tahun 1886 sebuah manual akting berjudul "The Art of the Actor" diterbitkan.

Selama sebelas tahun (dari 1898 hingga 1909) Coquelin bekerja sebagai direktur teater "Port-Saint-Martin". Pria ini banyak berbuat untuk perkembangan seni teater di Perancis.

Peningkatan kemampuan akting dibarengi dengan perkembangan dramaturgi. Pada saat ini, penulis terkenal seperti O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas-son, Goncourt bersaudara, dan lainnya telah muncul, yang memberikan kontribusi signifikan pada seni panggung era romantisme dan realisme.

Penulis dan penulis drama Prancis terkenal Honore de Balzac(1799-1850) lahir di Paris, dalam keluarga seorang pejabat. Orang tua, yang peduli dengan masa depan putra mereka, memberinya pendidikan hukum; namun, yurisprudensi menarik pemuda itu jauh lebih sedikit daripada aktivitas sastra. Segera kreasi Balzac mendapatkan popularitas yang luas. Sepanjang hidupnya, ia menulis 97 novel, cerpen dan cerpen.

Honore mulai menunjukkan minat pada seni teater di masa kecilnya, tetapi mahakarya dramatis pertama baru ditulis olehnya pada awal tahun 1820-an. Yang paling sukses dari karya-karya ini adalah tragedi Cromwell (1820) dan melodrama The Negro and The Corsican (1822). Drama yang jauh dari sempurna ini dipentaskan dengan sangat sukses di panggung salah satu teater Paris.

Pada tahun-tahun kedewasaan kreatif, Balzac menciptakan sejumlah karya dramatis yang termasuk dalam repertoar banyak teater di dunia: Sekolah Pernikahan (1837), Vautrin (1840), Harapan Kinola (1842), Pamela Giraud (1843). ), Pedagang "(1844) dan" Ibu Tiri "(1848). Drama ini sangat populer.

Gambaran khas yang dibuat oleh penulis drama tentang bankir, pialang saham, pabrikan, dan politisi ternyata sangat masuk akal; karya-karya tersebut mengungkapkan aspek-aspek negatif dari dunia borjuis, pemangsaan, amoralitas, dan anti-humanismenya. Dalam upaya melawan kejahatan sosial dengan kesempurnaan moral karakter positif, Balzac memperkenalkan fitur melodramatis ke dalam lakonnya.

Sebagian besar karya dramatis Balzac dicirikan oleh konflik akut, berdasarkan kontradiksi sosial, jenuh dengan drama yang dalam dan konkret sejarah.

Di balik nasib karakter individu dalam drama Honore de Balzac, selalu ada latar belakang kehidupan yang luas; para pahlawan, yang tidak kehilangan individualitasnya, muncul pada saat yang sama dalam bentuk gambaran umum.

Penulis drama berusaha membuat karya-karyanya seperti hidup, memperkenalkan ciri-ciri kehidupan pada zaman tertentu ke dalamnya, memberikan ciri-ciri tuturan yang akurat dari para tokohnya.

Drama Balzac yang meninggalkan jejak nyata pada dramaturgi abad ke-19 berdampak signifikan pada perkembangan seni teater dunia.

Di antara drama paling terkenal dari penulis drama Prancis yang berbakat, perlu disebutkan Ibu Tiri, Kinola's Hopes, yang termasuk dalam repertoar teater dengan nama Storm Harbor, Kinola's Dreams; "Eugene Grande" dan "Provincial History", ditulis berdasarkan novel "Life of a Bachelor".

Honore de Balzac menjadi terkenal tidak hanya sebagai penulis drama dan penulis, tetapi juga sebagai ahli teori seni. Banyak artikel Balzac mengungkapkan idenya tentang teater baru.

Penulis drama berbicara dengan marah tentang penyensoran, yang telah memberlakukan tabu pada refleksi kritis realitas kontemporer di atas panggung. Selain itu, Balzac asing bagi basis komersial teater abad ke-19 dengan ideologi borjuisnya yang khas dan keterpencilan dari realitas kehidupan.

Benjamin Antier (1787-1870), seorang penulis drama Prancis berbakat, penulis banyak melodrama, komedi, dan vaudeville, bekerja dengan arah yang sedikit berbeda dari Balzac.

Drama penulis drama ini termasuk dalam repertoar banyak teater boulevard metropolitan. Menjadi pendukung ide-ide demokrasi dan republik, Antje mencoba menyampaikannya kepada penonton, sehingga nada-nada menuduh terdengar dalam karya-karyanya, menjadikannya berorientasi sosial.

Bekerja sama dengan aktor Prancis populer Frederic Lemaitre, penulis naskah itu menulis salah satu drama paling terkenal - "Robert Maker", yang dipentaskan pada tahun 1834 di atas panggung teater Paris "Foli Dramatic". Sebagian besar, kesuksesan lakon ini disebabkan oleh penampilan luar biasa dari favorit penonton Frederic Lemaitre dan seluruh rombongan akting.

Antara lain lakon Benjamin Anttier yang sukses di kalangan masyarakat metropolitan, The Carrier (1825), The Masks of Resin (1825), The Rochester (1829) dan The Firestarter (1830) patut mendapat perhatian khusus. Mereka juga mencerminkan masalah sosial akut dunia modern.

Seorang inovator dalam drama Prancis pada paruh pertama abad ke-19 adalah penulis berbakat K. Asimir Jean Francois Delavigne(1793-1843). Pada usia delapan belas tahun, dia memasuki lingkaran sastra Prancis, dan delapan tahun kemudian dia melakukan debut dramatisnya.

Pada tahun 1819, Casimir Delavigne mulai bekerja di Teater Odeon, di mana salah satu tragedi pertamanya, Sisilia Vesper, dipentaskan. Dalam hal ini, seperti dalam banyak karya awal penulis drama muda lainnya, orang dapat melacak pengaruh teater klasik terkenal di masa lalu, yang tidak mengizinkan sedikit pun penyimpangan dari kanon klasisisme yang diakui dalam kreasi mereka.

Dalam tradisi ketat yang sama, tragedi "Marino Faglieri" ditulis, ditampilkan untuk pertama kalinya di teater "Port-Saint-Martin". Dalam kata pengantar lakon ini, Delavigne mencoba merumuskan prinsip dasar pandangan estetiknya. Ia percaya bahwa dalam drama modern perlu menggabungkan teknik artistik seni klasik dan romantisme.

Perlu dicatat bahwa pada saat itu banyak tokoh sastra yang menganut pandangan serupa, meyakini dengan tepat bahwa hanya sikap toleran terhadap berbagai tren dramaturgi yang memungkinkan seni teater dunia berkembang secara efektif di masa depan.

Namun pengingkaran total terhadap contoh-contoh seni klasik, khususnya di bidang bahasa puisi sastra, dapat menyebabkan kemunduran sastra teater secara keseluruhan.

Penulis drama berbakat mewujudkan kecenderungan inovatif dalam karya-karyanya selanjutnya, yang paling signifikan adalah tragedi "Louis XI", yang ditulis pada tahun 1832 dan dipentaskan beberapa bulan kemudian di panggung teater Comedie Francaise.

Tragedi C. J. F. Delavigne, yang dicirikan oleh puisi romantis, dinamisme gambar yang hidup, dan warna lokal yang halus, sangat berbeda dari drama klasik tradisional.

Citra Raja Louis XI, yang berulang kali diwujudkan di atas panggung oleh aktor terbaik Prancis dan negara Eropa lainnya, telah menjadi salah satu yang paling dicintai di lingkungan akting. Jadi, di Rusia, peran Ludovic dimainkan dengan sempurna oleh aktor berbakat V. Karatygin, di Italia - oleh E. Rossi.

Sepanjang hidupnya, Casimir Jean-Francois Delavigne menganut pandangan anti-ulama dari para pendukung gerakan pembebasan nasional, meski tidak melampaui liberalisme moderat. Rupanya, justru keadaan inilah yang memungkinkan karya penulis drama berbakat mendapatkan popularitas luas di kalangan elit penguasa periode Pemulihan dan tidak kehilangannya bahkan di tahun-tahun awal Monarki Juli.

Di antara karya Delavigne yang paling terkenal, tragedi "Paria" (1821) dan "Edward's Children" (1833) harus disebutkan, karya komedi pengarang ("School for the Old Men" (1823), "Don Juan of Austria" (1835) tidak kalah populernya di abad ke-19. ) dan lain-lain).

Tak kalah terkenalnya dengan lakon O. de Balzac dan tokoh seni teater terkenal lainnya, pada abad ke-19, karya dramatis para tokoh terkenal Putra Alexandre Dumas (1824—1895).

Ia dilahirkan dalam keluarga penulis Prancis terkenal Alexandre Dumas, penulis The Three Musketeers dan The Count of Monte Cristo. Profesi sang ayah telah menentukan jalan hidup putranya, namun, tidak seperti orang tuanya yang termasyhur, Alexander lebih tertarik pada aktivitas dramatis.

Kesuksesan nyata datang ke Dumas sang putra hanya pada tahun 1852, ketika lakon The Lady of the Camellias, yang dibuat ulang olehnya dari novel yang ditulis sebelumnya, dipersembahkan kepada masyarakat umum. Produksi drama tersebut, yang dijiwai dengan kemanusiaan, kehangatan, dan simpati yang mendalam untuk pelacur yang ditolak oleh masyarakat, berlangsung di atas panggung Teater Vaudeville. Penonton dengan antusias menyambut The Lady of the Camelia.

Karya dramatis putra Dumas ini, diterjemahkan ke dalam banyak bahasa, memasuki repertoar teater terbesar di dunia. Di berbagai waktu, S. Bernard, E. Duse, dan aktris terkenal lainnya memainkan peran utama dalam The Lady of the Camellias. Berdasarkan lakon ini, pada tahun 1853 Giuseppe Verdi menulis opera La traviata.

Menjelang pertengahan tahun 1850-an, masalah keluarga menjadi tema utama dalam karya putra A. Dumas. Ini adalah lakonnya "Diana de Lis" (1853) dan "Half Light" (1855), "Money Question" (1857) dan "Bad Son" (1858), yang dipentaskan di panggung teater "Gimnaz". Penulis drama beralih ke tema keluarga yang kuat dalam karya-karyanya selanjutnya: "The Views of Madame Aubrey" (1867), "Princess Georges" (1871), dll.

Banyak kritikus teater abad ke-19 menyebut putra Alexandre Dumas sebagai pendiri genre drama bermasalah dan perwakilan paling menonjol dari dramaturgi realistis Prancis. Namun, studi yang lebih dalam tentang warisan kreatif penulis drama ini memungkinkan untuk memastikan bahwa realisme karyanya dalam banyak kasus bersifat eksternal, agak sepihak.

Mengutuk aspek-aspek tertentu dari realitas kontemporer, putra Dumas menegaskan kemurnian spiritual dan moralitas yang dalam dari struktur keluarga, dan amoralitas serta ketidakadilan yang ada di dunia muncul dalam karya-karyanya sebagai sifat buruk individu individu. Bersama dengan karya terbaik E. Ogier, V. Sardou, dan penulis drama lainnya, lakon putra Alexandre Dumas menjadi dasar repertoar banyak teater Eropa pada paruh kedua abad ke-19.

Saudara-saudara adalah penulis populer, penulis drama, dan ahli teori seni teater. Edmond (1822-1896) dan Jules (1830-1870) Goncourt. Mereka memasuki lingkaran sastra Prancis pada tahun 1851, ketika karya pertama mereka diterbitkan.

Perlu dicatat bahwa Goncourt bersaudara menciptakan mahakarya sastra dan dramatis mereka hanya dalam penulisan bersama, dengan keyakinan yang tepat bahwa kerja sama mereka akan menemukan pengagum yang bersemangat.

Untuk pertama kalinya, karya Goncourt bersaudara (novel Henriette Marechal) dipentaskan di atas panggung teater Comedie Francaise pada tahun 1865. Bertahun-tahun kemudian, di atas panggung Teater Bebas, Henri Antoine mementaskan drama Tanah Air dalam Bahaya. Dia juga mementaskan novel Goncourt Sister Philomena (1887) dan The Maiden Eliza (1890).

Selain itu, publik Prancis yang maju tidak mengabaikan pementasan novel Germinie Lacerte (1888) di Teater Odeon, Charles Damailly (1892) di Gymnase.

Munculnya genre baru terkait dengan aktivitas kesusastraan Goncourt bersaudara: di bawah pengaruh selera artistik mereka yang halus, fenomena seperti naturalisme tersebar luas di teater Eropa.

Penulis terkenal berjuang untuk akurasi terperinci dalam mendeskripsikan peristiwa, sangat mementingkan hukum fisiologi dan pengaruh lingkungan sosial, sambil memberikan perhatian khusus pada analisis psikologis karakter yang mendalam.

Sutradara yang mementaskan lakon Goncourt biasanya menggunakan pemandangan yang sangat indah, yang pada saat yang sama diberikan ekspresi yang ketat.

Pada tahun 1870, Jules Goncourt meninggal, kematian saudara laki-lakinya sangat berkesan bagi Edmond, tetapi tidak memaksanya untuk meninggalkan aktivitas kesusastraannya. Pada tahun 1870-an - 1880-an ia menulis sejumlah novel: "The Zemganno Brothers" (1877), "Faustina" (1882) dan lainnya, yang didedikasikan untuk kehidupan para aktor teater Paris dan pemain sirkus.

Selain itu, E. Goncourt beralih ke genre biografi: karya tentang aktris Prancis terkenal abad ke-18 (Mademoiselle Clairon, 1890) sangat populer.

Yang tidak kalah menarik bagi pembaca adalah "Diary", yang dimulai pada masa hidup Jules. Dalam karya yang sangat banyak ini, penulis mencoba menyajikan materi tematik yang sangat besar tentang budaya religius, sejarah, dan dramatis Prancis pada abad ke-19.

Namun, terlepas dari minat khususnya pada masalah teater, Edmond Goncourt menganggapnya sebagai bentuk seni yang terancam punah, tidak layak untuk diperhatikan oleh seorang penulis drama sejati.

Dalam karya-karya penulis selanjutnya, kecenderungan anti-demokrasi terdengar, namun novel-novelnya dipenuhi dengan psikologi halus, ciri khas tren baru sastra Prancis modern.

Mengikuti seniman Impresionis, Edmond Goncourt menganggap perlu untuk merefleksikan dalam karya-karya genre apa pun sedikit pun nuansa perasaan dan suasana hati para karakter. Mungkin karena alasan inilah E. Goncourt dianggap sebagai pendiri impresionisme dalam sastra Prancis.

Paruh kedua abad ke-19, ditandai dengan perkembangan tren budaya baru - realisme kritis, memberi dunia banyak penulis drama berbakat, termasuk yang terkenal Émile Edouard Charles Antoine Zola(1840-1902), yang memperoleh ketenaran tidak hanya sebagai penulis berbakat, tetapi juga sebagai kritikus sastra dan teater.

Emile Zola lahir di keluarga seorang insinyur Italia, keturunan dari keluarga tua. Tahun-tahun masa kanak-kanak penulis drama masa depan dihabiskan di kota kecil Prancis Aix-en-Provence, tempat Zola sang ayah bekerja pada desain kanal. Di sini bocah itu mendapat pendidikan yang layak, berteman, yang paling dekat adalah Paul Cezanne, seorang artis terkenal di masa depan.

Pada tahun 1857, kepala keluarga meninggal, kesejahteraan finansial keluarga merosot tajam, dan janda serta putranya terpaksa pergi ke Paris. Di sinilah, di ibu kota Prancis, Emile Zola menciptakan karya seni pertamanya - lelucon The Fooled Mentor (1858), yang ditulis dalam tradisi terbaik realisme kritis Balzac dan Stendhal.

Dua tahun kemudian, penulis muda itu mempersembahkan kepada penonton sebuah drama berdasarkan dongeng La Fontaine "The Milkmaid and the Jug". Pementasan lakon yang berjudul "Pierrette" ini cukup sukses.

Namun, sebelum mendapat pengakuan di kalangan sastra ibu kota, Emil awalnya harus puas dengan pekerjaan serabutan, yang segera digantikan oleh pekerjaan tetap di penerbit Ashet. Pada saat yang sama, Zola menulis artikel untuk berbagai surat kabar dan majalah.

Pada tahun 1864, kumpulan cerita pendek pertamanya, berjudul The Tales of Ninon, diterbitkan, dan setahun kemudian novel Claude's Confession diterbitkan, yang membuat pengarangnya terkenal luas. Zola juga tidak meninggalkan lapangan drama.

Di antara karya awalnya dari genre ini, vaudeville satu babak dalam sajak "Hidup dengan serigala seperti lolongan serigala", komedi sentimental "Gadis Jelek" (1864), serta drama "Madeleine" (1865) dan "Rahasia Marseille" (1867) patut mendapat perhatian khusus.

Karya serius pertama Emile Zola, banyak kritikus menyebut drama "Thérèse Raquin", berdasarkan novel dengan nama yang sama di Teater Renaissance pada tahun 1873. Namun, plot drama yang realistis dan konflik internal yang menegangkan dari tokoh utama disederhanakan oleh kesudahan melodramatis.

Drama "Thérèse Raquin" termasuk dalam repertoar teater Prancis terbaik selama beberapa dekade abad ke-19. Menurut banyak orang sezaman, itu adalah "tragedi sejati di mana E. Zola, seperti Balzac di Père Goriot, mencerminkan kisah Shakespeare, mengidentifikasi Teresa Raquin dengan Lady Macbeth."

Saat mengerjakan karya berikutnya, penulis naskah, yang terbawa oleh gagasan sastra naturalistik, menetapkan tujuannya untuk menciptakan "novel ilmiah", yang mencakup data dari ilmu alam, kedokteran, dan fisiologi.

Percaya bahwa karakter dan tindakan setiap orang ditentukan oleh hukum hereditas, lingkungan tempat tinggalnya, dan momen sejarah, Zola melihat tugas penulis dalam penggambaran objektif momen kehidupan tertentu dalam kondisi tertentu.

Novel "Madeleine Ferat" (1868), yang mendemonstrasikan hukum dasar hereditas dalam tindakan, menjadi tanda pertama dalam rangkaian novel yang didedikasikan untuk kehidupan beberapa generasi dalam satu keluarga. Setelah menulis karya inilah Zola memutuskan untuk beralih ke topik ini.

Pada tahun 1870, penulis berusia tiga puluh tahun itu menikah dengan Gabrielle-Alexandrine Mel, dan tiga tahun kemudian menjadi pemilik sebuah rumah yang indah di pinggiran kota Paris. Tak lama kemudian, penulis muda, pendukung aliran naturalistik, yang secara aktif mempromosikan reformasi radikal di teater modern, mulai berkumpul di ruang tamu pasangan itu.

Pada tahun 1880, dengan dukungan Zola, kaum muda menerbitkan kumpulan cerita "Malam Medan", karya teoretis "Novel Eksperimental" dan "Novel Alami", yang tujuannya adalah untuk menjelaskan esensi sebenarnya dari dramaturgi baru.

Mengikuti para pendukung aliran naturalistik, Emil beralih menulis artikel-artikel kritis. Pada tahun 1881, ia menggabungkan publikasi terpisah tentang teater menjadi dua koleksi: Dramawan Kami dan Naturalisme di Teater, di mana ia mencoba memberikan penjelasan sejarah tentang tahapan individu dalam perkembangan drama Prancis.

Setelah menunjukkan dalam karya-karya ini potret kreatif V. Hugo, J. Sand, putra A. Dumas, Labiche dan Sardou, dalam perselisihan yang dengannya teori estetika diciptakan, Zola berusaha menampilkannya persis seperti kehidupan mereka. Selain itu, koleksinya meliputi esai tentang kegiatan teatrikal Dode, Erkman-Chatrian, dan Goncourt bersaudara.

Di bagian teoretis salah satu buku, penulis berbakat mempresentasikan program naturalisme baru, yang menyerap tradisi terbaik pada masa Molière, Regnard, Beaumarchais, dan Balzac - penulis drama yang memainkan peran penting dalam perkembangan seni teater bukan hanya di Prancis, tetapi di seluruh dunia.

Percaya bahwa tradisi teater membutuhkan revisi serius, Zola menunjukkan pemahaman baru tentang tugas akting. Mengambil bagian langsung dalam produksi teater, dia menyarankan para aktor untuk "menghidupkan drama itu daripada memainkannya."

Penulis drama tidak menganggap serius gaya permainan dan deklamasi yang megah, dia tidak senang dengan ketidakwajaran teatrikal dari pose dan gerak tubuh para aktor.

Yang menarik bagi Zola adalah masalah desain panggung. Berbicara menentang pemandangan teater klasik yang tidak ekspresif, mengikuti tradisi Shakespeare, yang menyediakan panggung kosong, dia menyerukan penggantian pemandangan yang "tidak menguntungkan aksi dramatis".

Menyarankan seniman untuk menerapkan metode yang secara jujur ​​menyampaikan "lingkungan sosial dengan segala kerumitannya", penulis sekaligus memperingatkan mereka agar tidak sekadar "menyalin alam", dengan kata lain, dari penggunaan pemandangan naturalistik yang disederhanakan. Gagasan Zola tentang peran kostum dan tata rias teater didasarkan pada prinsip pemulihan hubungan dengan kenyataan.

Mendekati secara kritis masalah dramaturgi Prancis modern, penulis terkenal itu menuntut baik dari para aktor maupun sutradara agar aksi panggung harus lebih dekat dengan kenyataan, dan berbagai karakter manusia dipelajari secara mendetail.

Meskipun Zola menganjurkan pembuatan "gambar hidup" yang diambil dalam "posisi khas", dia pada saat yang sama menyarankan untuk tidak melupakan tradisi dramaturgi terbaik dari karya klasik terkenal seperti Corneille, Racine, dan Moliere.

Sesuai dengan prinsip yang diusung, banyak karya penulis drama berbakat yang ditulis. Jadi, dalam komedi The Heirs of Rabourdain (1874), saat menampilkan filistin provinsi lucu yang menantikan kematian kerabat kaya mereka, Zola menggunakan alur cerita Volpone B. Johnson, serta situasi komedi khas drama Molière.

Unsur peminjaman juga terdapat pada karya dramatis Zola lainnya: dalam lakon The Rosebud (1878), melodrama Rene (1881), drama liris The Dream (1891), Messidor (1897) dan The Hurricane (1901) .

Perlu dicatat bahwa drama liris penulis, dengan bahasa ritmisnya yang khas dan plot yang fantastis, diekspresikan dalam ketidaknyataan waktu dan tempat aksi, dekat dengan lakon Ibsen dan Maeterlinck dan memiliki nilai artistik yang tinggi.

Namun, kritikus teater dan publik metropolitan, yang mengangkat drama "yang dibuat dengan baik" oleh V. Sardou, E. Ogier dan A. Dumas-son, dengan acuh tak acuh bertemu dengan produksi karya Zola, yang dilakukan dengan partisipasi langsung dari penulis oleh sutradara berbakat V. Byuznak di banyak panggung teater di Paris.

Jadi, di berbagai waktu, lakon Zola The Trap (1879), Nana (1881) dan Scum (1883) dipentaskan di Teater Komedian Ambigu, dan The Womb of Paris (1887) dipentaskan di Theater de Paris. ), di Teater Gratis - "Jacques d'Amour" (1887), di "Chatelet" - "Germinal" (1888).

Pada periode 1893 hingga 1902, repertoar Teater Odeon termasuk "Page of Love", "Earth" dan "The Misdemeanor of the Abbé Mouret" oleh Emile Zola, dan mereka cukup sukses di atas panggung selama beberapa tahun. .

Tokoh teater di akhir abad ke-19 berbicara dengan persetujuan periode akhir karya penulis terkenal, mengakui jasanya dalam memenangkan kebebasan untuk mementaskan drama “dengan berbagai plot, tentang topik apa pun, yang memungkinkan untuk menghadirkan orang, pekerja, tentara , petani ke panggung - semua orang yang bersuara banyak dan luar biasa ini."

Karya monumental utama Emile Zola adalah serial novel Rougon-Macquart, yang dikerjakan selama beberapa dekade, dari tahun 1871 hingga 1893. Pada halaman-halaman karya dua puluh jilid ini, penulis mencoba mereproduksi gambaran kehidupan spiritual dan sosial masyarakat Prancis pada periode 1851 (kudeta Louis Napoleon Bonaparte) hingga 1871 (Komune Paris).

Pada tahap terakhir hidupnya, penulis drama terkenal itu mengerjakan penciptaan dua siklus epik novel, disatukan oleh pencarian ideologis oleh Pierre Froment, protagonis dari karya tersebut. Siklus pertama (Tiga Kota) termasuk novel Lourdes (1894), Roma (1896) dan Paris (1898). Seri berikutnya, "The Four Gospels", adalah buku "Fecundity" (1899), "Labor" (1901) dan "Truth" (1903).

Sayangnya, "Empat Injil" masih belum selesai, penulis tidak dapat menyelesaikan jilid keempat dari karya yang dimulai pada tahun terakhir hidupnya. Namun, keadaan ini sama sekali tidak mengurangi signifikansi karya ini, yang tema utamanya adalah gagasan utopis pengarang, yang berusaha mewujudkan mimpinya tentang kemenangan akal dan tenaga di masa depan.

Perlu dicatat bahwa Emile Zola tidak hanya aktif bekerja di bidang sastra, tetapi juga menunjukkan ketertarikannya pada kehidupan politik negara. Dia tidak mengabaikan perselingkuhan Dreyfus yang terkenal (pada tahun 1894, seorang perwira Staf Umum Prancis, Dreyfus Yahudi, dihukum secara tidak adil karena spionase), yang menurut J. Guesde, menjadi "tindakan paling revolusioner abad ini" dan mendapat tanggapan hangat dari publik Prancis yang progresif.

Pada tahun 1898, Zola berusaha untuk mengungkap kegagalan keadilan yang nyata: sebuah surat dikirim ke Presiden Republik dengan judul "Saya menuduh".

Namun, akibat dari tindakan ini menyedihkan: penulis terkenal itu dihukum karena "fitnah" dan dijatuhi hukuman satu tahun penjara.

Dalam hal ini, Zola terpaksa meninggalkan negara itu. Dia menetap di Inggris dan kembali ke Prancis hanya pada tahun 1900, setelah Dreyfus dibebaskan.

Pada tahun 1902, penulis meninggal secara tak terduga, penyebab resmi kematiannya adalah keracunan karbon monoksida, tetapi banyak yang menganggap "kecelakaan" ini direncanakan sebelumnya. Dalam pidatonya di pemakaman, Anatole France menyebut rekannya "hati nurani bangsa".

Pada tahun 1908, sisa-sisa Emile Zola dipindahkan ke Pantheon, dan beberapa bulan kemudian penulis terkenal itu secara anumerta dianugerahi gelar anggota Akademi Ilmu Pengetahuan Prancis (perhatikan bahwa selama hidupnya pencalonannya diajukan sekitar 20 kali).

Di antara perwakilan terbaik drama Prancis di paruh kedua abad ke-19, seseorang dapat menyebutkan penulis, jurnalis, dan penulis naskah berbakat. Bidang Alexis(1847-1901). Ia mulai berkecimpung dalam kreativitas sastra cukup awal, puisi-puisi yang ia tulis saat kuliah di kampus dikenal luas.

Setelah lulus, Paul mulai bekerja di koran dan majalah, selain itu dia juga tertarik dengan drama. Pada akhir tahun 1870-an, Alexis menulis drama pertamanya, Mademoiselle Pomme (1879), diikuti oleh mahakarya dramatis lainnya.

Kegiatan teatrikal Paul Alexis paling erat kaitannya dengan Teater Gratis sutradara dan aktor terkemuka Andre Antoine. Mendukung pengejaran kreatif sutradara berbakat, penulis naskah itu bahkan mementaskan cerita pendek terbaiknya, The End of Lucy Pellegrin, yang dirilis pada 1880 dan dipentaskan di Teater Paris pada 1888.

Menjadi pengagum naturalisme dalam seni pertunjukan, Paul Alexis menentang penguatan kecenderungan anti-realis di teater Prancis.

Keinginan akan naturalisme diungkapkan dalam lakon "The Servant about Everything", yang ditulis pada tahun 1891 dan dipentaskan di atas panggung Variety Theatre beberapa bulan kemudian. Beberapa saat kemudian, di bawah arahan Alexis, teater "Gimnaz" mementaskan novel karya Goncourt bersaudara "Charles Demailli" (1893).

Motif humanistik diilhami oleh karya-karya penulis drama Prancis lain yang tidak kalah populernya, Edmond Rostand(1868-1918). Dramanya mencerminkan cita-cita romantis tentang keyakinan pada kekuatan spiritual setiap individu. Ksatria bangsawan, pejuang kebaikan dan keindahan, menjadi pahlawan karya Rostanov.

Debut penulis naskah di atas panggung terjadi pada tahun 1894, ketika komedi The Romantics diberikan di Comédie Française. Dalam karya ini, penulis berusaha untuk menunjukkan keagungan perasaan manusia yang tulus, untuk menunjukkan kepada penonton kesedihan dan penyesalan atas dunia romantis yang naif di masa lalu. Romantics sukses besar.

Komedi heroik Rostand Cyrano de Bergerac, yang dipentaskan di Teater Porte Saint-Martin di Paris pada tahun 1897, sangat populer. Penulis drama berhasil menciptakan citra yang jelas tentang seorang ksatria bangsawan, pembela yang lemah dan tersinggung, yang kemudian menerima perwujudan nyata dalam penampilan aktor terbaik sekolah teater Prancis.

Fakta bahwa jiwa protagonis yang cantik dan mulia bersembunyi di balik penampilan jelek, yang memaksanya untuk menyembunyikan cintanya pada Roxanne yang cantik selama beberapa tahun, membuat konsepsi artistik drama tersebut sangat pedih. Hanya sebelum kematiannya, Cyrano mengungkapkan perasaannya kepada kekasihnya.

Komedi heroik "Cyrano de Bergerac" adalah puncak dari karya Edmond Rostand. Pada tahun terakhir hidupnya, ia menulis lakon lain, berjudul "The Last Night of Don Juan" dan mengingatkan pada sifat penyajian dan makna utama risalah filosofis.

Peran penting dalam seni panggung Prancis pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20 dimainkan oleh apa yang disebut Teater Antoine, yang didirikan di Paris oleh sutradara, aktor, dan tokoh teater terkemuka Andre Antoine.

Teater baru mulai bekerja di salah satu salon Menu-Pleisir. Repertoarnya didasarkan pada karya-karya rekan muda dan contoh terbaik dari drama asing baru. Antoine mengundang aktor ke rombongannya, dengan siapa dia bekerja selama beberapa tahun di Free Theatre (yang terakhir tidak ada lagi pada tahun 1896).

Produksi perdana Teater Antoine adalah pementasan drama yang cukup sukses oleh penulis drama muda Prancis, Briet dan Courteline.

Saat membuat teaternya, sutradara berusaha untuk menyelesaikan tugas yang sama yang diajukan olehnya saat bekerja di Free Theatre.

Menyetujui gagasan aliran naturalistik seni teater Prancis, Antoine tidak hanya mempromosikan karya penulis muda Prancis, tetapi juga memperkenalkan penonton modal ke drama asing baru, yang jarang tampil di panggung Prancis (pada saat itu, drama kosong dan tidak berarti oleh mode penulis dipentaskan di panggung banyak teater Paris) .

Selain itu, sutradara berjuang melawan kerajinan dan "permainan uang" yang menjanjikan keuntungan besar, yang pertama baginya adalah seni itu sendiri.

Dalam upaya menciptakan sesuatu yang baru, berbeda dari Teater Gratis, yang pertunjukannya hanya dapat diakses oleh pemilik langganan mahal, Antoine memberikan pertunjukan berbayar yang dirancang untuk khalayak luas. Untuk tujuan ini, harga tiket moderat diperkenalkan di teater, dan repertoar yang luas sering diperbarui untuk menarik banyak penonton.

Playbill Teater Antoine termasuk drama oleh rekan muda seperti A. Brie, E. Fabre, P. Loti, L. Benière, J. Courteline, L. Decave dan lain-lain Pertunjukan berdasarkan karya Maupassant, Zola, Balzac sangat populer. Selain itu, dalam repertoar teater di untuk waktu yang lama drama tertunda oleh penulis asing - Ibsen, Hauptmann, Zudeoman, Heyermans, Strindberg.

Pada tahun 1904, King Lear karya Shakespeare dipentaskan di atas panggung Teater Antoinov. Pertunjukan ini memberikan kesan yang tak terhapuskan bagi penonton, di masa depan, banyak sutradara Prancis, yang menyadari betapa suburnya tanah ini, beralih ke dramaturgi Shakespeare yang abadi.

Pada awal tahun 1905, tidak ada jejak kemajuan Andre Antoine sebelumnya, penonton metropolitan dan kritikus teater dengan acuh tak acuh menyambut produksi pertunjukan berdasarkan lakon dari penulis drama reaksioner de Curel dan film aksi yang modis pada saat itu dengan plot yang terkenal bengkok. Pada tahun 1906, sutradara terpaksa meninggalkan gagasannya dan pindah ke teater Odeon yang sama populernya di kalangan warga Paris.

Firmin (Tonnerre) Gemier (1869-1933), seorang murid berbakat Andre Antoine, seorang aktor terkenal, sutradara dan tokoh teater yang energik, ditempatkan sebagai kepala Teater Antoinov. Ia dilahirkan dalam keluarga pemilik penginapan yang miskin. Karena kehilangan ibunya lebih awal, Firman terpaksa putus sekolah dan bekerja.

Pada tahun 1887, setelah lulus dari kursus drama swasta, Gemier mendapat pekerjaan tambahan di Free Theatre, tetapi segera dia dipecat atas perintah sutradara, yang tidak puas dengan pekerjaannya.

Meski demikian, karya di bawah arahan Andre Antoine berdampak signifikan pada perkembangan skill aktor muda tersebut. Di masa depan, Gemier sebagian besar mengulangi gagasan gurunya, menyebarkan penolakan terhadap "pandangan rutin, bobrok, dan berbahaya". Dia melihat tujuan seni teater dramatis dalam melayani rakyat, dan semua karyanya berada di bawah promosi prinsip-prinsip realisme.

Pada saat yang sama, mempertahankan cita-cita humanistik yang tinggi, Gemier mengkritik tajam fenomena kehidupan sehari-hari yang menghambat perkembangan progresif masyarakat dan budaya dunia secara keseluruhan.

Pada tahun 1898, setelah menerima undangan dari pimpinan Teater Belleville, aktor tersebut dengan antusias mulai bekerja; dia tinggal di Belleville hingga tahun 1890. Pada saat yang sama, Gemier mencoba tiga kali untuk masuk ke kelas drama di Paris Conservatoire, tetapi tidak berhasil.

Selama tiga tahun (1892-1895), aktor tersebut bermain di panggung Teater Bebas, kemudian periode pengembaraan dimulai untuknya: Gemier bekerja di berbagai kelompok teater di Paris, yang paling terkenal pada saat itu adalah teater Gimnaz , Kreativitas, Ambigu ”, Teater Antoine, Renaisans, dan Chatelet.

Pada awal tahun 1904, setelah mendapat undangan dari pimpinan rombongan Prancis Teater Mikhailovsky, Gemier bersama istrinya, aktris A. Megar, pergi ke St. Sekembalinya ke tanah airnya pada tahun 1906, ia menerima undangan untuk memimpin tim Teater Antuanov dan menjabat sebagai direktur selama lima belas tahun.

Setelah kepergian Gemier pada tahun 1921, Teater Antoine kehilangan arti pentingnya sebagai kelompok artistik tingkat lanjut, benteng penulis muda dan kaum intelektual progresif, dan berubah menjadi teater metropolitan biasa.

Firmin Gemier memulai karir penyutradaraannya pada tahun 1900 saat bekerja di Teater Zhimnaz. Dipandu oleh tradisi seni realistik terbaik, sutradara progresif dengan berani bereksperimen, menghadirkan bentuk-bentuk aksi panggung baru kepada penonton, di mana ia mencoba menggabungkan pertunjukan teatrikal dengan kebenaran hidup yang tidak dimiliki.

Menolak "klasisisme beku" dengan aturan penyutradaraannya yang sudah ketinggalan zaman, Gemier berusaha untuk menunjukkan kepada publik pertunjukan yang penuh warna dan dinamis, yang menarik banyak penonton ke "Gimnaz".

Sutradara percaya bahwa beralih ke karya ideologis penulis Prancis kontemporer adalah satu-satunya arah yang benar dalam hal memperbarui drama Prancis.

Teater Antoine dan Renaissance Gemier mementaskan drama "Kehidupan Publik" oleh Fabre (1901), "Parisian" oleh Beck (1901), "Thérèse Raquin" oleh Zola (1902), "14 Juli" oleh Rolland (1902), " Pernikahan Krechinsky" Sukhovo-Kobylin (1902), "Anna Karenina" Tolstoy (1907), "Pemenang" Fabre (1908).

Sutradara juga tertarik dengan warisan Shakespeare, produksi Hamlet (1913), The Merchant of Venice (1916), Antony and Cleopatra (1917), The Taming of the Shrew (1918) diterima dengan antusias oleh publik Paris.

Dengan partisipasi langsung Firmin Gemier pada tahun 1916, Shakespeare Society diorganisir di Prancis, yang tujuannya adalah untuk mempopulerkan karya-karya klasik Inggris yang terkenal. Belakangan, atas prakarsa pria ini, serikat pekerja seniman pertunjukan dibentuk.

Pada tahun 1920, impian lama Gemier untuk menciptakan teater rakyat yang benar-benar dapat diakses oleh massa menjadi kenyataan. Di Paris, di aula indah Istana Trocadero, yang dapat menampung 4.000 penonton, Teater Rakyat Nasional dibuka. Segera dia menerima status negara (Grand Opera, Comedie Francaise dan Odeon juga dianugerahi penghargaan serupa).

Bersamaan dengan kepemimpinan dari gagasan kesayangannya, Gemier melakukan produksi di panggung teater Comedy Montaigne dan Odeon.

Teater Rakyat Nasional mementaskan drama oleh R. Rolland "14 Juli" dan "Wolves", "The Marriage of Figaro" oleh P. O. Beaumarchais. Pementasan drama Shakespeare menegaskan kehebatan individu dan, pada saat yang sama, tragedi seseorang yang memulai jalur kejahatan ("Pedagang Venesia", "Richard III").

Namun, pertunjukan tontonan massal populer, yang diimpikan Gemier saat membuat teaternya, terhalang oleh kesulitan materi dan ketidaksesuaian tempat pertunjukan ditampilkan.

Setelah kematian Gemier pada tahun 1933, Teater Rakyat Nasional runtuh, ia menemukan kehidupan baru hanya dengan kedatangan Jean Vilar, yang akan dijelaskan di bawah, dalam tim pada tahun 1951.

Firmin Gemier memberikan perhatian khusus pada pendidikan aktor generasi masa depan. Untuk tujuan ini, pada tahun 1920, atas inisiatifnya, Konservatorium Drama dibuka di Teater Antoine, di mana para talenta muda mempelajari metode akting modern.

Berbeda dengan Paris Conservatoire, di mana deklamasi menjadi dasar pengajaran, sekolah Gemier menekankan penolakan terhadap tradisi teater lama yang telah kehilangan kelangsungan hidupnya.

Pada tahun 1926, aktor dan sutradara terkenal mencoba mendirikan World Theater Society, yang fungsinya mencakup perangkat tersebut festival internasional, tur, dan semua jenis konferensi kreatif, tetapi tidak berhasil.

Pada tahun 1928, Gemier mengunjungi Rusia untuk kedua kalinya. Pertemuan di Moskow dengan rekan-rekan dari rombongan ibu kota menunjukkan kepadanya keterampilan tingkat tinggi dari para aktor dan sutradara Rusia. Perjalanan itu ternyata sangat mendidik.

Masa kedewasaan karya Firmin Gemier ditandai dengan penerapan ide-ide progresif dan aspirasi yang berani, yang dipertahankan sejak masa kerjanya di Free Theatre.

Bakat serbaguna memungkinkan aktor untuk bermain dalam produksi berbagai genre, untuk menciptakan gambar yang berkarakteristik tajam, tragis atau liris di atas panggung, dan juga memainkan peran karakter komedi dalam drama satir.

Kritikus teater mengakui peran Gemier yang paling sukses sebagai Patlen dalam sandiwara "Pengacara Patlen" dan Philip II dalam drama Schiller "Don Carlos".

Yang tidak kalah menarik adalah gambar Ubu dalam King Ubu karya Jarry, Karenin yang cemburu tanpa jiwa dalam produksi Anna Karenina karya Tolstoy, Jourdain yang periang dalam The Tradesman in the Nobility karya Molière, Shylock dalam The Merchant of Venice karya Shakespeare, Philippe Brido dalam The Bachelor's Life. O. Balzac.

Namun, Gemier sendiri menganggap kreasi terbaiknya sangat besar keberuntungan kreatif gambar orang biasa dalam dramatisasi karya penulis drama modern (pekerja Baumert dalam "The Weavers", tukang batu Papillon dalam lakon "Papillon, the Just Lyon" oleh Hauptmann, dll.). Ahli tata rias yang tak tertandingi, Firmin Gemier tahu cara mengubah miliknya penampilan di luar pengakuan. Keahliannya yang khas dan keterampilan teknisnya yang luar biasa memungkinkan terciptanya citra dinamis emosional di atas panggung, di mana karakter karakter tercermin dalam nuansa halus.

Gerak dan gestur Gemier tak kalah ekspresifnya dengan intonasi. Menurut rekan-rekannya, aktor ini "sangat alami". Firmin Gemier tidak kehilangan ciri-ciri permainannya di bioskop, di mana karirnya dimulai pada tahun 1930, setelah meninggalkan Teater Odeon.

Yang sangat penting bagi sejarah seni panggung Prancis adalah aktivitas aktris berbakat Sarah Bernhardt (1844-1923). Terbawa oleh teater sebagai seorang anak, dia menjadikan panggung sebagai bisnis utama dalam hidupnya.

Setelah lulus dari kelas akting di Paris Conservatory, Sarah Bernard mulai bekerja di atas panggung.

Debut aktris muda berbakat di panggung profesional (di teater Comedie Francaise) berlangsung pada tahun 1862. Dalam pertunjukan berdasarkan lakon oleh Racine "Iphigenia in Aulis" dia memainkan peran sebagai tokoh utama. Namun, penampilan yang gagal memaksa Bernard meninggalkan Comédie Francaise. Ini diikuti oleh periode pencarian kreatif, yang berlangsung dari tahun 1862 hingga 1872. Selama ini, Sarah bekerja di Gimnaz, Port Saint-Martin dan Odeon. Peran paling sukses yang dimainkan oleh aktris di panggung teater ini adalah Zanetto dalam drama Coppe Passerby, ratu di Ruy Blas oleh Victor Hugo dan dona Sol di Hernani oleh penulis yang sama.

Pada tahun 1872, Sarah Bernard menerima tawaran dari manajemen Comédie Française dan kembali tampil di panggung teater ini. Di sini, selama delapan tahun, aktris tersebut memainkan peran utama dalam komedi Racine dan Voltaire, bermimpi untuk membuat teaternya sendiri.

Pada tahun 1880, Sarah Bernhardt meninggalkan Comédie Francaise untuk kedua kalinya dan, mengepalai grup akting, pertama dari teater Porte Saint-Martin dan kemudian dari Renaisans, mencoba mengatur teaternya sendiri. Mimpinya ditakdirkan untuk menjadi kenyataan hanya pada tahun 1898, ketika poster Teater Sarah Bernard yang baru muncul di jalan-jalan Paris.

Keahlian yang tak ada bandingannya dari seorang aktris berbakat, yang kuncinya adalah, pertama-tama, teknik eksternal yang sangat baik, berkontribusi pada pertumbuhan karier panggungnya. Di sinilah kritikus teater melihat alasan kesuksesan gemilang Sarah yang terkenal.

Mengatasi dengan baik peran wanita dalam produksi teaternya, aktris tersebut tetap memilih peran pria, khususnya peran Hamlet dalam drama Shakespeare dengan nama yang sama. Namun, puncak keterampilan akting Sarah Bernhardt adalah peran Marguerite Gauthier dalam lakon putra Alexandre Dumas "The Lady of the Camellias". Yang tak kalah berkesan adalah pahlawan wanita Bernard dalam melodrama "Adrienne Lecouvreur" karya E. Scribe.

Banyak penulis naskah yang membuat lakonnya khusus untuk Bernard, dengan harapan aktris berbakat, dengan lakonnya yang luar biasa, yang membuat penonton berempati dengan nasib para tokohnya, mampu mengagungkan nama-nama pengarangnya. Jadi, melodrama "Cleopatra" dan "Phaedra", yang ditulis oleh penulis naskah Sardou khusus untuk Teater Sarah Bernard, dirancang untuk berpartisipasi dalam produksi Sarah sendiri.

Pada pertengahan 1890-an, repertoar aktris tersebut mencakup sejumlah besar peran, yang paling sukses di antaranya oleh kritikus teater disebut sebagai gambar yang dibuat oleh Sarah dalam drama neo-romantis Rostand (Putri Melissande, Adipati Reichstadt dalam The Eaglet, Lorenzaccio dalam drama tersebut dengan nama yang sama).

Sarah Bernhardt, yang tercatat dalam sejarah seni teater dunia sebagai pemain berbakat dari berbagai peran, akan selamanya menjadi contoh keterampilan akting yang tinggi, cita-cita yang tidak mungkin tercapai.

Dekade pertama abad ke-20, yang ditandai dengan peristiwa pergolakan dalam kehidupan politik sebagian besar negara di dunia, berdampak agak negatif pada kehidupan budaya negara-negara tersebut, khususnya pada seni teater.

Periode stabilisasi sementara setelah berakhirnya Perang Dunia Pertama berkontribusi pada kebangkitan aktivitas teater di Prancis.

Repertoar dari sebagian besar teater Prancis abad ke-20 dicirikan oleh jangkauan yang luar biasa: mahakarya tragedi klasik, drama romantis, dan komedi abad pertengahan kembali diwujudkan di atas panggung. Tapi itu nanti, tapi untuk saat ini teater Prancis sebagian besar tetap menghibur.

Pada periode pasca-perang di Prancis, ada kebangkitan teater komersial, yang berfokus pada kepentingan publik metropolitan dan menegaskan seni prangko yang dilegalkan, adegan mise-en-scene yang indah.

Pada tahun 1920-an, di teater boulevard komersial Paris, prinsip satu lakon diproklamirkan sebagai pemimpin, ditayangkan di atas panggung selama beberapa malam selama pertunjukan itu populer. Kedepannya, lakon tersebut disingkirkan dari repertoar teater, diganti dengan yang baru, yang juga dipentaskan setiap malam.

Dalam keinginan mereka untuk menghibur publik Paris, para aktor teater boulevard Gimnaz, Renaisans, Porte Saint-Martin, Héberto, Vaudeville, dan lainnya tidak menghindari cara apa pun, bahkan plot cabul dan trik teater murah pun digunakan. .

Penguasaan yang sangat baik atas rahasia keterampilan teater, perangko aneh yang diwarisi dari generasi aktor sebelumnya, adalah kunci sukses pertunjukan di atas panggung di abad ke-20. Plastisitas, ekspresif, diksi yang luar biasa, dan penguasaan suara yang terampil menjadi tujuan kreativitas akting.

Pada saat yang sama, di antara para aktor tabloid juga terdapat master yang sangat profesional, yang aktingnya dibedakan oleh selera gaya yang tinggi. Di antara tokoh paling mencolok dari dunia seni Prancis pada paruh pertama abad ke-20, ayah dan anak Guitry patut mendapat perhatian khusus.

Aktor dan penulis drama terkenal Lucien Guitry(1860-1925) lahir di Paris. Setelah lulus dari konservatori pada tahun 1878, ia bergabung dengan rombongan Teater Zhimnaz - begitulah aktivitas panggungnya dimulai.

Aktor berusia delapan belas tahun ini memulai debutnya sebagai Armand dalam drama berdasarkan lakon oleh A. Dumas-son "Nyonya Camelia". Penampilan Lucien yang sukses dicatat oleh pimpinan rombongan Prancis Teater Mikhailovsky, dan tak lama kemudian talenta muda itu sudah bergegas ke St.

Aktor berbakat menghabiskan beberapa musim teater di Teater Mikhailovsky, dan sekembalinya ke Paris pada tahun 1891, ia mulai tampil di panggung berbagai teater bulevar - seperti Odeon, Porte Saint-Martin, dan lainnya.

Pada tahun 1898-1900, Lucien Guitry bekerja sama dengan aktris berbakat G. Réjam, partisipasi duet ini dalam drama Rostand "Eaglet" (Lucien berperan sebagai Flambeau) membawa kesuksesan produksi yang belum pernah terjadi sebelumnya.

Yang tak kalah menarik adalah karya L. Guitry dalam lakon "Chantecleer", yang dipentaskan di atas panggung salah satu teater komersial pada tahun 1910. Menjadi aktor dengan temperamen terkendali, Lucien berhasil menciptakan citra dinamis yang hidup di atas panggung.

Tujuh tahun kemudian, L. Guitry mempersembahkan kepada publik karya dramatisnya "Kakek" dan "Uskup Agung dan Putra-Putranya", yang pertunjukannya di atas panggung teater "Port-Saint-Martin" ternyata sangat sukses.

Pada tahun 1919, Lucien menampilkan peran pertamanya dalam sebuah drama berdasarkan drama oleh Alexandre Guitry. Di masa depan, sang ayah memainkan banyak peran dalam karya-karya yang ditulis oleh putranya khusus untuknya - "Pasteur", "Ayahku benar", "Beranger", "Jacqueline", "Bagaimana sejarah ditulis".

Lucien Guitry terus tampil di atas panggung hingga hari-hari terakhir hidupnya; permainannya, dibedakan oleh kejujuran, lakonisme karakteristik, asing bagi kepura-puraan, menyenangkan orang sampai tahun 1925.

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, aktor tersebut menciptakan gambar yang hidup dan berkesan dalam komedi Moliere - Alceste dalam The Misanthrope, Tartuffe dalam lakon dengan nama yang sama, dan Arnolf dalam The School for Wives.

Tak kalah populer dari ayahnya, dinikmati di paruh pertama abad XX Sasha (Alexander) Guitry(1885-1957), aktor teater dan film Prancis berbakat, penulis dan penulis naskah terkenal.

Suasana cerah kehidupan teater yang mengiringi masa kanak-kanak Guitry-son berkontribusi pada kecintaannya pada teater, bidang sastra tampaknya tidak kalah menarik bagi Alexander muda, terutama karena karya-karya awal Sasha sukses.

Kegiatan kesusastraan profesionalnya dimulai pada tahun 1901, ketika lakon pertama berjudul "The Page" dirilis, dipentaskan beberapa saat kemudian di atas panggung Teater Renaisans Paris. Lambat laun, Sasha Guitry menjadi salah satu perwakilan utama dari "drama tabloid". Hampir semua lakonnya, dan jumlahnya lebih dari 120, dimasukkan ke dalam repertoar berbagai teater metropolitan.

Drama oleh Guitry-son dengan jenaka, agak sinis dan dangkal, tetapi pada saat yang sama aksi menghibur selalu populer di kalangan sebagian besar masyarakat metropolitan, yang melihat teater hanya sebagai sarana hiburan.

Banyak karya dramatis Sasha Guitry yang dibangun di atas plot perzinahan dengan situasi yang mengasyikkan, berbagai macam absurditas yang lucu. Ini adalah dramanya At the Zoacs (1906), Scandal at Monte Carlo (1908), The Night Watchman (1911), Cemburu (1915), Suami, Istri dan Kekasih (1919), aku mencintaimu" (1919).

Selain itu, penulis naskah ini menulis sejumlah karya biografi disebut "biografi dramatis" - "Jean La Fontaine", "Debureau", "Pasteur", "Beranger", "Mozart", dll.

Pada tahun 1902, Sasha Guitry mendapatkan ketenaran sebagai aktor berbakat. Penampilannya di Teater Renaisans merupakan kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya. Tak lama kemudian, aktor tersebut mengembangkan gaya panggungnya untuk bekerja - gaya seni yang ringan dan menyenangkan, cukup otentik dan mengasyikkan, memberikan kesempatan kepada penonton untuk bersenang-senang di teater.

Sasha Guitry paling terkenal karena peran penggoda menawan dalam dramanya sendiri: dia menampilkannya dengan sedikit ironi, seolah-olah dari samping memandangi pahlawannya dengan licik.

Sebuah titik gelap pada reputasi Guitry-son meletakkan kerjasama dengan Nazi selama Perang Dunia Kedua. Pada tahun 1945 dia dipenjara, tetapi segera dia dibebaskan dan melanjutkan pekerjaannya sebagai penulis naskah.

Pada tahun 1949, Guitry menulis dua drama - "Toa" dan "You Saved My Life", yang ditayangkan beberapa saat kemudian di Variety Theater. Pada tahun 1951, di atas panggung teater yang sama, pemutaran perdana "Madness" oleh Sasha Guitry berlangsung, yang pada saat itu terbawa oleh bioskop (ia memainkan beberapa peran dalam film tahun 1950-an).

Benteng panggung akademik pada paruh pertama abad ke-20 masih merupakan Comedie Francaise yang sama dengan prinsip panggung tradisional dan repertoar klasiknya. Keadaan ini berkontribusi pada transformasi terbesar teater negara bagian Prancis menjadi semacam museum-teater, yang menentang teater boulevard populer, di satu sisi, dan aspirasi inovatif dari sebagian besar tokoh teater, di sisi lain.

Periode 1918 hingga 1945 dalam sejarah Comedie Francaise biasanya dibagi menjadi tiga tahap. Yang pertama, dari tahun 1918 hingga 1936, dipimpin oleh administrator umum Emile Fabre, yang kedua, dari tahun 1936 hingga 1940, ditandai dengan karya aktif Edouard Bourdet, yang ketiga, dari tahun 1940 hingga 1945, ditandai dengan karya pertama Jacques Copeau, dan kemudian Jean Louis Vaudoyer.

Semua pemimpin Comédie Francaise berusaha untuk menjaga teater pada level "panggung teladan", namun, ide dan pencarian sosial baru di bidang seni pertunjukan terus merambah ke kehidupan batin teater.

Pada tahun 1921, sutradara Georges Berr mencoba menampilkan kembali Molière's Tartuffe di atas panggung Comédie Francaise: aksi drama tersebut, yang berlangsung sekarang di rumah Orgon, sekarang di jalan, sekarang di taman, menghancurkan prinsip yang berlaku sebelumnya. kesatuan tempat, dan juga mengabaikan kesatuan waktu.

Meski demikian, sang sutradara gagal mengisi karya klasik tersebut dengan konten baru yang sesuai dengan semangat zaman. Alhasil, pengalaman Burr tidak dikembangkan dalam produksi teater selanjutnya.

Pada akhir tahun 1933, E. Fabre mementaskan Coriolanus karya Shakespeare di Comédie Francaise. Pertunjukan yang membangkitkan asosiasi dengan realitas modern (kemenangan Nazi di Jerman) mendapatkan popularitas yang luar biasa. Ini sebagian besar disebabkan oleh penampilan luar biasa dari aktor utama Rene Alexander (1885-1945) dan Jean Herve (1884-1962), yang menafsirkan citra penguasa Romawi yang lalim Coriolanus dengan cara yang berbeda.

Penulis drama terkenal, penulis banyak "comedies of manners" Edouard Bourde, yang menggantikan Emile Fabre yang tidak kalah terkenal sebagai kepala "Comedy Francaise", sangat menyadari bahwa teater Prancis tertua perlu memperbarui repertoar, memperkenalkannya ke masalah akut zaman kita.

Untuk mengatasi masalah ini, tokoh seni teater tingkat lanjut, pendukung teater realistik, sutradara Jacques Copeau dan murid-muridnya, pendiri Kartel Empat, Charles Dullin, Louis Jouvet, dan Gaston Baty, diundang ke Comédie Francaise.

Sutradara terkenal, aktor, guru teater, penulis sejumlah karya teoretis tentang teater, Jacques Copeau, berusaha menyesuaikan repertoar klasik teater tertua dengan realitas modern. Ia ingin menafsirkan kembali gagasan utama karya Molière, Racine, putra Dumas dan lain-lain.

Bekerja pada tahun 1937 pada produksi "Bayazet" Racine, Copeau mengajari para aktor pelafalan yang lebih terkendali, bebas dari merdu yang berlebihan dan pada saat yang sama tidak merusak keindahan syair Racine.

Pemandangan dan kostum bergaya, ucapan para aktor, yang menunjukkan tidak hanya keterampilan pertunjukan, tetapi juga kemampuan untuk mengekspresikan perasaan mendalam dari karakter mereka - semua ini membuktikan perkembangan tren baru dalam seni tradisional teater Comedie Francaise .

Pementasan The Misanthrope karya Molière juga terdengar dengan cara baru. Daya tarik Copeau untuk mahakarya terbaik Prancis dan klasik dunia memungkinkan untuk sepenuhnya menunjukkan fakta bahwa seni klasik, yang dibebaskan dari klise yang sudah mapan, merupakan bagian integral dari warisan spiritual setiap negara.

Pada saat yang sama, sebagian dari aktor teater mencoba melestarikan repertoar tradisional, menampilkan pertunjukan yang hanya menunjukkan keterampilan profesional para aktor. Di antara produksi tersebut adalah Phaedra Racine, School of Husbands Molière, Denise putra A. Dumas, dan beberapa lainnya.

Pengikut J. Copeau, yang memimpin arah ketiga dalam pencarian kreatif Comédie Francaise, mengungkapkan keinginan untuk menjadikan teater tertua di Prancis sebagai faktor penting dalam perjuangan sosial.

Nah, atas prakarsa Gaston Baty, beberapa pertunjukan dipentaskan di atas panggung Comédie Francaise. Diantaranya adalah "Candlestick" karya A. Musset (1937) dan "Samum" karya A. R. Lenormand (1937). Pertunjukan ini adalah langkah selanjutnya menuju gaya akting baru, berkontribusi pada pengenalan akting dengan penemuan teater psikologis.

Charles Dullin mempersembahkan komedi Beaumarchais The Marriage of Figaro (1937) dengan cara baru di atas panggung Comédie Française. Dalam pementasan ini, para aktor berhasil menunjukkan tidak hanya keahlian mereka yang tinggi, tetapi juga mengungkap lapisan sosial dan psikologis yang dalam dari lakon tersebut.

Pementasan "Ilusi Komik" oleh P. Corneille, yang dilakukan atas prakarsa Louis Jouvet pada tahun 1937, merupakan upaya untuk menganalisis benturan antara filistin dan kesadaran kreatif, keinginan untuk memuliakan profesi akting.

Namun, produksi tersebut ternyata kurang berhasil dibandingkan dengan karya Bathy dan Dullen, karena para aktornya berusaha untuk menunjukkan keahlian profesionalnya daripada memenuhi tugas yang ditetapkan oleh sutradara. Namun, bekerja dengan Jouvet tidak luput dari perhatian tim Comédie Francaise. Para aktor menyadari sepenuhnya kebutuhan untuk membawa seni teater lebih dekat ke masalah intelektual saat itu.

Masa tersulit dalam aktivitas Comedie Francaise adalah tahun-tahun pendudukan Paris. Mengatasi kesulitan, para aktor teater berusaha mempertahankan profesionalisme yang tinggi, dan di samping itu, dalam penampilan mereka berusaha untuk menunjukkan ide-ide humanistik, keyakinan pada manusia dan martabatnya.

Selama tahun-tahun perang, karya klasik kembali menjadi dasar repertoar Comedie Francaise, tetapi pengaruh waktu terasa dalam produksinya. Maka, Jean Louis Barraud dalam Kornelev's Side (1943) menampilkan Rodrigo sebagai sosok yang berhasil menjaga keteguhan jiwa dalam kondisi sulit.

Bersama karya klasik, komposisi penulis drama modern dimasukkan dalam repertoar Comédie Francaise. Di antara mereka, drama P. Claudel "The Satin Slipper" (1943) menikmati kesuksesan terbesar, terdengar di ibu kota Prancis yang diduduki sebagai seruan untuk bertindak. Meski demikian, teater tertua di Paris ini tetap menjadi benteng tradisi panggung nasional.

Pada paruh pertama abad ke-20, faktor terpenting dalam kehidupan artistik Prancis adalah seni avant-garde, yang menentang realitas modern dan norma ideologis, moral, dan estetika yang melekat padanya.

Avant-garde teater Prancis ternyata sangat heterogen: termasuk surealis yang menolak tradisi mapan (G. Apollinaire, A. Artaud), dan tokoh teater rakyat yang memproklamasikan cita-cita demokrasi (F. Gemier, A. Lessuer, yang dibuka pada tahun 1936 di gedung Teater Sarah Bernard People's Theatre), dan pendukung seni realistik (J. Copeau dan pendiri Kartel Empat).

Peran khusus dalam kehidupan sastra Prancis pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 dimainkan oleh penulis, penyair, dan penulis naskah berbakat Wilhelm Apollinaris Kostrovitsky (1880-1918), yang dikenal dengan nama samaran Guillaume Apollinaire. Pria ini memasuki sejarah teater Prancis sebagai pendiri surealisme - salah satu tren seni modernis.

Guillaume Apollinaire lahir di Roma, dalam keluarga bangsawan Polandia dari keluarga tua. Belajar di perguruan tinggi terbaik di Monako dan Cannes memungkinkan pemuda itu memperoleh basis pengetahuan yang diperlukan. Terbawa oleh aktivitas sastra, setibanya di Nice, Guillaume yang berusia tujuh belas tahun mulai menerbitkan surat kabar tulisan tangan, The Avenger, dengan puisi dan lelucon karangannya sendiri.

Pada tahun 1900, komedi satu babak pertama Apollinaire, The Escape of a Guest, dirilis; tiga tahun kemudian, karya berikutnya dimulai - drama syair Breasts of Tiresias, selesai hanya 14 tahun kemudian, pada tahun 1917.

Dalam mahakarya sastra dan dramatisnya, Apollinaire menentang penggambaran naturalistik dari realitas sekitarnya, melawan "keindahan halus" dari produksi simbolis. Menurutnya, dalam menafsirkan berbagai fenomena, akan lebih diinginkan untuk menampilkan bukan “sepotong kehidupan”, melainkan “drama umat manusia” secara umum.

Orientasi satir-badut dari dramaturgi Apollinaire kemudian terungkap dalam karya banyak penulis drama terkenal abad ke-20, termasuk karya J. Cocteau, J. Giraudoux, A. Adamov.

Namun, seruan penulis untuk mengatasi realitas yang ada dianggap oleh banyak seniman modernis sebagai penolakan terhadap kehidupan nyata dan keinginan untuk terjun ke alam bawah sadar.

Di arah inilah Antonin Artaud bekerja. Dia bercita-cita dalam artikel teoretis dan manifestonya, digabungkan dalam buku "The Theater and its Double" (1938), dan karya puitis Teater Alfred Jarry (bersama dengan Roger Vitrac) untuk membangun seni teater, yang seperti ritual keagamaan atau misteri, dapat berdampak besar pada alam bawah sadar manusia.

Eksperimen panggung Artaud tidak berhasil karena menunjukkan ketidaksesuaian ketentuan utama surealisme dengan praktik langsung seni teater.

Yang patut diperhatikan secara khusus adalah aktivitas Kartel Empat, yang telah dijelaskan secara singkat di atas. Ide penciptaannya lahir pada tahun 1926 oleh tokoh teater progresif yang memimpin teater muda metropolitan, Ch.Dullen, L. Jouvet, G. Baty dan J. Pitoev, pada tahun 1926.

Deklarasi "Kartel", yang ditandatangani oleh para anggotanya pada Juli 1927, menetapkan kebutuhan untuk membuat satu aparatur administrasi untuk mengelola semua teater Prancis, dan juga menyebutkan bantuan timbal balik kreatif yang diperlukan untuk menentang teater tradisional dan komersial.

Menuju teater dengan prinsip estetika yang berbeda, para anggota "Kartel" tetap berhasil menemukan titik temu - kesedihan kreativitas yang realistis dan pandangan dunia yang demokratis. Berkat kesamaan pandangan dunia, Kartel Empat berhasil bertahan dalam kondisi keras di paruh pertama abad ke-20 dan memainkan peran luar biasa dalam perkembangan seni panggung Prancis pada periode ini.

Aktor dan sutradara terkemuka Charles Dullin (1885-1949), yang dididik di rumah dan kemudian memahami "ilmu kehidupan" di Lyon, mulai tampil di atas panggung pada tahun 1905. Saat itulah dia memulai debutnya di teater kecil "Kelinci gesit", tidak diketahui masyarakat umum.

Dua tahun kemudian, Dullin masuk ke Teater Antoine Odeon, di mana dia mulai memahami rahasia penguasaan teater baru, dan pada tahun 1909 dia bergabung dengan kelompok akting Teater Seni. Gambar luar biasa pertama dari Dullen, yang dibuat di atas panggung teater ini, adalah Smerdyakov dalam The Brothers Karamazov karya Dostoevsky. Peran ini menandai akhir dari magang aktor.

Bakat Charles diperhatikan oleh aktor dan sutradara luar biasa J. Copeau. Pada tahun 1913, dia mengundang seorang aktor muda ke "Teater Dovecote Tua" -nya. Produksi The Brothers Karamazov juga sukses besar di sini. Yang tak kalah sukses adalah peran Harpagon dalam The Miser karya Molière, sang aktor berhasil mengungkap sepenuhnya kedalaman psikologis dan kompleksitas citra yang diwujudkan.

Gagasan Copeau tentang misi spiritual teater yang luhur selaras dengan jiwa Düllen. Namun, tidak seperti gurunya yang terkenal, Charles juga terpesona oleh ide-ide teater rakyat, yang menjadi alasan pemindahannya ke rombongan Firmin Gemier.

Pada saat yang sama, Dullin bermimpi membuat teaternya sendiri, yang dibuka pada tahun 1922. Berbagai pertunjukan dipentaskan di panggung “Atelier”, demikian sutradara menyebut gagasannya, beberapa di antaranya ditulis khusus untuk teater ini (“Maukah kamu bermain denganku” oleh M. Ashar dan lainnya).

Hampir semua lakon yang dipentaskan di atas panggung "Atelier" ternyata mendekati kenyataan. Ini adalah "Volpone" oleh B. Jones dengan Dullen dalam peran judul, "Burung" oleh Aristophanes ditafsirkan oleh B. Zimmer, "Muss, atau Sekolah Kemunafikan" oleh J. Roman dan lainnya.

Secara bertahap, Charles Dullin mengembangkan sistem pedagogisnya sendiri, berdasarkan pelatihan para aktor dalam proses pertunjukan improvisasi. Berkat ini, tidak hanya kata-kata dari peran yang dipahami, tetapi juga gambar secara keseluruhan, pahlawan muncul di hadapan pemain sebagai orang yang hidup, sebagai hasilnya, aktor menjadi karakter.

Melihat kunci sukses dalam penguasaan teknik akting yang prima, Dullen memberikan perhatian khusus pada pelatihan para pemain muda. Dari "Atelier" sutradara ini muncul seluruh galaksi tokoh panggung yang luar biasa - M. Jamois, M. Robinson, J. Vilar, J. L. Barro, A. Barsak, dan lainnya.

Produksi lakon A. Salacru "Bumi itu Bulat" adalah karya terakhir Dullen di Atelier. Pada tahun 1940, setelah menyerahkan gagasannya kepada Andre Barsac, master tua itu mulai bekerja di teater yang menerima subsidi dari negara - di Theater de Paris dan Theater de la Cité ( bekas Teater Sarah Bernard).

Dullin mengelola yang terakhir hingga tahun 1947, di atas panggung teater ini drama eksistensialis karya J. P. Sartre "The Flies" dipentaskan. Ke depan sutradara banyak melakukan tur, kali ini ia mementaskan lakon A. Salacru "The Lenoir Archipelago", di mana Dullin memainkan peran utama.

Tahun-tahun terakhir karya Dullen ditandai dengan penyimpangan dari masalah etika dan moral yang biasa dan kesadaran akan fungsi politik dan sosial teater. Realisme sutradara menjadi semakin intelektual, dan pengaruh penampilannya terhadap hati dan pikiran penonton terlihat jelas.

Tokoh yang tak kalah menonjol dalam kehidupan teatrikal Prancis saat itu adalah Louis Jouvet (1887-1951). Ia mulai mengikuti kelas teater saat masih belajar di Universitas Paris.

Seperti rekannya di Kartel, Louis pertama kali tampil di panggung teater kecil yang kurang dikenal di pinggiran kota, tetapi klise panggung dan tradisi teater lama tidak dapat memuaskan aktor berbakat itu.

Pada tahun 1911, Jouvet menjadi anggota Théâtre des Arts milik Jacques Roucher. Di sini dia bertemu Dullen dan Copeau, serta penampilan debutnya di The Brothers Karamazov (peran Zosima yang lebih tua).

Pada tahun 1913, Louis mulai bekerja di "Teater Dovecote Tua" Copeau; peran Andrew Agjuchik dalam Twelfth Night karya Shakespeare, Geronte dalam Rogues karya Scapin, dan Sganarelle dalam The Unwilling Doctor karya Molière membawa ketenaran aktor berbakat itu.

Di masa mudanya, Jouvet terutama berperan sebagai orang tua, yang dijelaskan oleh keinginannya untuk mempelajari seni reinkarnasi. Gambar-gambar yang dia ciptakan selama periode kreativitas ini ternyata sangat hidup, pada saat yang sama karakter teater yang terus terang muncul di hadapan penonton.

Jouvet mengambil alih dari Copeau sikapnya terhadap teater sebagai sarana untuk memahami kehidupan dan manusia. Sudah di tahun 1920-an, dia meninggalkan teater eksternal yang ditekankan dari gambar-gambar yang dibuat. Menampilkan esensi batin sang pahlawan, konten intelektualnya - ini adalah tugas yang ditetapkan aktor itu sendiri.

Dari tahun 1922 hingga 1934, Jouvet memimpin tim Comedy of the Champs Elysees, setelah itu dia pindah ke Antey, yang dia pimpin hingga hari-hari terakhir hidupnya.

Salah satu produksi paling sukses dari sutradara ini, kritikus teater berjudul "Knock, or the Triumph of Medicine" oleh J. Roman. Jouvet, yang memerankan Knock dengan kostum modern dan praktis tanpa riasan, berhasil menciptakan citra misanthrope yang mengesankan, pendukung ideologi fasis.

Dalam produksi Jouvet, setiap detail membawa muatan semantik tertentu, yaitu mise-en-scene yang disesuaikan secara ketat dan karakter panggung yang ditentukan dengan tajam menentukan gaya pementasan. Pada tahun 1928, Jouvet berkolaborasi dengan penulis drama Prancis terkemuka J. Giraudoux dengan pementasan drama Siegfried. Hasil dari pekerjaan mereka selanjutnya adalah pementasan lakon "Tidak akan ada Perang Troya", yang, seperti "Knock", mengandung firasat suram tertentu. Adegan didominasi oleh dua warna - putih dan biru, penonton disuguhkan dengan karakter-ide yang memimpin perjuangan intelektual di antara mereka sendiri.

Bahkan dalam lakon klasik, Jouvet berhasil menonjolkan permulaan intelektual mereka. Misalnya, Arnolf dalam "School of Wives" karya Moliere tampil sebagai seorang pemikir yang konsep filosofisnya dikalahkan dalam perjuangan dengan kehidupan nyata, dan Don Giovanni dalam lakon dengan nama yang sama adalah seorang pria yang kehilangan kepercayaan pada segala hal. Penemuan teater Louis Jouvet menjadi dasar perkembangan teater intelektual di Prancis.

Awal aktivitas teatrikal aktor dan sutradara terkemuka Gaston Baty (1885-1952) dimulai pada tahun 1919, saat ia berkenalan dengan Firmin Gemier dan penandatanganan kontrak pertama. Baty, yang menarik perhatian murid terkenal Andre Antoine, mendapat pekerjaan sebagai sutradara, dia dipercaya untuk mementaskan "Great Pastoral" oleh C. Elem dan P. D'Estoc dan sejumlah cerita rakyat di Winter Circus dari Paris.

Beberapa bulan kemudian, Bati menjabat sebagai direktur teater Comedy Montaigne. Dari lima penampilan yang dia bawakan di panggung ini, "Samum" karya Lenormand adalah yang paling terkenal. Drama ini mengungkap tren utama dalam karya sutradara, khususnya keinginan untuk menemukan dalam tragedi itu karakter utama dari makna religius dan filosofis, yang diduga menjadi ciri khas realitas modern.

Pada musim gugur 1921, setelah membuka Teater Chimera miliknya sendiri, Bati menerbitkan tiga artikel yang menjelaskan prinsip-prinsip etika dasar dalam membangun institusi baru (Kuil Teater, Drama yang Membutuhkan Reformasi, Yang Mulia Firman).

Publikasi ini memungkinkan para kritikus menyebut Gaston Baty sebagai "seorang Katolik idealis dan militan". Mengedepankan slogan "Renovasi teater adalah pembebasannya dari dominasi sastra", sutradara seolah-olah menantang tradisi Comedy Francaise dan teater boulevard yang telah berusia berabad-abad.

Pada tahun 1930, Baty ditugaskan untuk memimpin tim Montparnasse. Produksi pertama sutradara - "The Threepenny Opera" oleh B. Brecht dan K. Weill - ternyata cukup sukses dan langsung masuk repertoar teater.

Pada tahun 1933, Bati mempersembahkan karya barunya, Kejahatan dan Hukuman oleh Dostoevsky, kepada hadirin. Tanpa menyembunyikan ketertarikannya pada aspek religius dari karya tersebut, sang sutradara sekaligus memperhatikan kepribadian manusia.

Perjuangan seseorang, atas namanya, menjadi penentu dalam interpretasi beberapa gambar, khususnya Sonya Marmeladova (Margaret Jamois). Kemenangan pahlawan wanita atas Porfiry Petrovich (Georges Vitray), juru bicara konsep negara manusia, serta realisasi Raskolnikov (Lucien Nata) tentang kekeliruan keyakinannya, ditampilkan sebagai kemenangan cita-cita humanistik. Gagasan serupa disuarakan dalam lakon "Madame Bovary" (1936).

Cita-cita humanistik Bati mendapat orientasi sosial yang tajam menjelang dan selama Perang Dunia Kedua. Pada tahun 1942, di kota yang diduduki, sutradara mementaskan Macbeth. Menurut Bati, lakon yang menceritakan tentang nasib seorang pahlawan yang ambisius ini sepenuhnya sesuai dengan semangat masa itu, ia yakin akan kemenangan keadilan.

Pendiri keempat "Kartel", Georges Pitoev (1884-1939), adalah penduduk asli Tiflis. Pada tahun 1908, setelah lulus dari Universitas Moskow, Institut Komunikasi St. Petersburg dan Universitas Praha, Pitoev menjadi dekat dengan teater aktris terbesar Rusia V.F.F. Skarskoy.

Pada tahun 1912, Georges membuka Teater Kami di St. Petersburg, di mana sejumlah drama oleh penulis Rusia dan asing dipentaskan. Dua tahun kemudian, Pitoev meninggalkan Rusia, dengan demikian mengakhiri masa hidup dan pekerjaannya di Rusia. Di Paris, Georges bertemu dengan aktris berbakat Lyudmila Smanova, yang segera menjadi istrinya.

Selama tujuh tahun (1915-1922), keluarga Pitoev tampil di panggung teater Swiss, khususnya di Plainpalais, yang repertoarnya mencakup karya L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky, Ibsen, Bjornson, Maeterlinck, Shaw, dan lain-lain. inisiatif Pitoev, Shakespeare's Hamlet, Macbeth dan Measure for Measure dipentaskan di teater, yang sukses besar.

Pada bulan Desember 1921, keluarga Pitoev menerima undangan dari pengusaha terkenal, pemilik Teater Champs-Elysées Jacques Heberteau, untuk bekerja secara permanen di Prancis. Segera pasangan itu pindah ke Paris dan pada Februari 1922 membuka teater mereka sendiri.

Di antara produksi yang dilakukan oleh Pitoev di ibu kota Prancis, "Paman Vanya" dan "Burung Camar" Chekhov sangat populer. Dekorasi mereka agak sederhana: tirai beludru tebal memisahkan bagian depan panggung dari belakang. Kritikus mencatat kemampuan sutradara untuk menyampaikan keindahan dan puisi dari mahakarya dramatis, untuk menekankan psikologi mendalam dari peristiwa yang terjadi di atas panggung.

Banyak yang memuji Pitoev karena menemukan Chekhov untuk publik Prancis, dengan demikian meletakkan dasar bagi tren baru Chekhovian dalam seni panggung Prancis. Sutradara yang bekerja ke arah ini berusaha menunjukkan lapisan yang dalam kehidupan manusia mengungkap jalinan rumit hubungan manusia.

Georges Pitoev bukan hanya sutradara yang luar biasa, tetapi juga pemain peran yang luar biasa dalam drama Chekhov. Gambar yang dia buat ternyata sangat organik dan manusiawi. Kritikus mengenali Astrov di Paman Vanya dan Treplev di The Seagull sebagai peran Chekhovian paling sukses dari aktor ini.

Perlu dicatat bahwa penampilan cerah Zh.Pitoev (kurus, agak bersudut, dengan rambut biru kehitaman, topi membingkai wajah besar pucat, di mana alis hitam menggantung di atas mata besar yang bijaksana) memungkinkannya bermain secara praktis tanpa riasan .

Paruh kedua tahun 1920-an ditandai dengan munculnya tren baru dalam karya Georges Pitoev yang pada saat itu dipengaruhi oleh berbagai tren seni. Ini terwujud dalam banyak produksi: misalnya, dalam Hamlet (1926), protagonis tampil sebagai orang yang lemah, tidak mampu bertarung, ditakdirkan untuk kalah di dunia nyata.

Drama Chekhov, Three Sisters, yang dipentaskan di Teater Georges Pitoev pada tahun 1929, ditafsirkan dengan cara yang sama. Upaya sia-sia dari Prozorov bersaudara untuk keluar dari rutinitas kehidupan provinsi yang membosankan berubah menjadi tragedi, yang nafasnya terasa dalam segala hal - baik dalam pemandangan pertunjukan maupun dalam permainan para aktor yang menyedihkan. Dengan demikian, tragedi keberadaan manusia dikedepankan dalam lakon itu.

Tahun-tahun terakhir kehidupan Pitoev dipenuhi dengan kesedihan dalam pelayanan publik. Pada tahun 1939, sutradara yang sakit parah itu mementaskan lakon Ibsen Enemy of the People.

Pemandangan yang tegas dan kostum modern yang digunakan dalam pertunjukan ini tidak mengalihkan perhatian penonton dari aksi yang berlangsung di atas panggung, dan Dr. Stockman yang diperankan oleh Pitoev memberikan kesan yang tak terhapuskan. Pahlawan tampil sebagai individualitas kreatif yang cerah, pengkhotbah kebesaran tiga komponen - Alasan, Kebenaran dan Kebebasan.

Kontribusi khusus untuk perkembangan teater Prancis diberikan oleh Lyudmila Pitoeva (1895-1951), istri sutradara terkenal. Perkenalannya dengan seni pertunjukan terjadi di Rusia. Setelah mendapat keterampilan akting di negara ini, Lyudmila terus meningkatkannya di Prancis.

Seorang aktris pendek, ramping, dan rapuh dengan mata ekspresif yang besar pada wajah yang bergerak membuat penonton terkesan dengan permainannya yang tanpa seni. Setiap citra yang diwujudkannya di atas panggung adalah kepribadian yang cerah, memandang dengan kasihan pada dunia di sekitarnya yang penuh dengan tragedi.

Pada tahap awal karir aktingnya, Lyudmila Pitoeva berusaha untuk mempersembahkan kepada publik pahlawan wanita yang penuh harmoni dan kemurnian spiritual; seperti Ophelia-nya di Hamlet Shakespeare, Sonya di Paman Vanya Chekhov.

Namun, peran paling penting dari aktris berbakat itu adalah Jeanne d'Arc dalam "Saint John" Shaw. Keputusasaan diekspresikan dalam seluruh penampilan pahlawan wanita L. Pitoeva yang ditinggikan dan terlalu sensitif. Gambar Irina dari The Three Sisters dipenuhi dengan firasat bencana yang akan segera terjadi.

Baru pada paruh kedua tahun 1930-an, aktris itu kembali berperan sebagai pahlawan wanita yang percaya akan masa depan yang lebih baik. Banyak kritikus teater menyebut Nina Zarechnaya karya Lyudmila Pitoeva dalam produksi baru tahun 1939 sebagai "rasul harapan".

“Aktris Prancis yang paling kurus dan kompleks,” menurut A. V. Lunacharsky, adalah Suzanne Despres (Charlotte Bouvalle) (1874-1951). Dia dilahirkan dalam keluarga seorang dokter, dan, tampaknya, tidak ada yang meramalkan nasibnya sebagai seorang aktris.

Kenalan dengan sutradara O.M. Lunye Poe mengubah hidup Susanna secara dramatis. Pada tahun 1893, dia menikah dengan pria ini, dan setahun kemudian dia memulai debutnya di panggung teater Parisian Evre, di mana dia menjadi sutradara dan direktur utamanya.

Pada tahun yang sama, aktris muda itu masuk ke Paris Conservatory, di kelas G.I. Worms. Setelah menyelesaikan studinya, Suzanne Deprez kembali ke panggung Evra, di mana dia membuatnya sendiri gambar terbaik: Hilda dalam Solnes the Builder, Solveig dalam Peer Gynt dan Rautendelein dalam The Sunken Bell. Bagi orang-orang sezaman, Suzanne Despres adalah salah satu penampil peran terbaik dalam drama G. Ibsen.

Tempat penting dalam dramaturgi Prancis pada paruh pertama abad ke-20 ditempati oleh aktivitas yang disebut penulis perbendaharaan, yang karyanya dicirikan oleh liputan komedi tentang peristiwa kehidupan modern. Salah satu perwakilan paling menonjol dari tren ini adalah seorang penulis dan penulis naskah berbakat Jacques Deval(Bularan) (1890-1971).

Jacques lahir dan dibesarkan dalam keluarga akting yang besar. Dia mulai tampil di atas panggung cukup awal, tetapi ini hanya peran amatir kecil. Pada tahun 1920, Deval memulai debutnya di Teater Femina tidak hanya sebagai aktor profesional, tetapi juga sebagai salah satu sutradara komedi The Weak Woman.

Jacques Deval semakin populer setelah menulis sejumlah drama komedi yang termasuk dalam repertoar grup teater terbaik di Prancis pada periode itu.

Jadi, di panggung teater "Monte Carlo", "Comédie-Comartin" dan "Athenay" lakon "Devil's Beauty" (1924), "Imaginary Lover" (1925), "September Rose" (1926), "Deboche "(1929), "Mademoiselle" (1932) dan "Doa untuk Kehidupan" (1933) (dua drama terakhir berlangsung di lingkaran rumah yang sempit).

Karya-karya J. Deval, dibedakan oleh humor yang agak kasar dan berat, memiliki kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya di kalangan filistin. Pada saat yang sama, tokoh-tokoh teater yang serius membuat komedi Devalev mendapat kritik tajam karena banyak ajaran, selalu merupakan akhir yang bahagia dari drama, yang plotnya didasarkan pada hubungan cinta para karakter.

Untuk menyenangkan selera publik yang berpendidikan rendah, drama Ventos dan Kamerad ditulis: yang pertama, penulis mencoba menampilkan para pendukung demokrasi sebagai anarkis dan perusak kehidupan; lakon kedua adalah karikatur orang Rusia, yang diduga berduka atas nasib keturunan keluarga kekaisaran Rusia.

Pada tahun-tahun pascaperang, melanjutkan tradisi karya awalnya, J. Deval mengerjakan pembuatan banyak komedi dan vaudeville ringan, yang plotnya didasarkan pada petualangan ceria para petualang pemberani dan pelacur cantik. Pertunjukan Jumping Girl (1957) dan Romancero (1957), dipentaskan menurut karya dengan nama yang sama Jacques Deval.

Paruh kedua abad ke-20 ditandai dengan semakin populernya karya penulis drama berbakat di Rusia. Pada pertengahan 1950-an, Doa untuk Kehidupan dipentaskan di Teater Seni Moskow, dengan aktor terkenal Rusia Bersenev dan Giatsintova memainkan peran utama.

Pada tahun 1957, Deval mulai berkolaborasi dengan Teater Drama Leningrad. A. S. Pushkin dan Teater Moskow. M. N. Ermolova. Sekitar waktu yang sama, penulis drama Prancis mulai bekerja di bioskop, menulis sejumlah naskah, dan membuat beberapa produksi film independen.

Seiring dengan repertoar, dramaturgi avant-garde dikembangkan secara luas pada paruh pertama abad ke-20, perwakilan yang paling menonjol di antaranya adalah Jules Romawi(1885-1966), penulis sejumlah drama satir sosial yang tajam ("Knok, atau Triumph of Medicine", "Monsieur Le Truadec bersenang-senang", "The Marriages of Le Troadec", dll.), serta pencipta karya dua puluh jilid "People of Good Will" Charles Vildrac dan Jean-Richard Block.

Drama terbaik oleh penulis naskah berbakat, tokoh aktif dalam Perlawanan Prancis Charles Vildrak(1884-1971), kritikus teater berjudul "Steamboat Tenesity" (1919), yang menjadi fenomena penting dalam kehidupan teater negara.

Salah satu penulis drama pertama beralih ke topik generasi yang menderita perang dan tidak diperlukan di Prancis pascaperang. Tokoh utama lakon "Steamboat Tenesity", Bastian dan Segar, menentang masyarakat modern yang dibangun di atas kebohongan dan pengkhianatan.

Judul drama "Steamboat Tenesity" bersifat simbolis: Segar berangkat dengan kapal uap ketekunan dan ketekunan ke negeri yang jauh, di mana keluhan dan kekecewaan baru menunggunya.

Salah satu pendiri realisme Prancis di bidang seni teater dianggap sebagai penulis, penulis drama, humas, teater, dan tokoh masyarakat Prancis yang berbakat. Blok Jean-Richard (1884—1947).

Menjadi pendukung ide kreatif R. Rolland dan F. Gemier, Blok selama beberapa tahun aktif memperjuangkan terciptanya teater rakyat di Prancis. Dia meremehkan seni teater di akhir 1920-an dan awal 1930-an, yang sebagian besar menghibur.

Maka, dalam buku "The Fate of the Theater" (1930), penulis naskah berperan sebagai pengungkap seni kontemporer yang bersemangat, di sini muncul seruan untuk mementaskan lakon di atas panggung dengan konten relevan yang membangkitkan "pemikiran dan hasrat besar" dalam penonton.

Jean-Richard Blok memasuki dunia sastra sebagai orang yang utuh: pada tahun 1910 ia menulis lakon "The Restless", yang 12 bulan kemudian dipentaskan di teater Odeon di ibu kota. Penayangan perdana yang sukses memaksa tim Odeon untuk kembali ke penulis naskah dengan permintaan untuk membuat drama baru.

Pada tahun 1936, teater tersebut menampilkan drama sejarah Blok kepada publik dengan judul " Kaisar terakhir"(1919-1920) disutradarai oleh F. Gemier. Drama karya penulis naskah berbakat ini kemudian dimasukkan ke dalam repertoar Teater Rakyat Nasional di Trocadero, kemudian pertunjukan tersebut dipertunjukkan di panggung teater Jenewa dan Berlin.

Pada awal 1930-an, Jean-Richard Blok mengerjakan libretto pertunjukan balet dan opera, yang sudah ada beberapa lusin pada akhir dekade ini. Selain itu, penulis naskah mengambil bagian dalam pengorganisasian dan pekerjaan selanjutnya dari Teater Rakyat, dibuka di Paris pada tahun 1935.

Blok secara pribadi hadir pada gladi resik pementasan berdasarkan karyanya, menyaksikan para aktor bermain dan memberikan nasehat yang bermanfaat. Berkat kerja aktif dari penulis drama terkenal, pada tahun 1937, publik Paris melihat pertunjukan rakyat massal "The Birth of a City" di lokasi velodrome musim dingin.

Selama tahun-tahun pendudukan, J. R. Blok, bersama dengan A. Barbusse, R. Rolland dan beberapa tokoh progresif Prancis lainnya, menjadi bagian dari serikat anti fasis.

Pada tahun 1941 ia terpaksa meninggalkan negara itu dan menetap di Uni Soviet. Empat tahun yang dihabiskan di sini ternyata sangat bermanfaat: drama patriotik A Search in Paris (1941) dan Toulon (1943), yang mencerminkan peristiwa kehidupan nyata dan kemudian dipentaskan di panggung banyak teater, mendapat tanggapan hangat di hati dan jiwa-jiwa zaman orang-orang maju. Pada tahun 1950, Jean-Richard Blok dianugerahi Medali Emas Dunia secara anumerta.

Tidak kalah populer dari penulis naskah yang disebutkan di atas, selamat menikmati Andre Gide(1869-1951) - seorang penulis simbol Perancis berbakat, Hadiah Nobel dalam Seni (1947).

Di dunia sastra, namanya mulai dikenal sejak tahun 1891. Andre menulis beberapa karya pendek yang menampilkan citra orang yang sombong dan mencintai kebebasan yang membenci masyarakat modern, menempatkan kepentingan pribadi di atas negara.

Kelanjutan dari tema ini adalah lakon "Saul" (1898) dan "Raja Kandavl" (1899), di mana pengarangnya menangkap gambar-gambar aneh dari para tiran yang kejam dan perwakilan rakyat jelata. Sindiran tajam pada realitas modern dijiwai dengan karya André Gide lainnya.

Salah satu karya paling sukses, menurut penulisnya sendiri, adalah lakon "Philoctetes", yang dirilis pada tahun 1899, dipentaskan dua dekade kemudian di atas panggung salah satu teater ibu kota.

Namun, prinsip individualisme dan pemberitaan immoralisme terdengar paling jelas dalam karya penulis selanjutnya - novel The Immoralist (1902), Vatican Dungeons (1914) dan The Counterfeiters (1925).

Masa kejayaan karya A. Gide jatuh pada tahun 1930-an - 1940-an, selama periode inilah ia menciptakan sejumlah mahakarya dramatis - drama "Oedipus" (1930), libretto untuk simfoni dramatis "Persephone" (1934), dipentaskan di "Grand Opera" diiringi musik oleh Stravinsky dan lainnya.

Harapan pembebasan dari beban berat, yang terwujud jelas dalam karya-karya tahun 1930-an, digantikan oleh ramalan pesimistis dalam tulisan-tulisan periode selanjutnya. Penulis drama itu entah bagaimana mencoba untuk menerima kenyataan modern, tetapi, menyadari kesia-siaan dari upaya ini, dia jatuh ke dalam depresi berat.

Buku Return from the Soviet Union (1936) merupakan tanggapan atas peristiwa yang terjadi di Eropa, di mana penulis mencoba menganalisis ideologi fasisme yang tidak manusiawi.

Kebingungan spiritual, bahkan beberapa ketakutan akan kekuatan yang kuat yang bertambah berat di Eropa, terlihat jelas dalam lakon "Robert, atau Kepentingan Umum", yang ditulis oleh A. Gide pada tahun 1940 dan dipentaskan di atas panggung salah satu teater Paris enam. bertahun-tahun kemudian.

Karya terakhir penulis ("The Trial", 1947, dll.) Merupakan semacam interpretasi legenda dan plot kuno yang dipinjam dari sejarah kuno dan Alkitab. Mereka mengembangkan khotbah individualisme, yang melekat pada karya-karya dramatis awal pria ini.

Menjadi lawan dari "aspirasi patriotik publik dari penulis drama", André Gide berusaha keras untuk menciptakan seni "murni" yang tidak memengaruhi masalah zaman kita. Dengan banyaknya karyanya yang dikhususkan untuk keadaan drama modern (artikel "Tentang evolusi teater", dll.), Ia menyiapkan platform untuk pembentukan tren eksistensialis dalam seni teater dan sekolah "avant- teater garde".

Mungkin pencapaian tertinggi seni realistik Prancis adalah berkembangnya drama intelektual, yang menegaskan konsep kehidupan humanistik.

Di antara perwakilan terbaik dari genre ini, Armand Salacru, Jean Cocteau, Jean Anouille dan Jean Giraudoux (1882-1944) patut mendapat perhatian khusus. Penulis drama terakhir ini adalah penulis sejumlah karya yang menyentuh masalah sosio-filosofis yang penting: "Siegfried" (1928), "Amphitrion-38" (1929), "Judith" (1931), "Tidak akan ada Trojan War" (1935), " Elektra (1937), The Mad Woman of Chaillot (1942), Sodom and Gomora (1943) dan lain-lain. Dramatisasi drama ini sangat populer di kalangan publik Prancis.

Namun, salah satu karya terbaik tahun 1930-an disebut drama oleh orang-orang sezaman A.Salacru"Bumi itu Bulat" (1937). Mengambil sebagai dasar peristiwa sejarah yang menceritakan tentang kehidupan masyarakat Florentine pada tahun 1492-1498, penulis drama tunduk pada kritik tanpa ampun terhadap fanatisme agama, ketidaktahuan moral dan politik Florentines, dan pada saat yang sama perwakilan dari dunia modern. .

Kita berbicara tidak hanya tentang fanatisme agama, tetapi juga tentang penyembahan berhala lainnya, tanah subur yang menjadi kesadaran penduduk biasa, siap untuk mematuhi perintah apa pun yang diberikan kepada mereka.

Dengan besarnya bencana, penulis drama menyamakan perang dengan tirani dan fanatisme. Namun, Salacru membuat penonton percaya pada kemenangan kemajuan: berita tentang para pelaut yang telah berkeliling dunia sampai ke semua orang. Ini sekali lagi membuktikan kekeliruan pendapat penduduk fanatik.

Salacru mencurahkan sejumlah karya pada tahun-tahun perang (Marguerite, 1941; Betrothal in Le Havre, 1942) dan periode pasca perang (Nights of Anger, 1946; Lenoir Archipelago, 1945-1947; Boulevard Duran) untuk masalah pendirian nilai moral yang tinggi. , 1960; "Black Street", 1968, dll.). Dalam karya-karya ini, penulis naskah tetap setia pada cita-cita humanistik yang tinggi dan sikap kritisnya terhadap realitas modern.

Seorang penyair, penulis drama, sinematografer berbakat meninggalkan jejak nyata dalam kehidupan budaya Prancis di abad ke-20. Jean Cocteau(1889-1963). Setelah menjadi miliknya di antara penulis terkemuka Prancis, menjadi terkenal sebagai penyair dan novelis (Tom the Pretender, 1923; Anak Sulit, 1929), ia segera tertarik pada seni pertunjukan.

Salah satu yang pertama dalam karyanya, penulis drama ini beralih ke mitologi, yang memungkinkannya untuk melihat kembali realitas modern, untuk naik ke generalisasi filosofis yang tinggi. Pada tahun 1922, Cocteau menafsirkan tragedi Sophocles "Antigone", beberapa tahun kemudian ia mempersembahkan kepada publik adaptasi gratis dari tragedi "Oedipus Rex" (1925) dan "Orpheus" (1926).

Pada 30-an - 40-an abad ke-20, Cocteau terus mengerjakan interpretasi subjek mitologis. Penulisan drama The Infernal Machine (1932), The Knights of the Round Table (1937), Renault dan Armida (1941), The Double-Headed Eagle (1946), Bacchus (1952) termasuk dalam masa ini. Berbeda dengan karya-karya sebelumnya, motif baru terdengar di sini - keyakinan akan kemenangan keberanian dan stamina manusia.

Bersamaan dengan karya drama mitologis, Cocteau bekerja menciptakan karya yang mencerminkan keadaan realitas modern (Terrible Parents, 1938; Idols, 1940; Typewriter, 1941). Yang paling populer adalah miniaturnya, atau lagu-lagu yang dibawakan oleh Edith Piaf, Marianne Oswald, Jean Marais dan Bert Bovy yang terkenal (miniatur "The Human Voice", 1930, dll.).

Tempat penting dalam kehidupan kreatif Jean Cocteau ditempati oleh bioskop. Pada tahun 1930, menurut naskahnya, film "The Blood of the Poet" dipentaskan, namun hasil karya yang tidak memuaskan memaksa penulis skenario untuk beralih ke aktivitas penyutradaraan independen: pada tahun 1946 ia mempersembahkan film "Beauty and the Beast" kepada penonton, diikuti oleh “The Double-Headed Eagle” (1950), "Orpheus" (1958) dan "The Testament of Orpheus" (1960).

Selama beberapa dekade, penulis drama paling populer di Prancis adalah Jean Anouille(1910-1987). Memulai karir sastranya di awal tahun 1930-an, ia segera menjadi penulis terkenal. Masa kejayaan karyanya datang di tahun 30-an - 40-an abad XX. Pada tahun 1932, Anouilh menulis drama pertamanya berjudul "The Ermine", di mana motif menentang dua dunia kutub - kaya dan miskin - diutamakan. Beberapa bulan kemudian, balet komedi Ball of Thieves (1932) dihadirkan ke publik, yang plotnya didasarkan pada kisah cinta seorang gadis kaya dengan seorang pencuri.

Karya paling sukses dari periode awal kreativitas Anuy diakui oleh para kritikus sebagai "The Savage Woman" (1934). Dengan citra seorang gadis yang murni secara moral bernama Teresa, penulis naskah itu menandai pembukaan seluruh galeri karakter serupa, yang kemudian muncul di banyak karyanya.

Yang tak kalah populer dari "The Savage Woman" adalah drama yang menyentuh masalah keluarga dan moral. Salah satunya - "Suatu ketika ada seorang tahanan" (1935) - menceritakan tentang nasib seorang pahlawan yang dibebaskan dari penjara setelah lama menjalani hukuman sebagai orang baru, dan yang lainnya - "A Traveler Without Luggage" (1936) - menceritakan tentang nasib menyedihkan seseorang di dunia modern, yang ingatannya dibebani dengan kenangan perang.

Tahun-tahun Perang Dunia Kedua ditandai dengan dimulainya tahap baru dalam karya Jean Anouilh, yang ditandai dengan kekecewaan pahit terhadap cita-cita lama. Meski demikian, penulis naskah itu tidak kehilangan minatnya pada teater.

Pada tahun 1942, dua siklus drama, baik yang baru maupun yang dibuat sebelumnya, dirilis: koleksi pertama berjudul "Black Pieces" termasuk drama "Ermine", "Passenger without Luggage", "Savage" dan "Eurydice" (1941), yang menjadi semacam sekuel dari "The Wild Ones".

Koleksi kedua - "Pink Pieces" - ternyata tidak kalah menarik dari yang pertama; itu termasuk karya "Ball of Thieves", "Leocadia" (1939), "Date in Senlis" (1941).

Karya paling signifikan dari periode kreativitas Anuyev ini adalah lakon "Eurydice" dan "Antigone", yang ditulis dalam plot mitologis dan memengaruhi masalah zaman kita. Pengarang memusatkan seluruh perhatiannya pada benturan ideologis yang dalam dari para tokoh, sementara ia mengangkat realitas kehidupan ke tingkat masalah filosofis.

Pada tahun-tahun pascaperang, Anuy terus aktif bekerja. Sudah di awal 1950-an, koleksi barunya berjudul "Brilliant Pieces" (1951) dirilis, lima tahun kemudian "Prickly Pieces" (1956), dan kemudian "Costume Pieces" (1962) disajikan kepada publik yang cerdas, yang berlanjut ke menyebarkan cita-cita kemanusiaan yang tinggi.

Penulisan karya-karya seperti "Beckett, atau Kehormatan Tuhan" (1959), "Basement" (1961) dan lainnya termasuk dalam periode pascaperang dalam kehidupan dan karya penulis drama berbakat.

Banyak kritikus menyebut lakon itu "The Lark" (1953), yang dibangun dalam bentuk uji coba pahlawan wanita nasional Joan of Arc, puncak karya dramatis Anouilh. Konflik pekerjaan yang tragis (konfrontasi antara seorang pria dan seorang inkuisitor) memperoleh suara sosio-filosofis yang tajam. Pada akhirnya, ide-ide humanistik menang atas keyakinan musuh umat manusia - inkuisitor.

Dramaturgi Anouilh, yang memasuki repertoar sebagian besar teater Prancis sejak pertengahan 1930-an, telah diminati selama beberapa dekade. Hingga saat ini, pementasan karya terbaik penulis naskah ini dapat disaksikan di panggung teater Paris.

Perwakilan paling menonjol dari dramaturgi Prancis pada periode perang dan pasca perang adalah kepala eksistensialisme yang diakui Jean Paul Sartre(1905-1980). Filsafat, yang ditujukan untuk mengembangkan masalah moral, tercermin dalam banyak mahakarya dramatis Sartre.

Percaya bahwa seseorang bebas dalam pilihannya dan dalam situasi apa pun tampak seperti apa yang dia buat dari dirinya sendiri, penulis naskah beralih ke studi tentang perilaku para pahlawan yang menemukan diri mereka dalam situasi kritis. Hasilnya, lakon tersebut memperoleh karakter perumpamaan filosofis tentang konten moral dan instruktif.

Selama tahun-tahun perang, karya-karya Sartre menyuarakan seruan untuk berperang yang relevan untuk masa itu. Ini adalah "Lalat" -nya, yang dipentaskan oleh Dullin pada tahun 1943 di Paris yang diduduki. Dalam pahlawan mitologis, sosok Perlawanan (gambar Orestes), pembawa gagasan Nazi (gambar Aegisthus) dan pendukung posisi perdamaian para kolaborator (gambar Clytemnestra) mudah ditebak.

Kedepannya, J.P. Sartre kerap beralih ke plot sejarah (“The Devil and the Lord God”, 1951), namun refleksi realitas sosial politik modern kerap dibarengi dengan eksperimen filosofis dalam semangat eksistensialisme (drama “Behind Pintu Tertutup (1944), "Tangan Kotor" (1948), "Orang Mati Tanpa Algojo" (1946), dll.).

Drama psikologis The Recluses of Altona (1959) adalah peringatan agar tidak mengulangi kesalahan masa lalu, melawan kebangkitan fasisme di dunia pascaperang. Di sini, seperti dalam banyak karya Sartre lainnya, motif tragis kesepian dan ketakutan panik akan masa depan terungkap.

Pada tahun 40-an-50-an abad ke-20, mahakarya dramatis para "absurd" ternyata memiliki mood yang mirip dengan karya Sartre. Khotbah tentang malapetaka seseorang yang, dalam mencari jalan keluar dari keadaan seperti itu, beralih ke alogisme (visi dunia yang irasional atau mistis dalam karya Ionesco), harapan kematian yang tunduk (dalam Beckett) atau pemberontakan destruktif yang berujung pada kematian (dalam karya Genet), menjadi tema utama dari “drama absurd ".

Salah satu drama paling terkenal Samuel Becket(1906-1989) dapat dianggap sebagai karya "Menunggu Godot" (1952) - sebuah perumpamaan suram di mana, bersama dengan motif religius, penalaran filosofis pesimis dan "humor hitam" hidup berdampingan. Banyak kritikus teater menyebut karya ini sebagai "badut filosofis".

Warisan dramatis Beckett ("The End of the Game", 1957; "Oh! Happy Days!", 1961) diresapi dengan keputusasaan, para pahlawannya - buta, bisu, lumpuh, dan aneh - muncul sebagai boneka yang dikendalikan oleh kekuatan jahat yang tidak diketahui. .

Karya Jean Genet (1910-1986), yang berusaha mengubahnya menjadi phantasmagoria yang aneh (The Maids, 1946; Negroes, 1959; Balcony, 1960; Screens, 1966) dibedakan oleh hiburan yang subur dan beberapa kerumitan dari bentuk biasanya.

Keinginan untuk mengalihkan perhatian publik dari masalah yang mendesak, untuk menjerumuskannya ke dalam keadaan kesurupan seringkali berubah menjadi puisi kekerasan yang kejam di J. Genet (mungkin karena gaya hidup yang dijalani penulis sebelum menjadi selebriti).

Lakon-lakon Eugene Ionesco (1912-1994) sarat dengan pengingkaran terhadap pemikiran logis sebagai sarana untuk mengetahui kebenaran. Gambar-gambar aneh dan komedi badut hadir di hampir semua karya dramatis pengarang (The Bald Singer, 1950; Lesson, 1951; Chairs, 1952; Rhinoceros, 1959, dll.), Diresapi dengan pemberitaan nihilisme dan pemberontakan anarkis.

Berbicara menentang bentuk seni tradisional, kaum "absurd" tidak hanya menyangkal teater modern, tetapi juga sastra dan dramaturgi. Mereka menolak untuk menganggap bahasa sebagai sarana bagi orang untuk memahami satu sama lain, karenanya beberapa seluk-beluk dan kompleksitas bentuk "drama absurd".

Kecenderungan lain dalam seni panggung Prancis pada tahun-tahun pascaperang adalah "avant-garde demokratik", yang perwakilannya paling menonjol adalah Arthur Adamov(1908-1970). Ia lahir di Kislovodsk. Pada tahun 1914, keluarga tersebut meninggalkan Rusia dan, setelah lama mengembara, menetap di Prancis.

Drama awal, yang bersaksi tentang kebingungan dan gangguan spiritual dari penulis drama muda, ditulis di bawah pengaruh kuat dari ide-ide penulis drama "absurd", tetapi bahkan kemudian Adamov mulai menunjukkan minat khusus pada nasib orang-orang di dunia modern. .

Enam bulan yang dihabiskan oleh seorang penulis berbakat di kamp konsentrasi fasis meninggalkan jejaknya pada pekerjaannya di masa depan. Pada tahun-tahun pasca perang, penulis drama menciptakan karya terbaiknya, dijiwai dengan keyakinan akan kemenangan ide-ide demokrasi dan mengandung kritik tajam terhadap masyarakat modern.

Drama A. Adamov "Invasion" (1950), "Ping-Pong" (1955) dan "Paolo Paoli" (1957) sangat populer. Yang tak kalah terkenal adalah "The Politics of Dregs" (1962), "Mr. Moderate" (1967) dan "No Entry" (1969).

Penulis drama menyebut karya terbaiknya drama satu babak satir dan jurnalistik, yang disebut "adegan topikal" ("Saya bukan orang Prancis", "Keintiman", "Keluhan tawa").

Selain membuat dramanya sendiri, Arthur Adamov terlibat dalam penerjemahan. Berkat pria ini, Prancis berkenalan dengan "borjuis kecil" dan "Vassa Zheleznova" oleh A. M. Gorky, warisan kreatif A. P. Chekhov.

Akhir tahun 60-an abad XX ditandai dengan peningkatan minat publik Prancis yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam dramaturgi. Drama oleh penulis muda diterbitkan dalam publikasi Prancis terbesar "Saille" dan "Stock", produksi baru dipentaskan di atas panggung.

Karya-karya penulis drama muda sebagian besar merupakan respons terhadap peristiwa-peristiwa realitas modern ("Senjata jarak dekat" dan "Kulit buah di pohon busuk" oleh V. Aim), cerminan dari realitas sosial-politik (" Studio”, “Pertengkaran”, “Besok”, “Jendela di jalan" oleh J.C. Granber).

Tempat khusus dalam dramaturgi Prancis abad ke-20 ditempati oleh karya penulis muda yang memulai karir mereka di panggung teater provinsi. Mereka mengambil bagian aktif dalam Festival Avignon, "pesta untuk pikiran dan hati" semacam ini. Sejarah festival dimulai pada tahun 1947 (penyelenggara acara pertama semacam itu adalah tokoh teater terkenal Jean Vilar).

Tema kesepian dan pengabaian seseorang di dunia modern dalam kreativitas telah mendapat suara baru Barnara Marie Koltesa(lahir tahun 1948). Seperti, misalnya, lakon "The Night Before the Forest" (dipertunjukkan di Avignon Festival tahun 1977), "The Battle of the Negro and the Dogs" (dipentaskan tahun 1983 di pinggiran kota Paris).

Seruan pada masalah sosial-politik dan psikologi manusia menandai karya-karya penulis drama seperti Pierre Laville, Daniel Benhard, dan lainnya.

Lebih cepat dari dramaturgi, teater Prancis berkembang pada paruh kedua abad ke-20. Sudah di awal 1960-an, teater "tabloid" komersial, secara bertahap mendekati kabaret dan tempat hiburan lainnya, menjadi "arena" untuk pementasan komedi asusila oleh Andre Roussin dan Roger Ferdinand, untuk menampilkan melodrama berdarah dan film aksi oleh berbagai penulis.

Repertoar teater semacam itu, bersama dengan drama sinis halus dari Francoise Sagan, termasuk drama Marcel Aimé yang eksentrik dan agak kasar.

Terlepas dari segalanya, teater komersial terus menarik banyak penonton yang ingin melihat aktor populer - Jean-Claude Briali dan Micheline Prel (keduanya bermain dalam drama "A Flea in the Ear"), Daniel Ivernel dan Paul Meurisse (karakter utama dalam " Ladder"), Marie Belle (Phaedra dalam produksi modernis dari tragedi Racine), dll.

Pembawa tradisi budaya terkaya di paruh kedua abad ke-20 adalah teater tertua di Prancis, Comédie Francaise, dan tim Andre Barsac dan Jean Louis Barrot. Akting Comédie Francaise, yang dianugerahi pujian tertinggi oleh penulis drama Italia Carlo Goldoni pada abad ke-18, masih memukau hingga hari ini dengan keahliannya yang tak tertandingi dan profesionalisme yang tinggi: “Tidak ada ketegangan di dalamnya baik dalam gerak tubuh maupun ekspresi. Setiap langkah, setiap gerakan, pandangan sekilas, adegan hening dipelajari dengan cermat, tetapi seni menyembunyikan pembelajaran di balik kedok kealamian. Beberapa ciri gaya panggung teater Prancis tertua hadir dalam penampilan grup akting lainnya. Namun, "Comédie Francaise" hingga saat ini tidak kehilangan popularitas dan pamornya, banyak aktor yang menganggapnya sebagai suatu kehormatan untuk tampil di panggung teater ini.

Sutradara Prancis berbakat Jean Louis Barro dan Andre Barsac mempelajari rahasia mengarahkan di sekolah Kartel yang terkenal, di bawah Charles Dullin yang terkenal. Namun, masing-masing dari mereka mengambil pelajaran dari sang master dengan caranya sendiri.

André Barsac (1909-1973) mendapatkan ketenaran tidak hanya sebagai sutradara-psikolog, tetapi juga sebagai dekorator teater. Terpesona oleh teater di masa kecilnya, ia memilih bukan akting sebagai kariernya, melainkan profesi seorang seniman. Studi bertahun-tahun di Sekolah Seni Dekorasi Paris (1924-1926) memungkinkannya untuk menguasai dasar-dasar profesi pilihannya, dan pada tahun 1928 Barsak bekerja di Teater Atelier oleh Ch.Dullen, yang populer pada tahun-tahun itu.

Karya debut artis muda ini adalah pemandangan untuk lakon "Volpone" oleh B. Johnson, dan mahakarya terbaik di bidang ini adalah sketsa pemandangan dan kostum untuk lakon "The Doctor of His Part" oleh Calderon (1935).

Mulai tahun 1930, A. Barsak secara bersamaan bekerja di beberapa teater - Atelier, Rombongan Lima Belas, dan di Gedung Opera, tempat ia mendekorasi Persephone karya Stravinsky.

Pada tahun 1936, Andre memprakarsai pembuatan teater baru bernama Four Seasons Troupe, yang segera mempersembahkan produksi pertamanya kepada penonton - The Stag King karya Gozzi (ini adalah karya debut sutradara Barsak).

Pada musim 1937/1938, sejumlah pertunjukan dipentaskan di atas panggung teater ini, yang pemandangannya dibawakan oleh sutradaranya sendiri - "Jean from the Moon" oleh Ashar, "Knock" oleh Romain, "Once upon a waktu ada seorang tahanan" oleh Anui, dll. Penampilan grup yang sukses memungkinkannya untuk memulai tur di New York, Paris, dan kota-kota provinsi di Prancis, Belgia, dan Brasil.

Pada tahun 1940, André Barsac diangkat sebagai direktur Teater Atelier, pada saat yang sama ia terus bekerja sebagai perancang latar dan sutradara panggung. Dengan partisipasi aktif pria ini, Scapin's Tricks (1940), Anui's Eurydice and Romeo and Jeanette (1940), The Brothers Karamazov karya Dostoevsky (1946) dan sejumlah pertunjukan lainnya dipentaskan di atas panggung Atelier.

Pada tahun 1948, Barsak mempersembahkan "Inspektur Jenderal" Gogol kepada penonton, pada tahun 1940 - "The Seagull" karya Chekhov, dan pada tahun 1958-1959 - drama "Bug" karya Mayakovsky.

Namun, sutradara Barsak terkenal karena adaptasinya dari novel Dostoevsky The Idiot, di mana peran Nastasya Filippovna dimainkan oleh aktris tragis terkenal Catherine Seller.

Pementasan karya Turgenev "A Month in the Country" pun tak kalah populer. Pertunjukannya ternyata sangat puitis, karakteristik psikologis yang halus dari para karakter memungkinkan untuk memahami esensi mereka yang sebenarnya.

Bidang pekerjaan lain untuk Andre Barsac adalah kegiatan sastra. Dia adalah penulis komedi "Agrippa, atau Crazy Day", yang dipentaskan di "Atelier" pada tahun 1947, dan sejumlah artikel tentang teater.

Aktor dan sutradara berbakat Jean Louis Barrot (1910-1994) memainkan peran khusus dalam perkembangan seni panggung Prancis. Ia dilahirkan dalam keluarga seorang apoteker dan di masa kecilnya ia menunjukkan kemampuan menggambar yang luar biasa. Setelah mencapai usia yang ditentukan, bocah itu memasuki kursus melukis di Sekolah Louvre di Paris. Namun, Jean Louis tidak ditakdirkan untuk lulus dari institusi pendidikan ini, kecintaannya pada teater memaksanya untuk meninggalkan karirnya sebagai seniman dan bergabung dengan rombongan teater Ch.Dullen "Atelier".

Memulai debutnya pada tahun 1932 dalam peran kecil di salah satu produksi teater, Barro mulai berpartisipasi di hampir semua pertunjukan. Tetapi kurangnya keterampilan menghalangi pertumbuhan karier, dan aktor muda itu menunjukkan keinginan untuk terlibat dalam seni pantomim dengan pantomim terkenal E. Decroux.

Pada tahun 1935, di atas panggung Teater Atelier, pemutaran perdana pantomim Near the Mother, berdasarkan novel Faulkner, While I Was Dying, berlangsung. Dalam pertunjukan ini, Jean Louis berperan sebagai kuda dan seorang penunggang kuda yang mengelilinginya. Sekitar waktu yang sama, Barro membuat debut filmnya (film "Children of Paradise"). Peristiwa yang sangat penting dalam hidupnya adalah perkenalannya dengan para surealis dan rombongan teater "Oktober".

Segera, Jean Louis meninggalkan Dullin dan mengorganisir rombongannya sendiri, yang disebut Augustine Attic, tetapi tidak berhenti bekerja sama dengan Atelier. Pada tahun 1939, Barro memainkan peran Silvio dalam lakon anti-fasis Salacru Bumi itu Bulat, dipentaskan di Teater Dullen, dan mempersembahkan pementasan lakon Hamsun Kelaparan kepada penonton.

Beberapa tahun sebelumnya, J. L. Barrot memulai debutnya di atas panggung Teater Antoine dengan drama patriotik Numancia (menurut Cervantes). Pertunjukan tersebut merupakan kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya, karena ketepatan waktu dan relevansi produksinya (pada saat itu, seluruh masyarakat progresif mengkhawatirkan hasil perang di Spanyol).

Pada tahun 1940, Barraud diundang ke teater Comedie Francaise, tempat dia bekerja hingga tahun 1946. Di panggung paling terkenal di Prancis ini, ia memainkan sejumlah peran, termasuk Rodrigo dalam "Sid" karya Shakespeare dan Hamlet yang putus asa dalam lakon dengan nama yang sama. Selain itu, Jean Louis menafsirkan kembali repertoar klasik teater: Phaedra karya Racine (1942), The Satin Slipper karya Claudel (1943) dan Antony and Cleopatra karya Shakespeare (1945) yang dipentaskan oleh Barrault menjadi sangat populer di kalangan penonton metropolitan yang canggih.

Bukti beberapa eklektisisme dalam selera seorang sutradara berbakat adalah pementasannya yang sukses atas karya-karya dari berbagai genre, apakah itu komedi atau tragedi, operet atau pantomim. Pada saat yang sama, ia berusaha keras untuk menciptakan teater sintetik yang secara harmonis memadukan sarana ekspresi terbaik yang melekat pada berbagai jenis seni.

Pada tahun 1946, Jean Louis mengorganisir rombongan akting baru, yang, selain dia, termasuk M. Renault (istri sutradara) dan beberapa pemain berbakat lainnya.

Barraud menjadi direktur artistik dan aktor utama rombongan ini, yang tampil di gedung teater "Marigny". Pertunjukan seperti Nights of Anger karya Salacru (1946), Trial Kafka (1947), Tricks of Scapin karya Molière (1949), Christopher Columbus karya Claudel (1950), Malbrook Going on Campaign karya Ashar dipentaskan di sini, " Kebun Ceri» Chekhov.

Dalam beberapa produksi ini, Jean Louis bertindak tidak hanya sebagai sutradara, tetapi juga sebagai pemeran utama (patriot anti-fasis Cordo dalam Nights of Anger, Christopher Columbus dalam lakon dengan nama yang sama, Trofimov dalam The Cherry Kebun, dll).

Pada tahun 1959, Barraud terpilih sebagai presiden Théâtre de France di Paris. Pada saat yang sama, produksi drama Rhinos oleh Ionesco, Claudel's Golden Head dan Anouil's Little Madame Molière milik Anouil pada waktu yang sama.

Selain menyutradarai dan berakting, Barro juga terlibat dalam urusan publik: selama beberapa tahun dia menjadi direktur Sekolah seni drama, didirikan olehnya di Paris dengan bantuan J. Berto dan R. Roulo. Peru milik Jean Louis Barrot karya sastra"Refleksi Teater", di mana pengarang berperan sebagai pencari kebenaran dan penyair seni panggung.

Dengan demikian, karya Barrot dan Barsac berdampak signifikan pada perkembangan teater Prancis di tahun-tahun pascaperang. Yang tak kalah menarik adalah aktivitas para master terkemuka Pierre Franck, Georges Vitali, Jean Meyer di panggung teater Evre, La Bruyère, dan Michel.

Awal tahun 1950-an menyaksikan kebangkitan kejayaan Teater Rakyat Nasional F. Gemier, karena kedatangan sutradara berbakat Jean Vilar (1912-1971) ke rombongan tersebut. Dalam waktu singkat, pria ini berhasil mengubah Teater Rakyat Nasional menjadi salah satu teater terbaik di Prancis.

Vilar mengejar satu tujuan: membuat teater dapat diakses oleh jutaan penonton, "menurut formula bijak dan mendasar dari Stanislavsky." Sutradara panggung berbakat adalah pencipta gaya panggung baru: sederhana dan pada saat yang sama megah, sempurna secara estetika dan dapat diakses, dirancang untuk ribuan penonton.

Vilar menciptakan teater yang benar-benar hidup di mana penonton memainkan peran tertentu, berhasil membangkitkan minat pada seni pertunjukan bahkan di antara mereka yang jauh dari teater. Atas prakarsa orang ini, sistem layanan penonton ditata ulang: dua jam sebelum dimulainya pertunjukan, sebuah kafe dibuka di Teater Rakyat Nasional di mana Anda dapat makan setelah bekerja, selain itu, pertunjukan dimulai pada waktu yang nyaman bagi penonton.

Lambat laun, teater berubah menjadi semacam Rumah Budaya Rakyat, yang tidak hanya menampilkan pertunjukan dan film, tetapi juga menyelenggarakan malam sastra dan musik, pameran patung dan lukisan. Pada tahun-tahun itu, "bola rakyat" yang diselenggarakan oleh pimpinan Teater Rakyat Nasional memperoleh popularitas terbesar.

Menempatkan karya klasik dalam dan luar negeri di atas panggung, Jean Vilar mencoba menemukan di dalamnya jawaban atas pertanyaannya, untuk mengekstrak dari masa lalu. pelajaran yang diperlukan. Seperti produksi Cid karya Corneille dengan Gerard Philippe dalam peran judul (1951), Pangeran Homburg karya G. Kleist (1952), Don Giovanni karya Molière (1953) dan Macbeth karya Shakespeare (1954).

Lakon "Sid" dalam tafsir Vilar tampil sebagai puisi tentang cinta dan kebangsawanan, teks yang penuh gairah terdengar di atas panggung seperti pidato sehari-hari yang bisa dimengerti oleh setiap penduduk.

Produksi ini menjadi simbol kebangkitan teater rakyat Prancis, orang-orang terbaik Prancis membicarakannya dengan antusias. Jadi, Louis Aragon menyebut "Cid" "pertunjukan terbaik yang pernah dipentaskan di panggung Prancis", dan Maurice Thorez, setelah menonton mahakarya ini, mencatat: " warisan nasional- itu milik kita.

Di panggung Teater Rakyat Nasional, diambil langkah-langkah penting untuk memahami tema sejarah rakyat, produksi Mary Tudor oleh Hugo (1955) dan Lorenzaccio oleh Musset (1958) menjadi sensasi nyata di dunia modern.

Pada 1960-1961, Vilar mempersembahkan kepada penonton pertunjukan Antigone oleh Sophocles, Career Arturo Ui oleh Brecht, Scarlet Roses for Me oleh O'Casey, Alcalde's Salamey oleh Calderon dan The World oleh Aristophanes. Dalam produksi ini, citra dikembangkan pahlawan rakyat berjuang untuk perdamaian dan kebebasan.

Banyak aktor berbakat mendapat kehormatan untuk bekerja di bawah Jean Vilar yang terkenal. Secara bertahap, grup akting yang sangat profesional dibentuk di Teater Rakyat Nasional, termasuk Gerard Philip, Daniel Sorano, Maria Cazares, Christian Minazzoli, dan aktor lainnya. Dekorator, iluminator, perancang kostum, dan pekerja panggung terbaik lainnya juga berkumpul di sini.

Gerard Philippe (1922-1959) adalah salah satu aktor paling populer di Prancis pascaperang, pemimpin yang diakui di antara aktor romantis modern. Dia memulai debutnya di atas panggung pada tahun 1942 dan segera menjadi terkenal.

Berbagai pertunjukan dengan partisipasi aktor ini membangkitkan minat publik yang tulus. Gerard Philip menciptakan sejumlah gambar yang tak terlupakan - Rodrigo di Corneille's Side, Pangeran Homburg dalam lakon dengan nama yang sama, Lorenzaccio dalam lakon Musset, dan lain-lain Menjadi presiden pertama Persatuan Aktor Prancis, ia membela hak-haknya orang-orang dari profesi ini di dunia modern.

Gerard Philip tampil tidak hanya di panggung teater, tetapi juga di depan kamera film, ia membintangi film-film seperti "Parma Convent", "Fanfan-Tulip", "Red and Black", dll.

Maria Cazares (nama asli Quiroga) (1922-1996), perwakilan keluarga negarawan Spanyol, adalah seorang aktris dramatis yang luar biasa dari peran tragis.

Setelah ayahnya dipindahkan ke Prancis, Maria memulai studinya di salah satu kamar bacaan Paris, dan kemudian, setelah berhasil lulus dari lembaga pendidikan ini, dia masuk ke Conservatory of Dramatic Art.

Pada pertengahan 1950-an, aktris berbakat meninggalkan Comedy Francaise, tempat dia tampil selama beberapa tahun, dan bergabung dengan rombongan Teater Rakyat Nasional, di atas panggung di mana dia menciptakan sejumlah besar gambar dramatis yang tak terlupakan (Ratu Mary in Hugo's Mary Tudor dan lain-lain).

Maria Cazares mendapatkan popularitas khusus sebagai aktris film, debutnya di bidang ini adalah peran dalam "Children of Paradise" oleh M. Carne (1945), diikuti dengan tawaran dari R. Bresson untuk membintangi film "Ladies of the Bois de Boulogne” (1945). Namun, peran paling sukses, yang meninggalkan jejak cemerlang di sinema Prancis, adalah Sanseverina dalam adaptasi Christian-Jean dari Biara Parma A. Stendhal.

Pada tahun 1949, aktris dramatis yang luar biasa itu memainkan peran Kematian dalam Orpheus karya Jean Cocteau, dan sepuluh tahun kemudian menerima undangan untuk peran sang putri dalam film Orpheus' Testament (1959). Jean Mare (Orpheus) dan Jean Cocteau (penyair) menjadi mitra M. Cazares di lokasi syuting, yang permainan berbakatnya menjadi kunci keberhasilan distribusi gambar tersebut.

Peran kecil yang dimainkan oleh M. Cazares dalam film "Shadow and Light" oleh A. Calef (1950), "Reader" oleh M. Deville (1987) dan "Knights of the Round Table" oleh D. Llorca (1990) adalah dicatat dengan tidak kurang perhatian penonton.

Aktris itu mempertahankan semangat yang baik hingga hari-hari terakhir hidupnya. Misalnya, fakta ini adalah indikasi: pada tahun 1996 (tahun kematiannya), Maria Cazares yang berusia 74 tahun mengambil bagian aktif dalam pembuatan film Paskalevich "Someone's America".

Patut dicatat bahwa sepanjang hidupnya aktris tersebut tidak pernah memberikan alasan untuk meragukan reputasinya, terlebih lagi, dia tidak mengizinkan jurnalis dan penulis biografi masuk ke dalam hidupnya.

Salah satu aktor Prancis paling terkenal di zaman kita adalah Jean Gabin (nama asli Jean Alexis Moncorger) (1904-1976). Ia dilahirkan dalam keluarga seorang pekerja sederhana, dan tampaknya tidak ada yang meramalkan nasib Jean yang berbeda. Meski demikian, saat masih magang di sebuah lokasi konstruksi dan asisten pekerja di sebuah pengecoran, dia menunjukkan kemampuan akting yang luar biasa.

Pada tahun 1923, Jean Gabin memulai debutnya di panggung teater Folies Bergère di ibu kota sebagai figuran. Bakat dan penampilan menarik dari aktor muda tersebut diperhatikan, dan tak lama kemudian ia menerima undangan untuk menjadi aktor di sebuah variety show. Setelah bekerja selama beberapa tahun di genre musik revue, ia pindah ke teater operet, sekaligus menjadi penampil lagu-lagu lucu di teater Vaudeville, Bouffe Parisienne dan Moulin Rouge.

Namun, Jean Gabin yang paling terkenal membawa banyak peran yang dimainkan di film. Debut film berlangsung pada tahun 1931 dalam film The Great Illusion.

Kesuksesan film tersebut memaksa banyak sutradara untuk memperhatikan aktor berusia dua puluh tujuh tahun itu, yang segera menjadi salah satu yang paling banyak diundang. Jean Gabin memainkan sejumlah peran dalam film-film seperti Quay of the Fog, Heavenly Thunder, At the Walls of Malapaga, Great Families, Powerful Ones, Prairie Street, dll.

Aktor ini memasuki sejarah seni teater dan sinematik dunia sebagai pencipta citra seseorang yang setia pada gagasan ideal tentang tugas dan keadilan, mampu mempertahankan martabat dan kemandiriannya dalam perjuangan.

Pada tahun 1949, setelah istirahat hampir dua puluh tahun, J. Gabin kembali ke panggung. Di Teater Ambassador, dia menampilkan salah satu peran panggung terbaik - karakter utama dalam drama Bernstein Thirst.

Setelah berakhirnya Perang Dunia Kedua, tidak hanya seni panggung Paris berkembang, tetapi juga teater provinsi Prancis, yang telah lama berhibernasi.

Setelah Festival Seni Drama Prancis Pertama di Avignon diadakan pada tahun 1947, aktivitas penonton teater di kota provinsi Prancis lainnya semakin intensif. Segera di Strasbourg, Le Havre, Toulouse, Reims, Saint-Etienne, Bourges, Grenoble, Marseille, Colmar, Lille dan Lyon, grup akting permanen mulai beroperasi, pusat seni drama dan Rumah Budaya muncul.

Mengikuti J. Vilar, teater provinsi beralih ke karya klasik dalam dan luar negeri yang luar biasa, menafsirkan mahakarya klasik dengan cara baru. Sutradara provinsi mempersembahkan pertunjukan yang sesuai dengan semangat zaman kepada penonton.

Jadi, sambil mempertahankan suara humanistik dari tragedi Corneille Horace, sutradara Strasbourg Hubert Ginho dalam produksinya tahun 1963 berfokus pada konsekuensi kepatuhan buta terhadap suatu perintah.

Di berbagai waktu, produksi drama oleh Gogol, Chekhov, Gorky, serta Arbuzov (Sejarah Irkutsk di Strasbourg pada tahun 1964), Schwartz (Naga di Saint-Etienne pada tahun 1968) dan penulis drama Rusia lainnya sangat populer. Dramatisasi komedi satir oleh penulis domestik - Dürrenmatt dan Frisch, diperankan oleh O'Casey dan Bertolt Brecht menikmati kecintaan penonton.

Roger Planchon (lahir tahun 1931), sutradara berbakat dan sutradara Théâtre de la Cite di Villeurbanne, meninggalkan jejak yang nyata dalam sejarah teater provinsi Prancis. Sebagai pengagum berat karya B. Brecht dan J. B. Moliere, ia mencoba menyampaikan gagasan para penulis tersebut kepada khalayak luas.

Inovasi sutradara terwujud dalam sejumlah penampilannya, misalnya dalam produksi "Schweik in the Second World War" oleh B. Brecht (1961) R. Planchon menggunakan lingkaran yang terus berputar, yang memungkinkannya mencapai suatu efek: di tempat yang diperlukan, sang pahlawan mendekati penonton, lalu menjauh dari mereka.

Saat mementaskan "Tartuffe" Molière (1963), teknik memperluas ruang panggung digunakan, yang karenanya peristiwa yang terungkap memperoleh karakter yang seperti longsoran salju dan mengancam.

Planchon dengan tepat percaya bahwa sutradara haruslah seorang psikolog yang halus, ini akan memungkinkannya untuk mengungkapkan "situasi sosial" sepenuhnya, menjelajahi lingkungan selama momen sejarah dan politik tertentu.

Mendefinisikan dengan benar sifat dari lakon tertentu, sutradara memusatkan perhatian padanya. Selama pemutaran Moliere's Georges Dandin (1959), Planchon membuat penonton merasakan situasi tragis di mana seorang petani kaya menemukan dirinya, yang kehilangan kontak dengan dunia yang dikenalnya dan tidak mendapat pengakuan di kalangan bangsawan.

Pertunjukan yang dipentaskan oleh sutradara berdasarkan mahakarya dramatisnya sendiri meraih kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya dengan penonton. Diantaranya adalah drama "Debtors" (1962), "White Paw" (1965), "Dishonest" (1969), dll. Menemukan minat dalam berbagai bentuk drama dan panggung, Planchon tetap berusaha menemukan dalam produksinya solusi untuk sebuah masalah tunggal - penelitian kontradiksi sosial kehidupan modern.

Rasionalisme yang kaku dan perhitungan yang tepat, keputusan yang tidak terduga, dan fantasi yang terus terang - ini adalah ciri khas dari gaya sutradara Roger Planchon. Ciri-ciri ini paling jelas terlihat dalam proses pementasan novel karya A. Dumas père The Three Musketeers (1957), berbagai adegan parodi dan ironis membuat kita mengingat produksi sutradara terkenal Rusia Meyerhold dan Vakhtangov.

Planchon terkenal karena pertunjukan berdasarkan drama oleh penulis Prancis kontemporer, pengikut Brecht - "Paolo Paoli" oleh Arthur Adamov (1957), "The Imaginary Life of a Street Sweeper Auguste Jay" oleh Armand Gatti (1962) dan lainnya.

Drama A. Gatti, yang dipentaskan oleh R. Planchon, adalah perpaduan harmonis dari dua drama - "drama ide" dan "drama imajinasi": masa kini dan masa lalu, realitas dan mimpi dikacaukan dalam pikiran orang yang terluka parah. Bukan hanya satu, tetapi beberapa Augustes dari usia yang berbeda muncul di hadapan penonton - laki-laki, laki-laki muda, laki-laki, dengan demikian sutradara menekankan keinginan untuk menangkap pahlawan dalam berbagai periode hidupnya.

Selain teater ibu kota dan provinsi, di Prancis pascaperang, teater di pinggiran kota Paris berkembang, yang para pemimpinnya mengejar tujuan menjadikan institusi ini sebagai "parlemen pemikiran sosial". Pertunjukan-pengadilan, studi orisinal, yang berfokus pada nasib tragis orang-orang yang diperbudak, dipentaskan di atas panggung.

Jadi, di atas panggung Teater Nanterre, "Running" Bulgakov (1971) dipentaskan, rombongan "Guild" berhasil mementaskan "Macbeth" Shakespeare (1965), repertoar Teater Komune di Aubervilliers untuk waktu yang lama termasuk pertunjukan "Tragedi Optimis" oleh Vs. Vishnevsky (1961) dan The Star Turns Red oleh O'Casey (1962), di Teater. Gerard Philip di Saint-Denis, yang paling populer adalah "Spring-71" oleh A. Adamov.

Selain itu, drama A. Gatti The Stork dan komedi A. Adamov The Politics of Garbage, The Cherry Orchard oleh A.P. Chekhov dan drama B. Brecht (Opera Threepenny, rumah jagal Saint Joan", "Dreams of Simone Machar").

Paruh kedua tahun 1960-an yang ditandai dengan memburuknya situasi politik di seluruh dunia, termasuk di Prancis, menjadi masa reaksi dalam sejarah teater.

Banyak sutradara teater Prancis terpaksa mengundurkan diri. Jean Vilar melakukan ini pada tahun 1963, dan Georges Wilson (lahir 1921) menjadi penggantinya sebagai direktur Teater Rakyat Nasional.

Menjadi pengagum berat dramaturgi Brecht dan para pengikutnya (Gatti, Dürrenmatt, dll.), Wilson mementaskan sejumlah drama luar biasa dari para penulis ini di atas panggung teater - "Tuan Puntila dan pelayannya Matti" dari Brecht (1964 ), Osborne's "Luther" (1964), " Romulus the Great" oleh Dürrenmatt (1964), "People's Song in front of Two Electric Chairs" oleh Gatti (1965), "Turandot, or Congress of Whitewashers" oleh Brecht (1971) dan lain-lain.

Terlepas dari sejumlah produksi yang sukses, Teater Rakyat Nasional secara bertahap kehilangan popularitas sebelumnya, ini sampai batas tertentu disebabkan oleh ditinggalkannya sistem langganan publik yang diperkenalkan oleh J. Vilar.

Pada tahun 1971, ketika Teater Rakyat Nasional tidak ada lagi, idenya diambil alih oleh kota teater kota Paris - "Theater de la Ville", yang dikelola pada tahun-tahun itu oleh Jean Mercure (lahir tahun 1909). Repertoar serbaguna, yang terdiri dari mahakarya drama klasik dan modern, menarik banyak penonton ke teater.

Pertunjukan massal oleh Robert Hossein (lahir tahun 1927) menjadi tren baru dalam seni teater Prancis abad ke-20. Pada tahun 1971, aktor film populer ini mengepalai Teater Rakyat Reims; dengan partisipasi langsungnya dalam teater, Kejahatan dan Hukuman Dostoevsky, Romeo dan Juliet karya Shakespeare, House of Bernard Alba karya Lorca, Gorky's At the Bottom dan sejumlah pertunjukan penting lainnya dipentaskan.

Dalam benak Hossein, yang percaya bahwa teater harus memengaruhi perasaan penontonnya, konsep "tontonan rakyat yang hebat", semacam hari raya rakyat, secara bertahap dikembangkan.

Pertunjukan "Battleship Potemkin", yang dipentaskan pada tahun 1975 di Istana Olahraga ibu kota, adalah karya sukses pertama ke arah ini. Ini diikuti oleh dramatisasi drama dari repertoar klasik - Katedral Notre Dame (1978) dan Les Misérables (1980) oleh Hugo, yang membangkitkan minat publik yang tidak kalah dengan produksi pertama.

Pada akhir tahun 1979, R. Hossein mempresentasikan karya barunya kepada penonton - drama sejarah "Danton and Robespierre" (1979), dan pada tahun 1983 pemutaran perdana lakon "A Man Called Jesus", berdasarkan sebuah cerita dari Alkitab, terjadi.

Karya R. Hossein menarik perhatian tidak hanya karena kemegahan dan tontonannya yang penuh warna, tetapi juga karena adegan massal yang dinamis, pencahayaan dan efek suara yang tidak biasa, serta kesederhanaan dan aksesibilitas konten.

Fenomena penting dalam kehidupan teater Prancis pada abad ke-20 adalah Teater Nasional Baru Marseille, yang diorganisir oleh sutradara berbakat Marcel Marechal (lahir tahun 1938), yang juga seorang aktor yang luar biasa (ia menciptakan gambaran yang jelas tentang Falstaff dan Tamerlane, Scapin dan Lear, Sganarelle dan Hamlet di atas panggung ).

Kembali ke awal 1960-an, Marechal mengorganisir rombongan di Lyon, yang disebut "Company du Cautourne". Aspirasi demokratis dari komunitas teater yang maju tidak bisa tidak mempengaruhi aktivitas sutradara provinsi yang berbakat, hal ini terungkap dalam keinginan Marechal untuk mengubah teaternya menjadi Rumah Budaya Populer, yang dapat diakses oleh banyak penonton.

Percaya bahwa masalah utama seni pertunjukan adalah kurangnya "realisme puitis", Marcel Marechal berusaha menyelesaikannya dengan menggunakan bentuk panggung baru yang dapat diakses oleh pemahaman khalayak ramai.

Dalam karyanya, ia sering beralih ke masalah sosial-politik: pada tahun 1971, ia mementaskan drama oleh penulis drama Aljazair Kateb Yasin, Pria Bersandal Karet, yang didedikasikan untuk peristiwa Perang Vietnam.

Tahun berikutnya, pementasan lakon Brecht "Tuan Puntila dan pelayannya Matti" (1972) dipersembahkan kepada penonton. Menurut kritikus teater, sutradara berhasil memberi pelajaran kepada publik "dengan cara yang paling ceria di dunia - dalam ritme lelucon, di mana sihir dan kebijaksanaan rakyat, sindiran jahat, dan puisi bergabung."

Di antara karya M. Marechal yang paling sukses, Moschetta karya Ruzante (1968), Fracasse oleh T. Gauthier (1972), produksi The Grail Theatre (1979) selama berjam-jam, yang didedikasikan untuk Raja Arthur dan Ksatria Meja Bundar, layak mendapat perhatian khusus. Pertunjukan ini merupakan kombinasi organik dari yang sederhana dan kompleks, naif dan bijaksana, momen lirik tinggi di dalamnya disertai dengan adegan lucu yang lucu; di sini masa lalu bertemu dengan masa kini, membuat Anda berpikir tentang masa depan.

Maréchal dengan bangga mengatakan bahwa dia berhasil "menghidupkan kembali tradisi teatrikal, sepenuhnya tenggelam dalam elemen permainan, yaitu kembali ke tradisi dan plot besar permainan rakyat."

Pada tahun 1975, rombongan Maréchal pindah ke Marseille, kota terbesar kedua di Prancis, dan di sini Teater Nasional Baru Marseille muncul, yang menjadi pusat terbesar berjuang untuk teater rakyat.

Tanda mencolok dalam sejarah teater Prancis modern ditinggalkan oleh teater remaja - seperti Teater Bule oleh Alain Scoff, Big Magic Circus oleh Jerome Savary, dll.

Perwakilan terbaik dari generasi baru sutradara film Prancis adalah Patrice Chereau dan Ariana Mnushkina, yang karyanya mengembangkan ide-ide inovatif.

Patrice Chereau (lahir tahun 1944) memilih keadaan krisis masyarakat yang dibangun di atas kebohongan, kemunafikan dan ketidakadilan sebagai tema utama karyanya. Memberikan analisis sosio-historis yang mendalam tentang karya tersebut dan waktu penulisannya, penulis naskah sekaligus mencoba memikirkan kembali dari sudut pandang manusia modern.

Banyak kritikus menyebut P. Chereau sebagai pewaris Roger Planchon. Faktanya adalah bahwa yang terakhir, sebagai kepala Teater Rakyat Nasional, yang dibuka di Villeurbanne atas dasar Teater de la Cité, mengundang sutradara muda itu ke teaternya. Di sini P. Chereau mementaskan pertunjukan pertamanya - "Soldiers" oleh Lenz (1967), "Don Giovanni" oleh Moliere (1969), "The Imaginary Maid" oleh Marivo (1971), "The Paris Massacre" oleh Marlo (1972).

Pada tahun 1982, Patrice Chereau ditunjuk sebagai direktur Théâtre des Amandiers, yang berlokasi di Nanterre, pinggiran kota Paris. Kegiatan baru orang ini adalah pendidikan dan pelatihan aktor muda di sekolah teater, serta pengorganisasian karya studio film yang berspesialisasi dalam rilis film layar lebar. P. Shero tidak melupakan karya sutradara di teater, di tahun 1980-an ia mementaskan lakon "Battle of the Negro and Dogs" karya B. M. Koltes, "Screens" karya Genet.

Ariana Mnushkina, kepala Theatre of the Sun, telah berulang kali menarik perhatian penonton dengan karya sutradaranya, di antaranya Petty Bourgeois Gorky (1966), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1968), Clowns (1969) dan lainnya pantas mendapatkan perhatian khusus.

Peristiwa penting dalam kehidupan teater Prancis adalah pertunjukan "1789" dan "1793", yang didedikasikan untuk Revolusi Prancis Hebat dan dipentaskan oleh A. Mnushkina masing-masing pada tahun 1971 dan 1973. Mengomentari dilogi tersebut, Ariana mengatakan: “Kami ingin melihat Revolusi Prancis melalui mata rakyat,” untuk menunjukkan perannya dalam acara ini.

Ciri khas dari pertunjukan tersebut adalah pengenalan aksi pahlawan kolektif, pencipta sejarah - rakyat Prancis. Selain itu, setiap aktor memainkan beberapa peran, melibatkan lima taman bermain, yang memaksa penonton, berpindah dari satu platform ke platform lainnya, untuk mengambil bagian langsung dalam aksi tersebut.

Lagu, tarian, dan simbol era Revolusi Prancis diekspresikan dalam produksi Mnushkina, terlebih lagi, ia memperkenalkan dokumen sejarah ke dalam narasi, yang menjadi bagian tak terpisahkan dari plot. Aksinya, yang memikat dengan kekuatannya yang luar biasa dan skalanya yang mencolok, rumit dan sederhana; dinamismenya, emosionalitasnya yang tinggi dan sekaligus determinasinya yang luar biasa mampu memberikan kesan yang luar biasa bagi penonton.

Karya A. Mnushkina selanjutnya, lakon "The Golden Age" (1975) yang menceritakan tentang kehidupan para pekerja imigran di Prancis, merupakan kelanjutan dari tema perjuangan sosial yang diawali dengan pementasan dilogi.

Pada saat yang sama, repertoar Teater Matahari memasukkan sejumlah drama klasik. Jadi, pada musim 1981/1982, tim mempersembahkan "Richard II" dan "Twelfth Night" karya Shakespeare kepada penonton. Pertunjukan ini, yang memiliki kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya, dianugerahi dua penghargaan bergengsi - Hadiah Dominique untuk penampilan terbaik tahun ini dan Hadiah Utama Kritikus Drama.

Pada awal tahun 90-an abad XX, sekolah teater muncul di banyak teater di Prancis, mempersiapkan generasi aktor yang lebih muda. Di antara mereka, yang paling terkenal adalah sekolah Teater Chaillot, Teater des Amandieu, Teater Nasional Baru Marseille, dll.

Sekitar waktu yang sama, manajemen diganti di sejumlah teater metropolitan: Jean Pierre Vincent kemudian menjadi administrator umum Comédie Francaise, Jean Pierre Miquel menjadi kepala Konservatorium Seni Drama Paris, dan Antoine Vitez, yang sebelumnya menyutradarai salah satunya. dari teater pinggiran kota di Paris.

Saat ini di Prancis berkembang pesat seni teater. Bersama dengan para sutradara tua yang terkemuka, para sutradara muda secara aktif bekerja di teater ibu kota dan provinsi, berusaha untuk menghadirkan sesuatu yang baru dalam seni pertunjukan. Bintang muda juga muncul di langit akting. Dalam repertoar sebagian besar teater Prancis, drama klasik dalam dan luar negeri hidup berdampingan secara damai dengan dramaturgi penulis muda berbakat.

Teks lengkap abstrak disertasi dengan topik "Bentuk dan genre baru teater di Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20"

Sebagai manuskrip

Kuzovchikova Tatyana Igorevna

Bentuk dan genre teater baru di Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20

Keistimewaan 17.00.01 - Seni teater

disertasi untuk gelar kandidat sejarah seni

Sankt Peterburg 2014

Pekerjaan itu dilakukan di Departemen Seni Luar Negeri Anggaran Negara Federal lembaga pendidikan pendidikan profesional yang lebih tinggi "Akademi Seni Teater St. Petersburg"

Penasihat ilmiah: Doktor Seni, Profesor Maksimov Vadim Igorevich

Lawan resmi:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, Doktor Seni, Profesor, Associate Professor dari Departemen Akting Akademi Seni Teater Negeri St.

Semenova Marianna Borisovna, Kandidat Sejarah Seni, Associate Professor dari Departemen Penjabat Institut Ekologi, Politik, dan Hukum Baltik (BIEPP)

Organisasi pemimpin:

Lembaga Penelitian Anggaran Negara Federal "Institut Studi Seni Negara"

Dewan Disertasi D 210.017.01 di Akademi Seni Teater St. Petersburg di alamat: 191028, St. Petersburg, Mokhovaya st., 35, kamar 512.

Disertasi dapat ditemukan di perpustakaan Akademi Seni Teater St. Petersburg (Mokhovaya st., 34) Abstrak dikirim pada tahun 2014.

Sekretaris Ilmiah

dewan disertasi ^

Kandidat Kritikus Seni Nekrasova Inna Anatolyevna

Pergantian abad ke-19 hingga ke-20 di Prancis adalah masa eklektisisme estetika, yang diekspresikan dalam konfrontasi tren artistik yang berbeda yang muncul hampir bersamaan. Dalam polemik dengan tradisi akademik dan komersial, estetika naturalisme, simbolisme, neoromantisme, dan modernitas sedang dibentuk di teater. Secara tradisional, periode ini biasanya dianggap sebagai masa pembentukan teater sutradara, yang tampil paralel dalam dua arah artistik utama pada zaman itu - naturalisme dan simbolisme. Praktik teatrikal Andre Antoine, Paul Faure, Aurélien-Marie Lugnier-Pau, kontribusinya terhadap perkembangan teater dunia saat ini telah dipelajari secara mendetail oleh studi teater dalam dan luar negeri.

Pemahaman pertunjukan sebagai satu kesatuan artistik mengedepankan konsep-konsep seperti suasana, kesatuan gaya, puisi pengarang, pembentukan. Keinginan akan kealamian, kebenaran hidup ditentang oleh teater bersyarat metaforis, tetapi secara umum, semua adegan eksperimental yang signifikan - baik Teater Libre, dan Teater d "Ar, dan Teater Evre ditujukan untuk mengatasi model teater. abad ke-19, tradisi teater akting Kebutuhan seperti itu dalam banyak hal disebabkan oleh munculnya "drama baru", yang menolak rangkaian acara eksternal (konsep "teater statis" oleh M. Maeterlinck) , pemahaman yang biasa tentang pahlawan dan konflik dramatis, membutuhkan pemahaman penyutradaraan dan membuat tuntutan baru pada teater.

Pada saat yang sama, di Prancis terdapat lapisan penting lain dari budaya teater, yang menawarkan bentuk-bentuk alternatif untuk memecahkan masalah yang sama. Pada tahun 1894, kritikus A. Aderé menyebut fenomena ini "le théâtre à côté"1, yang dapat diterjemahkan sebagai "teater sebelah" atau "teater pinggir jalan". Penulis tidak menetapkan tujuan untuk menentukan peran fenomena ini atau itu dan menganggap "teater pinggir jalan" sebagai lingkungan amatir, tahap sementara dalam perjalanan menuju

1 Aderer A. Le Théâtre à côté. Paris, 1894.

dunia profesional. Namun, pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20, “teater di pinggir jalan” melampaui definisi Adére dan berkembang menjadi fenomena artistik independen, di mana eklektisisme estetika periode ini diekspresikan dalam hubungan erat antara seni yang berbeda. konsep. Di sini jalinan dan kesamaan pencarian kreatif yang terkait dengan perkembangan teater sutradara dan bertujuan untuk memikirkan kembali konsep teater menjadi jelas. Dalam disertasi ini, “teater pinggir jalan” dianggap sebagai kumpulan bentuk dan genre baru yang muncul dalam perjalanan eksperimen amatir dan inisiatif pribadi dan berisi model teater baru yang memikirkan kembali prinsip dramaturgi, keberadaan aktor, dan desain. dari sebuah pertunjukan. Diantaranya, empat fenomena berskala sama menonjol: kabaret, teater bayangan, teater boneka, dan "teater horor" Grand Guignol.

Tanpa mengikuti gerakan artistik apa pun, budaya teater alternatif Belle époque (Belle époque, Belle Epoque) menjadi reaksi terhadap keragamannya, berkontribusi pada pergeseran genre dan batasan spesifik. Teater boneka, teater bayangan, teater topeng, kafe-konser, dan budaya hiburan massal telah memiliki sejarah berabad-abad atau latar belakang yang dalam pada fenomena serupa di masa lalu. Selalu berkembang secara terpisah, dalam bayang-bayang teater dramatis, pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 mereka menjadi setara dengannya, menjadi yang pertama bereaksi terhadap realitas waktu dan dengan mudah berinteraksi satu sama lain, memecahkan masalah. dari bahasa teater abad ke-20. Eksperimen mereka di bidang dramaturgi baru, genre baru, sarana ekspresif baru, dan cara baru dalam menciptakan citra panggung (topeng, bayangan, wayang, perangkat naturalistik) memperluas dan secara fundamental mengubah estetika naturalisme teatrikal, simbolisme, dan modernitas.

Terlepas dari meningkatnya minat sains Barat dalam bentuk teater dan genre belle époque tertentu, mereka tidak pernah

dianggap bersama sebagai komponen dari satu proses artistik, yang dikaitkan dengan tren yang sama dengan pembentukan teater sutradara. Berawal dari kabaret yang identik dengan kebebasan berkreasi dan mendamaikan kekuatan antagonis di bawah atapnya, proses ini diakhiri dengan kemenangan “le théâtre de spécialité” (secara harfiah: teater dengan spesialisasinya sendiri, yaitu teater yang berfokus pada kebutuhan spesifik publik; istilah itu diusulkan oleh peneliti budaya teater periode ini, Agnès Pierron)1, pembentukan industri seni (dalam seri ini, proyek yang sukses secara komersial seperti Moulin Rouge). Pencipta kabaret awalnya berfokus pada khalayak luas: sementara penampilan para naturalis dan simbolis membuat orang awam terkejut, kabaret menawarkan ilusi kompromi, perasaan bahwa dia sedang digoda - dengan paksa menariknya ke dalam teatrikal baru, membiasakannya dengan keadaan baru yang diusulkan. Penemuan-penemuan yang dilakukan di "teater pinggir jalan" dalam banyak hal menyiapkan basis estetika bagi avant-garde abad ke-20; bersamaan dengan ini, fondasi industri budaya massa diletakkan di sini.

Tujuan dari penelitian disertasi ini adalah untuk mengungkap pola kemunculan bentuk dan genre baru teater di Prancis pada pergantian abad ke-19-20, untuk menunjukkan kesamaan pencarian artistik mereka, inovasi mendasar mereka dalam konteks seni. perubahan sosial budaya pada masa itu.

Tujuan penelitian ini meliputi studi tentang proses teater "alternatif" pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20, korelasi bentuk dan genre baru dengan penemuan teater sutradara; demonstrasi pencarian solusi teatrikal baru melalui kekhasan kabaret dan "teater horor", melalui sifat metaforis teater bayangan dan teater boneka; penentuan peran fenomena tersebut dalam evolusi bahasa panggung, kontribusi keseluruhannya bagi perkembangan seni teater abad ke-20.

1 Cm.: Pierron A. Kata Pengantar // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Théâtre des peurs de la Belle époque. Paris, 1995. P.X.

Studi komprehensif tentang bentuk teater "alternatif" yang muncul di Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 dan melampaui naturalisme teater dan simbolisme teater, korelasinya dengan proses teater umum dan penentuan tempat mereka di dalamnya dilakukan untuk pertama kali dan merupakan kebaruan ilmiah dari karya tersebut. Sebagian besar dokumen dan bahan yang digunakan untuk menciptakan kembali fenomena yang disajikan sebelumnya tidak terlibat dalam studi teater domestik; banyak pertunjukan dan teks drama dideskripsikan dan dianalisis untuk pertama kalinya dalam bahasa Rusia.

Studi tentang bentuk dan genre teater baru pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 dalam konteks pembentukan teater sutradara tampaknya relevan mengingat proses serupa yang terjadi di teater awal abad ke-21, yang juga dicirikan dengan melampaui batas tradisional ruang panggung, keinginan untuk mensintesis bentuk teater (wayang, topeng, bayangan, benda), menguasai pengalaman seni terkait. Banyak penemuan yang dibuat lebih dari seabad yang lalu telah terhapus dari ingatan sejarah; kembali ke akarnya, kajian tentang pengalaman abad sebelumnya memungkinkan kita untuk mempertimbangkan kembali pola perkembangan seni teater, berkontribusi pada pemikiran ulang eksperimen teater saat ini.

Objek penelitiannya adalah teater Prancis pada pergantian abad 19-20.

Subjek penelitiannya adalah bentuk dan genre teater "alternatif" di Prancis (kabaret, teater bayangan, teater boneka, "teater horor") dalam konteks evolusi teater pada pergantian abad ke-19-20, peralihan ke teater sutradara.

Bahan penelitiannya adalah:

Publikasi teoretis dan manifesto tokoh teater Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20;

Teks dan naskah drama untuk pertunjukan (Sha Noir, Petit Theater de Marionette, Grand Guignol), sebelumnya tidak diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia;

Ulasan, ulasan, memoar orang-orang sezaman;

berbagai dokumen sejarah dan teatrikal pada zaman itu, poster, bahan ikonografi.

Metodologi penelitian didasarkan pada prinsip-prinsip analisis dan deskripsi fenomena teater yang dikembangkan oleh sekolah studi teater Leningrad-Petersburg; menghubungkan fenomena ini dengan konteks sejarah dan sosial budaya, menentukan tempatnya dalam proses teater secara umum.

Landasan teoretis dari penelitian ini adalah: modern karya ilmiah tentang sifat teater dan tipologi sistem teater - Yu.M. Barboy, V.I. Maksimova1; karya mendasar para ahli dalam dan luar negeri yang dikhususkan untuk masalah penyutradaraan dan teater Eropa Barat (khususnya, Prancis) pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 (L.I. Gitelman, T.I. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet , D.Babel3); penelitian terkait sastra, estetika dan teori seni Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 (Ch. Rerik, R. Shattak4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); karya kritikus seni dalam negeri asing dan modern tentang isu-isu umum seni Eropa Barat pada era yang dipelajari6.

1 Barboy Yu.M. Untuk teori teater. Petersburg, 2008; Pengantar studi teater / Komp. dan resp. ed. Yu.M. Barboy. Petersburg, 2011; Maksimov V.I. Usia Antonin Artaud. SPb., 2005.

2 Bachelis T.I. Shakespeare dan Craig. M., 1983; Gitelman L.I. Klasik Rusia di panggung Prancis. L., 1978; Gitelman L.I. Pencarian ideologis dan kreatif penyutradaraan Prancis abad XX. L., 1988; Seni Mengarahkan ke Luar Negeri: (Paruh Pertama Abad ke-20): Pembaca. Petersburg, 2004; simbolisme Prancis. Dramaturgi dan teater / Komp., entri. Seni., komentar. DI DAN. Maksimov. SPb., 2000.

3 Knowles D. La Reaction idéaliste au théâtre depuis 1890. Paris, 1934; Robichez J. Le Symbolisme au théâtre: Lugné-Poe et les débuts de l "OEuvre. Paris, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917). Paris, 1968.

4 Reick Ch. Kesenangan dari Belle Epoque. Surga Baru; London, 1985; Shattuck R. Les primitifs de l "Avant-garde: (Henri Rousseau, Erik Satie, Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire). (Tahun-tahun Perjamuan). Paris, 1974.

5 Bozhovich V.I. Tradisi dan interaksi seni: (Prancis, akhir abad ke-19 - awal abad ke-20). M., 1987; Razdolskaya V.I. Seni Prancis pada paruh kedua abad ke-19. L., 1981.

6 Art Nouveau: (1890-1914). London, 2000; M. Modernisme Jerman: (Seni paruh pertama abad ke-20). Petersburg, 2008; Kirichenko I.E. Modern. Untuk pertanyaan tentang asal-usul dan tipologi // sejarah seni Soviet "78. Edisi 1.M., 1979.S. 249-283; Sarabyanov D.V. Modern: Sejarah gaya. M., 2001.

Literatur tentang topik ini dapat dibagi menjadi empat kelompok, menurut empat fenomena yang dibahas: 1) kabaret; 2) teater bayangan; 3) teater boneka; 4) Guignol Agung.

1. Biasanya, dalam sains Rusia, kabaret pergantian abad ke-19 hingga ke-20 mengacu pada fenomena keragaman seni1, yang tentunya benar dalam konteks evolusi estetikanya. Kabaret, yang melanda seluruh Eropa pada awal abad ke-20, tidak berhenti membangkitkan minat para peneliti Barat; namun, ini dipelajari terutama sebagai fenomena budaya2. Tempat khusus diberikan kepada kabaret Sha Noir3 (Kucing Hitam) - kabaret artistik pertama di Paris, yang dianggap oleh orang-orang sezaman sebagai model.

Mempertimbangkan kabaret sebagai bentuk sandiwara baru pertama kali dikemukakan oleh M.M. Bonch-Tomashevsky dalam artikelnya tahun 1913 "Teater Parodi dan Meringis"4, di mana ia merumuskan prinsip-prinsip dasar kabaret, yang kemudian diadopsi oleh teater sutradara. Diantaranya: penghapusan tanjakan panggung, prinsip suasana tontonan, pelepasan aksi ke dalam aula, improvisasi dan keanehan sebagai komponen gaya pertunjukan, "keuniversalan" aktor, penciptaan a topeng sebagai syarat mutlak untuk eksis di atas panggung, penyangkalan dan ejekan sebagai dasar dari sifat kreatif kabaret.

N.K. Petrova 1985 "Seni teater Montmartre (Pembentukan teater dalam bentuk kecil

1 Uvarova E.D. Variety theater: miniatur, ulasan, ruang musik (1917-1945). M., 1983; Klitin S.S. Sejarah seni panggung. SPb., 2008.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artistiques // Les spectacles a travers les age: (Théâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabarets artistiques). Paris, s.a. T.1.P.327-364.; Reick Ch. Kesenangan dari Belle Epoque; Montmartre dan pembuatan budaya massa. Brunswick Baru; Jersey baru; London, 2001; Appignanesi JI. Kabaret. M., 2010.

3 Le Chat Noir: (1881-1897). Les dossiers du Musée d "Orsay. Paris, 1992; Fields A. Le Chat Noir: (Kabaret Montmartre dan Artisnya di Tum-of-the-Century Paris). Santa Barbara, 1993; Oberthür M. Le cabaret du Chat Noir à Montmartre (1881-1897), Geneve, 2007.

4 Bonch-Tomashevsky M.M. Teater parodi dan meringis. (Kabaret) // Topeng. 1912-1913. Nomor 5. hlm. 20-38.

di Perancis budaya teater akhir abad ke-19) Kabaret artistik (pada contoh Cha Noir), seni chansonniers Montmartre, teater "spontan" pada akhir abad ke-19 (penulis merujuk bola Montmartre, misalnya, Moulin de la Galette) disajikan secara terpisah bab. N.K. Petrova tidak hanya mengeksplorasi kabaret, tetapi juga realitas Montmartre secara umum; menganggapnya sebagai cerminan dari perubahan sosial budaya dan konsekuensi dari teatrikalisasi ciri kehidupan pada masa itu. Terlepas dari nilai studi yang tak terbantahkan (deskripsi zaman, keragaman fenomena yang disajikan, kebaruan materi), teks tersebut mengandung banyak karakteristik yang agak abstrak; setiap acara spektakuler dikaitkan dengan teater, dan setiap pertunjukan - dengan pertunjukan, yang tidak selalu dapat dibenarkan dan tidak selalu didokumentasikan. Pertama-tama, ini menyangkut deskripsi pertunjukan Sha Noir2.

Unik dalam jenisnya adalah monograf Harold Segel tentang sejarah kabaret3, yang mencakup keseluruhannya budaya Eropa kabaret dan menunjukkan dinamika perkembangannya. Dalam kata pengantar yang merangkum pembentukan kabaret, penulis mengkaji interaksinya dengan teater, membuat kesimpulan mendasar bahwa kabaret telah menetapkan hak atas "seni bentuk kecil", yang oleh Segel dipahami sebagai "seni yang terdiri dari genre yang secara tradisional dianggap sebagai sekunder atau tidak penting dalam kaitannya dengan budaya tinggi"4 (di antaranya - lagu, parodi, teater boneka, dll.).

2. Karena fakta bahwa selama sepuluh tahun ada teater bayangan di Cha Noir, itu menonjol dalam budaya kabaret Prancis. Dalam penelitian umum tentang Sha Noir, teater bayangan dianggap sebagai salah satunya

1 Petrova N.K. Seni teater Montmartre (Pembentukan teater bentuk kecil di

budaya Prancis pada akhir abad ke-19). Dis. ... jujur. sejarah seni. M., 1985. Lihat: Ibid. hlm. 22-32.

3 Segel H.B. Kabaret pergantian abad: (Paris, Barcelona, ​​​​Berlin, Munich, Wina, Cracow, Moskow, St. Petersburg, Zurich). New York, 1987.

4 Ibidem. P. XVI.

dari komponen kabaret; mereka tidak menganalisis ciri-ciri teknis teater, perbedaan mendasarnya dari tradisi sebelumnya. Sebaliknya, dalam karya khusus tentang sejarah teater bayangan1, di mana Cha Noir dikhususkan untuk bab-bab terpisah, perhatian utama diberikan pada teknologi, yang berkorelasi dengan tradisi teater bayangan Timur dan Eropa; ini tidak memperhitungkan konteks budaya zaman, individualitas kabaret, tidak menilai nilai artistik independen dari pertunjukan bayangan.

Pengecualian adalah monograf oleh Paul Jeanne,2 seorang kontemporer dari Cha Noir, yang mengusulkan klasifikasi repertoar teater bayangan, menganggapnya sebagai bagian dari budaya kabaret. Ulasan terperinci oleh kritikus Jules Lemaitre3, ulasan dan memoar orang-orang sezaman, teks poster, bahan ikonografi memungkinkan untuk merekonstruksi beberapa pertunjukan bayangan, menghubungkannya dengan estetika simbolisme dan modernitas.

3. Eksperimen dengan teater boneka pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 jatuh ke dalam lingkaran kepentingan ilmiah peneliti asing yang relatif baru4; dalam studi teater Rusia mereka masih diabaikan. Wayang sebagai alat dalam implementasi gagasan teater baru yang berdampak langsung pada konsep teater impersonal dipertimbangkan dalam monograf Didier Plassard, yang didedikasikan untuk aktor dalam sistem seni modernis abad ke-205 dan dalam disertasi. dari Helene Beauchamp6, yang

1 Bordât D., Boucrot F. Les théâtres d "ombres: Histoire et technique. Paris, 1956; Blackham O.

Wayang kulit. London, 1960; Cook O. Gerakan dalam Dua Dimensi: (Sebuah studi tentang gambar animasi dan proyeksi yang mendahului dimensi sinematografi). London, 1963. 1 Jeanne P. Les théâtres d "ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat" z "arts, Lune Rousse). Paris, 1937.

3 Lihat misalnya: Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de théâtre. Paris, 1888. Seri 2-me. Hlm.319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir//Lemaitre J. Kesan teater. Paris, 1891. Seri 5-me. P.347-354.

5 Plassard D. L "acteur en effigie. Lausanne, 1992.

6 Beauchamp H. La marionette, kritik hati nurani dan laboratorium teater. Penggunaan theorique et scénique de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930. (Belgique, Espagne, France). Ini de doctorat en littérature comparée. Paris IV-Sorbonne. 2007.

mempelajari teater boneka di Prancis, Belgia, dan Spanyol pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 sebagai laboratorium kreatif untuk eksperimen teater. Struktur tesis Beauchamp dibangun sedemikian rupa sehingga fenomena yang sama muncul berulang kali dalam aspek yang berbeda (dalam hubungannya dengan agama, tradisi teatrikal, situasi sosiokultural, dll.), Yang menghalangi penilaian kontribusi mereka secara keseluruhan untuk pengembangan lebih lanjut. teater.

4. Fenomena proses teater "alternatif" yang paling banyak dipelajari pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 adalah "teater horor" Grand Guignol. Ini juga yang paling skematis dalam hal jenis presentasi, karena menandai transisi ke budaya massa. Meninggalkan warisan yang mengesankan dan memengaruhi industri film, Grand Guignol telah menjadi penerima beberapa monograf di West1; Kontribusi khusus untuk studinya dibuat oleh peneliti teater Prancis A. Pieron, di bawah keredaksiannya diterbitkan antologi fundamental drama Grand Guignol2. Kehidupan kreatif yang panjang dari teater ini diciptakan kembali dalam kata pengantar dan komentar terperinci.

Di antara ilmuwan domestik, E.D. Galtsov, sehubungan dengan pementasan "Notes from the Underground" oleh F.M. Dostoevsky3. Yang menjadi pusat minat ilmiah di sini adalah teks Dostoevsky, yang dipentaskan untuk pertama kalinya di panggung Prancis, interpretasi Prancis atas karya klasik Rusia, korelasi pementasan dengan aslinya.

Dalam studi teater Prancis modern, minat pada plot teater tertentu yang sedikit dipelajari pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 semakin meningkat: misalnya, disajikan dari berbagai sudut dalam kumpulan artikel tahun 2006

1 Riviere F., Wittkop G. Grand Guignol. Paris, 1979; Hand R.J., Wilson M. Grand-Guignol: (Teater horor Prancis). Ekster, 2002.

2 Le Grand Guignol. Le Théâtre des peurs de la Belle Époque / Éd. Tabel par A. Pierron. Paris, 1995; Lihat juga: Pierron A. Petite scène à grands effets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. Paris, 2006. P.134-137.

3 Galtsova E.D. "Catatan dari Bawah Tanah" di Teater Horor Paris Grand Guignol // Dari Teks ke Panggung: Interaksi Teater Rusia-Prancis Abad 19-20: Sabtu. artikel. Moskow, 2006, hlm. 29-47.

"The Spectacle of the Performing Arts: (Dari Romantisisme ke Belle Epoque)"1. Yang menarik adalah artikel-artikel berikut: "Panggung Kecil dan Efek Hebat dari Grand Guignol" oleh A. Pieron, "The Temptation of the Shadow Theatre in the Age of Symbolism" oleh S. Luce, "The Song, the " Pertunjukan" Belle Epoque" oleh O. Goetz, "Kejang di Akhir Abad . Tontonan di luar teks pantomim» A. Rikner. Namun, belum ada upaya yang dilakukan untuk menggabungkannya dan mempertimbangkannya dalam satu bidang. Dalam studi teater Rusia, hingga saat ini, perhatian hanya diberikan pada kabaret dan sebagian pada Grand Guignol (juga karena pada awal abad ke-20 analognya ada di St. Petersburg)2.

Signifikansi praktis dari penelitian ini ditentukan oleh fakta bahwa hasilnya dapat digunakan dalam kursus kuliah tentang sejarah teater asing abad ke-19 dan ke-20, dalam kursus khusus tentang sejarah seni pop, teater boneka; serta dalam studi lebih lanjut tentang teater Prancis pada periode yang ditinjau. Selain itu, disertasi mungkin menarik bagi praktisi panggung yang minatnya terletak pada bidang teater eksperimental.

Persetujuan hasil penelitian. Hasil penelitian disertasi dipublikasikan dalam sejumlah artikel oleh penulis di jurnal dan publikasi ilmiah; juga dalam laporan di konferensi ilmiah pascasarjana (St. Petersburg, SPbGATI, 2010; Minsk, BGAI, 2010; Brno (Republik Ceko), JAMU, 2011); pada Konferensi Internasional "Seni Boneka: Origins and Innovations" (Moskow, STD RF - S.V. Obraztsov, 2013).

Pembahasan disertasi berlangsung pada pertemuan Departemen Seni Asing Akademi Seni Teater Negeri St.

Struktur kerja. Disertasi terdiri dari Pendahuluan, empat bab, Kesimpulan, daftar referensi (lebih dari 230 judul) dalam bahasa Rusia, Prancis dan Inggris, serta dua Lampiran:

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (Du romantisme à la Belle époque). Paris, 2006.

2 Lihat: Tikhvinskaya L.I. Kehidupan sehari-hari bohemia teatrikal Zaman Perak. M., 2005.

yang pertama berisi repertoar teater, terjemahan naskah dan kutipan dari lakon, yang kedua menyajikan materi ikonografi.

Pendahuluan memperkuat pilihan topik penelitian dan relevansinya, menentukan tingkat perkembangan masalah, merumuskan tujuan dan sasaran utama pekerjaan, prinsip-prinsip metodologisnya. Analisis literatur tentang masalah yang diterbitkan dalam bahasa Rusia, Prancis, dan Inggris diberikan.

Pendahuluan juga mengkaji situasi teater dan budaya umum di Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 - Belle Epoque, ketika pergolakan global terjadi di semua bidang budaya, sains, dan seni. Semua jenis seni saat ini memasuki tahap "restrukturisasi radikal dari struktur figuratifnya"1. Perubahan mendasar di bidang teater dikaitkan dengan kemunculan teater sutradara, yang berkembang dalam polemik dengan tradisi akademis dan komersial, yang menyatakan dirinya secara paralel dalam dua arah artistik - naturalisme dan simbolisme. Pada saat yang sama, estetika teatrikal neo-romantisme dan modernitas sedang terbentuk.

Buku karya A. Aderé "Teater Pinggir Jalan", yang menjadi asal muasal topik ini, dianalisis. Terlepas dari sifatnya yang informatif, di sini untuk pertama kalinya upaya dilakukan untuk menyatukan fenomena yang berbeda dari proses "hampir teatrikal". Namun, pada pergantian abad ke-19 dan ke-20, "teater pinggir jalan" berubah menjadi fenomena artistik independen yang mencerminkan dan melengkapi reformasi teater oleh sutradara. Selanjutnya, Pendahuluan menguraikan berbagai fenomena yang akan dibahas dalam disertasi dan memperkuat pilihan mereka, memberikan gambaran umum tentang masing-masing fenomena tersebut.

Dalam bab pertama - "Kabaret", yang terdiri dari tiga bagian, kabaret dieksplorasi sebagai bentuk independen baru dari kreativitas yang efektif, tempat teater alternatif dari Belle Epoque, yang membangunnya sendiri.

1 Bozhovich V.I. Tradisi dan interaksi seni: (Prancis, akhir abad ke-19 - awal abad ke-20). C.4.

hukum penciptaan citra panggung, hubungan panggung dan penonton, syarat keberadaan pelaku dan penonton.

Terlepas dari kenyataan bahwa kabaret dan teater sutradara muncul di Prancis hampir bersamaan, mereka tidak bersinggungan satu sama lain. Kabaret Prancis itu sendiri bukanlah sebuah teater; ia mengusulkan jalan teatrikal sebagai dasar kehidupan dan kreativitas panggung yang esensinya akan dirumuskan kemudian dalam konsep H.H. Evreinova: “Teater muncul sebagai mekanisme pembangunan bentuk, yang ditujukan bukan untuk merepresentasikan bentuk dan fenomena realitas, tetapi untuk penciptaan bentuk estetika asli, yang kemudian diadopsi oleh kehidupan itu sendiri”1. Dalam Apology for Theatricality tahun 1908, Evreinov memberikan definisi istilah berikut: “Dengan 'teatrikalitas'... Maksud saya adalah monstrositas estetika yang jelas-jelas tendensius, yang, bahkan jauh dari gedung teater, dengan satu gerakan yang menyenangkan, dengan satu kata yang terprotonasi dengan indah, menciptakan panggung, pemandangan, dan membebaskan kita dari belenggu realitas - dengan mudah, gembira, dan tanpa gagal. Pemahaman teater seperti itu termasuk dalam estetika modernitas; itu didasarkan pada tesis transformasi kehidupan dengan bantuan seni, yang sesuai dengan arah perkembangan kabaret Prancis. O. Norvezhsky mendefinisikan pencarian kreatifnya sebagai berikut: "Kurang sastra dan lebih berkilau, sangat tajam dan pada saat yang sama refleksi elegan dari seluruh mimpi buruk kehidupan sehari-hari"3. Di kabaret di Prancislah pembentukan modernitas teater dimulai sebagai reaksi terhadap simbolisme di teater.

Bagian "Asal" memberikan sejarah penciptaan kabaret paling terkenal di Paris - Chas Noir (1881-1897). Fenomena estetika Montmartre, pusat budaya Belle Epoque, ditampilkan. Kabaret menutupi "tragedi

1 Dzhurova T.S. Konsep teatrikal dalam karya H.H. Evreinova. SPb., 2010.S.15.

2 Evreinov H.H. Teater seperti itu // Evreinov H.H. Setan teater. M.; SPb., 2002.S.40-41.

3 O. Cabaret Norwegia // Teater dan Seni. 1910. No.10. S.216.

kehidupan sehari-hari" teater meriah, telah menjadi simbol Montmartre - "kota bebas" bohemia artistik muda, negara bagian dalam negara bagian yang hidup dengan hukumnya sendiri, sesuai dengan selera estetika dan logika artistik. Berikut ini adalah kepribadian luar biasa dari Rodolphe Saly (1851-1897) - sutradara terkenal Chas Noir, yang memproklamirkan diri sebagai raja Montmartre. Berkat bakat administrasi dan bakat kreatif Sali, Cha Noir menjadi model kabaret yang menyebabkan peniruan massal di seluruh Eropa. Eklektisisme estetika yang berkuasa di Sha Noir diproyeksikan ke seluruh budaya pergantian abad ke-19 dan ke-20. Selama periode pemikiran ulang seni itu sendiri, kabaret mendamaikan perwakilan dari berbagai gerakan artistik di bawah atapnya, menjadi simbol kebebasan kreatif dan tempat konsentrasi kekuatan kreatif, interaksi bebas mereka satu sama lain. Untuk pertama kalinya, membiarkan penonton pergi ke balik layar kreativitas, menyatukan tradisi salon dan stan, memberikan dorongan untuk bereksperimen dengan bentuk dan genre teatrikal yang hingga saat itu menjadi bagian dari "budaya akar rumput".

Bagian “Komposisi Malam” menganalisis hukum-hukum yang mendasari pertunjukan kabaret, pentingnya sosok seorang penghibur, prinsip keberadaan seorang pemain di atas panggung.

Momentum dan improvisasi adalah hukum utama malam itu, ironi dan penyangkalan adalah arah utamanya; dari penghibur (pencipta tradisi ini adalah Sali) kefasihan dan kecerdasan, kesadaran akan isu-isu kontemporer, kemampuan menggabungkan aula dan panggung, membangun logika urutan angka. Individualitas sendiri, dikalikan dengan perhitungan artistik yang tepat - ini adalah hukum dasar untuk menciptakan citra kabaret.

Tradisi pertunjukan kabaret terungkap dengan sangat jelas dalam karya chansonnier; kabaret menjadi semacam "teater chansonnier". “Sendirian di atas panggung, para chansonnier adalah penampil dan

direktur atas kinerja mereka. Lebih sedikit yang dapat berubah daripada para aktor ... mereka mengembangkan tipe individu dan secara konsisten meningkatkan data fisik, tata krama, gerak tubuh, kostum. Akhirnya terbentuk, tipe ini berubah menjadi gambar beku, dapat dikenali pada pandangan pertama…”1. Gambar cabareteur dibawa hampir ke tingkat topeng, di belakangnya ada plastisitas, cara bicara, dan perilaku tertentu. Berbeda dengan tradisi teatrikal, topeng tidak menyembunyikan pelakunya, sebaliknya, itu adalah potret seseorang yang ditransformasikan di atas panggung, di mana ciri-ciri alam dibesar-besarkan. Pada saat yang sama, cabarettiere menjadi sandera dari citra panggung yang dia ciptakan untuk selamanya. Sifat lucu kabaret yang tragis, topeng individu sebagai dasar dari tradisi pertunjukan, terungkap melalui karya chansonnier terhebat di zaman itu - Aristide Bruant dan Yvette Guilbert, yang menciptakan genre dramatis unik dari lagu-cerita pendek. , serta gambaran gamblang dari sang penampil, yang memprovokasi penonton dengan karyanya.

Bagian "Menciptakan Suasana" dikhususkan untuk tindakan dan tipuan yang menciptakan kehidupan, yang sama pentingnya untuk citra holistik setiap kabaret serta gaya dan detail interior yang dipikirkan dengan matang.

Secara umum, kabaret Prancis menawarkan model estetika yang lengkap, yang nantinya akan dikuasai oleh teater sutradara di Jerman dan Rusia: dengan sistem hubungan baru antara panggung dan aula, yang didasarkan pada sandiwara - kabaret menghapus tanjakan. dan menyertakan penonton dalam pertunjukan; gaya pertunjukan baru (topeng cabareteer), campuran genre (tragifarce) dan pergeseran batas-batas tertentu (penampilan lagu). Seiring waktu, kabaret bergerak menuju seni variasi, yang awalnya mirip; tetapi penyebaran hukum teater di dalam kabaret juga tidak bisa tidak membawanya ke eksperimen teater independen, seperti yang terjadi pada Sha Noir.

1 Goetz O. La chanson, "spectacle" de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). P.152-153.

Bab kedua - "Teater Bayangan", terdiri dari dua bagian, didedikasikan untuk teater bayangan di kabaret Chas Noir, yang ada di sana selama hampir sepuluh tahun (dari Desember 1886 hingga penutupan kabaret pada awal tahun 1897), di mana itu adalah acara utama untuk publik dan bisnis utama bagi karyawan Sha Noir, semua kekuatan artistik dan semua biaya keuangan diarahkan ke sana. Klasifikasi repertoar diberikan, pertunjukan paling signifikan dianalisis, pengaturan teknis panggung, teknologi pembuatan figur bayangan dijelaskan.

Representasi bayangan telah lama dianggap oleh orang Eropa sebagai bentuk paling tepat untuk persepsi anak-anak. Pada akhir abad ke-19, popularitas teater bayangan disebabkan oleh beberapa faktor, di antaranya adalah meningkatnya minat terhadap Timur (pertunjukan Sha Noir secara langsung dipengaruhi oleh ukiran Jepang, yang didirikan oleh pendiri teater Henri Rivière gemar); kedekatan dengan estetika teater simbolis (gagasan gua Plato); akhirnya, kebangkitan grafik selama periode ini (di antara pencipta teater bayangan adalah seniman grafis terkenal pada pergantian abad: Rivière, Karan d "Ash, Adolphe Villette, Henri Somme). Dasar dari pertunjukan pertama adalah a rangkaian gambar dan karikatur yang rutin dimuat di koran kabaret 1. Maka, menjelang lahirnya sinematografi, seni gambar animasi membangkitkan minat khusus penonton.Berkat kemandirian penulis dari proses teater umum , kemudahan mereka dalam berurusan dengan tradisi, Sha Noir berhasil memodifikasi tradisi teater bayangan Eropa: dari tontonan untuk anak-anak, itu berubah menjadi seni filosofis yang menggeneralisasi; inovasi teknis menambahkan warna dan perspektif ke bidang hitam-putih dari kanvas layar.

Seniman Sha Noir tidak mendalami sejarah teater bayangan, mereka menganggap permukaan layar sebagai gambar, yang ditambahkan perubahan komposisi, yang dengan sendirinya mengacu pada estetika modernitas. membentuk

1 Mengikuti Cha Noir, hampir setiap kabaret menerbitkan korannya sendiri.

pertunjukan Cha Noir dapat dianggap sebagai realisasi dari gagasan "gambar yang dihidupkan kembali" - yang menurut V.I. Maksimov, adalah "pelaksanaan khas modernis dari sintesis seni"1. Perubahan ritme gambar, koherensi gerakan kolektif figur, kombinasi beberapa rencana, pemodelan gambar linier, stilisasi adalah prinsip pembentukan modernitas, yang diwujudkan dalam pertunjukan Sha Noir.

Pertunjukan dibagi menjadi dua kelompok: "Bayangan Sejarah" - komposisi berskala besar menjadi sejarah, legendaris, cerita alkitabiah; "Kontur Modernitas" - sketsa dan sketsa tentang topik modern, sering diterbitkan dari halaman koran kabaret.

Bagian "Bayangan Sejarah" menganalisis biografi kreatif Henri Riviera - pemrakarsa, pemimpin, penemu teater bayangan Sha Noir. Pertunjukan paling signifikan dijelaskan: "The Epic" (1886), "The Temptation of St. Anthony" (1887), "Behind the Guiding Star" (1890), yang dibangun di atas korelasi citra kerumunan dan Pahlawan yang menjulang di atasnya, mengatur arah jalan. Berkat Karan d'Ash's Epic, sebuah pertunjukan tentang kemenangan besar Napoleon, teater bayangan mendapat pengakuan publik. Ulasan yang patut diperhatikan adalah salah satu pengulas, yang menulis bahwa Epic "memberikan kesan yang sebelumnya tidak diketahui kepada penonton, kesan gambar massa manusia di atas panggung"2 "... Selama sepuluh tahun terakhir, kejutan paling kuat dari kenyataan yang terjadi di atas panggung belum diterima dari tentara sungguhan, dipersenjatai dengan senjata asli dan berpakaian kain asli , tetapi dibuat dengan menggunakan kemiripan buatan, yang paling rapuh dan paling tidak nyata dari semuanya"3 "Adegan massal" menjadi yang paling berkesan: penolakan mendasar terhadap individualisasi karakter, koherensi gerakan kolektif mereka menciptakan perasaan

1 Maksimov V. Zaman Antonin Artaud. S.101.

2 Talmeyr M. La foule en scène: (A propos de l "Epopée de Caran d" Ache) // La Revue d "Art dramatique. 1887. 15 janv. P. 75.

3 Ibidem. Hal.78.

bahwa semua pahlawan ini dipimpin oleh satu roh dan memiliki kemungkinan yang sangat besar.

Untuk mencari "Pahlawan Super", pencipta teater bayangan beralih ke sejarah ("Penaklukan Aljazair", 1889), ke kehidupan orang-orang kudus ("Saint Genevieve of Paris", 1893), ke kehidupan nasional epik ("Roland", 1891), ke mitologi (" Sphinx", 1896), bahkan ke masa depan ("The Night of Times, atau Elixir of Youth", 1889). Dalam "Sphinx", sebuah "epik legendaris" dalam 16 lukisan (gambar - Vignola, kata-kata dan musik - Georges Fragerol), disajikan setahun sebelum penutupan teater, sang pahlawan menjadi cerita itu sendiri, yang dipersonifikasikan oleh Sphinx : "Berabad-abad saling menggantikan, orang datang dan pergi; Mesir, Asyur, Yahudi, Persia, Yunani, Romawi, Arab; Perang salib, tentara Napoleon, barisan tentara Inggris yang tak terhitung jumlahnya - mereka semua melewati sosok Sphinx yang terbaring anggun, yang pada akhirnya tetap sendirian, dingin dan misterius. Prosesi orang-orang yang ditampilkan pada tahun 1896 tidak lagi mengikuti "bintang penuntun", seperti pada tahun 1890, tidak mencari pemandu sama sekali; arah pergerakan ditentukan oleh jalannya Sejarah, di mana Sphinx secara harfiah bertindak sebagai Doom.

Bentuk teatrikal seperti itu memungkinkan untuk mementaskan plot berskala besar. Membawa tema takdir ke atas panggung, mengungkap jalannya peristiwa sejarah yang disajikan melalui pandangan dunia modern - semua ini memberi teater tingkat generalisasi dan konvensionalitas baru. Pertunjukan bayangan sesuai dengan tren teater umum yang ditetapkan oleh para Simbolis dan dirumuskan oleh Pierre Quillard: "Teater akan menjadi seperti yang seharusnya: dalih untuk sebuah mimpi"2.

Bagian Contours of Modernity mencakup pertunjukan seperti The Party in Whist (1887), The Golden Age (1887), Pierrot Pornographer (1893), serta dua pertunjukan berdasarkan drama oleh M. Donne - Phryne dan "Elsewhere" ( keduanya -

1 Cook O. Gerakan dalam Dua Dimensi: (Sebuah studi tentang gambar animasi dan proyeksi yang mendahului dimensi sinematografi). London, 1963. Hal.76.

Cit. Dikutip dari: Maksimov V.I. Simbolisme Prancis - Masuk ke Abad Kedua Puluh // Simbolisme Prancis. Dramaturgi dan teater. S.14.

1891). Di sini citra pahlawan modern diciptakan - direduksi, konyol, sengaja "tidak ditorehkan" dalam kehidupan publik, yang dengan penyajian ironis dapat dikenali dan dekat dengan penonton. Dalam semangat kabaret, pertunjukan bertema kontemporer merupakan komentar atas realitas di sekitarnya; mereka mencerminkan pandangan dunia pergantian abad, menggabungkan skeptisisme ekstrem dan kerinduan akan Ideal.

Ciri dari pertunjukan bayangan Sha Noir adalah musik dan kata-katanya AIDS, dirancang untuk meningkatkan efek "gambar animasi" yang berurutan, membentuk kesatuan yang harmonis. Rasa keaslian dari apa yang terjadi tercipta berkat integritas gaya karya, koherensi dinamis dari semua elemen pertunjukan. Teater bayangan menjadi cerminan dari budaya kabaret Prancis, yang tidak mendukung gerakan artistik mana pun pada pergantian abad, mengingat semuanya: pertunjukan Sha Noir memadukan misteri makna simbolisme, orientalisme, dan sensualitas modernitas, objektivitas naturalisme dan ruang lingkup akademis, membiaskannya melalui hukum "teater parodi dan meringis". Pada saat yang sama, pertunjukan bayangan Sha Noir menjadi fenomena teater independen yang melampaui konsep estetika kabaret untuk mencari solusi atas masalah teater yang sebenarnya. Sifat metaforis siluet, sosok bayangan berfungsi sebagai sumber daya untuk menciptakan bahasa panggung modern, yang unitnya adalah gambar di layar.

Bab ketiga - "Teater Boneka", yang terdiri dari dua bagian, menganalisis praktik Teater Petit de Marionette (Teater Boneka Kecil, 1888-1894) dan eksperimen teater Alfred Jarry dengan guignol (kabaret Katz "Ahr, 1901 ) - jenis teater boneka tradisional.

Pengalaman Sha Noir mengungkap potensi artistik dari bentuk teater boneka tradisional dan menunjukkan sifat metaforisnya. J. Sadoul menulis bahwa Cha Noir secara tidak langsung menyiapkan kesuksesan sinema, membuktikan bahwa "pertunjukan optik

bisa sama suksesnya dengan publik seperti drama yang dilakukan oleh aktor berdarah-daging. Berkat Sha Noir, untuk pertama kalinya, bentuk teatrikal muncul di pusat perhatian publik, di mana aktor sama sekali bukan pembawa makna utama: sosok bayangan dalam hal ini hanyalah salah satu elemen pertunjukan. , tertulis dalam komposisi panggung. Mengikuti teater bayangan, sistem boneka lain juga menarik perhatian: pada pergantian abad, teater boneka mulai dipahami sebagai bahasa seni yang mandiri, yang jangkauan sarana ekspresifnya mampu melebihi kemampuan teater. aktor hidup.

Pada bagian pendahuluan, ulasan singkat sejarah teater boneka di Perancis; sistem teknologi utama dipertimbangkan, yang masing-masing, hingga tahun 1880-an, merupakan bentuk pertunjukan yang diatur oleh tradisi (dengan repertoar tetap, jenis platform, cara mengendalikan wayang).

Pada tahun 1888, dua tahun sebelum eksperimen teatrikal pertama para Simbolis, Teater Petit de Marionette dibuka di Paris, yang dalam banyak hal mengantisipasi gagasan Teater d "Ar (1890-1892). Inisiatif itu milik sekelompok penulis dan penyair (ideolog utamanya adalah Henri Signoret dan Maurice Bouchor ), yang menawarkan repertoar baru kepada publik, yang terdiri dari mahakarya drama dunia. program seni dalam satu setengah musim, teater tersebut mementaskan drama-drama berikut: Aristophanes' Birds, selingan Cervantes The Vigilant Guard (keduanya Mei 1888), The Tempest karya Shakespeare (November 1888), lelucon awal Molière Barboulier's Jealousy, dan drama abad pertengahan Abraham the Pertapa » Hrothsvita dari Gandersheim (April 1889). Penulis pertunjukan berusaha keras untuk menciptakan citra ideal yang objektif: menurut pendapat mereka, itu akan dilanggar oleh materialitas orang yang hidup. Teater Petit tidak hanya memengaruhi perkembangan pedalangan lebih lanjut, tetapi juga menjadi

1 Sadul Zh. Sejarah Umum Perfilman: Dalam 6 jilid M., 1958. T. 1. S. 143.

prototipe model teater impersonal, yang gagasannya akan dikembangkan dalam modernisme.

Dari semua sistem boneka, Teater Petit beralih ke yang paling tidak dinamis, boneka otomat, yang mewarisi tradisi crèches (secara harfiah, "palungan"), pertunjukan Natal Eropa Barat dengan figur mekanis. Boneka, yang meniru patung klasik, adalah model miniatur manusia; pada saat yang sama, mereka kehilangan permulaan emosional, plastisitas mereka direduksi menjadi gerakan tetap. Patung, mise-en-scene statis, yang dipadukan dengan melodi yang tidak tergesa-gesa, menekankan keagungan gerakan, menciptakan gaya pertunjukan khusus, di mana orang-orang sezaman melihat perwujudan konvensi teater. "Ideogram tubuh, pemain mekanik mengurangi keberadaan panggung karakter seminimal mungkin, menjadi beberapa tanda dasar"1. Berdasarkan analisis pementasan, praktik Teater Petit berkorelasi dengan konsep teater M. Maeterlinck dan G. Craig.

Pada tahun 1890, teater tersebut dipimpin oleh penyair Maurice Bouchor, yang sebelumnya menerjemahkan The Tempest. Terlepas dari kenyataan bahwa Bouchor "ingin membuat teater pengarang yang modern, baru"2, di bawahnya Teater Petit beralih ke model teater abad ke-19, dan ini terutama karena dramaturginya. Secara total, Bouchor mementaskan enam lakonnya tentang tema religius di Teater Petit: Tobias (1890), The Nativity (1890), The Legend of St. Cecilia (1892), Hayyam's Dream, Adoration of St. 1892), "Eleusinian Misteri" (1894). Dalam "Tobiah", seperti dalam lakon paling awal, kekurangannya sudah terlihat: Bushor akhirnya mengikuti jalur pembiasaan dialog dan situasi, mencoba untuk "memanusiakan" karakter dan memperkenalkan logika duniawi ke dalam tindakan mereka.

Alfred Jarry melakukan sebaliknya ke Bushor - dari "mengawinkan" para aktor hingga beralih ke teater boneka; teatrikalnya

1 Plassard D. L "acteur en effigie. P. 32.

2 Le Goffic Ch. Le Petit Theatre des Marionnettes // ensiklopedi La Revue. 1894. No.85. 15 juni. Hal.256.

percobaan dibahas di bagian "Guignol dan Ubu-King". Jarry juga percaya bahwa kepribadian aktor mengganggu persepsi karya tersebut, tetapi pada awalnya ditetapkan: "Lakon" Raja Ubyu "ditulis bukan untuk boneka, tetapi untuk aktor yang bermain seperti boneka, yang tidak sama"1. Setelah serangkaian pengalaman teatrikal (termasuk produksi King Ubu di Théâtre Evre pada tahun 1896), Jarry pindah ke guignol, sejenis pertunjukan boneka tradisional dengan boneka sarung tangan (dinamai untuk protagonis). Jarry berargumen bahwa aktor "harus secara khusus menciptakan untuk dirinya sendiri tubuh yang cocok untuk perannya"2, dan teater boneka memberinya kesempatan untuk mencontohkan karakternya sendiri. Dia menekankan penemuan ini dalam kuliah tahun 1902 yang diberikan di Brussel: “Hanya boneka, pemilik, tuan, dan Penciptanya Anda (karena tampaknya perlu membuatnya sendiri), dengan patuh dan sederhana menyampaikan apa yang bisa disebut skema akurasi - pikiran kita” 3.

Jadi, pada November 1901, di kabaret Paris Katz "Ar (kabaret Empat Seni), dengan partisipasi penulis, "Raja Ubu" dimainkan dalam boneka; teksnya secara khusus dipersingkat (dalam dua babak) dan diadaptasi; aksi tersebut didahului oleh prolog yang ditulis dalam guignol, seorang dalang profesional dari Champs Elysées didatangkan untuk mengarahkan karakter, dan boneka Papa Ubu dibuat oleh penulisnya sendiri. karakter dengan klubnya. Dalam hal ini, pilihan bentuk guignol membuat aksinya semakin tidak logis, memperkuat citra aneh para karakter.

1 Dikutip. oleh: Plassard D. L "acteur en effigie. P. 43.

2 Jarry A. Tentang ketidakgunaan teater untuk teater // Seperti biasa - tentang avant-garde: (Antologi avant-garde teater Prancis). M., 1992.S.19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Textes réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, 1996. P. 205.

teater tradisional dan dramaturgi baru, dapat dianggap sebagai salah satu puncak dari "teater pinggir jalan".

Seperti di Teater Petit, muatan filosofis sistem wayang tradisional menentukan perspektif persepsi penonton. Ketajaman, kekasaran fairground, bahkan kekejaman guignol secara organik berpadu dengan sosok monster lucu yang masuk dalam mitologi teatrikal abad ke-20 - Papa Ubu. Sebaliknya, gerak lambat, detasemen boneka Teater Petit yang megah, mengacu pada pertunjukan religi, menciptakan suasana realitas ideal yang tidak dapat dipahami di atas panggung. Penemuannya adalah bahwa pilihan bentuk sudah menciptakan konten panggung itu sendiri. Pertunjukan wayang ini mengantisipasi dimulainya teater boneka sutradara, lebih luas lagi, menjadi pendorong untuk lebih jauh kebebasan bentuk modeling di teater pada umumnya.

Bab keempat - "Grand Guignol" mencakup dua bagian dan dikhususkan untuk "teater horor" Belle Epoque. Teater ini terletak di gedung bekas kapel, di tengah kawasan Pigalle, kawasan paling kriminal di Paris. Dibuka pada tahun 1897, Grand Guignol "menunjukkan tempat dan genre pada saat yang sama"1, selamat dari dua perang dunia dengan minat publik yang tak kunjung padam, menjadi salah satu pemandangan Paris dan mengakhiri keberadaannya hanya pada tahun 1962, menjadi fenomena Budaya masyarakat. Bab ini menjelaskan struktur teater, memberikan ciri-ciri utama genre, mengkaji kepribadian pencipta formula klasik genre horor: sutradara teater Max Moret, penulis naskah Andre de Lorde dan rekan penulisnya, psikolog Alfred Binet , ahli efek khusus Paul Ratineau.

Grand Guignol - guignol untuk orang dewasa, disajikan di atas panggung sebuah kronik kriminal pergantian abad. Tidak adanya kategori moralitas dalam sifat guignol tradisional, jejak masa lalu kriminal yang mengikuti karakter utama (pertunjukan guignol dikendalikan oleh polisi), tidak

1 Pierron A. Kata Pengantar // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P.II.

tidak dapat memengaruhi pemilihan nama teater baru, yang, bagaimanapun, sama sekali tidak ada hubungannya dengan teater boneka. A. Pierron, menyimpulkan penelitiannya tentang Grand Guignol, menyimpulkan bahwa terlepas dari prasyarat sejarah dan sastra, itu adalah genre yang sama sekali baru: "Teater situasi ekstrim dan emosi transenden"1.

Bagian "Drama Suasana" membahas hukum dasar dalam menyusun pertunjukan guignol yang megah. Max Moret menggunakan apa yang telah ditemukan oleh pendahulunya, pendiri teater, Oscar Methenier, yang, sebagai mantan kolaborator André Antoine, melihat ke awal Théâtre Libre. Moret mempertajam setiap komponen pertunjukan: drama dari strata sosial yang lebih rendah digantikan oleh cerita tentang kejahatan manusia yang mengejutkan. Setelah menghapus kategori moralitas, Moret memperkenalkan definisi "drama atmosfer", mencapai dampak emosional yang eksklusif pada penonton - melalui peningkatan kegembiraan dan ketakutan (bersamanya, seorang dokter penuh waktu muncul di teater yang sedang bertugas selama pertunjukan - seandainya penonton jatuh sakit). Dia menerjemahkan keringkasan bentuk dramatis ke dalam konsep "ketepatan waktu" (permainan itu seharusnya berlangsung dari sepuluh hingga empat puluh menit), dan pergantian drama dan komedi menjadi teknik "hujan kontras" yang diperlukan untuk relaksasi psikologis dan yang menjadi Gaya khas Grand Guignol. Akhirnya, di bawah Moret, efek naturalistik di teater tercapai derajat tertinggi pengembangan: jika Antoine pada suatu waktu mengejutkan penonton dengan demonstrasi bangkai daging asli di atas panggung, maka penonton Grand Guignol dapat mengamati anggota tubuh yang terputus paling realistis, luka berdarah, mayat yang dipotong-potong, wajah yang disiram dengan asam sulfat ... " Penting untuk ditekankan,” tulis Pieron, - bahwa penonton dari kebuntuan Chaptal mengunjungi teater untuk kesenangan mereka sendiri. Dia keluar dari sana kaget, gelisah, berubah. Pada contoh beberapa karakteristik

1 Pierron A. Kata Pengantar // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P.LXIII.

2 Ibidem. P.LXII.

lakon guignol, estetika pertunjukan, cara mempengaruhi penonton dianalisis.

Bagian kedua dari bab ini disebut "Hujan kontras" - definisi yang diberikan oleh orang-orang sezaman dan mencirikan gaya produksi teater. Tokoh utama dalam Grand Guignol adalah genre itu sendiri, dan semua elemen komposisi pertunjukan, termasuk aktor, dramaturgi, desain panggung, dan efek khusus, tunduk pada mekanisme peningkatan kengerian di auditorium. Tetapi efek terapeutiknya adalah drama horor yang sangat naturalistik, yang mencapai ketegangan tertinggi di bagian akhir, digantikan oleh komedi badut yang mengikutinya, di mana efek menakutkan tiba-tiba berubah menjadi alat peraga. Lambat laun, Grand Guignol menjadi hiperbola, membawa suasana horor dan teknik naturalistik ke titik absurditas; untuk mengatasi emosi dan sensasi ini di benak penonton dengan bantuan pemaparan di ambang kengerian dan tawa.

Grand Guignol adalah bagian dari topografi dan mitologi Belle Epoque, menjadi hasilnya: dia menggunakan pengalaman sebelumnya - tradisi melodrama tabloid dan aliran "permainan yang dibuat dengan baik", kekasaran dan tontonan budaya akar rumput; pengaruh modern - melebih-lebihkan teknik naturalisme teatrikal, dan sampai batas tertentu simbolisme (prinsip tindakan yang disarankan, yang sebagian besar muncul di benak penonton); menggunakan metode teater sutradara dalam menciptakan "suasana drama"; memperhitungkan estetika film bisu. Grand Guignol menandai awal studi tentang psikologi penonton, kemungkinan dampak emosional padanya. Terakhir, Grand Guignol berdiri di awal mula genre horor, yang kemudian menjadi milik industri film.

Kesimpulannya, hasil penelitian dirangkum dan ditelusuri prospek pengembangan proses artistik yang dimaksud.

Tampak jelas bahwa bentuk dan genre teater baru yang muncul di Prancis pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20 merupakan hasil reformasi teater yang terkait dengan

pembentukan seni penyutradaraan dan pergeseran penekanan dalam pertunjukan dari aktor ke integritas artistik dari semua alat ekspresi.

Dorongan untuk bereksperimen dengan bentuk dan genre teater alternatif adalah kelahiran kabaret, yang, bagaimanapun, bukanlah teater itu sendiri. Teater kabaret dan sutradara, yang muncul di Prancis hampir bersamaan, tidak berinteraksi satu sama lain di sini, karena hanya terbentuk sebagai fenomena, dan terbentuk secara paralel. Selanjutnya, setelah menyebar di Jerman dan Rusia sebagai model estetika yang sudah jadi, kabaret menarik perhatian sutradara dan penulis naskah profesional dan dikuasai oleh mereka sebagai taman bermain alternatif dengan hukum panggungnya sendiri.

Daya tarik seniman dan penulis drama pada pergantian abad ke bentuk tradisional teater boneka, penerapan tugas filosofis dan artistik baru kepada mereka mengungkapkan potensi konten mereka, sifat simbolis dan figuratif mereka, sambil menghapus aturan tradisi dan membuat wayang alat dalam menciptakan citra artistik, yang memberi teater peluang pemodelan bentuk bebas.

Dengan munculnya "teater horor", studi tentang psikologi penonton dan kemungkinan mempengaruhinya dimulai, yang kemudian mengarah pada fenomena sinema bergenre.

Bentuk dan genre teater baru yang muncul di Prancis pada pergantian gerakan artistik pada pergantian abad ke-19 dan ke-20 menunjukkan keterkaitan yang erat, jalinan dan kesamaan yang jelas dari pencarian kreatif yang terkait dengan proses menjadi teater sutradara dan ditujukan dalam memikirkan kembali konsep teatrikal. Penemuan-penemuan yang dibuat di sini sebagian besar menyiapkan dasar estetika untuk teater avant-garde abad ke-20; sejalan dengan ini, fondasi budaya massa diletakkan di sini.

1. Kuzovchikova T. I. "Teater pinggir jalan" di Prancis pada pergantian abad XIX-XX // Pendapat ilmiah. - 2013. - No.11. - S.116-121. (0,3 p.l.)

2. Kuzovchikova T. I. Guignol dan "Ubu-King" // Universitas Majalah Sains= Jurnal Universitas Humaniora dan Sains. - 2013. - No. 6. (dalam produksi). (0,25 p.l.)

dalam edisi lain:

3. Kuzovchikova T. I. Bayangan Paris dari "Kucing Hitam" // Teater Keajaiban. - 2010. - No. 1-2. - S.34-40; Nomor 3-4. - S.46-49. (1 p.l.)

4. Kuzovchikova T. I. Montmartre adalah kota bebas // Kepribadian dan budaya. -2010. - Nomor 5. - S.98-100. (0,2 p.l.)

5. Kuzovchikova T. I. Teater Boneka Kecil Henri Signoret: negasi aktor // Fenomena aktor: profesi, filsafat, estetika. Prosiding konferensi ilmiah keempat mahasiswa pascasarjana 28 April 2010. - Sankt Peterburg: SPbGATI, 2011. - S. 118-123. (0,3 p.l.)

6. Kuzovchikova T.I. Boneka dari Vivienne Street // Teatron. - 2011. - No.1. -DENGAN. 38^19. (1 p.l.)

7. Kuzovchikova T.I. Cabaret di Prancis pada akhir abad ke-19 sebagai bentuk baru sandiwara. Sha Noir // Teater. - 2012. - No.2. - S.82-94. (1 p.l.)

Ditandatangani untuk dicetak 01/29/14 Format 60x841Lb Cetak Digital. l. 1.15 Edaran 100 Pesanan 01/07 cetakan

Rumah percetakan "Falcon Print" (197101, St. Petersburg, Bolshaya Pushkarskaya st., 54, kantor 2)