rumah › Ulasan › Kritikus teater terkenal. Tentang sifat kritik teater

Kritikus teater terkenal. Tentang sifat kritik teater

Kritikus, dalam benak sebagian orang, adalah hakim yang menjatuhkan vonis: menjadi pertunjukan atau tidak. Lebih tepatnya: apakah itu mahakarya atau omong kosong belaka. Dalam banyak hal, ini adalah opini buntu, karena kritik bukan hanya review sederhana, bukan pro e control sederhana dari sebuah produksi. Kritik teatrikal adalah dunia khusus dengan jebakan besar. Tanpa mereka, kritik pasti sudah lama beralih ke format diskusi dan postingan di jejaring sosial. Jadi apa itu? Di mana Anda belajar seni menulis ulasan? Bakat apa yang Anda butuhkan untuk menjadi kritikus teater? Apa saja tantangan dalam profesi ini?

Jika kita mengingat genre jurnalisme, maka review tersebut termasuk dalam salah satu dari tiga kelompok - analitis. Sederhananya, seorang kritikus teater menganalisis sebuah pertunjukan. Dia mengintip ke setiap detail, karena setiap hal kecil itu penting. Tapi ulasan tidak selalu "kritik". Tidak ada yang akan membaca materi yang tertulis secara emosional: "Penampilan Anda payah."

“Damir Muratov dari Omsk di Triennial of Russian seni kontemporer di Moskow mempresentasikan karyanya "Tidak semua orang bisa menyinggung seorang seniman" - sebuah prasasti konseptual di atas kanvas. Seperti dalam aksionisme serupa, bersama dengan permainan kata-kata lucu, di sini Anda bisa melihatnya arti penting, - kata Alexey Goncharenko, kritikus teater. - Terkadang komentar tajam dari seorang kritikus memungkinkan, mengesampingkan emosi, untuk mengubah sesuatu dalam adegan dan membuatnya lebih kuat, dan terkadang pujian yang tidak terduga dapat menekan penulis (dia berharap bahwa mereka akan mencatat sesuatu yang lebih disayanginya dalam karya tersebut) . Tidak perlu memarahi sutradara dan artis begitu saja, sama seperti pujian saja, ini bisa dilakukan oleh penonton. Lebih produktif bagi proses teatrikal untuk menganalisis, membongkar, mengajukan pertanyaan dan mengajukan pertanyaan, dan kemudian seiring dengan argumen akan lahir penilaian sebuah karya seni, yang tanpanya tidak mungkin seorang kritikus bukanlah seorang kritikus. penulis odes, dia tidak mengagumi secara membabi buta, tetapi menghormati orang-orang yang dia tulis ".

Untuk menulis dalam genre ini, tidak cukup hanya mengetahui apa itu teater. Kritikus adalah gado-gado pilihan akal sehat Dunia ini. Dia fasih tidak hanya dalam seni teater. Kritikusnya sedikit filsuf, sedikit sosiolog, psikolog, sejarawan. Sutradara, aktor, penulis naskah. Dan, terakhir, seorang jurnalis.

“Sebagai perwakilan profesi teater, kritikus harus terus-menerus ragu, - membagikan pendapatnya Elizaveta Sorokina, pemimpin redaksi majalah "Badger-theater expert". - Anda tidak bisa hanya mengatakan. Anda harus terus berhipotesis. Dan kemudian memeriksa apakah itu benar atau tidak. Hal utama adalah jangan takut akan kesalahan, hargai masing-masing. Kita tidak boleh lupa bahwa kritikus teater adalah profesi yang sama kreatifnya dengan semua teater lainnya. Fakta bahwa kritikus berada "di sisi lain jalan" tidak mengubah apa pun. Satuan pernyataan sutradara adalah lakon, aktor adalah peran, penulis naskah adalah lakon, dan kritik adalah teksnya.

Salah satu tantangan bagi seorang kritikus adalah menulis materi untuk semua orang. Sesuaikan dengan masing-masing pembaca yang memiliki selera dan kesukaan masing-masing. Penonton ulasan cukup besar. Ini tidak hanya mencakup penonton, tetapi juga sutradara pertunjukan (walaupun banyak sutradara terhormat mengklaim bahwa mereka tidak membaca kritik atas karya mereka), serta rekan kerja di toko. Bayangkan apa itu orang yang berbeda! Masing-masing dari mereka memandang teater dengan caranya sendiri. Bagi sebagian orang, ini adalah "waktu yang menyenangkan", dan bagi yang lain, "departemen tempat Anda dapat mengatakan banyak hal baik kepada dunia" (N.V. Gogol). Untuk setiap pembaca, materi tersebut harus bermanfaat.

Dalam kebanyakan kasus, ulasan ditulis oleh orang-orang yang telah dilatih untuk memahami seni teater dari dalam - ini adalah pakar teater. Lulusan sekolah Moskow (GITIS), St. Petersburg (RGISI) dan lainnya. Orang dengan ijazah jurnalis tidak selalu jatuh ke dalam lingkup budaya. Jika kita membandingkan ahli teater dan jurnalis, kita mendapatkan analogi yang menarik: keduanya memiliki kelebihan dan kekurangan masing-masing saat menulis ulasan pertunjukan. Kritikus lulusan jurusan teater tidak selalu memiliki gambaran tentang genre jurnalistik. Bahkan, di balik banyaknya istilah, mereka lupa bahwa pembaca non-elit akan cepat bosan dengan banyaknya kata yang tidak bisa dipahami. Kritikus dari pendidikan jurnalistik mereka gagal dalam parameternya: mereka sering kekurangan pengetahuan karakteristik tentang teater, tentang fitur-fiturnya, serta terminologi profesional. Mereka tidak selalu memahami teater dari dalam: mereka tidak diajari hal ini. Jika genre jurnalisme bisa dipelajari dengan cukup cepat (meski bukan yang pertama kali), maka tidak mungkin menguasai teori teater dalam beberapa bulan. Ternyata kekurangan sebagian adalah kelebihan sebagian lainnya.

Foto dari FB Pavel Rudnev

“Teks teater tidak lagi menjadi sarana untuk menghasilkan uang, halaman budaya di media telah direduksi menjadi ketidakmungkinan, surat kabar lainnya telah meningkat tajam,” kata Pavel Rudnev, kritikus teater dan manajer teater, Ph.D. dalam sejarah seni. - Jika pada tahun 1990-an sebuah pertunjukan di ibu kota dapat mengumpulkan 30-40 ulasan, sekretaris pers hari ini senang ketika setidaknya satu ulasan diterbitkan tentang sebuah pertunjukan. Karya yang paling bergema menyebabkan sepuluh ulasan. Tentu saja, ini adalah konsekuensi, di satu sisi, pasar memeras apa yang tidak bisa dijual, di sisi lain, itu adalah konsekuensi dari ketidakpercayaan pada budaya modern, teater baru, orang-orang baru yang datang dalam budaya. Jika Anda bisa bertahan dengan yang pertama, maka yang kedua adalah bencana yang nyata. Banyak yang mengatakan bahwa kritikus saat ini menjadi manajer, produser. Dan ini, sayangnya, adalah hal yang dipaksakan: Anda perlu menafkahi diri sendiri, keluarga Anda. Tetapi masalahnya adalah reputasi dan otoritas seorang kritikus, pertama-tama, diciptakan oleh teks dan analitik. Dan fakta bahwa saat ini hanya ada sedikit peluang bagi kritikus teater muda adalah bencana, karena pendewasaan seorang kritikus adalah proses jangka panjang. Tidak ada yang keluar dari universitas dengan persiapan dan perlengkapan lengkap.

Ketika saya mulai, saya diberi bantuan yang tak ternilai oleh pakar teater senior, yang saya ucapkan terima kasih atas kepercayaan ini - Olga Galakhova dan Gennady Demin di surat kabar Dom Aktora, Grigory Zaslavsky di Nezavisimaya Gazeta. Dan ini memiliki arti tersendiri: ada kesinambungan - Anda membantu saya, saya membantu orang lain. Masalahnya adalah hari ini tidak ada tempat bahkan untuk meregangkan garis ini. Saat ini, sayangnya, hanya fitur Internet gratis yang dapat menawarkan kemungkinannya. Misalnya, Dewan Pemuda STD RF membuat blog untuk kritikus muda "Start Up". Bidang teks sangat luas, karena tidak hanya memengaruhi budaya ibu kota, tetapi, terutama, wilayah. Tapi itu buruk karena kami tidak membayar apa pun untuk SMS. Itu memalukan!"

Kritikus teater adalah profesi kreatif, banyak yang tanpa pamrih mengabdikan seluruh hidup mereka untuk itu. Namun, sebelum Anda bisa menjadi seorang profesional, Anda harus bekerja keras. Seorang kritikus harus mampu menilai ide kreatif pengarang secara objektif dan menyatakan pendapatnya secara akurat dan jelas. Anda harus bisa memperhatikan detailnya, menguasai kata dengan terampil, dan belajar memahami gambaran dunia yang disajikan di atas panggung. Apakah ini sederhana? TIDAK. Tetapi kapan kesulitan menghentikan kita? Tidak pernah. Maju!

Elizaveta Pecherkina, rewizor.ru

Disertasi jompo, studi kritis tetap ada.

L. Grossman

Bagi saya selalu tampak bahwa kita jarang menangani kritik teatrikal dengan benar. Sama seperti seorang aktor dalam hidupnya yang hanya beberapa kali (menurut catatan yang hebat) merasakan keadaan terbang, tanpa bobot dan "bukan aku" yang ajaib ini, yang disebut reinkarnasi, demikian pula seorang penulis di teater jarang dapat mengatakan bahwa dia terlibat dalam kritik seni. Hampir tidak layak dihitung kritik teater dalam arti sebenarnya, pernyataan fasih dan fasih tentang pertunjukan atau kesimpulan teatrikal yang menunjukkan tempatnya di antara fenomena panggung lainnya. Teks-teks kita, terutama surat kabar, adalah semacam simbiosis studi teater dan jurnalisme, itu adalah catatan, pertimbangan, analisis, kesan, apa pun, sedangkan sifat kritik teater yang menentukan kedaulatan profesi adalah hal lain. Kritik teatrikal selalu tampak sebagai pekerjaan artistik yang lebih dalam, lebih organik, dan orisinal.

Ketika sutradara atau aktor (dan ini selalu terjadi) mengatakan bahwa sifat pekerjaan mereka misterius dan tidak dapat dipahami oleh para kritikus (biarkan mereka pergi dan tampil untuk memahami ...) - ini luar biasa. Hubungan kritikus dengan teks pertunjukan, proses pemahamannya menyerupai tindakan menciptakan peran atau menyusun skor sutradara. Singkatnya, kritik teater pada saat yang sama mirip dengan penyutradaraan dan akting. Pertanyaan ini tidak pernah diajukan, dan bahkan bahwa kritik harus berupa sastra seringkali tidak jelas bagi sesama kritikus teater.

Mari kita mulai dengan ini.

KRITIK SEBAGAI SASTRA

Jangan tersinggung, saya akan mengingatkan Anda. Kritik teater Rusia muncul secara eksklusif dan hanya dari penulis hebat. Mereka adalah pendiri banyak genre. N. Karamzin adalah penulis ulasan pertama. P. Vyazemsky - feuilleton (mari kita ambil setidaknya satu di "Lipetsk Waters"), dia juga penulis salah satu potret pertama penulis naskah (kisah hidup V. Ozerov dalam Collected Works anumerta). V. Zhukovsky menemukan genre "aktor dalam peran" dan menggambarkan gadis Georges di Phaedra, Dido, Semiramide. A. Pushkin melahirkan "komentar", catatan, P. Pletnev mungkin menulis artikel teoretis pertama tentang akting dengan tesis secara harfiah "dari Stanislavsky". N. Gnedich dan A. Shakhovskoy menerbitkan korespondensi ...

Kritik teater Rusia menjadi terkenal karena para penulis terkemuka - dari A. Grigoriev dan A. Kugel hingga V. Doroshevich dan L. Andreev, hal itu ditangani oleh orang-orang yang bakat sastranya, sebagai suatu peraturan, diekspresikan tidak hanya dalam karya kritis teater, kritikus adalah penulis dalam arti luas, jadi ada alasan untuk menganggap kritik teater Rusia sebagai bagian dari sastra Rusia, cabang prosa artistik dan analitis tertentu, yang ada dalam genre dan modifikasi gaya yang persis sama dengan jenis sastra lainnya. Ulasan teater, parodi, potret, esai, tipuan, artikel masalah, wawancara, dialog, pamflet, puisi, dll. - semua ini adalah kritik teater sebagai sastra.

Kritik dalam negeri berkembang sejalan dengan perkembangan teater itu sendiri, namun keliru jika mengira bahwa hanya dengan munculnya kajian teater sebagai ilmu barulah ia memperoleh kualitas yang berbeda. Sudah pada saat pembentukan kritik Rusia, definisi serius dari kreativitas semacam ini diberikan. “Kritik adalah penilaian berdasarkan aturan selera yang terdidik, tidak memihak dan bebas. Anda membaca puisi, Anda melihat gambar, Anda mendengarkan sonata, Anda merasakan kesenangan atau ketidaksenangan, itulah rasanya; menganalisis alasan keduanya - itulah kritik, ”tulis V. Zhukovsky. Pernyataan ini menegaskan perlunya menganalisis tidak hanya sebuah karya seni, tetapi juga persepsi seseorang tentangnya, "kesenangan atau ketidaksenangan". Pushkin berdebat dengan subjektivisme Zhukovsky: "Kritik adalah ilmu untuk menemukan keindahan dan kekurangan dalam karya seni dan sastra, berdasarkan pengetahuan sempurna tentang aturan yang memandu seorang seniman atau penulis dalam karya-karyanya, pada studi mendalam tentang sampel dan panjang- istilah pengamatan fenomena modern yang luar biasa." Artinya, menurut Pushkin, perlu dipahami proses perkembangan seni itu sendiri ("pengamatan jangka panjang"), menurut Zhukovsky, seseorang tidak boleh melupakan kesannya sendiri. Dua abad lalu, sudut pandang bertemu, mengungkapkan dualisme profesi kita. Perselisihan belum berakhir hingga hari ini.

Adalah salah untuk berpikir bahwa hanya dengan munculnya penyutradaraan dan dengan perkembangan studi teater, teks pertunjukan menjadi subjek kritik teater. Tidak sama sekali, sejak awal, kritik telah memisahkan lakon dari lakon (Karamzin, dalam ulasannya tentang Emilia Galotti, menganalisis lakon tersebut dan kemudian mengevaluasi penampilan para aktor), dengan cermat menggambarkan akting aktor dalam satu peran. atau yang lain (Gnedich, Zhukovsky), menggunakan contoh kreasi akting untuk polemik tentang arah seni teater, mengubah kritik menjadi "estetika yang bergerak", sebagaimana V. Belinsky kemudian menyebutnya. Sudah di awal tahun 1820-an, contoh luar biasa dari analisis seni akting muncul, P. Pletnev, dalam sebuah artikel tentang Ekaterina Semenova, dengan cemerlang menulis tentang metode akting, tentang struktur internal aktor. Dengan perkembangan teater, tergantung pada apa yang mendominasi panggung pada saat itu, kritik menggali karakteristik tren dan genre, kemudian dramaturgi menjadi hal utama, kemudian aktor, dan ketika dasar-dasar penyutradaraan mulai muncul di teater, kritik teater Rusia meraba-raba ke arah ini.

Dengan munculnya studi teater dan teater sutradara sebagai ilmu, kritik teater memperoleh landasan teoretis, yang secara organik mengasimilasi kriteria teater. Tapi itu selalu dan tetap sastra. Hampir tidak mungkin untuk mempertimbangkan kritik yang memastikan pernyataan teatrikal tentang pertunjukan tersebut, menyebutkan propertinya yang menentukan ke arah mana pertunjukan tersebut berada. Meski ada anggapan bahwa ini juga kritik, bahwa urusan kritikus teater, setelah menangkap "kupu-kupu" yang merupakan pertunjukan langsung kemarin, adalah "menusuknya", menempatkannya di koleksi lainnya kupu-kupu, mengklasifikasikan fenomena dan memberinya "nomor identifikasi" .

Nampaknya kritik teatrikal, seperti kritik seni lainnya, “tidak menggantikan sains, tidak sesuai dengan sains, tidak ditentukan oleh unsur-unsur karakter ilmiah yang terkandung di dalamnya”, “mempertahankan makna kreativitas artistik dan subjeknya - seni rupa, dapat mengambil karakter estetika, sosiologis atau jurnalistik, tanpa sama sekali menjadi estetika, sosiologi atau linguistik dari ini ... Jadi puisi bisa ilmiah atau politis, pada dasarnya tetap puisi; dengan demikian sebuah novel bisa bersifat filosofis, sosial atau eksperimental, tetap menjadi novel sampai akhir. Dalam karya N. Krymova, K. Rudnitsky, I. Solovieva, A. Svobodin, V. Gaevsky, A. Smelyansky dan kritikus besar lainnya pada paruh kedua abad ke-20, banyak di antaranya adalah kritikus teater dengan pendidikan dasar, kita akan menemukan contoh-contoh kritik estetika, sosiologis , jurnalistik, dll. Seperti halnya di era sejarah lainnya.

* Grossman L. Genre kritik seni // Grossman L. P. Perebutan gaya. M., 1927.S.21.

Kritik teatrikal sebagai estetika yang bergerak berkembang secara paralel dengan proses teatrikal, terkadang mendahuluinya, terkadang tertinggal, dengan perkembangan teater perangkat kategorinya dan sistem koordinat artistiknya berubah, tetapi setiap kali teks dapat dianggap sebagai kritik sejati, “di mana karya tertentu dinilai, di mana itu tentang produksi artistik, di mana materi yang diproses secara kreatif tertentu dimaksudkan dan di mana penilaian dibuat tentang komposisinya sendiri. Tentu saja ... kritik dipanggil untuk menilai seluruh tren, aliran dan kelompok, tetapi dalam kondisi yang sangat diperlukan untuk melanjutkan dari fenomena estetika tertentu. Argumen non-objektif tentang klasisisme, sentimentalisme, dll. dapat merujuk pada teori, puisi, atau manifesto apa pun - mereka sama sekali tidak termasuk dalam ranah kritik.

Untuk menulis puisi, seseorang membutuhkan pengetahuan tentang hukum syair, tetapi juga "mendengar", pola pikir khusus, dll. Pengetahuan tentang dasar-dasar puisi tidak mengubah seorang penulis menjadi seorang penyair, sama seperti tidak mengubah seseorang. yang menulis tentang teater menjadi kritikus teater, totalitas ilmu pengetahuan teater. Di sini, juga, kita membutuhkan "pendengaran" untuk pertunjukan itu, kemampuan untuk mempersepsikannya secara hidup, merefleksikan dan mereproduksi di atas kertas kesan artistik dan analitisnya. Pada saat yang sama, perangkat teater adalah dasar yang tidak diragukan lagi: fenomena teater harus ditempatkan dalam konteks proses teater, dikorelasikan dengan situasi umum saat itu, masalah budaya umum. Pada kombinasi hukum objektif tentang keberadaan teater dan persepsi subjektif dari karya tersebut, seperti pada masa Zhukovsky-Pushkin, dibangun dialog internal kritikus dengan subjek refleksi dan penelitiannya - pertunjukan.

Penulis sekaligus mengeksplorasi realitas dunia dan jiwanya. Kritikus teater mengeksplorasi realitas pertunjukan, tetapi melaluinya realitas dunia (karena pertunjukan yang baik adalah pernyataan tentang dunia) dan jiwanya, dan tidak bisa sebaliknya: dia mengeksplorasi objek yang hanya hidup dalam pikirannya. (lebih lanjut tentang itu di bawah). Mau tak mau, ia mengabadikan sejarah teater tidak hanya pertunjukannya, tetapi juga dirinya sendiri - seorang kontemporer dari pertunjukan ini, saksi mata, tegasnya - seorang penulis memoar yang memiliki sistem kriteria profesional dan manusia.

Ini tidak berarti sama sekali bahwa lirik "aku" dari kritik mendominasi, tidak, itu tersembunyi di balik "citra pertunjukan" dengan cara yang sama seperti "aku" aktor tersembunyi di balik peran, sutradara - di belakang peran. teks pertunjukan, penulis - di belakang sistem kiasan teks sastra.

Kritikus teater "bersembunyi" di balik pertunjukan, larut di dalamnya, tetapi untuk menulis, dia harus memahami "apa itu Hecuba baginya", menemukan benang ketegangan antara dirinya dan pertunjukan dan mengungkapkan ketegangan ini dengan kata-kata. “Kata adalah alat paling akurat yang diwariskan seseorang. Dan belum pernah sebelumnya (yang terus-menerus menghibur kami ...) tidak ada yang bisa menyembunyikan apa pun dalam satu kata: dan jika dia berbohong, kata-katanya mengkhianatinya, dan jika dia tahu kebenaran dan mengatakannya, maka itu datang kepadanya. Bukan orang yang menemukan sepatah kata pun, tetapi sebuah kata menemukan seseorang ”(A. Bitov“ Rumah Pushkin ”). Saya sering mengutip kata-kata Bitov ini, tetapi apa yang dapat saya lakukan - saya menyukainya.

Karena banyak kolega yang tidak setuju dengan saya, dan bahkan dalam monograf kolektif departemen asli saya (benar-benar asli!) "Pengantar Studi Teater" yang diedit oleh Yu. sifat pekerjaan kami, maka, tentu saja, saya bersukacita ketika saya bertemu dengan kebulatan suara . Di sini, dalam wawancara baru-baru ini dengan A. Smelyansky, yang diterbitkan di Internet oleh S. Yolkin, saya membaca: “Saya menganggap teater nyata dan kritik lainnya dalam arti luas sebagai bagian dari sastra. Kriterianya sama dan tugasnya sama. Anda harus menonton pertunjukan, Anda harus benar-benar naif pada saat menonton, menghilangkan semua pengaruh asing pada diri Anda, menyerap karya dan membentuk perasaan Anda ke dalam bentuk artistik, yaitu menyampaikan kesan pertunjukan dan menginfeksi pembaca dengan kesan ini - negatif atau positif. Saya tidak tahu bagaimana ini bisa diajarkan... Tidak mungkin terlibat dalam kritik teater di luar bakat sastra. Jika seseorang tidak dapat menulis, jika bahasa bukan elemennya, jika dia tidak memahami bahwa ulasan teater adalah upaya penulisan artistik Anda tentang sebuah pertunjukan, tidak ada yang berhasil ... Kritik teater Rusia yang hebat dimulai dengan Belinsky, yang menjelaskan aktor mabuk Mochalov. Mabuk, karena terkadang mabuk saat bermain Hamlet. Belinsky menonton pertunjukan itu berkali-kali, dan artikel "Mochalov memainkan Hamlet", menurut saya, menjadi awal yang bagus dari apa yang bisa disebut kritik seni di Rusia. Vygotsky, seorang spesialis psikologi seni, dengan terkenal mengatakan: "Kritikus adalah pengatur konsekuensi seni." Untuk mengatur konsekuensi ini, Anda harus memiliki bakat tertentu” (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

Aktivitas kreatif seorang kritikus teater dalam dialognya dengan subjek penelitian, penciptaan teks sastra dirancang untuk mengubah pembaca menjadi penonton yang tercerahkan, berkembang secara emosional dan analitis, dan dalam pengertian ini, kritikus menjadi seorang penulis yang, menurut V. Nabokov, “membangunkan rasa warna pembaca melalui bahasa , penglihatan, suara, gerakan, atau perasaan lainnya, membangkitkan dalam imajinasinya gambaran tentang kehidupan fiktif yang baginya akan menjadi sejelas ingatannya sendiri. Tugas kritikus teater adalah membangkitkan rasa warna, penampilan, suara, gerakan kepada pembaca - yaitu, menciptakan kembali warna, suara, yaitu "fiksi" (meskipun tidak ditemukan olehnya, tetapi setelah akhir). dari pertunjukan yang hanya terpaku dalam ingatan subjek-kritikus, yang hidup secara eksklusif dalam pikirannya) dunia kiasan dari pertunjukan tersebut. Hanya sebagian dari teks panggung yang cocok untuk fiksasi objektif: mise-en-scene, scenography, light score. Dalam pengertian ini, referensi ke realitas apa pun yang terjadi di atas panggung malam ini tidak ada artinya, dua kritikus teater profesional, kritikus, spesialis, profesor, reprofesor duduk berdampingan terkadang secara bersamaan mengurangi arti yang berbeda - dan perselisihan mereka tidak berdasar: kenyataan yang mereka ingat dari yang berbeda, menghilang, dia adalah produk dari ingatan mereka, objek ingatan. Dua kritikus yang duduk bersebelahan akan melihat dan mendengar monolog yang sama dengan cara yang berbeda, sesuai dengan pengalaman estetika dan manusianya, selera "Zhukov" yang sama, kenangan dari sejarah, volume yang terlihat di teater, dll. Kapan seniman yang berbeda mereka meminta untuk menggambar benda mati yang sama pada saat yang sama - dan hasilnya adalah lukisan yang sama sekali berbeda, seringkali tidak hanya cocok dalam teknik melukis, tetapi bahkan dalam warna. Ini terjadi bukan karena pelukis sengaja mengubah warna, tetapi karena mata seniman yang berbeda melihat jumlah corak yang berbeda. Begitu pula dengan kritik. Teks pertunjukan itu tercetak di benak kritikus dengan cara yang sama seperti kepribadian penerima, apa aparatus internalnya, cenderung atau tidak cenderung pada “kreasi bersama dari mereka yang mengerti” (M. Bakhtin).

* Nabokov V. Ceramah tentang sastra Rusia. M., 1996.S.279.

Kritikus, yang seluruh tubuhnya selaras dengan persepsi pertunjukan, berkembang, terbuka ("tidak ada prasangka terhadap pemikiran favorit Anda. Kebebasan" - menurut wasiat Pushkin), harus memberikan pertunjukan dalam tinjauan kritis teater sehidup mungkin. Dalam pengertian ini, kritik berbeda baik dari jurnalisme teatrikal, yang dirancang untuk memberi tahu pembaca tentang peristiwa teater tertentu dan memberikan penilaian peringkat pada fenomena teater, dan dari studi teater itu sendiri. Studi teatrikal tidak kalah menariknya, tetapi mereka menetapkan tugas untuk menganalisis teks sastra, dan bukan rekreasi verbal plastik dari citra sebuah pertunjukan yang idealnya dapat membangkitkan reaksi emosional pembaca.

Ini bukan rincian deskripsi. Apalagi di tahun-tahun terakhir dengan munculnya rekaman video, bagi banyak orang mulai terlihat bahwa pertunjukan tersebut paling objektif terekam dalam film. Ini salah. Duduk di aula, kami menoleh, secara dinamis mengamati aksi dalam perkembangan polifoniknya. Difilmkan dari satu titik, pertunjukan tersebut kehilangan makna, close-up, aksen yang ada dalam pertunjukan langsung mana pun dan yang, menurut kehendak sutradara, menandai kesadaran kita. Jika rekaman dilakukan dari beberapa titik, kita dihadapkan pada interpretasi pertunjukan dalam bentuk montase. Tapi bukan itu intinya. Mendengarkan rekaman Yermolova atau Kachalov hari ini, sulit bagi kita untuk memahami kekuatan pengaruh mereka terhadap orang-orang sezaman. Teks Kugel, Doroshevich, Amfiteatrov memberi Yermolov yang hidup dalam pengaruhnya yang hidup pada penonton, orang, masyarakat - dan sisi kiasan sastra dari studi kritis mereka memainkan peran besar dalam hal ini.

KRITIK SEBAGAI PENGARAH

Hubungan kritikus dengan teks lakon sangat mirip dengan hubungan sutradara dengan lakon. Mari saya jelaskan.

Dengan menerjemahkan teks verbal (lakon) ke dalam teks spatio-temporal (panggung), mengarang, “menyulam” menurut kata-kata lakon, menafsirkan penulis naskah, membacanya, melihatnya menurut optik individu, terjun ke dunia penulis, sutradara menciptakan teks kedaulatannya sendiri, memiliki pengetahuan profesional di bidang aksi, konflik dramatis, memiliki internal tertentu, subyektif, inheren sistem figuratif, memilih satu atau beberapa metode latihan, jenis teater, dll.

Menerjemahkan hukum spatio-temporal pertunjukan menjadi rangkaian verbal, menjadi sebuah artikel, menafsirkan sutradara, membaca teks panggungnya menurut optik individu, menebak gagasan dan menganalisis perwujudannya, kritikus membuat teksnya sendiri, memiliki pengetahuan profesional dalam bidang yang sama dengan sutradara (pengetahuan teori dan sejarah teater, penyutradaraan, dramaturgi), dan dengan cara yang sama ia memperhatikan komposisi, perkembangan genre, dan perubahan internal teksnya, berjuang untuk ekspresi sastra yang maksimal. Sutradara membuat teks dramatis versinya sendiri.

Kami membuat teks panggung versi kami sendiri. Sutradara membaca lakonnya, kritikus membaca lakonnya ("Kami dan Anda sama-sama fiksi, kami memberikan versi," dia pernah berkata kepada saya untuk mendukung pemikiran ini. sutradara terkenal). M. Bakhtin menulis bahwa "kreativitas yang perkasa dan mendalam" sebagian besar tidak disadari, dan pemahaman yang beragam (yaitu, tercermin dari totalitas "pemahaman" karya oleh kritikus yang berbeda. - M.D.), diisi ulang oleh kesadaran dan terungkap dalam ragam maknanya. Dia percaya bahwa “pemahaman melengkapi teks (termasuk, tidak diragukan lagi, teks panggung. — M.D.): itu aktif dan memiliki karakter kreatif.

Pemahaman kreatif melanjutkan kreativitas, berlipat ganda kekayaan artistik kemanusiaan"*. Dalam kasus teater, pemahaman kritik tidak hanya melengkapi teks kreatif, tetapi juga mereproduksinya dalam kata, karena teks tersebut menghilang pada pukul 22.00 dan tidak akan ada lagi dalam versi seperti sekarang ini. Dalam sehari atau seminggu, para aktor akan tampil di atas panggung, yang pengalaman emosionalnya hari atau minggu ini akan mengubah sesuatu, cuacanya akan berbeda, penonton akan datang ke aula dengan reaksi berbeda, dll., Dan meskipun faktanya bahwa arti umum dari pertunjukan tersebut akan tetap kurang lebih sama, itu akan menjadi pertunjukan yang berbeda, dan kritikus akan mendapatkan pengalaman yang berbeda. Oleh karena itu, sangat penting untuk "menangkap" pertunjukan dan perasaan, pikiran, perasaan Anda sendiri yang sejajar dengannya, tepat di aula, dengan buku catatan. Inilah satu-satunya kesempatan untuk menangkap realitas pada saat kemunculan dan keberadaan realitas tersebut. Definisi, reaksi, kata yang ditulis secara spontan selama aksi adalah satu-satunya bukti dokumenter dari teks yang sulit dipahami. Kritik teatrikal secara alami dicirikan oleh dualisme persepsi profesional: Saya menonton pertunjukan sebagai penonton dan berempati dengan aksi sebagai manusia, sambil membaca teks panggung, menghafalnya, sekaligus menganalisis dan memperbaikinya untuk reproduksi sastra lebih lanjut, dan di pada saat yang sama memindai diri saya sendiri, persepsi saya, melaporkan dengan tenang, mengapa dan bagaimana saya memandang / tidak memandang kinerja tersebut. Ini membuat kritik teater benar-benar unik di antara kritikus seni lainnya. Untuk ini kita harus menambahkan kemampuan untuk mendengar penonton dan, bersatu kembali dengannya, merasakan dan memahami dialog energik antara penonton dan panggung. Artinya, kritik teater pada dasarnya bersifat polifonik dan mirip dengan penyutradaraan. Tetapi jika sutradara berbicara tentang dunia melalui lakon yang ditafsirkan, maka kritikus berbicara melalui realitas pertunjukan yang dilihat, direalisasikan, dan direproduksi dalam artikel tersebut. “Anda dapat mendeskripsikan kehidupan secara artistik - Anda mendapatkan novel, atau cerita, atau cerita pendek. Anda dapat menggambarkan fenomena teater secara artistik. Ini mencakup segalanya: kehidupan, karakter, takdir, keadaan negara, dunia” A. Smelyansky (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html). Kritikus yang baik adalah seorang penulis yang, bisa dikatakan, "di depan umum", "dengan lantang" membaca dan menganalisis bagian dari seni bukan sebagai kumpulan sederhana dari pemikiran dan posisi abstrak yang hanya ditutupi oleh "bentuk", tetapi sebagai organisme yang kompleks"*, tulis ahli kecantikan luar biasa V. Asmus. Dikatakan seolah-olah tentang penyutradaraan: lagipula, sutradara yang baik di depan umum membongkar dengan lantang dan berubah menjadi kontinum ruang-waktu, menjadi organisme yang kompleks dasar sastra pertunjukan (mari kita ambil jenis teater ini untuk saat ini).

* Asmus V.F. Membaca sebagai karya dan kreativitas // Asmus V.F. Pertanyaan tentang teori dan sejarah estetika. M., 1968.S.67-68.

Untuk "membaca dan menganalisis" pertunjukan, sutradara membutuhkan semuanya sarana ekspresi teater, dan kritik teater membutuhkan semua sarana ekspresif sastra. Hanya dengan cara itu teks panggung diperbaiki dan dicetak, dimungkinkan untuk mentransfer rangkaian artistik ke kertas, menemukan makna kiasannya dan dengan demikian meninggalkan pertunjukan untuk sejarah hanya melalui sastra nyata, yang telah disebutkan. Gambar panggung, makna, metafora, simbol harus menemukan padanan sastra dalam teks kritis teater. Mari kita merujuk pada M. Bakhtin: “Sejauh mana seseorang dapat mengungkapkan dan mengomentari makna (gambar atau simbol)? Hanya dengan bantuan makna (isomorfik) lain (simbol atau gambar). Tidak mungkin untuk membubarkannya dalam konsep (untuk mengungkapkan isi pertunjukan, hanya menggunakan peralatan teater konseptual. - M.D.). Bakhtin percaya bahwa analisis ilmiah biasa memberikan "rasionalisasi makna yang relatif", dan pendalamannya "dengan bantuan makna lain (interpretasi filosofis dan artistik)", "dengan memperluas konteks yang jauh"*. "Konteks jauh" dikaitkan dengan kepribadian kritikus, pendidikan dan perlengkapan profesionalnya.

* Bakhtin M. Estetika kreativitas verbal. M., 1979.S.362.

Genre lakon dan genre tuturan kritis-teatrikal (serta genre lakon dengan genre lakon) idealnya harus sesuai, setiap lakon membutuhkan kosa kata tertentu dari kritikus (seperti lakon dari sutradara) , mungkin gambar yang setara yang menerjemahkan kontinum ruang-waktu menjadi rangkaian verbal , pertunjukan tersebut memberikan nafas ritmis pada teks kritis teater, "membaca" teks panggung. Secara umum, kami sering memainkan pertunjukan "menurut Brecht" di atas kertas: kami memasuki gambar pertunjukan, lalu keluar dan menjelaskan, berbicara tentang kehidupan yang kami gambarkan sendiri ...

“Kritikus adalah yang pertama, pembaca terbaik; baginya, lebih dari untuk siapa pun, halaman-halaman penyair ditulis dan dimaksudkan ... Dia membaca dirinya sendiri dan mengajar orang lain untuk membaca ... memahami seorang penulis berarti sampai batas tertentu mereproduksi dia, mengulangi setelah dia proses yang diilhami dari kreativitasnya sendiri (penekanan pada saya. - M.D.). Membaca adalah menulis."* Penalaran Yu.Aikhenwald ini langsung berlaku untuk kritik teater: setelah memahami dan merasakan pertunjukan, memahami hukum artistik batinnya, menempatkan pertunjukan dalam konteks proses teater, mewujudkan asal-usul artistiknya, kritikus dalam proses penulisan "bereinkarnasi " dalam pertunjukan ini, "kehilangan" di atas kertas, membangun hubungannya dengan dia sesuai dengan hukum hubungan antara aktor dan peran - memasuki "citra pertunjukan" dan "meninggalkan" itu (lebih lanjut tentang ini di bawah) . "Keluaran" dapat berupa komentar ilmiah, "rasionalisasi makna" (menurut Bakhtin), atau "perluasan konteks yang jauh", yang dikaitkan dengan persepsi pribadi kritikus tentang dunia lakon. Tingkat sastra umum artikel, bakat atau biasa-biasa saja teks, perumpamaan, gerakan asosiatif, perbandingan yang diberikan dalam teks artikel, referensi ke gambar dalam jenis seni lain yang dapat mengarahkan pembaca-penonton ke kesejajaran artistik tertentu, menjadikannya kaki tangan dalam persepsi pertunjukan yang dikaitkan dengan kepribadian kritikus melalui teks teater-kritis dan konteks artistik secara umum, untuk membentuk penilaiannya terhadap peristiwa artistik tersebut.

* Aikhenwald Yu. Siluet penulis Rusia. M., 1994.S.25.

“Pemahaman yang tak ternilai tidak mungkin… Seseorang yang memahami mendekati sebuah karya dengan pandangan dunianya sendiri, yang sudah mapan, dari sudut pandangnya sendiri, dari posisinya sendiri. Posisi-posisi ini menentukan penilaiannya sampai batas tertentu, tetapi posisi-posisi itu sendiri tidak tetap tidak berubah: mereka dihadapkan pada karya yang selalu memperkenalkan sesuatu yang baru.<…>Orang yang mengerti tidak boleh mengecualikan kemungkinan untuk mengubah atau bahkan meninggalkan sudut pandang dan posisinya yang sudah disiapkan. Dalam tindakan pemahaman ada perjuangan, akibatnya terjadi saling perubahan dan pengayaan. Aktivitas batin kritikus dalam dialog dengan dunia artistik pertunjukan, dengan "keindahan dan kekurangan" dalam proses penguasaannya, memberikan teks kritik teater yang lengkap, dan jika kritikus menonton pertunjukan tersebut berkali-kali , dia hidup dengan itu, seperti sebuah peran, menciptakan citranya di atas kertas kertas secara bertahap dan dengan susah payah, dia selalu mengalami "dampak dari pekerjaan", karena sesuatu yang baru muncul di setiap pertunjukan. Hanya karya membuat skor pertunjukan di atas kertas ini, idealnya, kritik teater bagi saya. Kami "memainkan" pertunjukan sebagai peran.

* Bakhtin M. Estetika kreativitas verbal. hlm.346-347.

Ini sangat jarang terjadi, tetapi ini perlu diperjuangkan jika Anda benar-benar terlibat dalam kritik, dan tidak menyatakan penilaian di atas kertas.

TENTANG TEKNIK KRITIK.

BACAAN CEPAT OLEH MIKHAIL CHEKHOV

Faktanya, kita sering terlihat seperti artis yang lelah, yang berlari ke teater lima belas menit sebelum naik ke atas panggung, mengucapkan peran tersebut dengan autopilot. Kritik teatrikal yang sebenarnya mirip dengan kreativitas artistik seorang aktor - katakanlah, dalam bentuk yang dipahami oleh Mikhail Chekhov. Ketika saya membaca bukunya "On the Technique of the Actor", saya selalu berpikir bahwa itu bisa menjadi buku teks bagi seorang kritikus, bahwa alangkah baiknya kita melakukan banyak latihan untuk melatih peralatan psikofisik kita sendiri.

Saya selalu ingin menulis tentangnya secara detail, panjang lebar, perlahan, tetapi selalu tidak ada cukup waktu. Itu tidak ada bahkan sekarang, oleh karena itu, alih-alih membaca Chekhov dengan lambat, untuk saat ini saya berisiko menyarankan membaca cepat ...

Di mana Chekhov dimulai?

Malam. Setelah hari yang panjang, setelah banyak kesan, pengalaman, perbuatan dan perkataan, Anda mengistirahatkan saraf lelah Anda. Anda duduk dengan mata tertutup atau lampu di ruangan dimatikan. Apa yang muncul dari kegelapan di depan mata batin Anda? Wajah orang-orang yang Anda temui hari ini. Suara mereka, percakapan mereka, tindakan, gerakan, karakteristik atau fitur lucu mereka. Anda berlari di jalanan lagi, melewati rumah-rumah yang Anda kenal, membaca rambu-rambu... Anda secara pasif mengikuti gambar penuh warna dari kenangan hari itu.(Fragmen buku karya M. Chekhov* akan disorot selanjutnya.)

* Chekhov M. Tentang teknik aktor // Chekhov M. Warisan sastra: Dalam 2 jilid M., 1986. T. 2. S. 177-402.

Ini, atau hampir seperti ini, adalah perasaan seorang kritikus yang berasal dari teater. Malam. Dia perlu menulis artikel... Jadi atau hampir seperti ini, sebuah pertunjukan muncul di benak Anda. Anda hanya dapat mengingatnya, karena ia tidak hidup di mana pun kecuali kesadaran, imajinasi Anda.

Nyatanya, kita memasuki dunia imajinasi sejak menit pertama pertunjukan, menjalani kehidupan batin tertentu yang sejajar dengannya, saya sudah menulis tentang ini. Dan kemudian pertunjukan yang berakhir malam ini ternyata hanya membekas dalam ingatan kita, yang sedang kita hadapi realitas maya, dengan produk dari kesadarannya sendiri (terlebih lagi, teks pertunjukan dicetak dalam kesadaran kritikus sedemikian rupa seperti apa kepribadian perseptor, apa peralatan internalnya dan "perangkat persepsi").

Kami mulai mengingat pertunjukan sebagai kenyataan, hidup dalam pikiran, gambaran yang hidup di dalam diri Anda, masuk ke dalam hubungan satu sama lain, mainkan adegan di depan Anda, Anda mengikuti peristiwa yang baru bagi Anda, Anda ditangkap oleh suasana hati yang aneh dan tidak terduga. Gambar-gambar asing melibatkan Anda dalam peristiwa-peristiwa dalam hidup mereka, dan Anda sudah secara aktif mulai mengambil bagian dalam perjuangan, persahabatan, cinta, kebahagiaan, dan ketidakbahagiaan mereka ... Mereka membuat Anda menangis atau tertawa, membenci atau bersukacita dengan kekuatan lebih dari sekadar kenangan .

Hanya realitas pertunjukan yang tidak ditemukan oleh kritikus, tetapi dilihat dan direkam dalam memori dan di buku catatan. Perhatian kritikus terfokus pada mengingat - mereproduksi citra pertunjukan saat dia menulis. Dalam proses perhatian, Anda secara internal melakukan empat tindakan secara bersamaan. Pertama, Anda menjaga objek perhatian Anda secara tidak terlihat. Kedua, Anda menariknya kepada Anda. Ketiga, Anda sendiri bercita-cita untuk itu. Keempat, Anda menembusnya. Ini sebenarnya adalah proses memahami pertunjukan dan kritik teater: kritikus memegang objek pertunjukan yang tidak terlihat, menariknya ke dirinya sendiri, seolah-olah "menetap" di dalamnya, tinggal di celah dan celah teks panggung, lebih dan lebih merinci dan memperdalam pemahamannya tentang pertunjukan, bergegas ke arahnya dengan dunia batinnya sendiri, kriteria, masuk ke dalam dialog internal, menembus ke dalamnya, ke dalam hukum, struktur, atmosfernya.

Pengkritik, seperti setiap artis tahu menit seperti itu. “Saya selalu dikelilingi oleh gambar,” kata Max Reinhardt ... seru Michelangelo dengan putus asa: “Gambar menghantui saya dan memaksa saya untuk memahat bentuknya dari bebatuan!”

Gambaran pertunjukan yang dilihatnya mulai menghantui para kritikus, tokoh-tokoh yang telah menetap di benaknya benar-benar memaksa mereka untuk mengungkapkannya dengan kata-kata, dalam keliatan bahasa, mewujudkan kembali apa, menjadi materi setiap detik selama pertunjukan, telah berubah menjadi bentuk ideal dan kembali meminta dunia dari sel sempit kesadaran kritik teatrikal. (Berapa kali itu terjadi: Anda menonton pertunjukan tanpa bermaksud untuk menulis tentangnya, tetapi pertunjukan itu terus-menerus hadir dalam pikiran Anda, dan satu-satunya cara untuk "menyingkirkannya" adalah dengan duduk dan menulis.) Tidak seperti M. Chekhov, yang membuktikan kepada aktor tersebut bahwa dia ada secara mandiri gambar kreatif, kritikus teater mungkin tidak membuktikannya. Mereka benar-benar ada di luar keinginannya, untuk beberapa waktu dia mengamati mereka auditorium. Dan kemudian mereka menghilang ...

Chekhov memulai dengan protes terhadap kreativitas sebagai "produk". aktivitas otak»: kamu fokus pada dirimu sendiri. Anda menyalin emosi Anda sendiri dan menggambarkan fakta kehidupan di sekitar Anda dengan akurasi fotografis.(dalam kasus kami, Anda memperbaiki kinerja sebagai materi faktual, berjuang untuk akurasi fotografi). Dia menyerukan untuk mengambil alih kekuasaan atas gambar. Dan, terjun ke dunia pertunjukan, niscaya kita menguasai dunia kiasan yang hidup di atas panggung dan hidup di dalam diri kita. Memiliki tugas artistik tertentu, Anda harus belajar mendominasi, mengatur, dan mengarahkannya sesuai dengan tujuan Anda. Kemudian, tunduk pada keinginan Anda, gambar akan muncul di hadapan Anda tidak hanya dalam kesunyian malam, tetapi juga pada siang hari, saat matahari bersinar, dan di jalan yang bising, dan di tengah keramaian, dan di antara kekhawatiran hari itu. .

Tetapi Anda tidak boleh berpikir bahwa gambar akan muncul sebelum Anda lengkap dan lengkap. Mereka akan membutuhkan banyak waktu untuk berubah dan meningkat untuk mencapai tingkat ekspresif yang Anda butuhkan. Anda harus belajar menunggu dengan sabar.

Apa yang Anda lakukan selama masa tunggu? Anda mengajukan pertanyaan tentang gambar di depan Anda, karena Anda dapat bertanya kepada teman Anda. Seluruh periode kerja pertama (penetrasi ke dalam kinerja) lewat pertanyaan dan jawaban, Anda bertanya, dan ini adalah aktivitas Anda selama masa tunggu.

Kritikus teater melakukan hal yang sama seperti seorang aktor. Menurutnya. Dia mengajukan pertanyaan dan menunggu yang hidup dalam ingatannya realitas artistik kinerja akan mulai menjawab pertanyaannya dengan lahirnya teks.

Tetapi ada dua cara untuk mengajukan pertanyaan. Dalam satu kasus, Anda beralih ke pikiran Anda. Anda menganalisis perasaan gambar dan mencoba mempelajarinya sebanyak mungkin. Tetapi semakin Anda tahu tentang pengalaman karakter Anda, semakin sedikit Anda merasakan diri Anda sendiri.

Cara lain adalah kebalikan dari yang pertama. Dasarnya adalah imajinasi Anda. Ketika Anda mengajukan pertanyaan, Anda ingin melihat apa yang Anda tanyakan. Anda menonton dan menunggu. Di bawah tatapan ingin tahu Anda, gambar berubah dan muncul di hadapan Anda sebagai jawaban yang terlihat. Dalam hal ini, dia adalah produk dari intuisi kreatif Anda. Dan tidak ada pertanyaan yang tidak bisa Anda jawab. Segala sesuatu yang dapat menggairahkan Anda, terutama pada tahap pertama karya Anda: gaya pengarang dan lakon yang diberikan, komposisinya, gagasan utama, ciri khas karakter, tempat dan signifikansi peran Anda di antara mereka, itu fitur secara umum dan detail - semua yang dapat Anda ubah menjadi pertanyaan. Namun, tentunya tidak setiap pertanyaan akan langsung mendapat jawaban. Gambar sering membutuhkan waktu lama untuk menyelesaikan transformasi yang mereka butuhkan.

Sebenarnya tidak perlu mencetak ulang buku M. Chekhov di sini. Segala sesuatu yang dia tulis di atas cukup memadai untuk bagaimana, idealnya (saya biasanya menulis tentang apa yang idealnya, dan bukan dalam kehidupan sehari-hari yang tidak fokus yang mengkhianati profesi kita setiap hari!) Proses artistik dan analitis menghubungkan kritik dengan pertunjukan, saat koneksi intrastage dicari (hubungan satu orang dengan orang lain, yang ditulis oleh Chekhov...), bagaimana sebuah teks lahir yang tidak hanya menjelaskan kepada pembaca bagaimana pertunjukan itu bekerja, apa hukumnya, tetapi memungkinkan seseorang untuk rasakan, untuk membiasakan diri dengan subjek - bagaimana seorang aktor terbiasa dengan peran tersebut.

Itu gambar artistik yang saya amati memiliki, seperti orang-orang di sekitar saya, kehidupan batin dan manifestasi luarnya. Hanya dengan satu perbedaan: dalam kehidupan sehari-hari, di balik manifestasi eksternal, saya tidak dapat melihat, tidak dapat menebak kehidupan batin orang yang berdiri di depan saya. Tetapi gambaran artistik yang menunggu pandangan batin saya terbuka untuk saya sampai akhir dengan semua emosi, perasaan dan hasratnya, dengan semua rencana, tujuan, dan keinginan yang paling tersembunyi. Melalui kulit luar gambar, saya "melihat" kehidupan batinnya.

Luar biasa penting dalam bisnis kami menurut saya gerakan Psikologis - PZh menurut Chekhov.

Gerakan psikologis memungkinkan ... untuk membuat "sketsa arang" pertama yang bebas di atas kanvas besar. Anda menuangkan dorongan kreatif pertama Anda ke dalam bentuk gerakan psikologis. Anda membuat, seolah-olah, sebuah rencana yang dengannya Anda akan melaksanakan niat artistik Anda selangkah demi selangkah. Anda dapat membuat gerakan psikologis yang tidak terlihat secara fisik, secara fisik. Anda bisa memadukannya dengan warna tertentu dan menggunakannya untuk membangkitkan perasaan dan kemauan Anda.

Layaknya seorang aktor yang perlu berperan dengan menemukan inner well-being yang tepat, kritikus juga membutuhkan PJ.

DATANG KE KESIMPULAN.

SENTUH masalahnya.

BREAK hubungan.

AMBIL idenya.

GESER LUAR TANGGUNG JAWAB.

JATUH dalam keputusasaan.

AJUKAN PERTANYAAN, dll.

Apa yang dibicarakan semua kata kerja ini? Tentang gerak tubuh, pasti dan jelas. Dan kami membuat gerakan ini di dalam jiwa, tersembunyi dalam ekspresi verbal. Ketika kita menyentuh suatu masalah, misalnya, kita menyentuhnya bukan secara fisik, tetapi secara mental. Sifat dari gerakan sentuhan mental sama dengan gerakan fisik, dengan satu-satunya perbedaan bahwa satu gerakan bersifat umum dan dilakukan secara tidak terlihat di bidang spiritual, sedangkan yang lain, fisik, memiliki karakter tertentu dan tampaknya dilakukan di bidang fisik.

DI DALAM Akhir-akhir ini, dalam perlombaan konstan, tidak lagi melakukan kritik, memproduksi teks di perbatasan studi teater dan jurnalisme, saya jarang memikirkan PZh. Namun baru-baru ini, karena "kebutuhan produksi", saat mengumpulkan koleksi, saya membaca ulang segunung teks lama, sekitar seribu terbitan saya sendiri. Membaca artikel lama saya adalah siksaan, tetapi sesuatu tetap hidup, dan, ternyata, ini adalah teks-teks di mana, seingat saya, PZh yang saya butuhkan dalam satu kasus atau lainnya ditemukan dengan tepat.

Katakanlah saya tidak bisa mendekati "Kakak dan Adik" Dodino (ulasan surat kabar pertama tidak masuk hitungan, saya keluar dan keluar - penting untuk mendukung pertunjukan, ini genre yang berbeda ...). Pertunjukan itu ditayangkan pada awal Maret, April berakhir, majalah Teater menunggu, teksnya tidak masuk. Untuk suatu urusan, saya pergi ke Vologda asal saya, tinggal bersama teman lama ibu saya. Dan pada pagi pertama, ketika kaki telanjang menginjak lantai kayu dan papan lantai berderit (bukan parket Leningrad - papan lantai), pankreas muncul, bukan kepala, tetapi kaki, mengingat perasaan kayu masa kecil, bau beku dari kayu bakar di dekat kompor, gundukan basah di bawah matahari Maret, lantai yang tersapu panas, rakit kayu, tempat wanita membilas pakaian mereka di musim panas ... Dinding kayu Kocherginskaya, pemandangan, tanpa kehilangan makna konstruktif dan metaforisnya , mendekati saya melalui PZh yang ditemukan, saya secara psikofisik dapat memasuki pertunjukan, menariknya, menetap di dalamnya, dan menjalaninya.

Atau, saya ingat, kami sedang menyewa kamar, saya belum menulis review tentang “P. S." di Alexandrinka, pertunjukan oleh G. Kozlov berdasarkan Chrysleriana karya Hoffmann. Saya lari ke kantor di sepanjang Fontanka yang gelap, lampu menyala, keindahan Jalan Rossi terlihat, angin, musim dingin, hujan es membutakan mata saya. Tersiksa oleh produksi, lelah, saya terlambat, tetapi saya memikirkan pertunjukannya, saya menariknya ke saya dan mengulangi: "Inspirasi, ayo!" Saya berhenti: ini dia, kalimat pertama, pankreas ditemukan, saya hampir sama gugupnya dengan Chrysler, yang tidak berfungsi, salju di mata, maskara mengalir. "Inspirasi, ayo!" Saya menulis di buku catatan tepat di bawah salju. Dapat dianggap bahwa artikel telah ditulis, yang penting adalah tidak kehilangan perasaan sejahtera yang sebenarnya, ritmenya, dan bahkan menganalisis studi teaternya - ini dapat dilakukan di negara bagian mana pun ...

Jika pertunjukan itu hidup dalam pikiran Anda, Anda mengajukan pertanyaan, menariknya, memikirkannya di kereta bawah tanah, di jalan, sambil minum teh, fokus pada sifat artistiknya - PJ akan ditemukan. Kadang-kadang bahkan pakaian membantu pankreas kanan. Katakanlah, duduk untuk menulis, terkadang berguna untuk memakai topi, terkadang syal (menonton pertunjukan yang luar biasa!) atau merokok - semua ini, tentu saja, ada dalam imajinasi, karena kita berkomunikasi dengan dunia yang ideal! Saya ingat (permisi, itu saja tentang diri saya ...), saya tidak dapat mulai menulis tentang "Tanya-Tanya" di Fomenko's, sampai pada musim panas di Shchelykovo saya tiba-tiba menemukan selembar kertas hijau pucat. Itu saja, dan cocok untuk teks ini - saya pikir, dan, duduk di loggia, menyeduh teh dengan mint, saya hanya menulis satu kata di lembar ini: "Bagus!" Pankreas ditemukan, artikel muncul dengan sendirinya.

Semua yang saya maksud adalah bahwa kritik teater yang sebenarnya bukanlah aktivitas mental bagi saya, pada dasarnya idealnya sangat dekat dengan penyutradaraan dan akting (dan, sebenarnya, dengan kreativitas artistik apa pun). Yang saya ulangi tidak meniadakan kajian teater, ilmu sejarah dan teori, kebutuhan akan konteks (makin luas makin indah).

Bagian terpisah dapat dikhususkan untuk pusat imajiner yang akan baik untuk menentukan kritik yang menulis teks ... Ini terkait langsung dengan penargetan profesi.

Tetapi pada saat yang sama, teks yang ditulis tangan adalah salah satu PJ. Di komputer, itu sesuatu yang lain. Kadang-kadang saya membuat eksperimen: saya menulis sebagian teks dengan pena, saya mengetik sebagian. Saya lebih percaya pada "energi tangan", dan potongan-potongan ini pasti memiliki tekstur yang berbeda.

Di sini kita membutuhkan bentuk lampau: Saya menulis, saya percaya, saya sedang mencari PJ ... Kami semakin jarang terlibat dalam pelatihan profesional kami sendiri, karena semakin jarang para aktor datang ke ruang ganti tiga jam sebelum pertunjukan dan sesuaikan...

DAN SEDIKIT HARI INI

Sayangnya, sekarang semakin sedikit contoh dari apa yang ingin kami pertimbangkan tepatnya kritik teater. Tidak hanya ada sedikit teks sastra di halaman publikasi kami, tetapi spektrum genre sangat sempit. Seperti yang saya katakan, sesuatu yang lahir di persimpangan studi teater dan jurnalisme mendominasi.

Saat ini, seorang kritikus dengan informasi lengkap hampir menjadi produser: dia merekomendasikan pertunjukan untuk festival, menciptakan reputasi untuk teater. Anda juga dapat berbicara tentang konjungtur, pertunangan, mode, nama penayangan, dan teater - namun, pada tingkat yang sama seperti sebelumnya. “Kelas kritik diuji pada materi ketika Anda tidak menyukainya, dan Anda tidak bermain-main, tidak bersembunyi, tetapi berbicara sampai akhir. Dan jika artikel seperti itu menginspirasi rasa hormat untuk orang yang Anda tulis, itu adalah kelas tinggi, diingat, tetap dalam ingatan dia dan Anda. Pujian dilupakan keesokan paginya, dan hal-hal negatif tetap menjadi kenangan. Tetapi jika Anda tidak menyukai sesuatu dan Anda menulis tentangnya, bersiaplah untuk fakta bahwa orang tersebut akan berhenti menyapa Anda, bahwa hubungan Anda dengannya akan berakhir. Seniman secara fisiologis diatur sedemikian rupa - dia tidak menerima penyangkalan. Ini seperti mengatakan kepada seorang gadis dengan tulus: "Aku tidak menyukaimu." Anda tidak ada lagi untuknya. Keseriusan kritik diuji dalam situasi ini. Bisakah Anda tetap pada level ketika Anda tidak menerima beberapa fenomena seni dan menyangkalnya dengan segenap keberadaan Anda,” kata A. Smelyansky (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

Situasi dalam kritik kami sangat mirip dengan situasi pada pergantian abad yang lalu. Saat itu, wirausaha berkembang pesat, yaitu pasar seni berkembang, kerumunan reporter teater, di depan satu sama lain, membawa ulasan buta huruf yang tergesa-gesa ke surat kabar harian, jurnalis yang telah tumbuh menjadi pengamat - ke surat kabar yang lebih besar (pembaca terbiasa dengan nama pengamat yang sama - seorang ahli, seperti sekarang), "bulu emas" V. Doroshevich, A. Amfiteatrov, V. Gilyarovsky - menulis ke surat kabar terbesar, dan A.R. Kugel dengan sirkulasi 300 eksemplar. mulai menerbitkan majalah teater besar Teater dan Seni, yang ada selama 22 tahun. Dia menciptakannya pada akhir abad ke-19, sehingga seni kapitalisme yang berkembang akan terasa profesional dan tidak kehilangan kriteria artistik.

Saat ini sastra teater terdiri dari gelombang pengumuman surat kabar, anotasi, wawancara glamor - dan semua ini tidak dapat dianggap sebagai kritik, karena objek artistik bukanlah inti dari publikasi ini. Ini adalah jurnalisme.

Serangkaian kritik surat kabar Moskow, menanggapi dengan cepat dan penuh semangat semua pemutaran perdana yang signifikan, menciptakan kesan bahwa profesi tersebut tampaknya ada (seperti pada awal abad terakhir). Benar, lingkaran perhatian ditentukan secara ketat, daftar orang yang berkepentingan juga (di St. Petersburg ini adalah Alexandrinka, Mariinka, BDT, dan MDT). Peninjau surat kabar besar mencelupkan pena mereka ke dalam wadah tinta yang sama, gaya dan pandangannya disatukan, hanya beberapa penulis yang mempertahankan gaya masing-masing. Kalaupun objek artistik ada di tengah, maka bahasa deskripsinya biasanya tidak sesuai dengan esensi objek dalam sastra, tidak ada pembicaraan tentang sastra sama sekali.

Petersburg, bahkan kritik teater surat kabar menjadi sia-sia. Diskusi sekarang sedang berlangsung di jejaring sosial dan blog, itu bentuk baru dialog dan korespondensi, tetapi surat sekarang tidak dikirim selama beberapa hari, seperti dari Gnedich ke Batyushkov dan dari Chekhov ke Suvorin ... Semua ini, tentu saja, tidak ada hubungannya dengan kritik. Tapi blog sepertinya semacam "lingkaran", mirip dengan yang ada di "era penonton teater yang tercerahkan": di sana mereka akan mendiskusikan pertunjukan dengan Olenin atau Shakhovsky, di sini - di halaman Facebook NN atau AA . ..

Dan saya, sebenarnya, di sana juga.

Referensi singkat

Alisa Nikolskaya adalah kritikus teater profesional. Lulus dari GITIS, Fakultas Teater. 13 tahun bekerja di bidang khusus, juga terlibat dalam produksi produksi teater, pameran foto dan proyek lainnya.

Panduan Prof: Alice, beri tahu saya, mengapa kita membutuhkan kritikus teater? Siapa yang membutuhkannya di teater: penonton, artis, sutradara?

Alisa Nikolskaya: Teater adalah seni yang fana. Pertunjukan itu hidup selama satu malam dan mati dengan ditutupnya tirai. Sebaliknya, kritikus memperbaiki apa yang terjadi di atas panggung, memungkinkannya untuk hidup lebih lama. Memberikan informasi untuk jarak yang lebar orang. Artinya, ia menjalankan fungsi sebagai sejarawan dan arsiparis. Selain itu, kritikus menemukan kata-kata untuk semua yang terjadi di teater; merumuskan, menganalisis, menjelaskan. Singkatnya, dalam satu proses teatrikal, kritikus bertanggung jawab atas teori tersebut.

Panduan Prof: Bagaimana seorang kritikus bekerja? Saya menyajikannya seperti ini. Dia pergi ke belakang panggung dan berkata kepada sutradara: “Dengar, Petya! Anda menampilkan pertunjukan yang bagus. Tapi entah kenapa itu tidak cukup sempurna. Saya ingin mempersingkat adegan ini sedikit, mengubah sedikit bagian akhirnya. Sutradara mendengarkan kritik, perubahan, dan pemotongan. Karena kritik memukul kepala dengan ucapannya. Jadi?

Atau seorang kritikus menonton sebuah pertunjukan, pulang, menulis ulasan dan menerbitkannya di koran Kultura atau di majalah Teater. Kemudian dia berterima kasih atas pekerjaannya, atas pengertian dan pemuliaan.

SEBUAH.: Mungkin begitu, dan begitu. Ketika percakapan langsung terjadi antara seorang kritikus dan sutradara-aktor-penulis naskah, itu luar biasa. Bukan tanpa alasan genre diskusi lisan populer di festival teater Rusia. Artinya, kritikus datang, menonton pertunjukan, dan menganalisisnya dalam percakapan dengan tim kreatif. Ini berguna untuk kedua belah pihak: kritikus mengasah kemampuannya untuk merumuskan dan belajar untuk mendengar dan menghormati mereka yang mengerjakan lakon itu, dan Grup kreatif mendengarkan pendapat profesional dan memperhitungkannya. Hampir tidak ada hal seperti itu di Moskow, dan pembicaraan tentang pertunjukan terjadi satu kali, atas inisiatif satu pihak atau pihak lain. Bagi saya, percakapan profesional adalah hal yang sangat penting. Ini adalah kesempatan hidup untuk memajukan proses.

Teks tertulis mempengaruhi proses jauh lebih sedikit. Secara umum, nilai kata yang dicetak menurun seiring waktu. Di negara kita, katakanlah, ulasan negatif atas sebuah pertunjukan tidak memengaruhi box office, seperti di Barat. Dan sutradara, yang penampilannya ditulis umpan balik negatif sebagian besar waktu mengabaikan mereka. Mungkin karena banyak orang non-profesional menulis tentang teater, dan kepercayaan pada profesi itu sendiri telah dirusak. Dialog hari ini tidak terlalu bagus. Dan kebutuhan artis akan kritik, bahkan kritik artis, minimal.

Panduan Prof: Lidah jahat berkata: siapa pun yang tidak tahu bagaimana melakukannya sendiri akan dikritik.

SEBUAH.: Ya, ada pendapat seperti itu. Diyakini bahwa kritikus adalah mereka yang gagal menjadi aktor atau sutradara. Dan dari waktu ke waktu orang-orang seperti itu bertemu. Tetapi ini tidak berarti bahwa mereka menjadi kritikus yang buruk. Begitu pula seorang kritikus yang telah menerima pendidikan profil tidak selalu baik. Bakat dibutuhkan dalam profesi kita.

Panduan Prof: Saya pikir teater modern sangat membutuhkan kritik. Dia harus menjelaskan. Karena teater modern seringkali seperti teka-teki silang - tidak jelas. Anda harus berpikir dengan kepala Anda, bukan hanya dengan hati Anda. Apa yang kamu pikirkan tentang itu?

SEBUAH.: Tentu perlu dijelaskan. Merumuskan. Analisis prosesnya. Saat ini, ruang lingkup tontonan teater telah berkembang pesat, elemen sinema, seni video, musik, paling banyak jenis yang berbeda seni. Ini sangat menarik. Memahami drama baru, misalnya, atau tarian kontemporer, di mana segala sesuatu berubah dan bertambah dengan sangat cepat, sedang dibuat di depan mata kita. Tenang saja dan pahami. Meski hati tak bisa dimatikan. Bagaimanapun, teater saat ini memengaruhi penonton di tingkat sensorik, dan tidak mungkin untuk melihatnya hanya dengan kepala.

Panduan Prof: Bagaimana perasaan Anda tentang teater modern secara umum? Apa fenomena ini, dan pertanyaan apa yang dijawab atau coba dijawab oleh teater modern?

SEBUAH.: Saat ini ada jurang pemisah yang sangat besar antara teater, yang ada pada model setengah abad yang lalu, dan teater, yang mencoba menangkap waktu yang berubah dengan cepat saat ini, untuk menanggapinya. Jenis teater pertama tidak menjawab apapun. Dia hanya hidup. Seseorang membutuhkannya - dan demi Tuhan. Meskipun keengganan kategoris untuk masuk hari ini adalah kemalangan dan masalah. Dan jenis teater kedua, yang diwujudkan dalam kelompok kecil atau individu, sebagai aturan, mencari makanan dari apa yang ada di sekitar. Dalam pikiran dan perasaan seseorang yang datang ke auditorium dan merindukan gaung jiwanya sendiri. Ini tidak berarti bahwa teater modern menyukai sosialitas dan aktualitas - meskipun tidak mungkin dilakukan tanpa komponen ini sama sekali. Ada pendekatan ke teater sakral. Sensual, Kembali ke asal usul sifat manusia.

Panduan Prof: Bagaimana menurutmu, Alice, apa masalah utama teater kontemporer di Rusia? Apa kekurangannya?

SEBUAH.: Banyak hal yang hilang. Masalah utama - rencana sosial dan organisasi. Tidak ada kontak, dialog dengan pihak berwenang: dengan pengecualian yang jarang terjadi, pihak berwenang dan artis tidak menghubungi, pihak berwenang tidak tertarik dengan percakapan ini. Akibatnya, teater berada di pinggiran kehidupan publik, dampak teater pada masyarakat tidak. Satu kali, pengecualian tunggal.

Masalah lainnya adalah jarak antara, katakanlah, orang yang memiliki gedung dan subsidi, dan orang yang berotak dan berbakat. Lihat: di semua teater besar ada erangan - "di mana darah barunya?". Dan darah baru ini - dan penyutradaraan, dan akting, dan dramaturgi. Dan orang-orang ini ada di sini, tidak perlu terbang ke Mars untuk mereka. Tetapi untuk beberapa alasan mereka tidak diizinkan atau diterima secara minimum dalam struktur ini. Dan manajemen teater masih duduk dan memimpikan semacam "Efros baru" yang akan jatuh dari langit dan menyelesaikan semua masalah. Aku sedih melihat semua ini. Sungguh pahit melihat bagaimana para sutradara, karena tidak punya waktu untuk benar-benar mengambil tempat di teater, pergi untuk syuting serial. Sungguh pahit melihat aktor berbakat yang tidak memiliki pekerjaan yang layak selama bertahun-tahun. Sungguh pahit melihat siswa disesatkan oleh sistem pendidikan dan tidak memahami, tidak mendengar diri mereka sendiri, individualitas mereka.

Panduan Prof: Untuk menjadi kritikus teater, seseorang harus mencintai teater ("... yaitu, dengan segenap kekuatan jiwamu, dengan segenap antusiasme, dengan segala kegilaan yang hanya mampu dilakukannya ..."). Tetapi kualitas apa yang harus dikembangkan dalam diri seseorang selama pelatihan dan persiapan untuk profesi ini?

SEBUAH.: Seorang kritikus adalah profesi sekunder. Kritikus memperbaiki dan memahami apa yang dilihatnya, tetapi dia sendiri tidak menciptakan apa pun. Ini adalah momen yang sulit untuk dihadapi, terutama bagi orang yang ambisius. Anda harus siap menyadari hal ini. Dan mencintai teater adalah suatu keharusan! Tidak semuanya, tentu saja. Pembentukan selera sendiri, pendidikan mandiri juga merupakan hal yang sangat penting. Siapa yang butuh kritik, tercekik kegirangan setelah penampilan apa pun, tidak membedakan yang baik dari yang buruk? Serta orang yang pergi ke teater, seolah-olah bekerja keras, dan menggerutu melalui giginya "betapa-aku-benci-segalanya-ini" juga tidak diperlukan.

Panduan Prof: Di mana tempat terbaik untuk belajar menjadi kritikus teater?

SEBUAH.: Rektor GITIS yang tak terlupakan, Sergei Alexandrovich Isaev, mengatakan bahwa studi teater bukanlah sebuah profesi, melainkan sekumpulan ilmu. Ini benar. Di jurusan teater GITIS (tempat saya lulus, dan sebagian besar rekan saya yang sekarang berlatih kritik) mereka memberikan pendidikan seni liberal yang sangat baik. Setelah menerimanya, Anda dapat pergi, katakanlah, ke sains, atau, sebaliknya, ke PR, atau Anda bahkan dapat beralih dari teater ke hal lain. Tidak setiap orang yang lulus dari jurusan teater kami menjadi kritikus tulisan. Tapi - dan tidak semua kritikus datang ke profesi dari departemen teater.

Menurut saya, untuk orang yang paling banyak memilih jalur "menulis". guru terbaik adalah praktek. Menulis tidak mungkin untuk diajarkan. Jika ini sulit bagi seseorang, maka dia tidak akan pernah terbiasa dengan bisnis ini (saya telah melihat banyak kasus seperti itu). Dan jika ada kecenderungan, maka ilmu yang didapat di universitas akan membantu Anda pergi ke tempat yang Anda inginkan. Benar, saat ini kritik teatrikal sebagian besar telah berubah menjadi jurnalisme teater. Dan bias ini tidak ada di universitas. Dan orang-orang, meninggalkan tembok GITIS yang sama, mungkin tidak siap untuk eksistensi lebih lanjut dalam profesi tersebut. Di sini banyak hal bergantung pada guru dan orang itu sendiri.

Departemen teater GITIS mungkin yang paling banyak tempat terkenal, di mana mereka mengajar "mengkritik". Tapi bukan satu-satunya. Jika kita berbicara tentang Moskow, maka jurusan studi teater ditawarkan oleh sebagian besar universitas seni liberal. RSUH misalnya, yang kualitas pendidikannya tinggi.

Panduan Prof: Seperti apa karir kritikus teater?

SEBUAH.: Sulit untuk dikatakan. Bagi saya, karier seorang kritikus adalah tingkat pengaruhnya terhadap proses. Ini adalah pengembangan gaya individu yang diakui oleh kritikus. Dan momen keberuntungan, kesempatan untuk "masuk waktu yang tepat di tempat yang tepat" juga ada.

Panduan Prof: Anda sekarang memproduksi drama. Dari mana asalnya? Kehabisan kesabaran? Apakah ada sesuatu yang tumbuh ke dalam jiwa? Bagaimana Anda memahami bahwa ITU TUMBUH? Bagaimana itu memperkaya Anda?

SEBUAH.: Ada banyak faktor di sini. Beberapa tahun yang lalu, saya merasa kurang puas dengan realitas teatrikal yang ada. Dia kehilangan sesuatu. Dan ketika ada sesuatu yang hilang, dan Anda mengerti apa itu, Anda bisa menunggu perubahan, atau melakukannya sendiri. Saya memilih yang kedua. Karena saya orang yang aktif, dan saya tidak tahu bagaimana duduk di satu tempat dan menunggu.

Saya sangat suka mencoba hal-hal baru. Lima tahun lalu kami datang dengan proyek seniman foto Olga Kuznetsova yang luar biasa "phototheatre". Kami menggabungkan karya akting di kamera dan orisinalitas ruang. Satu proyek, "Power ruang terbuka”, ditampilkan di Pusat Teater “On Strastnoy” sebagai bagian dari pameran besar tiga fotografer. Yang lainnya adalah “Royal Games. Richard the Third", jauh lebih produktif - dibuat setahun kemudian dan ditampilkan di Meyerhold Center. Singkatnya, kami mencoba - berhasil. Sekarang saya mengerti betapa menariknya arah ini, dan bagaimana hal itu dapat dikembangkan.

Persis dengan prinsip yang sama "menarik - saya mencobanya - ternyata" proyek saya yang lain sedang dibuat. Karya pembuat film muda menjadi menarik - sebuah program pemutaran lahir film pendek di CIM. Saya terbawa oleh ruang klub - saya mulai mengadakan konser. Ngomong-ngomong, saya sangat menyesal telah meninggalkan pekerjaan ini. Saya ingin kembali ke sana. Dan jika besok saya menyukai sesuatu yang lain, saya akan pergi dan mencoba melakukannya.

Sejauh menyangkut teater, di sinilah saya masih di awal perjalanan saya. Ada banyak ide. Dan semuanya terfokus, dalam banyak hal, pada orang - aktor, sutradara, artis - yang saya cintai, yang visinya tentang dunia dan teater sesuai dengan visi saya. Kerja tim sangat penting bagi saya. Perasaan ketika kamu tidak sendiri, kamu didukung, kamu tertarik itu luar biasa. Tentu saja, ada kesalahan dan kekecewaan. Dengan konsekuensi yang menyakitkan dan pahit. Tapi ini pencarian, proses, ini normal.

Anda tahu, ini adalah perasaan yang menyenangkan ketika Anda melihat, misalnya, beberapa artis luar biasa, atau Anda membaca sebuah drama - dan tiba-tiba sesuatu mulai berdenyut di dalam, Anda berpikir "ini milik saya!". Dan Anda mulai menemukan: untuk artis - peran, untuk drama - sutradara. Anda membangun seluruh urutan pekerjaan di kepala Anda dan di atas kertas: bagaimana mendapatkan uang, bagaimana meyakinkan orang untuk bekerja dengan Anda, memikat mereka dengan semangat Anda sendiri, bagaimana mengumpulkan tim, bagaimana mempromosikan produk jadi, mengaturnya takdir. Jumlah pekerjaannya, tentu saja, sangat besar. Penting untuk tidak takut, tetapi bergerak maju tanpa gangguan.

Panduan Prof: Apa kredo Anda dalam profesi kritik?

SEBUAH.: Kredo, betapapun basi - jadilah diri sendiri. Jangan berbohong. Jangan membunuh dengan kata-kata. Jangan melakukan pembongkaran, pertikaian. Kebetulan karakter tertentu - aktor atau sutradara - terus terang tidak menyenangkan, dan berbicara tentang pekerjaannya, Anda tanpa sadar mulai mencari apa yang buruk. Dan ketika Anda menemukannya, Anda benar-benar ingin menjelajah di tanah ini. Ini tidak bagus. Kita harus memoderasi semangat kita. Saya selalu mengatakan ini pada diri saya sendiri. Meskipun kebetulan saya tidak menahan diri.

Panduan Prof: Apa kesulitan utama profesi ini bagi Anda? Apa kewajiban profesi ini? Jadi saya melihat bahwa Anda menghabiskan hampir seluruh malam Anda di teater. Bukankah ini kerja keras?

SEBUAH.: Tidak, bukan kerja keras sama sekali. Saya tidak bosan mengatakan bahwa profesinya, meskipun sangat dicintai, tidak menghabiskan seluruh hidup. Dan tidak mungkin habis. Jika tidak, Anda bisa menjadi orang yang sangat tidak bahagia. Dan saya memiliki contoh seperti itu di depan mata saya. Ya, teater menghabiskan sebagian besar waktu saya. Tapi itu pilihan sadar. Banyak orang yang saya cintai dan ajak bicara adalah orang-orang dari lingkaran teater. Dan saya sangat tertarik untuk berbicara dengan mereka, termasuk tentang profesinya. Tapi saya juga punya teman yang sama sekali non-teater, dan hobi non-teater - dan alhamdulillah mereka memang begitu. Anda tidak dapat mengunci diri Anda dalam pekerjaan. Penting untuk menjadi orang yang hidup, bernafas dan merasakan. Dan kerja tidak boleh didekati sebagai kerja paksa. Kalau tidak, Anda tidak bisa melakukannya. Perlu untuk memperluas batas-batas persepsi.

Saya tidak pernah mengerti mereka yang hanya mengikuti pertunjukan dramatis, misalnya. Sekarang semua jenis seni saling menembus. Saya pergi ke opera dan balet, ke konser dan film. Dan bagi saya ini bukan hanya kesenangan atau hiburan, tapi juga bagian dari pekerjaan.

Kesulitan bagi saya, misalnya, adalah tidak membohongi diri sendiri dan tidak berpura-pura. Terkadang Anda melihat tontonan yang luar biasa - dan Anda tidak tahu bagaimana mendekatinya untuk menyampaikan dengan kata-kata apa yang Anda lihat. Jarang, tapi itu terjadi. Dan kemudian Anda meninggalkan aula, Anda terbakar, Anda terbakar, dan saat Anda duduk untuk menulis - kesyahidan. Tetapi ada siksaan, dan ketika Anda menghadapi kinerja yang sangat buruk. Bagaimana mengatakan bahwa ini buruk, tetapi tidak menyemprotkan racun dan tidak tunduk pada pelecehan, tetapi dengan jelas menyatakan semua "apa" dan "mengapa". Saya telah menjalani profesi ini selama tiga belas tahun. Tetapi sering terjadi bahwa teks baru adalah ujian bagi saya. Untuk diriku sendiri, pertama-tama.

Panduan Prof: Apa manisnya profesi ini bagi Anda?

SEBUAH.: Dalam prosesnya. Anda datang ke teater, Anda duduk di aula, Anda melihat. Anda membuat catatan. Kemudian Anda menulis, berpikir, merumuskan. Anda mencari asosiasi, sensasi, gema dari apa yang telah Anda lihat (atau baca) di dalam diri Anda. Anda menggambar kesejajaran dengan bentuk seni lainnya. Semua ini adalah perasaan luar biasa yang tidak bisa dibandingkan dengan apapun.

Dan satu kesenangan lagi - wawancara. Saya tidak terlalu suka melakukan wawancara, tetapi ada orang yang bertemu dengan kegembiraan dan kebahagiaan. Yuri Lyubimov, Mark Zakharov, Tadashi Suzuki, Nina Drobysheva, Gennady Bortnikov... Ini adalah manusia luar angkasa. Ya, dan masih banyak lagi yang bisa disebutkan. Setiap pertemuan adalah pengalaman, pengakuan, pemahaman tentang alam, manusia dan kreatif.

Panduan Prof: Apakah mungkin menghasilkan uang sebagai kritikus teater?

SEBUAH.: Bisa. Tapi itu tidak mudah. Banyak tergantung pada aktivitas Anda sendiri. Seperti yang dikatakan salah satu teman dan kolega saya, "seberapa banyak saya berlari, saya mendapat banyak uang." Selain itu, perlu diingat bahwa teks tentang teater tidak diminati oleh semua media. Oleh karena itu, Anda hidup dalam ekstrim yang konstan. Mencari kombinasi kebutuhan internal, profesional, dan kelangsungan hidup yang dangkal. Terapkan pengetahuan dan keterampilan Anda secara maksimal.

Pahami kesibukan kegiatan teater negara kita terkadang sangat sulit. Jika ingin selalu up to date acara penting di area ini, dan jangan salah perhitungan dengan pilihan pertunjukan - portal "ZagraNitsa" menyarankan untuk berlangganan halaman beberapa kritikus teater di jejaring sosial

Pavel Rudnev

Pavel Rudnev adalah kritikus dan manajer teater. Sekarang dia bekerja sebagai asisten direktur artistik Teater Seni Moskow dinamai A.P. Chekhov dan rektor Sekolah-Studio Teater Seni Moskow pada proyek-proyek khusus. PhD dalam Sejarah Seni, berspesialisasi dalam dramaturgi kontemporer.

Foto: facebook.com/pavel.rudnev.9 2

Vyacheslav Shadronov

Penduduk Moskow yang tertarik dengan kehidupan budaya kota harus memperhatikan blog LiveJournal Vyacheslav Shadronov, yang dikenal sebagai _ARLEKIN_. Kritikus dengan senang hati membagikan pendapatnya secara detail dan aktif tidak hanya tentang pertunjukan, tetapi juga tentang film, pameran, konser, dan acara menarik lainnya.

Foto: Igor Guzey

Zhanna Zaretskaya

Tetapi untuk keragaman kehidupan teater ibu kota Utara - ke Zhanna Zaretskaya. Di halaman Facebook-nya, kritikus secara aktif mengungkapkan pendapatnya tentang pertunjukan dan acara yang berhasil ia hadiri. Setelah membaca postingan singkat dan cemerlang dari Zhanna Zaretskaya, Anda pasti ingin mengunjungi teater.

Foto: facebook.com/zhanna.zaretskaya 4

Alena Solntseva

Kandidat sejarah seni, kritikus dan ahli teater Alena Solntseva berhasil bekerja di beberapa majalah dan surat kabar. Hari ini, pemikirannya tentang teater favoritnya dan acara budaya lainnya dapat diikuti di Facebook. Kritikus juga menyimpan kolomnya sendiri di halaman publikasi online Gazeta.ru.

Foto: facebook.com/alsolntseva 5

Alla Shenderova

Anda juga dapat mengetahui acara teater (dan tidak hanya) mana yang harus Anda perhatikan di halaman Facebook Alla Shenderova. Anda bisa membaca materi kritikus teater, editor majalah Theatre.