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Strumenti musicali dell'epoca barocca. Musica strumentale del XVII secolo Quali strumenti erano popolari nel XVII secolo

Organo

Uno strumento musicale complesso composto da un soffiatore d'aria, un insieme di tubi di legno e metallo misure differenti e dalla consolle esecutiva (pulpito), su cui si trovano le manopole dei registri, diverse tastiere e pedaliere.

Clavicembalo

Verginale

Spinetta

La spinetta è un piccolo clavicembalo di forma quadrata, rettangolare o pentagonale.

Claviciterio

Il claviciterium è un clavicembalo a corpo verticale.

Clavicordo

Stringhe di stringhe

violino barocco

Articolo principale: violino barocco

contrabbasso

Lo strumento ad arco più grande e dal suono più profondo dell'orchestra. Si gioca in piedi o seduti su uno sgabello alto.

Pizzicato a corda

liuto barocco

Nel XVI secolo il liuto a sei corde era il più comune (gli strumenti a cinque corde erano conosciuti nel XV secolo), durante il passaggio al XVII secolo (era tardo barocca) il numero di corde raggiunse le ventiquattro. Molto spesso c'erano da 11 a 13 corde (9-11 coppie e 2 singole). Costruisci accordo in re minore (a volte maggiore).

Tiorba

La tiorba è una versione per basso del liuto. Il numero di corde va da 14 a 19 (per lo più singole, ma c'erano anche strumenti a coppie).

Quitarrone

Kitarrone - varietà di basso del cosiddetto. Chitarra italiana (uno strumento dal corpo ovale, in contrasto con lo spagnolo g.). Il numero di corde è 14 singole. Quitarrone non sembra praticamente diverso dalla tiorba, ma ha un'origine diversa da essa.

archilute

Più piccolo della tiorba. Il più delle volte aveva 14 corde, le prime sei nell'accordatura tipica del Rinascimento - (a differenza del liuto barocco, in cui le prime sei corde davano un accordo di re minore) erano costruite in un quarto pulito, ad eccezione della 3a e 4a, che sono stati costruiti in grande terzo.

Angelica

Mandora

Gallichón

Cetra

archicitra

Mandolino

chitarra barocca

Articolo principale: chitarra barocca

La chitarra barocca aveva solitamente cinque paia (cori) di corde di budello. Le prime chitarre barocche oa cinque cori sono note dalla fine del XVI secolo. Fu allora che alla chitarra fu aggiunto il quinto coro (prima era fornito con quattro corde accoppiate). Lo stile rasgeado rende questo strumento estremamente popolare.

Stringi gli altri

ghironda

La ghironda ha da sei a otto corde, la maggior parte delle quali suona simultaneamente, vibrando a causa dell'attrito contro la ruota girata dalla mano destra. Una o due corde separate, la cui parte sonora viene accorciata o allungata con l'aiuto di bacchette con la mano sinistra, riproducono la melodia e le corde rimanenti emettono un ronzio monotono.

Ottone

Corno francese

Il corno barocco non aveva meccanica e permetteva di estrarre solo i toni della scala naturale; per suonare in ciascuna delle chiavi è stato utilizzato uno strumento separato.

Corno

Strumento musicale a bocchino in ottone a fiato senza valvole, con canna conica.

Trombone

Il trombone sembra un grosso tubo metallico di forma ovale. Il bocchino è posto nella sua parte superiore. La curva inferiore del trombone è mobile e si chiama ali. Tirando fuori la campana si abbassa il suono, spingendola dentro si alza il suono.

Legni

flauto traverso

Flauto a blocchi

Chalumot

Oboe

Fagotto

quartofagotto

Quartfagotto - un fagotto allargato. Nella scrittura, la parte del quarto di fagotto si scrive allo stesso modo del fagotto, ma suona una quarta giusta sotto la nota scritta.

controfagotto

Il controfagotto è una versione per basso del fagotto.

Batteria

timpani

Il timpano è uno strumento musicale a percussione con un certo tono. Il tono viene regolato utilizzando viti o un meccanismo speciale, il più delle volte sotto forma di un pedale.

CAPITOLO 2. La chitarra conquista l'Europa

Nel XVII secolo la chitarra continuò a conquistare l'Europa.
Una delle chitarre dell'epoca appartiene al museo del Royal College of Music di Londra. Creato a Lisbona nel 1581 da un certo Melchior Dias.
La struttura di questa chitarra ha caratteristiche che verranno ripetute nel loro lavoro dai maestri di strumenti musicali per più di due secoli.

Chitarra battente italiana del XVII secolo proveniente dalla collezione del Castello Sforzesco di Milano.

Tutte le chitarre di quel tempo erano riccamente ornate. Per la realizzazione di un oggetto così squisito, gli artigiani utilizzano materiali pregiati: legni rari (in particolare nero - ebano), avorio, tartaruga. Il piano inferiore e le fiancate sono decorati con intarsi. Il ponte superiore, al contrario, rimane semplice ed è realizzato in legno di conifere (il più delle volte abete rosso). Per non sopprimere le vibrazioni, solo il foro del risonatore ei bordi della cassa lungo tutta la sua circonferenza sono rifiniti con mosaici in legno.
L'elemento decorativo principale è una coccarda realizzata in pelle goffrata. Questa rosetta non solo rivaleggia con la bellezza dell'intero cabinet, ma ammorbidisce anche i suoni prodotti. Ovviamente, i proprietari di questi lussuosi strumenti erano interessati non tanto alla forza e alla potenza quanto alla raffinatezza del suono.
Uno dei primi esempi di chitarre del XVII secolo che ci sono pervenuti è nella collezione del Museo degli strumenti musicali del Conservatorio di Parigi. Porta il nome dell'artigiano, il veneziano Cristofo Coco, e la data 1602. Il corpo piatto è interamente costituito da lastre d'avorio fissate con sottili listelli di legno bruno.

Agostino Quesnel Chitarrista 1610

Nel XVII secolo, lo stile razgueado, portato dalla Spagna, dove era popolare, si diffuse in gran parte dell'Europa. La chitarra perde immediatamente l'importanza che aveva per i musicisti seri. D'ora in poi, viene utilizzato solo per l'accompagnamento, per "cantare, suonare, ballare, saltare ... battere i piedi", come scrive Louis de Briseno nella prefazione al suo "Metodo" (Parigi, 1626).
Anche il teorico bordolese Pierre Trichet annota con rammarico (1640 circa): "La chitarra, o hyterna, è uno strumento largamente usato tra i francesi e gli italiani, ma specialmente tra gli spagnoli, che la usano così sfrenatamente come nessun altro nazione." Serve come accompagnamento musicale ai balli che ballano, "contrazioni dappertutto, gesticolando in modo ridicolo e ridicolo, così che suonare lo strumento diventa poco chiaro e confuso". E indignato per ciò che deve osservare, Pierre Trichet continua: “In Francia, dame e cortigiane che conoscono la moda spagnola cercano di imitarla. In questo somigliano a quelli che, invece di mangiare bene in casa propria, vanno dal vicino a mangiare lardo, cipolle e pane nero.

David Teniers Junior Chitarrista

Mattia Pretti Concerto 1630

Nonostante ciò, la chitarra rimane popolare in Francia. La chitarra è prontamente utilizzata nei balletti. In The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) e The Rich Widow (1626), musicisti vestiti con costumi spagnoli suonano la chitarra per maggiore credibilità. Nel primo balletto, gli interpreti della ciaccona "adattano i suoni delle loro chitarre ai movimenti agili dei loro piedi". Nella seconda, messa in scena da Sua Maestà nella Sala Grande del Louvre, si dispiega anche l'entre dei granatieri con l'accompagnamento della chitarra. Secondo il Mercure de France, lo stesso Luigi XIII ha accompagnato i due ballerini di sarabande alla chitarra in questa performance.

Gerrit van Honthorst suonare la chitarra 1624

Jan Vermeer Chitarrista 1672

A metà del XVII secolo inizia un nuovo periodo di massimo splendore della chitarra. E questa volta l'aggiornamento arriva dalla Francia. Per insegnare la chitarra al giovane re di Francia viene chiamato a corte il celebre maestro e musicista Francesco Corbetta (1656). Non osando affermare (a differenza di alcuni cortigiani) che in diciotto mesi Luigi XIV superò il suo maestro, non si può però dubitare della vera passione del re per lo strumento. Durante il suo regno, la chitarra ridiventa la beniamina dell'aristocrazia e dei compositori. E ancora la moda per la chitarra conquista tutta l'Europa.

Incisione dalla copertina di una vecchia edizione di Pezzi per Chitarra. 1676

Francisco Goya Danza sulla riva del fiume 1777

Francisco Goya il chitarrista cieco 1788

Ramon Baie Un giovane con una chitarra. 1789 Museo del Prado. Madrid

Alla fine del regno di Luigi XIV († 1715), arriva una svolta nella storia della chitarra: la corte reale ne diventa indifferente.
Tuttavia, è ancora popolare tra le persone. Mademoiselle de Charolais nel ritratto da lei commissionato è presentata con una chitarra tra le mani, pizzicandone leggermente le corde. Watteau e Lancret introducono la chitarra nella rappresentazione delle scene d'amore. E allo stesso tempo è uno strumento per attori farseschi e comici itineranti!
Il lavoro di Watteau e Lancre e la chitarra è una pagina a parte pittura francese, quindi ho deciso di dedicare gallerie separate a questi artisti in questo materiale.

Jean-Antoine Watteau
Jean-Antoine Watteau

Rosalba Carriere Ritratto di Jean-Antoine Watteau 1721

Pittore e disegnatore francese, fondatore e massimo maestro dello stile rococò. Nel 1698-1701 Watteau studiò con l'artista locale Gerin, su insistenza del quale copiò le opere di Rubens, Van Dyck e altri pittori fiamminghi. Nel 1702 Watteau partì per Parigi e trovò presto un maestro e mecenate nella persona di Claude Gillot, artista teatrale e decoratore che dipinse scene della vita del teatro moderno. Watteau ha rapidamente superato il suo insegnante in abilità e ca. 1708 entrò nello studio del decoratore Claude Audran. Nel 1709 Watteau tentò senza successo di vincere il Grand Prix dell'Accademia delle arti, ma il suo lavoro attirò l'attenzione di diverse persone influenti, tra cui il filantropo e conoscitore della pittura Jean de Julienne, il mercante d'arte Edmond Francois Gersin, il banchiere e il collezionista Pierre Crozat, nella cui casa l'artista visse per qualche tempo, ecc. Nel 1712 Watteau fu introdotto al titolo di accademico e nel 1717 divenne membro della Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau morì a Nogent-sur-Marne il 18 luglio 1721.

Jean-Antoine Watteau Commedia italiana 1714

Jean Antoine Watteau Veduta tra gli alberi nel parco di Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles con la sua famiglia 1716

La storia di Jean Antoine Watteau Pierrot

Jean Antoine Watteau Canzone d'amore 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicola Lancret

Nicolas Lancre Autoritratto 1720

Artista francese, nato a Parigi. Studiò prima con Pierre Dulin, e poi dal 1712 circa lavorò per diversi anni sotto la guida di Claude Gillot, attraverso il quale conobbe Jean Antoine Watteau, che ebbe una grande influenza sul suo lavoro. Lancre si è rivolto agli stessi soggetti di Watteau: ha scritto i personaggi della commedia dell'arte italiana e scene di "feste galanti". Inoltre, ha illustrato le favole di La Fontaine e creato quadri di genere. Lancret morì a Parigi nel 1743.

Nicola Lancret Concerto nel Parco 1720

Nicola Lancre Vacanza in giardino

Nicola Lancre Concerto nel Parco

Conversazione galante di Nicola Lancre

La nuova ascesa della chitarra, secondo Michel Brenet, è associata all'emergere di due talentuosi cantanti che si esibiscono nei salotti. Eseguono duetti, accompagnandosi. Questi sono i famosi Pierre Geliot e Pierre de la Garde.
Il famoso dipinto di Michel Bartolomeo Olivier Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti trasmette l'atmosfera di questi incontri secolari.

Da Wikipedia, l'enciclopedia libera

Tastiere

Organo

Complesso strumento musicale costituito da un meccanismo ad iniezione d'aria, un insieme di canne in legno e metallo di varie dimensioni, e una consolle (leggio) da concerto, sulla quale sono posizionate manopole di registro, varie tastiere e pedaliere.

Clavicembalo

Verginale

Spinetta

La spinetta è un piccolo clavicembalo di forma quadrata, rettangolare o pentagonale.

Claviciterio

Il claviciterium è un clavicembalo a corpo verticale.

Clavicordo

Stringhe di stringhe

violino barocco

Baritono

Viola basso tipo "piede" (gamba). Il suono del baritono è stato estratto con un arco di sei corde di budello, con corde simpatiche poste sotto di esse. Dalle corde simpatiche (aggiuntive), il suono è stato estratto con un pizzico con il pollice della mano sinistra.

Violino

Viola basso tipo "piede" (gamba).

Ferro

Viola basso tipo "piede" (gamba). Appositamente adattato per suonare accordi.

Violoncello

Il violoncello è uno strumento a corda del registro basso-tenore. 4 corde sono accordate per quinte (a e sale di un'ottava grande, Re piccolo, la prima). Il violoncello apparve tra la fine del XV e l'inizio del XVI secolo. I violoncelli classici sono stati creati da maestri italiani del XVII e XVIII secolo. Antonio Amati e Girolamo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari.

contrabbasso

Lo strumento ad arco più grande e dal suono più profondo dell'orchestra. Si gioca in piedi o seduti su uno sgabello alto.

Pizzicato a corda

liuto barocco

Tiorba

La tiorba è una versione per basso del liuto. Il numero di corde va da 14 a 19 (per lo più singole, ma c'erano anche strumenti a coppie).

Quitarrone

archilute

Angelica

Mandora

Gallichón

Cetra

archicitra

Mandolino

chitarra barocca

Stringi gli altri

ghironda

Ottone

Corno francese

Il corno barocco non aveva meccanica e permetteva di estrarre solo i toni della scala naturale; per suonare in ciascuna delle chiavi è stato utilizzato uno strumento separato.

Corno

Strumento musicale a bocchino in ottone a fiato senza valvole, con canna conica.

Trombone

Legni

flauto traverso

Flauto a blocchi

Chalumot

Oboe

Fagotto

quartofagotto

Quartfagotto - un fagotto allargato. Nella scrittura, la parte del quarto di fagotto si scrive allo stesso modo del fagotto, ma suona una quarta giusta sotto la nota scritta.

controfagotto

Il controfagotto è una versione per basso del fagotto.

Batteria

timpani

Il timpano è uno strumento musicale a percussione con un certo tono. Il tono viene regolato utilizzando viti o un meccanismo speciale, il più delle volte sotto forma di un pedale.

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Appunti

Un estratto che caratterizza gli strumenti musicali dell'epoca barocca

"Ci sarà qualche ordine dalla tua alta nobiltà?" - disse a Denissov, portandosi la mano alla visiera e tornando di nuovo al gioco dell'aiutante e del generale, per il quale si era preparato, - o dovrei restare con il tuo onore?
«Ordini?» disse pensieroso Denisov. - Puoi restare fino a domani?
- Oh, per favore... Posso stare con te? Petya urlò.
- Sì, esattamente come ti è stato ordinato dal geneg "ala - ora per uscire"? chiese Denisov. Petya arrossì.
Sì, non ha detto niente. Penso che sia possibile? disse interrogativo.
"Bene, va bene", disse Denissov. E, rivolgendosi ai suoi subordinati, ordinò che il gruppo andasse al luogo di riposo designato vicino al corpo di guardia nella foresta e che l'ufficiale su un cavallo kirghiso (questo ufficiale fungeva da aiutante) andasse a cercare Dolokhov, scoprire dove si trovava era e se sarebbe venuto la sera . Lo stesso Denissov, con l'esaul e Petya, intendeva guidare fino al limite della foresta, sovrastante Shamshev, per vedere la posizione dei francesi, che doveva essere diretta all'attacco di domani.
"Bene, l'ode di Dio", si rivolse al conduttore contadino, "portami da Shamshev.
Denissov, Petya e l'esaul, accompagnati da diversi cosacchi e da un ussaro che trasportava un prigioniero, si diressero a sinistra attraverso il burrone, fino ai margini della foresta.

La pioggia era passata, solo nebbia e gocce d'acqua cadevano dai rami degli alberi. Denissov, l'esaul e Petya seguirono silenziosamente il contadino con il berretto, il quale, camminando leggermente e silenziosamente con i piedi scoperti in scarpe di rafia sulle radici e sulle foglie bagnate, li condusse ai margini della foresta.
Uscendo dall'izvolok, il contadino si fermò, si guardò intorno e si diresse verso il muro di alberi che si assottigliava. Presso una grande quercia, che non aveva ancora perso le foglie, si fermò e gli fece misteriosamente cenno con la mano.
Denissov e Petya si avvicinarono a lui. Dal luogo in cui si fermò il contadino, i francesi erano visibili. Ora un campo primaverile stava scendendo dietro la foresta come una mezza collinetta. A destra, attraverso un ripido burrone, si vedeva un piccolo villaggio e una casa padronale dai tetti crollati. In questo villaggio, nella casa padronale, e lungo tutto il poggio, nel giardino, presso i pozzi e lo stagno, e lungo tutta la strada in salita dal ponte al villaggio, a non più di duecento sazhen, folle di persone poteva essere visto nella nebbia ondeggiante. Le loro grida non russe si udivano chiaramente dai cavalli sui carri che si arrampicavano sulla montagna e si chiamavano l'un l'altro.
"Porta qui il prigioniero", disse piano Denisop, senza distogliere lo sguardo dal francese.
Il cosacco smontò da cavallo, tolse il ragazzo e insieme a lui si avvicinò a Denissov. Denisov, indicando i francesi, chiese che tipo di truppe fossero. Il ragazzo, infilandosi le mani gelate nelle tasche e alzando le sopracciglia, guardò Denissov spaventato e, nonostante il suo apparente desiderio di dire tutto ciò che sapeva, si confuse nelle sue risposte e confermò solo ciò che Denisov stava chiedendo. Denissov, accigliato, gli voltò le spalle e si rivolse all'esaul, raccontandogli i suoi pensieri.
Petya, girando la testa con rapidi movimenti, guardò prima il batterista, poi Denisov, poi l'esaul, poi i francesi nel villaggio e per strada, cercando di non perdere qualcosa di importante.
- Pg "sta arrivando, non pg" è Dolokhov, devi bg "a! .. Eh?", Disse Denisov, con gli occhi che lampeggiavano allegramente.
"Il posto è comodo", disse l'esaul.
"Invieremo la fanteria dal basso: dalle paludi", continuò Denissov, "strisceranno fino al giardino; chiamerai con i cosacchi da lì ", Denisov indicò la foresta fuori dal villaggio," e io sono di qui, con i miei gusag.
"Non sarà possibile in una conca - è un pantano", disse l'esaul. - Impangerai i cavalli, devi girare a sinistra ...
Mentre parlavano sottovoce in questo modo, in basso, nell'incavo dello stagno, uno sparo è scattato, il fumo ha cominciato a diventare bianco, un altro e un grido amichevole, come allegro, di centinaia di voci di francesi che erano sulla mezza montagna si udì. Nel primo minuto sia Denisov che l'esaul si sono appoggiati all'indietro. Erano così vicini che sembrava loro che fossero la causa di questi colpi e urla. Ma gli spari e le urla non appartenevano a loro. Sotto, attraverso le paludi, correva un uomo vestito di rosso. Ovviamente i francesi gli sparavano e gli urlavano contro.
- Dopotutto, questo è il nostro Tikhon, - disse l'esaul.
- Lui! sono!
"Eka canaglia", ha detto Denisov.
- Partire! - strizzando gli occhi, disse l'esaul.
L'uomo che chiamavano Tikhon, correndo verso il fiume, vi si lasciò cadere dentro così che gli spruzzi volarono e, nascondendosi per un momento, tutto nero dall'acqua, scese a quattro zampe e corse avanti. I francesi, che gli correvano dietro, si fermarono.
- Bene, intelligente, - disse l'esaul.
- Che bestia! disse Denisov con la stessa espressione di fastidio. E cosa ha fatto finora?
- Chi è questo? chiese Petja.
- Questo è il nostro plast. L'ho mandato a imparare la lingua.
"Ah, sì", disse Petya dalla prima parola di Denissov, annuendo come se capisse tutto, anche se decisamente non capiva una sola parola.
Tikhon Shcherbaty era una delle persone più necessarie alla festa. Era un contadino di Pokrovsky vicino a Gzhatya. Quando, all'inizio delle sue azioni, Denisov è venuto a Pokrovskoye e, come sempre, chiamando il capo, ha chiesto cosa sapevano dei francesi, il capo ha risposto, poiché tutti i capi hanno risposto, come se si difendessero, che non lo sapevano qualsiasi cosa, sanno che non lo sanno. Ma quando Denisov ha spiegato loro che il suo obiettivo era battere i francesi, e quando ha chiesto se i francesi fossero entrati in loro, il capo ha detto che c'erano sicuramente dei predoni, ma che nel loro villaggio solo Tishka Shcherbaty era impegnato in questi importa. Denisov ordinò che Tikhon fosse chiamato da lui e, lodandolo per le sue attività, disse alcune parole davanti al capo sulla lealtà allo zar e alla patria e all'odio per i francesi, che i figli della patria avrebbero dovuto osservare.
"Non facciamo del male ai francesi", ha detto Tikhon, apparentemente timido a queste parole di Denisov. - Abbiamo solo così, significa, sulla caccia ci siamo dilettati con i ragazzi. È come se due dozzine di Miroderov fossero stati picchiati, altrimenti non abbiamo fatto niente di male ... - Il giorno dopo, quando Denisov, dimenticandosi completamente di questo contadino, lasciò Pokrovsky, fu informato che Tikhon era rimasto alla festa e chiese di essere lasciato con esso. Denisov ha ordinato di lasciarlo.
Tikhon, che dapprima corresse il lavoro umile di accendere fuochi, consegnare acqua, scuoiare cavalli, ecc., mostrò ben presto grande disponibilità e capacità di guerriglia. Usciva di notte per saccheggiare e ogni volta portava con sé un vestito e armi francesi, e quando gli veniva ordinato portava prigionieri. Denisov allontanò Tikhon dal lavoro, iniziò a portarlo in viaggio con sé e lo iscrisse ai cosacchi.
A Tikhon non piaceva cavalcare e camminava sempre, senza mai restare indietro rispetto alla cavalleria. Le sue armi erano un archibugio, che indossava più per ridere, una lancia e un'ascia, che possedeva come un lupo possiede i denti, con la stessa facilità che strappava le pulci dalla lana e mordeva le ossa spesse. Tikhon altrettanto fedelmente, con tutte le sue forze, spaccava i tronchi con un'ascia e, prendendo l'ascia per il calcio, con essa ritagliava pioli sottili e ritagliava cucchiai. Nella festa di Denisov, Tikhon occupava il suo posto speciale ed eccezionale. Quando era necessario fare qualcosa di particolarmente difficile e brutto: girare un carro nel fango con la spalla, tirare fuori un cavallo dalla palude per la coda, scuoiarlo, arrampicarsi nel mezzo dei francesi, camminare per cinquanta miglia al giorno - tutti indicavano, ridacchiando, Tikhon.
"Cosa diavolo sta facendo, pesante merenina", dicevano di lui.
Una volta un francese, che Tikhon stava prendendo, gli ha sparato con una pistola e lo ha colpito nella carne della schiena. Questa ferita, da cui Tikhon è stato curato solo con la vodka, internamente ed esternamente, è stata oggetto delle battute più allegre dell'intero distaccamento e delle battute a cui Tikhon ha ceduto volentieri.
"Cosa, fratello, non vuoi?" Ali rabbrividì? i cosacchi risero di lui e Tikhon, accovacciandosi deliberatamente e facendo smorfie, fingendo di essere arrabbiato, rimproverò i francesi con le maledizioni più ridicole. Questo incidente ha avuto solo l'effetto su Tikhon che, dopo la sua ferita, raramente ha portato prigionieri.

Ministero dell'Istruzione e della Scienza dell'Ucraina

SevNTU

Dipartimento: Studi ucraini. Culturologia. Pedagogia.

Saggio sugli studi culturali

Soggetto: “Musica strumentale dell'età barocca (XVII-I metà del XVIII secolo). L'origine dei generi: sinfonia, concerto. L'opera di Antonio Vivaldi.

È fatto da uno studente

gruppo IM-12d

Stupko M.G.

Controllato:

Kostennikov A.M.

Sebastopoli 2007

Piano:

Introduzione.

Parte principale:

1) Differenze nella musica barocca:

Dal Rinascimento.

Dal classicismo.

2) Caratteristiche generali dei generi strumentali dell'età barocca.

3) Storia della musica strumentale nell'Europa occidentale.

Parte finale.

1) L'influenza della musica strumentale barocca sulla musica successiva.

Transizione all'era del classicismo (1740-1780).

L'influenza delle tecniche e delle tecniche barocche dopo il 1760.

Jazz.

2) Conclusione.

IV. Elenco delle fonti.

Introduzione:

L'era barocca (XVII secolo) è una delle epoche più interessanti nella storia della cultura mondiale. È interessante per la sua drammaticità, intensità, dinamica, contrasto e, allo stesso tempo, armonia, integrità, unità.

Un ruolo speciale in questa era è occupato da arte musicale, che inizia, per così dire, con una svolta decisiva, con una lotta senza compromessi contro il vecchio "stile rigoroso".

Le possibilità espressive dell'arte musicale si stanno espandendo, allo stesso tempo c'è la tendenza a separare la musica dalla parola - allo sviluppo intensivo di generi strumentali, in gran parte associati all'estetica del barocco. Compaiono forme cicliche su larga scala (concerto grosso, ensemble e sonate soliste), in alcune suite si alternano fantasiosamente ouverture teatrali, fughe, improvvisazioni di tipo organistico. Diventa tipico il confronto e l'intreccio di principi polifonici e omofonici della scrittura musicale.Le tecniche di scrittura ed esecuzione del periodo barocco sono diventate parte integrante e significativa del canone musicale classico. Le opere di quel tempo sono ampiamente eseguite e studiate.

Differenze nella musica barocca

dal rinascimento

La musica barocca ha ripreso dal Rinascimento la pratica dell'uso della polifonia e del contrappunto. Tuttavia, queste tecniche sono state applicate in modo diverso. Durante il Rinascimento l'armonia musicale si costruiva sul fatto che nel movimento morbido e pacato della polifonia le consonanze apparivano secondarie e come per caso. Nella musica barocca, invece, divenne importante l'ordine in cui apparivano le consonanze: si manifestava con l'ausilio di accordi costruiti secondo uno schema gerarchico di tonalità funzionale (o un sistema modale funzionale maggiore-minore). Intorno al 1600, la definizione di cosa fosse la tonalità era in gran parte imprecisa, soggettiva. Ad esempio, alcuni hanno visto un certo sviluppo tonale nelle cadenze dei madrigali, mentre in realtà, nelle prime monodie, la tonalità era ancora molto indefinita. Il debole sviluppo della teoria del sistema di temperamento uniforme ha avuto un effetto. Secondo Sherman, per la prima volta solo nel 1533, l'italiano Giovanni Maria Lanfranco propose e introdusse nella pratica dell'esecuzione organo-clavicembalo un sistema di temperamento equabile. E il sistema si è diffuso molto più tardi. E solo nel 1722 compare il Clavicembalo ben temperato di J.S. Bach. Un'altra differenza tra l'armonia musicale del Barocco e del Rinascimento era che nel primo periodo lo spostamento tonico avveniva più spesso in terze, mentre nel periodo barocco dominava la modulazione in quarte o quinte (la comparsa del concetto di tonalità funzionale ebbe un effetto ). Inoltre, la musica barocca utilizzava linee melodiche più lunghe e un ritmo più rigoroso. Il tema principale è stato ampliato da solo o con l'aiuto di un accompagnamento di basso continuo. Poi è apparsa con un'altra voce. Dopo, argomento principale cominciò ad esprimersi attraverso il basso continuo, non solo con l'ausilio delle voci principali. La gerarchia della melodia e dell'accompagnamento era sfocata.

Le differenze stilistiche determinarono il passaggio dai ricercari, fantasie e canzoni del Rinascimento alle fughe, una delle principali forme di musica barocca. Monteverdi chiamava questo nuovo stile libero seconda pratica (seconda forma) al contrario di prima pratica (prima forma), che caratterizzava mottetti e altre forme di corale ecclesiastico di maestri del Rinascimento come Giovanni Pierluigi da Palestrina. Lo stesso Monteverdi usò entrambi gli stili; la sua messa "In illo tempore" è scritta nel vecchio stile, ei suoi "Vespri della Beata Vergine" nel nuovo stile.

C'erano altre differenze più profonde negli stili barocco e rinascimentale. La musica barocca mirava a un livello più alto di appagamento emotivo rispetto alla musica rinascimentale. Gli scritti barocchi descrivevano spesso un'unica, specifica emozione (giubilo, tristezza, pietà, ecc.; cfr.Teoria degli effetti). La musica barocca era spesso scritta per cantanti e musicisti virtuosi e di solito era molto più difficile da eseguire rispetto alla musica rinascimentale, nonostante il fatto che la registrazione dettagliata delle parti strumentali fosse una delle innovazioni più importanti del periodo barocco. È diventato quasi obbligatorio da usaredecorazioni musicali, spesso eseguito dal musicista nella formaimprovvisazione. Espressioni comenote inegalidivenne universale; eseguita dalla maggior parte dei musicisti, spesso con grande libertà di applicazione.

Un altro cambiamento importante è stato che la passione per la musica strumentale ha superato la passione per la musica vocale. Pezzi vocali comemadrigali E arie, infatti, più spesso non venivano cantate, ma eseguite strumentalmente. Ciò è evidenziato dalle testimonianze dei contemporanei, nonché dal numero di manoscritti di brani strumentali, il cui numero ha superato il numero di opere che rappresentano il secolare musica vocale . Il graduale emergere di uno stile strumentale puro, distinto dalla polifonia vocale del XVI secolo, fu uno dei passi più importanti nel passaggio dal Rinascimento al Barocco. Fino alla fine del XVI secolo, la musica strumentale non era molto diversa dalla musica vocale e consisteva principalmente in melodie da ballo, arrangiamenti di famose canzoni popolari e madrigali (principalmente per tastiere eliuti) così come pezzi polifonici che potrebbero essere caratterizzati comemottetti, canzone, madrigalisenza poesia.

Sebbene vari trattamenti variazionali,toccata, fantasie E preludipoiché il liuto e gli strumenti a tastiera sono noti da molto tempo, la musica d'insieme non ha ancora conquistato un'esistenza indipendente. Tuttavia, il rapido sviluppo di composizioni vocali secolari in Italia e in altri paesi europei è stato un nuovo impulso alla creazione di musica da camera per strumenti.

Ad esempio, dentro Inghilterradiffusa arte del giocoviola- strumenti ad arco di diversa estensione e dimensione. I suonatori di violino si univano spesso al gruppo vocale, sostituendo le voci mancanti. Questa pratica divenne comune e molte edizioni furono etichettate come "Adatta per voci o viole".

Numerose arie vocali e madrigali sono stati eseguiti come brani strumentali. Ad esempio, il madrigale"Cigno d'argento"Orlando Gibboniin dozzine di collezioni, etichettato e presentato come pezzo strumentale.

Dal classicismo

Nell'era del classicismo che seguì il barocco, il ruolo del contrappunto diminuì (sebbene lo sviluppo dell'arte del contrappunto non si fermò) e venne alla ribalta la struttura omofonica delle opere musicali. C'è meno ornamento nella musica. I lavori iniziarono a propendere per una struttura più chiara, specialmente quelli scritti in forma di sonata. Le modulazioni (cambio di tonalità) sono diventate un elemento strutturante; le opere iniziarono ad essere ascoltate come un viaggio pieno di drammaticità attraverso la sequenza dei tasti, una serie di partenze e arrivi alla tonica. Le modulazioni erano presenti anche nella musica barocca, ma non svolgevano una funzione strutturante.

Nelle opere dell'era classica, molte emozioni venivano spesso rivelate all'interno di una parte dell'opera, mentre nella musica barocca una parte portava un sentimento chiaramente disegnato. E, infine, nelle opere classiche si raggiungeva solitamente un climax emotivo, che si risolveva alla fine dell'opera. Nelle opere barocche, dopo aver raggiunto questo culmine, fino all'ultima nota, è rimasto un leggero senso dell'emozione principale. La moltitudine di forme barocche è servita come punto di partenza per lo sviluppo della forma sonata, sviluppando molte varianti delle cadenze di base.

Caratteristiche generali dei generi strumentali dell'età barocca.

L'origine dei generi: sinfonia, concerto. Sonata nel XVII secolo

Il prototipo della sinfonia può essere considerato l'ouverture italiana, che prese forma sotto Scarlatti alla fine del XVII secolo. Questa forma era già allora chiamata sinfonia e consisteva in allegro, andante e allegro, fusi in uno. D'altra parte, il predecessore della sinfonia era la sonata orchestrale, che consisteva in più parti nelle forme più semplici e per lo più nella stessa tonalità. In una sinfonia classica, solo la prima e l'ultima parte hanno le stesse tonalità, e quelle centrali sono scritte in tonalità correlate a quella principale, che determina la tonalità dell'intera sinfonia. Successivamente, Haydn è considerato il creatore della forma classica della sinfonia e del colore orchestrale; Mozart e Beethoven hanno dato un contributo significativo al suo sviluppo.

La parola Concerto, come nome di una composizione musicale, apparve in Italia alla fine del XVI secolo. Alla fine del XVII secolo apparve un concerto in tre parti. L'italiano Corelli (vedi) è considerato il fondatore di questa forma di concerto.

Il concerto di solito è composto da 3 parti (le parti estreme sono in rapido movimento). Nel XVIII secolo, una sinfonia in cui molti strumenti si esibivano da soli in alcuni punti era chiamata concerto grosso. Successivamente, la sinfonia, in cui uno strumento assumeva un significato più indipendente rispetto ad altri, divenne nota come symphonique concertante, concertirende Sinfonie. Geneticamente, il concerto grosso è associato alla forma di una fuga basata sul passaggio sequenziale di un tema attraverso voci, alternato a costruzioni non tematiche - intermezzi. Concerto grosso eredita questo principio, con la differenza che la costruzione iniziale del concerto è polifonica. Ci sono 3 tipi di texture in concerto grosso:

polifonico;

omofonico;

corale (corale).

(non si trovano quasi mai nella loro forma pura. Prevale la trama sintetica - magazzino omofonico-polifonico).

Sonata (da non confondere con la forma sonata). Fino alla fine del XVII secolo, una raccolta di brani strumentali, oltre a un mottetto vocale, arrangiato per strumenti, era chiamata sonata. Le sonate erano divise in due tipi: sonate da camera (ital. sonata da camera ), che consisteva in preludi, ariosi, danze, ecc., scritti in chiavi diverse, e una sonata da chiesa (ital. sonate da chiesa ), in cui prevaleva lo stile contrappuntistico. Un certo numero di brani strumentali scritti per molti strumenti orchestrali non furono chiamati una sonata, ma un grande concerto (ital. concerto grosso ). La sonata è utilizzata anche nei concerti per strumento solista con orchestra, così come nelle sinfonie.

I principali generi strumentali dell'era barocca.

concerto grosso ( concerto grosso)

Fuga

Suite

Allemande

Courante

Sarabanda

Giga

Gavotta

Minuetto

Sonata

Sonata da camera Sonata da camera

sonata da chiesa sonate da chiesa

Trio sonata

Sonata classica

Ouverture

Ouverture francese (fr. apertura)

Ouverture italiana (italiano) sinfonia)

Partita

Canzone

Sinfonia

Fantasia

Reachercar

Toccata

Preludio

Ciaccona

Passacaglia

Preludio corale

Strumenti di base dell'era barocca.

L'organo nella musica profana sacra e da camera divenne il principale strumento musicale del barocco. Molto utilizzati erano anche il clavicembalo, le corde pizzicate e ad arco, nonché gli strumenti a fiato: viole, chitarra barocca, violino barocco, violoncello, contrabbasso, flauti vari, clarinetto, oboe, fagotto. In epoca barocca, le funzioni di uno strumento a corde pizzicate così diffuso come il liuto furono in gran parte ridotte all'accompagnamento del basso continuo, e gradualmente fu sostituito in questa forma. strumenti a tastiera. La ghironda, che perse la sua popolarità nel Rinascimento precedente e divenne uno strumento dei poveri e dei vagabondi, ebbe una seconda nascita; fino alla fine del XVIII secolo. la ghironda rimase un giocattolo alla moda degli aristocratici francesi, amanti della vita rurale.

Storia della musica strumentale nell'Europa occidentale.

Musica strumentale d'Italia.

L'Italia del XVII secolo ha svolto il ruolo di una sorta di enorme studio sperimentale, dove hanno avuto luogo ricerche persistenti e la graduale formazione di nuovi generi progressivi e forme di musica strumentale. Queste ricerche innovative hanno portato alla creazione di grandi tesori d'arte.

Tali forme aperte e democratiche di fare musica sono apparse come concerti in chiesa, in cui veniva eseguita non solo musica spirituale, ma anche secolare. Questi concerti venivano organizzati per i parrocchiani nei locali delle chiese e delle cattedrali la domenica dopo la celebrazione della messa. Vari metodi per variare le melodie popolari sono ampiamente penetrati nella musica professionale.

Storia della musica strumentale del XVII secolo. In Italia, questa è la storia della creazione di ensemble strumentali con il ruolo di primo piano del violino, poiché solo ora ha finalmente sostituito la squisita violetta da camera a sei corde con il suo sistema in quarti, messo da parte il liuto. Il quinto sistema fa del violino uno strumento particolarmente consono alle possibilità espressive dell'armonia, che sta penetrando sempre più nella musica strumentale.

Venezia creò la prima scuola di violino in Italia, dove per la prima volta si formò la composizione di un trio d'archi professionale (due violini e contrabbasso) e si definì il genere che divenne tipico di questo ensemble: la sonata in trio a più voci.

A metà del secolo si forma una sonata, come ciclo di un nuovo tipo.

Ciò ha dato origine a:

1) la ricerca di una nuova certezza tematica, figurativa, concretezza;

2) ampliare l'ambito della composizione, autodeterminazione delle parti;

3) contrasto di dinamiche e testi in macro e microscale.

A poco a poco, la sonata si trasforma da una forma composita di contrasto in un ciclo.

Anche il genere delle suite si sta sviluppando. Si sta gradualmente creando un tipo di concerto: grosso, questo genere

Rappresentanti della musica strumentale italiana:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Il fondatore della scuola organistica italiana del XVII secolo. Ha composto: canzoni, toccate, richercats, adattamenti del corale per organo, oltre a fughe, canzoni e partite per clavicembalo. Si è allontanato dalla scrittura rigorosa dei secoli passati e ha gettato le basi per un nuovo stile libero. I temi melodici hanno acquisito una varietà di caratteristiche di genere, avvicinandoli alla vita quotidiana e mondana. Frescobaldi ha creato temi emotivamente vividi e individualizzati. Tutto questo era una parola nuova e fresca nella polifonia strumentale, nella melodia e nel pensiero armonico di quel tempo.

Arcangelo Corelli (1653 -1713)

Il più grande violinista del XVII secolo. Il patrimonio creativo è contenuto in sei opere: - Dodici sonate in trio (con accompagnamento d'organo) - 1685.

Dodici sonate in trio (con accompagnamento al clavicembalo) - 1685.

Dodici sonate in trio (con accompagnamento d'organo) - 1689.

Dodici sonate in trio (con accompagnamento al clavicembalo) - 1694.

Undici sonate e variazioni per violino (con accompagnamento di clavicembalo) - 1700.

Dodici concerto grosso - 1712

Caratteristico: l'assenza di contrasti tematici all'interno delle parti; giustapposizione di solo e tutti (acting out) per attivare il tessuto musicale; mondo immaginativo chiaro e aperto.

Corelli ha dato alla sonata una classica completezza di forma. È diventato il fondatore del genere concerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Creazione.

Compositore, violinista, direttore d'orchestra, insegnante italiano. Ha studiato con il padre Dzhevan Battista Vivaldi, violinista della Cattedrale di San Marco a Venezia, forse anche con G. Legrenzi. Nel 1703-25 insegnante, poi direttore d'orchestra e direttore di concerti, nonché direttore (dal 1713) del Conservatorio femminile della Pietà (nel 1735 fu di nuovo maestro di banda per un breve periodo). Ha composto musica per numerosi concerti laici e spirituali del conservatorio. Contemporaneamente scrive opere per i teatri di Venezia (partecipa alla loro produzione). Come violinista virtuoso, ha tenuto concerti in Italia e all'estero. L'anno scorso trascorso a Vienna.

Nell'opera di Vivaldi, il concerto grosso ha raggiunto il suo apice più alto. Sulla base dei risultati di A. Corelli, Vivaldi stabilì una forma ciclica in 3 parti per il concerto grosso, individuando la parte virtuosa del solista. Ha creato il genere dell'assolo concerto strumentale, ha contribuito allo sviluppo della tecnica del violino virtuoso. Lo stile musicale di Vivaldi si distingue per melodia, generosità, dinamismo ed espressività del suono, trasparenza delle orche della scrittura, armonia classica unita alla ricchezza emotiva. I concerti di Vivaldi sono serviti come modelli del genere concertistico per molti compositori, tra cui JS Bach (ha trascritto circa 20 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo). Il ciclo "Seasons" è uno dei primi esempi di musica orchestrale a programma.

Il contributo di Vivaldi allo sviluppo della strumentazione è significativo (fu il primo a utilizzare gaboe, corni, fagotti e altri strumenti come indipendenti e non duplicati). Il concerto strumentale di Vivaldi è stato un palcoscenico sulla strada per la formazione di una sinfonia classica. A Siena fu creato l'Istituto italiano intitolato a Vivaldi (diretto da F. Malipiero).

Composizioni:

opere (27)-
tra cui Roland - un pazzo immaginario (Orlando fiato pozzo, 1714, teatro "Sant'Angelo", Venezia), Nerone, che divenne Cesare (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid), Incoronazione di Dario (L "incoronazione di Daria, 1716 , ibid.), L'inganno trionfante in amore (L'inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnache (1727, ibid., poi detto anche Farnache, sovrano del Ponto), Cunegonda (1727, ibid.), Olimpia ( 1734, ibid.), Griselda (1735, teatro "San Samuele", Venezia), Aristide (1735, ibid.), Oracolo in Messenia (1738, teatro "Sant'Angelo", Venezia), Ferasp (1739, ibid.) ;

oratorio-
Mosè, dio del faraone (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Giuditta trionfante (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Adorazione dei Magi (L"Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

cantate profane (56)-
di cui 37 per voce con basso continuo, 14 per voce con archi, orchestra, grande cantata Gloria e Imene (1725);

musica cult (circa 55 pezzi) -
compresi Stabat Mater, mottetti, salmi, ecc.;

strumentale. lavori-
76 sonate (con basso continuo), di cui 30 per violino, 19 per 2 violini, 10 per violoncello, 1 per violino e violoncello, 2 per liuto e violino, 2 per oboe; 465 concerti, di cui 49 concerti grossi, 331 per uno strumento con basso continuo (228 per violino, 27 per violoncello, 6 per viol d'amour, 13 per traversi, 3 per flauti longitudinali, 12 per oboe, 38 per fagotto, 1 per mandolino) 38 per 2 strumenti con basso continuo (25 per violino, 2 per violoncello, 3 per violino e violoncello, 2 per corni, 1 per mandolini), 32 per 3 o più strumenti con basso continuo.

Domenico Scarlatti (1685-1757).

Compositore, il più grande maestro della musica clavicembalistica italiana. La maggior parte delle brillanti sonate per clavicembalo intitolate Essercizi (Esercizi ), scritto da Domenico per la sua talentuosa allieva Maria Barbara, che rimase devota all'insegnante per tutta la vita. Si ritiene che un altro famoso allievo di Domenico sia stato il compositore spagnolo Padre Antonio Soler.

L'originalità dello stile più clavicembalo di Scarlatti è stata rivelata in 30 sonate datate 1738. Le sonate di Scarlatti sono il riflesso più autentico e raffinato dello stile musicale spagnolo, colgono con grande vivacità lo spirito e il ritmo delle danze spagnole e cultura della chitarra. Queste sonate hanno spesso una forma strettamente binaria (AABB), ma il loro contenuto interno è molto vario.

Tra le caratteristiche più sorprendenti dello stile del compositore ci sono la brillantezza delle armonie dissonanti e le modulazioni audaci. L'unicità della scrittura più clavicembale di Scarlatti è associata alla ricchezza della trama: questo si riferisce all'incrocio delle mani sinistra e destra, alle prove, ai trilli e ad altri tipi di ornamenti. Oggi le sonate di Domenico sono considerate tra le opere più originali mai scritte per tastiera.

Musica strumentale della Germania.

Nella musica strumentale del XVII secolo. l'organo occupava un posto d'onore. Nelle prime generazioni di organisti tedeschi, le figure di Scheidt (1587-1654) e Johann Froberger (1616-1667) furono le più interessanti. Il loro significato è grande per la storia delle forme polifoniche sulla via della fuga e degli arrangiamenti per il corale. Froberger ha riunito musica per organo e clavicembalo (improvvisazione, pathos, virtuosismo, mobilità, raffinata elaborazione dei dettagli). Tra gli immediati predecessori di Bach ci sono Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude. Artisti grandi e originali, rappresentano, per così dire, diversi lati dell'arte organistica pre-Bach: Pachelbel - la linea "classica", Buxtelhude - il "barocco". Il lavoro di Buxtelhude è caratterizzato da una diffusione della composizione, libertà di immaginazione, un debole per il pathos, il dramma e le intonazioni oratorie.

Johann Sebastian Bach.

La maggior parte della musica strumentale è puramente secolare (un'eccezione è la musica per l'organo). Nella musica strumentale c'è un processo di interazione e arricchimento reciproco di varie aree, generi, tipi di presentazione. La musica per clavicembalo e organo è al centro della scena.

Il clavicembalo è un laboratorio creativo. Bach ha spinto i confini del repertorio, facendo richieste estreme allo strumento. Lo stile clavicembalo si distingue per la sua struttura emotiva energica e maestosa, sobria ed equilibrata, ricchezza e varietà di tessitura, ricchezza di intonazione. Bach ha introdotto nuove tecniche di esecuzione. Opere: brani per principianti (piccoli preludi, fughette), preludi e fughe (HTK), suite, concerti (italiano), toccate, fantasie (libera improvvisazione, tono pateticamente elevato, consistenza virtuosa), “The Art of Fugue” (creato un fuga classica).

Un grande ruolo nel lavoro di Bach appartiene all'organo. Lo stile organistico ha lasciato il segno su tutto il pensiero strumentale del compositore. È l'organo che appartiene al genere che collega la musica strumentale con cantate spirituali e passioni - arrangiamenti di corali (più di 150). Le opere per organo gravitano verso forme consolidate, generi tradizionali, alle quali Bach dà un'interpretazione qualitativamente nuova: preludio e fuga (distingue due ambiti compositivi, li migliora, riunendoli in una nuova sintesi).

Bach ha anche scritto per altri strumenti: suite per violoncello, ensemble da camera, suite per orchestra, concerti, che hanno svolto un ruolo enorme nell'ulteriore sviluppo musicale.

La vasta eredità di Bach ha un impatto morale. È andato ben oltre uno stile, un'era.

Musica strumentale d'Inghilterra.

Nel campo della musica strumentale inglese, stava prendendo forma la scuola clavier (verzhdinelists - con il nome dello strumento). Rappresentanti: Bird, Bull, Morny, Gibbons... Le più interessanti delle loro opere sono le variazioni sul tema dei balli e dei canti.

Georg Friedrich Händel.

La musica strumentale - indicativa dello stile del compositore, è associata alle opere vocali, sono le immagini, le proprietà pittoriche della musica con la parola che influenzano la tematica, l'aspetto generale delle opere teatrali, le singole parti. In generale, sono caratteristici la brillantezza, il pathos, la densità del suono, la solennità festosa, la piena sonorità, i contrasti di chiaroscuro, il temperamento, le fuoriuscite di improvvisazione.

Il genere del concerto grosso e del concerto in generale (per l'organo, per l'orchestra...) è il più caratteristico dell'immagine creativa. Handel ha consentito una libera composizione del ciclo di concerti, non ha aderito al principio del "veloce-lento". I suoi concerti (compresi quelli per organo) sono opere puramente profane, con l'inclusione di parti di danza. Il tono generale è dominato dalla festa, dall'energia, dal contrasto, dall'improvvisazione.

Handel ha lavorato anche in altri generi di musica strumentale: sonate (trio-sonate), fantasie, capricci, variazioni, ha scritto musica divertente (doppi concerti, "Music on the Water").

Tuttavia, il campo principale della creatività è occupato da generi sintetici: opera, oratorio.

Musica strumentale della Francia.

Il XVII secolo è l'apice nella storia della musica strumentale. Il tesoro della cultura musicale mondiale comprende le opere dei virtuosi francesi di clavecin Jacques Chambonnière, Louis Coupren e Francois Coupren. Un genere preferito era una suite di piccoli pezzi di danza che si susseguivano. F. Kupren è il creatore di un nuovo genere nella musica strumentale rondo (l'arte di suonare il clavicembalo). Lo stile della musica per clavicembalo si distingue per ricchezza melodica, abbondanza di ornamenti, ritmo flessibile e aggraziato.

Parte finale.

L'influenza della musica strumentale barocca sulla musica successiva.

Transizione all'era del classicismo (1740-1780)

La fase di transizione tra il tardo barocco e il primo classicismo, piena di idee contrastanti e tentativi di unificare diverse visioni del mondo, ha diversi nomi. È chiamato "stile galante", "rococò", "periodo preclassico" o "primo periodo classico". In questi pochi decenni i compositori che continuarono a lavorare in stile barocco ebbero ancora successo, ma appartenevano già non al presente, ma al passato. La musica era a un bivio: i maestri del vecchio stile possedevano un'ottima tecnica e il pubblico ne voleva già una nuova. Approfittando di questo desiderio, Carl Philipp Emmanuel Bach ha raggiunto la fama: era un eccellente maestro del vecchio stile, ma ha lavorato duramente per aggiornarlo. Le sue sonate più clavicembali sono notevoli per la loro libertà nella struttura, un lavoro audace sulla struttura dell'opera.

In questo momento di transizione, la distinzione tra musica sacra e profana aumentò. Le composizioni spirituali rimasero prevalentemente nell'ambito del barocco, mentre la musica profana gravitò verso il nuovo stile.

Soprattutto nei paesi cattolici dell'Europa centrale, lo stile barocco era presente nella musica spirituale fino alla fine del XVIII secolo, così come a suo tempo. stile antico il rinascimento durò fino alla prima metà del XVII secolo. Le messe e gli oratori di Haydn e Mozart, classici nella loro orchestrazione e ornamentazione, contenevano molte tecniche barocche nelle loro strutture contrappuntistiche e armoniche. Il declino del barocco fu accompagnato da un lungo periodo di coesistenza di tecniche antiche e nuove. In molte città tedesche, la pratica esecutiva barocca sopravvisse fino al 1790, ad esempio a Lipsia, dove J.S. Bach lavorò alla fine della sua vita.

in Inghilterra, la duratura popolarità di Händel assicurò il successo a compositori meno noti che componevano nell'ormai sbiadito stile barocco: Charles Avison (Ing. Carlo Avison ), William Boyes (ing. William Boyce ) e Thomas Augustine Arn (ing. Tommaso Agostino Arne ). Nell'Europa continentale, questo stile è già considerato antiquato; il suo possesso era richiesto solo per comporre musica sacra e diplomarsi all'allora comparendo in molti conservatori.

Influenza delle tecniche e delle tecniche barocche dopo il 1760

Poiché gran parte della musica barocca divenne la base dell'educazione musicale, l'influenza dello stile barocco rimase dopo la partenza del barocco come strumento esecutivo e stile compositore. Ad esempio, sebbene la pratica generale del basso sia caduta in disuso, è rimasta parte della notazione musicale. Nel XIX secolo le partiture dei maestri barocchi furono stampate in edizioni complete, il che portò a un rinnovato interesse per il contrappunto della "scrittura rigorosa" (ad esempio, il compositore russo S. I. Taneyev già alla fine del XIX secolo scrisse il lavoro teorico “Contrappunto mobile di scrittura rigorosa”).

Il XX secolo ha dato il nome al periodo barocco. Iniziò uno studio sistematico della musica di quell'epoca. Le forme e gli stili barocchi hanno influenzato compositori diversi come Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky e Bela Bartok. L'inizio del XX secolo ha visto una rinascita di interesse per compositori barocchi maturi come Henry Purcell e Antonio Vivaldi.

Numerose opere di compositori contemporanei sono state pubblicate come opere "perdute ma riscoperte" di maestri barocchi. Ad esempio, il concerto per viola, composto da Henri Casadesus (fr. Henri-Gustav Casadesus ), ma attribuito da lui a Handel. O diverse opere di Fritz Kreisler (tedesco. Fritz Kreisler ), da lui attribuito al poco noto compositore barocco Gaetano Pugnani (ital. Gaetano Pugnani ) e Padre Martini (it. Padre Martini ). E all'inizio del XXI secolo ci sono compositori che scrivono esclusivamente in stile barocco, ad esempio Giorgio Paccioni (Ital. Giorgio Pacchioni).

Nel XX secolo molte opere sono state composte in stile "neobarocco", incentrate sull'imitazione della polifonia. Si tratta di opere di compositori come Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston e Bohuslav Martinu. I musicologi stanno tentando di finire le opere incompiute dei compositori dell'era barocca (la più famosa di queste opere è L'arte della fuga di J. S. Bach). Poiché il barocco musicale era il segno distintivo di un'intera epoca, le opere contemporanee scritte "sotto il barocco" appaiono spesso per uso televisivo e cinematografico. Ad esempio, il compositore Peter Schickele parodia gli stili classici e barocchi con lo pseudonimo di PDK Bach.

Alla fine del XX secolo apparve la performance storicamente informata (o "performance autentica" o "autenticità"). Questo è stato un tentativo di ricreare in dettaglio il modo di esibirsi dei musicisti dell'era barocca. Le opere di Quantz e Leopold Mozart hanno costituito la base per lo studio degli aspetti dell'esecuzione della musica barocca. La performance autentica prevedeva l'uso di corde fatte di tendine piuttosto che di metallo, la ricostruzione di clavicembali, l'uso di vecchi modi di produzione del suono e tecniche di esecuzione dimenticate. Diversi ensemble popolari hanno utilizzato queste innovazioni. Questi sono Anonymous 4, l'Accademia di musica antica, la Boston Society di Haydn e Handel, l'Accademia di St. Martin in Fields, Les Arts Florissants Ensemble di William Christie, Le poeme harmonique, l'Orchestra di Caterina la Grande e altri.

A cavallo tra il XX e il XXI secolo, aumentò l'interesse per la musica barocca e, prima di tutto, per l'opera barocca. Cantanti d'opera di spicco come Cecilia Bartoli includevano opere barocche nel loro repertorio. Le esecuzioni vengono eseguite sia in concerto che nella versione classica.

Jazz

La musica barocca e il jazz hanno un terreno comune. La musica barocca, come il jazz, è scritta principalmente per piccoli ensemble (a quel tempo non c'era una reale possibilità di mettere insieme un'orchestra di centinaia di musicisti), che ricorda un quartetto jazz. Inoltre, le opere barocche lasciano un ampio campo per eseguire l'improvvisazione. Ad esempio, molte opere vocali barocche contengono due parti vocali: la prima parte viene cantata/suonata come indicato dal compositore, e poi viene ripetuta, ma il cantante decora improvvisando la melodia principale con trilli, grazie e altre decorazioni. Tuttavia, a differenza del jazz, non vi è alcun cambiamento nel ritmo e nella melodia di base. L'improvvisazione barocca integra solo, ma non cambia nulla.

Come parte dello stile cool jazz negli anni '50 del XX secolo, c'era la tendenza a tracciare parallelismi composizioni jazz con musica barocca. Avendo scoperto principi armonici e melodici comuni in periodi così lontani musicalmente ed esteticamente, i musicisti hanno mostrato interesse per la musica strumentale di J.S. Bach. Numerosi musicisti ed ensemble hanno intrapreso la strada dello sviluppo di queste idee. Tra loro ci sono Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan, ma questo si riferisce principalmente al "Modern Jazz Quartet", guidato dal pianista John Lewis.

Conclusione.

L'era barocca ha lasciato un numero colossale di capolavori della cultura mondiale, e non una piccola parte di essi sono creazioni di musica strumentale.Così, il barocco vive nella quotidianità musicale, nelle intonazioni e nei ritmi della musica leggera, nel famigerato “alla musica di Vivaldi”, nelle norme scolastiche. linguaggio musicale. I generi nati dall'era barocca sono vivi e si sviluppano a modo loro: fuga, opera, cantata, preludio, sonata, concerto, aria, variazioni...Dopo aver tracciato e analizzato la sua storia, sei convinto che quasi tutta la musica moderna sia in qualche modo collegata alla musica dell'era barocca, separatamente con la musica strumentale. Ancora oggi si creano ensemble di musica antica, e questo la dice lunga...

Elenco delle fonti:

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Kolesov. "Lezioni sulla storia del mondo cultura artistica." Kiev-2000

en.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Foglio protettivo.

L'era barocca (XVII secolo) è una delle epoche più interessanti nella storia della cultura mondiale. Un ruolo particolare in quest'epoca è occupato dall'arte musicale, che inizia, per così dire, con una svolta decisiva, con una lotta senza compromessi contro il vecchio "stile rigoroso".Il dominio è finalmente determinato musica profana(sebbene in Germania e in alcuni altri paesi anche la chiesa mantenga una grande importanza).

La musica barocca diventa più complessa rispetto alla musica del Rinascimento, e la musica del classicismo diventa più strutturata con meno ornamenti e rivelando molte emozioni, mentre nella musica barocca una parte portava un sentimento chiaramente tracciato.

Grazie a musicisti eccezionali, compaiono nuovi generi musicali, come la sinfonia e il concerto, la sonata si evolve, la fuga raggiunge una popolarità senza precedenti.Il tipo più significativo di concerto è il grosso, questo generecostruito su forti contrasti; gli strumenti sono divisi in quelli che partecipano al suono di un'intera orchestra e in un gruppo solista più piccolo. La musica è costruita su transizioni nette da parti rumorose a parti silenziose, i passaggi veloci si oppongono a quelli lenti.

Indubbiamente, la culla e il centro della musica strumentale barocca è l'Italia, che ha dato al mondo il maggior numero di brillanti compositori virtuosi (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685-1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli (1653-1713). La musica di questi grandi compositori non smette mai di deliziare gli ascoltatori.

Cercando di tenere il passo con l'Italia e altri paesi dell'Europa occidentale: Germania, Francia, Inghilterra.

In Germania, la figura più significativa è stata J.S. Bach, che ha dato all'organo un ruolo di primo piano nel suo lavoro. La vasta eredità di Bach ha un impatto morale. È andato ben oltre uno stile, un'era.

Il tesoro della cultura musicale mondiale comprende le opere dei virtuosi francesi di clavecin Jacques Chambonnière, Louis Coupren e Francois Coupren.

Nel campo della musica strumentale inglese stava prendendo forma la scuola clavicembalistica. Il compositore più importante fu Georg Friedrich Handel. Il genere del concerto grosso e del concerto in generale (per l'organo, per l'orchestra...) è il più caratteristico dell'immagine creativa. Handel ha consentito una libera composizione del ciclo di concerti, non ha aderito al principio del "veloce-lento". I suoi concerti (compresi quelli per organo) sono opere puramente profane, con l'inclusione di parti di danza.

Successivamente la musica strumentale barocca ha avuto un impatto significativo su tutta la musica successiva e tratti comuni si ritrovano anche nel jazz.

Anche adesso vengono creati ensemble di musica antica.

Il flauto è uno degli strumenti musicali più antichi. Sono trasversali e longitudinali. Quelli longitudinali sono tenuti dritti in avanti, soffiando aria nel foro all'estremità superiore del flauto. Quelli trasversali sono tenuti in direzione orizzontale, soffiando aria nel foro laterale del flauto.

La primissima menzione del flauto longitudinale esiste in mitologia greca e la storia dell'Egitto (terzo millennio aC).

In Cina la prima menzione di un flauto traverso con cinque o sei fori per le dita risale al I millennio a.C., proprio come in Giappone e in India. Cambiamenti rivoluzionari nel design del flauto sono avvenuti proprio a metà del diciannovesimo secolo con l'aiuto di Theobald Boehm.

Sebbene i flauti moderni siano strumenti a fiato, di solito sono realizzati con leghe metalliche utilizzando oro, argento e persino platino. Ciò conferisce loro un suono più brillante e più facile da suonare rispetto ai flauti di legno che hanno preceduto i flauti di metallo nei secoli passati.

Il flauto è uno degli strumenti più virtuosi di un'orchestra sinfonica. I suoi parias sono pieni di arpeggi e passaggi.

Strumenti musicali in ottone

Ottoni - gruppo strumenti musicali a fiato , il principio su cui suonare è ottenere consonanze armoniche cambiando la forza del flusso d'aria soffiato o la posizione delle labbra.

Il nome "rame" risale storicamente al materiale con cui sono stati realizzati questi strumenti, ai nostri tempi, oltre al rame, vengono spesso utilizzati per la loro fabbricazione. ottone, meno spesso argento , e alcuni degli strumenti del Medioevo e del Barocco con un modo simile di produzione del suono (ad esempio, serpente ) erano di legno.

Gli ottoni includono il moderno corno, tromba, cornetta, flicorno, trombone, tuba . Un gruppo separato è saxhorn . Ottoni antichi - sackbut (predecessore del trombone moderno), serpente e altri Alcuni strumenti popolari sono anche in rame, ad esempio l'Asia centrale karnay.

Storia degli ottoni

L'arte di soffiare la cavità corno animale o in una conchiglia era già noto in tempi antichi. Successivamente, le persone hanno imparato a realizzare strumenti speciali in metallo, simili a corna e destinati a scopi militari, di caccia e religiosi.

Gli antenati dei moderni ottoni erano corni da caccia, corni militari e corni di posta. Questi strumenti, che non avevano un meccanismo valvole ha emesso alcuni suoniscala naturale , recuperato solo con l'aiuto delle labbra dell'esecutore. Da qui apparvero fanfare e segnali militari e di caccia basati sui suoni della scala naturale, che si sono affermati saldamente nella pratica musicale.

Con il miglioramento della tecnologia di lavorazione dei metalli e la produzione di prodotti in metallo, è diventato possibile realizzare tubi per strumenti a fiato di determinate dimensioni e il grado di finitura desiderato. Con il miglioramento delle canne del vento in rame e lo sviluppo dell'arte di estrarre una quantità significativa di suoni dalla scala naturale su di esse, è apparso il concettostrumenti naturali , cioè strumenti senza meccanismo, capaci di produrre solo una scala naturale.

All'inizio del XIX secolo fu inventato il meccanismo a valvola, che cambiò radicalmente la tecnica di esecuzione e aumentò le capacità degli strumenti a fiato in ottone.

Classificazione degli strumenti in rame

Gli ottoni si dividono in diverse famiglie:

Strumenti per valvole hanno diversi cancelli (di solito tre o quattro) controllati dalle dita dell'esecutore. Il principio della valvola è quello di includere istantaneamente una corona aggiuntiva nel tubo principale, che aumenta la lunghezza dello strumento e abbassa il suo intero sistema. Diverse valvole che collegano tubi di diversa lunghezza consentono di ottenere una scala cromatica. La maggior parte degli ottoni moderni sono dotati di valvole: corni, trombe, tube, saxhorn, ecc. Esistono due modelli di valvole: "rotativa" e "in piedi" (pistone).
Strumenti del giogo utilizzare uno speciale tubo retrattile a forma di U - un palcoscenico, il cui movimento modifica la lunghezza dell'aria nel canale, abbassando o aumentando così i suoni estratti. Il principale strumento rock utilizzato nella musica è il trombone.
strumenti naturali non hanno tubi aggiuntivi e sono in grado di estrarre solo i suoni della scala naturale. Nel 18 ° secolo, specialeorchestre di corni naturali . Fino all'inizio dell'800 gli strumenti naturali erano molto usati in musica, poi, con l'invenzione del meccanismo a valvola, caddero in disuso. Gli strumenti naturali si trovano talvolta anche nelle partiture di compositori del XIX-XX secolo (Wagner, R. Strauss, Ligeti) per effetti sonori speciali. Gli strumenti naturali includono trombe antiche e corni francesi, oltre acorno alpino , fanfara, tromba, corni di segnalazione (caccia, posta) e simili.
Strumenti valvolari hanno dei fori sul corpo, aperti e chiusi dalle dita dell'esecutore, come sopralegni . Tali strumenti furono diffusi fino al XVIII secolo, ma per qualche inconveniente di suonarli, poi caddero anch'essi in disuso. Ottoni valvolari di base - cornetta (zinco), serpente , oficleide, tubo della valvola . Includono anche corno di posta.

Al giorno d'oggi, con la rinascita dell'interesse per la musica antica, suonare su strumenti naturali e valvolari sta diventando di nuovo una pratica.

Gli ottoni possono anche essere classificati in base alle loro proprietà acustiche:

Pieno― strumenti sui quali è possibile estrarre il tono fondamentale della scala armonica.
metà― strumenti sui quali non è possibile estrarre il tono principale, e la scala inizia con la seconda consonanza armonica.

L'uso degli ottoni nella musica

Gli strumenti a fiato in ottone sono ampiamente utilizzati in vari generi e composizioni musicali. Nell'ambito diOrchestra Sinfonica formano uno dei suoi gruppi principali. La composizione standard di un'orchestra sinfonica comprende:

Corni (numero pari da due a otto, più spesso quattro)
Tubi (da due a cinque, più spesso da due a tre)
Tromboni (solitamente tre: due tenore e un basso)
Tubo (di solito uno)

Nelle partiture del XIX secolo, spesso includeva anche l'orchestra sinfonica cornette , tuttavia, con lo sviluppo delle tecniche di esecuzione, le loro parti iniziarono ad essere eseguite su tubi. Altri ottoni compaiono solo sporadicamente nell'orchestra.

Gli strumenti di rame sono il fondamentobanda di ottoni , che, oltre agli strumenti di cui sopra, include anche saxhorn misure differenti.

La letteratura solista per ottoni è piuttosto numerosa: artisti virtuosi su tubi e corni naturali esistevano già nel primo periodo barocco e i compositori creavano volentieri le loro composizioni per loro. Dopo un certo calo dell'interesse per gli strumenti a fiato nell'era del romanticismo, nel XX secolo si sono scoperte nuove possibilità esecutive per gli ottoni e una significativa espansione del loro repertorio.

Negli ensemble da camera, gli ottoni sono usati relativamente raramente, ma possono essere combinati essi stessi in ensemble, di cui il più comune quintetto di ottoni (due trombe, corno, trombone, tuba).

Trombe e tromboni giocano un ruolo importante jazz e una serie di altri generi di musica contemporanea.

Xilofono



Classificazione
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Xilofono(dal greco. ξύλον - albero + φωνή - suono) -strumento musicale a percussione con un certo tono. Si tratta di una serie di blocchi di legno di diverse dimensioni, accordati su determinate note. Le barre vengono percosse con bastoncini dalla punta sferica o speciali martelli che sembrano piccoli cucchiai (nel gergo dei musicisti questi martelli sono chiamati "zampe di capra").

Timbro lo xilofono è acuto e scattante in forte e morbido in pianoforte.

Storia dello strumento

Lo xilofono ha origine antica- gli strumenti più semplici di questo tipo sono stati e si trovano ancora presso diversi popoli Africa, Sud-est asiatico , America Latina .

In Europa, la prima menzione dello xilofono risale all'inizio del XVI secolo: Arnolt Schlick, in un trattato sugli strumenti musicali, cita uno strumento simile chiamato hueltze glechter. Fino al XIX secolo, lo xilofono europeo era uno strumento piuttosto primitivo, costituito da circa due dozzine di barre di legno, legate in una catena e disposte su una superficie piana per suonare. La comodità di portare uno strumento del genere ha attirato l'attenzione dei musicisti itineranti.

Xilofono migliorato da Guzikov

Il miglioramento dello xilofono risale al 1830. Musicista bielorusso Mikhail Guzikov ha ampliato la sua gamma a due ottave e mezzo e ha anche cambiato il design, disponendo le battute in modo speciale su quattro file. Questo modello di xilofono è stato utilizzato per più di cento anni.

Su un moderno xilofono, le barre sono disposte su due file come i tasti di un pianoforte, dotate di risuonatori a forma di tubi di stagno e poste su un apposito supporto da tavolo per facilitarne il movimento.

Il ruolo dello xilofono nella musica

Il primo uso noto dello xilofono in un'orchestra è Seven Variations.Ferdinand Cauer scritto nel 1810 anno. Le sue feste incluse nelle sue opere compositore francese Kastner. Una delle composizioni più famose in cui è coinvolto lo xilofono è un poema sinfonicoCamille Saint-Saëns "Danza della morte" ( 1872 ).

Attualmente viene utilizzato lo xilofonoOrchestra Sinfonica , sul palco, estremamente raramente - come strumento solista ("Fantasia sui temi delle incisioni giapponesi" per xilofono e orchestra, op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra è un antico strumento musicale russo a corde pizzicate. Il suo destino è sorprendente e unico nel suo genere.

Da dove provenga, come e quando domra sia apparso in Rus', rimane ancora un mistero per i ricercatori. IN fonti storiche sono sopravvissute poche informazioni sulla domra, ci sono pervenute ancora meno immagini dell'antica domra russa. E non è nemmeno noto se i domra siano raffigurati su documenti che ci sono pervenuti o altri strumenti a pizzico comuni a quei tempi. La prima menzione di domra è stata trovata nelle fonti del XVI secolo. Parlano di domra come di uno strumento che era già abbastanza comune nella Rus' di quel tempo.

Al momento, ci sono due versioni più probabili dell'origine di domra. La prima e più comune è la versione sulle radici orientali della domra russa. In effetti, strumenti simili per design e metodo di estrazione del suono esistevano ed esistono ancora nelle culture musicali dei paesi dell'Est. Se hai mai visto o sentito la dombra kazaka, il baglama turco o il rubab tagico, allora potresti aver notato che hanno tutti una forma rotonda o ovale, una tavola armonica piatta, il suono viene estratto percuotendo un plettro di diversa frequenza e intensità. È generalmente accettato che tutti questi strumenti avessero un antenato: il tanbur orientale. Era il tanbur che aveva una forma ovale e una tavola armonica piatta, lo suonavano con un chip speciale, scolpito con materiali improvvisati: un plettro. Presumibilmente, lo strumento, che in seguito si trasformò in domra, fu portato durante il giogo tataro-mongolo o durante le relazioni commerciali con i paesi dell'est. E il nome stesso "domra" ha senza dubbio una radice turca.

Un'altra versione procede dal presupposto che domra derivi dal liuto europeo. In linea di principio, nel Medioevo qualsiasi corda era chiamata liuto. strumento a pizzico, che aveva corpo, manico e corde. Anche il liuto, a sua volta, ha avuto origine da uno strumento orientale: l'arabo al-ud. Forse l'aspetto e il design della domra sono stati influenzati dagli strumenti degli slavi occidentali, europei, ad esempio il kobza polacco-ucraino e la sua versione migliorata: la bandura. Solo la bandura ha preso molto in prestito direttamente dal liuto. Dato che gli slavi nel Medioevo erano costantemente in complesse relazioni storiche e culturali, ovviamente, il domra può anche essere considerato simile a tutti gli strumenti europei a pizzico dell'epoca.

Pertanto, sulla base delle conoscenze e delle ricerche accumulate fino ad oggi, possiamo concludere che la domra era un tipico strumento russo che combinava, come molto nella cultura e nella storia del nostro stato, caratteristiche sia europee che asiatiche.

Tuttavia, qualunque sia la vera origine della domra, è assodato che uno strumento con questo nome esisteva in Rus' ed era parte integrante della cultura russa nei secoli XVI-XVII. Era suonato da musicisti buffoni, come evidenziato dal noto proverbio ai ricercatori "Sono contento che i buffoni si occupino dei loro domras". Inoltre, alla corte reale c'era un'intera "Camera dei divertimenti", una sorta di gruppo musicale e di intrattenimento, la cui base erano i buffoni con le loro domras, arpe, corni e altri antichi strumenti musicali russi. Inoltre, secondo alcuni ricercatori, domra a quel tempo aveva già formato una famiglia di varietà d'insieme. Il più piccolo e cigolante era chiamato "domrishka", il più grande e dal suono più basso - "bass domra".

È anche noto che gli artisti domra e domra - buffoni e "domrachi", godevano di una notevole popolarità tra la gente. Tutti i tipi di celebrazioni, festeggiamenti e feste popolari in ogni momento e presso tutti i popoli erano accompagnati da canti e strumenti musicali. In Rus' nel Medioevo, intrattenere la gente era la sorte di "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" e altri musicisti. Su domra, come un'arpa, hanno accompagnato epico popolare, epopee, leggende e nelle canzoni popolari domra sostenevano la linea melodica. È autenticamente noto che fu stabilita la produzione artigianale di domras e corde domra, le cui registrazioni delle consegne alla corte e in Siberia sono conservate in documenti storici ...

Presumibilmente, la tecnologia per realizzare il domra era la seguente: un corpo veniva scavato da un unico pezzo di legno, vi era attaccato un avvoltoio, venivano tirati fili o vene di animali. Giocavano con una scheggia, una piuma, una lisca di pesce. Una tecnologia relativamente semplice, a quanto pare, ha permesso allo strumento di essere ampiamente utilizzato in Rus'.

Ma qui nella storia di domra arriva il momento più drammatico. Preoccupati per lo sviluppo della cultura secolare, i ministri della chiesa presero le armi contro i musicisti e dichiararono le esibizioni dei buffoni "giochi demoniaci". Di conseguenza, nel 1648, lo zar Alexei Mikhailovich emanò un decreto sullo sterminio di massa di strumenti innocenti - gli strumenti dei "giochi demoniaci". Il famoso decreto recita: "Dove saranno domras, e surns, e bip, e salterio, e hari, e ogni sorta di vasi ronzanti ... ordinato di sequestrare e, dopo aver rotto quei giochi demoniaci, ordinato di bruciare". Secondo il viaggiatore tedesco del XVII secolo Adam Olearius, ai russi era vietata la musica strumentale in generale, e una volta diversi carri carichi di strumenti presi dalla popolazione furono portati attraverso il fiume Moscova e lì bruciati. Sia i musicisti che la buffoneria in generale furono perseguitati.

Forse uno scherzo del destino così tragico non è accaduto a nessuno strumento musicale al mondo. Quindi, sia a seguito di barbari stermini e proibizioni, sia per altri motivi, ma dopo il XVII secolo, i ricercatori non trovano alcuna menzione significativa dell'antica domra. La storia dell'antico strumento russo finisce qui, e si potrebbe metterla fine, ma... Domra era destinata a rinascere letteralmente dalle ceneri!

Ciò è accaduto grazie alle attività di un eccezionale ricercatore e musicista, una persona insolitamente talentuosa e straordinaria: Vasily Vasilyevich Andreev. Nel 1896, nella provincia di Vyatka, scoprì uno strumento sconosciuto con un corpo emisferico. Supponendo dal suo aspetto che si trattasse di domra, andò dal famoso maestro Semyon Ivanovich Nalimov. Insieme hanno sviluppato il progetto di un nuovo strumento, basato sulla forma e sul design di quello trovato. Gli storici stanno ancora discutendo se lo strumento trovato da Andreev fosse davvero un vecchio domra. Tuttavia, lo strumento ricostruito nel 1896 fu chiamato "domra". Un corpo rotondo, un manico di media lunghezza, tre corde, un quarto sistema: ecco come appariva la domra ricostruita.

A quel tempo, Andreev aveva già un'orchestra di balalaika. Ma per realizzare la sua brillante idea, la Great Russian Orchestra aveva bisogno di un gruppo di strumenti melodici di primo piano, e la domra restaurata, con le sue nuove capacità, era l'ideale per questo ruolo. In relazione alla storia della creazione della Great Russian Orchestra, vale la pena menzionare un'altra persona eccezionale, senza la quale, forse, l'idea non avrebbe trovato la sua incarnazione. Questo è il pianista e compositore professionista Nikolai Petrovich Fomin, il più stretto collaboratore di Andreev. È stato grazie all'approccio professionale di Fomin che la cerchia di Andreev, dapprima amatoriale, ha studiato notazione musicale, si è affermata su base professionale e poi ha conquistato gli ascoltatori sia in Russia che all'estero con le loro esibizioni. E se Andreev era principalmente un generatore di idee, allora Fomin è diventato la persona grazie alla quale, infatti, domras e balalaika hanno intrapreso il percorso di sviluppo come strumenti accademici a tutti gli effetti.

Ma torniamo a domra. Nel periodo 1896-1890. V. Andreev e S. Nalimov hanno progettato varietà d'insieme di domra. E nei primi decenni dopo la sua nuova nascita, domra si è sviluppata in linea con le performance orchestrali e d'insieme.

Tuttavia, quasi immediatamente, sono state rivelate alcune limitazioni alle capacità dell'Andreev domra, in relazione alle quali sono stati fatti tentativi per migliorarlo in modo costruttivo. Il compito principale era espandere la gamma dello strumento. Nel 1908, su suggerimento del direttore d'orchestra G. Lyubimov, il maestro S. Burov creò un domra a quattro corde con un quinto sistema. La "quattro corde" riceveva una gamma di violino, ma, sfortunatamente, era inferiore alla "tre corde" in termini di timbro e colore. Successivamente apparvero anche le sue varietà d'insieme e un'orchestra di domra a quattro corde.

L'interesse per domra cresceva ogni anno, gli orizzonti musicali e tecnici si ampliavano, apparivano musicisti virtuosi. Infine, nel 1945, fu creato il primo concerto strumentale per domra con un'orchestra di strumenti popolari russi. famoso concerto g-moll Nikolai Budashkin è stato scritto su richiesta del primo violino dell'orchestra. Osipov Alexey Simonenkov. Questo evento ha aperto una nuova era nella storia di domra. Con l'avvento del primo concerto strumentale, domra diventa uno strumento solista e virtuoso.

Nel 1948 fu aperto a Mosca il primo dipartimento di strumenti popolari in Russia presso l'Istituto musicale e pedagogico statale intitolato a I.I. Gnesins. Il primo insegnante di domra fu l'eccezionale compositore Yu Shishakov, e poi i giovani solisti dell'orchestra intitolata. Osipova V. Miromanov e A. Alexandrov - il creatore della prima scuola di suonare la domra a tre corde. Grazie al superiore educazione professionale lo strumento originariamente popolare domra in breve tempo passò il percorso sul palcoscenico accademico, sul quale gli strumenti dell'orchestra sinfonica impiegarono secoli (dopotutto, il violino una volta era uno strumento popolare!).

La performance di Domra sta andando avanti a un ritmo gigantesco. Nel 1974 si tenne la I competizione tutta russa di artisti su strumenti popolari, i vincitori del concorso furono eccezionali virtuosi doministi: Alexander Tsygankov e Tamara Volskaya (vedi sezione attività creativa che per decenni a venire ha determinato la direzione dello sviluppo dell'arte domra sia nel campo della performance stessa che nel repertorio domra.

Oggi domra è uno strumento giovane e promettente con un enorme potenziale, principalmente musicale ed espressivo, che ha radici veramente russe e, tuttavia, è salito ai vertici del genere accademico. Quale sarà il suo destino futuro? La parola è tua, cari domristi!

Balalaica

Descrizione
Il corpo è incollato da segmenti separati (6-7), la testa del collo lungo è leggermente piegata all'indietro. Corde di metallo (nel XVIII secolo, due di esse erano venate; i balalaika moderni hanno corde di nylon o carbonio). Sulla tastiera di una moderna balalaika ci sono 16-31 tasti in metallo (fino alla fine del XIX secolo - 5-7 tasti forzati).

Il suono è forte ma morbido. Le tecniche più comuni per l'estrazione del suono: rattling, pizzicato, doppio pizzicato, singolo pizzicato, vibrato, tremolo, frazioni, trucchi per chitarra.

costruire

Fino alla trasformazione della balalaika in uno strumento da concerto alla fine del XIX secolo da parte di Vasily Andreev, non aveva un sistema permanente e onnipresente. Ogni esecutore ha accordato lo strumento secondo il proprio stile di esecuzione, l'umore generale dei brani suonati e le tradizioni locali.

Il sistema introdotto da Andreev (due corde all'unisono - la nota "mi", una - un quarto più alto - la nota "la" (e "mi" e "la" della prima ottava) si diffuse tra i suonatori di balalaika da concerto e iniziò essere chiamato "accademico". Esiste anche un sistema "folk" - la prima stringa è "salt", la seconda - "mi", la terza - "do". In questo sistema, le triadi sono più facili da prendere, lo svantaggio di è la difficoltà di suonare su corde aperte. Oltre a quanto sopra, ci sono anche tradizioni regionali di accordare lo strumento. rare impostazioni locali raggiungono le due dozzine ..

Varietà

In un'orchestra moderna di strumenti popolari russi vengono utilizzate cinque varietà di balalaika: prima, seconda, viola, basso e contrabbasso. Di questi, solo la prima è uno strumento solista e virtuosistico, mentre agli altri sono affidate funzioni prettamente orchestrali: la seconda e la viola realizzano l'accompagnamento di accordi, mentre il basso e il contrabbasso svolgono la funzione di basso.

Prevalenza

Balalaika è uno strumento musicale abbastanza comune, studiato nelle istituzioni educative musicali accademiche in Russia, Bielorussia, Ucraina e Kazakistan.

Il periodo di formazione sulla balalaika in una scuola di musica per bambini è di 5-7 anni (a seconda dell'età dello studente) e in media Istituto d'Istruzione- 4 anni, in un istituto di istruzione superiore 4-5 anni. Repertorio: arrangiamenti di canzoni popolari, arrangiamenti di opere classiche, musica d'autore.

Storia
Non esiste un unico punto di vista sul momento dell'apparizione della balalaika. Si ritiene che la balalaika si sia diffusa dalla fine del XVII secolo. Migliorato grazie a V. Andreev insieme ai maestri Paserbsky e Nalimov. È stata creata una famiglia di balalaika modernizzati: ottavino, prima, seconda, viola, basso, contrabbasso. La balalaika è usata come concerto solista, ensemble e strumento orchestrale.

Etimologia
Il nome stesso dello strumento è già curioso, è tipicamente popolare, trasmettendo il carattere di suonarlo con il suono delle sillabe. La radice delle parole "balalaika", o, come veniva anche chiamata, "balabayka", ha attirato a lungo l'attenzione dei ricercatori per la sua parentela con parole russe come balakat, balabonit, balabolit, joker, che significa chiacchierare, vuoto richiami (torniamo al comune slavo *bolbol dello stesso significato). Tutti questi concetti, completandosi a vicenda, trasmettono l'essenza della balalaika: uno strumento leggero, divertente, "strimpellato", poco serio.

Per la prima volta la parola "balalaika" si trova nei monumenti scritti risalenti al regno di Pietro I.

La prima menzione scritta della balalaika è contenuta in un documento datato 13 giugno 1688 - "Memoria dall'ordine Streltsy all'ordine piccolo russo" (RGADA), che, tra l'altro, riporta che a Mosca furono portati gli ordini Streltsy “<...>cittadino Savka Fedorov<...>SÌ<...>contadino Ivashko Dmitriev, e con loro fu portata una balalaika in modo che cavalcassero un carro su un carro fino alle porte Yausky, cantassero canzoni e suonassero la balalaika in toi, e gli arcieri di guardia che stavano di guardia alle porte Yausky rimproverarono<...>».

La successiva fonte scritta in cui viene menzionata la balalaika è il "Registro" firmato da Pietro I, riferito al 1715: a San Pietroburgo, durante la celebrazione delle nozze del giullare del "Principe-Papa" N. M. Zotov, oltre ad altri strumenti portati da mummers, furono nominati quattro balalaika.

Per la prima volta, la parola fu attestata nella lingua ucraina dell'inizio del XVIII secolo (in documenti del 1717-1732) sotto forma di "balabaika" (ovviamente, questa è la sua forma più antica, conservata anche nei dialetti Kursk e Karachev ). In russo per la prima volta nella poesia di V. I. Maikov "Elisey", 1771, canzone 1: "Mi accordi un fischio o una balalaika".

Cello (violoncello italiano, violoncello abbr., violoncello tedesco, violoncelle francese, violoncello inglese)

Uno strumento musicale ad arco del registro basso e tenore, noto fin dall'inizio metà del XVI secolo, la stessa struttura del violino o della viola, ma molto più grande. Il violoncello ha ampie possibilità espressive e una tecnica esecutiva attentamente sviluppata, è usato come strumento solista, d'insieme e orchestrale.

La storia dell'emergere e dello sviluppo dello strumento

L'aspetto del violoncello risale all'inizio del XVI secolo. Inizialmente veniva utilizzato come strumento basso per accompagnare il canto o suonare uno strumento di registro più alto. C'erano numerose varietà del violoncello, che differivano l'una dall'altra per dimensioni, numero di corde e accordatura (l'accordatura più comune era un tono più basso di quella moderna).
Nei secoli XVII-XVIII, gli sforzi degli eminenti maestri musicali delle scuole italiane (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, ecc.) Crearono un modello di violoncello classico con una corporatura ben consolidata. Alla fine del XVII secolo apparvero le prime opere soliste per violoncello: sonate e ricercari di Giovanni Gabrieli. Entro la metà del XVIII secolo, il violoncello iniziò ad essere utilizzato come strumento da concerto, grazie al suo suono più brillante e pieno e al miglioramento della tecnica esecutiva, sostituendo finalmente la viola da gamba dalla pratica musicale. Il violoncello fa anche parte dell'orchestra sinfonica e degli ensemble da camera. L'approvazione finale del violoncello come uno degli strumenti principali della musica è avvenuta nel XX secolo grazie agli sforzi dell'eccezionale musicista Pablo Casals. Lo sviluppo delle scuole di esecuzione su questo strumento ha portato all'emergere di numerosi violoncellisti virtuosi che eseguono regolarmente concerti da solista.
Il repertorio per violoncello è molto vasto e comprende numerosi concerti, sonate, composizioni non accompagnate.

]Tecnica di suonare il violoncello

Mstislav Rostropovich con un violoncello Duport di Stradivari.
I principi del suonare e dei colpi quando si suona al violoncello sono gli stessi del violino, tuttavia, a causa delle maggiori dimensioni dello strumento e della diversa posizione del suonatore, la tecnica di suonare il violoncello è alquanto limitata. Vengono utilizzati flageolets, pizzicato, puntata del pollice e altre tecniche di gioco. Il suono del violoncello è succoso, melodioso e teso, leggermente compresso nel registro acuto.
Struttura delle corde del violoncello: Do, Sol, Re, La (do, sale di un'ottava grande, re, la di un'ottava piccola), cioè un'ottava sotto la viola. La gamma del violoncello, grazie alla tecnica sviluppata di suonare sulla corda la, è molto ampia: da do (a un'ottava grande) a la4 (la della quarta ottava) e oltre. Le note sono scritte in chiavi di basso, tenore e violino in base al suono effettivo.

lo strumento era tenuto dai polpacci delle gambe
Quando si suona, l'esecutore appoggia il violoncello sul pavimento con un argano, diffusosi solo alla fine dell'Ottocento (prima lo strumento era tenuto per i polpacci). Sui violoncelli moderni è ampiamente utilizzato il cabestano ricurvo, inventato dal violoncellista francese P. Tortelier, che conferisce allo strumento una posizione più piatta, facilitando in qualche modo la tecnica di esecuzione.
Il vi it) degli strumenti dal punto di vista sonoro, ed è spesso utilizzato anche in altre formazioni cameristiche. Nella partitura orchestrale, la parte del violoncello è scritta tra le parti delle viole e dei contrabbassi.

La storia della creazione del violino

La storia della musica ritiene che il violino nella sua forma più perfetta sia sorto nel XVI secolo. A quel tempo erano già noti tutti gli strumenti ad arco attivi per tutto il Medioevo. Erano disposti in un certo ordine e gli scienziati di quel tempo conoscevano, con maggiore o minore probabilità, il loro intero pedigree. Il loro numero era enorme e ora non è necessario approfondire la questione.

Gli ultimi ricercatori sono giunti alla conclusione che il violino non è in alcun modo una "viola da gamba" ridotta. Inoltre, è stato stabilito con sufficiente precisione che entrambi questi tipi di strumenti nel loro dispositivo hanno caratteristiche nettamente diverse l'una dall'altra. Tutti gli strumenti legati alle "viole da gamba" avevano il fondo piatto, i bordi piatti, il manico diviso da tasti, la testa meno spesso a forma di trifoglio e più spesso con l'immagine di una testa animale o umana, ritagli su la superficie superiore dello strumento nei contorni della lettera latina "C" e, infine, l'accordatura delle corde in quarte e terze. La "viola da brachio", come l'immediato predecessore del violino moderno, aveva invece una quinta accordatura delle corde, fondo convesso, bordi un po' rialzati, tastiera priva di tasti, paletta a forma di un cartiglio e tacche o "efs", nel contorno delle lettere minuscole una di fronte all'altra f latina in corsivo.
Questa circostanza fece sì che la famiglia delle viole propriamente dette si componesse di una successiva riduzione della gamba. Nacque così una composizione completa dell'antico "quartetto" o "quintetto", composta di sole viole di varia grandezza. Ma, insieme all'emergere di una famiglia completa di viole, si sviluppò e migliorò uno strumento che aveva tutte le caratteristiche distintive e più tratti caratteriali violino moderno. E questo strumento, infatti, non è nemmeno una "viola a mano" nel senso letterale del termine, ma la cosiddetta "lira a mano", che, come strumento popolare delle terre slave, costituiva la base del moderno famiglia di violini. Grande Raffaello(1483-1520), in un suo dipinto del 1503, dà un'ottima rappresentazione di questo strumento. A contemplarlo, non c'è il minimo dubbio che sia rimasto ben poco per la completa trasformazione della "lira a mano" nel perfetto violino del nostro tempo. L'unica differenza che distingue l'immagine di Raffaello dal violino moderno sta solo nel numero delle corde - sono cinque in presenza di due bassi - e nella sagoma dei piroli, che ricordano ancora molto i piroli di un vecchia viola.
Da allora, le prove si sono moltiplicate a un ritmo incredibile. Le insignificanti correzioni che si potrebbero apportare all'immagine dell'antica "lira da brachio" le conferirebbero la più impeccabile somiglianza con il violino moderno. Queste testimonianze, sotto forma di un vecchio violino, risalgono al 1516 e al 1530, quando un libraio di Basilea scelse vecchio violino con il tuo marchio. Allo stesso tempo, la parola "violino", nel suo stile francese violon, apparve per la prima volta nei dizionari francesi dell'inizio del XVI secolo. Henri Pruneer (1886-1942) afferma che già nel 1529 questa parola è contenuta in alcuni giornali economici dell'epoca. Tuttavia, le indicazioni che il concetto di "violino" sia apparso intorno al 1490 dovrebbero essere considerate dubbie. In Italia la parola violinista nel significato di suonatore di violino iniziò ad apparire dal 1462, mentre la parola violino stessa nel significato di "violino" entrò in uso solo cento anni dopo, quando si diffuse. Gli inglesi adottarono l'ortografia francese della parola solo nel 1555, che però fu sostituita tre anni dopo dal "violino" completamente inglese.
In Rus', secondo la testimonianza dei monumenti più antichi, gli strumenti ad arco erano conosciuti da moltissimo tempo, ma nessuno di essi si è sviluppato tanto da diventare in seguito strumento di un'orchestra sinfonica. Il più antico strumento ad arco russo antico è il segnale acustico. Nella sua forma più pura, aveva un corpo di legno ovale, un po' a forma di pera, con tre corde tese su di esso. Suonavano il fischietto con un arco ad arco, che non aveva niente a che fare con quello moderno. Il momento in cui ha avuto origine il fischio non è esattamente noto, ma si presume che il "beep" sia apparso in Rus' insieme alla penetrazione di strumenti "orientali" - domra, surna e smyk. Questa volta è solitamente determinata dalla seconda metà del XIV e dall'inizio del XV secolo. È difficile dire quando siano apparsi i "violini" nel senso letterale della parola. Si sa solo con certezza che le prime menzioni del violinista negli alfabeti dei secoli XVI-XVII "dimostrano ugualmente che gli interpreti non ne avevano idea". In ogni caso, secondo P. F. Findeisen (1868-1928), questo strumento non era ancora conosciuto nella vita domestica e pubblica della Rus' di Mosca, e i primi violini nella loro forma completamente completata apparvero a Mosca, a quanto pare, solo all'inizio XVIII secolo. Tuttavia, i compilatori degli alfabeti, che un tempo non avevano mai visto un vero violino, capirono solo che questo strumento doveva essere uno strumento a corda, e quindi lo paragonarono erroneamente a "gusli" e "Little Russian lira", che, ovviamente, non era assolutamente vero.
Descrizioni più o meno dettagliate del nuovo violino in Occidente iniziano ad apparire solo a partire dalla metà del XVI secolo. Così Philibert Jambes de Fair (1526-1572), delineando le caratteristiche e i tratti distintivi del violino contemporaneo, cita alcuni nomi dai quali si può dedurre che la "famiglia dei violini" fu costruita sul modello e somiglianza del violino viola. Fu da questo periodo, dal 1556, che il violino esistette fino alla fine del XVII secolo in diverse varietà, conosciute con i nomi francesi dessus, quinte, haute-contre, tailee e basse. In questa forma, la composizione della famiglia dei violini fu stabilita quando Peer Maryann (1588-1648) iniziò a scrivere di lui. "Banda dei ventiquattro" - come si chiamava un tempo Les vingt-quatre - era composta dagli stessi strumenti, ma con i nomi già spostati. Il dessus era seguito dall' haute-contre, e la quinte era tra il tailee e il basso, ma i loro volumi corrispondevano esattamente ai dati precedenti, che sono stati or ora menzionati. Successivamente ci fu un altro cambiamento in questa composizione dei violini, per cui l'haute-contre scomparve completamente, lasciando il posto al dessus, e la tailee si unì alla quinte, adottando l'ordine di quest'ultima. Fu così stabilito un nuovo tipo di combinazione di archi in quattro parti, in cui dessus corrispondeva al primo e al secondo violino, tailee o quinte - viole e bassi - violoncelli.
Ora è difficile stabilire con esattezza quando avvenne il completamento definitivo di quello strumento, oggi conosciuto con il nome di "violino". Molto probabilmente, questo miglioramento è andato avanti in una serie continua e ogni maestro ha portato qualcosa di suo. Tuttavia si può chiaramente affermare che il XVII secolo fu per il violino “l'età dell'oro”, quando avvenne il definitivo compimento dei rapporti nella struttura dello strumento e quando esso raggiunse quella perfezione che nessun tentativo di “migliorarlo” potrebbe già scavalcare. La storia ha conservato nella sua memoria i nomi dei grandi trasduttori di violino e ha legato lo sviluppo di questo strumento con i nomi di tre famiglie di liutai. Si tratta innanzitutto della famiglia Amati di maestri cremonesi, che divennero maestri di Andrea Guarneri (1626?-1698) e Antonio Stradivari (1644-1736). Ma il violino deve il suo ultimo completamento soprattutto a Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) e in particolare ad Antonio Stradivari, venerato come il più grande creatore del violino moderno.
Ma non a tutti piaceva tutto nel violino che era già stato stabilito a quel tempo dal grande Cremonese. Molti hanno provato a cambiare i rapporti adottati da Stradivari, e nessuno, ovviamente, ci è riuscito. Più curioso di tutto, però, era il desiderio di alcuni dei maestri più arretrati di riportare il violino al recente passato e di imporgli le caratteristiche obsolete della viola. Come sai, il violino non aveva tasti. Ciò ha permesso di espandere il suo volume sonoro e perfezionare la tecnica del violino. Tuttavia, in Inghilterra queste qualità del violino sembravano "dubbie" e l '"intonazione" dello strumento non era abbastanza precisa. Furono quindi introdotti i tasti sulla tastiera del violino per eliminare le possibili "imprecisioni" nell'estrazione del suono, e la casa editrice, guidata da John Playford (1623-1686?), dal 1654 al 1730 ristampò un manuale compilato secondo la "tavolatura modale" . La giustizia, tuttavia, richiede di dire che questo è stato generalmente l'unico caso noto nella storia del violino. Altri tentativi per migliorare e facilitare l'esecuzione di questo strumento si sono ridotti all'accordatura delle corde o alla cosiddetta "scordatura". Questo aveva senso, e molti violinisti di spicco, come Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) e pochi altri, accordarono ciascuno il proprio strumento a modo suo. A volte questo metodo di accordatura delle corde viene utilizzato anche adesso, perseguendo obiettivi artistici speciali.
Violino Stradivari. Foto da gruhn.com Quindi, il violino ha ricevuto la sua incarnazione più perfetta entro la fine del XVII secolo. Antonio Stradivari fu l'ultimo a portarlo allo stato attuale, e François Tourt, un maestro del XVIII secolo, è venerato come il creatore dell'arco moderno. Ma nello sviluppo del violino e nella sua implementazione nella vita reale, le cose hanno avuto meno successo. È molto difficile trasmettere in poche parole l'intera lunga e variegata storia di questo sviluppo e miglioramento della tecnica del violino. Basti pensare che l'aspetto del violino ha causato molti avversari. Molti si sono semplicemente pentiti delle bellezze perdute della viola, mentre altri hanno escogitato interi "trattati" diretti contro lo sconosciuto non invitato. Solo grazie ai grandi violinisti, che hanno portato decisamente avanti la tecnica del violino, il violino ha preso il posto che gli spettava di diritto. Nel XVII secolo questi violinisti virtuosi erano Giuseppe Torelli e Arcangelo Corelli. In futuro Antonio Vivaldi (1675-1743) lavorò molto a beneficio del violino e, infine, un'intera galassia di meravigliosi violinisti guidati da Niccolò Paganini. violino moderno ha quattro corde accordate per quinte. La corda superiore è talvolta chiamata quinta e la corda inferiore è chiamata basso. Tutte le corde del violino sono venate o intestinali, e solo il "basso" è intrecciato con un sottile filo d'argento o "gimp" per una maggiore pienezza e bellezza del suono. Al momento, tutti i violinisti usano una corda di metallo per la "quinta" ed esattamente la stessa, ma solo avvolta con un sottile filo di alluminio per morbidezza, la corda del LA, sebbene alcuni musicisti utilizzino anche una corda del LA di alluminio puro senza alcun "gimp". A tal proposito, la corda di metallo per il mi e di alluminio per il la, rendeva necessario rafforzare la sonorità della corda di re, che allora era ancora venata, il che veniva fatto con l'ausilio di un "cordone" di alluminio che avvolgeva, come un "basco", quest'ultimo e, tra l'altro, che le è servito bene. Tuttavia, tutti questi eventi sconvolgono notevolmente i veri intenditori, perché il suono squillante e acuto delle corde metalliche in altri casi è molto evidente e spiacevole, ma non c'è niente da fare e bisogna sopportare le circostanze.
Le corde del violino, accordate secondo le esigenze dello strumento, si chiamano aperte o vuote, e suonano nell'ordine delle quinte pure discendenti dal mi della seconda ottava al sale piccolo. L'ordine delle corde è sempre considerato dall'alto verso il basso, e questa usanza è stata conservata fin dall'antichità in relazione a tutti gli archi e strumenti a corda"con una maniglia" o "barra". Le note per il violino sono scritte solo nella "chiave di violino" o la chiave di G.
Il concetto di "aperto" o nell'uso orchestrale - una corda vuota, implica il suono della corda per tutta la sua lunghezza dal supporto al capotasto, cioè tra quei due punti che ne determinano l'altezza effettiva durante l'accordatura. La lunghezza della corda è solitamente determinata dagli stessi punti, poiché nell'orchestra è la parte sonora della corda che viene presa in considerazione, e non il suo "valore assoluto" racchiuso tra il sottomanico e i piroli. Negli spartiti, una corda aperta è indicata da un piccolo cerchio o zero posto sopra o sotto la nota.
In alcuni casi, quando il tessuto musicale dell'opera lo richiede, si può abbassare di un semitono la corda in modo da ottenere un Fa diesis di una piccola ottava per il "basco" o un secondo Re diesis per la "quinta".
Fonte music-instrument.ru

Storia di costruzione di chitarra elettrica (chitarra elettrica)

Lo sviluppo della tecnologia nel XX secolo non ha trascurato il lato culturale dell'esistenza umana. L'emergere di dispositivi elettronici per la riproduzione e, soprattutto, l'elaborazione del suono, alla fine, non poteva che influenzare gli stessi strumenti musicali. Oltre ai tentativi di creare strumenti musicali fondamentalmente nuovi, sono stati fatti anche tentativi di "modernizzare" i ben noti vecchi. Così Lloyd Loher nel 1924 progettò il primo pickup magnetico, un dispositivo che converte le vibrazioni di una corda metallica in un segnale elettrico. Questo talentuoso ingegnere ha lavorato in quel momento, dove penseresti? - alla Gibson! Ma come capisci, la creazione della Les Paul è ancora piuttosto lontana - ben 28 anni, quindi le prime chitarre elettriche prodotte in serie non furono affatto prodotte da Gibson. E questo è stato fatto da una società chiamata Electro String Company, uno dei fondatori della quale era Adolf Rickenbacker, che successivamente ha fondato, come probabilmente avrai già intuito, la famosissima società Rickenbacker che ha rilasciato una chitarra signature per John Lennon - 325JL. I corpi di queste prime chitarre erano realizzati in alluminio, motivo per cui ricevettero il nome sincero di "padelle". Questo evento ebbe luogo nel 1931. Non so se ci siano stati altri tentativi di attaccare un pickup ad una chitarra, probabilmente ci sono stati, ma solo nel 1951 hanno acquisito quelle forme così classiche e riconoscibili. E Leo Fender lo fece rilasciando la sua famosa Telecaster ed era già una svolta, qualcosa come mettere in orbita un'astronave con un uomo, ovviamente, a bordo. Il corpo era in legno, sebbene non avesse nulla in comune nel design con una chitarra classica. Per qualche ragione, molte persone pensano che le chitarre elettriche siano fatte di chissà cosa: metallo, plastica e altri materiali ultramoderni, no - le chitarre sono state fatte e sono fatte fino ad oggi, principalmente in legno, proprio come una persona è 70% di acqua.
Da quel momento si può dire che la chitarra elettrica abbia preso piede come strumento musicale e fenomeno culturale. Gibson, ovviamente, non rimase indietro e pubblicò la sua leggendaria Les Paul nel 1952. E lo scatto di prova arrivò nel 1954, quando Fender lanciò in orbita la Stratocaster. Musicisti blues, rock e country iniziarono a suonare chitarre di questi modelli e produttori. Certo, da allora ci sono state molte chitarre belle, non molto popolari e non popolari, ma è improbabile che fino ad oggi qualcuno abbia escogitato qualcosa di più significativo, se non si tiene conto dell'elaborazione del suono. Ci sono, ovviamente, varie innovazioni, come l'aggiunta di una settima e persino di un'ottava corda (di norma si tratta di chitarre destinate a band e musicisti di stili e tendenze estremi), ma tutti questi sono fenomeni che “non avvicinarsi” nel loro significato a quelle sopra elencate “scoperte”.
Ma la cosa più interessante è che la chitarra è rimasta comunque una chitarra. Per qualche ragione, molte persone lontane dalla musica pensano che la chitarra elettrica sia uno strumento musicale che non ha nulla a che fare con la chitarra classica. La differenza è, ovviamente, grande, da aspetto alle tecniche di esecuzione, ma è comunque lo stesso strumento con la stessa (con alcune eccezioni) accordatura e diteggiatura degli accordi, il che significa che, conoscendo gli accordi delle canzoni, possono essere suonati con uguale successo sia su chitarre elettriche che su chitarre acustiche .

UNA BREVE STORIA DELLA CHITARRA E DEL SUO STATO ATTUALE

La chitarra è, come sai, lo strumento nazionale spagnolo. Fino ad ora, l'origine della chitarra non è stata stabilita esattamente. Si deve presumere che il suo prototipo sia la kefara assiro-babilonese o la cetra egiziana. Potrebbe essere stato portato nella penisola iberica dai romani (chitarra latina) o dagli arabi (chitarra moresca). Sul primo si suonava con la tecnica del "punteado", cioè con un pizzico, sul secondo, che aveva una sonorità più acuta, si suonava con la tecnica del "rasgueado", cioè facendo tintinnare le corde con tutte le dita della mano destra.

La chitarra di tipo moderno, o comunque affine, ebbe probabilmente origine dalla fusione di queste due varietà dell'antica cetra non prima del XVI secolo. Abbiamo un'indicazione indiretta di questa duplice origine della chitarra in un modo diverso di suonarla fino ad oggi: folk - "rasgueado", - originato dal suonare la chitarra moresca, e professionale - "punteado", - originato dalla chitarra latina .

Al momento della penetrazione in altri paesi europei (secoli XVI-XVII), la chitarra aveva cinque corde, accordate in un quarto, come il relativo liuto. Non è certo se la sesta corda sia stata aggiunta in Germania o in Italia. In questa forma finale, la chitarra ha acquisito i diritti di uno strumento serio. Sulla base di questo aumento delle sue possibilità musicali, la chitarra a sei corde conobbe il suo primo periodo di massimo splendore (dalla fine del XVIII secolo alla metà del XIX secolo). Durante questo periodo, la chitarra ha portato avanti una serie di brillanti virtuosi e compositori, come gli spagnoli Aguado e Sor e gli italiani Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti e altri. L'attività concertistica di questi chitarristi nei paesi europei elevò la chitarra ad un alto livello professionale e le conquistò molti aderenti tra i più grandi musicisti, poeti e scrittori. Alcuni di loro - i compositori Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - usavano la chitarra nelle loro opere; altri - i compositori Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - suonavano loro stessi la chitarra; altri - Glinka, Ciajkovskij - amavano ascoltare la chitarra. Va notato in particolare che il famoso violinista Paganini era allo stesso tempo un eccellente chitarrista e scrisse una serie di opere per chitarra. Poeti e scrittori: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire e molti altri amavano la chitarra e le dedicavano più di una pagina nelle loro opere.

Il periodo di massimo splendore della chitarra, che durò quasi fino alla fine del XIX secolo, fu sostituito dal suo declino, dovuto principalmente alla comparsa del pianoforte. Tuttavia, dall'inizio del XX secolo, stiamo assistendo a un periodo di un nuovo periodo di massimo splendore della chitarra, apparentemente causato da un cambiamento nell'atteggiamento del grande pubblico nei suoi confronti, come antico e uno degli strumenti popolari più espressivi . Di conseguenza, apparvero numerosi virtuosi della chitarra eccezionalmente dotati, per lo più spagnoli: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol e altri, che perfezionarono l'arte di suonare la chitarra e misero la chitarra alla pari con altri strumenti solisti tradizionali. E ancora, come nell'era del primo periodo di massimo splendore, la chitarra attira molti amici tra i compositori più in vista, come Torino, de Falla, Pons, Roussel e altri.

Nel nostro paese, insieme alla chitarra a sei corde, era diffusa la sua varietà: la chitarra a sette corde, principalmente con sistema terziano.

Fisarmonica, fisarmonica a bottoni

Storia e varietà degli strumenti ad ancia (fisarmonica, fisarmonica a bottoni, ecc.)

Una fisarmonica è uno strumento musicale in cui i suoni sono prodotti da canne metalliche che scivolano liberamente - sottili lastre che vibrano sotto l'azione di un flusso d'aria pompato da soffietti. Con la mano sinistra, l'esecutore controlla il mantice e preme anche i pulsanti dei bassi e degli accordi per accompagnare la melodia, che viene suonata con la mano destra.

In Russia, a Mosca, c'è il miglior e più vasto Museo di Armoniche del mondo (ci sono 4 musei di questo tipo nel mondo: c'è anche il Museo di Armoniche Nazionali in Germania a Klingenthal, il Museo di Armoniche in Italia a Castelfidardo e il Museo della fisarmonica negli Stati Uniti in .Super Ior-Delucy).

Storia generale dello sviluppo degli strumenti ad ancia

Il primo strumento noto con il principio dell'ancia di estrazione del suono è l'antico Sheng orientale (originario di Birmania, Tibet, Laos e Cina). La data esatta in cui questo strumento è stato creato è sconosciuta, ma si ritiene che abbia più di 2000 anni. Era considerato uno strumento "puro", cioè adatto all'esecuzione di musica sacra. Intorno al 700 d.C sheng è stato migliorato strumento popolare, poteva essere suonato in 12 chiavi e per questi strumenti è stato creato un manuale di armonia.

La comparsa di armoniche, fisarmoniche a bottoni e fisarmoniche in Russia

La comparsa degli armonici in Russia risale all'inizio degli anni '40 del XIX secolo. fasce privilegiate della popolazione, come indicato in fonti letterarie, acquistò armoniche a mano all'estero e, attraverso i servi della gleba, le armoniche apparvero e divennero popolari nei villaggi. Si presume che le armoniche possano essere importate da artigiani stranieri, ordinate alle fabbriche di armi di Tula.
Tra gli artigiani di Tula, c'era l'opinione che gli armaioli Sizov e Shkunaev avessero inventato le armoniche. Secondo alcuni rapporti, furono prodotti negli anni '30 del XIX secolo. nella provincia di Tula, invece, non si sa di quali armoniche in questione- su labiale o manuale.

Informazioni generali sul dispositivo delle armoniche

L'armonica può essere chiamata tutti gli strumenti musicali, il cui suono è riprodotto da una lingua metallica (voce) che scorre liberamente, vibrando sotto l'azione di un flusso d'aria. L'aria nelle armoniche viene fornita con l'aiuto di un soffietto a mano o a piede (armoniche a mano, harmonium), un ventaglio (organole, organetti) o espirata e inalata dai polmoni dell'esecutore (armoniche a bocca). In tutte le armoniche moderne, l'ancia è fissata con rivettatura ad un'estremità su una base metallica, chiamata telaio (telaio). Il telaio insieme alla linguetta rivettata è chiamato barra.

Sheng (gonofui, ken, lussureng)

Sheng è uno degli strumenti più antichi della famiglia delle armoniche, originario di Birmania, Tibet, Laos e Cina. Secondo antichi manoscritti cinesi (2-3 mila anni aC), gli scienziati hanno stabilito il nome più antico dello strumento: Yu. Quindi iniziò a chiamarsi chao, ho, sheng, a seconda della forma e del materiale utilizzato per la sua fabbricazione. Sono note anche altre varietà di sheng: chonofui o gonofui (Giappone), ken (Laos), Luxeng e hulusheng (Cina sudoccidentale). In Russia e in altri paesi europei, gli sheng venivano talvolta chiamati organi della bocca cinesi.

Bibelarmonica, orchestra, elodicon

Quando in Europa apparvero i primi strumenti musicali costruiti secondo il nuovo principio della produzione del suono (una lingua metallica scivolosa), i fabbricanti di organi usarono le vecchie forme di strumenti musicali: organo portatile, regalia, organo positivo (portatile), ecc. nell'esempio dei primi strumenti di tal genere.

Sintetizzatore

Uno strumento musicale elettronico che sintetizza il suono utilizzando uno o più generatori di onde sonore. Il suono desiderato si ottiene modificando le proprietà del segnale elettrico (nei sintetizzatori analogici) o regolando i parametri del processore centrale (nei sintetizzatori digitali).

Un sintetizzatore realizzato sotto forma di una custodia con una tastiera è chiamato sintetizzatore da tastiera.
Un sintetizzatore realizzato sotto forma di custodia senza tastiera è chiamato modulo sintetizzatore ed è controllato da una tastiera MIDI.
Se un sintetizzatore da tastiera è dotato di un sequencer incorporato, viene chiamato workstation.
Tipi di sintetizzatori:

A seconda della tecnologia utilizzata, i sintetizzatori sono suddivisi in diversi tipi:

I sintetizzatori analogici implementano tipi di sintesi additiva e sottrattiva. La caratteristica principale dei sintetizzatori analogici è che il suono viene generato ed elaborato utilizzando circuiti elettrici reali. Spesso il collegamento di vari moduli di sintesi viene effettuato utilizzando cavi speciali - patch-wire, da qui il "patch" è il nome comune di un certo timbro di un sintetizzatore tra i musicisti.

Il vantaggio principale dei sintetizzatori analogici è che tutti i cambiamenti nella natura del suono nel tempo, come il movimento della frequenza di taglio del filtro, avvengono in modo estremamente fluido (continuo). Gli svantaggi includono un alto livello di rumore, il problema dell'instabilità della messa a punto è stato ora superato. I sintetizzatori analogici più famosi oggi in uso includono: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

I sintetizzatori analogici virtuali sono un ibrido tra un sintetizzatore analogico e uno digitale, che trasportano un componente software nel loro corpo. I più famosi tra loro sono: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

I sintetizzatori digitali includono i sintetizzatori digitali stessi, nonché le loro varianti: sintetizzatori virtuali-plugin / sintetizzatori autonomi e interattivi. Implementano vari tipi di sintesi. Per creare e riprodurre forme d'onda originali, modificare il suono con filtri, inviluppi, ecc. vengono utilizzati dispositivi digitali basati su un processore centrale e diversi coprocessori.

In effetti, un sintetizzatore digitale è un computer altamente specializzato. I modelli più avanzati dei moderni sintetizzatori digitali (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), come i personal computer, consentono di aggiornare sistema operativo, contengono menu di pagina, file della guida incorporati, screensaver e così via.

I sintetizzatori virtuali sono un sottoinsieme dei sintetizzatori digitali, ma sono un tipo speciale di software. Per creare il suono, vengono utilizzati il processore centrale e la RAM di un personal computer e per trasmettere il suono a un dispositivo di riproduzione viene utilizzata una scheda audio per PC.

I sintetizzatori virtuali possono essere sia prodotti software autonomi che plug-in di un certo formato (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, ecc.) progettati per essere eseguiti all'interno del programma host, solitamente un registratore multicanale (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardore, ecc.). L'elevata disponibilità porta alla crescente popolarità dei sintetizzatori virtuali, inclusi i modelli di strumenti della vita reale (ad esempio, Native Pro53 - emulatore di sintetizzatore Prophet, Novation V-Station - emulatore di sintetizzatore Novation K-Station, Korg Legacy - emulatori di sintetizzatore Korg M1, Wavestation , PolySix, MS20 ecc.).

> I sintetizzatori interattivi o domestici sono anche una varietà di sintetizzatori digitali progettati specificamente per la produzione di musica amatoriale domestica e da salotto, nonché per l'educazione musicale interattiva. In genere, questi sintetizzatori non dispongono dei mezzi per l'editing avanzato del suono, inclusi i controlli in tempo reale. L'accento è posto sull'imitazione realistica di una varietà di strumenti orchestrali e sull'uso della funzione di accompagnamento automatico. In questo caso, per suonare qualsiasi brano musicale, l'esecutore non ha bisogno di programmare voci o registrare parti nel sequencer: basta selezionare una voce già pronta per una melodia e uno stile per l'accompagnamento automatico.

Naturalmente, il controllo di tali sintetizzatori è molto più semplice di quello dei modelli professionali ed è spesso accessibile anche a un bambino. Molti sintetizzatori di questo tipo includono giochi educativi come "indovina la nota" o "indovina l'accordo", raccolte di musica già pronta per l'ascolto e l'apprendimento, una funzione karaoke con visualizzazione di testi sullo schermo, ecc. Questa categoria di sintetizzatori comprende le famiglie Yamaha PSR, Casio CTK/WK, Roland E/VA/EXR, ecc.

Tipi di sintesi sonora:

A seconda del metodo di generazione delle onde sonore e della loro trasformazione, la sintesi del suono può essere classificata come segue:

Sintesi sommatoria (additiva), che utilizza il principio di sovrapposizione (sovrapposizione) di più onde di forma semplice (solitamente sinusoidale) con frequenze e ampiezze diverse. Per analogia con gli organi elettrici, queste onde sono chiamate registri e sono denotate come 16' (tono un'ottava più basso di quello preso), 8' (tono iniziale), 4' (tono un'ottava più alto di quello preso), ecc. (la cifra è la lunghezza della canna del corrispondente registro d'organo in piedi). Nella sua forma pura, si trova negli organi elettrici (Hammond, Farfisa) e nei loro emulatori digitali (Korg CX-3, Roland VK-8, ecc.). Il suono dello strumento è più ricco, più registri vengono utilizzati nella costruzione.

Sintesi sottrattiva (sottrattiva), in cui la forma d'onda arbitraria originale cambia timbro mentre passa attraverso una varietà di filtri, generatori di inviluppo, processori di effetti, ecc. Come sottoinsieme, questo tipo di sintesi è ampiamente utilizzato in quasi tutti i moderni modelli di sintetizzatore.

Sintesi di operatore (FM, dall'inglese Frequency Modulation), in cui avviene l'interazione (modulazione di frequenza e sommatoria) di più onde di forma semplice. Ogni onda, insieme alle sue caratteristiche, è chiamata operatore, una certa configurazione di operatori costituisce un algoritmo. Più operatori vengono utilizzati nella progettazione del sintetizzatore, più ricco diventa il suono dello strumento. Ad esempio, il sintetizzatore Yamaha DX-7 (1984), ancora popolare fino ad oggi, ha 6 operatori, configurati da 36 diversi algoritmi.

Sintesi fisica, in cui, grazie all'uso di potenti processori, vengono simulati processi fisici reali in strumenti musicali di un tipo o dell'altro. Ad esempio, per strumenti a fischio a fiato come un flauto, i parametri saranno la lunghezza, il profilo e il diametro della canna, la portata d'aria, il materiale del corpo; per strumenti ad arco - dimensioni del corpo, materiale, lunghezza e tensione delle corde, ecc. La sintesi fisica è utilizzata da strumenti come Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, ecc.

Sintesi Wavetable (PCM), in cui il suono viene creato riproducendo frammenti del suono di strumenti musicali reali (campioni e multicampioni) precedentemente registrati nella memoria dello strumento. Il sintetizzatore più famoso di questo gruppo è il Waldorf Wave, noto anche come il sintetizzatore più costoso del mondo.

Sintesi ibrida, che utilizza l'una o l'altra combinazione di diversi metodi di sintesi del suono, ad esempio "somma + sottrazione", "onda + sottrazione", "operatore + sottrazione", ecc. La maggior parte degli strumenti moderni sono creati sulla base della sintesi ibrida, poiché dispone di strumenti molto potenti per variare il timbro nella gamma più ampia.

Controllo di un sintetizzatore moderno:

Il controllo di un moderno sintetizzatore professionale è un processo complesso associato al controllo di diverse centinaia, o addirittura migliaia, di vari parametri responsabili di alcuni aspetti del suono. Alcuni parametri possono essere controllati in tempo reale tramite manopole rotanti, ruote, pedali, pulsanti; altri parametri sono utilizzati per modifiche pre-programmate nel tempo di determinate caratteristiche. A questo proposito, anche i timbri (patch) dei sintetizzatori digitali sono spesso chiamati programmi.

La tastiera e il tracciamento dinamico vengono utilizzati per tracciare la posizione e la velocità di una battitura. Ad esempio, passando dai tasti inferiori a quelli superiori, il timbro può cambiare dolcemente da violoncello a flauto, e con una pressione più vigorosa del tasto, i timpani si aggiungono al suono complessivo.

Un inviluppo viene utilizzato per modificare un determinato parametro di un suono in modo non periodico. Tipicamente, il grafico dell'inviluppo è una linea spezzata composta da attacco (Attack), decadimento (Decay), supporto (Sustain) e decadimento (Release) (vedi anche inviluppo ADSR), tuttavia, in vari modelli di sintetizzatore si trovano come più semplici ( ADR ) così come buste multistadio più complesse. Totale L'inviluppo è una caratteristica importante di un sintetizzatore.

Il filtro viene utilizzato per escludere una determinata banda di frequenza dallo spettro totale del segnale. Spesso il filtro è dotato anche di risonanza, che consente di aumentare nettamente la banda di frequenza al limite di taglio. La modifica delle caratteristiche del filtro con controlli in tempo reale, tracciamento della tastiera e/o inviluppi consente di ottenere opzioni audio estremamente diverse. Il numero totale di filtri è una caratteristica importante di un sintetizzatore.

Ring-modulator consente di modulare il segnale originale con un altro segnale con una certa frequenza (fissa o mobile), grazie alla quale si verifica un significativo arricchimento di armoniche. Il nome “Ring” (ing. “call”) è dovuto al fatto che questo nodo spesso serve per ottenere un suono “a campana” dello strumento.

L'oscillatore a bassa frequenza viene utilizzato per modificare periodicamente alcuni parametri del suono, come intonazione, volume, frequenza di taglio del filtro, ecc. Nel caso di un cambiamento ciclico di volume, viene creato un effetto tremolo, un cambiamento di intonazione crea un effetto vibrato, un cambiamento periodico nella frequenza di taglio del filtro è chiamato effetto "wah-wah".

L'elaborazione degli effetti viene utilizzata per finalizzare il suono. I sintetizzatori moderni sono generalmente dotati di un numero abbastanza elevato di processori di effetti (ad esempio, Korg Karma - 8 processori, Roland Fantom - 6 processori, ecc.). I processori funzionano indipendentemente l'uno dall'altro, sebbene possano essere combinati in circuiti seriali se lo si desidera. I moderni processori di effetti implementano un gran numero di algoritmi di effetti spaziali (riverbero, ritardo, eco), modulazione (flangia, chorus, phaser) e altri (sovraamplificazione, spostamento di frequenza, arricchimento armonico).

I modelli più avanzati hanno i mezzi per controllare i parametri degli effetti da controlli in tempo reale, inviluppi, LFO e altro ancora.

La meccanica del pianoforte moderno fu inventata dal maestro italiano Cristofori alla fine del XVII secolo ( data ufficiale- OK. 1709), nel suo progetto i martelletti erano sotto le corde. Lo strumento si chiamava gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - e successivamente fu fissato il nome del pianoforte.

L'invenzione di Cristofori segnò l'inizio dello sviluppo della meccanica del sistema inglese. Altri tipi di meccanica furono sviluppati da Marius in Francia (1716) e da Schroeter in Germania (1717-21). Sebastian Erard ha inventato la meccanica a doppia prova, che ha permesso di estrarre il suono premendo di nuovo rapidamente il tasto da metà corsa. Nella meccanica del sistema inglese, tale ripetizione era possibile solo quando la chiave era completamente alzata.

In Russia, il business del pianoforte era principalmente associato a San Pietroburgo. Solo nel XVIII secolo vi lavorarono più di 50 maestri di pianoforte. Lo sviluppo della produzione in fabbrica di pianoforti nella prima metà del XIX secolo fu influenzato dalle attività del primo produttore di pianoforti russo, fornitore della corte imperiale, il maestro inglese G. Faverier, dei maestri tedeschi I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder e, dal 1840, il belga G.-G. Lichtental. Ad oggi sono noti i nomi di oltre 600 maestri di pianoforte che hanno lavorato in Russia prima della rivoluzione del 1917. Maestro di pianoforte del Conservatorio di San Pietroburgo, candidato di scienze filologiche Sergeev M. V. è impegnato in questi studi.
A metà del XIX secolo, le fabbriche di J. Blutner, K. Bechstein aprirono in Germania, negli Stati Uniti - Steinway e figli, lunghi anni impareggiabile.
Nel 20 ° secolo apparvero strumenti fondamentalmente nuovi: pianoforti e sintetizzatori elettronici, nonché una forma speciale di produzione del suono: un pianoforte preparato.

Il primo brano musicale scritto appositamente per pianoforte apparve nel 1732 (sonata di Lodovico Giustini). Tuttavia, in massa, quaranta o cinquant'anni dopo, ai tempi di Haydn e Mozart, i compositori iniziarono a concentrarsi sul pianoforte piuttosto che sul clavicembalo.

I pianoforti si dividono in pianoforti a coda - strumenti con corde orizzontali - e pianoforti verticali. Il primo pianoforte verticale noto è attribuito a K.-E. Friederici (Gera, Germania), che lo creò nel 1745. Tuttavia, già nel 1742, uno strumento simile uscì dalla bottega di Johann Söcher a Zanthofen (Baviera), e nel 1748 tale G. Silbermann fece anche gli stessi strumenti. Varietà di pianoforti verticali: piramidale, pianoforte-lira, pianoforte-ufficio, pianoforte-arpa, ecc. Dalla metà del XIX secolo sono stati prodotti solo pianoforti e pianoforti a coda.

Il suono nel pianoforte viene prodotto colpendo le corde con un martello. Le corde vengono tese su un telaio in ghisa con l'ausilio di perni (piroli), passando attraverso i piroli degli acuti e dei bassi incollati al piano risonante (nel pianoforte il piano è in posizione verticale, nei pianoforti a coda - in posizione orizzontale). Per ogni suono c'è un coro di archi: tre per le gamme medie e alte, due o uno per le basse. La gamma della maggior parte dei pianoforti è di 88 semitoni dal sottocontrottavo LA alla 5a ottava (gli strumenti più vecchi possono essere limitati alla nota LA della 4a ottava dall'alto; puoi trovare strumenti con una gamma più ampia). In posizione neutra, le corde, ad eccezione dell'ultima da una e mezza a due ottave, sono in contatto con gli smorzatori (silenziatori). Quando si premono i tasti si attiva un dispositivo di leve, cinghie e martelletti, chiamato meccanica del pianoforte. Dopo aver premuto, lo smorzatore lascia il corrispondente coro di corde in modo che la corda possa suonare liberamente e un martello, rivestito di feltro (feltro), la colpisce.
Pedali per pianoforte
I pianoforti moderni hanno due o tre pedali (i modelli più recenti ne hanno quattro). Negli strumenti precedenti venivano utilizzate leve retrattili per lo stesso scopo, che il pianista doveva premere con le ginocchia.
Il pedale destro (a volte indicato semplicemente come "pedale" perché è usato più spesso) alza tutti gli smorzatori contemporaneamente, in modo che quando il tasto viene rilasciato, le corde corrispondenti continuano a suonare. Inoltre, anche tutte le altre corde dello strumento iniziano a vibrare, diventando una fonte sonora secondaria. Il pedale destro serve a due scopi: rendere inscindibile la sequenza dei suoni estratti (suonare legato) dove è impossibile farlo con le dita per difficoltà tecniche, e arricchire il suono di nuovi armonici. Esistono due modi per utilizzare il pedale: un pedale diretto - premendo il pedale prima di premere i tasti da tenere premuti, e un pedale ritardato, quando il pedale viene premuto immediatamente dopo che il tasto è stato premuto e prima che venga rilasciato. Negli spartiti, questo pedale è indicato dalla lettera P (o dall'abbreviazione Ped.) e la sua rimozione è indicata da un asterisco. Nella musica dei compositori delle epoche del romanticismo e dell'impressionismo, queste designazioni si trovano spesso, di solito per conferire al suono un sapore speciale.
Il pedale sinistro viene utilizzato per attenuare il suono. Nei pianoforti a coda, ciò si ottiene spostando i martelletti verso destra, in modo che invece delle tre corde del coro ne colpiscano solo due (in passato, a volte solo una). In un pianoforte, i martelletti si avvicinano alle corde. Questo pedale è usato molto meno spesso. Negli spartiti, è contrassegnato con una corda, la sua rimozione è contrassegnata con tre corde o tutte le corde. Oltre ad attenuare il suono, l'uso del pedale sinistro quando si suona il pianoforte consente di ammorbidire il suono, renderlo più caldo e più bello grazie alla vibrazione delle corde del coro rilasciate.
Il pedale centrale (o terzo, poiché storicamente è stato aggiunto per ultimo), o pedale sostenuto, serve per alzare selettivamente gli smorzatori. Quando il pedale centrale è premuto, gli smorzatori alzati quando si premono i tasti rimangono alzati finché il pedale non viene rimosso. Esso, come il pedale destro, può essere utilizzato per suonare in legato, ma non arricchirà il suono con la vibrazione delle altre corde. Questo pedale è assente dalla maggior parte dei pianoforti oggi ed è presente sulla maggior parte dei pianoforti a coda. Ci sono pianoforti in cui il pedale centrale “scorre” a sinistra e quindi è fisso, mentre tra i martelletti e le corde è posto un tessuto speciale, grazie al quale il suono diventa molto basso, che consente al musicista di suonare, ad esempio, di notte.
Il pianoforte può essere utilizzato sia come strumento solista che insieme a un'orchestra (ad esempio, nei concerti per pianoforte con un'orchestra). Suonare il pianoforte è un'attività che richiede buona tecnica, attenzione e dedizione. Si consiglia di iniziare l'allenamento a infanzia. Nei bambini scuole di musica(DMSh) in Russia, la formazione dura 5 o 7 anni, a seconda del programma, alcuni studenti rimangono uno o due anni in più dopo la laurea prima di entrare in una scuola di musica. Dopo la scuola di musica o una formazione equivalente, puoi continuare i tuoi studi presso una scuola di musica o college, e poi in un conservatorio, università, diventando pianista professionista. Nella scuola di musica, anche il pianoforte generale è una materia obbligatoria per quasi tutte le major. Eccezionali pianisti XX secolo - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould e altri.
Il pianoforte richiede le giuste condizioni di manutenzione, oltre che una regolare accordatura, in quanto nel tempo la tensione delle corde dello strumento si indebolisce. La frequenza di accordatura dipende dalla classe dello strumento, dalla qualità della sua fabbricazione, dalla sua età, dalle condizioni di manutenzione e funzionamento. L'accordatura, di regola, non viene eseguita dall'esecutore stesso, ma da uno specialista: un maestro accordatore di pianoforte, sebbene, in teoria, avendo a portata di mano un accordatore elettronico e conoscendo le esatte caratteristiche di frequenza di ciascuna delle corde, chiunque può eseguire il accordatura, anche se non ha un orecchio musicale.
È una delle nomination dei Delphic Games.