Relazione sugli stili musicali del nuovo medioevo. Musica antica e Medioevo

Musica epoca medievale - periodo di sviluppocultura musicale, che copre un periodo di tempo da circa Dal V al XIV secolo d.C .
Durante il Medioevo in Europa sta emergendo un nuovo tipo di cultura musicale - feudale che combina arte professionale, musica amatoriale e folclore. Dalla chiesa domina in tutte le aree della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è l'attività dei musicisti in templi e monasteri . L'arte professionale secolare era inizialmente rappresentata solo da cantanti che creavano e rappresentavano racconti epici a corte, nelle case della nobiltà, tra guerrieri, ecc. ( bardi, scaldi e così via.). Nel tempo si sviluppano forme di produzione musicale amatoriale e semiprofessionale. cavalleria: in Francia - l'arte dei trovatori e trovatori (Adam de la Halle, XIII secolo), in Germania - menestrelli ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, XII - XIII secolo ), oltre che urbano artigiani. Nei castelli feudali e nelle città si coltiva ogni sorta di generi, generi e forme del canto (epico, "alba", rondò, le, virele, ballate, canzones, laudas, ecc.).
Nuove persone prendono vitastrumenti musicali, compresi quelli che provenivano da Oriente (viola, liuto ecc.), sorgono insiemi (di composizioni instabili). Il folklore fiorisce tra i contadini. Ci sono anche i "professionisti delle persone": narratori , artisti sintetici itineranti ( giocolieri, mimi, menestrelli, shpilmans, buffoni ). La musica svolge di nuovo funzioni principalmente applicate e pratiche spirituali. La creatività agisce in unità conprestazione(di solito in una persona).
E nel contenuto della musica, e nella sua forma domina collettività ; l'inizio individuale obbedisce al generale, senza distinguersi da esso (il musicista-maestro ne è il miglior rappresentante comunità ). Regno rigoroso in tutto tradizione e canonicità . Consolidamento, conservazione e diffusione tradizioni e norme.
A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, il suo generi, forme , mezzo di espressione. IN Europa occidentale dal VI al VII secolo . un sistema rigorosamente regolamentato monofonico (monodico ) musica da chiesa basato modi diatonici ( Canto gregoriano), combinando recitazione (salmodia) e canto (inni ). A cavallo tra il I e ​​il II millennio, il polifonia . Nuovo vocale (corale ) e vocale-strumentale (coro e organo) generi: organum, mottetto, condotta, poi messa. Francia nel XII secolo il primo compositore (creativo) scuola a Cattedrale di Notre Dame(Leonin, Perotin). A cavallo del Rinascimento (stile ars nova in Francia e in Italia, XIV secolo) in musica professionalela monofonia viene espulsa polifonia , la musica inizia gradualmente a liberarsi dalle funzioni puramente pratiche (servire la chiesa riti ), aumenta il valore secolare generi, inclusa la canzone Guillaume de Machaux).

Rinascimento.

La musica nel periodo dei secoli XV-XVII.
Nel Medioevo la musica era prerogativa della Chiesa, quindi la maggior parte delle opere musicali erano sacre, su cui si basavano inni della chiesa(canto gregoriano), che hanno fatto parte del credo sin dall'inizio del cristianesimo. All'inizio del XVII secolo le melodie di culto, con la partecipazione diretta di Papa Gregorio I, furono finalmente canonizzate. Il canto gregoriano è stato eseguito da cantanti professionisti. Dopo che la musica sacra ha dominato la polifonia, il canto gregoriano è rimasto la base tematica delle opere polifoniche di culto (messe, mottetti, ecc.).

Il Medioevo fu seguito dal Rinascimento, che fu per i musicisti un'era di scoperta, innovazione ed esplorazione, un rinascimento di tutti gli strati dell'espressione culturale e scientifica della vita dalla musica e dalla pittura all'astronomia e alla matematica.
Sebbene la musica sia rimasta in gran parte religiosa, l'indebolimento del controllo della chiesa sulla società ha aperto una maggiore libertà per compositori e artisti di mostrare i propri talenti.
Con l'invenzione della stampa è diventato possibile stampare e distribuire spartiti, e da quel momento inizia quella che chiamiamo musica classica.
Durante questo periodo apparvero nuovi strumenti musicali. I più popolari erano gli strumenti su cui gli amanti della musica potevano suonare facilmente e semplicemente, senza richiedere abilità speciali.
Fu in questo momento che apparve la viola, il predecessore del violino. I tasti (strisce di legno sulla tastiera) lo rendevano facile da suonare e il suono era tranquillo, gentile e suonava bene in piccoli locali.
Anche gli strumenti a fiato erano popolari: flauto dolce, flauto e corno. La musica più complessa è stata scritta per il clavicembalo di nuova creazione, il virginale (clavicembalo inglese, caratterizzato da piccole dimensioni) e l'organo. Allo stesso tempo, i musicisti non hanno dimenticato di comporre musica più semplice, che non richiedeva elevate capacità di esecuzione. Allo stesso tempo, ci furono cambiamenti nella scrittura musicale: i pesanti blocchi di stampa in legno furono sostituiti da lettere metalliche mobili inventate dall'italiano Ottaviano Petrucci. Le opere musicali pubblicate andarono rapidamente esaurite, sempre più persone iniziarono a unirsi alla musica.
La fine del Rinascimento fu segnata dall'evento più importante in storia musicale- la nascita dell'opera. Un gruppo di umanisti, musicisti e poeti si riunì a Firenze sotto gli auspici del loro capo, il conte Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Il gruppo si chiamava "kamerata", i suoi membri principali erano Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (padre dell'astronomo Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri e Ottavio Rinuccini in gioventù.
La prima riunione documentata del gruppo avvenne nel 1573, e gli anni di lavoro più attivi"Camerata Fiorentina "erano 1577 - 1582. Credevano che la musica fosse "viziata" e cercavano di tornare alla forma e allo stile Grecia antica, credendo che l'arte della musica possa essere migliorata e, di conseguenza, anche la società migliorerà. Camerata criticava la musica esistente per l'eccessivo uso della polifonia a scapito dell'intelligibilità del testo e la perdita della componente poetica dell'opera, e proponeva la creazione di un nuovo stile musicale in cui il testo in stile monodico fosse accompagnato da musica strumentale. I loro esperimenti portarono alla creazione di una nuova forma vocale-musicale - recitativo, usata per la prima volta da Emilio de Cavalieri, successivamente direttamente correlata allo sviluppo dell'opera.
Il primo ufficialmente riconosciutomusica lirica , corrispondente agli standard moderni, fu l'opera "Daphne" (Daphne), presentata per la prima volta nel 1598. Gli autori di "Daphne" furono Jacopo Peri e Jacopo Corsi, libretto di Ottavio Rinuccini. Quest'opera non è sopravvissuta. La prima opera sopravvissuta è "Euridice" (1600) degli stessi autori - Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini. Questa unione creativa ha ancora creato molte opere, la maggior parte delle quali è andata perduta.

Musica del primo barocco (1600-1654)

La creazione del suo stile recitativo da parte del compositore italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) e lo sviluppo coerente dell'opera italiana possono essere considerati un punto di transizione condizionale tra l'era barocca e quella rinascimentale. L'inizio delle rappresentazioni liriche a Roma e soprattutto a Venezia significava già il riconoscimento e la diffusione del nuovo genere in tutto il paese. Tutto questo era solo una parte di un processo più ampio che ha catturato tutte le arti, e soprattutto si è chiaramente manifestato nell'architettura e nella pittura.
I compositori del Rinascimento prestavano attenzione all'elaborazione di ogni parte di un'opera musicale, prestando poca o nessuna attenzione alla giustapposizione di queste parti. Separatamente, ogni parte potrebbe suonare in modo eccellente, ma il risultato armonioso dell'addizione era più una questione di casualità che di regolarità. L'aspetto del basso figurato indicava un cambiamento significativo nel pensiero musicale, vale a dire che l'armonia, che è "l'aggiunta di parti in un tutto", è importante quanto le parti melodiche (polifonia) in sé stesse. Sempre più polifonia e armonia sembravano due facce della stessa idea di comporre musica eufonica: quando si componevano sequenze armoniche, la stessa attenzione veniva prestata ai tritoni quando si creavano dissonanze. Il pensiero armonico esisteva anche tra alcuni compositori dell'era precedente, ad esempio Carlo Gesualdo, ma in epoca barocca divenne generalmente accettato.
Quelle parti delle opere in cui è impossibile separare chiaramente la modalità dalla tonalità, ha contrassegnato come mixed major, o mixed minor (in seguito per questi concetti ha introdotto rispettivamente i termini "monal major" e "monal minor"). La tavola mostra come l'armonia tonale già nel periodo del primo barocco soppianti quasi l'armonia dell'epoca precedente.
L'Italia diventa il centro di un nuovo stile. Il papato, sebbene catturato dalla lotta contro la riforma, ma pur possedendo enormi risorse finanziarie reintegrate dalle campagne militari degli Asburgo, cercava modi per diffondere la fede cattolica attraverso l'espansione dell'influenza culturale. Con lo splendore, la grandezza e la complessità dell'architettura, delle belle arti e della musica, il cattolicesimo, per così dire, discuteva con il protestantesimo ascetico. Anche le ricche repubbliche e principati italiani gareggiavano vigorosamente nelle belle arti. Uno di centri importanti l'arte musicale era Venezia, che a quel tempo era sotto il mecenatismo sia secolare che ecclesiastico.
Giovanni Gabrieli fu una figura significativa del primo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, che si opponeva alla crescente influenza ideologica, culturale e sociale del protestantesimo. Le sue opere appartengono allo stile dell '"Alto Rinascimento" (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (l'assegnazione di compiti specifici a un determinato strumento) indicano chiaramente che fu uno dei compositori che influenzò l'emergere di un nuovo stile.
Uno dei requisiti imposti dalla chiesa alla composizione della musica sacra era che i testi nelle opere con la voce fossero leggibili. Ciò ha richiesto un passaggio dalla polifonia alle tecniche musicali, dove le parole venivano fuori primo piano. La voce è diventata più complessa, ornata rispetto all'accompagnamento. È così che si è sviluppata l'omofonia.
MonteverdeClaudio(1567-1643), compositore italiano. Niente lo attraeva come l'esposizione dell'intimo, pace della mente una persona nelle sue drammatiche collisioni e conflitti con il mondo esterno. Monteverdi è il vero fondatore della drammaturgia conflittuale del piano tragico. È un vero cantante delle anime umane. Ha costantemente cercato la naturale espressività della musica. "Il linguaggio umano è l'amante dell'armonia, e non il suo servitore."
"Orfeo" (1607) - La musica dell'opera è incentrata sulla rivelazione pace interiore eroe tragico. La sua parte è straordinariamente poliedrica, in essa si fondono varie correnti emotive ed espressive e linee di genere. Chiama con entusiasmo le sue foreste e coste native o piange la perdita della sua Euridice in canti popolari senza arte.

Musica del barocco maturo (1654-1707)

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato assolutismo. L'assolutismo raggiunse il suo apice sotto il re francese Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Luigi era un modello. Compresa la musica eseguita a corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (soprattutto tastiere) diede impulso allo sviluppo della musica da camera.
Il barocco maturo differisce dal primo barocco nell'ubiquità del nuovo stile e nella maggiore separazione delle forme musicali, specialmente nell'opera. Come in letteratura, l'avvento della stampa in streaming di opere musicali ha portato ad un allargamento del pubblico; si intensificò lo scambio tra i centri di cultura musicale.
Un eccezionale rappresentante dei compositori di corte della corte di Luigi XIV era Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di corte di musica strumentale". lavoro creativo Lully è stata fortemente associata al teatro fin dall'inizio. In seguito all'organizzazione della musica da camera di corte e alla composizione di "airs de cour", iniziò a scrivere musica per balletto. Lo stesso Luigi XIV ballava nei balletti, che allora erano l'intrattenimento preferito della nobiltà di corte. Lully era un'ottima ballerina. Gli è capitato di partecipare a produzioni, ballando con il re. È noto per la sua collaborazione con Molière, per le cui opere ha scritto la musica. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully era ancora scrivere opere. Sorprendentemente, Lully ha creato un tipo completo Opera francese; la cosiddetta tragedia lirica in Francia (fr. tragedie lyrique), e raggiunse un'indubbia maturità creativa nei primissimi anni del suo lavoro a Teatro dell'opera. Lully usava spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale ei semplici recitativi e arie. linguaggio musicale Lully non è molto complessa, ma certamente nuova: la chiarezza dell'armonia, l'energia ritmica, la chiarezza dell'articolazione della forma, la purezza della trama parlano della vittoria dei principi del pensiero omofonico. In larga misura, il suo successo è stato anche facilitato dalla sua capacità di selezionare i musicisti per l'orchestra e dal suo lavoro con loro (lui stesso ha diretto le prove). Un elemento integrante del suo lavoro era l'attenzione all'armonia e allo strumento solista.
In Inghilterra, il barocco maturo fu segnato dal genio geniale di Henry Purcell (1659-1695). Morì giovane, all'età di 36 anni, dopo aver scritto un gran numero di opere e diventando molto conosciuto durante la sua vita. Purcell conosceva il lavoro di Corelli e di altri compositori barocchi italiani. Tuttavia, i suoi mecenati e clienti erano di tipo diverso rispetto alla nobiltà laica ed ecclesiastica italiana e francese, quindi gli scritti di Purcell sono molto diversi dalla scuola italiana. Purcell ha lavorato in una vasta gamma di generi; dai semplici inni religiosi alla musica da marcia, dalle composizioni vocali di grande formato alla musica messa in scena. Il suo catalogo contiene oltre 800 opere. Purcell è diventato uno dei primi compositori di musica per tastiera, la cui influenza si estende fino ai giorni nostri.
A differenza dei compositori di cui sopra, Dietrich Buxtehude (1637-1707) non era un compositore di corte. Buxtehude lavorò come organista, prima a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinore (1660-1668), e poi dal 1668 a St. Maria a Lubecca. Non guadagnava denaro pubblicando le sue opere, ma eseguendole, e preferiva comporre musica ai testi di chiesa ed eseguire le proprie opere per organo al patrocinio della nobiltà. Sfortunatamente, non tutte le opere di questo compositore sono state conservate. La musica di Buxtehude è in gran parte costruita sulla scala di idee, ricchezza e libertà di immaginazione, un debole per il pathos, il dramma e un'intonazione in qualche modo oratoria. Il suo lavoro ha avuto una forte influenza su compositori come J. S. Bach e Telemann.

Musica tardo barocca (1707-1760)

Il confine esatto tra barocco maturo e tardo è oggetto di dibattito; si trova da qualche parte tra il 1680 e il 1720. Gran parte della complessità della sua definizione è il fatto che in diversi paesi gli stili sono cambiati in modo non sincronizzato; le innovazioni già accettate come regola in un luogo erano nuove scoperte in un altro
Le forme scoperte dal periodo precedente hanno raggiunto maturità e grande variabilità; il concerto, la suite, la sonata, il concerto grosso, l'oratorio, l'opera e il balletto non avevano più caratteristiche nazionali nettamente espresse. Schemi di opere generalmente accettati sono stati stabiliti ovunque: una forma ripetuta in due parti (AABB), una semplice forma in tre parti (ABC) e un rondò.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositore italiano, nato a Venezia. Nel 1703 ricevette il grado di sacerdote cattolico. Fu a questi generi strumentali, a quel tempo ancora in via di sviluppo (sonata barocca e concerto barocco), che Vivaldi diede il suo contributo più significativo. Vivaldi ha composto oltre 500 concerti. Ha anche dato titoli programmatici ad alcune sue opere, come il famoso Le quattro stagioni.
Domenico Scarlatti (1685-1757)è stato uno dei principali compositori e interpreti di tastiere del suo tempo. Ma forse il compositore di corte più famoso era Georg Friedrich Händel (1685-1759). Nacque in Germania, studiò in Italia per tre anni, ma lasciò Londra nel 1711, dove iniziò la sua brillante carriera commerciale. carriera di successo un compositore d'opera indipendente che esegue commissioni per la nobiltà. Possedendo un'energia instancabile, Handel ha rielaborato il materiale di altri compositori e ha costantemente rielaborato il suo proprie composizioni. Ad esempio, è noto per aver rielaborato così tante volte il famoso oratorio "Messia" che ora non esiste una versione che possa essere definita "autentica".
Dopo la sua morte, è stato riconosciuto come uno dei principali compositori europei ed è stato studiato da musicisti dell'era classica. Handel ha mescolato nella sua musica le ricche tradizioni dell'improvvisazione e del contrappunto. L'arte degli ornamenti musicali ha raggiunto un altissimo livello di sviluppo nelle sue opere. Ha viaggiato in tutta Europa per studiare la musica di altri compositori, in relazione alla quale ha avuto una cerchia di conoscenze molto ampia tra compositori di altri stili.
Johann Sebastian Bach Nato il 21 marzo 1685 a Eisenach, in Germania. Durante la sua vita, ha composto oltre 1.000 opere di vari generi, ad eccezione dell'opera. Ma durante la sua vita non ha ottenuto alcun successo significativo. Spostandosi molte volte, Bach cambiò una posizione non troppo elevata dopo l'altra: a Weimar fu musicista di corte presso il duca di Weimar Johann Ernst, poi divenne custode dell'organo nella chiesa di St. Bonifacio ad Arnstadt, pochi anni dopo accettò l'incarico di organista nella chiesa di S. Vlasia a Mühlhausen, dove lavorò solo per circa un anno, dopodiché tornò a Weimar, dove prese il posto di organista di corte e organizzatore di concerti. Ha ricoperto questa posizione per nove anni. Nel 1717 Leopoldo, duca di Anhalt-Köthen, assunse Bach come Kapellmeister e Bach iniziò a vivere e lavorare a Köthen. Nel 1723 Bach si trasferì a Lipsia, dove rimase fino alla sua morte nel 1750. Negli ultimi anni della sua vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore iniziò a declinare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al nascente classicismo. Era più conosciuto e ricordato come interprete, insegnante e padre dei Bachs Jr., principalmente Carl Philipp Emmanuel, la cui musica era più famosa.
Solo l'esecuzione della Passione secondo Matteo di Mendelssohn, 79 anni dopo la morte di J.S. Bach, ha ravvivato l'interesse per la sua opera. Ora J.S. Bach è uno dei compositori più famosi
Classicismo
Classicismo - stile e direzione nell'arte XVII - inizio XIX secoli
Questa parola deriva dal latino classicus - esemplare. Il classicismo si basava sulla fede nella razionalità dell'essere, nel fatto che la natura umana è armoniosa. Hanno visto il loro ideale dei classici nell'arte antica, che era considerata la più alta forma di perfezione.
Nel diciottesimo secolo inizia una nuova fase nello sviluppo della coscienza sociale: l'Età dell'Illuminismo. Il vecchio ordine sociale viene distrutto; le idee di rispetto per la dignità umana, la libertà e la felicità sono di fondamentale importanza; l'individuo acquisisce indipendenza e maturità, usa la sua mente e pensiero critico. Gli ideali dell'era barocca con il suo sfarzo, la magniloquenza e la solennità vengono sostituiti da un nuovo stile di vita basato sulla naturalezza e sulla semplicità. Sta arrivando il momento delle visioni idealistiche di Jean-Jacques Rousseau, che invocano un ritorno alla natura, alla virtù naturale e alla libertà. Insieme alla natura, l'antichità è idealizzata, poiché si credeva che fosse durante l'antichità che le persone riuscissero a incarnare tutte le aspirazioni umane. L'arte antica è chiamata classica, è riconosciuta come esemplare, la più veritiera, perfetta, armoniosa e, a differenza dell'arte dell'era barocca, è considerata semplice e comprensibile. Al centro dell'attenzione, insieme ad altri aspetti importanti, ci sono l'educazione, la posizione della gente comune nella struttura sociale, il genio come proprietà di una persona.

La ragione regna anche nell'arte. Volendo sottolineare l'alto scopo dell'arte, il suo ruolo sociale e civile, il filosofo ed educatore francese Denis Diderot ha scritto: "Ogni opera di scultura o pittura dovrebbe esprimere qualche grande regola di vita, dovrebbe insegnare".

Il teatro era allo stesso tempo un manuale di vita e la vita stessa. Inoltre, a teatro l'azione è altamente ordinata, misurata; è suddiviso in atti e scene, che a loro volta si dividono in repliche separate di personaggi, creando un ideale d'arte tanto caro al Settecento, dove ogni cosa è al suo posto ed è soggetta a leggi logiche.
La musica del classicismo è estremamente teatrale, sembra copiare l'arte del teatro e imitarla.
La divisione di una sonata classica e di una sinfonia in grandi sezioni - parti, in ognuna delle quali ci sono molti "eventi" musicali, è come dividere un'opera teatrale in azioni e scene.
Nella musica dell'età classica è spesso implicita una trama, una certa azione che si svolge davanti al pubblico nello stesso modo in cui si svolge l'azione teatrale davanti al pubblico.
L'ascoltatore deve solo accendere l'immaginazione e riconoscere i personaggi di una classica commedia o tragedia in "abiti musicali".
L'arte del teatro aiuta a spiegare i grandi cambiamenti nell'esecuzione della musica avvenuti nel XVIII secolo. In precedenza, il luogo principale in cui la musica suonava era il tempio: in esso una persona era in basso, in uno spazio enorme, dove la musica sembrava aiutarla a guardare in alto e dedicare i suoi pensieri a Dio. Ora, nel XVIII secolo, la musica si sente in un salotto aristocratico, nella sala da ballo di una tenuta nobiliare o in una piazza cittadina. L'ascoltatore dell'Età dell'Illuminismo sembra trattare la musica "per te" e non prova più la gioia e la timidezza che lei gli ispirava quando suonava nel tempio.
Il suono potente e solenne dell'organo non è più nella musica, il ruolo del coro è diminuito. Musica stile classico suona leggero, ha molti meno suoni, come se "pesasse meno" della musica pesante e stratificata del passato. Il suono dell'organo e del coro è stato sostituito dal suono di un'orchestra sinfonica; arie sublimi hanno lasciato il posto a musica leggera, ritmica e da ballo.
Grazie alla fede sconfinata nelle possibilità della mente umana e al potere della conoscenza, il XVIII secolo iniziò a essere chiamato l'Età della Ragione o l'Età dell'Illuminismo.
Il periodo di massimo splendore del classicismo arriva negli anni '80 del XVIII secolo. Nel 1781, J. Haydn creò diverse opere innovative, tra cui il suo Quartetto per archi op. 33; la prima dell'opera di V.A. "Il ratto dal serraglio" di Mozart; Il dramma di F. Schiller "Ladri" e "Critica mente pura» I. Kant.

I rappresentanti più brillanti del periodo classico sono i compositori della Scuola Classica di Vienna Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. La loro arte si diletta con la perfezione della tecnica compositiva, l'orientamento umanistico della creatività e il desiderio, particolarmente evidente nella musica di W. A. ​​​​Mozart, di mostrare la bellezza perfetta per mezzo della musica.

Il concetto stesso della Scuola Classica di Vienna è sorto poco dopo la morte di L. Beethoven. L'arte classica si distingue per un delicato equilibrio tra sentimenti e ragione, forma e contenuto. La musica del Rinascimento rifletteva lo spirito e il respiro della sua epoca; in epoca barocca, gli stati umani divennero oggetto di riflessione nella musica; la musica dell'era del Classicismo canta le azioni e le gesta di una persona, le emozioni e i sentimenti da lui vissuti, la mente umana attenta e olistica.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Compositore tedesco, spesso considerato il più grande compositore di tutti i tempi.
Il suo lavoro è attribuito sia al classicismo che al romanticismo.
A differenza del suo predecessore Mozart, Beethoven componeva con difficoltà. I taccuini di Beethoven mostrano come gradualmente, passo dopo passo, da schizzi incerti emerga una composizione grandiosa, segnata da convincenti logiche costruttive e di rara bellezza. È la logica fonte principale La grandezza di Beethoven, la sua incomparabile capacità di organizzare elementi contrastanti in un insieme monolitico. Beethoven cancella le tradizionali cesure tra sezioni della forma, evita la simmetria, unisce parti del ciclo, sviluppa costruzioni estese da motivi tematici e ritmici, che a prima vista non contengono nulla di interessante. In altre parole, Beethoven crea lo spazio musicale con il potere della sua mente, con la sua volontà. Anticipò e creò quelle tendenze artistiche che divennero decisive per l'arte musicale del XIX secolo.

Romanticismo.
copre condizionalmente 1800-1910
I compositori romantici hanno cercato di esprimere la profondità e la ricchezza del mondo interiore di una persona con l'aiuto di mezzi musicali. La musica diventa più in rilievo, individuale. I generi di canzoni si stanno sviluppando, inclusa la ballata.
I principali rappresentanti del romanticismo nella musica sono: in Austria - FranzSchubert ; in Germania - Ernest Theodor Hoffman, Carlo Maria Weber,Riccardo Wagner, Felice Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; v
eccetera.................

La cultura musicale professionale del Medioevo in Europa è associata principalmente alla chiesa, cioè all'area della musica di culto. Piena di religiosità, l'arte è canonica e dogmatica, ma, tuttavia, non si è congelata, è passata dal clamore mondano al mondo distaccato del servizio al Signore. Tuttavia, insieme a tale musica "superiore", c'erano anche il folklore e il lavoro di musicisti itineranti, nonché una nobile cultura cavalleresca.

Cultura musicale spirituale dell'Alto Medioevo

Nell'era altomedievale la musica professionale suonava solo nelle cattedrali e nelle scuole di canto ad esse annesse. Il centro della cultura musicale del Medioevo nell'Europa occidentale era la capitale d'Italia - Roma - la stessa città dove si trovavano le "supreme autorità ecclesiastiche".

Negli anni 590-604 papa Gregorio I attuò una riforma del canto di culto. Ha ordinato e raccolto vari canti nella raccolta "Antifonario gregoriano". Grazie a Gregorio I, si sta formando una direzione chiamata canto gregoriano nella musica sacra dell'Europa occidentale.

corale- questo è, di regola, un canto monofonico, che riflette le tradizioni secolari dei popoli europei e mediorientali. Era questa dolce melodia monofonica che aveva lo scopo di guidare i parrocchiani a comprendere i fondamenti del cattolicesimo e ad accettare un'unica volontà. Fondamentalmente, il corale è stato eseguito dal coro e solo alcune parti da solisti.

La base del canto gregoriano era un movimento graduale lungo i suoni dei modi diatonici, ma a volte nello stesso canto c'erano anche salmodie lente e severe e canti melismatici di singole sillabe.

L'esecuzione di tali melodie non era affidata a chiunque, poiché richiedeva abilità vocali professionali da parte dei cantanti. Proprio come la musica, il testo degli inni in lingua latina, incomprensibile a molti parrocchiani, evoca umiltà, distacco dalla realtà e contemplazione. Spesso il disegno ritmico della musica dipendeva anche dal seguire il testo. Il canto gregoriano non può essere preso come musica ideale, è piuttosto un canto di un testo orante.

Massa – genere principale compositore di musica del Medioevo

messa cattolica è la principale liturgia della chiesa. Ha combinato tipi di canto gregoriano come:

• antifonale (quando due cori cantano a turno);
• responsoriale (cantando alternativamente solisti e coro).

La comunità partecipava solo al canto delle preghiere comuni.
Successivamente, nel XII sec. nella messa apparivano inni (salmi), sequenze e tropi. Erano testi aggiuntivi che avevano una rima (a differenza del corale principale) e una melodia speciale. Questi testi religiosi in rima erano ricordati molto meglio dai parrocchiani. Cantando insieme ai monaci, hanno variato la melodia e gli elementi del folk hanno cominciato a penetrare nella musica sacra e sono serviti come occasione per la creatività autoriale (Notker Zaika e il monaco Tokelon - il monastero di St. Golene). In seguito, queste melodie sostituirono generalmente le parti salmodiche e arricchirono notevolmente il suono del canto gregoriano.

I primi campioni di polifonia provengono dai monasteri, come organum - movimento in quarte o quinte parallele, gimel, foburdon - movimento in accordi di sesta, condotta. Rappresentanti di tale musica sono i compositori Leonin e Perotin (Cattedrale Notre Dame di Parigi- XII-XIII secolo).

La cultura musicale secolare del Medioevo

Il lato secolare della cultura musicale del Medioevo era rappresentato da: in Francia - giocolieri, mimi, menestrelli , in Germania - shpilmans, in Spagna - hoglars, in Rus' - buffoni. Tutti loro erano artisti itineranti e combinavano nel loro lavoro suonando strumenti, cantando, ballando, magia, spettacolo di marionette, arte circense.

Un altro componente della musica profana era cavalleresco, il cosiddetto cultura cortese . Fu formato uno speciale codice cavalleresco, in cui si affermava che ciascuno dei cavalieri doveva avere non solo coraggio e coraggio, ma anche maniere raffinate, educazione ed essere devoto alla Bella Signora. Tutti questi aspetti della vita dei cavalieri si riflettono nell'opera trovatori(Francia meridionale - Provenza), Trovatori(nord della Francia), menestrelli(Germania).

Il loro lavoro è presentato principalmente nei testi d'amore, il suo genere più comune era la canzona (albs - "Morning Songs" tra i cantori). Applicando ampiamente l'esperienza dei trovatori, i trovatori hanno creato i propri generi: "canzoni di maggio", "canzoni di tessitura".

L'area più importante dei generi musicali dei rappresentanti della cultura cortese erano i generi di canto e danza, come rondò, virele, ballata, epico eroico. Il ruolo degli strumenti era molto insignificante, si riduceva ad inquadrare le melodie vocali con introduzione, interludio, postludio.

Medioevo maturo secoli XI-XIII.

Un tratto caratteristico del Medioevo maturo è lo sviluppo cultura borghese . Il suo obiettivo era l'anti-chiesa, il libero pensiero, il legame con il folklore comico e carnevalesco. Compaiono nuovi generi di polifonia: mottetto, che è caratterizzato dalla diversità melodica delle voci, inoltre, in un mottetto cantano simultaneamente testi diversi e anche su lingue differenti; madrigale - canzone madrelingua(italiano), caccia è un brano vocale con testi che descrivono una caccia.

Dal XII secolo a arte popolare si unirono i vaganti e i goliardi, che, a differenza degli altri, erano alfabetizzati. Le università divennero portatrici della cultura musicale del Medioevo. Poiché il sistema modale del Medioevo fu sviluppato dai rappresentanti della musica sacra, iniziarono a essere chiamati modi della chiesa (modo ionico, modo eoliano).

Fu anche avanzata la dottrina degli esacordi: nei tasti venivano usati solo 6 gradini. Il monaco Guido Aretinsky realizzò un sistema più perfetto di registrazione delle note, che consisteva nella presenza di 4 versi, tra i quali vi era un rapporto terziano e segno chiave o colorazione della linea. Introdusse anche il nome sillabico dei gradini, cioè l'altezza dei gradini cominciò ad essere indicata con lettere.

Ars Nova XIII-XV sec

Il periodo di transizione tra Medioevo e Rinascimento fu il XIV secolo. Questo periodo in Francia e in Italia fu chiamato Ars Nova, cioè "nuova arte". È giunto il momento per nuovi esperimenti nell'arte. I compositori iniziarono a comporre opere il cui ritmo divenne molto più complicato delle precedenti (Philippe de Vitry).

Inoltre, a differenza della musica sacra, qui sono stati introdotti i semitoni, a seguito dei quali hanno iniziato a verificarsi aumenti e diminuzioni casuali dei toni, ma questa non è ancora modulazione. Come risultato di tali esperimenti, sono state ottenute opere interessanti, ma tutt'altro che sempre euforiche. Il musicista sperimentale più brillante di quel tempo era Solage. cultura musicale Il Medioevo è più sviluppato rispetto alla cultura mondo antico, nonostante i limiti di fondi e contiene i presupposti per il fiorire della musica nel Rinascimento.

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Libri

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Nelle condizioni dell'alto medioevo, l'intera cultura musicale è ridotta a due "termini" principali. Ad uno dei suoi poli c'è la musica liturgica professionale legalizzata dalla chiesa, che è in linea di principio la stessa per tutti i popoli che hanno adottato il cristianesimo (l'unità della lingua è il latino, l'unità del canto è il canto gregoriano). D'altra parte - la musica popolare perseguitata dalla chiesa in varie lingue locali, legata alla vita popolare, alle attività dei musicisti erranti.

Nonostante l'assoluta disparità di forze (in termini di sostegno statale, condizioni materiali, ecc.), La musica popolare si sviluppò intensamente e penetrò anche parzialmente nella chiesa sotto forma di vari inserti nel canto gregoriano canonizzato. Tra questi, ad esempio, tropi e sequenze creati da musicisti di talento.

sentieri - si tratta di aggiunte testuali e musicali inserite al centro del corale. Una specie di sentiero è una sequenza. Medievalesequenze Questi sono sottotesti di vocalizzazioni complesse. Uno dei motivi che hanno causato il loro verificarsi è stata la notevole difficoltà nel ricordare lunghe melodie cantate in una vocale. Col passare del tempo, le sequenze iniziarono ad essere basate sulle melodie del folk warehouse.

Tra gli autori delle prime sequenze viene nominato un monaco.Notker soprannominato Zaika dal monastero di San Gallo (in Svizzera, vicino lago di costanza). Notker (840-912) lo eracompositore, poeta, teorico musicale, storico, teologo. Ha insegnato alla scuola del monastero e, nonostante la sua balbuzie, era conosciuto come un eccellente insegnante. Per le sue sequenze, Notker ha utilizzato parzialmente melodie famose, in parte composto da lui stesso.

Con decreto del Concilio di Trento (1545-63), quasi tutte le sequenze furono espulse dal servizio religioso, ad eccezione di quattro. Tra questi, il più famoso era la sequenzaDies irae ("Day of Wrath"), che racconta il giorno del giudizio . Successivamente, la quinta sequenza fu ammessa all'uso della chiesa cattolica,Stabat mater ("C'era una madre in lutto").

Lo spirito dell'arte mondana è stato portato nella vita della chiesa einni - canti spirituali, chiudi canzoni folk al testo poetico.

Dalla fine XIsecolo dentro vita musicale L'Europa occidentale include nuovi tipi di creatività e produzione musicale associati alla cultura cavalleresca. I cantanti-cavalieri, in sostanza, segnarono l'inizio della musica profana. La loro arte era in contatto con la tradizione musicale folk-quotidiana (l'uso di intonazioni di canzoni popolari, la pratica della collaborazione con musicisti folk). In un certo numero di casi, i trovatori probabilmente selezionarono melodie popolari comuni per i loro testi.

Il più grande risultato della cultura musicale del Medioevo fu la nascita di un professionista europeopolifonia . Il suo inizio si riferisce aIXsecolo, quando l'esecuzione all'unisono del canto gregoriano veniva talvolta sostituita da quella a due voci. Il primo tipo di due voci era paralleloorgano , in cui il canto gregoriano era doppiato in ottava, quarto o quinta. Quindi è apparso un organum non parallelo con movimento indiretto (quando si muoveva solo una voce) e opposto. A poco a poco, la voce che accompagnava il canto gregoriano divenne sempre più indipendente. Questo stile di doppia voce è chiamatoalti (in traduzione - "pe-nie apart").

Per la prima volta tali organum iniziarono a essere scrittiLeonin , il primo compositore-polifonista conosciuto (XIIsecolo). Ha servito come reggente nella famosa cattedrale di Notre Dame, dove si è sviluppata una grande scuola polifonica.

Il lavoro di Leonin era associato aars antiqua (ars antiqua, che significa " arte antica"). Questo nome è stato dato alla polifonia di cultoXII- XIIIsecoli musicisti primo rinascimento, che si è oppostoars nova ("nuova arte").

All'inizio XIIIsecoli la tradizione di Leonin continuòPerotina , secondo il soprannome Grande. Non compose più a due voci, ma a 3 xe 4x - organi vocali. Le voci superiori di Perotin a volte formano una doppia voce contrastante, a volte usa abilmente l'imitazione.

Al tempo di Perotin si formò e nuovo tipo polifonia -conduttore , la cui base non era più il canto gregoriano, ma una melodia popolare quotidiana o liberamente composta.

Una forma polifonica ancora più audace eramottetto - una combinazione di melodie con ritmi diversi e testi diversi, spesso anche in lingue diverse. Mottetto è stato il primo genere musicale, ugualmente comune nella chiesa e nella vita di corte.

Lo sviluppo della polifonia, l'allontanamento dalla pronuncia simultanea di ogni sillaba del testo in tutte le voci (nei mottetti), ha richiesto il miglioramento della notazione, l'esatta designazione delle durate. Apparenotazione mensurale (dal latino mensura - misura; letteralmente - notazione misurata), che ha permesso di fissare sia l'altezza che la durata relativa dei suoni.

Parallelamente allo sviluppo della polifonia, c'è stato un processo di formazionemasse - un'opera ciclica polifonica sul testo del principale servizio divino della Chiesa cattolica. Il rito della messa ha preso forma nel corso di molti secoli. Ha acquisito la sua forma finale solo aXIveku. Quanto olistico composizione musicale La messa ha preso forma anche più tardi, nelXIVsecolo, diventando il principale genere musicale del Rinascimento.

Il Medioevo è una grande epoca della storia umana, il tempo del dominio del sistema feudale.

Periodizzazione della cultura:

Alto Medioevo - V-X secolo

Medioevo maturo - XI - XIV secolo.

Nel 395, l'Impero Romano si divise in due parti: occidentale e orientale. Nella parte occidentale sulle rovine di Roma nel V-IX secolo c'erano stati barbarici: Ostrogoti, Visigoti, Franchi, ecc. Nel IX secolo, a seguito del crollo dell'impero di Carlo Magno, qui si formarono tre stati : Francia, Germania, Italia. La capitale della parte orientale era Costantinopoli, fondata dall'imperatore Costantino sul sito della colonia greca di Bisanzio, da cui il nome dello stato.

§ 1. Medioevo dell'Europa occidentale

La base materiale del Medioevo erano le relazioni feudali. La cultura medievale si forma nelle condizioni feudo rurale. Ulteriore base sociale la cultura diventa ambiente urbano - borghesi. Con la formazione degli stati si formano i principali patrimoni: il clero, la nobiltà, il popolo.

L'arte del Medioevo è strettamente connessa con Chiesa . credo cristiano- la base della filosofia, dell'etica, dell'estetica, dell'intera vita spirituale di questo tempo. Piena di simbolismo religioso, l'arte aspira dal terreno, transitorio allo spirituale, eterno.

Insieme a chiesa ufficiale la cultura (alta) esisteva secolare cultura (di base) - folclore(classi sociali inferiori) e cavalleresco(cortese).

Punti focali principali professionale musica dell'alto medioevo - cattedrali, scuole di canto ad esse annesse, monasteri - gli unici centri educativi di quel tempo. Hanno studiato greco e latino, aritmetica e musica.

Il centro principale della musica sacra in Europa occidentale Roma era nel Medioevo. Alla fine del VI - inizio VII sec. si sta formando la principale varietà di musica sacra dell'Europa occidentale - Canto gregoriano , dal nome di papa Gregorio I, che attuò la riforma del canto ecclesiastico, riunendo e razionalizzando vari inni ecclesiastici. Canto gregoriano - monofonico Canto cattolico, in cui si sono fuse le secolari tradizioni canore di vari popoli mediorientali ed europei (siriani, ebrei, greci, romani, ecc.). Era il dolce dispiegarsi monofonico di un'unica melodia che doveva personificare un'unica volontà, al centro dell'attenzione dei parrocchiani secondo i principi del cattolicesimo. La natura della musica è rigida, impersonale. Il corale è stato eseguito dal coro (da cui il nome), alcune sezioni dal solista. Prevale il movimento graduale basato sui modi diatonici. Il canto gregoriano ha permesso molte gradazioni, che vanno dal molto lento salmodia corale e finendo anniversari(canto melismatico di una sillaba), che richiedono abilità vocali virtuosistiche per la loro esecuzione.

Il canto gregoriano allontana l'ascoltatore dalla realtà, provoca umiltà, conduce alla contemplazione, al distacco mistico. Il testo su latino, massa incomprensibile di parrocchiani. Il ritmo del canto era determinato dal testo. È vago, indefinito, per la natura degli accenti della recitazione del testo.

I diversi tipi di canto gregoriano sono stati riuniti nel principale servizio di culto della Chiesa cattolica - massa, in cui sono state istituite cinque parti stabili:

Kyrie eleison(Signore, abbi pietà)

Gloria(gloria)

Credo(credere)

Santo(santo)

Agnello di Dio(Agnello di Dio).

Col passare del tempo, gli elementi cominciano a filtrare nel canto gregoriano. musica folk Attraverso inni, sequenze e tropi. Se la salmodia veniva eseguita da un coro professionale di cantanti e clero, allora gli inni venivano inizialmente eseguiti dai parrocchiani. Erano inseriti nel culto ufficiale (avevano caratteristiche di musica popolare). Ma presto le parti dell'inno della messa iniziarono a soppiantare quelle salmodiche, il che portò all'apparizione massa polifonica.

Le prime sequenze erano un sottotesto della melodia dell'anniversario in modo che un suono della melodia avesse una sillaba separata. La sequenza diventa un genere comune (il più popolare « Veni, santificare spiritus» , « Muore irae», « Stabat madre» ). "Dies irae" è stato utilizzato da Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (molto spesso come simbolo di morte).

I primi esempi di polifonia provengono dai monasteri - organo(movimento in quinte o quarte parallele), gimel, foburdon(accordi di sesta paralleli), conduttore. Compositori: Leonin e Perotin (12-13 secoli - Cattedrale di Notre Dame).

vettori gente laica musica nel medioevo mimi, giocolieri, menestrelli in Francia, shpilmans- nei paesi cultura tedesca, hoglars - in Spagna, buffoni - in Rus'. Questi artisti itineranti erano maestri universali: univano il canto, il ballo, il suonare il vari strumenti con la magia, l'arte circense, il teatro delle marionette.

l'altra parte cultura laica era cultura cavalleresca (cortese). (cultura dei signori feudali secolari). Quasi tutti i nobili erano cavalieri, dai poveri guerrieri ai re. Si sta formando uno speciale codice cavalleresco, secondo il quale un cavaliere, insieme al coraggio e al valore, doveva avere modi raffinati, essere educato, generoso, magnanimo, servire fedelmente la Bella Signora. Tutti gli aspetti della vita cavalleresca si riflettono nell'arte musicale e poetica trovatori(Provenza - Francia meridionale) , trovatori(nord della Francia), menestrelli(Germania). L'arte dei trovatori è associata principalmente ai testi d'amore. Il genere più popolare di testi d'amore era canzone(tra i menestrelli - "Morning Songs" - albs).

Trouvers, ampiamente sfruttando l'esperienza dei trovatori, ha creato i propri generi originali: tessere canzoni», « Canzoni di maggio". Era un'importante area di generi musicali di trovatori, trovatori e menestrelli generi di canto e danza: rondò, ballata, virele(forme di ritornello), così come epico eroico(Epico francese "Song of Roland", tedesco - "Song of the Nibelungs"). I menestrelli erano comuni canzoni dei crociati.

Tratti caratteristici dell'arte di trovatori, trovatori e menestrelli:

monofonia- è una conseguenza del legame inscindibile tra la melodia e il testo poetico, che deriva dall'essenza stessa dell'arte musicale e poetica. La monofonia corrispondeva anche all'atteggiamento verso l'espressione individualizzata delle proprie esperienze, a una valutazione personale del contenuto dell'affermazione (spesso l'espressione delle esperienze personali era incorniciata dalla raffigurazione di immagini della natura).

Principalmente prestazione vocale. Il ruolo degli strumenti non era significativo: si riduceva all'esecuzione di introduzioni, intermezzi e postludi che inquadravano la melodia vocale.

È ancora impossibile parlare di arte cavalleresca come professionale, ma per la prima volta in condizioni secolare creazione di musica, è stata creata una potente direzione musicale e poetica con un complesso sviluppato di mezzi espressivi e una scrittura musicale relativamente perfetta.

Uno dei risultati importanti medioevo maturo a partire dai secoli X-XI, fu sviluppo urbano(cultura borghese) . Le caratteristiche principali della cultura urbana erano l'anti-chiesa, l'orientamento amante della libertà, il legame con il folklore, il suo carattere comico e carnevalesco. Si sviluppa lo stile architettonico gotico. Si stanno formando nuovi generi polifonici: dal XIII-XIV al XVI secolo. - mottetto(dal francese - "parola". Per un mottetto è tipica una dissomiglianza melodica di voci, intonando testi diversi contemporaneamente - spesso anche in lingue diverse), madrigale(dall'italiano - "canzone nella lingua madre", cioè italiano. I testi sono lirici d'amore, pastorali), cacca(dall'italiano - "caccia" - un brano vocale basato su un testo raffigurante la caccia).

I musicisti folk erranti stanno passando da uno stile di vita nomade a uno sedentario, popolando interi isolati e formando una sorta di "laboratori di musicisti". A partire dal XII secolo si unirono musicisti folk vagabondi e goliardi- persone declassate di classi diverse (studenti delle scuole, monaci fuggiaschi, chierici erranti). A differenza dei giocolieri analfabeti - tipici rappresentanti dell'arte della tradizione orale - vaganti e goliardi erano alfabetizzati: conoscevano la lingua latina e le regole della versificazione classica, componevano musica - canzoni (la gamma di immagini è associata alla scienza scolastica e alla vita studentesca) e anche composizioni complesse come condotte e mottetti.

È diventato un centro significativo della cultura musicale università. La musica, più precisamente - l'acustica musicale - insieme all'astronomia, alla matematica, alla fisica faceva parte del quadrium, ad es. un ciclo di quattro discipline studiate nelle università.

Così, nella città medievale esistevano centri di cultura musicale, diversi per carattere e orientamento sociale: associazioni di musicisti popolari, musica di corte, musica di monasteri e cattedrali, pratica musicale universitaria.

Teoria musicale del Medioevo era strettamente associato alla teologia. Nei pochi trattati teorico-musicali che ci sono pervenuti, la musica era considerata come un "servo della chiesa". Tra i trattati di spicco dell'alto medioevo spiccano 6 libri "Sulla musica" di Agostino, 5 libri di Boezio "Sull'istituzione della musica", ecc.. Un posto importante in questi trattati era dato a questioni scolastiche astratte, il dottrina del ruolo cosmico della musica, ecc.

Il sistema modale medievale è stato sviluppato da rappresentanti della chiesa professionale arte musicale- quindi, il nome "modi della chiesa" è stato assegnato alle greche medievali. Lo Ionio e l'Eolie divennero i modi principali.

La teoria musicale del Medioevo proponeva la dottrina degli esacordi. In ogni tasto sono stati utilizzati in pratica 6 passaggi (ad esempio: do, re, mi, fa, salt, la). Xi è stato quindi evitato, perché. formava, insieme al Fa, un passaggio a un quarto allargato, considerato molto dissonante e figurativamente chiamato il "diavolo della musica".

La notazione non obbligatoria è stata ampiamente utilizzata. Guido Aretinsky migliorato il sistema di notazione musicale. L'essenza della sua riforma era la seguente: la presenza di quattro linee, una relazione terziaria tra le singole linee, un segno chiave (originariamente letterale) o la colorazione delle linee. Ha anche introdotto la notazione sillabica per i primi sei passaggi della modalità: ut, re, mi, fa, sale, la.

Introdotto notazione mensurale, dove a ciascuna nota era assegnata una certa misura ritmica (latino mensura - misura, misura). Nomi di durate: massima, longa, brevis, ecc.

XIV secolo - il periodo di transizione tra il Medioevo e il Rinascimento. L'arte della Francia e dell'Italia del XIV secolo era chiamata " Ars nova"(dal latino - nuova arte), e in Italia aveva tutte le proprietà del primo Rinascimento. Caratteristiche principali: rifiuto di utilizzare esclusivamente generi di musica sacra e passaggio a generi da camera vocali e strumentali secolari (ballata, kachcha, madrigale), riavvicinamento al canto quotidiano, uso di vari strumenti musicali. Ars nova è l'opposto del cosiddetto. ars antiqua (lat. ars antiqua - arte antica), che implica l'arte della musica prima dell'inizio del XIV secolo. I maggiori rappresentanti ars nova erano Guillaume de Macho (XIV secolo, Francia) e Francesco Landino (XIV secolo, Italia).

Pertanto, la cultura musicale del Medioevo, nonostante i mezzi relativamente limitati, rappresenta un livello superiore rispetto alla musica del mondo antico e contiene i presupposti per il fiorire dell'arte musicale nel Rinascimento.