"Iris" di Van Gogh. A proposito del capolavoro floreale dell'artista

L'articolo di Oksana Kopenkina, che ho scelto per voi, cari membri del sito web di Art, racconta uno dei capolavori di Van Gogh.

A mio nome, ho permesso di aggiungere tre illustrazioni all'articolo (alla fine) e, proprio all'inizio, alcune brevi informazioni biografiche sull'artista.

Vincent Van Gogh - artista famoso e figura scandalosa nel mondo Arte XIX v. Oggi, il suo lavoro continua a essere controverso. L'ambiguità dei dipinti e la loro pienezza di significati ci fanno guardare più in profondità su di loro e sulla vita del loro creatore.

Infanzia e famiglia

Nacque nel 1853 nei Paesi Bassi, nel piccolo villaggio di Grot-Zundert. Suo padre era un pastore protestante e sua madre proveniva da una famiglia di rilegatori. Vincent van Gogh aveva 2 fratelli minori e 3 sorelle. È noto che a casa veniva spesso punito per il suo carattere ribelle e il suo temperamento. Gli uomini della famiglia dell'artista lavoravano nella chiesa o vendevano dipinti e libri.

Fin dall'infanzia è stato immerso in 2 mondo contraddittorio- il mondo della fede e il mondo dell'arte.

Formazione scolastica

All'età di 7 anni, l'anziano Van Gogh iniziò a frequentare una scuola del villaggio.

Solo un anno dopo, è passato a scolarizzazione domestica, e dopo le 3 è andato in un collegio.

Nel 1866 Vincent divenne studente al Willem II College. Sebbene la partenza e la separazione dai propri cari non siano state facili per lui, ha ottenuto un certo successo negli studi. Qui ha ricevuto lezioni di disegno. Dopo 2 anni, Vincent van Gogh interruppe la sua istruzione di base e tornò a casa.

Successivamente, hanno ripetutamente tentato di ottenere educazione artistica, ma nessuno di loro ha avuto successo.

Alla ricerca di se stesso Dal 1869 al 1876, lavorando come venditore di quadri in una grande azienda, visse a L'Aia, Parigi e Londra.

In questi anni ha conosciuto molto da vicino la pittura, visitato gallerie, quotidianamente a contatto con le opere d'arte e i loro autori, e per la prima volta si è cimentato come artista.

Dopo il suo licenziamento, ha lavorato in 2 scuole inglesi come insegnante e assistente parroco.

Poi è tornato nei Paesi Bassi e ha venduto libri.

Ma la maggior parte del tempo la dedicava ai disegni e alla traduzione di frammenti della Bibbia in lingue straniere.

Sei mesi dopo, stabilitosi ad Amsterdam con lo zio Jan van Gogh, si apprestava ad entrare all'università nel dipartimento di teologia.

Tuttavia, cambiò rapidamente idea e andò prima alla scuola missionaria protestante vicino a Bruxelles, e poi al villaggio minerario di Paturazh in Belgio.

Dalla metà degli anni '80 del XIX secolo. e fino alla fine della sua vita, Vincent van Gogh dipinse attivamente e vendette persino alcuni dipinti.

Qualche tempo nel 1888 trascorse in un ospedale psichiatrico con una diagnosi di epilessia dei lobi temporali.

È noto l'incidente con il taglio del lobo dell'orecchio, a causa del quale è finito in ospedale: Van Gogh, dopo una lite con Gauguin, se lo separò dall'orecchio sinistro e lo portò a una prostituta familiare.

L'artista morì nel 1890 per una ferita da arma da fuoco.

Secondo alcune versioni, il colpo sarebbe stato sparato da lui.

E ora l'articolo stesso di Oksana Kopenkina.

"Iris" di Van Gogh. DI capolavoro floreale artista

Vincent Van Gogh. Iris. 1889 Museo Getty, Los Angeles

"Iris" Van Gogh ha creato in un momento difficile della sua vita. Mentre si trovava in un manicomio per malati di mente a Saint-Remy (sud-est della Francia).

Qualche mese prima si è tagliato il lobo dell'orecchio con un rasoio, avendo sperimentato il più forte guasto. Da allora, circa una volta al mese, ha avuto convulsioni. Cadde nell'oblio per diverse ore.

"Iris" creati da un pazzo?

Nessuno sa quale malattia abbia colpito l'artista. Potrebbe aver sofferto di epilessia (come suo zio e sua sorella). Ma questo significa che tra le crisi era assolutamente sano di mente.

O forse lo erano attacchi di panico. Ma quando passano, anche la persona è abbastanza adeguata.

In ogni caso, basta guardare i suoi Iris per vedere che è stato scritto da una persona sana di mente.

Inoltre, una persona che, con ogni fibra della sua anima, voleva riprendersi e continuare a lavorare.

Vincent Van Gogh. Autoritratto con orecchio mozzato e pipa. Gennaio 1889 Museo Kunsthaus di Zurigo,

Collezione privata di Niarchos.

Dopotutto, Van Gogh aveva un sogno. Voleva cambiare pittura e dimostrare agli altri che il suo metodo di lavoro ha diritto alla vita.

Alla fine, voleva vendere il suo lavoro per ottenere l'indipendenza finanziaria e ripagare suo fratello Theo (che gli pagava un'indennità mensile).

Quando Van Gogh creò "Iris", tutte queste speranze tremolavano ancora in lui. Era sicuro che la pittura lo avrebbe aiutato a superare la sua malattia.

Pertanto, l'immagine è così luminosa, positiva.

Riflette l'umore dell'artista per il meglio.

Cos'hanno di speciale gli Iris di Van Gogh?

Nella foto vediamo un tappeto di fiori. Non c'è orizzonte o cielo.

Van Gogh ha fatto in modo che l'attenzione dello spettatore fosse focalizzata solo sui fiori. Questo è un angolo molto insolito, quasi mai visto prima nella pittura occidentale.

Ma non è stato Van Gogh che ha avuto l'idea di scrivere così. Questo angolo si trova spesso nei maestri giapponesi.

Quando l'artista porta lo spettatore molto vicino all'oggetto. E lo sfondo è neutro.

È così che ha funzionato il famoso Katsushika Hakusai.

Katsushika Hakusai. Iris e cavalletta. 1820 Museo Metropolitano, New York

Ma dopo Van Gogh, questa tecnica è più comune.

Claude Monet scriverà più di una di queste immagini. Comprese le iridi.

Claude Monet. Iris e ninfee. 1914-1917 Collezione privata

La stessa idea sarà ripresa dai rappresentanti della modernità. Tra i quali il più eclatante fu Gustav Klimt.

Gustav Klimt. Giardino fiorito. 1907 Ro Fondazione per il Terzo Mondo, Zurigo

Ma gli Iris di Van Gogh sono interessanti non solo dal punto di vista.

Se li confronti con il lavoro di Monet, la differenza nell'immagine dei fiori attira immediatamente la tua attenzione.

I fiori di Monet sono scritti indistintamente, in maniera impressionistica. Solo un colore succoso, quasi luminoso, li distingue nello spazio.

I fiori di Van Gogh sono più realistici e credibili.

Vincent Van Gogh. Iris (dettaglio). 1889

Claude Monet. Iris e ninfee (particolare)

Allo stesso tempo, la terra è scritta con una tecnica completamente diversa. Tratti separati e multicolori.

Di conseguenza, abbiamo l'impressione di allentamento del terreno.

Solo quali sfumature non sono qui. Cipriato, rosa, rosso, giallo, marrone.

E a volte anche blu. Questa tecnica è in qualche modo simile al puntinismo.

Van Gogh. Iris (dettaglio). 1889 Museo Getty, Los Angeles

Questo è quando un artista dipinge con punti o tratti separati. colori differenti. Con l'aspettativa che a distanza i colori non miscelati si combinino in un'unica massa cromatica.

Uno dei puntinisti più famosi era Paul Signac. Che ha appena introdotto Van Gogh alla tecnica della separazione dei colori.

Paolo Signac. Boa rossa. 1895 Museo d'Orsay, Parigi

Questo è molto interessante. Prima di Van Gogh, nessuno ne aveva mai collegati due simili tecniche diverse. Realismo e puntinismo.

Ma in un certo senso li ha ammorbiditi. Pertanto, nulla respinge. Come se fosse l'unico modo per scrivere queste iridi e terra.

Questo ancora una volta parla di quanto Van Gogh abbia cercato di imparare dagli altri. Ma allo stesso tempo, ha elaborato tutto a modo suo. Ha deliberatamente cercato una nuova strada.

D'accordo, una persona pazza difficilmente è capace di una cosa del genere.

C'è un messaggio crittografato in Irises?

Sicuramente avrai notato che un solitario iris bianco cresce tra i fiori blu. Cosa intendeva Van Gogh con questo? Siamo tentati di cercare in questo un significato nascosto.

Forse l'artista intende la sua solitudine?

Dopotutto, nessuno credeva in lui. Tranne suo fratello Theo e se stesso.

Difficilmente. A Van Gogh non piaceva il simbolismo. Ho provato a disegnare solo il mondo reale.

Era espressività più importante.

Cioè la capacità di esprimere l'essenza delle cose attraverso il colore e la forma. Il modo in cui la vedeva e la capiva.

Ecco perché si è ritirato così facilmente dal realismo per amore di questa essenza. Colori luminosi ("Girasoli").

Caratteristiche facciali ipertrofiche ("I mangiatori di patate")

Ma non voleva aggiungere apposta qualcosa per crittografare un certo messaggio.

Pertanto, quasi sempre ha scritto dalla natura e non dalla memoria.

L'unica eccezione è "Notte stellata".

E questo solo perché Van Gogh non poteva lasciare l'ospedale di notte. E involontariamente ha dovuto usare la sua immaginazione.

Non a caso, oltre alle iridi nella foto, c'è anche il velluto.

La storia degli "Iris" dalla morte di Van Gogh ai giorni nostri

Siamo molto fortunati che gli "Iris" siano giunti fino a noi.

Il fatto è che Van Gogh ha presentato ai suoi abitanti molte opere create a Saint-Remy.

Al primario, a suo figlio e persino ad alcuni pazienti.

Il destino di molti di questi dipinti è molto triste. Dopotutto, tutti pensavano che queste fossero solo immagini di una persona malata.

E sono stati trattati di conseguenza.

Quindi, il figlio del dottore ha usato i dipinti di Van Gogh come bersagli, sparandogli senza pietà.

E un fotografo locale, appassionato di pittura, ha raschiato via la vernice da una dozzina di dipinti di Van Gogh.

Dopo la morte dell'artista, "Iris" è finita con sua madre. Ancora una volta, è un miracolo che siano sopravvissuti.

Il fatto è che la madre di Van Gogh non capiva il lavoro di suo figlio.

Quando, dopo la morte del marito, si è trasferita in un'altra città, ha lasciato in soffitta diverse dozzine dei suoi primi lavori.

Semplicemente non ne aveva bisogno. Il loro destino è ancora sconosciuto.

Dopo la sua morte nel 1907, il dipinto fu acquistato da un collezionista per 300 franchi.

E già nel 1990 è andata al Getty Museum (Los Angeles).

Per ... 54 milioni di dollari.

Leggi altre opere del maestro nell'articolo "5 capolavori di Van Gogh".

Descrizione del dipinto di Van Gogh “Iris”

Il critico d'arte francese Octave Mirbeau una volta pagò 300 franchi per un dipinto raffigurante un'insolita aiuola con iris in fiore. Nel 1987, la stessa tela era già valutata quasi 54 milioni di dollari da Sotheby's. Alan Bond ha cercato di acquistare "Iris" di Vincent van Gogh, ma non aveva i soldi per completare l'affare. Il Getty Museum di Los Angeles è entrato in gioco, superando il dipinto nel 1990. L'istituzione culturale ha guadagnato molto, perché ora uno dei più quadri misteriosi Artista olandese chiunque può divertirsi.

"Il parafulmine per la malattia" (disturbo bipolare della personalità), come lo stesso Van Gogh chiamava l'immagine, non si adatta così tanto al suo stile artistico da stupire ancora gli spettatori. Non ci sono sfumature spesse e caustiche, nemmeno velenose qui: gli "iris" sono pieni della morbidezza ariosa dei pastelli. Ed è persino strano che la tela sia stata scritta nel 1889, quando il pittore era in cura a Saint-Rémy-de-Provence. Così strano, quanto è misterioso il fatto che l'abbia scritto un anno prima della sua morte. La solitudine e l'architettura unica dei villaggi francesi gli hanno ispirato una serenità che è diventata una cura per la malattia. Gli iris, come è noto dal folklore francese, significano il risveglio della natura e la resurrezione di tutti i morti, perché Van Gogh ha notato che quando scrive la malattia si attenua. Il quadro è realizzato con l'arte indescrivibile di un virtuoso che suona il suo ultimo concerto.

Iris mostra chiaramente l'influenza dell'ukiyo-e giapponese, eleganti incisioni con oggetti delineati presentati da un'angolazione insolita. I loro dettagli erano disegnati e alcune parti delle incisioni erano piene di un irreale bagliore extraterrestre. Il campo dell'iride è pieno di una tale pace, una tale leggerezza e trasparenza che sembra che questo non sia affatto Van Gogh. Gli "Iris" sono semplici e unici, stupiscono per la loro serenità e la capacità di alleviare la tensione interna in chiunque abbia visto anche solo una riproduzione. L'immagine respira semplicemente con acquerello, traslucenza e ti fa guardare per più di un'ora.

L'angolo sulla tela, tuttavia, è insolito anche per Van Gogh. Un paesaggio semplice: fiori e un cespuglio sono simili a ciò che poteva vedere e percepire Bambino piccolo o una persona accovacciata a terra. L'intero spazio dell'immagine è ricoperto di iris, solo l'erba verde-giallastra dà un leggero accenno che il prato abbia una continuazione. La terra rosso-arancio sembra ripetere le sfumature dei fiori nell'aiuola. Sembra che tale sproporzione continuerà all'infinito, ma un solitario iride bianco bilancia l'intero quadro, creando la sua armonia.

È anche interessante che "Iris" non sia un'immagine statica congelata, ma una tela che ha un movimento peculiare, Van Gogh, costruito in modo tale che devi guardarlo esattamente in diagonale, da sinistra verso l'alto. L'asimmetria e la sproporzione dell'opera è in realtà ostentata: la terra nell'angolo in basso a destra è bilanciata dai colori arancione e giallo della mazza. La nitidezza dell'orizzontalità dell'immagine è mantenuta dalle iridi bianche e azzurre.

È interessante notare che l'influenza delle incisioni giapponesi non si riflette interamente nell'immagine. Ha le stesse linee sottili e aggraziate di ukiyo-e, miracolosamente intrecciato con transizioni impressionistiche e mezzitoni. Inoltre, una tale miscela di stili di Van Gogh non è ruvida, ma piuttosto armoniosa, che conferisce all'immagine originalità e fascino attraente. Grazie a questa sintesi tra la raffinatezza dell'Oriente e il libero pensiero dell'Europa, l'artista ha saputo trasmettere la freschezza degli iris, il loro colore espressivo.

Mescola le sfumature in un modo speciale, come se giocasse con loro. Riecheggia la forma morbida e rotonda degli iris fiori d'arancio, la levigatezza dei contorni delle foglie. La colorazione delle iridi stesse ricorda onde colorate calmanti, che fluiscono dolcemente l'una nell'altra. La loro energia unica crea fragilità, leggerezza e ariosità del disegno.

Gli iris non hanno sfondo, solo toni caldi e tenui della terra raffigurati in strisce sfocate e il bagliore caldo di un'aiuola. Uno che penetra dall'immagine dentro mondo esterno e gli dà visibilità e tenerezza. L'uso di varie sfumature di verde, giallo e viola crea un vero ritmo di colori e la correttezza delle linee completa il disegno. Una ricca e allo stesso tempo delicata selezione di colori è così sorprendente che i fiori sembrano senza peso.

Tuttavia, l'immagine è luminosa e dinamica, può congelarsi e prendere vita in un secondo. Le iridi semplici ma allo stesso tempo lussuose, oltre alla tenerezza e all'ariosità, hanno una ricca maturità e un'ottima succosità. Questo è forse l'unico dipinto di Van Gogh in cui si giocano i contrasti. Le iridi viola-blu contrastano con il tono verde delle foglie, fiori luminosi nell'aiuola. Il terreno rosso terracotta attira le piante verso di sé, e l'accenno del prato verde giada sullo sfondo fa sì che anche gli iris lo raggiungano.

Il dipinto "Iris" è pieno non solo di emozioni impressionistiche, ma anche di impressioni. È impossibile determinare in modo affidabile quali "esperienze" hanno i fiori in questo momento, si può solo cogliere l'impressione stessa di questa esperienza. Le iridi allo stesso tempo si inclinano verso il potere della terra e vogliono precipitarsi verso l'alto verso il prato.

C'è una vitalità speciale nell'immagine, tipica di ciascuna delle opere di Van Gogh. Sostiene "per" la luminosità, persino l'aggressività, un'immagine un po 'tintinnante e l'irresistibilità della vita. In "Iris" non c'è un flusso folle di idee e tentativi di soffocare le voci dei demoni: hanno una bellezza sottile e inestimabile che non tutti possono apprezzare e sentire.

E sebbene i critici abbiano affermato che i dipinti di questo artista sono sbalorditivi per la loro espressione, che il colore nella sua immagine diventa un vero gioiello, Van Gogh era destinato al riconoscimento postumo. A 37 anni si suicidò e suo fratello Theo creò un museo che glorificava Vincent. Un tempo l'arte era una consolazione per l'artista tormentato dai demoni, ora è diventato uno dei geni già riconosciuti che amavano la vita e sapevano vedervi una bellezza insolita.

Tutti i colori dell'arcobaleno sono stati dati dalla natura alle iridi: rosa e bronzo-cremisi, azzurro e zaffiro, lilla e viola-ciliegia, limone e giallo-arancio, bianco neve e nero-bluastro. Gli antichi greci chiamavano l'arcobaleno un iris, e poi un fiore simile a un arcobaleno di colore cominciò a essere chiamato iris, considerando i fiori come frammenti di un arcobaleno caduto a terra. Le iridi hanno bellissimi non solo fiori, ma anche foglie che rimangono verdi fino al tardo autunno.

Che tipo di iris non esiste sulla terra! L'iride nana, ad esempio, si eleva al di sopra della superficie terrestre solo di pochi centimetri, e il suo fiori viola sembrano incastrati nel terreno. Ma i fiori blu lavanda o bianchi come la neve dell'iride blu gigante con foglie sempreverdi sfoggiano quasi all'altezza della salvia.

Nella cultura, i fiori sono conosciuti da oltre duemila anni e sono venerati non solo per la bellezza dei fiori, ma anche per l'aroma della radice, i cui estratti vengono utilizzati nella produzione di profumi, liquori, vini e confetteria.

Sull'isola di Creta, tra i dipinti del Palazzo di Cnosso, un affresco raffigura un sacerdote circondato da iris in fiore. Questo affresco ha circa 4000 anni. I fiori di iris sono impressi nella pietra di gallerie e balaustre orientali e romane. Nel Medioevo crescevano nei giardini di castelli e monasteri, da dove venivano trasferiti nei giardini dei cittadini. Gli arabi nei tempi antichi piantavano iris selvatici con fiori bianchi sulle tombe. E dentro Antico Egittoè stato allevato secoli XVI-XV AC, ed era lì un simbolo di eloquenza. In Arabia, al contrario, erano simbolo di silenzio e tristezza.

Il fiore "iris" prende il nome dalle mani del famoso guaritore Ippocrate, che chiamò la pianta in onore dell'antica dea greca Irida, che proclama alla gente la volontà degli dei olimpici. La dea Iris discese sull'arcobaleno fino a terra, quindi la parola "Iris" in greco significa arcobaleno. Carl Linnaeus, che propose un sistema unificato di nomi scientifici per le piante, mantenne il suo antico nome per l'iris.

Firenze è chiamata così dai Romani solo perché gli iris crescevano in abbondanza intorno a questo insediamento etrusco, e il latino "florence" significa "fiorente". Da allora l'iris fiorentino adorna lo stemma cittadino di Firenze.

Questo tipo di iris è famoso anche per il fatto che per molto tempo le persone hanno imparato a estrarre dal suo rizoma un olio essenziale profumato con l'aroma delle viole. Ecco perché il rizoma di questo iris è chiamato radice viola. Questa fragranza naturale veniva utilizzata nei camerini reali già nel XV secolo. Da 1 kg di rizomi si ottengono in media 7 g. Olio essenziale che viene utilizzato in profumeria. Anche le fragranze vengono estratte dai fiori.

Come simbolo religioso, l'iris appare per la prima volta nei dipinti dei primi maestri fiamminghi, e nelle immagini della Vergine Maria, è presente sia insieme al giglio che al suo posto. Questo significato simbolico per il fatto che il nome "iris" significa "giglio con una spada", che è un accenno al dolore di Maria per Cristo.

Tra i cristiani, l'iris simboleggia la purezza, la protezione, ma divenne anche un simbolo di tristezza e dolore, il motivo per cui erano le sue affilate foglie a forma di cuneo, che sembravano personificare la sofferenza e la tristezza del cuore della Madre di Dio per la sofferenza di Cristo. Soprattutto spesso come tale simbolo nelle immagini della Vergine c'è un'iride blu. L'iride può anche simboleggiare la nascita verginale.

Sai che gli iris erano un orgoglio speciale di Monet? Li ha piantati instancabilmente e ovunque.

In Rus', tra i nomi di iris (galletto, fiori di gazza, lusica, treccine), il più comune è il gentile "iris", cioè caro, amato, desiderato.

Nelle famiglie giapponesi, vacanza tradizionale ragazzi, dai fiori di iris viene preparato un talismano magico, che dovrebbe infondere coraggio nell'anima di un giovane. IN giapponese le parole "iris" e "spirito guerriero" sono denotate dallo stesso geroglifico. Anche le foglie di iris sono come una spada.

Claude Monet - Giardino dell'iride a Giverny, 1899-1900

Claude Monet - Aiuola con iris nel giardino dell'artista, 1900

Claude Monet - Giardino (Iris), 1900

Claude Monet - Iris lilla, 1916-1917

Vincent van Gogh - Iris in fiore, 1889

Questo dipinto famoso L'artista olandese Vincent van Gogh è stato creato da lui nel 1889. "Iris" è diventato uno dei lavori recenti grande maestro. Van Gogh morì un anno dopo. Al momento del lavoro sul dipinto, il pittore era già malato terminale. Era costantemente sotto la supervisione dei medici in una clinica per malati di mente. Questa clinica si trovava vicino alla pittoresca cittadina di Saint-Rémy-de-Provence.

Forse la malattia ha avuto un tale effetto su maniera creativa Van Gogh, ma l'immagine si è rivelata completamente diversa da tutto ciò che l'artista ha dipinto finora. Questo non è il Van Gogh che si conosceva. Non c'è tensione, ansia, colori densi e calde sfumature senape oliva nella tela. Al contrario, c'è una sorta di leggerezza, ariosità e trasparente assenza di gravità. Il dipinto ricorda le incisioni giapponesi nel modo di esecuzione.

L'artista ha scelto un angolo insolito per la sua pittura. I fiori riempiono quasi l'intera superficie della tela. Sembra che tu sia accovacciato in mezzo al campo, in mezzo ai fiori. Ma l'immagine non sembra congelata, statica. La composizione è costruita in modo tale che l'occhio si precipiti involontariamente in diagonale verso l'alto e verso sinistra. Presente negli "Iris" e una sorta di simmetria. Quindi liscia il terreno primo piano bilanciato da gemme giallo-arancio nell'angolo in alto a sinistra. L'iride bianca e l'azzurro tengono l'orizzontale dell'immagine.

Influenza Pittura giapponese evidente, prima di tutto, nel disegno delle iridi. La stessa chiarezza e sottigliezza delle linee aggraziate, lo stesso riempimento di tinta unita dei singoli dettagli. Ma l'immagine non è pienamente sostenuta in questo stile. Qui puoi vedere l'influenza dell'impressionismo. E la cosa più sorprendente è che una tale miscela non viola affatto l'armonia dell'immagine. Aggiunge solo alla creazione di Van Gogh originalità e fascino attraente.

Vincent van Gogh - Iris. Saint-Rémy, maggio 1890

Il dipinto "Iris" di Vincent van Gogh è stato dipinto dall'artista nel 1890. Oggi la natura morta è conservata al Vincent Van Gogh Museum di Amsterdam.

La natura morta di Van Gogh "Iris" è caratterizzata da un'immagine contrastante di giallo e fiori blu, la loro speciale combinazione di colori. Gli iris hanno una forma morbida e arrotondata, che riprende in parte i contorni lisci e smussati del vaso. L'immagine degli iris ricorda un flusso di colore colorato simile a un'onda, che ricrea l'atmosfera di dinamica, flusso, trasfusione dell'energia coloristica della tela. Allo stesso tempo nasce l'impressione di fragilità, ariosità, "porosità" dell'immagine.

Lo sfondo, il motivo del vaso e il piano del tavolo sono disegnati dall'artista con colori caldi e tenui. Il piano di sfondo dell'immagine è riempito con un unico colore senza eccessivi dettagli e ornamenti. Allo stesso tempo, il vero potere del colore, la sua pienezza di luce riscalda, penetrando in molti oggetti del mondo circostante e donando all'aria visibilità e colore. L'uso delle sfumature del giallo costruisce uno speciale ritmo colorato, costruisce la realtà pieno di armonia e tratti giusti. La selezione dei colori si distingue per saturazione, apertura, senza schiacciare in molte sfumature. L'autore privilegia maggiormente la forza del contorno nero nel contorno di petali blu brillante, foglie fresche di iris in un vaso.

L'immagine dei fiori di iris è elaborata con particolare attenzione. I tratti bianchi delineano la profondità e l'espressività delle ombre, il volume e la tenerezza di complesse infiorescenze. La predominanza delle sfumature blu nell'immagine dei fiori non è totale. Piuttosto, possiamo dire che il colore blu delle iridi è ammorbidito tonalmente da varie combinazioni di ocra, giallo e blu.

La scrittura del disegno del vaso è leggermente spostata a destra, mentre tale decisione artistica è supportata dall'eccessiva “vivacità” e splendore del disegno del bouquet sul lato sinistro della tela. Lo sfondo ha una soluzione locale monocolore ed è colorato in giallo, che sembra abbastanza semplice, ascetico, coloristicamente monosillabico. I movimenti del pennello dell'artista seguono nel loro movimento i contorni degli oggetti, modellando il "tessuto" stesso della cosa raffigurata e svolgendo la funzione di modellare. Il motivo dell'ombra non è scritto, le leggi della costruzione classica del chiaroscuro sono ridotte al minimo. Tuttavia, "Iris" stupisce per la luminosità e il dinamismo della gamma visiva, l'espressività dei colori, all'interno dei quali c'è un profondo potere di colore e motivo lineare. Le tele di Vincent van Gogh sono diverse da molte opere della pittura classica accademica e, inoltre, dalla maggior parte delle opere d'arte impressionista. Nonostante questo, il suo lavoro è pieno forza vitale. Caratteristica principale metodo creativo Van Gogh si distingue per luminosità, a volte aggressività, colori, soggezione delle linee, una sensazione di "tintinnio" dell'immagine creata nel quadro. Nelle opere di Van Gogh la vita è inarrestabile, come un flusso di coscienza o un ribollente sciame inquieto di pensieri, idee, la cui bellezza deve ancora poter essere sentita e apprezzata.

"Iris" di Vincent van Gogh è uno dei soggetti più famosi e memorabili del grande pittore olandese. Scritto un anno prima della morte dell'artista, "Iris" è diventato come uno sbocco nel suo lavoro, colpendo per la vivacità, la delicata riproduzione dei colori e la generale pacificazione della trama.

Storia della creazione

L'artista stesso ha parlato di questo dipinto come di un "parafulmine per la sua malattia", poiché è stato dipinto durante le cure nell'ospedale del monastero di Saint-Remy de Provence, "Iris" di Van Gogh ha avuto davvero un effetto positivo sullo stato psicologico generale stato dell'artista. Vincent soffriva di disturbo bipolare della personalità, ma il trattamento a Saint-Remy sembrava davvero giovargli. Nelle lettere al fratello, l'artista ha scritto di essersi ispirato a paesaggi rurali, giovani allegre donne del villaggio e fiori sparsi in rigogliose aiuole in tutto l'ospedale. Foto moderna L'ospedale Saint-Remy de Provence è presentato di seguito.

Presentiamo anche alla tua attenzione Saint-Remy de Provence nel dipinto di Van Gogh. Questo lavoro è diventato piuttosto famoso.

Durante la stesura di "Iris" l'artista sentiva di poter frenare gli attacchi di malattia durante il lavoro. Questa consapevolezza, probabilmente, ha dato all'immagine una sensazione così irresistibile di sete di vita e brama di bellezza. Sfortunatamente, questa immagine non lo è Punto di partenza, e il finale - dopo di esso, le trame sono diventate più intense ed espressive, fino a raggiungere la massima intensità nel dipinto "Campo di grano con corvi", che è diventato l'ultimo nella vita dell'artista. "Iris" Van Gogh sembrava aver creato nell'ultimo attacco di armonia amante della vita, scrivendole un anno prima della sua morte.

Inoltre, il mondo ha visto un'opera come "Wheat Field with Crows" (1890). Puoi vederlo sotto.

"Iris" Van Gogh - descrizione del dipinto

Questa tela contiene tutti i tratti caratteristici dello stile del pittore: tratti rapidi e curvi che danno al dipinto l'illusione del movimento, della vita. Tutti i suoi paesaggi hanno la sensazione di una leggera brezza che fa ondeggiare alberi, erba e fiori. È lo stesso in "Iris": sembrano muoversi, oscillati da raffiche di vento. C'è anche una miscela di generi di incisione giapponese e impressionismo, così amati da Van Gogh. Ma c'è qualcosa che distingue ancora l'immagine dalle altre: in primo luogo, questa è l'angolazione: l'artista sembra essere sdraiato a terra, guardando i fiori davanti a sé, anche leggermente dal basso verso l'alto.

L'orizzonte non è visibile e il centro dell'immagine si sposta visivamente a destra: qui il bouquet di iris è enunciato in modo più chiaro ed espressivo, mentre a sinistra e in profondità i fiori sono leggermente sfocati e distanti. Un grappolo di iris sulla destra è bilanciato da una macchia di terra nuda color arancio sulla sinistra. Iris luminosi e allegri che coprono l'orizzonte permettono allo spettatore di immergersi letteralmente nel giardino fiorito. Macchie intense di fiori viola-blu sono squisitamente combinate con foglie lunghe e aggraziate verde brillante (un chiaro riferimento allo stile decorativo giapponese).

L'incisione giapponese raffigurante iris trasmette la bellezza di questi fiori.

Dov'è l'originale?

La tela che Van Gogh amava sinceramente - "Iris", è esposta al Getty Museum dal 1990. Questo è uno dei pochi dipinti dell'artista esposti durante la sua vita. Grazie agli sforzi del fratello dell'artista - Theo van Gogh - il dipinto fu presentato al "Salon of Independent Artists" di Parigi, nel settembre 1889. Un anno dopo la morte dell'artista, nel 1891, "Irises" acquisì Octave Mirbeau - Scrittore francese e amante dell'arte. La sua foto è presentata di seguito.

L'ha comprato non da solo, ma insieme ad un altro famoso dipinto di Van Gogh - "Girasoli". Per due quadri ha pagato 600 franchi.

Nel 1987, il dipinto originale di Van Gogh "Iris" fu venduto all'asta per un importo record in quel momento: $ 53,9 milioni. L'acquirente era un uomo d'affari e Autorità criminale Alan Bond, tuttavia, improvvisamente non aveva abbastanza soldi per portare a termine l'affare. Il dipinto è stato ritirato dall'asta e solo nel 1990 "Iris" di Van Gogh ha acquisito il Getty Museum di Los Angeles.

Questo museo è stato fondato dal magnate del petrolio Jean Paul Getty e fino ad oggi è il massimo museo importante arti in tutta la costa occidentale degli Stati Uniti. L'originale "Iris" di Van Gogh è l'unico dipinto di questo artista presentato nel museo.

Altri Iris

"Iris" del 1889 non è l'unico dipinto dell'artista raffigurante questi bellissimi fiori primaverili. Un anno prima aveva scritto "Campo di iris vicino ad Arles". Questo dipinto è un classico paesaggio in stile Van Gogh: un cielo luminoso, un campo, fiori, alberi e cime degli edifici in lontananza. L'immagine è dominata dal giallo preferito e colori blu pittore. Si ha la sensazione che gli iris siano un frammento di questa immagine, ma qui i fiori sono scritti in modo più casuale, sono solo una parte di un paesaggio più ampio.

Altri due quadri furono eseguiti successivamente, nell'anno della morte dell'artista. Entrambi raffigurano mazzi di iris raccolti in vasi. Il primo si chiama "Bouquet of iris". Un enorme mazzo di fiori su uno sfondo giallo brillante è raccolto in un vaso di terracotta rustico. Ci sono così tanti iris che diversi steli sono caduti dal vaso sul tavolo. Questo dipinto fa ancora una buona impressione per la luminosità del colore e l'antica combinazione di japonismo e impressionismo. Tuttavia, i fiori recisi non danno un effetto così allegro come quelli che crescono rigogliosi in un'aiuola. Forse, con gli iris caduti dal vaso, l'artista ha voluto sottolineare il suo stato d'animo triste: si sente "abbandonato" dalla società, superfluo, alieno.

Un'altra immagine, sebbene ripeta il nome "Iris", ma produce un effetto completamente opposto rispetto alla prima e alle precedenti. Questa volta non ci sono tanti fiori, si adattano bene e non cadono; il bouquet è posto in una brocca d'acqua bianca. Una tovaglia verde chiaramente definita e un muro bianco che occupa gran parte dello sfondo fanno un'impressione deprimente: sono associati a un ospedale, locali non residenziali. Anche i fiori stessi non sono così luminosi e leggermente ammaccati: sembrano già sbiaditi, da loro emana una sensazione di morte. I chiari contorni neri degli steli e dei petali sono espressivamente decorativi, accennando ancora una volta arte giapponese. L'assenza di colori accesi, al contrario, allontana l'immagine dall'impressionismo. Forse l'artista ha voluto sottolineare che anche i suoi fiori preferiti avevano smesso di ispirarlo - ora sono solo una parte di un'immagine senza vita.

Caratteristiche artistiche dell'opera di Van Gogh

Fino ad oggi, Vincent van Gogh rimane un artista controverso. Alcuni lo odiano, altri lo idolatrano. Ma è impossibile non ammettere che la freschezza dei suoi dipinti, l'originalità del colore e dei soggetti lo rendono uno dei più influenti e rilevanti in mondo moderno. "Iris" è uno dei più immagini luminose grande pittore olandese. L'unicità e l'originalità dell'artista è così espressiva in esso che anche gli spettatori che sono lontani dall'impressionismo e non riconoscono il genio " notte stellata"o ritratti colorati e autoritratti, rimarranno sicuramente affascinati da lei. È come se tutte le scoperte creative sviluppate da Van Gogh durante modo creativo.

"Iris" di Van Gogh nel mondo moderno

Al giorno d'oggi, poche persone acquistano riproduzioni dipinti famosi per la decorazione d'interni - i dipinti polverosi in cornici massicce sono adatti per i musei, ma non per le abitazioni moderne. Tuttavia, il lavoro di Van Gogh accompagna uomo moderno in altri modi, perché la sua rilevanza è ora più popolare che mai. Ad esempio, "Iris" di Van Gogh è stato utilizzato come stampa nella collezione Yves Saint Laurent nel 1989.

Sono rilevanti anche altre soluzioni progettuali che utilizzano la trama "Iris": possono diventare una riproduzione su tutta la parete o piegarsi sotto forma di un mosaico di vetrate (ad esempio, in un bagno o in una cucina). Oppure possono essere utilizzati come stampe su magliette, custodie per telefoni, orecchini, borse e altro ancora. Molte persone conoscono gli Iris di Van Gogh. L'originale in un museo o una riproduzione su una maglietta: non importa, l'importante è toccare l'anima di un grande artista.

Van Gogh - Iris (Les Iris).

Anno di creazione: 1889

Tela, olio.

Dimensioni originali: 71×93 cm

Museo Getty, Los Angeles

"Iris" (fr. Les Iris) - un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh. Le "Iris" furono dipinte dall'artista nel 1889, in un'epoca in cui viveva nell'ospedale di St. Paul of Mausoleum vicino a Saint-Remy-de-Provence, un anno prima della sua morte.

Non c'è alta tensione nel quadro, che si manifesta nei suoi lavori successivi. Ha definito il dipinto "un parafulmine per la mia malattia" perché sentiva di poter tenere sotto controllo la sua malattia continuando a dipingere. Il dipinto mostra l'influenza delle stampe giapponesi ukiyo-e, come in altre opere di Van Gogh e di alcuni suoi contemporanei. Questa somiglianza si manifesta nella selezione dei contorni degli oggetti, angoli insoliti, presenza di aree dettagliate e aree riempite con un colore solido che non corrisponde alla realtà.

Descrizione del dipinto di Vincent van Gogh “Iris”

Il dipinto di Van Gogh "Iris" si riferisce a periodo tardo la sua creatività. È stato scritto durante il trattamento in ospedale psichiatrico a Saint Remy. La ragione è già partita geniale artista, ma in rari momenti di illuminazione, ha creato nuovi paesaggi e nature morte, che sono entrati nel tesoro della pittura mondiale.

Il dipinto "Iris" differisce dalla maggior parte delle opere di Van Gogh in assenza di ansia, ansia. Al contrario, la tela è piena di serenità e pace. Non ci sono sfumature sature qui, viene creata l'impressione di traslucenza, l'immagine dell'acquerello. I critici notano spesso la somiglianza di "Iris" nel modo di esecuzione con incisioni di artisti giapponesi.

L'immagine mostra una parte del giardino: un'aiuola con iris e un cespuglio fiorito sullo sfondo. Colpisce l'insolita angolazione: i fiori sembrano visti attraverso gli occhi di un bambino o di una persona seduta per terra. Gli iris coprono quasi l'intero spazio, solo l'erba giallo-verde angolo superiore accenni alla continuazione del prato. I toni della terra rosso-arancio fanno eco ai fiori nell'angolo in alto a sinistra. Un iride bianco solitario a sinistra e un azzurro pallido a destra bilanciano la percezione, creando simmetria.

L'idea principale che l'artista ha cercato di trasmettere era la freschezza, il colore, l'espressività dei colori. Le iridi sono dettagliate, i contorni delle foglie sono evidenziati in nero, piccole parti tracciato scrupolosamente - tutto ciò dà una somiglianza con le incisioni giapponesi.

Van Gogh per tutta la vita ha cercato di garantire che i suoi dipinti non solo trasmettessero ciò che vede intorno a lui, ma anche ciò che sente allo stesso tempo, la sua percezione del mondo che raffigura. Gli "Iris" sono pieni del desiderio di vedere la bellezza della natura non dall'alto, ma osservandola, avvicinandosi, immergendosi dentro, circondandosi dei suoi multicolori e dei suoi odori.