Cultura giapponese. Arte giapponese - Storia - Introduzione - Interessante Giappone — LiveJournal

La pittura giapponese è una delle più belle al mondo.

La pittura giapponese è uno dei tipi di creatività più antichi e sorprendenti. Come ogni altro, ha una sua lunga storia, che può essere suddivisa in più periodi secondo tecniche e caratteristiche. Comune a tutti i periodi è la natura, a cui è stato dato il posto principale nei dipinti. Al secondo posto in popolarità nelle belle arti del Giappone ci sono le scene domestiche della vita.

Yamato

Yamato(VI-VII secolo) - il primo periodo dell'arte giapponese, che pose le basi per la scrittura. L'impulso per lo sviluppo dell'arte è stato dato dai risultati della Cina nei campi della religione e della scrittura. Il Giappone si è affrettato a salire al suo livello, apportando modifiche alla sua struttura e costruendo tutto a somiglianza della Cina. Per lo sviluppo della pittura, è stato portato in Giappone un numero enorme di opere di maestri cinesi, che hanno ispirato i giapponesi, che si sono affrettati a creare dipinti simili.

Pittura nella tomba di Takamatsuzuka

Questo periodo è composto da due periodi figlio:

• Kofun- il periodo dell'arte giapponese, che occupa la prima metà di Yamato. Il nome del periodo è tradotto come "il periodo dei tumuli". A quei tempi, infatti, ai tumuli veniva dato un ruolo importante, creandoli ovunque.
• Asuka- la seconda parte dell'era Yamato. Il periodo prende il nome dal centro politico del paese attivo in quegli anni. È associato all'arrivo del buddismo in Giappone e, in futuro, allo sviluppo attivo di tutte le aree culturali.

Nara

Il buddismo, proveniente dalla Cina, si stava diffondendo attivamente in Giappone, il che contribuì all'emergere di temi religiosi nell'arte. Artisti giapponesi, affascinati da questo argomento, hanno dipinto le pareti dei templi, creati da personalità influenti. Ad oggi, il tempio Horyu-ji ha conservato pitture murali di quel periodo.

Azuchi Momoyama

Questo periodo è l'esatto opposto del suo predecessore. L'oscurità e il monocromo scompaiono dalle opere, sostituiti da colori vivaci e dall'uso dell'oro e dell'argento nei dipinti.

Cipresso. Schermo. Kanō Eitoku.

Meiji

Nel XIX secolo iniziò la divisione della pittura giapponese in stili tradizionali ed europei, che gareggiarono vigorosamente tra loro. Durante questo periodo, in Giappone scoppiarono enormi cambiamenti politici. L'influenza dell'Europa in quegli anni ha colpito quasi ogni angolo del pianeta, introducendo le proprie caratteristiche in ogni stato. Lo stile artistico europeo è stato attivamente sostenuto dalle autorità, rifiutando le vecchie tradizioni. Ma presto l'entusiasmo per la pittura occidentale si placò rapidamente e l'interesse per l'arte tradizionale tornò bruscamente.

Sviluppo della pittura giapponese aggiornato: 15 settembre 2017 da: Valentino

Sin dai tempi antichi, l'arte giapponese è stata caratterizzata da una creatività attiva. Nonostante la dipendenza dalla Cina, dove emergevano costantemente nuove tendenze artistiche ed estetiche, gli artisti giapponesi introdussero sempre nuove caratteristiche e cambiarono l'arte dei loro insegnanti, conferendole un aspetto giapponese.

La storia del Giappone in quanto tale inizia ad assumere forme definite solo alla fine del V secolo. Sono stati rinvenuti relativamente pochi oggetti risalenti ai secoli precedenti (periodo arcaico), anche se alcuni ritrovamenti effettuati durante gli scavi o durante i lavori di costruzione parlano di notevole talento artistico.

periodo arcaico.

Le più antiche opere d'arte giapponese sono vasi di terracotta del tipo Jomon (impressione di corda). Il nome deriva dalla decorazione della superficie con impressioni a spirale di una corda avvolta attorno ai bastoncini che il maestro utilizzava per realizzare il vaso. Forse, all'inizio, i maestri hanno scoperto per caso stampe di vimini, ma poi hanno iniziato a usarle consapevolmente. A volte riccioli di argilla simili a cordoni venivano incollati sulla superficie, creando un effetto decorativo più complesso, quasi un rilievo. La prima scultura giapponese ha avuto origine nella cultura Jomon. Dogu (letteralmente "immagine di argilla") di una persona o di un animale aveva probabilmente un qualche tipo di significato religioso. Le immagini di persone, per lo più donne, sono molto simili alle dee dell'argilla di altre culture primitive.

L'analisi al radiocarbonio mostra che alcuni reperti della cultura Jomon potrebbero risalire al 6-5 mila aC, ma una datazione così precoce non è generalmente accettata. Naturalmente, tali piatti sono stati preparati per molto tempo e, sebbene non sia ancora possibile stabilire date esatte, si distinguono tre periodi. Gli esemplari più antichi hanno una base appuntita e sono quasi privi di ornamenti, ad eccezione delle tracce di un attrezzo da vasaio. I vasi del periodo medio sono più riccamente decorati, a volte con elementi modellati che creano l'impressione di volume. Le forme dei vasi del terzo periodo sono molto diverse, ma il decoro si appiattisce nuovamente e si fa più sobrio.

Circa nel 2 ° secolo. AVANTI CRISTO. La ceramica Jōmon ha lasciato il posto alla ceramica Yayoi, caratterizzata da eleganza delle forme, semplicità del design e alta qualità tecnica. Il frammento del vaso divenne più sottile, l'ornamento meno stravagante. Questo tipo prevalse fino al III sec. ANNO DOMINI

Da un punto di vista artistico, forse i migliori lavori del primo periodo sono i khaniva, cilindri fittili risalenti al III-V secolo. ANNO DOMINI I monumenti caratteristici di quest'epoca sono enormi colline, o tumuli funerari, strutture funerarie di imperatori e potenti nobiltà. Spesso molto grande taglia, sono la testimonianza del potere e della ricchezza della famiglia imperiale e dei cortigiani. La costruzione di una tale struttura per l'imperatore Nintoku-tenno (c. 395-427 dC) richiese 40 anni. La caratteristica più notevole di questi tumuli erano i cilindri di argilla che li circondavano come un recinto, khaniva. Di solito questi cilindri erano abbastanza semplici, ma a volte erano decorati con figure umane, meno spesso con figure di cavalli, case o galli. Il loro scopo era duplice: prevenire l'erosione di enormi masse di terra e fornire al defunto tutto ciò di cui aveva bisogno nella vita terrena. Naturalmente i cilindri furono realizzati subito in grandi quantità. La varietà di temi, espressioni facciali e gesti delle figure che le decorano è in gran parte il risultato dell'improvvisazione del maestro. Sebbene siano opere di artigiani piuttosto che di pittori e scultori, sono di grande importanza come vera e propria forma d'arte giapponese. Edifici, cavalli avvolti in coperte, signore prim e guerrieri presentano un quadro interessante della vita militare del primo Giappone feudale. È possibile che i prototipi di questi cilindri siano apparsi in Cina, dove vari oggetti venivano deposti direttamente nelle sepolture, ma l'esecuzione e l'uso dell'haniwa appartengono alla tradizione locale.

Il periodo arcaico è spesso visto come un tempo privo di opere di alto livello artistico, un tempo di dominio di cose che hanno valore prevalentemente archeologico ed etnologico. Tuttavia, va ricordato che i lavori di questo cultura primitiva generalmente avevano una grande vitalità, poiché le loro forme sopravvissero e continuarono ad esistere come caratteristiche nazionali specifiche dell'arte giapponese in periodi successivi.

Periodo Asuka

(552-710 d.C.). Introduzione del buddismo a metà del VI sec. apportò cambiamenti significativi nel modo di vivere e nel pensiero dei giapponesi e divenne l'impulso per lo sviluppo dell'arte di questo periodo e di quelli successivi. L'arrivo del buddismo dalla Cina attraverso la Corea è tradizionalmente datato al 552 d.C., ma probabilmente era noto prima. Nei primi anni, il buddismo ha affrontato l'opposizione politica, l'opposizione alla religione nazionale dello shintoismo, ma dopo solo pochi decenni, la nuova fede ha ricevuto l'approvazione ufficiale ed è stata finalmente stabilita. Nei primi anni della sua penetrazione in Giappone, il buddismo era una religione relativamente semplice con un piccolo numero di divinità che necessitavano di immagini, ma dopo circa cento anni guadagnò forza e il pantheon crebbe enormemente.
Durante questo periodo furono fondati templi che servivano non solo allo scopo di promuovere la fede, ma erano centri d'arte e di educazione. Il monastero-tempio di Horyu-ji è uno dei più importanti per lo studio della prima arte buddista. Tra gli altri tesori, c'è una statua della grande triade Syaka-Nerai (623 dC). Quest'opera di Tori Busshi, il primo grande scultore giapponese a noi noto, è un'immagine stilizzata in bronzo, simile a gruppi simili nei grandi templi rupestri della Cina. La rigorosa frontalità si osserva nella posa dello Shaki seduto (trascrizione giapponese della parola "shakyamuni", il Buddha storico) e di due figure in piedi ai suoi lati. Le forme della figura umana sono nascoste da pesanti pieghe simmetriche di abiti resi schematicamente, e nei volti lisci e allungati si può sentire un sognante assorbimento di sé e contemplazione. La scultura di questo primo periodo buddista si basa sullo stile e sui prototipi della terraferma di cinquant'anni fa; segue fedelmente la tradizione cinese arrivata in Giappone attraverso la Corea.

Alcune delle sculture più importanti di questo periodo erano realizzate in bronzo, ma veniva utilizzato anche il legno. Le due sculture in legno più famose sono le statue della dea Kannon: Yumedono Kannon e Kudara Kannon, entrambe a Horyuji. Sono un oggetto di culto più attraente della triade Shaki, con i loro sorrisi arcaici e le loro espressioni sognanti. Sebbene la disposizione delle pieghe delle vesti nelle figure di Kannon sia anch'essa schematica e simmetrica, esse sono più leggere e piene di movimento. Figure alte e snelle sottolineano la spiritualità dei volti, la loro gentilezza astratta, lontana da ogni preoccupazione mondana, ma sensibile alle suppliche degli afflitti. Lo scultore ha prestato una certa attenzione ai contorni della figura di Kudara Kannon, nascosti dalle pieghe dei vestiti, e in contrasto con la sagoma frastagliata di Yumedono, il movimento sia della figura che del tessuto è diretto in profondità. Nel profilo di Kudar, Kannon ha una graziosa forma a S.

L'unico esempio superstite di pittura che dà un'idea dello stile dell'inizio del VII secolo è Tamamushi Zushi, il "santuario alato". Questo santuario in miniatura prende il nome dalle iridescenti ali di scarabeo incastonate in una struttura metallica traforata; in seguito fu decorato con composizioni religiose e figure di singoli personaggi, realizzate con lacche colorate. Come la scultura di questo periodo, alcune delle immagini mostrano una grande libertà di progettazione.

Periodo Nara

(710-784). Nel 710 la capitale fu trasferita a Nara, nuova città, costruita sul modello della capitale cinese Chang'an. C'erano strade larghe, grandi palazzi, numerosi templi buddisti. Non solo il buddismo in tutti i suoi aspetti, ma l'intera cultura cinese e vita politica percepito come un modello. Nessun altro Paese, forse, ha sentito a tal punto l'insufficienza della propria cultura e non è stato così suscettibile alle influenze esterne. Studiosi e pellegrini si spostavano liberamente tra il Giappone e la terraferma, e l'amministrazione e la vita di palazzo erano modellate sulla Cina durante la dinastia Tang. Va però ricordato che, pur imitando i modelli della Cina Tang, soprattutto nell'arte, percependone l'influenza e lo stile, i giapponesi adattarono quasi sempre forme straniere alle proprie.

Nella scultura, la rigorosa frontalità e simmetria del precedente periodo Asuka lascia il posto a forme più libere. Lo sviluppo di idee sugli dei, la maggiore abilità tecnica e la libertà di proprietà del materiale hanno permesso agli artisti di creare immagini iconiche più vicine e accessibili. La fondazione di nuove sette buddiste ha ampliato il pantheon fino a includere anche i santi e i fondatori del buddismo. Oltre alla scultura in bronzo, sono note numerose opere in legno, argilla e lacca. La pietra era rara e quasi mai utilizzata per la scultura. La lacca secca era particolarmente apprezzata, forse perché, nonostante la complessità del processo di preparazione della composizione, le opere realizzate con essa sembravano più spettacolari del legno ed erano più resistenti dei prodotti in argilla che erano più facili da fabbricare. Le figure in lacca venivano formate su una base di legno o di argilla, che veniva poi asportata, oppure su infissi di legno o di fil di ferro; erano leggeri e forti. Sebbene questa tecnica imponesse una certa rigidità nelle pose, nella raffigurazione dei volti era concessa una grande libertà, che in parte contribuì allo sviluppo di quella che può essere definita una vera e propria scultura di ritratto. L'immagine del volto della divinità è stata eseguita secondo le rigide prescrizioni dei canoni buddisti, ma la popolarità e persino la divinizzazione di alcuni dei fondatori e predicatori della fede hanno fornito eccellenti opportunità per trasmettere la somiglianza del ritratto. Tale somiglianza può essere rintracciata nella scultura in lacca secca del patriarca cinese Genjin, venerato in Giappone, situata nel tempio Toshodaiji. Genjin era cieco quando arrivò in Giappone nel 753, e i suoi occhi ciechi e lo stato illuminato di contemplazione interiore sono magnificamente resi da uno scultore sconosciuto. Questa tendenza realistica è stata espressa più chiaramente nella scultura lignea del predicatore Kui, creata dallo scultore Kosho nei secoli XIII-XIV. Il predicatore è vestito da mendicante errante con bastone, gong e mazza, e dalla sua bocca semiaperta escono piccole figure del Buddha. Non soddisfatto dell'immagine del monaco che canta, lo scultore ha cercato di esprimere il significato più intimo delle sue parole.
Le immagini del Buddha del periodo Nara si distinguono anche per il grande realismo. Creati per un numero sempre crescente di templi, non sono così imperturbabilmente freddi e riservati come i loro predecessori, hanno una bellezza e una nobiltà più aggraziate e si rivolgono alle persone che li adorano con più favore.

Sono sopravvissuti pochissimi dipinti di questo periodo. Il disegno multicolore su carta raffigura le vite passate e presenti del Buddha. Questo è uno dei pochi esempi antichi di emakimono, o pittura su rotolo. Le pergamene venivano srotolate lentamente da destra a sinistra, e lo spettatore poteva godersi solo la parte del quadro che si trovava tra le mani che svolgevano la pergamena. Le illustrazioni erano direttamente sopra il testo, a differenza dei rotoli successivi, dove una sezione di testo si alternava a un'immagine esplicativa. In questi più antichi esempi superstiti di pittura su rotolo, le figure delineate sono poste sullo sfondo di un paesaggio appena delineato, e il personaggio centrale, in questo caso Syaka, appare in vari episodi.

Il primo Heian

(784-897). Nel 784 la capitale fu temporaneamente trasferita a Nagaoka, in parte per evitare il predominio del clero buddista di Nara. Nel 794 si trasferì a Heian (ora Kyoto) per un periodo più lungo. Fine VIII e IX secolo furono un periodo in cui il Giappone assimilò con successo, adattandosi alle proprie caratteristiche, molte innovazioni straniere. Anche la religione buddista ha vissuto un periodo di cambiamento, l'emergere di nuove sette del buddismo esoterico, con il suo rituale e l'etichetta sviluppati. Di queste, le più influenti furono le sette Tendai e Shingon, che originarie dell'India raggiunsero la Cina, e da lì furono portate in Giappone da due studiosi che tornarono in patria dopo un lungo apprendistato. La setta Shingon ("Parole vere") era particolarmente apprezzata a corte e occupò rapidamente una posizione dominante. I suoi principali monasteri erano situati sul monte Koya vicino a Kyoto; come altri importanti centri buddisti, divennero il deposito di enormi collezioni di monumenti d'arte.

Scultura IX sec. era principalmente di legno. Le immagini delle divinità si distinguevano per severità e grandezza inaccessibile, sottolineata dalla solennità del loro aspetto e imponenza. I tendaggi erano abilmente tagliati secondo schemi standard, le sciarpe giacevano a onde. La figura di Shaki in piedi dal tempio di Muroji è un esempio di questo stile. Per questa e simili immagini del IX secolo. caratterizzato da un intaglio rigido con pieghe più profonde e chiare e altri dettagli.

L'aumento del numero degli dei ha creato grandi difficoltà per gli artisti. In complessi mandala simili a mappe (un disegno geometrico con significato magico), le divinità erano disposte gerarchicamente attorno a un Buddha posto centralmente, che era lui stesso solo una manifestazione dell'assoluto. In questo momento apparve un nuovo modo di rappresentare le figure delle divinità guardiane circondate dalle fiamme, dall'aspetto terribile, ma di natura benefica. Queste divinità erano disposte in modo asimmetrico e raffigurate in pose commoventi, con tratti del viso formidabili, proteggendo ferocemente la fede da possibili pericoli.

Periodo medio e tardo Heian, o Fujiwara

(898-1185). Il trasferimento della capitale a Heian, inteso a sottrarsi alle difficili pretese del clero, determinò cambiamenti anche nel sistema politico. La nobiltà era la forza dominante e la famiglia Fujiwara ne divenne i rappresentanti più caratteristici. Periodo 10-12 secoli. spesso associato a questo nome. Iniziò un periodo di potere speciale, quando ai veri imperatori fu "fortemente consigliato" di lasciare da parte gli affari di stato per il bene di occupazioni più piacevoli della poesia e della pittura. Fino al raggiungimento dell'età adulta, l'imperatore era guidato da un severo reggente, di solito dalla famiglia Fujiwara. Era un'epoca di lusso e di notevoli risultati in letteratura, calligrafia e arte; tutto sembrava languido ed emotivo, che raramente raggiungeva la profondità, ma nel complesso era affascinante. L'elegante raffinatezza e l'evasione si riflettevano nell'arte di questo periodo. Anche gli aderenti al buddismo cercavano modi più facili e l'adorazione del Buddha celeste, Amida, divenne particolarmente popolare. Le nozioni di compassione e grazia salvifica del Buddha Amida si riflettevano profondamente nella pittura e nella scultura di questo periodo. La massività e la sobrietà delle statue del IX sec. nei secoli 10-11. ha lasciato il posto alla beatitudine e al fascino. Le divinità sono raffigurate come sognanti, pensosamente calme, l'intaglio diventa meno profondo, la superficie diventa più colorata, con una trama riccamente sviluppata. I monumenti più importanti di questo periodo appartengono allo scultore Jocho.
Anche le opere degli artisti acquisirono tratti più morbidi, che ricordano i disegni su tessuto, e persino le terribili divinità: i difensori della fede divennero meno intimidatori. I sutra (testi buddisti) erano scritti in oro e argento su carta dai toni blu intenso, la fine calligrafia del testo spesso preceduta da una piccola illustrazione. Maggior parte destinazioni popolari Il buddismo e le divinità associate riflettono le preferenze dell'aristocrazia e il graduale allontanamento dai duri ideali del primo buddismo.

L'atmosfera di questo periodo e le sue opere sono in parte legate alla cessazione delle relazioni formali con la Cina nell'894. Il buddismo in Cina a quel tempo era perseguitato e la corrotta corte Tang era in uno stato di declino. L'esistenza isolata dell'isola che seguì questa disconnessione spinse i giapponesi a rivolgersi alla propria cultura e sviluppare un nuovo stile giapponese più puro. Anzi, pittura secolare del X-XII secolo. era quasi interamente giapponese, sia nella tecnica che nella composizione e nelle trame. Una caratteristica distintiva di questi rotoli giapponesi, chiamati yamato-e, era la predominanza delle trame engi (origine, storia). Mentre le pergamene cinesi spesso raffiguravano una vasta natura straordinaria, panorami di montagne, ruscelli, rocce e alberi e le persone sembravano relativamente insignificanti, nelle pergamene narrative dei giapponesi nel disegno e nel testo, la persona era la cosa principale. Il paesaggio ha svolto solo il ruolo di sfondo della storia raccontata, subordinato a quello principale persona che agisce o persone. Molti rotoli erano dipinti con cronache della vita di famosi predicatori buddisti o personaggi storici, dei loro viaggi e campagne militari. Altri hanno raccontato di episodi romantici della vita della nobiltà e dei cortigiani.

Lo stile apparentemente idiosincratico dei primi rotoli proveniva da semplici schizzi a inchiostro sulle pagine dei quaderni buddisti. Si tratta di disegni sapienti che caricaturano il comportamento umano attraverso immagini di animali: una scimmia in abiti monacali che adora una rana gonfia, gare tra lepri, scimmie e rane. Questi e altri rotoli del tardo Heian hanno fornito la base per i rotoli narrativi più complessi dello stile sviluppato del XIII e XIV secolo.

Periodo Kamakura

(1185-1392). Fine del XII secolo ha apportato seri cambiamenti alla vita politica e religiosa del Giappone e, naturalmente, alla sua arte. L'eleganza e l'estetismo della corte di Kyoto furono sostituiti o, nella tradizione della regola "speciale", "ricevettero un'aggiunta" sotto forma di una nuova regola dura e coraggiosa: lo shogunato di Kamakura. Sebbene Kyoto rimase nominalmente la capitale, lo shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) stabilì il suo quartier generale nella città di Kamakura e in soli 25 anni stabilì un rigido sistema di dittatura militare e feudalesimo. Anche il buddismo, che era diventato così complesso e ritualizzato da risultare incomprensibile ai comuni laici, subì seri cambiamenti che non promettevano il patrocinio delle arti. La setta Yodo ("Terra Pura"), una forma di culto del Buddha Amida, sotto la guida di Honen Shonin (1133-1212) riformò la gerarchia dei buddha e delle divinità e diede speranza di salvezza a tutti coloro che semplicemente credevano in Amida. Questa dottrina di un paradiso facilmente raggiungibile fu poi semplificata da un altro monaco, Shinran (1173-1262), fondatore della setta Shin, il quale riconobbe che l'indulgenza di Amida è così grande che non c'è bisogno di compiere atti religiosi, basta solo ripetere l'incantesimo "Namu Amida Butsu" (la prima parola significa "sottomettersi"; le seconde due sono "Buddha Amida"). Un modo così semplice per salvare un'anima era estremamente attraente, e ora milioni lo usano. Una generazione dopo, il predicatore militante Nichiren (1222-1282), da cui prende il nome la setta, abbandonò questa forma semplificata di religione. I suoi seguaci veneravano il Sutra del Loto, che non prometteva la salvezza immediata e incondizionata. I suoi sermoni toccavano spesso argomenti politici, e le sue convinzioni e proposte di riforma della chiesa e dello stato facevano appello alla nuova classe guerriera di Kamakura. Infine, la filosofia dello Zen, nata già nell'VIII secolo, iniziò a svolgere un ruolo sempre più importante nel pensiero buddista di quel periodo. Lo Zen ha sottolineato l'importanza della meditazione e il disprezzo per tutte le immagini che potrebbero ostacolare l'uomo nella sua ricerca di connettersi con Dio.

Quindi, era un tempo in cui il pensiero religioso limitava il numero di dipinti e sculture precedentemente necessari per il culto. Tuttavia, durante il periodo Kamakura furono create alcune delle migliori opere d'arte giapponese. Lo stimolo è stato l'intrinseco amore giapponese per l'arte, ma la chiave del puzzle è l'atteggiamento della gente verso i nuovi credi, e non il dogma in quanto tale. In effetti, le opere stesse suggeriscono il motivo della loro creazione, perché molte di queste sculture e dipinti pieni di vita ed energia sono ritratti. Sebbene la filosofia Zen possa aver considerato gli oggetti ordinari di culto religioso come una barriera all'illuminazione, la tradizione di riverire gli insegnanti era abbastanza accettabile. Il ritratto in sé non poteva essere oggetto di culto. Questo atteggiamento nei confronti del ritratto non era esclusivo del buddismo zen: molti ministri della setta della Terra Pura erano venerati quasi come divinità buddiste. Grazie al ritratto è apparsa anche una nuova forma architettonica: il mieido, o cappella del ritratto. Il rapido sviluppo del realismo era interamente nello spirito dei tempi.
Nonostante il fatto che i ritratti pittoreschi dei sacerdoti, ovviamente, fossero davvero immagini persone specifiche, erano spesso rielaborazioni di dipinti raffiguranti i fondatori cinesi del buddismo. Erano dipinti mentre predicavano, bocche aperte, mani gesticolanti; a volte venivano raffigurati monaci mendicanti che compivano un difficile viaggio per la gloria della fede.

Una delle trame più popolari era raigō (arrivo desiderato), che raffigurava il Buddha Amida con i suoi compagni, che scende su una nuvola per salvare l'anima di un credente sul letto di morte e trasferirla in paradiso. I colori di tali immagini erano spesso esaltati dall'oro applicato e linee ondulate, mantelli svolazzanti, nuvole vorticose davano un senso di movimento alla discesa del Buddha.

Unkei, attivo tra la seconda metà del XII e l'inizio del XIII secolo, fu l'autore di un'innovazione che rese più facile intagliare il legno, che rimase il materiale preferito dagli scultori durante il periodo Kamakura. In precedenza, il maestro era limitato dalle dimensioni e dalla forma del mazzo o del tronco da cui veniva tagliata la figura. Le braccia e gli elementi di abbigliamento erano sovrapposti separatamente, ma il pezzo finito spesso assomigliava alla forma cilindrica originale. Nella nuova tecnica, dozzine di piccoli pezzi venivano accuratamente montati l'uno sull'altro, formando una piramide cava, da cui gli apprendisti potevano poi ritagliare la figura. Lo scultore aveva a disposizione un materiale più malleabile e la capacità di creare forme più complesse. Guardie del tempio muscolose e divinità in mantelli e vesti svolazzanti sembravano più vive anche perché nelle loro orbite cominciavano ad essere inseriti cristalli o vetri; le statue iniziarono ad essere decorate con bronzo dorato. Sono diventati più leggeri e meno propensi a rompersi quando il legno si è asciugato. La citata statua lignea di Kuya Shonin, opera del figlio di Unkei, Kosho, dimostra il più alto raggiungimento del realismo dell'era Kamakura nella scultura di ritratti. In effetti, la scultura a quel tempo raggiunse il suo apogeo nel suo sviluppo, e successivamente non occupò più un posto così importante nell'arte.

Anche la pittura secolare rifletteva lo spirito dei tempi. I rotoli narrativi del tardo periodo Heian, con colori sobri e linee aggraziate, raccontavano le scappatelle romantiche del principe Genji o gli intrattenimenti delle solitarie dame di corte. Ora, con colori vivaci e tratti energici, gli artisti dell'era Kamakura hanno raffigurato le battaglie di clan in guerra, palazzi avvolti dalle fiamme e persone spaventate in fuga dalle truppe attaccanti. Anche quando sul rotolo si svolgeva una storia religiosa, l'immagine non era tanto un'icona quanto una testimonianza storica dei viaggi dei santi e dei miracoli che compivano. Nella progettazione di queste trame si può trovare un crescente amore per la natura e ammirazione per i paesaggi nativi.

Periodo Muromachi, o Ashikaga

(1392-1568). Nel 1392, dopo più di 50 anni di conflitto, il terzo shogun della famiglia Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), riunì il paese. La sede del governo divenne nuovamente la capitale nominale di Kyoto, dove gli shogun Ashikaga costruirono i loro palazzi nel quartiere Muromachi. (Questo periodo è talvolta chiamato Muromachi, a volte Ashikaga.) Il tempo di guerra non ha risparmiato molti templi, depositi di arte giapponese, che sono stati bruciati insieme ai tesori che c'erano. Il paese fu gravemente devastato e persino la pace portò scarso sollievo, poiché i clan in guerra, nel loro successo, distribuivano favori a loro capriccio. Sembrerebbe che la situazione fosse estremamente sfavorevole per lo sviluppo dell'arte, ma in realtà gli shogun Ashikaga la patrocinarono, soprattutto nel XV e XVI secolo, quando fiorì la pittura.

L'arte più significativa di questo periodo erano i disegni a inchiostro poetici monocromatici incoraggiati dal buddismo zen e influenzati dai disegni cinesi delle dinastie Song e Yuan. Durante la dinastia Ming (1368-1644) si rinnovarono i contatti con la Cina e Yoshimitsu, collezionista e mecenate d'arte, incoraggiò la raccolta e lo studio della pittura cinese. Divenne modello e punto di partenza per artisti dotati che dipingevano paesaggi, uccelli, fiori, immagini di sacerdoti e saggi con pennellate leggere e fluide. La pittura giapponese di questo periodo è caratterizzata dall'economia delle linee; l'artista sembra estrarre la quintessenza della trama rappresentata, lasciando che lo sguardo dello spettatore la riempia di dettagli. Le transizioni di inchiostro grigio e nero lucido in questi dipinti sono molto vicine alla filosofia Zen, che, ovviamente, ha ispirato i loro autori. Anche se questo credo raggiunse una notevole influenza anche sotto il potere militare di Kamakura, continuò a diffondersi rapidamente nel XV e XVI secolo, quando sorsero numerosi monasteri Zen. Predicando principalmente l'idea di "autosalvezza", non associava la salvezza al Buddha, ma si affidava piuttosto alla severa autodisciplina dell'uomo per raggiungere un'improvvisa "illuminazione" intuitiva che lo unisse all'assoluto. L'uso parsimonioso ma audace dell'inchiostro e la composizione asimmetrica, in cui le parti non dipinte della carta giocavano un ruolo significativo nel rappresentare paesaggi idealizzati, saggi e scienziati, erano in linea con questa filosofia.

Uno dei più famosi esponenti del sumi-e, uno stile di pittura monocromatica a inchiostro, fu Sesshu (1420-1506), un sacerdote zen la cui vita lunga e prolifica gli assicurò una continua venerazione. Alla fine della sua vita, iniziò a utilizzare lo stile haboku (inchiostro rapido), che, in contrasto con lo stile maturo, che richiedeva tratti chiari ed economici, portava la tradizione della pittura monocromatica quasi all'astrazione.
L'attività della famiglia di artisti Kano e lo sviluppo del loro stile cadono nello stesso periodo. Per quanto riguarda la scelta dei soggetti e l'uso dell'inchiostro, era vicino al cinese, ma rimase giapponese in termini di mezzi espressivi. Kano, con il sostegno dello shogunato, divenne la scuola "ufficiale" o stile artistico di pittura e fiorì fino al XIX secolo.

La tradizione ingenua di yamato-e ha continuato a vivere nelle opere della scuola Tosa, la seconda importante direzione della pittura giapponese. In effetti, in questo momento, entrambe le scuole, Kano e Tosa, erano strettamente imparentate, erano unite dall'interesse per la vita moderna. Motonobu Kano (1476-1559), uno dei artisti eccezionali di questo periodo, non solo sposò sua figlia con il famoso artista Tosa, ma dipinse anche alla sua maniera.

Nei secoli 15-16. c'erano solo poche opere di scultura degne di nota. Va notato, tuttavia, che lo sviluppo del dramma noo, con la sua varietà di stati d'animo ed emozioni, ha aperto un nuovo campo di attività per gli scultori: hanno scolpito maschere per attori. Nel dramma classico giapponese eseguito da e per l'aristocrazia, gli attori (uno o più) indossavano maschere. Hanno trasmesso una gamma di sentimenti dalla paura, ansia e confusione alla gioia contenuta. Alcune delle maschere erano scolpite in modo così superbo che il minimo movimento della testa dell'attore provocava sottili cambiamenti di espressione. Notevoli esemplari di queste maschere sono stati conservati per anni dalle famiglie per i cui membri erano state realizzate.

Periodo Momoyama

(1568-1615). Nel 1593, il grande dittatore militare Hideyoshi costruì il suo castello su Momoyama, "Peach Hill", e con questo nome è consuetudine designare il periodo di 47 anni dalla caduta dello shogunato Ashikaga all'istituzione del Tokugawa, o periodo Edo , nel 1615. Era questo il tempo del predominio di una classe militare completamente nuova, la cui grande ricchezza contribuì al fiorire delle arti. Alla fine del XVI secolo entrarono in voga imponenti castelli con grandi sale delle udienze e lunghi corridoi. ed esigevano ornamenti adeguati alla loro grandezza. Era un'epoca di persone severe e coraggiose, ei nuovi mecenati, a differenza dell'antica aristocrazia, non erano particolarmente interessati alle attività intellettuali o alle sottigliezze dell'artigianato. Fortunatamente, la nuova generazione di artisti è stata all'altezza dei propri mecenati. Durante questo periodo, meravigliosi schermi e pannelli mobili apparvero nei luminosi colori cremisi, smeraldo, verde, viola e blu. Tali colori esuberanti e forme decorative, spesso su uno sfondo d'oro o d'argento, furono molto popolari per cento anni, ei loro creatori furono giustamente chiamati "grandi decoratori". Grazie al sottile gusto giapponese, lo stile pomposo non degenerò in volgarità, e anche quando la sobrietà e l'understatement lasciarono il posto al lusso e agli eccessi decorativi, i giapponesi riuscirono a mantenere l'eleganza.

Eitoku Kano (1543-1590), uno dei primi grandi artisti di questo periodo, lavorò nello stile di Kano e Tosa, ampliando il concetto di disegno del primo e unendoli alla ricchezza di colori del secondo. Sebbene siano sopravvissute solo poche opere di cui Eitoku può essere identificato con sicurezza come autore, è considerato uno dei fondatori dello stile Momoyama e la maggior parte degli artisti di questo periodo furono suoi studenti o furono da lui influenzati.

Periodo Edo o Tokugawa

(1615-1867). Il lungo periodo di pace che arrivò al Giappone appena unificato è chiamato il tempo di Tokugawa, dal nome del sovrano, o Edo (l'odierna Tokyo), poiché nel 1603 questa città divenne il nuovo centro del potere. Due famosi generali del breve periodo Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) e Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), attraverso l'azione militare e la diplomazia, riuscirono finalmente a riconciliare clan potenti e clero militante. Con la morte di Hideyoshi nel 1598, il potere passò a Ieyasu Tokugawa (1542-1616), che completò le misure avviate congiuntamente. La decisiva battaglia di Sekigahara nel 1600 rafforzò la posizione di Ieyasu, la caduta del castello di Oska nel 1615 fu accompagnata dal crollo definitivo della casa di Hideyoshi e dall'istituzione del dominio indiviso dello shogunato Tokugawa.

Il dominio pacifico dei Tokugawa durò 15 generazioni e terminò solo nel XIX secolo. Era fondamentalmente un periodo di politica delle "porte chiuse". Con un decreto del 1640, agli stranieri era proibito l'accesso in Giappone, ei giapponesi non potevano viaggiare all'estero. L'unico collegamento commerciale e culturale era con olandesi e cinesi attraverso il porto di Nagasaki. Come in altri periodi di isolamento, ci fu un'impennata dei sentimenti nazionali e l'emergere alla fine del XVII secolo. la cosiddetta scuola di pittura e incisione di genere.
La capitale in rapida crescita di Edo divenne il centro non solo della vita politica e commerciale dell'impero dell'isola, ma anche del centro delle arti e dei mestieri. Il requisito che i daimyo, i signori feudali provinciali, fossero nella capitale per una certa parte di ogni anno creava la necessità di nuovi edifici, compresi gli edifici del palazzo, e quindi di artisti per decorarli. Una classe emergente contemporaneamente di mercanti ricchi ma non aristocratici fornì agli artisti un mecenatismo nuovo e spesso non professionale.

L'arte del primo periodo Edo in parte continua e sviluppa lo stile Momoyama, intensificandone le tendenze al lusso e allo splendore. La ricchezza di immagini bizzarre e policromie ereditate dal periodo precedente continua a svilupparsi. Questo stile decorativo raggiunse il suo apice nell'ultimo quarto del XVII secolo. nel cosiddetto. l'era Genroku del periodo Tokugawa (1688-1703). Nell'arte decorativa giapponese, non ha paralleli in stravaganza e ricchezza di colori e motivi decorativi nella pittura, nei tessuti, nella lacca, nelle sciocchezze artistiche - attributi di uno stile di vita lussuoso.

Trattandosi di un periodo storico relativamente tardo, non stupisce che si siano conservati i nomi di molti artisti e delle loro opere; qui è possibile citare solo alcuni dei più importanti. Tra i rappresentanti della scuola decorativa che vissero e lavorarono durante i periodi Momoyama ed Edo ci sono Honnami Koetsu (1558-1637) e Nonomura Sotatsu († 1643). Il loro lavoro dimostra un notevole senso del disegno, della composizione e del colore. Koetsu, un talentuoso ceramista e artista della lacca, era noto per la bellezza della sua calligrafia. Insieme a Sotatsu, hanno creato poesie su pergamena che erano di moda all'epoca. In questa combinazione di letteratura, calligrafia e pittura, le immagini non erano semplici illustrazioni: creavano o suggerivano uno stato d'animo adeguato alla percezione del testo. Ogata Korin (1658-1716) fu uno degli eredi dello stile decorativo e, insieme al fratello minore Ogata Kenzan (1663-1743), ne perfezionò la tecnica. Kenzan, meglio conosciuto come ceramista che come artista, cuoceva vasi incisi con i disegni del suo famoso fratello maggiore. La rinascita di questa scuola all'inizio del XIX secolo. del poeta e pittore Sakai Hoitsu (1761-1828) fu l'ultimo impulso nello stile decorativo. Le bellissime volute e gli schermi di Horitsu combinavano il senso del disegno di Korin con l'interesse per la natura del naturalismo di Maruyama, risultando nella ricchezza di colori e motivi decorativi del periodo precedente, temperati dallo splendore e dalla finezza della pennellata.

Insieme allo stile decorativo policromo, il tradizionale disegno a inchiostro della scuola di Kano ha continuato ad essere popolare. Nel 1622 Kanō Tanyu (1602-1674) fu nominato pittore di corte dello shogun e chiamato a Edo. Con la sua nomina a questa posizione e l'istituzione della scuola Edo di pittura di Kano a Kobikito, iniziò un periodo di mezzo secolo di guida artistica di questa tradizione, che ripristinò la preminenza della famiglia Kano e rese le opere del periodo Edo le più significativo nella pittura di Kano. Nonostante la popolarità dei paraventi dipinti con oro e colori vivaci, creati da "grandi decoratori" e rivali, Tangyu, grazie alla forza del suo talento e alla sua posizione ufficiale, riuscì a rendere popolare tra la nobiltà la pittura della rinnovata scuola di Kano. Tanyu ha aggiunto potenza e semplicità alle caratteristiche tradizionali della scuola Kano, basate su una rigida linea spezzata e una disposizione ben ponderata degli elementi compositivi su un'ampia superficie libera.

Una nuova tendenza, in cui la caratteristica principale era l'interesse per la natura, iniziò a prevalere alla fine del XVIII secolo. Maruyama Okyo (1733-1795), capo della nuova scuola, fu contadino, poi sacerdote e infine artista. Le prime due classi non gli hanno portato felicità o successo, ma come artista ha raggiunto grandi vette ed è considerato il fondatore della scuola realistica di Maruyama. Studiò con il maestro della scuola di Kano, Ishida Yutei (morto nel 1785); sulla base di incisioni olandesi importate, comprendeva la tecnica occidentale della rappresentazione prospettica e talvolta copiava semplicemente queste incisioni. Ha anche studiato gli stili cinesi delle dinastie Song e Yuan, compreso lo stile sottile e realistico di Chen Xuan (1235-1290) e Shen Nanping; quest'ultimo visse a Nagasaki all'inizio del XVIII secolo. Okyo ha realizzato molte opere dalla natura e le sue osservazioni scientifiche hanno costituito la base per la percezione della natura, su cui si basava la scuola Maruyama.

Oltre all'interesse per il naturalismo nel XVIII secolo. rinnovata influenza della tradizione artistica cinese. I rappresentanti di questa tendenza gravitavano verso la scuola pittorica dei pittori-scienziati Ming (1368-1644) e Qing (1644-1912), sebbene la loro comprensione dell'attuale stato dell'arte in Cina fosse probabilmente limitata. L'arte di questa scuola giapponese era chiamata bujinga (l'arte delle persone istruite). Uno dei maestri più influenti dello stile bujinga fu Ikeno Taiga (1723-1776), artista famoso e calligrafo. Il suo stile maturo è caratterizzato da spesse linee di contorno piene di leggeri tratti piumati in toni chiari e inchiostro; dipinse anche con tratti ampi e liberi di inchiostro nero, raffiguranti tronchi di bambù piegati dal vento e dalla pioggia. Con linee corte e curve, ha ottenuto un effetto che ricorda le incisioni nell'immagine delle montagne nebbiose sopra un lago circondato dalla foresta.
XVII secolo ha generato un'altra notevole direzione artistica del periodo Edo. Questo è il cosiddetto ukiyo-e (immagini del mondo che cambia) - scene di genere create da e per la gente comune. I primi ukiyo-e ebbero origine nella vecchia capitale di Kyoto ed erano per lo più pittoreschi. Ma il centro della loro produzione si spostò presto a Edo, e l'attenzione dei maestri si concentrò sulle xilografie. La stretta associazione della xilografia con l'ukiyo-e ha portato all'idea sbagliata che la xilografia fosse la scoperta di questo periodo; infatti, ebbe origine nell'XI secolo. Tali prime immagini erano di natura votiva, raffiguranti i fondatori del buddismo e le divinità, e durante il periodo Kamakura, alcuni rotoli narrativi furono riprodotti da blocchi scolpiti. Tuttavia, l'arte dell'incisione divenne particolarmente popolare nel periodo che va dalla metà del XVII secolo fino al XIX secolo.

I soggetti delle incisioni ukiyo-e erano le bellissime cortigiane dei quartieri gay, attori preferiti e scene di drammi. Precoce, cosiddetto. le incisioni primitive erano realizzate in nero, con forti linee ondulate ritmiche, e si distinguevano per i disegni semplici. A volte erano dipinti a mano in un colore rosso-arancio chiamato tan-e (dipinti rosso vivo), con segni giallo senape e verde. Alcuni degli artisti "primitivi" usavano la pittura a mano chiamata urushu-e (pittura a lacca), in cui le aree scure venivano esaltate e rese più luminose dall'aggiunta di colla. Una prima stampa policroma, apparsa nel 1741 o 1742, era chiamata benizuri-e (stampa cremisi) e di solito usava tre colori: rosa rossa, verde e talvolta giallo. Le incisioni veramente multicolori, utilizzando l'intera tavolozza e chiamate nishiki-e (immagini di broccato), apparvero nel 1765.

Oltre a creare stampe individuali, molti degli incisori illustravano libri e guadagnavano denaro realizzando illustrazioni erotiche su libri e pergamene. Va tenuto presente che l'incisione ukiyo-e consisteva in tre tipi di attività: era il lavoro di un disegnatore, il cui nome portava la stampa, un intagliatore e uno stampatore.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694) è considerato il fondatore della tradizione di creare stampe ukiyo-e. Altri artisti "primitivi" di questa tendenza sono Kiyomasu (1694-1716) e il gruppo Kaigetsudo (una strana comunità di artisti la cui esistenza rimane poco chiara), nonché Okumura Masanobu (1686-1764).

Gli artisti di transizione che crearono stampe benizuri-e furono Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (attivo intorno al 1751-1760) e Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Le opere di Suzuki Harunobu (1725-1770) aprono l'era dell'incisione policroma. Piene di colori tenui, quasi neutri, popolate da graziose signore e amanti galanti, le stampe Harunobu hanno riscosso un grande successo. Più o meno nello stesso periodo, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) e Kitagawa Utamaro (1753-1806) lavorarono con lui. Ognuno di loro ha contribuito allo sviluppo di questo genere; i maestri hanno portato incisioni raffiguranti bellezze aggraziate e attori famosi alla perfezione. In pochi mesi nel 1794-1795, il misterioso Tosusai Saraku creò ritratti incredibilmente forti e francamente crudeli degli attori di quei giorni.

Nei primi decenni del XIX sec questo genere ha raggiunto la maturità e ha cominciato a declinare. Katsushika Hokusai (1760-1849) e Ando Hiroshige (1797-1858) sono i più grandi maestri dell'epoca, il cui lavoro collega il declino dell'arte dell'incisione nel XIX secolo. e la sua nuova rinascita all'inizio del XX secolo. Entrambi erano principalmente pittori di paesaggi, fissando gli eventi della vita moderna nelle loro incisioni. La brillante padronanza della tecnica di intagliatori e stampatori ha permesso di trasmettere nell'incisione linee stravaganti e le minime sfumature del sole al tramonto o della nebbia che sorge all'alba.

La Restaurazione Meiji e il Periodo Moderno.

Accade spesso che l'arte antica di uno o di un altro popolo sia povera di nomi, date e opere sopravvissute, quindi eventuali giudizi possono essere espressi solo con grande cautela e convenzione. Tuttavia, non è meno difficile giudicare l'arte contemporanea, poiché siamo privati ​​\u200b\u200bdi una prospettiva storica per valutare correttamente la scala di qualsiasi movimento o artista e il suo lavoro. Lo studio dell'arte giapponese non fa eccezione, e il massimo che si può fare è presentare un panorama dell'arte contemporanea e trarre alcune provvisorie conclusioni preliminari.

Nella seconda metà del XIX secolo I porti giapponesi furono riaperti al commercio, si verificarono importanti cambiamenti sulla scena politica. Nel 1868 lo shogunato fu abolito e il regno dell'imperatore Meiji fu restaurato. La capitale ufficiale e la residenza dell'imperatore furono trasferite a Edo e la città stessa divenne nota come Tokyo (capitale orientale).

Come è successo in passato, la fine dell'isolamento nazionale ha creato un grande interesse per le conquiste di altre nazioni. In questo momento, i giapponesi hanno fatto un enorme salto nella scienza e nella tecnologia. Artisticamente, l'inizio dell'era Meiji (1868-1912) dimostra l'accettazione di tutto ciò che è occidentale, compresa la tecnologia. Tuttavia, questo zelo non durò a lungo, e fu seguito da un periodo di assimilazione, l'emergere di nuove forme, combinando un ritorno alle proprie tradizioni e nuove tendenze occidentali.

Tra gli artisti, Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) e Tomioka Tessai (1836-1942) divennero famosi. I primi tre hanno aderito allo stile e ai soggetti tradizionali giapponesi, sebbene abbiano cercato di mostrare originalità nell'umore e nella tecnica. Seihō, ad esempio, ha lavorato nell'atmosfera calma e conservatrice di Kyoto. Il suo primi lavori creato alla maniera naturalistica di Maruyama, ma in seguito viaggiò molto in Cina e fu profondamente influenzato dalla pittura a inchiostro cinese. I suoi viaggi nei musei e nei principali centri d'arte Anche l'Europa ha lasciato un segno nel suo lavoro. Di tutti gli artisti di spicco di questo periodo, solo Tomioka Tessai si avvicinò allo sviluppo di un nuovo stile. Nelle sue opere energiche e piene di forza, linee ruvide, contorte, frastagliate e macchie di inchiostro nero si combinano con macchie di colore finemente scritte. Negli anni successivi, alcuni giovani pittori ad olio riuscirono dove i loro nonni avevano fallito. I primi tentativi di lavorare con questo materiale insolito ricordavano le tele parigine e non si distinguevano né per il valore speciale né per le caratteristiche specificamente giapponesi. Tuttavia, ora vengono create opere di eccezionale fascino, in cui un caratteristico senso giapponese del colore e dell'equilibrio traspare attraverso temi astratti. Altri artisti, lavorando con inchiostri più naturali e tradizionali e talvolta utilizzando la calligrafia come punto di partenza, creano energici pezzi astratti in neri brillanti con sfumature di grigio.

Come nel periodo Edo, nel XIX e XX secolo. la scultura non era popolare. Ma in quest'area, rappresentanti generazione moderna, formatosi in America e in Europa, sperimentato con grande successo. Le piccole sculture in bronzo, astratte nella forma e dal nome strano, mostrano il senso giapponese della linea e del colore, che si manifesta nell'uso di una morbida patina verde o marrone caldo; l'intaglio del legno testimonia l'amore dei giapponesi per la trama del materiale.

Sosaku hanga, la "stampa creativa" giapponese, apparve solo nel primo decennio del XX secolo, ma come direzione artistica speciale eclissò tutte le altre aree dell'arte moderna. Questa stampa moderna non è, in senso stretto, un successore della più antica xilografia ukiyo-e; differiscono per stile, trame e metodi di creazione. Gli artisti, molti dei quali sono stati fortemente influenzati dalla pittura occidentale, si sono resi conto dell'importanza della propria patrimonio artistico e trovarono nel legno il materiale adatto per esprimere i loro ideali creativi. I maestri Hanga non solo dipingono, ma scolpiscono anche immagini su blocchi di legno e le stampano da soli. Sebbene la lavorazione del legno sia al suo massimo in questa forma d'arte, vengono utilizzate tutte le moderne tecniche di incisione occidentali. Sperimentare con foglie, spago e "oggetti trovati" in alcuni casi consente di creare effetti di texture superficiali unici. All'inizio, i maestri di questa tendenza furono costretti a cercare riconoscimento: dopotutto, anche i migliori risultati della scuola ukiyo-e erano associati da artisti intellettuali a una folla analfabeta e considerati arte plebea. Artisti come Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi e Maekawa Senpan hanno fatto molto per ripristinare il rispetto per l'incisione e affermarla come un degno ramo delle belle arti. Hanno attirato molti giovani artisti nel loro gruppo e gli incisori ora sono centinaia. Tra i maestri di questa generazione che hanno ottenuto riconoscimenti in Giappone e in Occidente ci sono Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen e Saito Kiyoshi. Questi sono maestri la cui innovazione e innegabile talento hanno permesso loro di occupare una posizione degna tra i principali artisti del Giappone. Anche molti dei loro coetanei e altri giovani artisti di hanga hanno prodotto notevoli incisioni; il fatto che qui non menzioniamo i loro nomi non significa una bassa valutazione del loro lavoro.

ARTI E ARTI APPLICATE, ARCHITETTURA E GIARDINI

Le sezioni precedenti si sono occupate principalmente di pittura e scultura, che nella maggior parte dei paesi sono considerate le principali forme d'arte. arti visive. Forse non è giusto includere alla fine dell'articolo le arti decorative e l'artigianato popolare, l'arte dei giardini e l'architettura, forme che erano una parte importante e integrante dell'arte giapponese. Tuttavia, forse, ad eccezione dell'architettura, richiedono una considerazione speciale a parte periodizzazione generale Arte giapponese e con cambiamenti di stile.

Ceramica e porcellana.

Le arti e i mestieri più importanti in Giappone sono la ceramica e la porcellana. L'arte della ceramica rientra naturalmente in due categorie. La pregiata porcellana policroma Imari, Nabeshima e Kakiemon prendeva il nome dai luoghi di produzione e la sua ricca pittura su una superficie color crema o bianco-azzurra era destinata alla nobiltà e agli ambienti di corte. Il processo di produzione della vera porcellana divenne noto in Giappone alla fine del XVI o all'inizio del XVII secolo; piatti e ciotole con smalto liscio, con motivo asimmetrico o simile al broccato, sono apprezzati sia in patria che in Occidente.

In contrasto con la porcellana in ceramica grezza fatta di argilla o massa di pietra di bassa qualità, tipica di Shino, Oribe e Bizen, l'attenzione è focalizzata sulla disposizione materiale, apparentemente trascurata, ma premurosa degli elementi decorativi. Influenzati dai concetti del buddismo zen, tali vasi erano molto popolari nei circoli intellettuali ed erano ampiamente usati, specialmente nelle cerimonie del tè. In molte tazze, teiere e barattoli, attributi dell'arte della cerimonia del tè, era incarnata l'essenza stessa del buddismo zen: dura autodisciplina e rigorosa semplicità. Durante il periodo di massimo splendore dell'arte decorativa giapponese, gli artisti di talento Korin e Kenzan erano impegnati nella decorazione di prodotti ceramici. Va ricordato che la fama di Kenzan è associata più al suo talento di ceramista, che non di pittore. Alcuni dei tipi e delle tecniche più semplici per realizzare vasi provengono dalle tradizioni artigianali popolari. I laboratori moderni, continuando le antiche tradizioni, producono bellissimi prodotti che deliziano con la loro elegante semplicità.

Prodotti laccati.

Già nei secoli 7-8. la vernice era conosciuta in Giappone. Di questo periodo si sono conservati i coperchi degli scrigni, decorati con immagini di persone e motivi geometrici, applicati con sottili linee dorate. Abbiamo già parlato dell'importanza della tecnica della laccatura a secco per la scultura nei secoli VIII e IX; contemporaneamente e in seguito furono realizzati oggetti decorativi come cassette delle lettere o portaprofumi. Durante il periodo Edo, questi prodotti venivano realizzati in grandi quantità e con le decorazioni più magnifiche. Scatole lussuosamente decorate per la colazione, per i dolci, per l'incenso e le medicine, chiamate inro, riflettevano la ricchezza e l'amore per il lusso insiti in questo periodo. La superficie degli oggetti era decorata con motivi di polvere d'oro e d'argento, pezzi di lamina d'oro, da soli o in combinazione con intarsi di conchiglie, madreperla, una lega di stagno e piombo, ecc.; questi motivi contrastavano con la superficie laccata rossa, nera o marrone. A volte artisti come Korin e Koetsu hanno realizzato progetti di lacca, ma è improbabile che abbiano partecipato personalmente a questi lavori.

Spade.

I giapponesi, come si è già detto, sono stati un popolo di guerrieri per un considerevole periodo della loro storia; armi e armature erano considerate oggetti essenziali per gran parte della popolazione. La spada era l'orgoglio di un uomo; sia la lama stessa che tutte le altre parti della spada, in particolare l'impugnatura (tsuba), erano decorate con varie tecniche. Gli tsuba in ferro o bronzo erano decorati con intarsi in oro e argento, scolpiti o rifiniti con entrambi. Raffiguravano paesaggi o figure di persone, fiori o stemmi di famiglia (mon). Tutto ciò ha completato il lavoro dei fabbricanti di spade.

Tessuti.

Sete riccamente modellate e altri tessuti, favoriti dalla corte e dal clero in tempi di opulenza e abbondanza, così come tessuti semplici con un disegno quasi primitivo caratteristico dell'arte popolare, sono anch'essi espressioni del talento nazionale giapponese. Avendo raggiunto il suo apice durante la ricca era del Genroku, l'arte dei tessuti è rifiorita nel Giappone moderno. Combina idee e fibre artificiali dall'Occidente con colori tradizionali e motivi decorativi.

Giardini.

Negli ultimi decenni, l'interesse per i giardini e l'architettura giapponesi è aumentato a causa della maggiore esposizione del pubblico occidentale a queste forme d'arte. I giardini in Giappone hanno un posto speciale; sono l'espressione e il simbolo di alte verità religiose e filosofiche, e queste oscure sfumature simboliche, unite all'apparente bellezza dei giardini, suscitano l'interesse del mondo occidentale. Non si può dire che lo fossero idee religiose o filosofiche motivo principale creando giardini, ma durante la progettazione e la creazione di un giardino, il progettista ha considerato tali elementi, la cui contemplazione avrebbe portato lo spettatore a riflettere su varie verità filosofiche. Qui, l'aspetto contemplativo del buddismo zen è incarnato in un gruppo di pietre insolite, onde di sabbia rastrellata e ghiaia, combinate con erba, o piante disposte in modo che il ruscello dietro di loro scompaia e riappaia, che incoraggiano lo spettatore a completare autonomamente le idee stabilite durante la costruzione del giardino. La preferenza per accenni vaghi rispetto a spiegazioni intelligibili è caratteristica della filosofia Zen. Alberi nani bonsai e minuscoli giardini in vaso, ora popolari in Occidente, sono diventati una continuazione di queste idee.

Architettura.

Principale monumenti architettonici Il Giappone è templi, complessi monastici, castelli e palazzi feudali. Dall'antichità fino ai giorni nostri, il legno è stato il principale materiale da costruzione e determina in larga misura le caratteristiche del design. Gli edifici religiosi più antichi sono i santuari della religione nazionale giapponese dello shintoismo; a giudicare dai testi e dai disegni, si trattava di edifici relativamente semplici con il tetto di paglia, come le antiche abitazioni. Gli edifici del tempio eretti dopo la diffusione del buddismo e ad esso associati erano basati su prototipi cinesi nello stile e nella disposizione. L'architettura del tempio buddista è cambiata nel tempo e l'arredamento e la disposizione degli edifici sono variati nelle diverse sette. Gli edifici giapponesi sono caratterizzati da ampi saloni con tetti alti e un complesso sistema di console, e il loro arredamento riflette il gusto del loro tempo. L'architettura semplice e maestosa del complesso Horyu-ji, costruito nei pressi di Nara all'inizio del VII secolo, è tanto caratteristica del periodo Asuka quanto la bellezza e l'eleganza delle proporzioni dell'Hodoo, la "Sala della Fenice" di Uji riflessa nel Lago del Loto , è del periodo Heian. Le strutture più elaborate del periodo Edo ricevettero ulteriori abbellimenti sotto forma di porte scorrevoli riccamente dipinte e paraventi realizzati dagli stessi "grandi decoratori" che decoravano gli interni dei castelli con fossato e dei palazzi feudali.

L'architettura e i giardini del Giappone sono così strettamente correlati che possono essere considerati parti l'uno dell'altro. Ciò è particolarmente vero per gli edifici e le casette da giardino per la cerimonia del tè. La loro apertura, semplicità e connessione accuratamente realizzata con il paesaggio e la prospettiva hanno una grande influenza su architettura moderna Ovest.

IMPATTO DELL'ARTE GIAPPONESE IN OCCIDENTE

Nel giro di un solo secolo, l'arte del Giappone divenne nota in Occidente e ebbe un impatto significativo su di essa. C'erano anche contatti precedenti (ad esempio, gli olandesi commerciavano con il Giappone attraverso il porto di Nagasaki), ma gli oggetti che raggiunsero l'Europa nel XVII secolo erano principalmente opere d'arte applicata: porcellane e lacche. Furono raccolti con entusiasmo come curiosità e copiati in vari modi, ma queste esportazioni decorative non riflettevano l'essenza e la qualità dell'arte giapponese e davano persino ai giapponesi un'idea poco lusinghiera del gusto occidentale.

Per la prima volta, la pittura occidentale subì l'influenza diretta dell'arte giapponese in Europa nel 1862 durante la grande Esposizione Internazionale di Londra. Presentate all'Esposizione di Parigi cinque anni dopo, le xilografie giapponesi suscitarono un rinnovato interesse. Sorsero subito diverse raccolte private di incisioni. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh e altri hanno preso le stampe a colori giapponesi come una rivelazione; si nota spesso una leggera ma sempre riconoscibile influenza dell'incisione giapponese sugli impressionisti. Gli americani Whistler e Mary Cassatt sono stati attratti dalla sobrietà della linea e dai colori vivaci delle stampe e dei dipinti ukiyo-e.

L'apertura del Giappone agli stranieri nel 1868 ha creato un fascino per tutto ciò che è occidentale e ha fatto allontanare i giapponesi dalla loro ricca cultura e patrimonio artistico. A quel tempo, molti bellissimi dipinti e sculture furono venduti e finirono nei musei occidentali e nelle collezioni private. Le mostre di questi oggetti introdussero l'Occidente in Giappone e stimolarono l'interesse per i viaggi in Estremo Oriente. Indubbiamente, l'occupazione del Giappone da parte delle truppe americane alla fine della seconda guerra mondiale ha aperto più opportunità di prima per la conoscenza e lo studio più approfondito dei templi giapponesi e dei loro tesori. Questo interesse si è riflesso nella frequentazione dei musei americani. L'interesse per l'Oriente in generale è stato causato dall'organizzazione di mostre d'arte giapponese selezionate da collezioni pubbliche e private giapponesi e portate in America e in Europa.

Ricerca scientifica ultimi decenni ha fatto molto per confutare l'opinione che l'arte giapponese sia solo un riflesso dell'arte cinese, e numerose pubblicazioni giapponesi sull'argomento lingua inglese ha introdotto l'Occidente agli ideali dell'Oriente.

La scena artistica giapponese moderna sembra essere completamente globalizzata. Gli artisti viaggiano tra Tokyo e New York, quasi tutti hanno ricevuto un'istruzione europea o americana, parlano del loro lavoro nell'arte internazionale inglese. Tuttavia, questo quadro è lungi dall'essere completo.

Le forme e le tendenze nazionali risultano essere uno dei beni più ricercati che il Giappone possa offrire al mercato mondiale delle idee e delle opere artistiche.

funzionamento aereo. Come superflat combina la cultura geek americana e la pittura tradizionale giapponese

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Se nel mondo occidentale per quasi tutti (tranne forse i più accaniti teorici postmoderni) il confine tra cultura alta e cultura di massa rimane ancora rilevante, seppur problematico, allora in Giappone questi mondi sono totalmente mescolati.

Ne è un esempio Takashi Murakami, che combina con successo mostre nelle migliori gallerie del mondo e produzione in streaming.

Registrazione del tour della mostra di Murakami "Ci sarà una pioggia gentile"

Tuttavia, il rapporto di Murakami con la cultura popolare - e per il Giappone questa è principalmente la cultura dei fan di manga e anime (otaku) - è più complicato. Il filosofo Hiroki Azuma critica la comprensione dell'otaku come un autentico fenomeno giapponese. Gli Otaku si considerano direttamente collegati alle tradizioni del periodo Edo dei secoli XVII-XIX - l'era dell'isolazionismo e il rifiuto della modernizzazione. Azuma sostiene che il movimento otaku - basato su manga, animazione, graphic novel, giochi per computer - potrebbe essere sorto solo nel contesto dell'occupazione americana del dopoguerra come risultato dell'importazione della cultura americana. L'arte di Murakami e dei suoi seguaci reinventa l'otaku con tecniche pop art e sfata il mito nazionalista dell'autenticità della tradizione. Rappresenta una "riamericanizzazione della cultura americana giapponese".

Da un punto di vista artistico, il superflat è il più vicino alla prima pittura giapponese ukiyo-e. L'opera più famosa di questa tradizione è la stampa The Great Wave Off Kanagawa di Katsushika Hokusai (1823–1831).

Per il modernismo occidentale, la scoperta della pittura giapponese è stata una svolta. Ha permesso di vedere l'immagine come un piano e cerca di non superare questa sua particolarità, ma di lavorarci.

Katsushiki Hokusai. "La grande onda al largo di Kanagawa"

Pionieri della performance. Cosa significa oggi l'arte giapponese degli anni '50

Documentazione del processo creativo di Akira Kanayama e Kazuo Shiraga

Superflat ha preso forma solo negli anni 2000. Ma le azioni artistiche significative per l'arte mondiale sono iniziate in Giappone molto prima, e anche prima che in Occidente.

La svolta performativa nell'arte è avvenuta a cavallo tra gli anni '60 e '70 del secolo scorso. In Giappone, la performance è apparsa negli anni Cinquanta.

Per la prima volta il Gruppo Gutai ha spostato il proprio focus dalla creazione di oggetti autosufficienti al processo della loro produzione. Da qui - un passo all'abbandono dell'oggetto d'arte in favore di un evento effimero.

Sebbene i singoli artisti di Gutai (e ce ne fossero stati 59 in vent'anni) esistessero attivamente nel contesto internazionale, capire come la loro attività collettiva dell'arte giapponese del dopoguerra in generale sia iniziata in Occidente abbastanza di recente. Il boom è arrivato nel 2013 con diverse mostre in piccole gallerie a New York e Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde al MoMA e la massiccia retrospettiva storica Gutai: Splendid Playground al Guggenheim Museum. L'importazione di arte giapponese da Mosca sembra essere una continuazione quasi tardiva di questa tendenza.

Sadamasa Motonaga. Opera (Acqua) al Museo Guggenheim

È sorprendente quanto siano moderne queste mostre retrospettive. Ad esempio, l'oggetto centrale dell'esposizione al Guggenheim Museum è la ricostruzione di Work (Water) di Sadamasa Motonaga, in cui i livelli della rotonda del museo sono collegati da tubi in polietilene con acqua colorata. Ricordano pennellate che sono state strappate dalla tela e servono come esempio dell'attenzione centrale di Gutai sulla "concretezza" (come il nome della band si traduce dal giapponese), la materialità degli oggetti con cui l'artista lavora.

Molti membri di Gutai hanno ricevuto un'educazione legata alla pittura classica nihonga, molti sono legati biograficamente al contesto religioso del buddismo zen, alla sua caratteristica calligrafia giapponese. Tutti loro hanno trovato un approccio nuovo, procedurale o partecipativo, alle antiche tradizioni. Kazuo Shiraga ha filmato come disegna i suoi monocromi anti-Rauschenberg con i suoi piedi e ha persino creato dipinti in pubblico.

Minoru Yoshida ha trasformato i fiori delle stampe giapponesi in oggetti psichedelici: un esempio di questo è il fiore bisessuale, una delle prime sculture cinetiche (in movimento) al mondo.

I curatori della mostra al Guggenheim Museum parlano del significato politico di queste opere:

"Il Gutai ha dimostrato l'importanza della libera azione individuale, della demolizione delle aspettative del pubblico e persino della stupidità come modi per contrastare la passività sociale e il conformismo che, nel corso di decenni, hanno permesso a un governo militarista di ottenere una massa critica di influenza, invadere la Cina e poi partecipare alla seconda guerra mondiale".

Buono e saggio. Perché gli artisti hanno lasciato il Giappone per l'America negli anni '60

Gutai era l'eccezione alla regola nel Giappone del dopoguerra. I gruppi d'avanguardia rimasero marginali, il mondo dell'arte era strettamente gerarchico. La via principale per il riconoscimento era la partecipazione a concorsi indetti da associazioni riconosciute di artisti classici. Pertanto, molti hanno preferito andare in Occidente e integrarsi nel sistema artistico in lingua inglese.

Era particolarmente difficile per le donne. Anche nel progressivo Gutai, la quota della loro presenza non ha raggiunto nemmeno un quinto. Cosa possiamo dire delle istituzioni tradizionali, per l'accesso alle quali era necessario educazione speciale. Negli anni Sessanta le ragazze ne avevano già acquisito il diritto, tuttavia, imparando l'arte (se non si trattava di decorazione, che faceva parte del set di abilità ryosai kenbo- una brava moglie e una madre saggia) era un'occupazione socialmente disapprovata.

Yoko Ono. pezzo tagliato

La storia dell'emigrazione di cinque potenti artiste giapponesi da Tokyo negli Stati Uniti è stata oggetto dello studio di Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota all'inizio della loro carriera hanno deciso di partire per New York e hanno lavorato lì, anche sulla modernizzazione delle tradizioni dell'arte giapponese. Solo Yoko Ono è cresciuta negli Stati Uniti, ma ha anche deliberatamente rifiutato di tornare in Giappone, essendo rimasta delusa dalla gerarchia artistica di Tokyo durante il suo breve soggiorno nel 1962-1964.

Ono divenne la più famosa delle cinque, non solo come moglie di John Lennon, ma anche come autrice di performance proto-femministe dedicate all'oggettivazione del corpo femminile. Ci sono evidenti parallelismi tra Cut Piece It, in cui il pubblico potrebbe tagliare pezzi dei vestiti dell'artista, e "Rhythm 0" della "nonna della performance" Marina Abramović.

Su gambe corte. Come superare la formazione di recitazione dell'autore Tadashi Suzuki

Nel caso di Ono e Gutai, i metodi ei temi del loro lavoro, separati dagli autori, sono diventati significativi a livello internazionale. Esistono altre forme di esportazione - quando le opere dell'artista sono percepite con interesse nell'arena internazionale, ma il prestito del metodo effettivo non avviene a causa della sua specificità. Il caso più eclatante è il sistema di addestramento alla recitazione di Tadashi Suzuki.

Il Teatro Suzuki è amato anche in Russia, e questo non sorprende. Ultima voltaè stato con noi nel 2016 con la rappresentazione de “Le Troiane” su testi di Euripide, e negli anni 2000 è venuto più volte con produzioni di Shakespeare e Cechov. Suzuki ha trasferito l'azione delle commedie all'attuale contesto giapponese e ha offerto interpretazioni non ovvie dei testi: ha scoperto l'antisemitismo in Ivanov e lo ha confrontato con l'atteggiamento sdegnoso dei giapponesi nei confronti dei cinesi, ha trasferito l'azione di Re Lear a un manicomio giapponese.

Suzuki ha costruito il suo sistema in opposizione alla scuola di teatro russa. IN fine XIX secolo, durante il cosiddetto periodo Meiji, il Giappone imperiale in via di modernizzazione conobbe l'ascesa di movimenti di opposizione. Il risultato fu un'occidentalizzazione su larga scala di una cultura precedentemente estremamente chiusa. Tra le forme importate c'era il sistema Stanislavsky, che rimane ancora in Giappone (e in Russia) uno dei principali metodi di regia.

Esercizi Suzuki

Negli anni Sessanta, quando Suzuki iniziò la sua carriera, si stava diffondendo sempre di più la tesi che a causa delle loro caratteristiche corporee, gli attori giapponesi non potessero abituarsi ai ruoli dei testi occidentali che riempivano il repertorio di allora. Il giovane regista ha saputo offrire l'alternativa più convincente.

Il sistema di esercizi di Suzuki, chiamato leg grammar, include dozzine di modi per sedersi e ancora di più per stare in piedi e camminare.

I suoi attori di solito recitano a piedi nudi e sembrano, abbassando il baricentro, il più possibile legati al suolo, pesanti. Suzuki insegna loro e agli artisti stranieri la sua tecnica nel villaggio di Toga, in antiche case giapponesi piene di attrezzature moderne. La sua compagnia dà solo circa 70 spettacoli all'anno, e il resto del tempo vive, quasi senza lasciare il villaggio e non avendo tempo per gli affari personali - solo lavoro.

Il Toga Center è apparso negli anni '70 ed è stato progettato su richiesta del direttore dall'architetto di fama mondiale Arata Isozaka. Il sistema di Suzuki potrebbe sembrare patriarcale e conservatore, ma lui stesso parla di Toga in termini moderni di decentramento. Anche a metà degli anni 2000, Suzuki ha compreso l'importanza di esportare l'arte dalla capitale alle regioni e organizzare punti di produzione locali. Secondo il regista, la mappa teatrale del Giappone ricorda per molti aspetti quella russa: l'arte è concentrata a Tokyo e in diversi centri minori. Il teatro russo beneficerebbe anche di una compagnia che va regolarmente in tournée nelle piccole città e che ha sede lontano dalla capitale.

Centro aziendale SCOT a Toga

Sentieri fioriti. Quale risorsa ha scoperto il teatro moderno nei sistemi noh e kabuki?

Il metodo Suzuki nasce da due antiche tradizioni giapponesi, ma anche dal kabuki. Non è solo che questi tipi di teatro sono spesso caratterizzati come l'arte di camminare, ma anche in dettagli più evidenti. Suzuki segue spesso la regola sull'esecuzione di tutti i ruoli da parte degli uomini, utilizza soluzioni spaziali caratteristiche, ad esempio hanamichi ("il percorso dei fiori") del campione kabuki - una piattaforma che si estende dal palco alle profondità dell'auditorium. Sfrutta anche simboli abbastanza riconoscibili come fiori e pergamene.

Certo, dentro mondo globale non si tratta del privilegio dei giapponesi di usare le loro forme nazionali.

Il teatro di uno dei registi più significativi del nostro tempo, l'americano Robert Wilson, è stato costruito su prestiti di ma.

Non solo utilizza maschere e trucchi che ricordano al pubblico di massa il Giappone, ma prende in prestito anche modi di agire basati sul massimo rallentamento del movimento e sull'espressività autosufficiente del gesto. Combinando forme tradizionali e rituali con partiture leggere ultramoderne e musica minimalista (una delle opere più famose di Wilson è una produzione dell'opera Einstein on the Beach di Philip Glass), Wilson produce essenzialmente la sintesi di origini e rilevanza che gran parte dell'arte moderna cerca per.

Roberto Wilson. "Einstein sulla spiaggia"

Dal noh e dal kabuki è cresciuto uno dei pilastri della danza moderna - butoh, tradotto letteralmente - la danza dell'oscurità. Inventato nel 1959 dai coreografi Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, che si ispiravano anche a un baricentro basso e alla concentrazione sui piedi, il butoh intendeva portare nella dimensione corporea i riflessi delle traumatiche esperienze di guerra.

“Hanno mostrato il corpo malato, che crolla, persino mostruoso, mostruoso.<…>I movimenti sono lenti o volutamente acuti, esplosivi. Per questo viene utilizzata una tecnica speciale, quando il movimento viene eseguito come se non coinvolgesse i muscoli principali, a causa delle leve ossee dello scheletro", la storica della danza Irina Sirotkina iscrive il butoh nella storia della liberazione del corpo, collega esso con l'allontanamento dalla normatività del balletto. Confronta il butoh con le pratiche di ballerini e coreografi dell'inizio del XX secolo: Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, parla dell'influenza sulla successiva danza "postmoderna".

Un frammento della danza di Katsura Kana, il moderno successore della tradizione butoh

Oggi il butoh nella sua forma originaria non è più una pratica d'avanguardia, ma una ricostruzione storica.

Tuttavia, il dizionario dei movimenti sviluppato da Ohno, Hijikata e dai loro seguaci rimane una risorsa preziosa per coreografi contemporanei. In Occidente è utilizzato da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e persino nel video di “Belong To The World” di The Weekend. In Giappone, il successore della tradizione butoh è, ad esempio, Saburo Teshigawara, che verrà in Russia ad ottobre. Sebbene lui stesso neghi i parallelismi con la danza dell'oscurità, i critici trovano segni abbastanza riconoscibili: un corpo apparentemente disossato, fragilità, passo silenzioso. È vero, sono già inseriti nel contesto della coreografia postmoderna - con il suo ritmo elevato, le corse, il lavoro con la musica noise postindustriale.

Saburo Teshigawara. metamorfosi

Localmente globale. In che modo l'arte giapponese contemporanea è simile all'arte occidentale?

Le opere di Teshigawara e di molti dei suoi colleghi si inseriscono organicamente nei programmi dei migliori festival di danza contemporanea occidentali. Se scorri le descrizioni degli spettacoli e degli spettacoli che sono stati mostrati al Festival / Tokyo, il più grande spettacolo annuale del teatro giapponese, sarà difficile notare differenze fondamentali rispetto alle tendenze europee.

Uno dei temi centrali è la site-specificity: gli artisti giapponesi esplorano gli spazi di Tokyo, spaziando da ammassi di capitalismo sotto forma di grattacieli ad aree marginali di concentrazione di otaku.

Altro tema è lo studio dell'incomprensione intergenerazionale, il teatro come luogo di incontro vivo e di comunicazione organizzata di persone di età diverse. I progetti a lei dedicati di Toshika Okada e Akira Tanayama sono stati portati a Vienna per diversi anni consecutivi in ​​uno dei principali festival europei di arti dello spettacolo. Non c'era nulla di nuovo nel trasferimento sul palco di materiali documentari e storie personali alla fine degli anni 2000, ma il curatore del Festival di Vienna ha presentato al pubblico questi progetti come un'opportunità di contatto dal vivo, punto a punto, con un altro cultura.

Un'altra linea principale sta lavorando attraverso l'esperienza traumatica. Per i giapponesi, non è associato al Gulag o all'Olocausto, ma al bombardamento di Hiroshima e Nagasaki. Il teatro fa costantemente riferimento a lui, ma l'affermazione più potente sulle esplosioni atomiche come momento della genesi di tutta la cultura giapponese moderna appartiene ancora a Takashi Murakami.

alla mostra “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" è il titolo del suo progetto curato mostrato a New York nel 2005. "Little Boy" - "baby" in russo - il nome di una delle bombe sganciate sul Giappone nel 1945. Collezionando centinaia di fumetti manga dei principali illustratori, distintivi giocattoli vintage, merchandising ispirato a famosi anime da Godzilla a Hello Kitty, Murakami ha spinto al limite la concentrazione di carineria - kawaii - nello spazio museale. Allo stesso tempo, ha lanciato una selezione di animazioni, in cui le immagini di esplosioni, terra nuda e città distrutte sono diventate le immagini centrali.

Questa opposizione è stata la prima grande affermazione sull'infantilizzazione della cultura giapponese come un modo per far fronte al disturbo da stress post-traumatico.

Ora questa conclusione sembra già ovvia. Su di esso si basa uno studio accademico sul kawaii di Inuhiko Yomota.

Ci sono anche trigger traumatici successivi. Tra i più importanti: gli eventi dell'11 marzo 2011, il terremoto e lo tsunami che hanno provocato un grave incidente nella centrale nucleare di Fukushima. Al Festival/Tokyo-2018, un intero programma di sei spettacoli è stato dedicato alla comprensione delle conseguenze di un disastro naturale e tecnologico; sono diventati anche il tema di uno dei lavori presentati a Solyanka. Questo esempio mostra chiaramente che l'arsenale di metodi critici utilizzati dall'arte occidentale e giapponese non è fondamentalmente diverso. Haruyuki Ishii crea un'installazione di tre televisori che riproducono in loop filmati ad alta velocità di programmi televisivi sul terremoto.

“L'opera è composta da 111 video che l'artista guardava ogni giorno nei telegiornali fino al momento in cui tutto ciò che vedeva non veniva più percepito come finzione”, spiegano i curatori. Il New Japan è un esempio lampante di come l'arte non resista all'interpretazione basata sui miti nazionali, ma allo stesso tempo un occhio critico rivela che la stessa interpretazione potrebbe essere rilevante per l'arte di qualsiasi origine. I curatori parlano della contemplazione come fondamento della tradizione giapponese, attingendo a citazioni da Lao Tzu. Allo stesso tempo, come se tralasciasse la parentesi che quasi tutta l'arte contemporanea è incentrata sull'“effetto osservatore” (così si chiama la mostra) - sia nella forma di creare nuovi contesti per la percezione di fenomeni familiari sia nel sollevare la questione della possibilità di una percezione adeguata in quanto tale.

Comunità immaginate - un'altra opera del video artista Haruyuki Ishii

Gioco

Tuttavia, non si deve pensare che il Giappone degli anni 2010 sia un concentrato di progressività.

Le abitudini del buon vecchio tradizionalismo e l'amore per l'esotismo orientalista non sono ancora sopravvissute. "The Theatre of Virgins" è il titolo di un articolo piuttosto ammirato sul teatro giapponese "Takarazuka" nella rivista conservatrice russa "PTJ". Takarazuka apparve alla fine del XIX secolo come progetto commerciale per attirare turisti in una remota città con lo stesso nome, che divenne accidentalmente il capolinea di una ferrovia privata. Nel teatro recitano solo ragazze non sposate che, secondo il proprietario della ferrovia, avrebbero dovuto attirare gli spettatori maschi in città. Oggi, Takarazuka funziona come un'industria, con il proprio canale televisivo, un fitto programma di concerti, persino un parco divertimenti locale. Ma solo le ragazze non sposate hanno ancora il diritto di far parte della troupe - speriamo almeno che non controllino la verginità.

Tuttavia, Takarazuka impallidisce rispetto al club Toji Deluxe di Kyoto, che i giapponesi chiamano anche teatro. Si mostrano assolutamente selvaggi, a giudicare da descrizione L'editorialista del New Yorker Ian Buruma, spettacolo di spogliarello: diverse ragazze nude sul palco trasformano la dimostrazione dei genitali in un rito pubblico.

Come molti pratiche artistiche, questo spettacolo si basa su antiche leggende (con l'aiuto di una candela e una lente d'ingrandimento, gli uomini del pubblico potevano a turno esplorare i "segreti della dea madre Amaterasu"), e lo stesso autore ha ricordato la tradizione noh .

Lasceremo al lettore la ricerca di analoghi occidentali per Takarazuki e Toji: non è difficile trovarli. Notiamo solo che una parte significativa dell'arte moderna è diretta proprio alla lotta contro tali pratiche di oppressione - sia occidentali che giapponesi, che vanno dal superflat alla danza butoh.

Il Giappone è uno stato molto interessante, noto per un'ampia varietà di tradizioni e costumi. La posizione geografica del Paese del Sol Levante lo rendeva alquanto isolato dagli altri stati, grazie ai quali si sviluppò senza riguardo ai paesi europei. La cultura del Giappone è estremamente ricca e diversificata. Tradizioni giapponesi peculiari si sono formate sotto l'influenza di storicamente eventi importanti. A poco a poco, il Giappone si è trasformato in uno stato potente e coeso con tratti caratteristici e una certa mentalità della popolazione.

Principali aspetti della cultura giapponese

La cultura del paese si manifesta in molte sfere della società. In Giappone, i suoi aspetti sono;

Il processo di bere il tè per i giapponesi non è una semplice soddisfazione dei bisogni fisiologici del corpo, ma un vero e proprio culto. La cerimonia del tè in Giappone è accompagnata da attributi speciali e contiene molte tradizioni. Un atteggiamento così riverente, sembrerebbe, nei confronti del processo quotidiano ha preso il suo sviluppo dalla meditazione dei monaci buddisti. Sono stati loro a dare così tanto significato al processo del bere il tè.

Per gli europei, il concetto di "kimono" caratterizza gli abiti nazionali del Giappone. Tuttavia, nella stessa Terra del Sol Levante, ci sono due significati di questa parola: in senso stretto e ampio. La parola "kimono" in Giappone si riferisce non solo al costume nazionale, ma anche a tutti gli indumenti in generale. Sotto il kimono, di regola, vengono indossate una veste speciale e sette cinture. Un kimono indossato in estate è chiamato yukata. A seconda dell'età della donna, anche il modello di abbigliamento può variare.

In Giappone, due movimenti religiosi vengono predicati con successo contemporaneamente: lo shintoismo e il buddismo. Lo shintoismo è apparso nell'antico Giappone, si basa sull'adorazione di varie creature. Il buddismo, a sua volta, è diviso in diverse varietà. In Giappone ci sono molte scuole che promuovono l'una o l'altra tendenza del buddismo.

I giardini rocciosi sono di particolare importanza nella cultura del Giappone. Non sono solo una creazione architettonica che attira l'attenzione dei turisti, ma anche un luogo crescita spirituale. Qui i giapponesi trovano l'illuminazione dalla contemplazione delle strutture in pietra situate in un ordine speciale. I giardini rocciosi includono un piano specifico, che solo una persona illuminata può svelare.

Tango no sekku è una festa in onore dei ragazzi. È dedicato non solo a tutti i piccoli rappresentanti maschili, ma anche alla mascolinità e alla forza dell'intero popolo giapponese. È consuetudine celebrare la festa in primavera, quando la natura si sveglia e piace con la sua bellezza. Nel giorno del tango no sekku, i ragazzi si prendono cura dei genitori. Il padre deve raccontare a suo figlio di tutti i guerrieri giapponesi e delle loro imprese. E sua madre gli apparecchia la tavola con cibi deliziosi.

Il fiore di ciliegio è considerato il fenomeno naturale più bello. Molti turisti vengono qui solo per godersi la contemplazione di una pianta in fiore. In primavera, nei parchi del Giappone si può osservare una grande folla di persone. Molte famiglie fanno picnic e osservano la bellezza del ciliegio giapponese.

Gli archi possono essere attribuiti alle peculiari tradizioni del paese. Rappresentano le regole delle buone maniere. Non è consuetudine che i giapponesi salutino, invece si inchinano tutte le volte che ha fatto l'interlocutore.

I samurai rappresentano una certa classe della società che si è sviluppata sotto l'influenza di tradizioni e costumi. Ha un legame diretto con la cultura del paese. I samurai sono guerrieri che svolgono un certo servizio, che può essere sia militare, di sicurezza o domestico. In ognuno di questi casi, i samurai personificano il coraggio, la mascolinità e la nobiltà del popolo giapponese.

Il processo di formazione della cultura dell'antico Giappone

La cultura dell'antico Giappone iniziò a svilupparsi con la nascita della lingua e della scrittura giapponese. La terra del sol levante ha preso in prestito la base per questo dalla Cina. La scrittura giapponese contiene anche geroglifici, che un cittadino straniero non sarà in grado di comprendere. Nel corso del tempo, nuove parole, suoni e frasi iniziarono ad essere aggiunte alla lingua giapponese. Quindi si è completamente trasformato, comunque caratteristiche comuni con la Cina sono ancora rintracciabili.

Anche la religiosità del paese ha origini antichissime. Lo shintoismo fu una conseguenza dello sviluppo di varie mitologie. SU questo momento questo insegnamento promuove il culto dei capi e dei morti. Il buddismo, d'altra parte, ha radici così profonde che le opinioni di scienziati e storici sull'emergere di questo tipo di religione variano notevolmente.

Arte giapponese

Quasi tutti i tipi di arte praticati in Giappone portano un'idea principale: calma e relax. È proprio l'armonia di una persona con se stessa che contiene l'arte, indipendentemente dal modo in cui le informazioni vengono presentate. Molte forme d'arte conosciute in tutto il mondo hanno iniziato il loro sviluppo in Giappone. Tra questi si può distinguere l'origami: la capacità di piegare varie forme dalla carta.

Un altro parte popolare L'arte giapponese divenne ikebana. Questa è un'abilità per formare mazzi di fiori usando una tecnologia speciale. Da qui è nata un'attività altrettanto popolare, che si chiama bonsai. Questa è la creazione di una varietà di composizioni da alberi nani. A Omiya, non lontano da Tokyo, c'è un intero parco Bonsai. Ogni albero nano presentato qui è unico e bello a modo suo.

I dipinti del Giappone meriteranno un significato speciale, poiché ogni dipinto ha un significato nascosto. Come design, di norma vengono utilizzati colori vivaci, transizioni contrastanti e linee chiare. Il Giappone ha anche l'arte della calligrafia. Questa è l'abilità di scrivere geroglifici esteticamente belli. L'arte applicata è diffusa anche in Giappone. C'è un intero museo a Tokyo dedicato a questo mestiere. Qui puoi vedere prodotti fatti di carta, vetro o metallo. E questo non è un elenco completo dei materiali utilizzati per questo scopo.

Anche lo stile giapponese dell'interior design merita un'attenzione particolare. Include funzionalità e semplicità, insieme all'originalità delle prestazioni. Inoltre, l'interior design porta una filosofia religiosa, come qualsiasi altra forma d'arte giapponese.

Architettura giapponese

Le strutture architettoniche in Giappone, in un modo o nell'altro, sono associate alla religione. Gli edifici del tempio all'inizio, il più delle volte, erano privi di qualsiasi fiore. Ciò era dovuto all'uso di legno non verniciato nella costruzione. Successivamente hanno iniziato a utilizzare sfumature rosse e blu.

Il materiale principale per gli edifici architettonici in Giappone è considerato il legno. Ciò è dovuto al fatto che lo stock questa risorsa abbastanza grande nel paese. Oltre al fatto che l'albero conduce bene il calore e assorbe l'umidità, è anche pratico durante i terremoti, che si verificano abbastanza spesso in Giappone. Se una casa di pietra è molto difficile da ricreare dopo la distruzione, allora una casa di legno è molto più facile.

La caratteristica principale dell'architettura del Giappone è la presenza anche di forme geometriche. Molto spesso si tratta di triangoli e rettangoli. È quasi impossibile incontrare levigatezza e rotondità delle linee in qualsiasi struttura. Il principio fondamentale, in base al quale i giapponesi attrezzano le loro case, è l'esistenza inseparabile dell'interno e dell'esterno della casa. Questo vale per i giardini giapponesi. Dovrebbero essere decorati esattamente nello stesso stile della casa stessa. Altrimenti, è considerato cattivo gusto e completo cattivo gusto. I giapponesi prestano particolare attenzione ai loro giardini.

Musica giapponese

In termini di sviluppo musicale, il Giappone ha guardato ad altri paesi, utilizzandone uno qualsiasi strumenti musicali. Ma in seguito li ha modernizzati sotto l'influenza dei gusti e delle tradizioni locali. La prima influenza sulla formazione della musica classica in Giappone è stata il folklore locale Dengaku, mescolato con influenze straniere e dando origine alla musica che è attualmente familiare al Giappone.

Anche il lato religioso della questione ha contribuito all'origine musicale. Grazie al cristianesimo, il suono dell'organo iniziò a diffondersi. E il buddismo promosse il suonare il flauto.

Al momento, la musica classica ha guadagnato popolarità in Giappone. Molti membri di questa cellula della creatività viaggiano fuori dal Giappone. Questi includono Goto Midori, Ozawa Seiji e Uchida Mitsuko. Relativamente di recente, in Giappone sono state aperte sale progettate per un ascolto confortevole della musica classica. Questi includono Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, ecc.

Tradizioni domestiche del Giappone

I giapponesi sono un popolo educato, che osserva le proprie tradizioni e costumi. Il rispetto per se stessi e per gli altri in Giappone è considerato la norma. Fin dall'infanzia, ai bambini vengono insegnate le norme delle buone maniere, spiegano loro i valori fondamentali del popolo giapponese e li illuminano in ogni modo possibile. Ed è tutto a beneficio della società. Qualsiasi turista che arriva nel Paese del Sol Levante da un altro paese è sorpreso di quanto siano amichevoli, amichevoli e educati i giapponesi.

A differenza dei paesi europei, il Giappone ha da tempo vietato fumare nei luoghi pubblici. Questo vale anche per la proprietà privata. Fumare vicino ad altre persone è consentito solo se hanno dato il loro consenso.

Tra l'altro i giapponesi osservano rigorosamente tutte le norme igieniche che la società impone loro. Ad esempio, in ogni stanza, compresi gli edifici religiosi, ci sono speciali tappeti di paglia. Non puoi camminarci sopra con le scarpe, sono considerate non solo una decorazione d'interni, ma anche un vero sacrilegio. Inoltre, i giapponesi hanno deciso di proteggersi da possibili batteri che portano dalla toilette in piedi. In ogni luogo pubblico e negli appartamenti sono presenti apposite ciabatte per la toilette, che non consentono il trasferimento di germi nocivi in ​​altre stanze.

Mangiare per i giapponesi non è considerato un processo di vita, ma un vero e proprio culto. Prima di mangiare, i giapponesi si asciugano sempre le mani con uno speciale asciugamano imbevuto d'acqua, chiamato oshibori. L'impostazione della tavola non avviene in modo casuale, ma secondo uno schema speciale. Anche ogni dispositivo ha il suo posto. I giapponesi li dividono in maschio e femmina, e questo è molto importante per loro. I cucchiai in Giappone si usano solo per mangiare la zuppa di ozono, che si prepara per il nuovo anno, i giapponesi preferiscono bere altri primi piatti esclusivamente da apposite ciotole. Inoltre, schioccare le labbra durante un pasto non è considerato una cattiva forma. Si ritiene che in questo modo si riveli meglio il gusto del piatto.

La rilevanza della buona forma in Giappone è dimostrata dalla presenza delle seguenti regole:

• È necessario discutere in anticipo il luogo e l'ora dell'incontro. Essere in ritardo in Giappone è considerato sfacciato e oltre i limiti della decenza.
• Non puoi interrompere l'interlocutore, devi aspettare pazientemente che la persona parli, quindi iniziare a esprimere la sua opinione.
• Se chiami il numero sbagliato, devi scusarti.
• Se qualcuno è venuto in tuo aiuto, allora devi assolutamente ringraziarlo.
• Alcuni ospiti dei giapponesi possono essere considerati onorari. Per loro assegnano persino un posto speciale al tavolo, che, di regola, è il più estremo dall'ingresso della stanza.
• Quando si fa un regalo ai giapponesi, ci si dovrebbe scusare per essere stati umili nonostante quello che è. Queste sono le regole, non dovresti infrangerle.
• Seduti a tavola, gli uomini possono incrociare le gambe, mentre alle donne è severamente vietato farlo. Le gambe dovrebbero essere piegate e puntate in una direzione.

Inoltre, le tradizioni nella vita del Giappone includono la venerazione delle persone più anziane. Non importa quale sia la professione, i guadagni, l'aspetto o i tratti caratteriali di una persona, se è più grande, deve essere trattato con rispetto. La vecchiaia in Giappone ispira rispetto e orgoglio. Ciò significa che la persona ha fatto molta strada e ora merita onori.

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Ciao, cari lettori cercatori di conoscenza e verità!

Oggi vi invitiamo a toccare con mano la bellezza e parlare dell'arte dell'antico Giappone. Nell'articolo che segue, esamineremo brevemente le fasi della storia che hanno influenzato la formazione dell'arte giapponese, per poi soffermarci su ciascuno dei suoi componenti in modo più dettagliato. Imparerai a conoscere le caratteristiche non solo dei tipi tradizionali, come l'architettura, la pittura, ma anche l'arte del combattimento, le miniature, il teatro, i parchi e molto altro.

Quindi, l'articolo promette di essere interessante e, soprattutto, informativo!

Periodi storici

La Terra del Sol Levante ha una cultura unica, incarnata in edifici e templi originali tradizionali, dipinti, sculture, decorazioni, giardini, opere letterarie. Negli ultimi secoli, aree non banali come xilografie, poesie, origami, bonsai, ikebana e persino manga e anime stanno guadagnando popolarità. Tutti hanno preso forma da molto tempo, radicati nell'antichità.

Di questo periodo si sapeva ben poco fino all'inizio del secolo scorso, perché il Giappone era un paese piuttosto chiuso al resto del mondo. Tuttavia, da allora sono stati condotti numerosi studi, i cui scavi archeologici sono sorprendenti. Mostrano che già nel secondo millennio aC esisteva una società culturale giapponese e tribù primitive vivevano sulle isole 15-12 mila anni fa.

La cultura giapponese iniziò a prendere forma intorno al IV millennio a.C., ma raggiunse il suo apice nel Medioevo, nel periodo dal VI al XVIII secolo.

L'antica storia giapponese inizia in epoca preistorica e termina con la fase Heian nell'VIII-IX secolo, sebbene molti ricercatori includano anche periodi successivi. A questo proposito si distinguono tre fasi principali, che a loro volta sono suddivise in periodi più piccoli, o jidai. Ognuno di essi è caratterizzato dalla comparsa di nuovi prodotti, strutture, stili.

1. Primitivo sistema comunale

La società primitiva in Giappone esisteva nell'era neolitica, quando apparvero i primi strumenti di pietra, così come durante il periodo Jomon e Yayoi. Si ritiene che il Jōmon sia durato dal X millennio al IV secolo a.C. Quindi iniziarono ad apparire le prime ceramiche, che avevano lo stesso nome dell'intera epoca: jomon.

Jōmon vaso di terracotta

Questi vasi erano di forma asimmetrica e avevano ornamenti tradizionali a forma di corda attorcigliata. Si ritiene che fossero usati in vari rituali e rituali. Allo stesso tempo apparvero vari tipi di gioielli: orecchini, braccialetti e collane fatti di argilla, denti di animali, conchiglie, rocce, cristallo.

Orecchini e bracciali in argilla del periodo Jomon

Nel III secolo aC iniziò l'era Yayoi, che durò sei secoli. Poi locali impararono a coltivare il riso, si dedicarono all'agricoltura, continuarono a padroneggiare l'arte della ceramica e iniziarono anche a fondere i metalli, tra cui il più importante era il ferro, fabbricarono armi di rame e campane di bronzo.

Campana di bronzo Dotaku, fine dell'era Yayoi

• La formazione dello stato La statualità giapponese iniziò a prendere forma dal IV all'VIII secolo. Questo periodo è noto come i periodi Kofun e Yamato. Quindi nel paese apparve un'intera rete di tumuli funerari e lo stesso Giappone iniziò ad avvicinarsi al Celeste Impero, adottando inevitabilmente la religione - e con essa - l'architettura, la scultura.L'edificio più importante dell'epoca è Horyu-ji, rappresentato da una pagoda a cinque livelli. Vicino ai tumuli iniziarono ad essere installate sculture speciali in argilla, chiamate "khaniva".

Horyu-ji, Giappone

• Stabilimento delle leggi Questa fase cade nei periodi di Nara (VIII secolo) e Heian (fine VIII-XII secolo). In quel momento, i giapponesi si avvicinano ancora di più ai loro vicini: cinesi e coreani, insieme al concetto buddista, prendono in prestito anche concetti confuciani e taoisti, adottano tecniche di lavorazione dei metalli, metodi di costruzione e progettazione degli edifici, nuove tendenze nella pittura. soprattutto cambiando: i semplici santuari shintoisti vengono sostituiti da stupa buddisti a più livelli simili a quelli indiani. Nelle abitazioni della gente comune, invece della nuda terra, sul pavimento apparivano assi di legno e sopra apparivano tetti di cipresso.

Raffigurazione del periodo Nara in Giappone

Se parliamo di un'epoca successiva, possiamo distinguere molti altri periodi e le loro principali caratteristiche culturali:

• Karakum (XII-XIV secolo) - l'apparizione dei samurai e delle arti marziali;
• Sengoku e Jidai (XV-XVI secolo) - il tempo dell'espansione europea nel mondo orientale, durante il quale il cristianesimo e le tendenze culturali occidentali penetrarono anche nel Paese del Sol Levante;
• Edo (XVII-XIX secolo) - il potere della famosa famiglia Tokugawa, caratterizzata dall'isolamento del Giappone e dallo sviluppo dell'identità culturale.

Tutto ciò che è accaduto dopo è già Nuovo tempo e modernità, e ora, senza dubbio, anche in un Giappone relativamente chiuso, c'è una certa globalizzazione culturale- viene adottata l'esperienza dei maestri occidentali e in Occidente, a loro volta, i motivi giapponesi diventano di moda. Tuttavia, l'arte del Giappone ha sempre avuto un sapore speciale, aveva caratteristiche che le sono uniche.

Semplicità, proporzionalità con l'uomo, concisione, materiali naturali, unità con la natura: è così che puoi caratterizzare i capolavori giapponesi, sia antichi che moderni.

Pittura

Il Giappone, come sapete, è rimasto a lungo in disparte, i suoi confini sono stati chiusi ad altri paesi. Quando, con l'avvento del VII secolo, i giapponesi iniziarono a comunicare sempre più spesso con i loro vicini, a stabilire legami con il mondo continentale, scoprirono i colori, la pergamena, l'inchiostro e con essi le belle arti.

All'inizio era estremamente semplice e conciso: immagini semplici venivano realizzate su carta nera o bianca, di solito uno dei tre colori: giallo, verde o rosso. Tuttavia, gradualmente l'abilità dei pittori locali crebbe, e in gran parte grazie alla diffusione degli insegnamenti del Buddha, man mano che venivano create sempre più immagini della vita del Maestro e dei suoi studenti.

Immagini con temi buddisti nell'antico Giappone

Nel IX secolo, il Giappone aveva già formato un proprio ramo della pittura, indipendente dai cinesi. Allo stesso tempo, il ruolo del buddismo iniziò a indebolirsi ei motivi religiosi furono sostituiti dai cosiddetti secolari, cioè secolari, che erano particolarmente popolari durante il regno della famiglia Tokugawa.

Shogun della dinastia Tokugawa

Kaiga, come i giapponesi chiamavano la pittura, assunse forme e stili completamente diversi e la natura vi occupò un posto importante. Da allora la pittura si è manifestata in nuove forme:

• Yamato-e è la principale scuola di pittori. Sorse nel IX-X secolo e fu sostenuto dall'Accademia delle arti sotto l'imperatore. Le opere erano rotoli arrotolati, che raffiguravano trame letterarie accoppiato con abile calligrafia. C'erano due tipi principali di rotoli: emakimono - lunghi molti metri, piegati orizzontalmente e spesso visti sul tavolo, e kakimono - piegati verticalmente e appesi al muro. Di solito, la seta o la carta erano dipinte a colori vivaci nello stile yamato-e, ma in seguito piatti in ceramica, abiti nazionali, ventagli, pareti e paraventi furono sempre più usati come tela. Particolare attenzione è stata prestata alla trasmissione dello stato d'animo.
• Sumi-e - come stile indipendente si formò intorno al XIV secolo. Le sue caratteristiche sono l'uso dell'acquerello e dei colori bianco e nero.
• Ritratti - divennero popolari nei secoli XIII-XIV.
• Paesaggio - ha raggiunto la popolarità nei secoli XIV-XV, in gran parte grazie alla diffusione del buddismo zen in tutto il paese, che si basa sull'idea di contemplazione e unità con la natura.
• Ukiyo-e è un caratteristico dipinto luminoso sulle tavole. Apparve nel XVII secolo e conteneva immagini della natura, famose geishe giapponesi o artisti del teatro Kabuki. Un secolo dopo, questa tendenza divenne così popolare da conquistare persino il cuore degli europei: iniziarono ad applicare questo stile nelle proprie opere.

Stampa tradizionale Ukiyo-e

direzione architettonica

Inizialmente, l'architettura giapponese era ridotta alla costruzione di antiche case tradizionali - haniwa. Sono stati creati prima del IV secolo e il loro aspetto può essere giudicato solo dai modelli e dai disegni in miniatura in argilla sopravvissuti, poiché non sono sopravvissuti fino ad oggi.

Qui è passata la vita e la vita della gente comune. Si trattava di rifugi originali, coperti dall'alto da un baldacchino di paglia. Era sostenuto da speciali telai in legno.

Più tardi apparve takayuka, un analogo dei granai. Consistevano anche in speciali travi di sostegno, che permettevano di salvare il raccolto da disastri naturali e parassiti.

Nello stesso periodo, nei secoli I-III, iniziarono ad apparire templi dell'antica religione shintoista in onore delle divinità che patrocinavano le forze della natura. Molto spesso erano costruiti con cipressi non trattati e non verniciati e avevano una forma rettangolare laconica.

Il tetto di paglia o di pino era a due falde e le strutture stesse erano costruite su pilastri circondati da padiglioni. Un'altra caratteristica dei santuari shintoisti è il cancello a forma di U davanti all'ingresso.

Nello shintoismo esiste una legge di rinnovamento: ogni vent'anni il tempio veniva distrutto e quasi esattamente lo stesso, ma nuovo, veniva costruito nello stesso luogo.

Il tempio più famoso di questo tipo si chiama Ise. Fu costruito per la prima volta all'inizio del I millennio e, secondo la tradizione, fu costantemente ricostruito. Ise è costituita da due complessi simili situati leggermente distanti tra loro: il primo è dedicato ai poteri del sole, il secondo è dedicato alla divinità della fertilità.

Dal VI secolo, gli insegnamenti buddisti provenienti dalla Cina e dalla Corea iniziarono a diffondersi nel Paese del Sol Levante, e con essi i principi della costruzione di templi buddisti. All'inizio rappresentavano copie cinesi, ma in seguito uno stile speciale, veramente giapponese, iniziò a essere rintracciato nell'architettura del tempio.

Le strutture sono state costruite in modo asimmetrico, come se si fondessero con la natura. Concisione e chiarezza delle forme, una cornice di legno, unita a una fondazione in pietra, pagode su più livelli, colori non troppo brillanti: questo è ciò che distingue i santuari di quel tempo.

Molti di loro sono sopravvissuti fino ad oggi. I monumenti architettonici includono Horyu-ji dell'inizio del VII secolo con il suo famoso Tempio d'oro e altri 40 edifici, Todai-ji della metà dell'VIII secolo nella città di Nara, che è ancora considerata la più grande struttura in legno del pianeta. Allo stesso tempo, l'architettura buddista è strettamente intrecciata con la scultura e la pittura, che raffigurano divinità e motivi della vita del Maestro.

Tempio Todai-ji

A cavallo tra il XII e il XIII secolo, nello stato iniziò il feudalesimo, e quindi divenne popolare lo stile Shinden, che si distingue per lo splendore. È stato sostituito dallo stile sein, a capo del quale c'è la semplicità e un po 'di intimità: al posto delle pareti ci sono schermi quasi senza peso, sul pavimento ci sono stuoie e tatami.

Allo stesso tempo iniziarono ad apparire i palazzi-templi dei signori feudali locali. Capolavori di questo tipo di struttura sono il famoso Kinkaku-ji del XIV secolo, o Padiglione d'oro, così come il Ginkaku-ji del XV secolo, noto anche come Tempio d'argento.

Tempio Ginkakuji (Padiglione d'oro)

Insieme ai palazzi-templi nei secoli XIV-XV iniziò ad emergere l'arte del giardinaggio paesaggistico. In molti modi, il suo aspetto è dovuto alla penetrazione degli insegnamenti contemplativi dello Zen in Giappone. Cominciarono ad apparire giardini intorno a templi e grandi abitazioni, dove i componenti principali non erano solo piante, fiori, ma anche pietre, acqua, oltre a cumuli di sabbia e ciottoli, a simboleggiare l'elemento acqua.

La città unica di Kyoto è famosa in tutto il mondo.

Un altro tipo di giardino è un giardino del tè, chiamato "tyaniva". Circonda la casa da tè, dove si tiene una cerimonia speciale e piacevole, e un percorso speciale attraversa l'intero giardino fino alla casa. Essendo apparso nel Medioevo, oggi il pull si trova ovunque.

Direzione scultorea

La scultura nell'antico Giappone è per lo più associata a tradizioni religiose e rituali. Anche in secoli III-V la gente ha imparato a fare piccole figure chiamate dogu.

Dogu raffigurava persone, animali e dato che sono stati trovati in tumuli, possiamo concludere che furono messi nella tomba insieme ai morti: questi erano i loro servi che potevano essere utili nell'aldilà. I dogu erano figure di argilla, bronzo, legno, lacca. Successivamente, furono create anche statue di divinità più grandi vicino a tumuli e santuari shintoisti.

statuina di dogu

L'arrivo del buddismo nel paese, ovviamente, ha influenzato la scultura locale. Numerosi monumenti al Buddha iniziarono ad apparire nel VI-VII secolo. Seguendo i maestri cinesi e coreani, gli scultori locali iniziarono il loro viaggio.

Nel IX secolo, la direzione scultorea iniziò a svilupparsi ancora di più, ma l'aspetto dei buddha cambiò e iniziarono ad avere diversi, fino a mille, volti e mani. Molto spesso erano fatti di forti specie di legno, vernice, bronzo, argilla.

Molti bei monumenti sono sopravvissuti fino ad oggi. Ad esempio, nel tempio di Haryu-ji, una maestosa figura di Buddha siede su un fiore di loto, e in Todai-ji c'è un intero insieme di divinità guidate da un Buddha di 16 metri, creato dagli scultori Kaikei e Unkei .

Altri tipi

L'arte giapponese è poliedrica e se ne può parlare per ore. Parliamo di molti altri tipi di arte che hanno avuto origine nell'antichità.

• Calligrafia

Si chiama sedo, che significa "la strada delle notifiche". La calligrafia in Giappone è apparsa grazie ai bellissimi geroglifici presi in prestito dai cinesi. In molte scuole moderne è considerata una materia obbligatoria.

• haiku o haiku

Haiku è una speciale poesia lirica giapponese apparsa nel XIV secolo. Il poeta si chiama "haijin".

• Origami

Questo nome si traduce come "carta che è stata piegata". Originario del Medio Regno, l'origami era originariamente utilizzato nei rituali ed era un'occupazione per la nobiltà, ma recentemente si è diffuso in tutto il mondo.

arte antica origami in giappone

• Ikebana

La parola in traduzione significa "fiori vivi". Come l'origami, era originariamente usato nei rituali.

• Miniature

I due tipi più comuni di miniature sono bonsai e netsuke. I bonsai sono copie di alberi veri in forma notevolmente ridotta. I netsuke sono piccole statuette simili a ciondoli talismano apparse nei secoli XVIII-XIX.

• Arti marziali

Sono principalmente associati ai samurai - una specie di cavalleria, ninja - assassini-mercenari, bushido - guerrieri.

• Arte teatrale

Il teatro più famoso, l'orgoglio di tutti i giapponesi è il teatro Kabuki classico. Puoi leggere di più sull'arte teatrale in Giappone.

Teatro Kabuki in Giappone

Conclusione

Come possiamo vedere dall'articolo, il Giappone è un intero tesoro di capolavori d'arte, non solo su scala nazionale, ma anche globale. Sin dai tempi antichi, che iniziano molto prima della nostra era, i giapponesi hanno iniziato a creare e creare cose belle intorno: dipinti, edifici, statue, poesie, parchi, miniature - e questo non è l'intero elenco.

È interessante notare che le funzionalità incorporate in cultura giapponese dell'antichità, può essere rintracciato nelle creazioni del nostro tempo: questa è semplicità, concisione, naturalezza, desiderio di armonia con la natura.

Grazie mille per l'attenzione, cari lettori! Speriamo che oggi tu abbia imparato molto su un paese così misterioso e lontano come il Giappone. Unisciti a noi - lascia commenti, condividi link ad articoli con gli amici - saremo molto felici di esplorare mondo misterioso Oriente con te!

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