Figure della cultura artistica della seconda metà dell'Ottocento. Arte della seconda metà del XIX secolo

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Università medica statale di San Pietroburgo intitolata all'accademico I.P. Pavlova

disciplina: Storia della patria

argomento: "Personaggi famosi della cultura russa del XIX secolo".

Eseguita:

studente gr.125

Goncharenko D.A.

Controllato:

Zimin I.V.

San Pietroburgo 2012

introduzione

2.1 Architettura

2.2 Arti visive

3.1 Architettura e scultura

3.2 Pittura

3.3 Viandanti

4. Arte della fine del XIX - inizio del XX secolo

Conclusione

Elenco della letteratura usata

introduzione

Primi decenni del XIX secolo ebbe luogo in Russia nell'atmosfera di un'impennata nazionale associata alla guerra patriottica del 1812. Gli ideali di questo tempo trovarono espressione nella poesia del giovane A. S. Pushkin. La guerra del 1812 e le speranze amanti della libertà della giovane generazione della nobiltà russa, e in particolare quelle dei suoi rappresentanti che, dopo aver attraversato le guerre napoleoniche, entrarono a Parigi come liberatori, determinarono in gran parte il carattere della cultura russa nel primo terzo del secolo. cultura arte umanistica

Interesse crescente per vita artistica La Russia in questi anni si espresse nella creazione di società artistiche e nella pubblicazione di riviste speciali: "The Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts" (1801), "Journal of Fine Arts" (prima a Mosca, e poi a San Pietroburgo), "Società per l'incoraggiamento degli artisti" ( 1820), "Museo russo" P. P. Svinin (1810) e "Galleria russa" nell'Hermitage (1825); la formazione di scuole d'arte provinciali, come la scuola di A. V. Stupin ad Arzamas o A. G. Venetsianov a San Pietroburgo.

1. Fattori nello sviluppo della cultura in Russia

La servitù rimasta a quel tempo, l'arretratezza economica generale della Russia rispetto ai paesi dell'Europa occidentale, ostacolava il progresso culturale. Eppure, nonostante queste condizioni sfavorevoli, e nonostante esse, la Russia nel XIX secolo ha fatto un salto davvero gigantesco nello sviluppo della cultura, ha dato un enorme contributo a cultura mondiale. Un tale aumento della cultura russa è stato dovuto a una serie di fattori www.ru.wikipedia.org:

il processo di formazione della nazione russa in un'epoca critica di transizione dal feudalesimo al capitalismo

L'inizio del movimento di liberazione rivoluzionario in Russia

stretta comunicazione e interazione con altre culture

influenza dell'eredità della Rus' moscovita sulla cultura del XIX secolo: l'assimilazione di antiche tradizioni ha permesso di far germogliare nuovi germogli di creatività nella letteratura, nella poesia, nella pittura e in altre aree della cultura

2. Arte della prima metà dell'Ottocento

Nell'arte russa del XIX secolo. Molto è cambiato dal 18° secolo. Come in Occidente, sono aumentati il ​​​​ruolo sociale dell'artista, il significato della sua personalità, il suo diritto alla libertà di creatività, in cui i problemi sociali e morali sono ormai sempre più acuti.

Lo spartiacque condizionale nella storia dell'arte russa è stato definito in due fasi: la prima e la seconda metà, e in quest'ultima sembra del tutto naturale individuare la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. come un periodo con caratteristiche semantiche e stilistiche proprie.

Fino alla metà del secolo c'erano somiglianze nella cultura dell'Europa e della Russia, ma dopo la metà del secolo, i percorsi di sviluppo cultura artistica divergere un po'. Gli artisti europei, guidati da quelli francesi, sono sempre più immersi nei problemi della forma, cercando e trovando nuove tecniche artistiche, come hanno fatto brillantemente impressionisti e post-impressionisti. Gli artisti russi, d'altra parte, percepiscono l'arte, prima di tutto, come una tribuna da cui vengono risolte le "domande dolenti del presente". Ilyina T.V. Storia dell'arte russa 5a edizione, 2010.

2.1 Architettura

Gli ideali umanistici della società russa si riflettevano negli esempi altamente civici di architettura e scultura monumentale e decorativa, nella cui sintesi pittura decorativa e arte applicata, spesso creazioni degli stessi architetti. Lo stile dominante di questo periodo è il classicismo maturo, o alto, in letteratura scientifica, spesso indicato come "Impero russo". In realtà, solo gli anni 1820-1830 possono essere considerati uno stile Impero, e il primo decennio può essere chiamato più accuratamente "il classicismo di Alessandro".

L'architettura del primo terzo dell'Ottocento è, prima di tutto, la soluzione di grandi problemi urbanistici. A San Pietroburgo è in fase di completamento la progettazione delle principali piazze della capitale: il Palazzo e il Senato; creato i migliori ensemble città. Particolarmente intenso dopo l'incendio del 1812. Mosca è in costruzione. L'immagine architettonica colpisce per imponenza e monumentalità. Un ruolo enorme nell'aspetto generale dell'edificio è svolto dalla scultura, che ha un certo significato semantico. Tra gli edifici, il posto principale è occupato dagli edifici pubblici: teatri, dipartimenti, istituti scolastici, palazzi e templi vengono costruiti molto meno spesso (ad eccezione delle cattedrali reggimentali nelle caserme).

Il più grande architetto di questo tempo, Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814), iniziò il suo percorso indipendente negli anni '90 del Settecento. ristrutturazione degli interni del Palazzo Stroganov sulla Moika (architetto F. B. Rastrelli) a San Pietroburgo (1793, Gabinetto dei minerali, galleria d'arte, sala d'angolo).

L'idea principale di Voronikhin è la Cattedrale di Kazan (1801-1811). Il colonnato semicircolare del tempio, che eresse non dal lato della facciata principale (occidentale), ma dal lato settentrionale, formava una piazza al centro di Nevsky. Voronikhin conferì al Mining Cadet Corps (1806-1811, ora Istituto minerario) un carattere ancora più severo e attivo, in cui tutto è subordinato a un potente portico dorico di 12 colonne rivolto verso la Neva.

A. N. Voronikhin, l'architetto del classicismo, ha dedicato molte energie alla creazione di un insieme urbano, la sintesi di architettura e scultura, la combinazione organica di elementi scultorei con divisioni architettoniche, sia in strutture grandi che piccole.

Importante architetto pietroburghese del primo terzo del XIX secolo. ("Impero russo") era Karl Ivanovich Rossi G.G. Grimm - Ensemble Rossi - L., 1947 (1775--1849). Rossi ha ricevuto la sua prima formazione architettonica nella bottega di VF Brenna, poi si è recato in Italia, dove ha studiato i monumenti dell'antichità. Il suo lavoro indipendente inizia a Mosca, continua a Tver. Una delle prime opere a San Pietroburgo è il complesso del palazzo e del parco sull'isola di Elagin (1818, completato nel 1822). Di Rossi si può dire che “pensava per insiemi”, un palazzo o un teatro trasformato in un polo urbanistico di piazze e nuove strade. Così, creando il Palazzo Mikhailovsky (1819-1825), organizza la piazza davanti al palazzo e spiana la strada sulla Prospettiva Nevsky, commisurando il suo piano con altri edifici vicini: il Castello Mikhailovsky e lo spazio del Campo di Marte. Nella progettazione di Piazza del Palazzo (1819-1829), Rossi affrontò il compito più difficile: unire in un unico insieme il palazzo barocco di Rastrelli e la monotona facciata classicista del palazzo dello Stato Maggiore e dei ministeri. L'architetto ha coraggiosamente rotto questa monotonia con un colossale arco del Palazzo dello Stato Maggiore, il cui centro era l'Arco di Trionfo, che apre la strada a Bolshaya Morskaya Street, alla Prospettiva Nevskij.

Il nuovo secolo è stato segnato dalla creazione dei più importanti ensemble di San Pietroburgo. Quindi, Andrey Dmitrievich Zakharov GG Grimm - Architetto Andrey Zakharov. Vita e lavoro - M., 1940 (1761 - 1811) studente dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo e studente dell'architetto parigino Zh.F. Schalgren, dal 1805. inizia la costruzione dell'edificio dell'Ammiragliato (1806-1823).

La soluzione compositiva di Zakharov è estremamente semplice: una configurazione di due volumi, e un volume è, per così dire, annidato in un altro, di cui l'esterno, a forma di U, è separato da un canale da due annessi interni, a forma di L in pianta . Il volume interno è costituito da officine navali e di disegno, magazzini, il volume esterno è costituito da dipartimenti, istituzioni amministrative, un museo, una biblioteca e così via. La facciata dell'Ammiragliato si estende per 406 m Le facciate-ali laterali si affacciano sulla Neva, la facciata centrale termina al centro con un arco di passaggio trionfale con cuspide, che è il castello della composizione e attraverso il quale scorre l'ingresso principale all'interno . Zakharov ha mantenuto l'ingegnoso design di Korobov per la guglia, mostrando tatto e rispetto per la tradizione e riuscendo a trasformarlo in una nuova immagine classicista dell'edificio nel suo insieme. La monotonia della facciata di quasi mezzo chilometro è interrotta da portici equidistanti.

INFERNO. Zakharov è morto senza vedere l'Ammiragliato nella sua forma finita. Questo edificio è strettamente legato all'architettura del centro città. Da qui hanno origine tre viali: Voznesensky, Gorokhovaya Street, Nevsky Prospekt (questo sistema di travi è stato concepito sotto Pietro I)

2.2 Arti visive

Il classicismo era la tendenza principale nell'architettura e nella scultura nel primo terzo del XIX secolo. Nella pittura, è stato sviluppato, prima di tutto, da artisti accademici - nel genere storico, ad es. storie delle Scritture, mitologia antica ed effettivamente storico. Ma i veri successi della pittura vanno in una direzione diversa: migliori aspirazioni anima umana, alti e bassi dello spirito esprimevano la pittura romantica di quel tempo.

Ma il romanticismo si è manifestato in modo più sottile sul suolo russo nel genere dei ritratti, e il posto principale qui dovrebbe essere dato a Orest Adamovich Kiprensky I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoca ed eroi - M., 1982 (1782-- 1836). Figlio di un proprietario terriero A. S. Dyakonov e di un servo, Kiprensky è nato nella provincia di San Pietroburgo. Dal 1788 al 1803 studiò (a cominciare dalla Scuola di formazione) all'Accademia delle arti, dove studiò nella classe di pittura storica con il professor G. I. Ugryumov e il pittore francese G. F. Doyen. Nel 1805 ricevette la Grande Medaglia d'Oro per il dipinto "Dmitry Donskoy sulla vittoria su Mamai".

Complicato, premuroso, mutevole nell'umore - tali appaiono davanti a noi interpretati da Kiprensky “E. P. Rostopchin” (1809, Galleria Statale Tretyakov), “D. N. Khvostov" (1814, Galleria Statale Tretyakov), ragazzo "L. A. Chelishchev” (1809, Galleria Statale Tretyakov). In una posa libera, guardando distrattamente di lato, appoggiandosi casualmente a un uccello di pietra, c'è il colonnello degli ussari della vita “E.V. Davydov (1809, Museo Russo). Questo ritratto è percepito come un'immagine collettiva dell'eroe della guerra del 1812, sebbene sia abbastanza specifico.

Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) era l'antenato del genere quotidiano. Geometra per educazione, Venetsianov lasciò il servizio per amore della pittura e si trasferì a San Pietroburgo. È diventato uno studente di Borovitsky. Ha mosso i suoi primi passi nelle "arti" nel genere del ritratto, creando immagini incredibilmente poetiche, liriche, a volte alimentate da atmosfere romantiche ("Ritratto di V. S. Putyatina") con pastello, matita e olio.

A cavallo tra il 1810 e il 1820. Venetsianov lasciò San Pietroburgo per la provincia di Tver, dove acquistò una piccola tenuta. Qui ha trovato il suo tema principale, dedicandosi alla rappresentazione della vita contadina.

Venetsianov era un eccellente insegnante. La scuola Venetsianov, i veneziani, è un'intera galassia di artisti degli anni 1820-1840 che hanno lavorato con lui sia a San Pietroburgo che nella sua tenuta di Safonkovo. I rappresentanti della scuola veneziana erano A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.L. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N. S. Krylov e molti altri.

3. Arte della seconda metà dell'Ottocento

3.1 Architettura e scultura

Meno rapidamente di prima, la scultura e l'architettura si svilupparono durante questo periodo. Come già accennato, la fine degli anni Trenta dell'Ottocento. il classicismo sta morendo. Lo significa espressività artistica contraddire quei nuovi compiti che l'architettura della seconda metà dell'Ottocento pone. Di solito si chiamava "stilizzazione retrospettiva", o eclettismo, ma ora è più spesso chiamato storicismo, perché a quel tempo gli architetti iniziarono a usare i motivi e gli schemi degli stili architettonici di epoche passate: gotico, rinascimentale, barocco, rococò, ecc. DE Arkin - Immagini di architettura - M., 1941.

Uno dei problemi principali di quel tempo era la costruzione di condomini (case in affitto).

Parimenti, il fiorire della scultura monumentale-decorativa permane nella prima metà del secolo.

Il più famoso dei maestri di questo tempo fu Mark Matveyevich Antokolsky (1843--1902), che, come giustamente notato dai ricercatori, compensa la mancanza di mezzi espressivi monumentali con l'immagine di "personalità monumentali": ne è la prova "Ivan the Terrible" (1870), "Peter I" ( 1872), The Dying Socrates (1875), Spinoza (1882), Mephistopheles (1883), Yermak (1888). In queste immagini eseguite secondo un determinato programma si trovano sempre con successo la posa, il gesto, le espressioni facciali, ma la vera espressività dei mezzi scultorei è stata sostituita da questi dettagli naturalistici.

3.2 Pittura

Nella seconda metà dell'Ottocento, di tutte le belle arti della pittura, e soprattutto della pittura di genere, bisognava dire la sua parola pesante. Un atteggiamento critico nei confronti della realtà, pronunciate posizioni civiche e morali, un acuto orientamento sociale diventano caratteristiche soprattutto per la pittura, in cui si sta formando un nuovo sistema artistico di visione, espresso nel cosiddetto realismo critico. Prendendo molto spesso come base della trama gli acuti problemi sociali che vivevano allora società russa, gli artisti hanno agito, infatti, non tanto come portavoce di queste idee, ma come loro diretti illustratori, schietti interpreti. Il lato sociale li ha oscurati da compiti puramente pittorici e plastici e la cultura formale è inevitabilmente caduta. Come giustamente notato, "l'illustratività ha rovinato la loro pittura".

Vera anima del nascente direzione critica nella pittura c'era Vasily Grigorievich Perov V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987 (1834--1882), che raccolse il caso di Fedotov direttamente dalle sue mani, riuscì con pathos accusatorio a mostrare molti aspetti della semplice vita quotidiana: l'aspetto sgradevole di alcuni sacerdoti ("Processione rurale a Pasqua", 1861; "Bere il tè a Mytishchi", 1862), la vita senza speranza dei contadini russi ("Seeing the Dead Man", 1865; "The Last Tavern at the Outpost", 1868), la vita dei poveri urbani ("Troika" , 1866) e l'intellighenzia, costretta a cercare denaro sonante da "sacchi di denaro" ("Arrivo di una governante in casa di un mercante", 1866). Le sue opere sono semplici nella trama, ma toccanti nel loro dolore.

3.3 Viandanti

Negli anni '70 dell'Ottocento la pittura democratica progressista ottiene il riconoscimento pubblico. Ha i suoi critici - I. N. Kramskoy e V. V., Stasov e il suo collezionista - P. M. Tretyakov. È giunto il momento per la fioritura del realismo democratico russo nella seconda metà del XIX secolo. In quel momento, al centro della scuola ufficiale - l'Accademia delle arti di San Pietroburgo - si stava preparando anche una lotta per il diritto dell'arte a rivolgersi alla vita reale, reale, che sfociò nella cosiddetta "rivolta del 14" nel 1863. Un certo numero di diplomati dell'Accademia si sono rifiutati di scrivere un'immagine programmatica su un tema dell'epopea scandinava, quando ci sono così tanti eccitanti problemi moderni in giro, e, non avendo ricevuto il permesso di scegliere liberamente un tema, hanno lasciato l'Accademia, fondando il "Petersburg Artel degli artisti".

"Artel" non durò a lungo e presto Mosca e San Pietroburgo avanzarono forze artistiche unite nell'Associazione delle mostre d'arte itineranti (1870).

L'arte degli Erranti era un'espressione di idee democratiche nella cultura artistica domestica della seconda metà del XIX secolo.

La composizione dei "Wanderers" includeva, più "senior" - questi sono Ivan Nikolaevich Kramskoy, Nikolai Nikolaevich Ge, Vasily Vasilyevich Vereshchagin, Konstantin Apollonovich Savitsky e "young" - Ivan Ivanovich Shishkin, che era chiamato "la natura dell'eroico persone", Arkhip Ivanovich Kuindzhi, con i suoi suggestivi effetti di luce ("Notte ucraina", 1876; " Boschetto di betulle", 1879), Isaac Ilyich Levitan.

Vale la pena notare Ilya Efimovich Repin. È nato in Ucraina, nella provincia di Kharkov, e ha conosciuto le prime abilità artigianali dei pittori di icone ucraini. Repin considerava Kramskoy il suo primo insegnante. La prima opera che ha suscitato una forte reazione da parte del pubblico è stata il dipinto "Barge Haulers on the Volga".

Nel 1873 Repin fece un viaggio da "pensionato" in Francia, dove, insieme a Polenov, dipinse studi all'aria aperta e imparò molto sui problemi della luce e dell'aria.

Tornando, Repin inizia a lavorare fruttuosamente. Sembra che non ci sia genere in cui non si dichiarerebbe: ritratti di caratteristiche nettamente individuali e ritratti-tipi, ritratti-dipinti.

Quasi tutti i generi erano soggetti a Repin (non scriveva solo scene di battaglia), tutti i tipi: pittura, grafica, scultura; creò una meravigliosa scuola di pittori, si dichiarò un teorico dell'arte e uno scrittore eccezionale. L'opera di Repin era un fenomeno tipico della pittura russa della seconda metà del XIX secolo. Fu lui a incarnare quello che D.V. Sarabyanov chiamava "realismo errante", assorbiva ogni caratteristica che, secondo il ricercatore, sarebbe stata "dispersa" in diversi generi e personalità. E questo è l'universalismo, la natura enciclopedica dell'artista. In una coincidenza così completa con il suo tempo nella sua "adeguata attuazione" è la prova della portata e della forza del talento di Repin. Vedi: Sarabyanov, D.V. Repin e la pittura russa della seconda metà del XIX secolo - M., 1978

4. Arte della fine del XIX - inizio del XX secolo

Nel 1890 in connessione con l'inizio della crisi del movimento populista, anche il "metodo analitico del realismo del XIX secolo", come viene chiamato nella scienza russa, sta diventando obsoleto. Durante questo periodo, molti dei Wanderers hanno sperimentato crisi creativa, sono entrati nella meschinità di un film di genere divertente. Va notato, tuttavia, che le migliori tradizioni di V. G. Perov sono state conservate soprattutto nella Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca grazie alle attività didattiche di artisti come S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov e altri .

Tutti i tipi di arte - pittura, teatro, musica, architettura - sono usciti per il rinnovamento del linguaggio artistico, su alta professionalità. La crisi degli Erranti, con la sua brama di argomenti meschini, si esprimeva in dichiarazioni di ideologia e nazionalità, che però non erano supportate da alcun programma estetico. Per i pittori dell'inizio del secolo, sono caratteristici altri modi di espressione che tra gli Erranti, altre forme creatività artistica- in immagini contraddittorie e complicate, che riflettono la modernità senza illustratività e narrativa. Gli artisti cercano dolorosamente l'armonia e la bellezza in un mondo che è fondamentalmente estraneo sia all'armonia che alla bellezza. Ecco perché molti di loro vedono la loro missione nel coltivare un senso di bellezza. Ma ha anche dato origine all'universalismo di un'intera generazione di artisti venuti dopo i "classici" Wanderers, un esempio del quale è il lavoro di V. A. Serov e M. A. Vrubel.

Un ruolo importante nella divulgazione sia dell'arte domestica che dell'arte dell'Europa occidentale, nell'attrarre maestri alle mostre Europa occidentale suonato dagli artisti dell'associazione "World of Art" (1898 - 1924). Avendo raccolto le migliori forze artistiche a San Pietroburgo, pubblicando la propria rivista, il "Mondo dell'arte" con la loro stessa esistenza ha contribuito al consolidamento delle forze artistiche a Mosca, la creazione dell '"Unione degli artisti russi" (1903-1323 ) Ilyina T.V. Storia dell'arte russa 5a edizione, 2010.

Conclusione

L'arte raffinata russa, intrisa delle idee progressiste di quel tempo, serviva un grande obiettivo umano: la lotta per la liberazione dell'uomo, per la riorganizzazione sociale dell'intera società.

In generale, nella prima metà del XIX secolo, la Russia ottenne un successo impressionante nel campo della cultura. Il fondo mondiale includeva per sempre le opere di molti artisti russi. Il processo di formazione della cultura nazionale è stato completato.

SU fine XIX-XX secoli le ricerche moderniste portarono alla formazione di un gruppo di artisti uniti attorno alla rivista "World of Art" (A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich, e Z. Grabar e così via). Il mondo degli artigiani ha proclamato nuovi principi artistici ed estetici. Hanno promosso l'individualismo, la libertà dell'arte dai problemi sociali e politici. La cosa principale per loro è la bellezza e le tradizioni della cultura nazionale russa, che non si può dire dei "Wanderers".

All'inizio del XX secolo. sorse l '"avanguardia russa". I suoi rappresentanti K.S. Malevich, P.P. Falk, M. Z. Chagall e altri predicavano l'arte delle forme "pure" e della non oggettività esteriore. Erano i precursori dell'astrattismo e hanno avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'arte mondiale.

Bibliografia

1. www.ru.wikipedia.org

2. Ilyina TV Storia dell'arte russa 5a edizione, 2010

3. G.G. Grimm - Complessi di Rossi - L., 1947

4. GG Grimm - Architetto Andrey Zakharov. Vita e lavoro - M., 1940

5. I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoca ed eroi - M., 1982

6. DE Arkin - Immagini di architettura - M., 1941

7. VA Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987

8. Vedi: Sarabyanov, D.V. Repin e la pittura russa della seconda metà del XIX secolo - M., 1978

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Nel 1863, l'Accademia delle arti stabilì un programma per una medaglia d'oro con una trama della mitologia scandinava. Tutti i tredici candidati, tra cui I.N. Kramskoy, K. G. Makovsky, A. D. Litovchenko, che non erano d'accordo con questo programma e con i programmi in generale, si rifiutarono di partecipare al concorso e lasciarono l'Accademia. Lasciando con aria di sfida l'Accademia, i ribelli organizzarono l'Artel of Artists e nel 1870, insieme ai pittori di Mosca, l'Associazione delle mostre d'arte itineranti. A partire da Perov e finendo con Levitan, tutti i rappresentanti di spicco della pittura russa hanno partecipato a queste mostre: Erranti.

Per il pubblico russo, il significato degli Erranti era enorme: la interessavano e le insegnavano a fermarsi davanti ai quadri; con il loro aspetto è iniziata solo la connessione tra la società russa e gli artisti russi. La loro creatività, persistente dai principi di base del realismo, ha insegnato al pubblico russo a vedere la vita nell'arte ea distinguere la verità dalle bugie in essa. Qui dovremmo menzionare due russi ai quali gli Erranti devono il loro successo e la loro influenza: PM Tretyakov e V.V. Stasov. Tretyakov ha sostenuto il compagno-

attraverso acquisti e ordini, creando l'unico Museo d'Arte Nazionale al mondo. Il "colosso che distrugge tutto" Stasov, che guidò il movimento nazionale nell'arte russa, era l'araldo delle visioni estetiche degli Erranti, e molti artisti gli devono consigli creativi, la scelta delle trame per i dipinti e l'appassionata propaganda delle loro attività in la stampa.

Tra i primi artisti russi che, nello spirito della stampa progressista degli anni '60, trasformarono i loro dipinti in un sermone fustigante c'era Vasily Grigorevich Perov(1834-1882). Già nel suo primo dipinto, Sermon in the Village, uscito nell'anno della liberazione dei contadini, non c'era traccia dell'innocuo scherno di Fedotov: il proprietario terriero obeso, indifferente alle parole del prete, si addormentò su un sedia; la sua giovane moglie, cogliendo l'attimo, sussurra con il suo ammiratore, dimostrando così il disprezzo per i valori spirituali da parte della società "illuminata". L'immagine successiva, "La processione religiosa per la Pasqua", era piuttosto "Bazàrov" per nitidezza e consonanza con i romanzi accusatori più oscuri dell'epoca.

Una processione in piena forza con stendardi e icone lascia lo tselovalnik, dopo essersi appena concessi la gloria lì: pellegrini ubriachi cadono dalla taverna in disordine e schiaffeggiano la fanghiglia primaverile; il prete, a malapena calpestando i piedi, con grande difficoltà scende dal portico; Il diacono con l'incensiere inciampò e cadde.

La molteplicità dei movimenti artistici nel XIX secolo fu una conseguenza del processo di modernizzazione. La vita artistica della società era ormai determinata non solo dai dettami della chiesa e dalla moda dei circoli di corte. Modifica struttura sociale ha portato a un cambiamento nella percezione dell'arte nella società: ci sono nuovi strati sociali di persone ricche e istruite che sono in grado di valutare autonomamente le opere d'arte, concentrandosi solo sul requisito del gusto. Fu nel XIX secolo che la formazione di Cultura di massa; giornali e riviste di numero in numero, che stampavano lunghi romanzi con una trama divertente, divennero il prototipo dei serial televisivi nell'arte del XX secolo.

Nella prima metà del XIX secolo, in Europa si sviluppò una pianificazione urbana su scala senza precedenti. La maggior parte delle capitali europee - Parigi, San Pietroburgo, Berlino - hanno acquisito il loro aspetto caratteristico; nei loro complessi architettonici, il ruolo degli edifici pubblici è aumentato. La famosa Torre Eiffel, costruita nel 1889 per l'apertura dell'Esposizione Universale, è diventata il simbolo di Parigi. La Torre Eiffel ha dimostrato le capacità tecniche di un nuovo materiale: il metallo. Tuttavia la soluzione artistica originaria non fu subito riconosciuta, la torre fu chiamata ad essere demolita, definita mostruosa.

Neoclassicismo nella prima metà del XIX secolo. vissuto un tardo periodo di massimo splendore, ora riceve il nome Impero (dal francese "impero"), questo stile esprimeva la grandezza dell'impero creato da Napoleone. Entro la metà del secolo, il problema principale dell'architettura europea era la ricerca dello stile. A causa del fascino romantico per l'antichità, molti maestri hanno cercato di far rivivere le tradizioni dell'architettura del passato: è così che sono nati il ​​neogotico, il neorinascimentale, il neobarocco. Gli sforzi degli architetti hanno spesso portato all'eclettismo, una combinazione meccanica di elementi di stili diversi, vecchi e nuovi.

Nella vita artistica della prima metà del XIX secolo prevalse il romanticismo, che rifletteva la delusione per l'ideologia dell'Illuminismo. Il romanticismo è diventato una visione del mondo e uno stile di vita speciali. L'ideale romantico di una persona che non è compresa dalla società forma il modo di comportarsi dei suoi strati superiori. Il romanticismo è caratterizzato dall'opposizione di due mondi: il reale e l'immaginario. La realtà è considerata senz'anima, disumana, indegna di una persona e contraria a lui. La "prosa della vita" del mondo reale si contrappone al mondo della "realtà poetica", il mondo dell'ideale, dei sogni e delle speranze. Vedendo il mondo dei vizi nella realtà contemporanea, il romanticismo cerca di trovare una via d'uscita per l'uomo. Questa uscita è allo stesso tempo un allontanamento dalla società in diverse opzioni: l'eroe entra nel proprio mondo interiore, oltre i limiti dello spazio reale e parte per un altro tempo. Il romanticismo inizia a idealizzare il passato, in particolare il Medioevo, vedendo in esso realtà, cultura e valori come gelo.

Eugene Delacroix (1798-1863) era destinato a diventare il capostipite del romanticismo francese in pittura. L'inesauribile immaginazione di questo artista ha creato un intero mondo di immagini che ancora vivono sulla tela con la loro vita intensa, piena di lotte e passioni. Delacroix traeva spesso motivi dalle opere di William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, si rivolse agli eventi della Rivoluzione francese, altri episodi storia nazionale("Battaglia di Poitiers"). Delacroix ha catturato numerose immagini della gente dell'est, principalmente algerini e marocchini, che ha visto durante il suo viaggio in Africa. In The Massacre on the Island of Chios (1824), Delacroix rifletteva la lotta dei greci contro il dominio turco, che allora preoccupava tutta l'Europa. Un gruppo di greci prigionieri sofferenti primo piano dipinti, tra cui una donna sconvolta dal dolore e un bambino che striscia sul petto di una madre morta, l'artista contrapponeva le figure arroganti e crudeli dei punitori; in lontananza si vede una città in rovina in fiamme. L'immagine ha colpito i contemporanei con il potere mozzafiato della sofferenza umana e con la sua colorazione insolitamente audace e sonora.

Gli eventi della Rivoluzione di luglio del 1830, che si concluse con la sconfitta della rivoluzione e la restaurazione della monarchia, ispirarono Delacroix a creare ampiamente dipinto famoso"Libertà sulle barricate" (1830). La donna che ha innalzato lo stendardo tricolore della Repubblica francese rappresenta la libertà. L'immagine della libertà sulle barricate 0 personificazione della lotta.

L'artista spagnolo Francisco Goya (1746-1828) era un rappresentante di fama mondiale del romanticismo, Goya divenne un grande artista relativamente tardi. Il primo significativo successo gli portò due serie (1776-1791) di numerosi arazzi realizzati per la Manifattura Reale di Santa Barbara a Madrid ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Nozze"). Negli anni '90. XVIII secolo nell'opera di Goya crescono i tratti della tragedia, l'ostilità verso la Spagna feudale-clericale del "vecchio ordine". La bruttezza dei suoi fondamenti morali, spirituali e politici Goya rivela in forma grottesco-tragica, nutrendosi di fonti folcloristiche, in una vasta serie di incisioni "Caprichos" (80 fogli con i commenti dell'artista); l'audace novità del linguaggio artistico, la tagliente espressività di linee e tratti, i contrasti di luce e ombra, la combinazione di grottesco e realtà, allegoria e fantasia, satira sociale e una sobria analisi della realtà hanno aperto nuove strade per lo sviluppo dell'incisione europea. Tra il 1790 e l'inizio del 1800, la ritrattistica di Goya raggiunse una fioritura eccezionale, in cui un'allarmante sensazione di solitudine (ritratto della Senora Bermudez), il confronto coraggioso e la sfida all'ambiente (ritratto di F. Guimardet), l'aroma del mistero e sensualità ("Maja vestita" e "Maha nuda"). Con incredibile forza di convinzione, l'artista ha catturato l'arroganza, lo squallore fisico e spirituale della famiglia reale in ritratto di gruppo"La famiglia di Carlo IV". Storicismo profondo, protesta appassionata permeano i grandi dipinti di Goya dedicati alla lotta contro l'intervento francese ("Rivolta del 2 maggio 1808 a Madrid", "Fucilazione dei ribelli nella notte del 3 maggio 1808"), una serie di acqueforti filosoficamente comprendere il destino del popolo "Disasters of War" ( 82 fogli, 1810-1820).

Francisco Goya "Capricci"

Se in letteratura la soggettività della percezione di un artista viene scoperta dal simbolismo, allora in pittura una scoperta simile viene fatta dall'impressionismo. Impressionismo (dall'impressione francese - impressione) - direzione verso pittura europea ha avuto origine in Francia a metà del XIX secolo. Gli impressionisti hanno evitato qualsiasi dettaglio nel disegno e hanno cercato di catturare l'impressione generale di ciò che l'occhio vede in un particolare momento. Hanno ottenuto questo effetto con l'aiuto del colore e della consistenza. Il concetto artistico dell'impressionismo era basato sul desiderio di catturare in modo naturale e naturale il mondo nella sua variabilità, trasmettendo le sue fugaci impressioni. Il terreno fertile per lo sviluppo dell'impressionismo fu preparato dagli artisti della scuola di Barbizon: furono i primi a dipingere schizzi dal vero. Il principio di "dipingere ciò che si vede in mezzo alla luce e all'aria" ha costituito la base della pittura en plein air degli impressionisti.

Negli anni '60 dell'Ottocento, i giovani pittori di genere E. Manet, O. Renoir, E. Degas cercarono di ispirare pittura francese freschezza e immediatezza di osservazione della vita, raffigurazione di situazioni istantanee, instabilità e squilibrio di forme e composizioni, angoli e punti di vista inconsueti. Lavorare all'aperto ha contribuito a creare sulle tele la sensazione della neve scintillante, la ricchezza dei colori naturali, la dissoluzione degli oggetti nell'ambiente, la vibrazione della luce e dell'aria. Gli artisti impressionisti hanno prestato particolare attenzione al rapporto di un oggetto con il suo ambiente, agli studi sul cambiamento di colore e tono di un oggetto in un ambiente mutevole. A differenza dei romantici e dei realisti, non erano più inclini a rappresentare il passato storico. La modernità era la loro area di interesse. La vita dei piccoli caffè parigini, le strade rumorose, le pittoresche sponde della Senna, le stazioni ferroviarie, i ponti, la bellezza poco appariscente dei paesaggi rurali. Gli artisti non sono più disposti a toccare problemi sociali acuti.

Il lavoro di Edouard Manet (1832-1883) ha anticipato una nuova direzione nella pittura: l'impressionismo, ma l'artista stesso non si è unito a questo movimento, sebbene abbia in qualche modo cambiato il suo stile creativo sotto l'influenza degli impressionisti. Manet ha dichiarato il suo programma: “Vivi il tuo tempo e dipingi ciò che vedi di fronte a te, scoprendo la vera bellezza e poesia nel corso quotidiano della vita”. Allo stesso tempo, nella maggior parte delle opere di Manet non c'era azione, nemmeno una trama minima. Parigi diventa motivo costante del lavoro di Manet: la folla cittadina, i caffè ei teatri, le strade della capitale.

Édouard Manet "Il bar delle Folies Bergère"

Edourd Manet "Musica alle Tuileries"

Il nome stesso Impressionismo deve la sua origine al paesaggio di Claude Monet (1840-1926) “Impressione. Alba".

Nell'opera di Monet, l'elemento luce ha acquisito un ruolo di primo piano. Entro gli anni '70. 19esimo secolo Lo straordinario "Boulevard des Capucines" è uno di questi, dove le pennellate gettate sulla tela trasmettono sia la prospettiva di una strada trafficata che si allontana in lontananza, un flusso infinito di carrozze che si muovono lungo di essa, sia una folla allegra e festosa. Dipinse molti dipinti con lo stesso soggetto di osservazione illuminato in modo diverso. Ad esempio, un pagliaio al mattino, a mezzogiorno, alla sera, al chiaro di luna, sotto la pioggia e così via.

Molte delle conquiste dell'impressionismo sono associate all'opera di Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), entrato nella storia dell'arte come "pittore della felicità". Ha davvero creato nei suoi dipinti un mondo speciale di donne accattivanti e bambini sereni, natura gioiosa e bellissimi fiori. Per tutta la vita, Renoir ha dipinto paesaggi, ma la sua vocazione è rimasta l'immagine di un uomo. Amava dipingere quadri di genere, dove con sorprendente vivacità ricreava il trambusto delle strade e dei viali parigini, l'ozio dei caffè e dei teatri, la vivacità delle passeggiate in campagna e delle vacanze all'aria aperta. Tutti questi quadri, dipinti all'aria aperta, si distinguono per la sonorità del colore. Il dipinto "Moulin de la Galette" (ballo popolare nel giardino della sala da ballo di Montmartre) è un capolavoro dell'impressionismo di Renoir. Indovina il ritmo vivace della danza, il balenare di volti giovani. Non ci sono movimenti bruschi nella composizione e un senso di dinamica è creato dal ritmo delle macchie di colore. Interessante l'organizzazione spaziale del quadro: il primo piano è dato dall'alto, le figure sedute non oscurano i danzatori. Numerosi ritratti sono dominati da bambini e ragazzine, in questi ritratti si è rivelata la sua abilità: “Ragazzo con gatto”, “Ragazza con ventaglio”.

Partecipante attivo a tutte le mostre, Edgar Degas (1834-1917), era lontano da tutti i principi degli impressionisti: era un oppositore del plein air, non dipingeva dal vero, non cercava di catturare la natura dei vari stati di natura. Un posto significativo nell'opera di Degas è occupato da una serie di dipinti raffiguranti un corpo femminile nudo. Molti dei suoi quadri anni recenti dedicato alla "donna dietro il gabinetto". In molte opere Degas mostra la specificità del comportamento e dell'aspetto delle persone, generato dalle peculiarità della loro vita, rivela il meccanismo di un gesto professionale, postura, movimento di una persona, la sua bellezza plastica ("Stiratrici", "Lavandaie con biancheria"). Nell'affermazione del significato estetico della vita delle persone, delle loro attività quotidiane, si riflette il peculiare umanesimo dell'opera di Degas. L'arte di Degas è insita nella combinazione del bello, a volte fantastico e del prosaico: trasmettere lo spirito festivo del teatro in molte scene di balletto ("Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson").

Il post-impressionismo copre il periodo dal 1886, quando si tenne l'ultima mostra impressionista, che presentò le prime opere dei neoimpressionisti, agli anni '10, che annunciarono la nascita di un'arte completamente nuova nelle forme del cubismo e del fauvismo. Il termine “post-impressionismo” fu introdotto dal critico inglese Roger Fry, esprimendo l'impressione generale della mostra di arte moderna francese da lui organizzata a Londra nel 1910, che comprendeva opere di Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cézanne e altri artisti.

I post-impressionisti, molti dei quali si erano precedentemente uniti all'impressionismo, iniziarono a cercare metodi per esprimere non solo il momentaneo e il transitorio: in ogni momento, iniziarono a comprendere gli stati a lungo termine del mondo che li circondava. Il post-impressionismo è caratterizzato da diversi sistemi e tecniche creative che hanno influenzato il successivo sviluppo delle belle arti. L'opera di Van Gogh ha anticipato l'avvento dell'Espressionismo, Gauguin ha aperto la strada all'Art Nouveau.

Vincent van Gogh (1853-1890) ha creato il più sorprendente immagini artistiche sintetizzando (combinando) motivo e colore. La tecnica di Van Gogh è punti, virgole, linee verticali, punti solidi. Le sue strade, aiuole e solchi corrono davvero in lontananza, e i cespugli bruciano sul terreno come fuochi. Ha raffigurato non un momento colto, ma la continuità dei momenti. Ha raffigurato non questo effetto di un albero piegato dal vento, ma la crescita stessa di un albero da terra. Van Gogh ha saputo trasformare tutto ciò che è casuale in cosmico. L'anima di Van Gogh richiedeva colori vivaci, si lamentava costantemente con suo fratello della mancanza di forza anche del suo colore giallo brillante preferito.

Starry Night non è stato il primo tentativo di Van Gogh di rappresentare il cielo notturno. Nel 1888, ad Arles, dipinse Notte stellata sul Rodano. Van Gogh ha voluto ritrarre la notte stellata come un esempio del potere dell'immaginazione, che può creare una natura più sorprendente di quella che possiamo percepire guardando il mondo reale.

Una percezione accresciuta della realtà e uno squilibrio mentale portano Van Gogh a malattia mentale. Gauguin viene a stare ad Arles, ma le differenze creative causano una lite. Van Gogh lancia un bicchiere in testa all'artista, poi, dopo la dichiarazione di Gauguin della sua intenzione di andarsene, si lancia contro di lui con un rasoio. In un impeto di follia la sera dello stesso giorno, l'artista si taglia l'orecchio ("Autoritratto con orecchio bendato").

L'opera di Paul Gauguin (1848-1903) è inseparabile dal suo tragico destino. La cosa più importante nel concetto stilistico di Gauguin era la sua comprensione del colore. Su circa. Tahiti, dove l'artista partì nel 1891, sotto l'influenza delle forme primitive dell'arte polinesiana, dipinse quadri che si distinguono per decoratività, forme piatte e colori eccezionalmente puri. Il dipinto "esotico" di Gauguin - "Sei geloso?", "Il suo nome è Vairaumati", "Donna che tiene un feto" - riflette non tanto le qualità naturali degli oggetti quanto lo stato emotivo dell'artista e il significato simbolico del immagini da lui concepite. La particolarità dello stile pittorico di Gauguin è un marcato effetto decorativo, il desiderio di dipingere su grandi piani della tela con un colore, innamorato dell'ornamento, che era presente sui tessuti degli abiti, sui tappeti e sullo sfondo del paesaggio.

Paul Gauguin "Quando sposarsi" "Donna con in mano un frutto"

Il risultato più importante della cultura del XIX secolo. è l'emergere dell'arte della fotografia e del design. La prima macchina fotografica al mondo fu realizzata nel 1839 da Louis Jacques Mande Daguerre.

I primi tentativi di Daguerre di realizzare una fotocamera funzionante non hanno avuto successo. Nel 1827 incontrò Joseph Niépce, che stava anche tentando (e da allora ebbe un po' più successo) di inventare la macchina fotografica. Due anni dopo sono diventati soci. Niépce morì nel 1833, ma Daguerre continuò a lavorare sodo. Nel 1837 fu finalmente in grado di svilupparsi sistema pratico fotografia, detta dagherrotipo. L'immagine (dagherrotipo) è stata ottenuta su una lastra d'argento trattata con vapori di iodio. Dopo l'esposizione per 3-4 ore, la lastra è stata sviluppata in vapori di mercurio e fissata con una soluzione calda di sale comune o iposolfito. I dagherrotipi erano di altissima qualità dell'immagine, ma si poteva fare solo uno scatto.

Nel 1839 Daguerre pubblicò la sua invenzione ma non ne depositò il brevetto. In risposta, il governo francese ha assegnato a lui e al figlio di Niépce una pensione a vita. L'annuncio dell'invenzione di Daguerre fece molto scalpore. Daguerre divenne l'eroe del giorno, la fama cadde su di lui e il metodo del dagherrotipo trovò rapidamente ampia applicazione.

Lo sviluppo della fotografia ha portato a una revisione principi artistici grafica, pittura, scultura, arte combinata e documentario, che non è realizzabile in altre forme d'arte. La base per il design fu posta dall'Esposizione Industriale Internazionale di Londra nel 1850. Il suo design segnò la convergenza di arte e tecnologia e gettò le basi per un nuovo tipo di creatività.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce e la Camera Obscura di Niepce

Giuseppe Niceforo Niepce. La prima fotografia al mondo scattata su una lega di stagno e piombo, 1826.

"Studio d'artista" di Daguerre, 1837

Negli anni '70 dell'Ottocento, due inventori, Elisha Gray e Alexander Graham Bell, svilupparono indipendentemente dispositivi in ​​grado di trasmettere il parlato tramite l'elettricità, che in seguito chiamarono telefono. Entrambi hanno inviato i rispettivi brevetti agli uffici brevetti, la differenza nei depositi è stata solo di poche ore. Tuttavia, Alexander Graham Bell) ha ricevuto il brevetto per primo.

Il telefono e il telegrafo sono sistemi elettrici basati su fili. Il successo di Alexander Bell, o meglio la sua invenzione, fu del tutto naturale, poiché, inventando il telefono, cercò di migliorare il telegrafo. Quando Bell iniziò a sperimentare i segnali elettrici, il telegrafo era già in uso come mezzo di comunicazione da circa 30 anni. Sebbene il telegrafo fosse un sistema di comunicazione di discreto successo basato sul codice Morse con la sua visualizzazione di lettere utilizzando punti e trattini, tuttavia, il grande svantaggio del telegrafo era che le informazioni erano limitate alla ricezione e all'invio di un messaggio alla volta.

Alexander Bell parla nel primo modello di telefono

Il primo telefono, creato da Alexander Graham Bell, era un dispositivo attraverso il quale i suoni del linguaggio umano venivano trasmessi utilizzando l'elettricità (1875). Il 2 giugno 1875, Alexander Graham Bell, mentre sperimentava la sua tecnica, che chiamò "telegrafo armonico", scoprì di poter sentire il suono attraverso un filo. Era il suono di un orologio.

Il più grande successo di Bell fu raggiunto il 10 marzo 1876. Parlando via tubo con il suo assistente, Thomas Watson, che era nella stanza accanto, Bell pronunciò le parole che oggi sono note a tutti “Mr. Watson - vieni qui - voglio vederti ”(Sig. Watson - vieni qui - voglio vederti). In questo momento non nacque solo il telefono, ma morì anche il telegrafo multiplo. Le potenzialità della comunicazione nel dimostrare che era possibile parlare attraverso l'elettricità erano molto diverse da quelle che il telegrafo poteva offrire con il suo sistema di trasmissione delle informazioni tramite punti e trattini.

Il concetto di cinema è apparso per la prima volta nella sua versione francese - "cinema", che denota un sistema per creare e proiettare un film, sviluppato dai fratelli Louis Jean e Auguste Lumiere. Il primo film fu girato con una cinepresa dal francese Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842–1890) nel novembre 1888 in Gran Bretagna e consisteva di due frammenti: il primo aveva 10-12 immagini al secondo, il secondo aveva 20 immagini al secondo. Ma ufficialmente si ritiene che il cinema abbia avuto origine il 28 dicembre 1895. In questo giorno, nel salone indiano "Grand Cafe" sul Boulevard des Capucines (Parigi, Francia), si è svolta una proiezione pubblica del "Cinematografo dei fratelli Lumiere". Nel 1896, i fratelli fecero un giro del mondo con la loro invenzione, visitando Londra, New York, Bombay.

Louis Jean Lumiere si è diplomato in una scuola industriale, è stato fotografo e ha lavorato in una fabbrica fotografica di proprietà di suo padre. Nel 1895, Lumière inventò la cinepresa per riprendere e proiettare "fotografie in movimento". Suo fratello Auguste Lumiere ha preso parte attiva al suo lavoro sull'invenzione del cinema. Il dispositivo è stato brevettato e si chiamava cinema. I primi programmi cinematografici di Lumiere mostravano scene girate sul posto: "Uscita dei lavoratori dalla fabbrica di Lumiere", "Arrivo di un treno", "Colazione per bambini", "Acqua spruzzata" e altri. È interessante notare che la parola lumiere in francese significa "luce". Forse è un incidente, o forse il destino dei creatori del cinema è stato deciso in anticipo.

Antropov Alexey Petrovich(1716-1795) - Pittore russo. I ritratti di Antropov si distinguono per il loro legame con la tradizione parsuna, la veridicità delle caratteristiche, tecniche pittoriche barocco.

Argunov Ivan Petrovich(1729-1802) - Ritrattista russo della gleba. Autore di rappresentativi ritratti cerimoniali e da camera.

Argunov Nikolay Ivanovich(1771-1829) - Ritrattista russo della gleba, che ha sperimentato l'influenza del classicismo nel suo lavoro. L'autore del famoso ritratto di P. I. Kovaleva-Zhemchugova.

Bazhenov Vasily Ivanovich(1737-1799) - il più grande architetto russo, uno dei fondatori del classicismo russo. Autore del progetto per la ricostruzione del Cremlino, del complesso romantico del palazzo e del parco a Tsaritsyn, della Casa Pashkov a Mosca, del Castello Mikhailovsky a San Pietroburgo. I suoi progetti si sono distinti per l'audacia della composizione, la varietà di idee, l'uso creativo e la combinazione delle tradizioni dell'architettura russa classica e antica mondiale.

Bering Vitus Jonassen (Ivan Ivanovich)(1681-1741) - navigatore, capitano comandante della flotta russa (1730). Leader della 1a (1725–1730) e della 2a (1733–1741) spedizione in Kamchatka. Passò tra la penisola di Chukchi e l'Alaska (lo stretto tra di loro ora porta il suo nome), raggiunse il Nord America e scoprì una serie di isole nella cresta delle Aleutine. Un mare, uno stretto e un'isola nell'Oceano Pacifico settentrionale prendono il nome da Bering.

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757-1825) - Ritrattista russo. Le sue opere sono caratterizzate da tratti di sentimentalismo, una combinazione di sottigliezza decorativa e grazia dei ritmi con un vero trasferimento di carattere (ritratto di M. I. Lopukhina e altri).

Volkov Fedor Grigorevich(1729-1763) - Attore russo e figura teatrale. Nel 1750 organizzò una compagnia amatoriale a Yaroslavl (attori - I. A. Dmitrevsky, Ya. D. Shumsky), sulla base della quale nel 1756 fu creato a San Pietroburgo il primo teatro pubblico russo professionale permanente. Lui stesso ha recitato in una serie di tragedie di Sumarokov.

Derzhavin Gavril Romanovich (1743-1816) - Poeta russo. Rappresentante del classicismo russo. L'autore di odi solenni intrise dell'idea di una forte statualità russa, tra cui satira sui nobili, schizzi di paesaggi e famiglie, riflessioni filosofiche - "Felitsa", "Velmozha", "Cascata". Autore di molte poesie liriche.

Kazakov Matvei Fedorovich(1738-1812) - un eccezionale architetto russo, uno dei fondatori del classicismo russo. A Mosca sviluppò tipi di edifici residenziali urbani ed edifici pubblici che organizzano grandi spazi urbani: il Senato al Cremlino (1776–1787); Università di Mosca (1786–1793); Ospedale Golitsynskaya (1 ° Gradskaya) (1796–1801); casa-tenuta di Demidov (1779-1791); Palazzo Petrovsky (1775-1782), ecc. Ha mostrato un talento speciale nel design degli interni (l'edificio dell'Assemblea della nobiltà a Mosca). Supervisionato l'elaborazione del piano regolatore di Mosca. Ha creato una scuola di architettura.

Kantemir Antiochia Dmitrievich(1708-1744) - Poeta russo, diplomatico. Educatore razionalista. Uno dei fondatori del classicismo russo nel genere della satira poetica.

Quarenghi Giacomo(1744-1817) - Architetto russo di origine italiana, rappresentante del classicismo. Ha lavorato in Russia dal 1780. Il padiglione “ Sala concerti"(1786) e Alexander Palace (1792-1800) a Tsarskoye Selo, Assignment Bank (1783-1790), Hermitage Theatre (1783-1787), Smolny Institute (1806-1808) a San Pietroburgo.

Krasheninnikov Stepan Petrovich(1711-1755) - Viaggiatore russo, esploratore della Kamchatka, accademico dell'Accademia delle scienze di San Pietroburgo (1750). Membro della seconda spedizione in Kamchatka (1733–1743). Compilato la prima "Descrizione della terra di Kamchatka" (1756).

Kulibin Ivan Petrovich(1735-1818) - un eccezionale meccanico autodidatta russo. Autore di molti meccanismi unici. Vetro lucidante migliorato per strumenti ottici. Ha sviluppato un progetto e costruito un modello di un ponte ad arco singolo sul fiume. Neva con una campata di 298 M. Ha creato un prototipo di un proiettore ("lampada a specchio"), un telegrafo semaforico, un ascensore del palazzo, ecc.

Laptev Khariton Prokofievich(1700-1763) - capitano di 1 ° grado. Intervistato nel 1739–1742. costa dal fiume Lena al fiume. Khatanga e la penisola di Taimyr.

Levitsky Dmitry Grigorievich(1735-1822) - Pittore russo. Nei ritratti cerimoniali compositivamente spettacolari, la solennità si combina con la vitalità delle immagini, la ricchezza colorata ("Kokorinov", 1769–1770; una serie di ritratti di alunni dell'Istituto Smolny, 1773–1776); i ritratti intimi sono profondamente individuali nelle loro caratteristiche, sobri nel colore ("M. A. Dyakova", 1778). IN periodo tardo prese in parte l'influenza del classicismo (ritratto di Caterina II, 1783).

Lomonosov Mikhail Vasilievich(1711-1765) - il primo scienziato-enciclopedista russo di livello mondiale, poeta. Il fondatore della moderna lingua letteraria russa. Artista. Storico. Figura dell'istruzione pubblica e della scienza. Studiò all'Accademia slavo-greco-latina di Mosca (dal 1731), all'Università accademica di San Pietroburgo (dal 1735), in Germania (1736-1741), dal 1742. - aggiunto, dal 1745 - il primo accademico russo dell'Accademia delle scienze di San Pietroburgo. Membro dell'Accademia delle arti (1763).

Maikov Vasily Ivanovich(1728-1778) - Poeta russo. Autore delle poesie The Ombre Player (1763), Elisha, or the Irritated Bacchus (1771), Prayerful Fables (1766–1767).

Polzunov Ivan Ivanovich (1728-1766) - Ingegnere del riscaldamento russo, uno degli inventori del motore termico. Nel 1763 sviluppò un progetto per un motore a vapore universale. Nel 1765 creò la prima centrale elettrica a vapore e termica in Russia per le esigenze di fabbrica, che funzionò per 43 giorni. Morta prima del processo.

Popovsky Nikolay Nikitich(1730-1760) - Educatore, filosofo e poeta russo. Professore all'Università di Mosca (dal 1755). Un sostenitore e uno degli ideologi dell'assolutismo illuminato.

Bartolomeo Carlo Rastrelli(1675-1744) - scultore. Italiano. Dal 1716 - al servizio a San Pietroburgo, le sue opere sono caratterizzate da splendore e splendore barocchi, capacità di trasmettere la trama del materiale raffigurato ("Imperatrice Anna Ioannovna con un bambino nero", 1733-1741).

Rastrelli Varfolomey Varfolomeevich(1700-1771) - un eccezionale architetto russo, rappresentante del barocco. Figlio di BK Rastrelli. Le sue opere sono caratterizzate da una grandiosa portata spaziale, chiarezza dei volumi, rigore dei piani rettilinei, uniti alla plasticità delle masse, ricchezza di decorazioni scultoree e colori, ornamenti stravaganti. Le opere più grandi sono il Monastero Smolny (1748–1754) e il Palazzo d'Inverno (1754–1762) a San Pietroburgo, Gran Palazzo a Peterhof (1747–1752), il Palazzo di Caterina a Carskoe Selo (1752–1757).

Rokotov Fedor Stepanovich(1735-1808) - Pittore russo. Fine nella pittura, profondo ritratti poetici intriso della consapevolezza della bellezza spirituale e fisica di una persona ("Sconosciuto in abito rosa", 1775; "VE Novosiltsova", 1780, ecc.).

Sumarokov Aleksandr Petrovich(1717-1777) - Scrittore russo, uno dei rappresentanti di spicco del classicismo. Nelle tragedie "Khorev" (1747), "Sinav and Truvor" (1750) e altre, sollevò il problema del dovere civico. Autore di molte commedie, favole, canzoni liriche.

Tatishchev Vasily Nikitich(1686-1750) - Storico russo, statista. Fabbriche statali gestite negli Urali, era il governatore di Astrakhan. Autore di molte opere di etnografia, storia, geografia. L'opera più grande e famosa è "Storia russa dai tempi antichi".

Trediakovsky Vasily Kirillovich(1703-1768) - Poeta russo, filologo, accademico dell'Accademia delle scienze di San Pietroburgo (1745-1759). Nell'opera "Un nuovo e breve modo di comporre la poesia russa" (1735) formulò i principi della versificazione sillabotonica russa. Il poema "Tilemakhida" (1766).

Trezzini Domenico(1670-1734) - Architetto russo, rappresentante del primo barocco. Svizzero per nazionalità. In Russia dal 1703 (invitato a partecipare alla costruzione di San Pietroburgo). Costruì la residenza estiva di Pietro I (1710-1714), la Cattedrale di San Pietro. Pietro e Paolo nella Fortezza di Pietro e Paolo (1712–1733), la costruzione di 12 collegi (1722–1734) a San Pietroburgo.

Felten Yuri Matveevich(1730-1801) - Architetto russo, rappresentante del primo classicismo. Autore dell'Antico Hermitage (1771–1787), recinzioni del Giardino d'Estate (1771–1784) a San Pietroburgo. Ha partecipato alla costruzione degli argini granitici della Neva (dal 1769).

Kheraskov Mikhail Matveevich(1733-1807) - Scrittore russo. Autore del famoso poema epico "Rossiyada" (1779), scritto nello spirito del classicismo.

Shelikhov (Shelekhov) Grigory Ivanovich(1747-1795) - Mercante russo, pioniere. Nel 1775 creò un'azienda per il commercio di pellicce e pellicce isole settentrionali Oceano Pacifico e Alaska. Ha fondato i primi insediamenti russi nell'America russa. Ha condotto importanti ricerche geografiche. Sulla base della compagnia creata da Shelikhov, nel 1799 fu costituita la Compagnia russo-americana.

Shubin Fedot Ivanovich(1740-1805) - un eccezionale scultore russo. rappresentante del classicismo. Ha creato una galleria di ritratti scultorei psicologicamente espressivi (busti di A. M. Golitsyn, 1775; M. R. Panina, 1775; I. G. Orlova, 1778; M. V. Lomonosov, 1792, ecc.).

Yakhontov Nikolai Pavlovich(1764-1840) - Compositore russo. L'autore di una delle prime opere russe "Sylph, or the Dream of a Young Woman".

Arte russa della prima metà XIX secolo. Rivolta nazionale associata alla guerra patriottica del 1812. Guerra e rivolta dei Decabristi nella cultura russa nel primo terzo del secolo Acute contraddizioni del tempo negli anni '40. Motivi romantici nella letteratura e nell'arte, il che è naturale per la Russia, coinvolta nel processo culturale paneuropeo da più di un secolo. Il percorso dal classicismo al realismo critico attraverso il romanticismo.

L'accresciuto ruolo sociale dell'artista, l'importanza della sua personalità, il diritto alla libertà di creatività, in cui si pongono sempre più problemi sociali e morali; la creazione di società artistiche e riviste speciali ("Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts", "Journal of Fine Arts", "Society for the Encouragement of Artists", "Russian Museum", "Russian Gallery"), provinciale scuole d'arte Lo stile dominante di questo periodo è il classicismo maturo o alto (Impero russo).

L'architettura del primo terzo del secolo è la soluzione di grandi problemi urbani. A San Pietroburgo è in fase di completamento il tracciato delle principali piazze della capitale: il Palazzo e il Senato. Mosca fu costruita in modo particolarmente intenso dopo l'incendio del 1812. L'antichità nella sua versione greca (e anche arcaica) diventa l'ideale. Si usa l'ordine dorico (o toscano), severo e conciso. Un ruolo enorme nell'aspetto generale dell'edificio è svolto dalla scultura, che ha un certo significato semantico. Il colore decide molto, di solito l'architettura dell'alto classicismo è bicolore: colonne e statue in stucco sono bianche, lo sfondo è giallo o orecchini. Tra gli edifici, il posto principale è occupato dagli edifici pubblici: molto meno spesso vengono costruiti teatri, dipartimenti, istituti scolastici, palazzi e templi.

A. Voronikhin - il più grande architetto di questo tempo (Cattedrale di Kazan). A.Zakharov dal 1805 - "il capo architetto dell'Ammiragliato" (l'Ammiragliato come principale complesso di San Pietroburgo). C.Rossi - il principale architetto pietroburghese del primo terzo del XIX secolo. (“Impero russo”), “pensare per insieme”: un palazzo o un teatro trasformati in fulcro urbanistico da piazze e nuove strade (Palazzo Mikhailovsky, oggi Museo Russo; edificio Teatro di Alessandria; Palazzo del Senato sulla famosa Piazza del Senato). "Il più rigoroso" di tutti gli architetti del tardo classicismo V.Staso v(Caserma Pavlovsky sul Campo di Marte, il "Dipartimento delle scuderie" sull'argine Moika, la cattedrale del reggimento del reggimento Izmailovsky, le porte trionfali di Narva e Mosca, interni Palazzo d'Inverno dopo l'incendio), che ovunque sottolinea la massa, la sua pesantezza plastica, statica, imponenza e pesantezza. La Cattedrale di Sant'Isacco a San Pietroburgo (O.Montferrand) è uno degli ultimi eccezionali monumenti dell'architettura religiosa in Europa del XIX secolo, che univa migliori forze architetti, scultori, pittori, muratori e fonditori, un esempio di classicismo che perde armonia, peso, complicazione.

Il legame tra la scultura della prima metà del secolo e lo sviluppo dell'architettura: le statue di Barclay de Tolly e Kutuzov nella cattedrale di Kazan (B. Orlovsky), che hanno dato ai simboli dell'eroica resistenza una bella cornice architettonica. ("Guy Playing Money" di N. Pimenov, "Guy Playing Pile" di A. Loganovsky). l'altro rivela un desiderio di una riflessione più diretta e multilaterale della realtà, si diffonde nella seconda metà del secolo, ma entrambe le direzioni stanno gradualmente perdendo i tratti dello stile monumentale.

Veri successi della pittura nel romanticismo. Nel genere del ritratto, il posto principale è occupato da O. Kiprensky (il dipinto "Dmitry Donskoy sulla vittoria su Mamai", che dava diritto al viaggio di un pensionato all'estero; ritratti di E. Rostopchin, D. Khvostov, il ragazzo Chelishchev, colonnello degli ussari della vita E. Davydov - un'immagine collettiva di l'eroe della guerra del 1812).

Il romanticismo trova la sua espressione nel paesaggio. S. Shchedrin ("Veduta di Napoli in una notte di luna") è stato il primo ad aprire la pittura plein air per la Russia: ha dipinto schizzi all'aria aperta e ha completato il quadro ("decorato") in studio. IN lavori recenti L'interesse di Shchedrin per gli effetti di chiaroscuro divenne sempre più distinto. Come il ritrattista Kiprensky e il pittore di battaglie Orlovsky, il paesaggista Shchedrin dipingeva spesso scene di genere.

Rifrazione del genere quotidiano nei ritratti V.Tropinina (ritratto di suo figlio Arseny, ritratto di Bulakhov), un artista liberato dalla servitù solo all'età di 45 anni. I migliori ritratti di Tropinin sono caratterizzati da un'elevata perfezione artistica, sincerità delle immagini, vivacità e immediatezza, enfatizzate da un'abile illuminazione.

Tropinin ha introdotto solo un elemento di genere nel ritratto. "Padre del genere domestico russo" - A. Venetsianov ("Mietitori", "Primavera. Sulla terra arabile", "Contadina con fiordalisi", "Mattina del proprietario terriero"), che combinava nel suo lavoro elementi di classicismo, romanticismo, sentimentalismo e naturalismo, ad es. di tutti i movimenti artistici “vivi” all'inizio dell'Ottocento, non ha rivelato le aspre collisioni della vita di un contadino, non ha sollevato le “domande malate” del nostro tempo. Ha dipinto uno stile di vita patriarcale, ma non vi ha introdotto la poesia dall'esterno, non l'ha inventata, ma l'ha attinta dalla vita stessa delle persone.

Lo sviluppo della pittura storica russa negli anni '30 e '40 sotto il segno del romanticismo. "Il genio del compromesso" tra gli ideali del classicismo e le innovazioni del romanticismo - K. Bryullov ("Narciso" è uno schizzo che si è trasformato in un dipinto; "L'ultimo giorno di Pompei" è l'opera principale dell'artista, che mostra la grandezza e la dignità di una persona di fronte alla morte). La figura centrale nel dipinto di la metà del secolo è A. Ivanov (il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo", che rifletteva la fede appassionata dell'artista nella trasformazione morale delle persone, nella perfezione di una persona che cerca libertà e verità).

Le fonti principali per la pittura di genere della seconda metà del secolo risiedono nell'opera di P.Fedotov , che è riuscito a esprimere lo spirito della Russia negli anni 40. Il percorso dalla semplice scrittura quotidiana all'implementazione nelle immagini dei problemi della vita russa: "Major's matchmaking" (smascherare i matrimoni di nobili impoveriti con mercanti "sacchi di denaro") , "The Picky Bride" (una satira sul matrimonio di convenienza), "Breakfast of an aristocrat" (denuncia del vuoto di un tizio laico che si getta polvere negli occhi), "Ancora, ancora ancora!" (un tragico sentimento di insensatezza dell'esistenza), "The Fresh Cavalier" ... L'arte di Fedotov completa lo sviluppo della pittura nella prima metà del XIX secolo. e apre una nuova fase: l'arte del realismo critico (democratico).

Arte russa della seconda metà XIX secolo . La scultura e l'architettura si svilupparono meno rapidamente durante questo periodo. I mezzi di espressività artistica del classicismo contraddicono i compiti fissati dall'architettura della seconda metà del XIX secolo. Storicismo (stilizzazione retrospettiva, eclettismo) come reazione alla canonicità dello stile classico. Le nuove tipologie edilizie del periodo del capitalismo richiedevano nuove e diverse soluzioni compositive, che gli architetti iniziarono a ricercare nelle forme decorative del passato, utilizzando motivi gotici, rinascimentali, barocchi e rococò.

1840: fascino per il Rinascimento, il Barocco, il Rococò. Nello spirito del neobarocco e del neorinascimento, vengono eseguiti alcuni interni, il Palazzo Nikolaevsky. Negli anni '70 e '80, le tradizioni classiche in architettura sono scomparse. L'introduzione di rivestimenti metallici, strutture a telaio metallico, ha dato vita ad un'architettura razionale con i suoi nuovi concetti funzionali e costruttivi. Opportunità tecnica e funzionale nella realizzazione di nuove tipologie edilizie: industriali e amministrative, stazioni, passaggi, mercati, ospedali, banche, ponti, teatri e strutture per lo spettacolo.

La crisi del monumentalismo ha colpito anche lo sviluppo della scultura monumentale. I monumenti diventano troppo patetici, frazionati nella silhouette, dettagliati (il monumento a Caterina II a San Pietroburgo) o nello spirito da camera (il monumento a Pushkin a Mosca) Nella seconda metà del XIX secolo. la scultura da cavalletto si sviluppa, principalmente genere, narrativa, sembra un dipinto di genere tradotto in scultura (M. Chizhov "A Peasant in Trouble", V. Beklemishev "Village Love"). Il genere animalesco si sta sviluppando (E. Lansere e A. Aubert), che ha svolto un ruolo importante nello sviluppo della scultura realistica russa di piccole forme.

Nella seconda metà dell'Ottocento, un atteggiamento critico nei confronti della realtà, pronunciate posizioni civiche e morali e un acuto orientamento sociale erano anche caratteristici della pittura, in cui si stava formando un nuovo sistema artistico di visione, espresso nel realismo critico. stretta connessione tra pittura e letteratura. Artisti come illustratori, interpreti schietti di acuti problemi sociali della società russa.

L'anima di una direzione critica nella pittura V.Perov , che ha raccolto il caso di Fedotov ed è riuscito a mostrare in modo semplice e penetrante i lati della semplice vita quotidiana: l'aspetto sgradevole del clero ("Processione rurale a Pasqua"), la vita senza speranza dei contadini russi ("Vedere i morti"), il vita dei poveri urbani ("Troika") e dell'intellighenzia ("L'arrivo della governante alla casa del mercante").

La lotta per il diritto dell'arte a trasformarsi in vita reale e reale all'Accademia delle arti di San Pietroburgo ("rivolta del 14"). L'associazione dei diplomati dell'Accademia che si è rifiutata di scrivere un quadro programmatico su un tema dell'epopea scandinava (ci sono così tanti problemi moderni in giro!), Associazione delle mostre d'arte itineranti (1870-1923). Queste mostre sono state chiamate mobili perché sono state organizzate a San Pietroburgo, Mosca, nelle province ("andare dalla gente") Ogni mostra degli "Erranti" è come un grande evento. Il programma ideologico dell'Associazione: uno specchio della vita con tutti i suoi acuti problemi sociali, in tutta la sua attualità L'arte degli Erranti come espressione di idee democratiche rivoluzionarie nella cultura artistica della seconda metà dell'Ottocento. è stato creato su iniziativa di Myasoedov, supportato da Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin , fratelli Makovsky. Successivamente furono raggiunti da giovani artisti; Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko. Serov, Levitan, Polenov partecipano a mostre dalla metà degli anni '80. Il leader e teorico dei Wanderers I. Kramskoy.

Genere di battaglia negli anni 70-80. V. Vereshchagin ("L'apoteosi della guerra") come vicino agli Erranti (dal punto di vista organizzativo, non apparteneva a loro). Ha organizzato le sue mostre in diverse parti del mondo e ha realizzato l'idea di vagare in modo molto ampio.

La democrazia nel genere del paesaggio. Un piccolo paesaggio spettacolare della Russia centrale esteriormente, la dura natura del nord come tema principale dei pittori. A.Savrasov ("Rooks Have Arrived", "Rye", "Country Road") - "il re dell'aria", che ha saputo trovare nel più semplice quei tratti profondamente toccanti, spesso tristi che sono così fortemente sentiti nel paesaggio nativo e così irresistibilmente colpiscono l'anima.... Un altro concetto di paesaggio nell'arte F. Vasilyeva ("After the Rain", "Thaw", "Wet Meadow") - un "ragazzo brillante" che ha scoperto il "cielo vivente" per la pittura di paesaggio, mostrando con il suo destino "mozartiano" che la vita non conta per gli anni vissuti, ma per quanto pronto l'uomo vede, creare, amare e meravigliarsi. V. Polenova ("Moscow Yard", "Christ and the Sinner") ha affrontato molto i generi domestici e storici, in cui il paesaggio ha avuto un ruolo enorme. Polenov è un vero riformatore della pittura russa, che l'ha sviluppata sulla via del plein airismo. La sua comprensione del bozzetto come opera d'arte indipendente ebbe una grande influenza sui pittori del tempo successivo. I. Levitano come successore delle tradizioni di Savrasov e Vasilyev ("Birch Grove", "Evening Ringing", "At the Pool", "March", "Golden Autumn"), "un talento enorme, originale, originale", "il miglior Pittore paesaggista russo”.

L'apice del realismo democratico nella pittura russa della seconda metà del XIX secolo. giustamente considerato il lavoro di Repin e Surikov, che ciascuno a modo suo ha creato un'immagine eroica monumentale del popolo. I. Repin ("Trasportatori di chiatte sul Volga", "Processione religiosa in Provincia di Kursk», « L'arresto del propagandista”, “Rifiuto della confessione”, “Non si aspettavano”) - “un grande realista”, che ha lavorato in una varietà di generi, dal folklore alla ritrattistica, che è riuscito a esprimere le caratteristiche nazionali della vita russa più luminose di altri pittori . Il suo mondo dell'arte intero, perché è "traslucido" con un pensiero, un amore: l'amore per la Russia Nella creatività V.Surikov ("Morning of the Streltsy Execution", "Menshikov in Berezov", "Boyar Morozova", "The Conquest of Siberia by Ermak", "The Capture of the Snow Town"), la pittura storica ha trovato la sua comprensione moderna. Surikov, in quanto "testimone del passato", è riuscito a mostrare "le cose terribili del passato, presentando nelle sue immagini all'umanità l'anima eroica del suo popolo". il XIX secolo. lavorarono anche altri artisti. Nella creatività V.Vasnetsova prevale la fiaba, il folklore o l'immagine leggendaria ("Alyonushka", "Il cavaliere all'incrocio", "Bogatiri").

Arte russa della fine XIX -inizio XX secolo . Con la crisi del movimento populista negli anni '90, il "metodo analitico del realismo ottocentesco" è diventato obsoleto. Il declino creativo degli Erranti, che sono entrati nel "piccolo soggetto" di un divertente film di genere. Le tradizioni di Perov sono state conservate presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Tutti i tipi di arte - pittura, teatro, musica, architettura - sono sinonimo di rinnovamento del linguaggio artistico, di alta professionalità.

Per i pittori di inizio secolo, altri modi di espressione sono caratteristici di quelli degli Erranti, altre forme di creatività artistica - in immagini contraddittorie, complicate e che riflettono la modernità senza illustratività e narrativa. Gli artisti cercano dolorosamente l'armonia e la bellezza in un mondo che è fondamentalmente estraneo sia all'armonia che alla bellezza. Ecco perché molti hanno visto la loro missione nel coltivare un senso di bellezza. Questo tempo di "vigilie", l'attesa di cambiamenti nella vita pubblica, ha dato origine a molti movimenti, associazioni, raggruppamenti.

Il ruolo dell'associazione artisti "Il mondo dell'arte" nella divulgazione dell'arte domestica e dell'Europa occidentale. "World of Art" (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) ha contribuito al consolidamento delle forze artistiche, la creazione dell '"Unione degli artisti russi ". Significato per la formazione dell'unificazione della personalità di Diaghilev, mecenate, organizzatore di mostre, impresario del balletto russo e tournée d'opera all'estero ("Stagioni russe"). Le principali disposizioni del "World of Art": l'autonomia dell'arte, i problemi della forma d'arte, il compito principale dell'arte è l'educazione dei gusti estetici della società russa attraverso la conoscenza delle opere d'arte mondiale.

La nascita dello stile Art Nouveau, che ha interessato tutte le arti plastiche, dall'architettura alla grafica, non è un fenomeno univoco, contiene anche pretenziosità decadenti, pretenziosità, pensate per gusti borghesi, ma c'è anche un desiderio di unità di stile che è di per sé significativo. Caratteristiche dell'Art Nouveau: nella scultura - la fluidità delle forme, la speciale espressività della silhouette, il dinamismo della composizione; nella pittura: il simbolismo delle immagini, la dipendenza dalle allegorie.

L'emergere dell'Art Nouveau non ha significato il crollo delle idee di vagabondaggio, che si sviluppa diversamente: il tema contadino si rivela in un modo nuovo (S. Korovin, A. Arkhipov). Rus' antica disegna M.Nesterov , ma l'immagine della Rus' appare nei suoi dipinti come un mondo ideale, incantato, in armonia con la natura, ma scomparso come la leggendaria città di Kitezh ("Visione al giovane Bartolomeo").

Un'altra visione del mondo K. Korovina , che iniziò presto a scrivere all'aria aperta... I suoi paesaggi francesi ("Luci parigine") sono già una scrittura piuttosto impressionista. Impressioni nitide e istantanee della vita di una grande città: strade tranquille in tempo diverso giorni, oggetti dissolti nel mezzo luce-aria - tratti che ricordano i paesaggi di Manet, Pissarro. Studio impressionista, maestria pittorica, abilità artistica conserva Korovin nel ritratto e nella natura morta, nei pannelli decorativi, nelle scenografie teatrali.

Innovatore della pittura russa all'inizio del secolo V.Serov ("La ragazza con le pesche", "La ragazza illuminata dal sole") è un intero palcoscenico della pittura russa. Ritratto, paesaggio, natura morta, pittura domestica, storica; olio, guazzo, tempera, carboncino: è difficile trovare generi in cui Serov non funzionerebbe: un tema speciale nel suo lavoro è il contadino, in cui non c'è nitidezza sociale itinerante, ma c'è un senso della bellezza e dell'armonia di vita contadina, ammirazione per la sana bellezza del popolo russo.

"Araldo di altri mondi" M.Vrubel , che ha causato sconcerto come persona e indignazione come artista ("Pan", "The Swan Princess", " Demone seduto"," Indovino", "Lilla"). Il primo simbolista (?), "universale nell'arte", la cui ricerca viene confrontata con il metodo di Leonardo da Vinci, Vrubel molto rapidamente "cade" dalla pittura "tradizionale", colpisce con un originale, pieno di mistero e quasi potere demoniaco nel modo di dipingere, che si è rivelato profetico per le nuove direzioni artistiche del XX secolo ...

"Miriskussnik" N.Roerich . Conoscitore della filosofia e dell'etnografia d'Oriente, l'archeologo-scienziato Roerich aveva in comune con il "Mondo dell'arte" l'amore per la retrospettiva, per l'antichità pagana slava e scandinava ("Messaggero", "Gli anziani convergono", "Sinister" ). Roerich era più strettamente associato alla filosofia e all'estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non rientrava nel quadro delle tendenze esistenti, perché, secondo la visione del mondo dell'artista, faceva appello a tutta l'umanità con un appello unione amichevole tutti i popoli. Successivamente, i temi storici lasciano il posto alle leggende religiose ("Battaglia celeste"). Il suo pannello decorativo "La battaglia di Kerzhents" è stato esposto durante l'esecuzione di un frammento omonimo dell'opera di Rimsky-Korsakov "La leggenda della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia" nelle "stagioni russe" parigine.

Nella seconda generazione del "World of Art" era uno degli artisti più dotati B. Kustodiev , uno studente di Repin, che è caratterizzato dalla stilizzazione, ma questa è una stilizzazione di una popolare stampa popolare ("Fiere", "Shrovetide", "Balagany", "Merchant for Tea").

1903, la costituzione dell'associazione "Unione degli artisti russi" , che comprende figure del "Mondo dell'arte" - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, e i partecipanti alle prime mostre erano Vrubel, Borisov-Musatov. Gli iniziatori della creazione dell'associazione furono artisti di Mosca associati a " il mondo dell'arte”, ma appesantito dall'estetica programmatica dei pietroburghesi. K. Korovin era considerato il leader dell '"Unione".

1910, creazione dell'associazione "Fante di Quadri" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), che si sono espressi contro l'indeterminatezza, l'intraducibilità, le sfumature del linguaggio simbolico della "Rosa blu" e lo stilismo estetico del "Mondo di Arte". "Knaves of Diamonds" professava una chiara costruzione dell'immagine, enfatizzava l'obiettività della forma, l'intensità, il colore pieno. Natura morta come genere preferito di "jack".

Creatività "solitaria e unica". P. Filonova , che si è posto l'obiettivo di comprendere la metafisica dell'universo attraverso la pittura, creando forme cristalline come elementi primari dell'universo ("Festa dei re", "Sacra famiglia"). Vitalità delle tradizioni nazionali, grande antico russo dipingere nella creatività K. Petrova-Vodkina , un artista-pensatore ("Bathing the Red Horse" come metafora pittorica, "Girls on the Volga" - un orientamento verso le tradizioni dell'arte russa).

L'era del capitalismo industriale altamente sviluppato e dei cambiamenti nell'architettura della città. Nuovi tipi di edifici: fabbriche, stazioni, negozi, banche, cinema. Nuovi materiali da costruzione - cemento armato e strutture metalliche, che consentono di coprire spazi giganteschi, realizzando enormi vetrine.

L'arte degli anni pre-rivoluzionari in Russia è caratterizzata dall'insolita complessità e incoerenza delle ricerche artistiche, da qui i raggruppamenti che si sostituiscono a vicenda con le proprie impostazioni di programma e simpatie stilistiche. Ma insieme agli sperimentatori nel campo delle forme astratte nell'arte russa dell'epoca, "World of Art" e "Blue Bearers", "alleati", "Knaves of Diamonds", artisti della tendenza neoclassica continuarono contemporaneamente a lavorare .