Biografia del coreografo di Alexander Ekman. La coreografia di "Cactus" è interessante

I programmi prendono il nome dai coreografi. Dopo il primo - “Lifar. Kiliano. Forsythe" - hanno mostrato il quartetto di ballo: "Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman. In totale - ​sette nomi e sette balletti. Le idee dell'ostinato francese, ex étoile dell'Opéra di Parigi, sono di facile lettura. Hilaire non ha fretta di guidare la squadra a lui affidata lungo il percorso storicamente stabilito delle tele della trama multi-atto, preferisce loro una serpentina di atti unici di stili diversi (sono previsti altri due programmi di un formato simile). La troupe, che nel recente passato è sopravvissuta alla partenza di quasi tre dozzine di giovani artisti, si è ripresa a tempo di record e sembra degna di prime opere. I progressi sono particolarmente evidenti, dato che Hilaire non apre ancora le porte del teatro agli artisti "invitati" e nutre diligentemente la propria squadra.

La prima della prima è stata la Serenata di George Balanchine, che gli Stanislaviti non avevano mai ballato prima. Con questa romantica elegia sulla musica di Čajkovskij inizia il periodo americano del grande coreografo, che all'inizio del 1934 aprì una scuola di ballo nel Nuovo Mondo. Per i suoi primi studenti, che non avevano ancora padroneggiato bene la grammatica della danza, ma sognavano i classici, Balanchine ha messo in scena la Serenata, di spirito russo. Cristallo, etereo, senza peso. Gli artisti del Muztheater dirigono lo spettacolo allo stesso modo dei primi interpreti. È come se toccassero con cura un fragile tesoro: mancano anche di mobilità interna, su cui insisteva il coreografo, ma è evidente il desiderio di comprendere qualcosa di nuovo. La sottomissione e il rispetto per una creazione poetica, tuttavia, è preferibile alla vivacità e al coraggio, con cui le compagnie, sicure della loro abilità, ballano la Serenata. Corpo di ballo femminile: la cosa principale attore opus - prende vita nei sogni di una notte insonne, quando già si allontana prima dell'alba mattutina. Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova, così come i "principi" Ivan Mikhalev e Sergey Manuilov, che sognavano le loro eroine senza nome, hanno un bell'aspetto nella composizione dell'umore senza trama.

Altre tre prime produzioni non sono familiari ai moscoviti. "Halo" è un gesto solare e di affermazione della vita di Paul Taylor, un coreografo modernista che parla della natura del movimento. La danza dinamica e spettacolare è in continua trasformazione, che ricorda una disposizione indipendente, rompe le solite pose e salti, le braccia si intrecciano come rami o saltano come ginnaste che saltano giù dall'attrezzatura sportiva. La coreografia, percepita come innovativa mezzo secolo fa, viene salvata dalla spinta e dall'umorismo, passando in un lampo da massime serie a scappatelle ironiche. A piedi nudi Natalya Somova, Anastasia Pershenkova ed Elena Solomyanko, vestite con abiti bianchi, dimostrano un gusto per i contrasti eleganti nella composizione. Georgi Smilevsky, l'orgoglio del teatro e la sua eccezionale prima, è responsabile della parte lenta, capace di portare tensione drammatica, stile e bellezza festosa all'assolo. Dmitry Sobolevsky è un virtuoso, impavido ed emotivo. Sorprendentemente, la musica cerimoniale di Handel è facilmente "accettata" dalle fantasie di Taylor, dispiegando un vero e proprio maratona di danza. Entrambe le esibizioni, ricreando stili diversi Coreografia americana, accompagnata da Orchestra Sinfonica teatro sotto la direzione del talentuoso maestro Anton Grishanin.

Dopo Ciajkovskij e Handel - un fonogramma e un duetto dei fisarmonicisti Christian Pache e Gerard Baraton "che accompagnano" una miniatura di 12 minuti del coreografo francese Jacques Garnier "Onis". L'esibizione sulla musica di Maurice Pasha è stata provata dall'ex regista compagnia di balletto L'Opera di Parigi e Brigitte Lefevre, socia di Laurent Hilaire. Nel Teatro del Silenzio, da lei fondato insieme a Jacques Garnier, in una serie di esperimenti con la coreografia moderna, si è svolto quarant'anni fa il primo spettacolo di Onis. Il coreografo lo dedicò a suo fratello e lo eseguì lui stesso. Successivamente ha rielaborato la composizione per tre solisti, la cui danza nella presentazione attuale ricorda il vino aspro fatto in casa, colpendo leggermente la testa. I ragazzi, legati se non dalla parentela, poi da una forte amicizia, provocatoriamente e senza piagnucoloni parlano di come sono cresciuti, si sono innamorati, si sono sposati, hanno allattato figli, hanno lavorato, si sono divertiti. A Onys, una piccola provincia della Francia, si svolge un'azione semplice per l'enumerazione senza pretese di pepite-“armonisti”, che di solito suonano durante le vacanze in paese. Yevgeny Zhukov, Georgi Smilevsky Jr., Innokenty Yuldashev sono giovanili spontanei e si esibiscono con passione, infatti, numero di varietà condito con sapore folcloristico.

Lo svedese Alexander Ekman è conosciuto come un burlone e un maestro delle curiosità. Al festival Benois de la Danse, per il suo Lago dei cigni, ha voluto installare la principale teatro russo una piscina con seimila litri d'acqua e vi corrono artisti danzanti. È stato rifiutato e ha improvvisato un assolo divertente con un bicchiere d'acqua, chiamandolo "A cosa penso dentro Teatro Bolshoj". Una manciata di reperti eccentrici è stata ricordata anche dal suo "Cactus".

In "Tulle" Ekman non analizza la danza, ma la stessa vita teatrale. Mostra il suo interno sudato, base rituale, ironizzando sulle ambizioni e sui cliché degli interpreti. Un sorvegliante in nero all'andatura traballante di Anastasia Pershenkova sulle scarpe da punta, da cui la sua troupe eroicamente non discende, falcia sotto una diva modella civettuola. Gli artisti si stanno concentrando sulle stupidaggini dell'ingenua pantomima, ripetendo continuamente noiosi passi di esercizio. Lo stanco corpo di ballo cade nella disperazione: artisti esausti perdono il loro sincronismo, si piegano a metà, battono i piedi, schiaffeggiano pesantemente il palco ea piedi pieni. Come puoi credere che recentemente ti siano scivolati sulla punta delle dita.

Ed Ekman non smette mai di stupire con l'eclettismo, portando in scena sia una coppia del balletto di corte del “Re Sole” di Luigi XIV, sia turisti curiosi con le macchine fotografiche. Sullo sfondo della follia di massa che ha travolto il palco, "salta" su e giù buca dell'orchestra, le immagini sullo schermo di occhi e volti sconosciuti cambiano, la linea corrente della traduzione si precipita. Punteggio compilato da Mikael Karlsson da canzoni di successo ritmi di danza, merluzzo e rumore, il rumore delle scarpe da punta e degli applausi, gli spartiti in sala prove e il muggito del corpo di ballo, che si esercita nel passo del cigno, ti fa girare la testa. L'eccessiva nuoce all'armonia di una trama umoristica, il gusto ne risente. È positivo che gli artisti non si perdano in questo divertimento coreografico di massa. Tutti si immergono negli elementi di un gioco giocoso, prendendo in giro con gioia e amore il pazzo mondo dietro le quinte. La scena migliore di Tulle è il grottesco pas de deux del circo. Oksana Kardash e Dmitry Sobolevsky in abiti da clown si divertono con i loro trucchi, circondati da colleghi che contano il numero di fouette e piroette. Proprio come nel film "Big" di Valery Todorovsky.

Il Music Theatre, sempre aperto alla sperimentazione, padroneggia facilmente le distese sconosciute della coreografia mondiale. L'obiettivo - mostrare come si è sviluppata la danza e come sono cambiate le preferenze dei professionisti e del pubblico - è stato raggiunto. Anche le esibizioni sono disposte in una rigorosa cronologia: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tulle". In totale - quasi otto decenni. Il quadro si rivela curioso: dal capolavoro classico di Balanchine, passando per il sofisticato modernismo di Paul Taylor e la stilizzazione folcloristica di Jacques Garnier, fino alla rissa di Alexander Ekman.

Foto sull'annuncio: Svetlana Avvakum

Programma XXVII Festival Internazionale del balletto classico intitolato a R. Nureyev a Kazan ce n'erano tre moderni balletti in un atto coreografo svedese Alexander Ekman, incluso il balletto Cacti.

balletti teatro tedesco, combinato nel programma Trittico, ha causato una valutazione ambigua degli amanti del balletto. Abbiamo l'opportunità di far conoscere ai nostri lettori il punto di vista esatto di una professionista: la ballerina Tatarsky teatro accademico opera e balletto intitolato a M. Jalil.

Sebbene il principale evento di balletto della stagione sia posizionato come un festival di balletto classico, in anni diversi Artisti e gruppi che ballavano coreografie moderne sono venuti a Kazan. Quindi quest'anno i balletomanes sono stati contenti di qualcosa di "insolito".

Affatto coreografia contemporanea, o danza moderna, in ultimo decennio acquisisce rilevanza in Russia. In Occidente, la danza contemporanea - un altro nome per la danza moderna, si è sviluppata da molto tempo e vive una vita ricca. vita teatrale, ha assunto determinate forme. Alcune direzioni e stili di diversi coreografi sono diventati classici del genere. Eppure la danza moderna non finisce mai di stupire.

Per il pubblico di Kazan, l'arrivo del Dortmund Ballet è stata una piacevole sorpresa. Una troupe tedesca ha eseguito quattro balletti in due giorni di festival. Di questi, a mio avviso, il balletto "Cactus" può sicuramente essere definito l'esibizione più eclatante.

Lo spettacolo inizia con una voce fuori campo leggermente assurda che filosofeggia. Una voce pronunciata pateticamente riflette su danza contemporanea e sul ruolo dei critici d'arte nella società odierna, e l'opinione di uno di loro può influenzare la percezione di molti spettatori.

Lo stesso Ekman, in una delle sue interviste, definisce il balletto satirico "Cacti" l'ultimo commento all'opinione di tali critici. Spera anche che lo spettatore capisca il suo arguto suggerimento. Secondo lui, arte Moderna non dovrebbe essere preso molto sul serio.

Quindi inizia l'azione emozionante! 16 ballerini, seduti a scacchiera su piattaforme bianche, iniziano a fare in silenzio qualcosa come esercizi di respirazione yoga, congelandosi di tanto in tanto in pose bizzarre.

Il panorama musicale della performance è intrigante quanto la plasticità dei ballerini. Vivo quartetto d'archi, che riproduce un collage della musica dei grandi compositori: Beethoven, Haydn e Schubert, conferisce un'atmosfera e una nitidezza speciali alla coreografia del "cactus". I ballerini, a loro volta, utilizzando tutto il loro corpo e lo spazio circostante, battono le mani sul pavimento, gridando al ritmo, creano un ritmo contagioso, diventando parte integrante dell'orchestra umana.

Piedistalli bianchi di 1 metro per 1 metro, sui quali, infatti, gli artisti danzano, simboleggiano la dualità di libertà e limitazione. Da un lato ognuno è limitato dal proprio spazio, dall'altro ognuno è libero di manifestarsi sulla propria piccola isola. Il lavoro di luci e ombre è particolarmente impressionante. Qui bisogna dire "bravo" al lighting designer, che al momento giusto ha tirato fuori il ballerino giusto nel suo monologo.

Il coreografo Hooligan Ekman sembra amare sorprendere il pubblico, e giustamente. Quando accade qualcosa di straordinario sul palco, come un gatto impagliato che cade dal cielo durante un semplice dialogo-danza di una coppia ordinaria, lo spettatore reagisce immediatamente in modo vivido. Immergendosi così in prestazione insolita, le persone si prendono una pausa dai problemi quotidiani, e forse questo li ispira a guardare le cose di tutti i giorni (gli stessi cactus, per esempio) da un'angolazione diversa.

Sebbene il capolavoro moderno lasci l'impressione di leggerezza, ironia e disinvoltura, si può solo provare a immaginare quale tipo di preparazione fisica richieda agli artisti questa coreografia. I ballerini del Dortmund Ballet hanno affrontato brillantemente questo compito! La coreografia in alcuni punti ricordava le danze tribali degli africani, l'energia della danza frenetica era così forte. C'era una tale sensazione che i ballerini si lasciassero completamente andare nell'elemento della danza, ma controllassero ancora abilmente ogni muscolo del corpo.

Alla fine della performance, tutti i personaggi costruiscono un'incredibile composizione dalle stesse scatole della piattaforma, che sembravano sfidare le leggi di gravità e in qualche modo stare al limite. Ognuno ha un cactus tra le mani, un simbolo e un'allegoria per persone moderne, ognuno che vive nella propria pentola, altrettanto pungente e senza pretese, ma comunque forte, pronto a sfondare anche attraverso il terreno pietroso dell'asfalto, ci sarebbe solo un raggio di luce.

Questo balletto insolitamente leggero, fresco e dinamico, che, come un turbine, porta lo spettatore nel mondo dello straordinario coreografo e artista del suo tempo, Alexander Ekman.

Questo balletto lo è rappresentante più brillante nuova arte - consigliata per la visione obbligatoria sia per gli spettatori che per i professionisti.

L'autore della recensione si è diplomato alla Kazan Choreographic School (classe di I.Sh. Khakimova) nel 2011 ed è stato accettato nella troupe del TAGTOiB. M. Jalil. È impegnata in più di 10 spettacoli teatrali. Più di recente, l'abbiamo vista nel balletto " Orda d'Oro": v Danza orientaleè apparsa come Peacock. Ha ballato la parte della Madre Lupa in Spartacus, la sposa nel Lago dei cigni. È andata in tournée con la compagnia teatrale nei paesi europei.

Aisylu è una studentessa del 3 ° anno della Higher School of Arts intitolata a S. Saidashev IFMK.

Balletti in un atto del Teatro Nazionale di Danza di Madrid
14.07.11.

Inizierò con lo spiacevole, ma facilmente descritto.

"Flockwork" 14/07/11.
Onestamente ho applaudito dopo l'opera di Ekman.
Certo, non alla creazione, ma agli artisti che sono costretti a soffrire di questa bruttezza. Loro, poveretti, hanno lavorato, provato, praticamente torturato se stessi con questo letame. Come devono essere stati disgustati!

Anche il pubblico, che si era riunito, ovviamente, per il bene di Duato, ha applaudito piuttosto all'unanimità. Che, secondo me, era gratitudine per il lavoro disinteressato dei ballerini che si erano innamorati dei due balletti precedenti.
In effetti, il pubblico, mi sembrava, era piuttosto scettico. Quando l'artista - "laugher" è uscito e ha cercato di provocare le risate del pubblico, ha ridacchiato leggermente, e poi da qualche parte vicino al mio palco è risuonata un'osservazione: "Non aspetterai ..." (praticamente "No pasaran!") , Poi- Tutti quelli che l'hanno sentito hanno riso :)

La somiglianza tra l'opera di Ekman e la "Creazione" di Preljokaj era chiaramente evidente: le bandiere venivano lavate lì, i barili venivano lavati qui, i muri spostati là, i tavoli qui, il completo grigiore di costumi e entourage qua e là. E in conclusione, non appena ho pensato: "È un bene che qui non ci sia nudità" - e letteralmente tre minuti dopo, hanno iniziato a essere proiettate sullo sfondo diapositive con immagini di artisti nudi di entrambi i sessi fino alla vita. Allo stesso tempo, gli artisti dal vivo hanno continuato a ballare (se così si può chiamare) senza motivo. Qui era necessario sia in video seni nudi fissa o fai attenzione ai ballerini. In generale, a Ekman non interessa affatto il lavoro degli artisti, per non parlare del loro potenziale.
Questo sfortunato coreografo "giovane, promettente" non ha niente da dire, quindi ammazza mezz'ora come meglio può. E la fantasia non basta.

E accanto ai balletti di Duato, l'errore di Ekman sembra ancora più inutile.
Bello come Duato, Ekman è altrettanto pietoso e ripugnante. Il programma, forse, è appositamente composto secondo il principio "senti la differenza": dov'è il genio - e dov'è la persona che desidera senza motivo essere un coreografo.
(Forse l'ex assistente di Duato, che ora gestisce la troupe e la lascia subito dopo che Martinez è salito al potere, ha organizzato tali "esibizioni dimostrative" per un motivo?)

Mi sono divertito solo in un paio di episodi di mezzo minuto, quando sono iniziate le danze attive, anche se semplici: era difficile distogliere lo sguardo dagli spagnoli di plastica! Il resto dei 24 minuti hanno strisciato, fatto jogging, parlato, spostato mobili, fatto il bagno, rotolato dalle risate.
incl. Non potevo non applaudirli: gli artisti sono persone forzate. Non è colpa loro se hanno perso Duato e preso Ekman.

Oggi ho ripetuto il viaggio. Per l'anima.
Su Ekman, ovviamente, non è rimasto.
incl. era meraviglioso per i poveri Teatro Nazionale dance of Spain fare a meno dei miei applausi alla fine del programma.

Alessandro Ekman. Foto - Yuri Martyanov / Kommersant

Coreografo Alexander Ekman balletto contemporaneo e social network.

Nel repertorio teatro musicale intitolato a Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, è apparso Tulle - il primo balletto in Russia di Alexander Ekman, uno svedese di 34 anni, il coreografo più prolifico, ricercato e talentuoso della sua generazione, che ha già insegnato 45 balletti in tutto il mondo, l'ultimo di loro - all'Opera di Parigi.

– Hai un dono raro per mettere in scena balletti comici senza trama: in Tulle, ad esempio, non sono i personaggi e le loro relazioni a essere divertenti, ma le stesse combinazioni di movimenti classici e le peculiarità della loro interpretazione. Nel tuo, balletto classico obsoleto?

Adoro il balletto classico, è fantastico. Eppure è solo un ballo, dovrebbe essere divertente, dovrebbe esserci un gioco. Non distorco i movimenti classici, li mostro solo da un'angolazione leggermente diversa: risulta essere un'assurdità così facile. E possono nascere incomprensioni, soprattutto da parte degli artisti: lavorare come in un dramma non è per loro molto consueto. Dico sempre loro: “Non fare la commedia. Non sei tu che dovresti essere divertente, ma le situazioni.

- Quindi, dopo tutto, il teatro è per te più importante del balletto?

“Un teatro è uno spazio in cui duemila persone possono sentirsi in contatto tra loro, provare gli stessi sentimenti e poi discuterne: “Hai visto questo? Splendido, no? Tale unità umana è la cosa più bella del teatro.

- Introduci il discorso nei tuoi balletti: repliche, monologhi, dialoghi. Pensi che il pubblico non capirà la tua idea senza parole?

“Penso solo che sia più divertente così. Mi piace presentare sorprese, sorprese, sorprendere il pubblico. Considera la parola come il mio marchio di fabbrica.

Hai un dono raro per mettere in scena balletti comici senza trama: in Tulle, ad esempio, non sono i personaggi e le loro relazioni a essere divertenti, ma le stesse combinazioni di movimenti classici e le peculiarità della loro interpretazione. Pensi che il balletto classico sia obsoleto?

Adoro il balletto classico, è fantastico. Eppure è solo un ballo, dovrebbe essere divertente, dovrebbe esserci un gioco. Non distorco i movimenti classici, li mostro solo da un'angolazione leggermente diversa: risulta essere un'assurdità così facile. E possono nascere incomprensioni, soprattutto da parte degli artisti: lavorare come in un dramma non è per loro molto consueto. Dico sempre loro: “Non fare la commedia. Non sei tu che dovresti essere divertente, ma le situazioni.

Quindi, il teatro è ancora più importante per te del balletto?

Il teatro è uno spazio in cui duemila persone possono connettersi tra loro, provare le stesse sensazioni e poi discuterne: “Hai visto questo? Splendido, no? Tale unità umana è la cosa più bella del teatro.

Introduci la parola nei tuoi balletti: battute, monologhi, dialoghi. Pensi che il pubblico non capirà la tua idea senza parole?

Penso solo che sia più divertente così. Mi piace presentare sorprese, sorprese, sorprendere il pubblico. Considera la parola come il mio marchio di fabbrica.

Nella mia recensione ho definito il tuo "Tulle" un ironico concerto di classe del 21° secolo. In esso, in primo luogo, viene presentata la gerarchia della compagnia di balletto e, in secondo luogo, tutte le sezioni del simulatore classico, ad eccezione della sbarra.

Non lo so, in qualche modo non avrei ironizzato sull'arte del balletto. Ho appena messo in scena una produzione di The Game all'Opera di Parigi, e mentre ero lì, il mio rispetto per il balletto si è trasformato in ammirazione. Quando sei all'interno di questa troupe, vedi come si comportano gli artisti, come l'etichetta entra nella sala - con una postura regale, con una sorta di autocoscienza regale - sorgono associazioni assolutamente sorprendenti. Il sistema di classi, la corte reale, Luigi il Sole: ecco cos'è. All'Opera di Parigi, puoi immediatamente determinare chi è un'etichetta, chi è un solista, chi è un coryphaeus - dal modo in cui si portano, come si muovono, come interagiscono con le altre persone. Tutto ciò riflette la loro posizione nella società, il loro status. E ho capito che questo è fondamentale: è così che funziona la natura stessa. Ad esempio, entri nel pollaio e vedi immediatamente il gallo principale: è assolutamente bellissimo. Forse solo in Francia e in Russia si può vedere nei cinema quest'ombra di assolutismo. In questi paesi il balletto è apprezzato, lo è orgoglio nazionale, e quindi, mi sembra, c'è una profonda connessione tra le culture francese e russa.

E come hai lavorato con i galli parigini? Siete venuti in sala con abbinamenti già pronti o avete improvvisato? O costretti ad improvvisarsi artisti?

In ogni modo. Ho sempre le idee chiare su cosa voglio creare, tuttavia le particolarità nascono strada facendo. Ma se hai 40 persone in sala, non puoi farle aspettare finché non componi una combinazione specifica. Altrimenti, ti guarderanno così - dicono, è tutto ciò di cui sei capace? - che i resti della fantasia scompariranno immediatamente. All'Opera di Parigi avevo un gruppo di cinque o sei ballerini, abbiamo elaborato il materiale con loro e ho trasferito il disegno finito al corpo di ballo. In effetti, quando metti in scena un balletto, non sai mai cosa accadrà alla fine: sei perseguitato dall'orrore di non sapere. Il processo è eccitante, ma molto faticoso. Dopo Parigi, ho deciso di prendermi una pausa.

Per quanto?

Per sei mesi. O per un anno. Per tutta la vita ho messo in scena molto intensamente: in 12 anni - 45 balletti. Era una corsa continua, alla fine mi sembrava di fare una produzione senza fine. Sono stato guidato dal successo: siamo tutti orientati alla carriera. Ho preso una barriera dopo l'altra Opera di Parigi era il mio obiettivo, l'apice del percorso. Ed eccola presa. Il primo atto della mia vita di balletto è terminato. Ora è l'intervallo.

Ti sei concesso una pausa dal balletto prima: le tue installazioni sono state presentate al Museo di arte moderna di Stoccolma.

Bene, la critica critica è diversa. Alcuni sono anche piacevoli.

Quelli che ti amano. Ad esempio, Mosca: lodiamo sempre le tue esibizioni, adoriamo "Cacti" e ricordiamo quanto bene hai ballato al Bolshoi al concerto di Benois de la danse sotto il tuo monologo "A cosa penso al Teatro Bolshoi". Poi sei stato nominato per Il lago dei cigni, ma non ti hanno dato un premio e non hanno mostrato lo spettacolo: non volevano versare 6.000 litri d'acqua sul palco del Bolshoi. Cosa ti ha spinto a mettere in scena il principale balletto russo a Oslo e come si confronta con il prototipo?

Non c'è modo. All'inizio c'era l'idea di versare molta acqua sul palco. Poi abbiamo pensato: quale dei balletti è collegato all'acqua? Certo, il Lago dei cigni. E ora non so se sia stato intelligente chiamare così la mia esibizione, dal momento che non ha alcun legame con il balletto del Lago dei cigni.

Hai realizzato Swan Lake con il famoso designer svedese Hendrik Wibskov. A proposito, da bambino voleva anche ballare e ha persino vinto un premio per l'esecuzione di hip-hop.

SÌ? Non sapevo. Hendrik è fantastico, mi manca tantissimo. Lui e io coincidiamo completamente in modo creativo: entrambi sembrano essere contorti in una direzione, pronti a creare qualcosa di così folle. Gli piace anche divertirsi, sa giocare, le sue sfilate sono come spettacoli. A Parigi, abbiamo fatto una sfilata con lui sotto forma di " Il lago dei cigni”: hanno versato una pozza d'acqua, vi hanno posato sopra un podio, le modelle camminavano come l'acqua e tra loro si muovevano ballerini in costume della nostra esibizione.

E pubblichi tutti i tuoi giochi su Instagram? Sei molto attivo sui social.

I social network sono una cosa molto conveniente per persona creativa. Posso presentare il mio lavoro finito, posso mostrare a cosa sto lavorando ora - è come un portfolio. Necessario per Instagram linguaggio speciale, e penso che le mie produzioni, che hanno molti effetti visivi, vadano bene per Instagram. Ma non mi piace quando le persone caricano foto come "guarda, sono seduto qui con tal dei tali". La realtà va vissuta, non mostrata. Reti formate nuova forma comunicazione, e ha dato origine a una nuova dipendenza: le persone hanno dimenticato come parlarsi, ma guardano il telefono ogni minuto: quanti Mi piace ho lì?

Hai molto: più di trentamila follower su Instagram, il doppio rispetto, ad esempio, a Paul Lightfoot e Sol Leon, i principali coreografi del famoso NDT.

Voglio ancora di più. Ma sulla pagina di lavoro. Cancellerò quello privato perché ci sto facendo la stessa cosa di tutti gli altri: ehi, guarda che bello mi sto divertendo.

Torniamo alla realtà: vi è stata offerta una produzione qui a Mosca? O almeno il trasferimento di qualcosa di già finito?

Vorrei fare qualcosa qui. Ma ho un intervallo. Anche se, a dire il vero, entra in sala prove.