La coreografia di "Cactus" è interessante. La coreografia di "Cactus" è interessante, quindi il teatro è ancora più importante per te del balletto

Programma XXVII Festival Internazionale del balletto classico intitolato a R. Nureyev a Kazan c'erano tre balletti moderni in un atto del coreografo svedese Alexander Ekman, incluso il balletto "Cacti".

balletti teatro tedesco, combinato nel programma Trittico, ha causato una valutazione ambigua degli amanti del balletto. Abbiamo l'opportunità di far conoscere ai nostri lettori il punto di vista esatto di una professionista: la ballerina Tatarsky teatro accademico opera e balletto intitolato a M. Jalil.

Sebbene il principale evento di balletto della stagione sia posizionato come un festival di balletto classico, in anni diversi Artisti e gruppi che ballavano coreografie moderne sono venuti a Kazan. Quindi quest'anno i balletomanes sono stati contenti di qualcosa di "insolito".

In generale, la coreografia moderna, o danza moderna, in ultimo decennio acquisisce rilevanza in Russia. In Occidente, la danza contemporanea è un altro nome danza moderna, si è sviluppato da tempo e vive una ricca vita teatrale, ha acquisito determinate forme. Alcune direzioni e stili di diversi coreografi sono diventati classici del genere. Eppure la danza moderna non finisce mai di stupire.

Per il pubblico di Kazan, l'arrivo del Dortmund Ballet è stata una piacevole sorpresa. Una troupe tedesca ha eseguito quattro balletti in due giorni di festival. Di questi, a mio avviso, il balletto "Cactus" può sicuramente essere definito l'esibizione più eclatante.

Lo spettacolo inizia con una voce fuori campo leggermente assurda che filosofeggia. La voce pateticamente pronunciata riflette sulla danza moderna e sul ruolo dei critici d'arte nella società odierna, e l'opinione di uno di loro può influenzare la percezione di molti spettatori.

Lo stesso Ekman, in una delle sue interviste, definisce il balletto satirico "Cacti" l'ultimo commento all'opinione di tali critici. Spera anche che lo spettatore capisca il suo arguto suggerimento. Secondo lui, l'arte contemporanea non dovrebbe essere presa molto sul serio.

Quindi inizia l'azione emozionante! 16 ballerini, seduti a scacchiera su piattaforme bianche, iniziano a fare in silenzio qualcosa come esercizi di respirazione yoga, congelandosi di tanto in tanto in pose bizzarre.

Il panorama musicale della performance è intrigante quanto la plasticità dei ballerini. Vivo quartetto d'archi, che riproduce un collage della musica dei grandi compositori: Beethoven, Haydn e Schubert, conferisce un'atmosfera e una nitidezza speciali alla coreografia del "cactus". I ballerini, a loro volta, utilizzando tutto il loro corpo e lo spazio circostante, battono le mani sul pavimento, gridando al ritmo, creano un ritmo contagioso, diventando parte integrante dell'orchestra umana.

Piedistalli bianchi di 1 metro per 1 metro, sui quali, infatti, gli artisti danzano, simboleggiano la dualità di libertà e limitazione. Da un lato ognuno è limitato dal proprio spazio, dall'altro ognuno è libero di manifestarsi sulla propria piccola isola. Il lavoro di luci e ombre è particolarmente impressionante. Qui bisogna dire "bravo" al lighting designer, che al momento giusto ha tirato fuori il ballerino giusto nel suo monologo.

Il coreografo Hooligan Ekman sembra amare sorprendere il pubblico, e giustamente. Quando accade qualcosa di straordinario sul palco, come un gatto impagliato che cade dal cielo durante un semplice dialogo-danza di una coppia ordinaria, lo spettatore reagisce immediatamente in modo vivido. Immergendosi così in prestazione insolita, le persone si prendono una pausa dai problemi quotidiani, e forse questo li ispira a guardare le cose di tutti i giorni (gli stessi cactus, per esempio) da un'angolazione diversa.

Sebbene il capolavoro moderno lasci l'impressione di leggerezza, ironia e disinvoltura, si può solo provare a immaginare quale tipo di preparazione fisica richieda agli artisti questa coreografia. I ballerini del Dortmund Ballet hanno affrontato brillantemente questo compito! La coreografia in alcuni punti ricordava le danze tribali degli africani, l'energia della danza frenetica era così forte. C'era una tale sensazione che i ballerini si lasciassero completamente andare nell'elemento della danza, ma controllassero ancora abilmente ogni muscolo del corpo.

Alla fine della performance, tutti i personaggi costruiscono un'incredibile composizione dalle stesse scatole della piattaforma, che sembravano sfidare le leggi di gravità e in qualche modo stare al limite. Ognuno ha un cactus tra le mani, un simbolo e un'allegoria per persone moderne, ognuno che vive nella propria pentola, altrettanto pungente e senza pretese, ma comunque forte, pronto a sfondare anche attraverso il terreno pietroso dell'asfalto, ci sarebbe solo un raggio di luce.

Questo balletto insolitamente leggero, fresco e dinamico, che, come un turbine, porta lo spettatore nel mondo dello straordinario coreografo e artista del suo tempo, Alexander Ekman.

Questo balletto lo è rappresentante più brillante nuova arte - consigliata per la visione obbligatoria sia per gli spettatori che per i professionisti.

L'autore della recensione si è diplomato alla Kazan Choreographic School (classe di I.Sh. Khakimova) nel 2011 ed è stato accettato nella troupe del TAGTOiB. M. Jalil. È impegnata in più di 10 spettacoli teatrali. Più di recente, l'abbiamo vista nel balletto " Orda d'Oro": v Danza orientaleè apparsa come Peacock. Ha ballato la parte della Madre Lupa in Spartacus, la sposa nel Lago dei cigni. È andata in tournée con la compagnia teatrale nei paesi europei.

Aisylu è una studentessa del 3 ° anno della Higher School of Arts intitolata a S. Saidashev IFMK.

Alessandro Ekman. Foto - Yuri Martyanov / Kommersant

Coreografo Alexander Ekman balletto contemporaneo e social network.

Nel repertorio teatro musicale intitolato a Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, è apparso Tulle - il primo balletto in Russia di Alexander Ekman, uno svedese di 34 anni, il coreografo più prolifico, ricercato e talentuoso della sua generazione, che ha già insegnato 45 balletti in tutto il mondo, l'ultimo di loro - all'Opera di Parigi.

– Hai un dono raro per mettere in scena balletti comici senza trama: in Tulle, ad esempio, non sono i personaggi e le loro relazioni a essere divertenti, ma le stesse combinazioni di movimenti classici e le peculiarità della loro interpretazione. Nel tuo, balletto classico obsoleto?

Adoro il balletto classico, è fantastico. Eppure è solo un ballo, dovrebbe essere divertente, dovrebbe esserci un gioco. Non distorco i movimenti classici, li mostro solo da un'angolazione leggermente diversa: risulta essere un'assurdità così facile. E possono nascere incomprensioni, soprattutto da parte degli artisti: lavorare come in un dramma non è per loro molto consueto. Dico sempre loro: “Non fare la commedia. Non sei tu che dovresti essere divertente, ma le situazioni.

- Quindi, dopo tutto, il teatro è per te più importante del balletto?

“Un teatro è uno spazio in cui duemila persone possono sentirsi in contatto tra loro, provare gli stessi sentimenti e poi discuterne: “Hai visto questo? Splendido, no? Tale unità umana è la cosa più bella del teatro.

- Introduci il discorso nei tuoi balletti: repliche, monologhi, dialoghi. Pensi che il pubblico non capirà la tua idea senza parole?

“Penso solo che sia più divertente così. Mi piace presentare sorprese, sorprese, sorprendere il pubblico. Considera la parola come il mio marchio di fabbrica.

Ancora una volta Laurent Hilaire organizza una serata balletti in un atto, studiando ancora la coreografia del 20° secolo, vai al MAMT. In due viaggi, è ora possibile coprire sette coreografi: prima Lifar, Kilian e Forsyth (), e poi Balanchine, Taylor, Garnier ed Ekman (prima il 25 novembre). "Serenade" (1935), "Halo" (1962), "Onis" (1979) e "Tulle" (2012) rispettivamente. Neoclassico, moderno americano, evasione francese dal neoclassico e da Ekman.

La troupe del Musical Theatre balla Balanchine per la prima volta e Taylor ed Ekman non sono mai stati messi in scena in Russia. Secondo il direttore artistico del teatro, i solisti dovrebbero avere l'opportunità di esprimersi e il corpo di ballo di lavorare.

« Volevo dare ai giovani l'opportunità di esprimersi. Non invitiamo artisti esterni: questo è il mio principio. Penso che la compagnia abbia solisti straordinari che lavorano con grande appetito e si rivelano nel nuovo repertorio da un lato completamente inaspettato.(A proposito di "Onis")

…Grande coreografia, grande musica, venti donne: perché rifiutare una simile opportunità? Inoltre, avendo preparato due composizioni, è possibile occupare la maggior parte delle donne della troupe.(su "Serenade")" da un'intervista per "Kommersant".

Foto: Svetlana Avvakum

Balanchine ha creato "Serenade" per gli studenti adulti della sua scuola di danza in America. " Ho appena insegnato ai miei studenti e ho fatto balletti dove non puoi vedere quanto ballano male". Ha negato sia le interpretazioni romantiche del balletto che la trama nascosta e ha detto di aver preso come base una lezione nella sua scuola: allora qualcuno arriverà in ritardo, poi cadrà. Era necessario prendere 17 studenti, quindi il disegno si è rivelato asimmetrico, in continua evoluzione, intrecciato - spesso le ragazze si tengono per mano e intrecciano. Salti in condizioni di scarsa illuminazione, trattini tritati, chopin blu traslucidi che i ballerini toccano deliberatamente con le mani: tutto è arioso marshmallow. Senza contare una delle quattro parti della serenata di Ciajkovskij "finale su tema russo", dove i ballerini quasi iniziano a ballare, ma poi danza popolare velato dai classici.

Foto: Svetlana Avvakum

Dopo il neoclassico Balanchine, il contrasto è il moderno di Paul Taylor, che, sebbene abbia ballato con il primo in Episodes, ha lavorato nella troupe di Martha Graham. "Halo" alla musica di Gendal è semplicemente un libro di testo sui movimenti moderni: ecco le mani a forma di V, e un dito del piede su se stessi, e una posizione preparatoria jazz, e un passaggio nel sesto dall'anca. Anche qui è rimasto qualcosa dei classici, ma tutti ballano a piedi nudi. Tali oggetti d'antiquariato sembrano già più in un museo, ma il pubblico russo l'ha preso anche con troppo entusiasmo.

Halo di Paul Taylor Foto: Svetlana Avvakum

Così come "Onis" di Jacques Garnier, che un tempo sfuggì all'accademismo e alla trama, concentrandosi sulla danza stessa e corpo umano. Due fisarmonicisti in un angolo del palco, tre ballerini sono sdraiati. Si allungano, ondeggiano, si alzano e iniziano una danza sfrenata con rotazioni, calpestio e schiaffi. Ecco il folklore e Alvin Ailey, la cui tecnica Garnier ha studiato negli Stati Uniti (così come la tecnica di Cunningham). Nel 1972, insieme a Brigitte Lefebvre, lascia l'Opera di Parigi e crea il Teatro del Silenzio, dove non solo sperimenta, ma dirige anche attività educative e uno dei primi in Francia a includere nel suo repertorio il lavoro di coreografi americani. Ora Lefebvre è venuta a Mosca per provare la coreografia di Garnier, che ovviamente piaceva ai ballerini russi, e la stessa Lefevre ha scoperto grazie a loro anche nuove sfumature di questa coreografia.

Onis di Jacques Garnier Foto: Svetlana Avvakum

Ma la prima principale della serata è stata il balletto "Tulle" dello svedese Alexander Ekman. Nel 2010 è stato invitato dal Royal Swedish Ballet a fare una produzione. Ekman ha affrontato la questione con filosofia e ironia (sotto altri aspetti, così come per le altre sue creazioni). “Tulle” è una riflessione sul tema “cos'è il balletto classico”. Con la curiosità di un bambino, fa domande: cos'è il balletto, da dove viene, perché ne abbiamo bisogno e perché è così attraente.

“Mi piace il tutù, sporge in tutte le direzioni”, “il balletto è solo un circo”- dice l'ignoto all'inizio, mentre i ballerini si stanno scaldando sul palco. Ekman, come con una lente d'ingrandimento, riflette sul concetto di "balletto", proprio come in una proiezione video sul palco, l'obiettivo della telecamera scorre tutù di balletto- nell'inquadratura c'è solo una griglia, da vicino tutto sembra diverso.

"Tulle" Alexander Ekman Foto: Svetlana Avvakum

Allora cos'è il balletto?

Questo è un esercizio, il conteggio: sul palco, le ballerine fanno esercizi in modo sincrono, negli altoparlanti c'è un forte rumore delle loro scarpe da punta e un respiro confuso.

Sono cinque posizioni, invariate: sul palco compaiono turisti con le macchine fotografiche, scattano foto ai ballerini come in un museo.

Questo è amore e odio - le ballerine parlano dei loro sogni e paure, dolore ed euforia sul palco - " amo e odio le mie scarpe da punta”.

Questo è un circo: una coppia in costume da arlecchino (la ballerina ha piume sulla testa come cavalli) esegue trucchi complessi al fischio e alle urla degli altri ballerini.

Questo è il potere sullo spettatore: il compositore americano Michael Karlsson ha realizzato un adattamento elettronico di "Swan" con ritmi aggressivi, i ballerini eseguono frammenti di citazioni dal balletto-simbolo del balletto con grandiosità a sangue freddo, e lo spettatore è inchiodato come una lastra di cemento da questa potente estetica.

“Tulle” è una preparazione leggera del balletto, ironica e amorosa, quando all'arte silenziosa viene dato il diritto di voto, e argomenta, ironicamente, ma dichiara con sicurezza la sua grandezza.

Testo: Nina Kudyakova

Il coreografo svedese Alexander Ekman ha iniziato la sua carriera nel balletto all'età di dieci anni come allievo dello svedese Balletto Reale. Dopo aver completato gli studi, diventa ballerino alla Royal Opera di Stoccolma, poi per tre anni si esibisce come parte della compagnia del Nederlands Dans Theatre. Come ballerino, ha lavorato con coreografi come Nacho Duato,. una svolta nella sua destino creativo arriva al 2005: come ballerino del Cullberg Ballet, si dimostra prima coreografo, presentando la prima parte della sua trilogia di balletto "Sisters" - la produzione di "Sisters spinning lino" ad Hannover al Concorso coreografico internazionale. A questa competizione si è classificato secondo e ha vinto anche il premio della critica. Da quel momento Ekman, terminata la sua carriera di ballerino, si dedica interamente alla coreografia.

Insieme al Cullberg Ballet, collabora con il Gothenburg Ballet, il Royal Ballet of Flanders, il Norwegian balletto nazionale, il Balletto del Reno, il Balletto di Berna e molte altre compagnie. Sebbene abbia iniziato la sua carriera come ballerino classico, come coreografo ha privilegiato la danza moderna con la sua libertà, non vincolata da regole e tradizioni consolidate. È stato in questo stile che il coreografo ha sentito l'opportunità di raggiungere l'obiettivo principale che si prefigge sempre quando crea questa o quella produzione: "dire qualcosa" allo spettatore, "cambiare qualcosa nelle persone, anche il modo dei sentimenti ”. Domanda principale, che il coreografo si chiede prima di iniziare a lavorare su qualsiasi produzione: "Perché è necessario?" È questo approccio, secondo Ekman, appropriato nell'arte, e non la ricerca della fama. "Preferirei lavorare con un ballerino meno talentuoso ma affamato di lavoro piuttosto che con una star stanca", afferma Ekman.

"Dominando il balletto" (così Alexander Ekman chiama il suo lavoro), il coreografo, nel tentativo di "cambiare l'immagine dei sentimenti" del pubblico, crea sempre qualcosa di inaspettato - anche la musica per alcune produzioni è stata scritta da lui. Le produzioni di Ekman sono sempre insolite e quindi attirano l'attenzione di tutto il mondo - ad esempio, il balletto "Cactus" è stato presentato su diciotto palchi. L'uso della musica sembra essere una soluzione particolarmente inaspettata, e su questa base viene costruita una produzione spiritosa, che incarna uno sguardo leggermente ironico sulla danza moderna. Non meno famoso è stato il suo primo balletto multi-atto: il trittico di Ekman - Teaching Entertainment.

Ma, sebbene Ekman abbia scelto la danza moderna, ciò non significa che non guardi affatto alle tradizioni classiche. Così, dopo aver ricevuto nel 2010 un'offerta per creare una produzione per il Royal Swedish Ballet, nel 2012 ha presentato il balletto "Tulle", che è una sorta di "riflessione" sui temi del balletto classico.

Ma anche se Alexander Ekman si riferisce ai famosi capolavori del passato, dà loro un'interpretazione fondamentalmente nuova: questo è il "Lago dei cigni", un'interpretazione innovativa " Il lago dei cigni”, presentato dal coreografo nel 2014. I ballerini del Norwegian Ballet hanno avuto difficoltà, perché hanno ballato ... sull'acqua, il coreografo ha creato un vero e proprio “lago” sul palco, inondandolo d'acqua, questo ha richiesto di più di mille litri d'acqua (secondo il coreografo, questa idea gli è nata mentre era in bagno). Ma non solo questa era l'originalità della produzione: il coreografo si rifiuta di presentare la trama, i personaggi principali non sono il principe Siegfried e Odette, ma l'Osservatore e due cigni: bianco e nero, la cui collisione diventa il culmine della performance . Insieme a puro passi di danza la performance contiene anche motivi che sarebbero appropriati nel pattinaggio artistico o anche in uno spettacolo circense.

Nel 2015, "Lake of the Swans" è stato nominato per il premio Benois de la Dance, e Alexander Ekman non sarebbe se stesso se non avesse sorpreso il pubblico al concerto dei candidati. Nonostante non si esibisse come ballerino da molto tempo, lo stesso coreografo è salito sul palco e ha eseguito un numero umoristico, da lui inventato appositamente per questo concerto, “A cosa penso in Teatro Bolshoj". Il numero laconico ha catturato il pubblico non con virtuosismo, ma con una varietà di emozioni - gioia, incertezza, paura, felicità - e, naturalmente, c'era un accenno alla creazione del coreografo: Ekman ha versato un bicchiere d'acqua sul palco. Nel 2016, un'altra creazione del coreografo, Sogno di una notte di mezza estate, è stata nominata per questo premio.

Il lavoro di Alexander Ekman è multiforme. Non limitandosi al balletto nella sua incarnazione tradizionale, il coreografo crea installazioni con la partecipazione di ballerini per il Museo Svedese arte contemporanea. Dal 2011 il coreografo insegna alla Juilliard School di New York.

Tutti i diritti riservati. La copia è vietata.

I programmi prendono il nome dai coreografi. Dopo il primo - “Lifar. Kiliano. Forsythe" - hanno mostrato il quartetto di ballo: "Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman. In totale - ​sette nomi e sette balletti. Idee di un francese tenace, ex étoiles Opera di Parigi, sono facili da leggere. Hilaire non ha fretta di guidare la squadra a lui affidata lungo il percorso storicamente stabilito delle tele della trama multi-atto, preferisce loro una serpentina di atti unici di stili diversi (sono previsti altri due programmi di un formato simile). La troupe, che nel recente passato è sopravvissuta alla partenza di quasi tre dozzine di giovani artisti, si è ripresa a tempo di record e sembra degna di prime opere. I progressi sono particolarmente evidenti, dato che Hilaire non apre ancora le porte del teatro agli artisti "invitati" e nutre diligentemente la propria squadra.

La prima della prima è stata la Serenata di George Balanchine, che gli Stanislaviti non avevano mai ballato prima. Con questa romantica elegia sulla musica di Čajkovskij inizia il periodo americano del grande coreografo, che all'inizio del 1934 aprì una scuola di ballo nel Nuovo Mondo. Per i suoi primi studenti, che non avevano ancora padroneggiato bene la grammatica della danza, ma sognavano i classici, Balanchine ha messo in scena la Serenata, di spirito russo. Cristallo, etereo, senza peso. Gli artisti del Muztheater dirigono lo spettacolo allo stesso modo dei primi interpreti. È come se toccassero con cura un fragile tesoro: mancano anche di mobilità interna, su cui insisteva il coreografo, ma è evidente il desiderio di comprendere qualcosa di nuovo. La sottomissione e il rispetto per una creazione poetica, tuttavia, è preferibile alla vivacità e al coraggio, con cui le compagnie, sicure della loro abilità, ballano la Serenata. Corpo di ballo femminile: la cosa principale attore opus - prende vita nei sogni di una notte insonne, quando già si allontana prima dell'alba mattutina. Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova, così come i "principi" Ivan Mikhalev e Sergey Manuilov, che sognavano le loro eroine senza nome, hanno un bell'aspetto nella composizione dell'umore senza trama.

Altre tre prime produzioni non sono familiari ai moscoviti. "Halo" è un gesto solare e di affermazione della vita di Paul Taylor, un coreografo modernista che parla della natura del movimento. La danza dinamica e spettacolare è in continua trasformazione, che ricorda una disposizione indipendente, rompe le solite pose e salti, le braccia si intrecciano come rami o saltano come ginnaste che saltano giù dall'attrezzatura sportiva. La coreografia, percepita come innovativa mezzo secolo fa, viene salvata dalla spinta e dall'umorismo, passando in un lampo da massime serie a scappatelle ironiche. A piedi nudi Natalya Somova, Anastasia Pershenkova ed Elena Solomyanko, vestite con abiti bianchi, dimostrano un gusto per i contrasti eleganti nella composizione. Georgi Smilevsky, l'orgoglio del teatro e la sua eccezionale prima, è responsabile della parte lenta, capace di portare tensione drammatica, stile e bellezza festosa all'assolo. Dmitry Sobolevsky è un virtuoso, impavido ed emotivo. Sorprendentemente, la musica cerimoniale di Handel è facilmente "accettata" dalle fantasie di Taylor, dispiegando un vero e proprio maratona di danza. Entrambe le esibizioni, ricreando stili diversi Coreografia americana, accompagnata da Orchestra Sinfonica teatro sotto la direzione del talentuoso maestro Anton Grishanin.

Dopo Ciajkovskij e Handel - un fonogramma e un duetto dei fisarmonicisti Christian Pache e Gerard Baraton "che accompagnano" una miniatura di 12 minuti del coreografo francese Jacques Garnier "Onis". L'esibizione sulla musica di Maurice Pasha è stata provata dall'ex regista compagnia di balletto L'Opera di Parigi e Brigitte Lefevre, socia di Laurent Hilaire. Nel Teatro del Silenzio, fondato da lei insieme a Jacques Garnier, in una serie di esperimenti con coreografia moderna Quarant'anni fa ebbe luogo il primo spettacolo di Onis. Il coreografo lo dedicò a suo fratello e lo eseguì lui stesso. Successivamente ha rielaborato la composizione per tre solisti, la cui danza nella presentazione attuale ricorda il vino aspro fatto in casa, colpendo leggermente la testa. I ragazzi, legati se non dalla parentela, poi da una forte amicizia, provocatoriamente e senza piagnucoloni parlano di come sono cresciuti, si sono innamorati, si sono sposati, hanno allattato figli, hanno lavorato, si sono divertiti. A Onys, una piccola provincia della Francia, si svolge un'azione semplice per l'enumerazione senza pretese di pepite-“armonisti”, che di solito suonano durante le vacanze in paese. Yevgeny Zhukov, Georgi Smilevsky Jr., Innokenty Yuldashev sono giovanili spontanei e si esibiscono con passione, infatti, numero di varietà condito con sapore folcloristico.

Lo svedese Alexander Ekman è conosciuto come un burlone e un maestro delle curiosità. Al festival Benois de la Danse, per il suo Lago dei cigni, ha voluto installare la principale teatro russo una piscina con seimila litri d'acqua e vi corrono artisti danzanti. Fu rifiutato e improvvisò un divertente assolo con un bicchiere d'acqua, chiamandolo "Quello che penso al Teatro Bolshoi". Una manciata di reperti eccentrici è stata ricordata anche dal suo "Cactus".

In "Tulle" Ekman non analizza la danza, ma il vita teatrale. Mostra il suo interno sudato, base rituale, ironizzando sulle ambizioni e sui cliché degli interpreti. Un sorvegliante in nero all'andatura traballante di Anastasia Pershenkova sulle scarpe da punta, da cui la sua troupe eroicamente non discende, falcia sotto una diva modella civettuola. Gli artisti si stanno concentrando sulle stupidaggini dell'ingenua pantomima, ripetendo continuamente noiosi passi di esercizio. Lo stanco corpo di ballo cade nella disperazione: artisti esausti perdono il loro sincronismo, si piegano a metà, battono i piedi, schiaffeggiano pesantemente il palco ea piedi pieni. Come puoi credere che recentemente ti siano scivolati sulla punta delle dita.

Ed Ekman non smette mai di stupire con l'eclettismo, portando in scena sia una coppia del balletto di corte del “Re Sole” di Luigi XIV, sia turisti curiosi con le macchine fotografiche. Sullo sfondo della follia di massa che ha travolto il palco, "salta" su e giù buca dell'orchestra, le immagini sullo schermo di occhi e volti sconosciuti cambiano, la linea corrente della traduzione si precipita. Punteggio compilato da Mikael Karlsson da canzoni di successo ritmi di danza, merluzzo e rumore, il rumore delle scarpe da punta e degli applausi, gli spartiti in sala prove e il muggito del corpo di ballo, che si esercita nel passo del cigno, ti fa girare la testa. L'eccessiva nuoce all'armonia di una trama umoristica, il gusto ne risente. È positivo che gli artisti non si perdano in questo divertimento coreografico di massa. Tutti si immergono negli elementi di un gioco giocoso, prendendo in giro con gioia e amore il pazzo mondo dietro le quinte. La scena migliore di Tulle è il grottesco pas de deux del circo. Oksana Kardash e Dmitry Sobolevsky in abiti da clown si divertono con i loro trucchi, circondati da colleghi che contano il numero di fouette e piroette. Proprio come nel film "Big" di Valery Todorovsky.

Il Music Theatre, sempre aperto alla sperimentazione, padroneggia facilmente le distese sconosciute della coreografia mondiale. L'obiettivo - mostrare come si è sviluppata la danza e come sono cambiate le preferenze dei professionisti e del pubblico - è stato raggiunto. Anche le esibizioni sono disposte in una rigorosa cronologia: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tulle". In totale - quasi otto decenni. Il quadro si rivela curioso: dal capolavoro classico di Balanchine, passando per il sofisticato modernismo di Paul Taylor e la stilizzazione folcloristica di Jacques Garnier, fino alla rissa di Alexander Ekman.

Foto sull'annuncio: Svetlana Avvakum