Qual è la differenza tra un artista e uno scienziato? Una persona di talento ha talento in tutto, un artista e uno scrittore uniti insieme.
Il precedente ha mostrato che l'arte e la scienza hanno qualcosa da presentare l'una all'altra, piuttosto che compiacere e incuriosire. Ecco perché tra di loro sono poste ampie arterie di trasporto, lungo le quali c'è uno scambio costante di ciò che è stato realizzato. Proprio come uno scienziato nutre i maestri dell'arte con informazioni scientifiche di prim'ordine, lui stesso si tuffa nel mondo dell'arte, assimilandone i valori. È solo grazie a tale sostegno reciproco che possono giustificare la loro permanenza sulla Terra nel modo più alto.
Naturalmente, la scienza e l'arte occupano poli opposti nella cultura, stabiliscono obiettivi specifici e soddisfano bisogni umani diversi. Ma proprio perché sono diversi, hanno tutti i motivi per unirsi per sostenersi a vicenda. Per quello che manca all'artista, può imparare dalla scienza, e viceversa: il ricercatore supplisce all'incomunicabilità con l'arte. Non hanno motivo di vivere in modo incoerente. Non c'è da stupirsi che L. Tolstoy abbia paragonato la connessione tra scienza e arte a quella che esiste tra i polmoni e il cuore: se un organo è malato, fa male all'altro.
Infatti. La scienza è in grado di svilupparsi al di fuori dell'arte, senza toccarne le chiavi vivificanti? Quindi corre il rischio di diventare senz'anima, senza ali. Ma anche l'arte senza fare affidamento sulla scienza sarà priva di profondità di contenuto, vuota. Sono così strettamente correlati che i loro successi sono praticamente comuni e il progresso in un'area influisce invariabilmente sulla situazione in un'altra. Pertanto, per comprendere gli eventi che hanno avuto luogo, ad esempio, nell'arte, è necessario rivolgersi alla scienza, e per svelare i colpi di scena del pensiero scientifico e tecnico, vale la pena guardare da vicino ciò che sta accadendo nelle vicinanze , all'art.
Vorrei richiamare le parole di Ch. Snow. Nonostante la scienza e l'arte siano spesso separate, a volte anche nel confronto, spesso convergono, e allora "lo scontro di due discipline, due galassie - se non hai paura di andare così lontano! - non può che scoccare una scintilla creativa. "
E giusto. Nella storia dell'umanità, le scintille di tali incontri divampavano di tanto in tanto, riscaldandosi fino a una vera ispirazione creativa. La scienza aiuta le persone d'arte a vedere il mondo attraverso gli occhi della verità, ripuliti da surrogati e congetture. A sua volta, l'arte, riflettendo figurativamente il mondo, arricchisce lo scienziato con la capacità di guardare il suo compito da altre altezze, affascinare con la bellezza della ricerca. Ciò afferma una stretta, anche se non sempre chiaramente visibile, unione dello scientifico e dell'artistico.
La loro comunità divampa in modo più vivido nei punti in cui i talenti dello scienziato e dell'artista convergono in una persona. E se queste persone portano al mondo risultati ugualmente eccezionali in entrambe le aree, il successo può anche essere spiegato dal fatto (o principalmente dal fatto) che abbiamo davanti a noi una combinazione riuscita delle inclinazioni di questi due tipi di creatività contemporaneamente.
Quindi, la nostra attenzione è stata catturata dalla storia del pensiero umano, dimostrando generosamente i talenti di due dimensioni: una determina la misura dell'abilità artistica di una persona, l'altra - la profondità delle sue capacità di ricerca. Creare, creare, una persona del genere, essendo uno scienziato, aiuta se stesso dal fatto che è anche un artista, ed essendo un artista, rafforza il suo dono con le capacità di uno scienziato. E anche se questi fili di collegamento non sono così visibili all'esterno, c'è ancora uno scambio interno di talenti, metodi per dominare il mondo, modi per avvicinarsi alla realtà riflessa e vissuta.
Innanzitutto, parliamo di quegli eccezionali creatori d'arte che hanno lasciato un segno notevole, anche se forse non così brillante, anche nella scienza.
Uno dei primi in questa costellazione è il grande poeta e scienziato persiano e tagico dell'XI secolo Omar Khayyam. Ha iniziato come matematico e astronomo, poi ha approfondito altre sezioni della conoscenza naturale, avendo padroneggiato molte scienze. Era considerato uno studente e successore del geniale esploratore della natura Ibn Sina. E solo il tempo libero potrebbe dedicarsi alla poesia. Tuttavia, è stato nella poesia che molto probabilmente si è immortalato.
Per molto tempo, fino al XIX secolo, il mondo ha conosciuto due Khayyam: il poeta Omar Khayyam e il matematico Al-Qayyami. O non hanno indovinato, o semplicemente non potevano credere che questa fosse una persona chiamata: Giyas ad-Din Abu-l-Fath Omar ibn Ibrazhm al-Khayyam an-Naysubarn. Così insolito nome lungo decodificare in questo modo. "Ghiyath ad-Din" - il titolo tradizionale di uno scienziato, letteralmente "aiuto della fede". Successivamente, viene scritto il suo nome, quindi il nome di suo padre e la professione (Khayyam, che significa "maestro della tenda"). Infine, viene indicato il luogo di residenza: Naysubarn o Nishapur (ora una città a sud di Ashgabat).
Uno dei motivi per cui c'erano due O. Khayyam, forse, è che scriveva poesie nella lingua letteraria del farsi, e opere scientifiche- in arabo "erudito", ma il ruolo principale è stato svolto, presumibilmente, proprio da un'insolita combinazione di talenti matematici e poetici. Allo stesso modo, un tempo l'Europa credeva in due M. Lomonosov. Tuttavia, ne parleremo più avanti.
Il poeta O. Khayyam ha lasciato circa quattrocento (e per la precisione trecentottantadue) rubai. Si tratta di quartine in cui brillanti aforismi filosofici, riflessioni sociali si uniscono a un tema lirico profondamente personale.
Come scienziato, è famoso per aver compilato un calendario di straordinaria accuratezza che rivaleggia persino con il calendario gregoriano attualmente in uso. Se in quest'ultimo un errore di un giorno si accumula per 3300 anni, allora nel calendario di O. Khayyam per 4500 anni! Sfortunatamente, presenta altri inconvenienti ed è quindi difficile da usare.
O. Khayyam conosceva la proprietà del cosiddetto triangolo aritmetico, scoperto in Europa solo 16 secoli dopo. Qualsiasi numero di un tale triangolo risulta essere uguale alla somma dei numeri che stanno sopra di esso. O. Khayyam possedeva anche una revisione sistematica della soluzione delle equazioni fino al terzo grado compreso, espresse molte idee geometriche che riecheggiavano le verità di Euclide, ecc. In una parola, abbiamo un uomo di grandi talenti scientifici e artistici che felicemente convissuto in una sola persona.
Passiamo rapidamente attraverso il Medioevo, quando scientifico e pratica artistica unito concetto generale"Sette arti liberali". Questi includevano: musica, retorica (eloquenza), pedagogia, che personificava l'arte stessa, così come aritmetica, geometria, astronomia e grammatica, che costituivano una sezione della scienza. Molto spesso le stesse persone facevano progressi in esse.
E ora ci ritroveremo subito nel XVIII secolo, dove ci aspettano le creazioni del genio del popolo tedesco, W. Goethe.
Certo, è principalmente un poeta e scrittore. E questa gloria ha oscurato la sua altra gloria: un grande scienziato. Così grande che, anche se W. Goethe non lo fosse personalità eccezionale nel cielo dell'arte, passerà ancora alla storia della cultura come naturalista.
Hanno lasciato 14 volumi (!) ricerca scientifica. Inoltre, 45 volumi di lettere, diari, saggi, in cui sono presenti molte pagine di riflessioni su argomenti di scienze naturali. Non c'è da stupirsi che K. Timiryazev considerasse W. Goethe l'unico esempio nella storia del pensiero umano di combinare un grande poeta, pensatore e uno scienziato eccezionale in una persona. Ovviamente, K. Timiryazev ha presentato criteri sopravvalutati. Nella storia del mondo, W. Goethe non è solo, ma è davvero una personalità eccezionale.
Particolarmente preziosi furono i suoi investimenti in biologia. Nell'Ottocento la morfologia (lo studio delle forme e della struttura del corpo) divenne la sezione guida della scienza del vivente, la sua base e la sua maestra. W. Goethe fu uno di coloro che furono, si potrebbe dire, all'origine di questa disciplina, considerato di diritto il suo teorico. È stato lui a identificare una serie di leggi principali nella struttura del mondo vegetale.
In generale, W. Goethe iniziò a studiare scienze naturali relativamente tardi, all'età di trent'anni, quando era ministro del principato "nano" di Weimar, dove si trovava la città di Jena con la sua famosa università. Ma presto pubblicò già l'opera "L'esperienza nello spiegare la metamorfosi delle piante", in cui, forse per la prima volta, l'idea dell'unità del regno vegetale e del suo sviluppo da un certo terreno comune. "L'esperienza" non è un caso chiamata il precursore dell'approccio evolutivo alle piante.
Lo stesso W. Goethe espresse così la conclusione principale del suo lavoro: "Diverse parti di una pianta nascono da un organo identico, che, rimanendo sostanzialmente lo stesso, viene modificato e mutato attraverso il progressivo sviluppo". Pertanto, le foglie hanno una natura comune, sebbene differiscano per la loro posizione sullo stelo, per forma e funzione. Il fiore, si scopre, è anche una foglia, solo molto modificata. Il poeta Goethe non ha perso l'occasione di tradurre questi risultati della scienza naturale in un testo poetico. È così che sono apparse le "Metamorfosi delle piante", dove troviamo linee magnifiche:
In ogni fiore c'è una somiglianza con gli altri, ma c'è anche una differenza: è chiaro che nell'insieme si nasconde una legge meravigliosa, potente, si nasconde un enigma meraviglioso.
W. Goethe non è stato compreso né dagli scienziati, né dalle persone d'arte e dagli amici. Le sue opinioni erano troppo audaci per chi era abituato al vecchio dogma preformista. Secondo i suoi postulati, l'embrione contiene già tutti gli organi che ha un individuo adulto, solo che sono trascurabili. Quindi, nell'embrione di un asino ci sono orecchie, zoccoli e tutto il resto. In futuro, si verifica solo un semplice aumento quantitativo. Con un tale approccio, non si potrebbe parlare di alcuno sviluppo qualitativo dell'organismo, in particolare dell'evoluzione dell'animale.
W. Goethe non è stato compreso in un altro modo. È noto che possiede la scoperta del cosiddetto osso intermascellare nell'uomo, la cui presenza gli scienziati hanno negato all'unanimità, ritenendo che questo sia ciò che distingue l'uomo dagli animali. Confrontando i crani di entrambi, W. Goethe ha trovato suture in una persona che, sebbene debolmente, indicavano tracce dell'osso premascellare. Ha anche studiato ossa su teschi rotti, studiato teschi di bambini e persino feti, in una parola, ha lavorato come un vero naturalista. E ha dimostrato il suo punto.
Ahimè! L'articolo di W. Goethe non è stato stampato. L'eminente anatomista P. Camper, ad esempio, ha motivato il suo rifiuto come segue: "Sono tuttavia alquanto offeso dal riavvicinamento della nostra razza (cioè dell'uomo) alla razza del bestiame". E solo nel 1820, cioè a quasi 40 anni dalla data di stesura, l'articolo fu pubblicato, e quindi in forma scarna: senza figure e tabelle. Apparve per intero solo nel 1831. Ma a quel tempo, la premascella umana era già stata descritta da altri.
Il poeta si occupò anche di altre questioni di scienze naturali. Sì, ha scoperto nuova forma nuvole - pettine, reintegrando con esso la varietà di specie di questo interessante fenomeno naturale. Il cielo lo attraeva anche con distanze più profonde: faceva cenno con il segreto del suo azzurro. Volevo svelarlo e W. Goethe si interessò alla dottrina del colore: la cromaticità. Così ha definito il problema del colore. Lo sto studiando da circa vent'anni. Il risultato fu la sua teoria della domanda. È presentato in un'opera in due volumi (più di 1400 pagine) con un atlante di tabelle, una descrizione di esperimenti, ecc. Quindi non ha lasciato questo lavoro fino alla fine della sua vita, integrandolo con articoli e commenti.
Le conclusioni erano basate sull'idea errata che il concetto ottico di I. Newton fosse falso e che i risultati della sua esperienza di decomposizione della luce bianca nei colori dell'arcobaleno e la loro sintesi in luce bianca fossero insostenibili. La teoria di I. Newton, diceva W. Goethe, è un vecchio castello pieno di topi e gufi, un castello che ha perso il suo significato militare e deve essere raso al suolo.
Cosa ha suggerito invece? Secondo lui, i colori non vengono all'occhio sotto forma di raggi, ma sorgono nell'occhio, sono creati da esso. È interessante notare che W. Goethe ha posto la sua teoria piuttosto in alto, al di sopra delle sue creazioni artistiche. Poco prima della sua morte, ad esempio, ha dettato al suo segretario personale I. Eckerman: "Non mi faccio illusioni su ciò che ho creato come poeta. Poeti eccellenti sono vissuti con me, anche migliori sono vissuti prima di me e vivranno anche dopo di me". che nel mio secolo sono l'unico a conoscere la verità nella difficile dottrina del colore, posso esserne un po' orgoglioso, e quindi ho un senso di superiorità su tanti ... "
Va notato che W. Goethe, secondo gli esperti, vide perspicacemente una serie di ambiguità nel concetto corpuscolare allora dominante di I. Newton. Fu il primo ad attirare l'attenzione, ad esempio, sul fatto che lei non fosse in grado di spiegare molti effetti ottici, e scosse la fede nella sua infallibilità.
Eppure la cosa principale non è questa. Un certo numero di scienziati allora e in seguito sostenne le idee di W. Goethe, non solo nella parte critica, ma anche in quella positiva. Per citarne solo alcuni: G. Helmholtz, V. Ostwald, K. Timiryazev, A. Stoletov, V. Vernadsky, V. Heisenberg, M. Born ... concordano sul fatto che ognuno è un'autorità, ognuno è una star del primo grandezza.
Qual è il problema? W. Goethe ha gettato le basi di un nuovo insegnamento: la teoria psicofisiologica del colore. Negli anni '20 del XIX secolo, eminenti fisiologi, il ceco J. Purkine (soprannominato "sveglia") e il tedesco I. Müller, si dichiararono seguaci e studenti di W. Goethe e continuarono il suo lavoro.
I. Müller, ad esempio, ritiene che W. Goethe abbia ragione, così come I. Newton. Ma hanno studiato diversi piani di colore: il primo - la sua psicofisiologia (il meccanismo della formazione nervosa della sensazione), il secondo - la fisica degli stimoli esterni che provocano una sensazione ottica di colore. Non sono in contrasto, ma si completano a vicenda.
Come possiamo vedere, anche W. Goethe non è estraneo alle scienze naturali. Hanno lasciato molto qui. Così, ha combinato con successo un poeta e uno scienziato, che, ovviamente, si è manifestato nel modo più favorevole sia nei suoi affari letterari che scientifici.
Continuando la storia su grandi artisti, che ha lasciato il segno nella scienza, vorrei sottolineare JI. Carroll, autore di capolavori letterari di alto profilo. Oltre alle avventure di Alice nel paese delle meraviglie, di cui abbiamo scritto, ha lasciato un altro libro, Through the Looking-Glass and what Alice saw there, o Alice Through the Looking-Glass.
Tuttavia, poche persone sapevano durante la sua vita (e anche più tardi) che la persona che ha creato le magnifiche fiabe per bambini che gli adulti leggono per leggere è un matematico che ha anche ottenuto un serio successo nella scienza. Per 26 anni è stato professore alla famosa Oxford University. Si dice che quando la regina Vittoria, venuta per la gioia di "Alice", abbia voluto leggere tutto ciò che è stato scritto da JI. Carroll, le hanno messo davanti... una pila di trattati di geometria. Ma sentiamo cosa dicono gli esperti. Il noto geometra sovietico I. Yaglom osserva che L. Carroll ha "uno straordinario talento letterario e una notevole raffinatezza logica". Quest'ultimo gli permise di ottenere una serie di risultati matematici interessanti, ma di rango inferiore rispetto alle sue scoperte artistiche.
Ora ci resta da informare che il vero nome di questo persona interessante- Charles Dodgson. E Lewis Carroll è uno pseudonimo. L'ha inventato in un modo piuttosto divertente. Per prima cosa ha tradotto dall'inglese al latino il suo nome Charles - "Carolus". Quindi ha tradotto il secondo nome di Lutwidge - "Ludvikus". (Si noti che il nazioni europee alla nascita, a un bambino vengono solitamente dati diversi nomi, in onore di parenti, amici, conoscenti. Ad esempio, Hegel ha tre nomi: Georg, Friedrich, Wilhelm.) Quindi, si è scoperto "Carolus Ludvikus". Riordinando questi nomi latini luoghi e traducendoli di nuovo in inglese, Lewis Carroll ottenne il suo pseudonimo. Ben presto eclissò il suo vero nome, quello di un professore di geometria, costretto a tenere aride lezioni ea fare malinconie con esercitazioni pratiche. Dicono che qualche anno dopo uno dei suoi studenti osservò: "Pensa! A quel tempo stava componendo" Alice "..."
Lo scrittore austriaco R. Musil, un classico della letteratura in lingua tedesca del XX secolo, ha una serie di opere eccellenti in Perù. Particolarmente famoso è il suo romanzo satirico in tre volumi "Un uomo senza qualità", che combina la tradizionale presentazione figurativa con una profonda analisi filosofica. Il lettore dispiega una tela su larga scala del crollo dello Stato austro-ungarico come una sorta di "modello" della crisi generale dell'Europa borghese.
Ma a differenza di molti suoi colleghi romanzieri, R. Musil era un rappresentante della conoscenza esatta. Ha ricevuto un'istruzione tecnica militare e ha studiato a fondo matematica, fisica e psicologia sperimentale. E sebbene anche qui gli sia capitato di ottenere qualcosa, tuttavia, il successo principale è toccato a lui nel lavoro letterario.
Tra le persone che avevano un dono artistico accanto al talento di uno scienziato, siamo lieti di nominare il nome di un connazionale, un meraviglioso scrittore I. Efremov. Non è solo un ingegnere minerario qualificato, un buon geologo, ma anche un dottore in scienze biologiche e un eccellente conoscitore della storia. Probabilmente, questa borsa di studio versatile, questa combinazione di geologo, biologo, storico in una sola persona gli ha permesso di dire una parola piuttosto pesante nella scienza. I. Efremov è indicato come il creatore di una nuova disciplina: la tafonomia. Questa è una sezione di geologia storica che studia i modelli di occorrenza dei resti di antichi organismi a strati la crosta terrestre. Qui era necessaria una visione biologico-storico-geologica. Nel 1952 è stato insignito del Premio di Stato per il suo libro "Taphonomy and the Geological Chronicle".
Inoltre, I. Efremov era il capo di numerose spedizioni. In uno di essi, nel deserto del Gobi, ha scoperto il più grande "cimitero di draghi" del mondo (accumulo di ossa di dinosauro). In una parola, abbiamo a che fare con un naturalista eccezionale. Questa combinazione di talenti ha ulteriormente rafforzato, rafforzato reciprocamente le sue inclinazioni sia come scrittore che come scienziato.
Più il tempo ci separa dalla vita di grandi personaggi come Platone, Pericle, Pitagora, più significative e alte ci appaiono davanti le immagini di questi titani dello spirito e del pensiero. Tra questi, senza dubbio, c'è il grande artista, geniale scienziato, il più grande umanista della sua epoca, Leonardo da Vinci.
I suoi contemporanei lo chiamavano "l'uomo universale". Anche allora era chiaro che tutto ciò che faceva nella vita spirituale e sociale dell'epoca era unico e insolito. Quest'uomo ha combinato molti talenti e talenti sorprendenti. Non fu solo un grande artista, un grande matematico, meccanico e ingegnere, al quale i più diversi rami della scienza sono debitori delle scoperte. Fu anche un altrettanto eccezionale astronomo e cosmografo, geologo e botanico, anatomista e linguista, lessicografo e poeta, romanziere e scrittore realista, un pensatore lungimirante che introdusse criteri umanistici in tutto ciò che costituiva lo spazio della sua opera.
Sarebbe un'impresa senza speranza cercare di riassumere in poche parole tutto ciò che ha glorificato il nome di questo insuperabile creatore della sua epoca, lo ha reso eternamente vivo agli occhi dei posteri. Individuiamo solo la cosa principale, a nostro avviso, che ha costituito la base della sua fama mondiale: scienza e arte. Agli occhi dell'artista, scienza e arte erano solo facce diverse di un unico processo creativo. L'una aiutava l'altra: l'arte non poteva raggiungere la perfezione senza la scienza, il respiro dell'arte doveva essere presente nella scienza.
E oggi l'opera di Leonardo da Vinci è per noi quel modello ancora irraggiungibile, dove si sono fuse le qualità di uno scienziato-creatore e di un artista-pensatore. Il pensiero di uno scienziato, combinato con il più alto potenziale spirituale dell'individuo, ha dato origine a idee brillanti, create inestimabili opere d'arte fatto scoperte inaspettate e geniali.
Giorgio Vasari, il primo storico dell'arte nel vero senso della parola, non ebbe paura di chiamare Leonardo da Vinci "celeste" e "divino". Oggi, dopo più di cinquecento anni, possiamo a maggior ragione unire le sue parole. Poiché è oggi che ci arriva la realizzazione di quel significato veramente planetario, che tutte le grandi personalità personificano. Solo oggi stiamo cominciando a capire che tutto persone di spicco, tutti i grandi talenti sono centri di energie superiori, in cui forza trainante Evoluzione. Sono loro che creano la gloria e la vitalità dei loro paesi. È attraverso di loro e da loro che si realizzano i cambiamenti evolutivi nella vita del pianeta.
Passano i secoli, un'epoca ne sostituisce un'altra, le persone incoronate occupano i troni e li lasciano ... Ma non rimangono nella memoria dell'umanità, ma di coloro che creano con la forza dell'arte, la forza del loro genio, la grandezza del loro spirito storia vera. Leonardo da Vinci appartiene senza dubbio a questi grandi architetti del pianeta.
La storia elenca le diverse e sorprendenti opere di Leonardo da Vinci in tutti i settori della vita. Ha lasciato sorprendenti documenti matematici, ha esplorato la natura dell'aeronautica, immerso in considerazioni mediche. Ha inventato strumenti musicali, ha studiato la chimica delle vernici, ha amato le meraviglie della storia naturale. Decorò le città con magnifici edifici, palazzi, scuole, depositi di libri; costruì vaste caserme per le truppe; scavò un porto, il migliore di tutta la costa occidentale dell'Adriatico, e costruì grandi canali; pose possenti fortezze; veicoli da combattimento costruiti; quadri militari dipinti ... Grande varietà!
Ma dopo tutto ciò che è straordinario, Leonardo è rimasto un artista nella visione del mondo, un grande artista. Non è questa una vittoria della creatività?!
Rispondere a questa domanda è difficile come dire, ad esempio, in che modo un delfino differisce da una gazzella. Ma la risposta non è priva di significato: da un punto di vista biologico, un delfino è un parente più stretto di una gazzella rispetto, diciamo, a un cavallo che gli somiglia molto di più. Solo affinché questa somiglianza diventi ovvia, è necessario approfondire l'essenza del problema, applicando la teoria dell'evoluzione e imparando a confrontare le caratteristiche apparentemente indirette, ma in realtà chiave. Quindi, per rispondere esaurientemente, ci vorrebbe un libro, forse più di uno, ma qui si possono dare solo degli schizzi.
Prima di tutto, dobbiamo tener conto del mezzo su cui la creazione diventa disponibile per gli altri - una sorta di "habitat". Per un artista questa è una tela, una fotografia, un file con un'immagine ... qualcuno ricama persino ritratti fotograficamente accurati con fili. Per uno scienziato, principalmente un teorico, un medium non è una sorta di dispositivo o sostanza ingannevole, come viene raffigurato nei cartoni animati. Principio principale scienza - la riproducibilità degli esperimenti e dei risultati ottenuti. Pertanto, il frutto dell'attività di uno scienziato è, prima di tutto, un articolo in giornale scientifico o di dominio pubblico. Inoltre, maggiore è il grado di scienza (leggi: matematica), minore è l'opportunità di fornire alcune illustrazioni visibili. E se l'immagine, almeno esteriormente, può essere percepita da più o meno tutti, allora per comprendere l'articolo, la qualifica per una conoscenza superficiale è molto più alta.
Per questo motivo, a differenza di un artista, uno scienziato moderno non può fornire alla sua opera alcuni significati nascosti, simboli, di cui, in ultima analisi, consiste un'opera d'arte. Anche se è difficile per gli specialisti affrontare lavori su argomenti simili, allora questo lavoro dovrebbe essere presentato nel modo più chiaro e chiaro possibile, in termini generalmente riconosciuti.
Ma è qui che inizia il divertimento: iniziano le somiglianze. Lascia che l'immagine agisca principalmente sui sentimenti, essa, come l'articolo, deve essere compresa. Non necessariamente da tutti, anche se solo dal pubblico di destinazione, anche se questo pubblico è composto da un amico e mezzo clandestino, ma capito. Cioè, il "linguaggio" dell'immagine, alla fine, dovrebbe essere disponibile, così come la terminologia di un articolo scientifico.
Per produrre l'effetto giusto, l'immagine deve avere una composizione, ma questo vale anche per gli articoli. Come organizzare il materiale nell'articolo, a cosa prestare attenzione, quali calcoli e conclusioni omettere perché sono comprensibili al pubblico e quale materiale includere perché di solito è sconosciuto al pubblico - questo deve essere affrontato costantemente. Eleganza è una parola tutt'altro che estranea alla scienza, e molti eminenti scienziati sottolineano che semplicità, bellezza e verità di solito vanno di pari passo.
L'ultimo confronto si riferisce, piuttosto, alla parte più astratta della scienza: fisica teorica e matematica. Il punto è che cosa meno scienza legato a mondo reale- dove la fisica va oltre i confini dei buchi neri e sotto il raggio di Planck, e ancor prima per la matematica - nasce maggiore libertà per la creatività. La creatività risiede nella scelta degli assiomi e degli approcci utilizzati per sviluppare la teoria. Tuttavia, dovrebbe essere coerente con le osservazioni e i risultati precedenti. E qui voglio involontariamente tracciare un'analogia non solo con l'arte, ma con la pittura olandese.
Qual è la particolarità della pittura di Rembrandt, cosa lo rende unico rispetto ai suoi contemporanei. Il fatto è che nella pittura olandese di quel tempo cercavano l'iperrealismo: lavorando con un pennello in un capello, l'artista riproduceva ogni lanugine sul tappeto, tutti i riflessi e le rifrazioni di una complessa decorazione dorata in un vaso di vetro ancora più complesso ... E poi arriva Rembrandt e scrive occhio umano in tre tratti. Rappresenta i capelli, grattando lo strato scuro con il dorso del pennello e rivelando lo strato precedentemente chiaro. Disegna vestiti, mettendo così tanta vernice che si ottiene un rilievo. Immagina le discussioni che ha avuto con altri artisti sulla giustificazione della sua tecnica.
E ricordo una disputa che ho avuto una volta con il mio amico e collega, connazionale di Rembrandt. La disputa riguardava cosa - nel caso generalizzato su cui si stava lavorando allora - prendere per le cosiddette funzioni lisce. Brahm - questo è il nome del suo collega - credeva che ciò dovesse essere determinato da oggetti già esistenti per i quali è già stato inventato un altro metodo, io - che questa definizione può generalmente essere risucchiata dal dito e la teoria può essere adattata al scelta già fatta. Allora abbiamo quasi litigato. Ma, sebbene la nostra disputa riguardasse un'area scientifica molto astratta, i nostri argomenti non erano di natura scientifica: erano esclusivamente estetici. Alla fine, avevamo solo diversi stili di lavoro con lui. Allo stesso modo, è auspicabile che ogni artista sviluppi il proprio stile.
Questo stile - lo stile dell'artista - può essere qualsiasi cosa: dall'iperrealismo e l'imitazione dei classici - al dadaismo e alla piazza di Malevich. Ma allo stesso modo, gli stili in matematica differiscono - dalla metamatematica, dalla teoria della dimostrazione - e fino a discipline abbastanza applicate che sono direttamente correlate alla velocità e all'accuratezza dei calcoli dei processi fisici nei problemi di ingegneria. Ognuno sceglie approcci e strumenti per se stesso, a volte ci sono se non contraddizioni inconciliabili, almeno gravi incomprensioni tra persone che sviluppano direzioni diverse - proprio come in stili diversi arte.
E a questo livello profondo, la differenza tra l'artista e lo scienziato viene cancellata, proprio come viene cancellata la differenza tra un delfino, una gazzella e un infusorio - dopotutto, sono tutti, in definitiva, eucarioti.
Leonardo da Vinci (1452-1519) - la più grande figura, il genio poliedrico del Rinascimento, il fondatore di Alto Rinascimento. Conosciuto come artista, scienziato, ingegnere, inventore.
Leonardo da Vinci nacque il 15 aprile 1452 nel comune di Anchiano vicino alla città di Vinci, situata vicino a Firenze. Suo padre era Piero da Vinci, notaio che proveniva da una famiglia importante nella città di Vinci. Secondo una versione, la madre era una contadina, secondo un'altra - la proprietaria della taverna, conosciuta come Katerina.
All'età di circa 4,5 anni Leonardo fu portato a casa di suo padre, e nei documenti dell'epoca è chiamato figlio illegittimo di Piero.
Nel 1469 entrò nella bottega artista famoso, scultore e gioielliere Andrea del Verrocchio (1435/36–1488). Qui Leonardo ha percorso tutto il percorso dell'apprendistato: dallo sfregamento dei colori al lavoro di apprendista. Secondo i racconti dei contemporanei, dipinse la figura sinistra di un angelo nel dipinto "Battesimo" del Verrocchio (1476 circa, Galleria degli Uffizi, Firenze), che attirò subito l'attenzione. La naturalezza del movimento, la levigatezza delle linee, la morbidezza del chiaroscuro - distingue la figura di un angelo dalla scrittura più rigida del Verrocchio. Leonardo visse nella casa del maestro, e dopo essere stato ammesso alla Corporazione di San Luca nel 1472, la corporazione dei pittori.
Uno dei pochi disegni datati di Leonardo fu realizzato nell'agosto del 1473. La veduta della Valle dell'Arno dall'alto è stata realizzata con una penna dai tratti rapidi, che trasmette vibrazioni di luce e aria, il che indica che il disegno è stato realizzato dalla natura (Galleria degli Uffizi, Firenze).
Il primo dipinto attribuito a Leonardo, anche se la sua paternità è contestata da alcuni esperti, è L'Annunciazione (1472 circa, Galleria degli Uffizi, Firenze). Purtroppo, autore sconosciuto ha apportato correzioni successive, che hanno notevolmente peggiorato la qualità del lavoro.
"Ritratto di Ginevra de Benci" (1473-1474, galleria Nazionale, Washington) è permeato da uno stato d'animo malinconico. Parte dell'immagine sottostante è tagliata: probabilmente vi erano raffigurate le mani del modello. I contorni della figura sono ammorbiditi con l'aiuto dell'effetto sfumato, creato prima di Leonardo, ma è stato lui a diventare il genio di questa tecnica. Sfumato (it. sfumato - nebbioso, fumoso) - una tecnica sviluppata nel Rinascimento nella pittura e nella grafica, che consente di trasmettere la morbidezza della modellazione, l'inafferrabilità dei contorni degli oggetti, la sensazione dell'ambiente aereo.
Tra il 1476 e il 1478 Leonardo apre la sua bottega. Questo periodo comprende "Madonna con un fiore", la cosiddetta. Benois Madonna (circa 1478, Eremo di Stato, San Pietroburgo). La Madonna sorridente si rivolge al bambino Gesù seduto sulle sue ginocchia, i movimenti delle figure sono naturali e plastici. In questa immagine c'è un caratteristico interesse per l'arte di Leonardo per mostrare il mondo interiore.
Anche il dipinto incompiuto L'Adorazione dei Magi (1481–1482, Galleria degli Uffizi, Firenze) appartiene a opere giovanili. Il posto centrale è occupato dal primo piano gruppo - Madonna con Bambino e Magi.
Nel 1482 Leonardo parte per Milano, la città più ricca dell'epoca, sotto il patrocinio di Lodovico Sforza (1452-1508), che sostiene l'esercito, spende ingenti somme di denaro in sontuosi festeggiamenti e nell'acquisto di opere d'arte. Presentandosi al suo futuro mecenate, Leonardo parla di sé come musicista, perito militare, inventore di armi, carri da guerra, macchine, e solo allora parla di sé come artista. Leonardo visse a Milano fino al 1498, e questo periodo della sua vita fu il più fruttuoso.
La prima commissione ricevuta da Leonardo fu la realizzazione di una statua equestre in onore di Francesco Sforza (1401–1466), padre di Lodovico Sforza. Lavorandoci per 16 anni, Leonardo ha creato molti disegni, oltre a un modello in creta di otto metri. Nel tentativo di superare tutte le statue equestri esistenti, Leonardo voleva realizzare una scultura di dimensioni grandiose, per mostrare un cavallo impennato. Ma di fronte a difficoltà tecniche, Leonardo ha cambiato idea e ha deciso di raffigurare un cavallo che cammina.
Nel novembre 1493 fu esposto al pubblico il modello del Cavallo senza Cavaliere, e fu questo evento a rendere famoso Leonardo da Vinci.
Ci sono volute circa 90 tonnellate di bronzo per fondere la scultura. La raccolta di metalli che era iniziata è stata interrotta e statua equestre non è mai stato scelto.
Nel 1499 Milano fu catturata dai francesi, che usarono la scultura come bersaglio. Dopo un po', è crollato. Il cavallo - progetto grandioso, ma mai portato a termine - è una delle opere significative dell'arte plastica monumentale del Cinquecento e, secondo Vasari, "chi ha visto un enorme modello fittile... afferma di non aver mai visto un opera più bella e maestosa", chiamò il monumento "grande colosso".
Alla corte degli Sforza Leonardo lavorò anche come decoratore per molte feste, realizzando scenografie e meccanismi fino ad allora inediti e realizzando costumi per figure allegoriche.
Il dipinto incompiuto di Leonardo "San Girolamo" (1481, Musei Vaticani, Roma) mostra il santo nel momento del pentimento in un complesso giro con un leone ai suoi piedi. L'immagine è stata dipinta in bianco e nero. Ma dopo averlo verniciato nel XIX secolo, i colori sono diventati olivastri e dorati.
"Madonna nelle rocce" (1483-1484, Louvre, Parigi) - dipinto famoso Leonardo, dipinto da lui a Milano. L'immagine della Madonna, Gesù bambino, il piccolo Giovanni Battista e un angelo in un paesaggio è un nuovo motivo pittura italiana quella volta. Nell'apertura della roccia è visibile un paesaggio, a cui vengono dati tratti sublimi ideali e in cui sono mostrate le conquiste della prospettiva lineare e aerea. Sebbene la grotta sia poco illuminata, l'immagine non è oscura, volti e figure emergono dolcemente dall'ombra. Il più sottile chiaroscuro (sfumato) crea l'impressione di una fioca luce diffusa, modella volti e mani. Leonardo collega le figure non solo con uno stato d'animo comune, ma anche con l'unità dello spazio.
“Dama con l'ermellino” (1484, Museo Czartoryski, Cracovia) è una delle prime opere di Leonardo come ritrattista di corte. Il dipinto raffigura l'amante di Lodovik Cecilia Gallerani con lo stemma della famiglia Sforza, un ermellino. Il complesso giro della testa e la squisita flessione della mano della signora, la posa curva dell'animale: tutto parla della paternità di Leonardo. Lo sfondo è stato ridipinto da un altro artista.
"Ritratto di musicista" (1484, Pinacoteca Ambrosiana, Milano). Solo il volto del giovane è completato, il resto dell'immagine non è spiegato. Il tipo di volto è vicino ai volti degli angeli di Leonardo, solo eseguiti con più coraggio.
Un altro opera unicaè stato creato da Leonardo in una delle sale del Palazzo Sforzesco, che si chiama "Asino". Sulle volte e sulle pareti di questa sala dipinse corone di salice, i cui rami sono intrecciati in modo intricato, legati con corde decorative. Successivamente parte dello strato pittorico si è sgretolato, ma una parte significativa è stata conservata e restaurata.
Nel 1495 Leonardo iniziò a lavorare all'Ultima Cena (area 4,5 × 8,6 m). L'affresco si trova sulla parete del refettorio del convento domenicano di Santa Maria delle Grazie a Milano ad un'altezza di 3 m dal pavimento e occupa l'intera parete di fondo della stanza. Leonardo ha orientato la prospettiva dell'affresco allo spettatore, così è entrato organicamente all'interno del refettorio: la riduzione prospettica delle pareti laterali raffigurate nell'affresco continua lo spazio reale del refettorio. Tredici persone sono sedute a un tavolo parallelo al muro. Al centro c'è Gesù Cristo, a sinistra ea destra di lui ci sono i suoi discepoli. Viene mostrato il momento drammatico della denuncia e della condanna del tradimento, il momento in cui Cristo ha appena pronunciato le parole: “Uno di voi mi tradirà”, e le diverse reazioni emotive degli apostoli a queste parole. La composizione è costruita su un calcolo matematico rigorosamente verificato: al centro c'è Cristo, raffigurato sullo sfondo dell'apertura mediana, maggiore, della parete di fondo, il punto di fuga della prospettiva coincide con la sua testa. I dodici apostoli sono divisi in quattro gruppi di tre figure ciascuno. A ciascuno viene data una caratteristica vivida da gesti e movimenti espressivi. Il compito principale era mostrare Giuda, separarlo dal resto degli apostoli. Mettendolo sulla stessa linea del tavolo con tutti gli apostoli, Leonardo lo separò psicologicamente dalla solitudine.
La creazione dell'Ultima Cena fu un evento notevole nella vita artistica dell'Italia di quel tempo. Da vero innovatore e sperimentatore, Leonardo abbandonò la tecnica dell'affresco. Ha ricoperto il muro con una speciale composizione di resina e mastice e dipinto a tempera. Questi esperimenti hanno portato a tragedia più grande: il refettorio, frettolosamente riparato per ordine dello Sforza, le pittoresche innovazioni di Leonardo, la pianura in cui si trovava il refettorio - tutto ciò serviva un triste servizio alla conservazione dell'Ultima Cena. La vernice cominciò a staccarsi, come già accennato dal Vasari nel 1556.
L'Ultima Cena è stata più volte restaurata nel XVII e XVIII secolo, ma i restauri non sono stati qualificati (gli strati di pittura sono stati semplicemente riapplicati).
Entro la metà del 20 ° secolo, quando il dipinto cadde in uno stato deplorevole, iniziarono a farlo restauro scientifico: tutto è stato risolto prima strato di vernice, poi gli strati successivi furono rimossi, fu aperto il dipinto a tempera di Leonardo. E sebbene l'opera fosse gravemente danneggiata, questi lavori di restauro hanno permesso di dire che questo capolavoro rinascimentale si è salvato. Lavorando all'affresco per tre anni, Leonardo creò la più grande creazione del Rinascimento.
Dopo la caduta del potere degli Sforza nel 1499, Leonardo si reca a Firenze, fermandosi a Mantova e Venezia lungo la strada. A Mantova realizza un cartone con un Ritratto di Isabella d'Este (1500, Louvre, Parigi), realizzato a matita nera, carboncino e pastello.
Nella primavera del 1500 Leonardo arrivò a Firenze, dove ricevette presto l'ordine di dipingere una pala d'altare nel monastero dell'Annunciazione. L'ordine non è mai stato completato, ma una delle opzioni è la cosiddetta. Burlington House Cardboard (1499, National Gallery, Londra).
Una delle significative commissioni ricevute da Leonardo nel 1502 per decorare la parete della Sala del Consiglio della Signoria a Firenze fu la "Battaglia di Anghiari" (non conservata). Un'altra parete per la decorazione fu affidata a Michelangelo Buonarroti (1475-1564), che vi dipinse il dipinto "La battaglia delle Cascine".
Schizzi di Leonardo, oggi perduti, mostravano il panorama della battaglia, al centro del quale si svolgeva la battaglia per lo stendardo. I cartoni di Leonardo e Michelangelo, esposti nel 1505, ebbero un successo clamoroso. Come nel caso dell'Ultima Cena, Leonardo sperimentò con i colori, a seguito dei quali lo strato pittorico si sgretolò gradualmente. Tuttavia, disegni preparatori, copie che danno in parte un'idea della portata di quest'opera. In particolare, è stato conservato un disegno di Peter Paul Rubens (1577–1640), che mostra la scena centrale della composizione (1615 circa, Louvre, Parigi).
Per la prima volta nella storia della pittura di battaglia, Leonardo ha mostrato il dramma e la furia della battaglia.
"Mona Lisa" - l'opera più famosa di Leonardo da Vinci (1503-1506, Louvre, Parigi). Mona Lisa (abbreviazione di Madonna Lisa) era la terza moglie del mercante fiorentino Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Ora l'immagine è leggermente cambiata: le colonne erano originariamente disegnate a sinistra ea destra, ora tagliate. Di piccole dimensioni, l'immagine fa un'impressione monumentale: Mona Lisa è mostrata sullo sfondo di un paesaggio, dove la profondità dello spazio, la foschia dell'aria sono trasmesse con la massima perfezione. La famosa tecnica dello sfumato di Leonardo viene portata qui ad altezze senza precedenti: la più sottile, come se si sciogliesse, la foschia del chiaroscuro, avvolgendo la figura, ammorbidisce i contorni e le ombre. C'è qualcosa di sfuggente, ammaliante e attraente in un lieve sorriso, nella vivacità dell'espressione del viso, nella maestosa calma della posa, nell'immobilità delle linee morbide delle mani.
Nel 1506 Leonardo ricevette un invito a Milano da Luigi XII di Francia (1462-1515).
Avendo lasciato a Leonardo piena libertà d'azione, pagandolo regolarmente, i nuovi committenti non gli chiesero certi lavori. Leonardo è appassionato di ricerca scientifica, a volte rivolgendosi alla pittura. Quindi fu scritta la seconda versione della Madonna in the Rocks (1506–1508, British National Gallery, Londra).
"Sant'Anna con Maria e Gesù Bambino" (1500–1510, Louvre, Parigi) è uno dei temi dell'opera di Leonardo, a cui si rivolse più volte. L'ultimo sviluppo di questo tema è rimasto incompiuto.
Nel 1513 Leonardo si reca a Roma, in Vaticano, alla corte di papa Leone X (1513-1521), ma presto perde il favore del papa. Studia le piante giardino botanico, elabora piani per la bonifica dell'Agro pontino, scrive note a un trattato sulla struttura della voce umana. In questo periodo realizza l'unico "Autoritratto" (1514, Biblioteca Reale, Torino), pieno di sanguigna, raffigurante un vecchio dai capelli grigi con una lunga barba e uno sguardo fisso.
Anche l'ultimo dipinto di Leonardo fu dipinto a Roma: "San Giovanni Battista" (1515, Louvre, Parigi).
Ancora una volta Leonardo riceve un'offerta dal re francese, questa volta da Francesco I (1494-1547), successore di Luigi XII: trasferirsi in Francia, in una tenuta vicino al castello reale di Amboise.
Nel 1516 o 1517 Leonardo arriva in Francia, dove gli vengono assegnati appartamenti nella tenuta Cloux. Circondato dalla rispettosa ammirazione del re, riceve il titolo di "Il primo artista, ingegnere e architetto del re". Leonardo, nonostante l'età e la malattia, è impegnato nel disegno dei canali nella Valle della Loira, partecipa alla preparazione dei festeggiamenti di corte.
Leonardo da Vinci morì il 2 maggio 1519, lasciando in eredità i suoi disegni e le sue carte a Francesco Melzi, apprendista che li conservò per tutta la vita. Tuttavia, dopo la sua morte, tutte le innumerevoli carte sono state distribuite in tutto il mondo, alcune sono andate perdute, altre sono conservate in diverse città, nei musei di tutto il mondo.
Scienziato per vocazione, Leonardo ancora oggi colpisce per l'ampiezza e la diversità dei suoi interessi scientifici. La sua ricerca nel campo della progettazione aeronautica è unica. Ha studiato il volo, la pianificazione degli uccelli, la struttura delle loro ali e ha creato il cosiddetto. ornitottero, un velivolo con le ali che sbattono e un progetto mai realizzato.
Leonardo ha creato un paracadute piramidale, un modello di un'elica a spirale (una variante dell'elica moderna). Osservando la natura, divenne un esperto nel campo della botanica: fu il primo a descrivere le leggi della fillotassi (le leggi che regolano la disposizione delle foglie su uno stelo), dell'eliotropismo e del geotropismo (le leggi dell'influenza del sole e della gravità sulle piante), ha scoperto un modo per determinare l'età degli alberi mediante anelli annuali.
Era un esperto nel campo dell'anatomia: fu il primo a descrivere la valvola del ventricolo destro del cuore, dimostrò l'anatomia, ecc. Creò un sistema di disegni che ancora oggi aiutano gli studenti a comprenderne la struttura corpo umano: ha mostrato un oggetto in quattro viste per esaminarlo da tutti i lati, ha creato un sistema per rappresentare organi e corpi in una sezione trasversale.
Le sue ricerche nel campo della geologia sono interessanti: ha fornito descrizioni di rocce sedimentarie, spiegazioni di depositi marini nelle montagne d'Italia.
Come scienziato ottico, sapeva che le immagini visive sulla cornea dell'occhio vengono proiettate capovolte. Probabilmente fu il primo a utilizzare una camera oscura per disegnare paesaggi (dal latino camera - stanza, obscurus - buio) - una scatola chiusa con un piccolo foro in una delle pareti; i raggi di luce si riflettono sul vetro smerigliato dall'altra parte della scatola e creano un'immagine a colori invertiti, utilizzata dai paesaggisti del XVIII secolo per riprodurre fedelmente le vedute).
Nei disegni di Leonardo c'è il progetto di uno strumento per misurare l'intensità della luce, un fotometro, realizzato solo tre secoli dopo. Ha progettato canali, chiuse, dighe. Tra le sue idee si possono vedere: scarpe leggere per camminare sull'acqua, un salvagente, guanti palmati per nuotare, un dispositivo di movimento subacqueo simile a una moderna tuta spaziale, macchine per la produzione di corde, smerigliatrici e molto altro.
Comunicando con il matematico Luca Pacioli, che ha scritto il libro di testo "Sulla proporzione divina", Leonardo si è interessato a questa scienza e ha creato illustrazioni per questo libro di testo.
Leonardo ha anche agito come architetto, ma nessuno dei suoi progetti è mai stato realizzato. Partecipò al concorso per la progettazione della cupola centrale del Duomo di Milano, disegnò il mausoleo per i membri della famiglia reale in stile egizio, progetto che propose al sultano turco per costruire un enorme ponte sul Bosforo, sotto il quale potevano passare le navi.
Rimaneva un gran numero di disegni di Leonardo, realizzati con sanguigna, pastelli colorati, pastelli (è a Leonardo che si attribuisce l'invenzione dei pastelli), matita d'argento e gesso.
A Milano, Leonardo inizia a scrivere un "Trattato della pittura", lavoro che continuò per tutta la vita, ma non fu mai completato. In questa guida in più volumi, Leonardo ha scritto su come ricreare su tela il mondo, su lineare e prospettiva aerea, proporzioni, anatomia, geometria, meccanica, ottica, interazione di colori, riflessi.
La vita e l'opera di Leonardo da Vinci hanno lasciato un segno colossale non solo nell'arte, ma anche nella scienza e nella tecnologia. Pittore, scultore, architetto: era naturalista, meccanico, ingegnere, matematico, fece molte scoperte per le generazioni future.
Leonardo da Vinci è la più grande personalità del Rinascimento.
Con la creatività letteraria non avrebbero fatto le loro scoperte nella scienza. Forse è l'impennata emotiva attività artistica li ha preparati e li ha spinti a una svolta creativa nella scienza.
Per scoprire le leggi della proporzione della sezione aurea sia per la scienza che per l'arte, gli antichi scienziati greci dovevano essere artisti nelle loro anime. E infatti lo è. Pitagora era interessato alle proporzioni e ai rapporti musicali. Inoltre, la musica era la base dell'intera dottrina pitagorica del numero. È noto che A. Einstein, nel ventesimo secolo. ribaltando molti stabiliti idee scientifiche, la musica ha aiutato nel suo lavoro. Suonare il violino gli dava tanto piacere quanto il lavoro.
Molte scoperte di scienziati hanno reso un servizio inestimabile all'arte.
Fisico francese del XIX secolo Pierre Curie ha svolto ricerche sulla simmetria dei cristalli. Ha scoperto qualcosa di interessante e importante per la scienza e l'arte: una parziale assenza di simmetria dà origine allo sviluppo di un oggetto, mentre la completa simmetria ne stabilizza l'aspetto e lo stato. Questo fenomeno è stato chiamato dissimmetria (non simmetria). La legge di Curie dice: la dissimmetria crea un fenomeno.
A metà del XX sec. nella scienza è apparso anche il concetto di "antisimmetria", cioè contro (opposto) simmetria. Se il concetto generalmente accettato di "asimmetria" sia per la scienza che per l'arte significa "simmetria non del tutto esatta", allora l'antisimmetria è una certa proprietà e la sua negazione, ad es. Nella vita e nell'arte, questi sono eterni opposti: bene - male, vita - morte, sinistra - destra, su - giù, ecc.
"Hanno dimenticato che la scienza si è sviluppata dalla poesia: non hanno tenuto conto della considerazione che nel corso del tempo entrambi possono perfettamente incontrarsi di nuovo a un livello superiore per un reciproco vantaggio". IV. Goethe
Oggi questa profezia si sta avverando. Sintesi scientifica e conoscenza artistica porta all'emergere di nuove scienze (sinergetica, geometria frattale, ecc.), ne forma una nuova linguaggio artistico arte.
L'artista e geometra olandese Maurits Escher (1898-1972) ha costruito le sue opere decorative sulla base dell'antisimmetria. Lui, proprio come Bach nella musica, era un fortissimo matematico nella grafica. L'immagine della città nell'incisione "Day and Night" è simmetrica allo specchio, ma sul lato sinistro è il giorno, sulla destra è la notte. Le immagini di uccelli bianchi che volano nella notte formano le sagome di uccelli neri che si precipitano nel giorno. È particolarmente interessante osservare come le figure appaiano gradualmente dalle forme asimmetriche irregolari dello sfondo.
Trova nella letteratura di riferimento i concetti di "sinergetica", "frattale", "geometria frattale". Considera come queste nuove scienze si relazionano con l'arte.
Ricorda il fenomeno della musica a colori, a te familiare, che si è diffuso grazie all'opera del compositore del XX secolo. A. N. Scriabin.
Come capisci il significato dell'affermazione di A. Einstein: "Il vero valore è, in sostanza, solo l'intuizione".
nome Lavori letterari con nomi antisimmetrici (esempio "Il principe e il povero"). Ricorda i racconti popolari, la cui trama era basata su eventi antisimmetrici.
Compito artistico e creativo
Ascolta campioni di musica classica, elettronica e popolare sul tuo computer attivando la funzione di visualizzazione. Scegli un'immagine che sia in sintonia con la musica: danza di cerchi bizzarri, volo spaziale, pacificazione, flash, ecc.
Sotto l'influenza delle scoperte della radioattività e dei raggi ultravioletti nella scienza, l'artista russo Mikhail Fedorovich Larionov (1881-1964) nel 1912 fondò uno dei primi movimenti astratti in Russia: il rayonismo. Credeva che fosse necessario rappresentare non gli oggetti stessi, ma i flussi di energia provenienti da essi, presentati sotto forma di raggi.
Lo studio dei problemi della percezione ottica ha spinto il pittore francese Robert Delaunay (1885-1941) all'inizio del XX secolo. sull'idea della formazione di caratteristiche superfici e piani circolari, che, creando una tempesta multicolore, si impossessavano dinamicamente dello spazio del quadro. Il ritmo astratto del colore ha suscitato le emozioni del pubblico. La compenetrazione dei colori principali dello spettro e l'intersezione di superfici curve nelle opere di Delaunay creano dinamiche e veramente sviluppo musicale ritmo.
Uno dei suoi primi lavori era un disco colorato, a forma di bersaglio, ma le transizioni cromatiche degli elementi vicini hanno colori aggiuntivi, che conferiscono al disco un'energia straordinaria.
L'artista russo Pavel Nikolayevich Filonov (1882-1941) completò negli anni '20. 20 ° secolo composizione grafica - una delle "formule dell'Universo". In esso, ha predetto il movimento delle particelle subatomiche, con l'aiuto del quale i fisici moderni stanno cercando di trovare
formula dell'universo.
Guarda le incisioni più famose di M. Escher "Giorno e notte", "Sole e luna". Quali stati emotivi trasmettono? Spiega perchè. Dare un'interpretazione della trama delle incisioni.
Ascolta un frammento poema sinfonico A. Scriabin "Prometeo". Disegna una partitura di colore per questo pezzo.
Compiti artistici e creativi
> Disegna uno stemma, un marchio o un emblema (matita, penna, inchiostro;collage Oapplique ;
grafica computerizzata ) utilizzando tipi diversi simmetria.
> Immagina qualsiasi oggetto o fenomeno sotto forma di flussi di energia che emanano da esso, come facevano gli artisti radiosi. Eseguire una composizione in qualsiasi tecnica. Scegli la musica associata a questa composizione.
> Eseguire lavori decorativi utilizzando l'antisimmetria come principio per ottenere un'immagine (simile alle incisioni di M. Escher).
