Estetica della scrittura della vita Nella stessa misura in cui Bogdanovich condivideva la predilezione della sua epoca letteraria per il folklore nazionale, rendeva omaggio alla passione letteraria generale per la scrittura della vita nelle sue nuove funzioni estetiche di creazione di un ambiente materiale a tutti gli effetti che servisse

Filosofia. Estetica

I. Storia dell'arte ed estetica generale<…>La poetica, privata della base dell'estetica sistematico-filosofica, diventa instabile e accidentale nelle sue stesse fondamenta. La poetica, sistematicamente definita, deve essere l'estetica della creazione artistica verbale. Questa definizione

Estetica ricettiva

L'immagine di una persona nella letteratura del classicismo europeo del XVII secolo Le nuove idee letterarie del Rinascimento non potevano essere tradotte nella vita reale. La delusione negli insegnamenti degli umanisti porta a cambiamenti molto significativi nella rappresentazione del classicista

La nuova visione del mondo di una persona del 17 ° secolo. in diverse regioni d'Europa ha trovato espressione in forme peculiari di cultura spirituale. In alcuni paesi, dopo la crisi della cultura rinascimentale, inizia l'era barocca (Italia, Fiandre), in altri si sta formando un nuovo stile: il classicismo. All'inizio del XVII secolo, il barocco fungeva già da stile unico in tutti i tipi di arte, mentre il classicismo era in ritardo nella sua formazione. Il sistema stilistico del classicismo non può essere valutato solo entro il XVII secolo, perché la sua distribuzione in forme modificate in tutta Europa cade nel XVIII e all'inizio del XIX secolo. Ma la teoria del classicismo, in contrasto con il barocco, era molto sviluppata ed era addirittura in anticipo rispetto alla pratica artistica. Il classicismo nel suo insieme sistema artistico ha origine in Francia. Viene spesso chiamata la cultura dell'assolutismo, perché nel XVII secolo. in Francia si sta sviluppando modello classico stato assolutistico. Ma l'arte del classicismo non può essere ridotta al servizio dell'assolutismo. Il classicismo prende forma nella prima metà del secolo, quando rimane aperta la questione del futuro della Francia. C'è stato un processo di costruzione statale e nazionale, in cui c'era ancora un equilibrio tra le principali forze sociali del paese: il potere reale, la nobiltà e la crescente borghesia. Non fu il potere reale in sé, ma proprio questo equilibrio che permise l'emergere dell'arte classica, che glorificava non la sottomissione assoluta al monarca, ma la cittadinanza ideologica. Quest'arte richiedeva a tutti: governanti e subordinati azioni ragionevoli, preoccupazione per l'equilibrio sociale, ordine e misura. Il classicismo è un'arte riflessiva e costruttiva. Ha cercato di creare modelli ideali di un mondo giusto e armonioso basato su idee ragionevoli sul bene pubblico. I teorici del classicismo consideravano l'educazione della società il compito principale dell'arte. Certo, nessuna arte può essere costruita unicamente sui principi della ragione, altrimenti cesserebbe di essere arte. Il classicismo procedeva dall'eredità rinascimentale e dall'esperienza della modernità, quindi, sia lo spirito di analisi che l'ammirazione per l'ideale ne erano ugualmente caratteristici. Il classicismo viene a sostituire la cultura del Rinascimento, quando questa stessa cultura era in uno stato di crisi, quando il realismo rinascimentale è rinato nell'arte estetizzata senza senso del manierismo. Nelle condizioni storiche del XVII secolo. la fede umanistica nella vittoria del bene sul male, nel principio armonioso della natura umana, è andata perduta. La perdita di questa fede ha portato a una crisi diretta della creatività artistica, perché ha perso il suo ideale: una persona con una ricca vita spirituale e un obiettivo nobile. Pertanto, il legame più importante che collegava il classicismo con l'arte dell'Alto Rinascimento era il ritorno sulla scena moderna di un eroe attivo e forte, una persona decisa, energica, desiderosa di felicità e innamorata della vita. Ma in contrasto con l'ideale rinascimentale, un forte criterio morale che esiste nella società ha agito sulla via della felicità dell'eroe della New Age. La moralità pubblica, in quanto legge immutabile della dignità umana, avrebbe dovuto ispirare una persona e guidare le sue azioni. È un tale eroe che appare nelle tragedie di Corneille, Racine e nelle commedie di Molière. Non è un caso che la teoria estetica del classicismo si sviluppi principalmente in drammaturgia francese e letteratura. I trattati di scrittori e poeti francesi hanno svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo delle principali forme stilistiche del classicismo. Parallelamente alla formazione della teoria, sorsero le prime opere d'arte classiciste complete. Uno dei primi teorici e poeti del classicismo fu Nicolas Boileau-Depreo (1636-1711). Nel suo trattato poetico "Arte poetica" furono riuniti per la prima volta principi teorici classicismo. Le norme ei canoni del classicismo sono presentati in quest'opera in una forma vivace e comprensibile. Il sistema poetico deve essere soggetto alla disciplina della ragione. Viene in primo piano lo sviluppo razionale dell'argomento. La chiamata di Boileau "Amore pensato in versi" divenne il grande principio della poesia classica. Il requisito principale per un poeta è subordinare la sua creatività alla disciplina della ragione. La ragione deve dominare il sentimento e l'immaginazione. Ma non solo nel contenuto dell'opera, nel senso, ma anche nella sua forma. Per rispecchiare perfettamente il contenuto occorre il giusto metodo verificato, alta professionalità, virtuosismo. L'unità di forma e contenuto è uno dei principi fondamentali del classicismo. Il classicismo ha visto l'ideale estetico della bellezza nella cultura antica. L'arte antica fu proclamata la norma sia per l'arte rinascimentale che per quella barocca. Ma la correlazione di questa norma con pratica artistica il classicismo è fondamentalmente diverso. Per il Rinascimento arte antica era una scuola di eccellenza e uno stimolo per la ricerca creativa indipendente, e non un modello canonico. I maestri barocchi riconoscevano teoricamente i canoni dell'antichità, ma nel loro lavoro erano lontani da loro. Nell'arte del classicismo, le norme dell'antichità acquistano il significato di una verità indiscutibile. Seguire questi canoni nelle condizioni della cultura del New Age condanna l'arte del classicismo alla natura "secondaria" della verità. Il nome stesso - classicismo, non classico, sottolinea questa natura secondaria. Il classicismo vedeva nella cultura antica non solo un ideale estetico, ma anche etico. L'arte dell'antica Grecia e di Roma era un esempio dell'arte del grande suono sociale, che predicava alti ideali civili e morali. Il nucleo interno dell'uso di antichi canoni nell'arte del classicismo era il principio razionale. Questo elemento occupava anche un posto importante nel processo di creatività nel Rinascimento. Ma poi il razionalismo è stato proposto in opposizione al sentimento irrazionale del Medioevo come mezzo principale per comprendere le leggi della natura e dell'arte. Nel classicismo la ragione non appare come un elemento naturale attività umana ma come oggetto di culto. Il razionalismo divenne la base e l'essenza della teoria del classicismo. La ragione è stata proclamata il criterio principale della verità e della bellezza artistica. L'arte del classicismo si è fondamentalmente separata dalla sfera dei sentimenti soggettivi nella percezione della bellezza. Il classicismo pretendeva di affermare verità morali assolute e incrollabili forme d'arte stabilita dalla ragione ed espressa in regole. La creatività deve obbedire alle leggi. I classicisti derivarono queste leggi sulla base delle loro osservazioni sull'arte antica. Uno dei primi teorici del classicismo, il grande drammaturgo francese Pierre Corneille (1606-1684), commentando la Poetica di Aristotele e riferendosi all'esperienza storica dei secoli, cercò di dedurre le leggi formali del dramma. Uno dei principali era la legge delle tre unità: tempo, luogo e azione. L'attività di Corneille è stata una vera e propria riforma della drammaturgia. È autore di numerosi trattati sulla teoria del dramma e di analisi critiche dei propri scritti. La tragedia di Corneille "The Garden" divenne l'orgoglio nazionale dei francesi. Molto rapidamente è stato tradotto in molti lingue europee. La gloria dell'opera e del suo autore è stata straordinaria. "Sid" e ora nel repertorio permanente non solo dei francesi, ma anche di molti altri teatri in Europa. Le trame delle sue opere ("Orazio", "Cinna", ecc.) Corneille hanno realizzato momenti drammatici del passato storico, il destino delle persone in un periodo di acuti conflitti politici e sociali. Soprattutto spesso ha utilizzato il materiale della storia romana, che gli ha fornito materiale abbondante per riflessioni politiche temi contemporanei. Il principale conflitto drammaturgico delle tragedie di Corneille è uno scontro di ragione, ... e sentimenti, dovere e passione. La vittoria è sempre stata con ragione e dovere. Lo spettatore ha dovuto lasciare il teatro senza contraddizioni e dubbi. La fonte del tragico è la passione estrema e lo spettatore ha dovuto imparare una lezione: è necessario tenere sotto controllo le passioni. Nelle tragedie di un altro famoso drammaturgo Jean Racine (1639-1699), il pubblico ha visto non solo un eroe maestoso, ma anche una persona con debolezze e mancanze ("Andromaca", "Berenik", "Ifigenia in Aulis"). Le commedie di Rasi-na riflettevano la vita da salotto di Versailles. Greci e Romani, inevitabili dalle richieste poesia classica, sembrava essere il vero francese del loro tempo. Sul palco si sono esibiti con parrucche arricciate, cappelli a tre punte e con le spade. I re portati in scena da Racine erano ritratti idealizzati di Luigi XIV. Il regno del re durò più di 50 anni e in storia europea questa volta fu addirittura chiamato il secolo di Luigi XIV. In circostanze favorevoli, la Francia raggiunse un tale livello di sviluppo economico e mentale e potere politico da diventare la preminente potenza europea e il trendsetter del gusto e della moda per tutta l'Europa. L'istituzione dell'assolutismo corrispondeva alle inclinazioni personali del re. Assetato di potere, narcisista, viziato dall'adulazione dei cortigiani, a Louis piaceva ripetere la frase "Lo stato sono io". Al fine di aumentare il prestigio reale, è stata prestata particolare attenzione alla vita di corte. Un'etichetta rigorosa distribuiva il tempo reale con meschinità puntuale e l'atto più ordinario della sua vita (per esempio, vestirsi) era fornito con la massima solennità. Luigi XIV non era soddisfatto dell'ammirazione per se stesso, che vedeva e sentiva dai cortigiani, iniziò ad attrarre scrittori di spicco, francesi e stranieri, dando loro ricompense in denaro e pensioni in modo che glorificassero se stesso e il suo regno. La letteratura francese assunse gradualmente un carattere cortese. Nel 1635 fu fondata a Parigi l'Accademia di letteratura. Da quel momento, il classicismo è diventato la tendenza ufficiale dominante nella letteratura. Relativamente lontano dalla corte si trovava Jean de La Fontaine (1621-1695). Occupa un posto particolare nella letteratura del classicismo. Lafontaine non ha paura dell'interesse per i generi "inferiori", fa affidamento saggezza popolare, folclore che definisce profondamente carattere nazionale la sua creatività. Il suo patrimonio creativo è poliedrico, ma deve alle sue favole la fama di uno dei più grandi poeti di Francia. (Le tradizioni di Lafontaine sono state utilizzate da IA. Krylov.) Nella loro moralità istruttiva, vediamo una manifestazione di uno dei principi più importanti del classicismo: l'arte dovrebbe educare e convincere. Il sistema figurativo dello stile classico si è rivelato improduttivo per l'arte della poesia lirica, della pittura e della musica. L'instabile sfera mutevole delle emozioni era estranea al classicismo. I principi del nuovo stile sono "equilibrio armonico di forme e proporzioni ideali- erano essenzialmente i principi dell'architettura. È nel campo di quest'arte che risiedono le principali conquiste del classicismo, che ne hanno determinato la diffusione in due secoli di cultura europea. Nell'architettura del classicismo, i principi di base dello stile hanno trovato la loro incarnazione organica. Architettura classica sviluppata in Francia, Inghilterra e Olanda. Idealmente, questo stile è l'esatto opposto del barocco. È caratterizzato da una chiara geometria delle forme, linee rigorose, volumi chiari e un design compositivo armonioso. Il classicismo si è rivolto alle forme dell'architettura antica, ne ha utilizzato non solo i motivi e i singoli elementi, ma anche i modelli di costruzione. La base del linguaggio architettonico del classicismo era l'ordine in forme più vicine all'antichità che al barocco. Invece del barocco irrazionale spontaneo, l'immagine architettonica del classicismo cerca di esprimere idee su logica, ordine e misura. Ma nel XVII secolo l'architettura non era ancora arrivata a un'incarnazione coerente e chiara di queste idee. In pratica era ancora visibile il collegamento con l'impianto barocco. Soprattutto questo prestito di alcune tecniche barocche è stato visto nell'architettura della Francia. Mezzi figurativi rigorosamente classici non potevano risolvere i problemi di glorificazione della monarchia assoluta, che erano stati fissati dai teorici dell'arte ufficiale. Pertanto, gli architetti del classicismo ricorsero spesso a metodi barocchi di rappresentatività cerimoniale. Hanno decorato le facciate dei loro edifici nello spirito del barocco, il che a volte rende difficile per uno spettatore inesperto definire rigorosamente lo stile. Solo nel XVIII secolo, quando il potere regio assunse l'aspetto di una monarchia illuminata e mutò la sua dottrina sociale, il classicismo sviluppò una struttura figurativa del tutto autonoma. La Francia del XVII secolo è caratterizzata dall'intreccio di tratti tardo rinascimentali, gotici e barocchi con tratti del classicismo. Ma la direzione principale era il classicismo, tutto il resto lo accompagnava. Nel corso generale della cultura del New Age, c'è stato un processo di graduale trasformazione di un castello fortificato in un palazzo non fortificato. In città era compreso nella struttura generale di strade e piazze, fuori città era collegato con un vasto parco. I ponti levatoi furono sostituiti da quelli in pietra, i fossati divennero elementi del parco, le torri all'ingresso furono sostituite da padiglioni. Furono creati gli insiemi di giardini e parchi delle Tuileries, Fontainebleau, ecc., che gettarono le basi per l'arte di un normale giardino francese con le sue infilate di vicoli raddrizzati, rifiniti con erba e arbusti, che furono dati forma geometrica coni e palline. Il giardiniere diventa architetto e scultore, comincia a ragionare in termini di categorie spaziali, a subordinare la materia viva al disegno razionale. Il crescente bisogno di alloggi ha cambiato lo sviluppo della città. All'inizio del secolo si sviluppò a Parigi un tipo di albergo che dominò per due secoli. Si tratta di case nobiliari con cortile e giardino. Combinano piani semplici e convenienti con facciate riccamente decorate con sculture, rilievi e ordine. Nel nuovo look delle case di città Grande importanza aveva tetti, il cui design e la cui forma sono cambiati. Negli anni '30 del XVII secolo. l'architetto Mansart ha proposto una forma del tetto spezzato utilizzando un attico per l'edilizia abitativa. Questo sistema, che prende il nome dall'autore dell'attico, si è diffuso in tutta Europa. CON inizio XVII v. l'architettura del classicismo inglese sta prendendo forma. Questo periodo coincide con il tempo del vigoroso sviluppo industriale del paese e la formazione del capitalismo. L'iniziatore e il creatore delle prime composizioni su larga scala del classicismo fu l'architetto Inigo Jones. Possiede i progetti della famosa Banqueting House (edifici per ricevimenti ufficiali) e Lindsay House a Londra. Era l'architetto di Quans House (Queen's House) a Greenwich. Questo è un brillante esempio di classicismo nella storia dell'edilizia abitativa. Nelle forme più rigorose del classicismo, è stato creato un insieme di edifici del Palazzo Reale di Whitehall, un insieme del Greenwich Hospital di Londra (architetti Jones, Christopher Wren e altri). Il classicismo ha sviluppato nuove forme in vari campi- realizzazione di piazze cittadine di vario tipo (Covent Garden Square a Londra, Place Vendôme a Parigi), costruzione complessi palaziali (Versailles, Whitehall), chiese (Cattedrale di St. Paul a Londra - architetto K. Wren, Cattedrale Invalides - architetto Hardouin-Mansart), edifici pubblici - municipi, ospedali, edifici residenziali privati, palazzi della nobiltà, edifici di società commerciali (l'ensemble degli Invalides - architetto Bruant, Biblioteca del Trinity College di Cambridge", l'edificio della dogana a Londra - architetto K. Ren; l'edificio del municipio di Augusta - architetto Elias Holl, il municipio di Amsterdam - architetto J. van Kampen , la costruzione di scale a Gouda e così via).Il classicismo ha sviluppato forme di linguaggio architettonico che hanno incontrato sia i gusti della monarchia assoluta che l'ordine sociale borghese.Versailles, la nuova residenza di Luigi XIV, occupa un posto speciale nell'architettura francese.Versailles è diventato un diapason estetico dello stile dell'epoca Questo è un insieme architettonico del palazzo senza precedenti per grandezza e integrità Tre viali partono dall'enorme piazza di fronte al palazzo, l'asse centrale * si estende per 16 chilometri attraverso la città , piazza, palazzo e parco. Molti architetti hanno preso parte alla creazione dell'ensemble di Versailles durante diversi periodi di costruzione: Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel. Questo insieme incarnava costantemente i principi del classicismo: regolarità, rigorosa simmetria, chiarezza della composizione, chiara subordinazione delle parti, ritmo calmo dell'alternanza di finestre, lesene, colonne. Allo stesso tempo, le lussureggianti finiture decorative, soprattutto negli interni, ricordano il barocco. Le sale del palazzo si trovano in enfilades, riccamente decorate con decorazioni scultoree, marmi colorati, rilievi in ​​​​bronzo dorato, affreschi, specchi. Il parco è diventato una parte importante dell'insieme, inseparabile dalla sua espressività architettonica. Può essere considerato un programma di lavoro di un nuovo tipo di arte: il giardinaggio paesaggistico. André Linotre (1613-1700) perfezionò la sua arte, che combinava elementi di architettura, scultura, orticoltura e ingegneria idraulica sulla base di un insieme. Per la prima volta nella storia, i paesaggi organizzati dagli artisti si sono trasformati in opere d'arte. Il parco è stato decorato con sculture dei famosi maestri François Girandon (1628-1715) e Antoine Coisevox (1640-1720). Questa scultura aveva un carattere programmatico: la glorificazione del regno del grande monarca. Gli scultori usavano i motivi barocchi in modo classico: cercavano di isolare ogni figura e di posizionarla simmetricamente. Un tipico esempio di architettura classicista fu la facciata est del Louvre (a volte chiamata il "Colonnato del Louvre") dell'architetto Claude Perrault (1613-1688). Con la sua razionale semplicità, l'armonioso equilibrio delle parti, la chiarezza delle linee, la staticità calma e maestosa, il colonnato Perrault corrispondeva all'ideale prevalente dell'epoca. Nel 1677 fu istituita l'Accademia di architettura, il cui compito principale era quello di generalizzare l'esperienza accumulata dell'architettura al fine di sviluppare "leggi eterne ideali della bellezza" . Queste leggi dovevano essere seguite da ulteriori costruzioni. Il classicismo è stato ufficialmente riconosciuto come lo stile principale dell'architettura. L'arte avrebbe dovuto esprimere visivamente e glorificare la grandezza della monarchia, il potere della nazione e dello stato in magnifici palazzi e parchi, complessi urbani ed edifici pubblici. L'Accademia ha dato una valutazione critica dei principi del barocco, riconoscendoli inaccettabili per la Francia. Le proporzioni erano la base della bellezza. Si riteneva obbligatorio avere una netta divisione per piano per ordine e l'assegnazione dell'asse centrale dell'edificio, che doveva necessariamente corrispondere al cornicione dell'edificio, un balcone o un frontone. Le ali della facciata dovevano essere racchiuse da padiglioni. Il dettato del classicismo ufficiale si fa sentire anche nelle arti visive. Il creatore della tendenza classicista nella pittura fu Nicolas Poussin (1594-1665). Questo artista francese studiò e lavorò a Roma (due anni trascorsi su invito di Luigi XIII a Parigi presso la corte reale non furono fruttuosi per il suo lavoro). Poussin ha combinato un eccezionale teorico e praticante. Nella sua bottega romana, dove si riunivano pittori e teorici, il pensiero dell'artista trovò terreno fertile di diffusione. Poussin non ha scritto trattati scientifici speciali, il pensiero dell'artista sugli obiettivi e le possibilità della pittura ci è pervenuto nella sua corrispondenza e trasmissione da parte di altri autori. Credeva che l'arte dello "stile maestoso" fosse composta da 4 elementi: questo è il contenuto, la sua interpretazione, costruzione e stile. La cosa principale è che il contenuto e la trama sono maestosi e belli. Per fare questo, l'artista deve scartare tutto ciò che è meschino, per non contraddire il significato elevato della storia. Il soggetto dell'immagine deve essere "preparato" all'idea di bellezza, la cosa principale in questa preparazione è l'ordine, la misura e la forma. Ordine e forma - Poussin ne parla costantemente, ne parla anche Cartesio, il fondatore della filosofia del razionalismo: "le cose che percepiamo molto chiaramente e distintamente sono vere". Solo una "preparazione" ragionevole può spiritualizzare la materia in modo che diventi veramente bella. La natura nell'arte dovrebbe essere presentata in una forma nobilitata dalla ragione, priva di ciò che non corrisponde all'opinione sul corso ragionevole delle cose, alle regole della "decenza" e delle buone maniere. Il paesaggio dovrebbe incarnare il potere epico e l'armonia della natura, è un paesaggio composto. Come espressione di questa bellezza, sorge il mondo dell'Arcadia di Poussin, abitato da celesti, eroi, satiri, ninfe e bella gente ("Il regno della flora", "I pastori dell'Arcadia", "Paesaggio con polifeni"). Ha tratto temi dalla mitologia, dai libri delle Sacre Scritture e dalle tradizioni storiche. Poussin era attratto da personaggi forti, azioni maestose, il trionfo della ragione e della giustizia. Ha scelto trame che forniscono spunti di riflessione, educano alla virtù. In questo vedeva lo scopo sociale dell'arte. Poussin mette in primo piano i temi del dovere pubblico, della necessità morale, presentati sotto forma di trama drammatica: i soldati giurano fedeltà a Germanico, avvelenato per ordine di Tiberio, Erminia si taglia i lussuosi capelli per fasciare l'eroe ferito e salvarlo, il re Salomone si fa portatore di giustizia morale in una disputa tra due madri per un bambino ("La morte di Germanico", "Tancred ed Erminia", "La presa di Gerusalemme", "Il ratto delle Sabine") . La base della pittura del classicismo sono le esatte leggi immutabili dell'organizzazione artistica dell'opera. Le composizioni di Poussin sono ordinate, in esse è visibile un chiaro schema costruttivo, l'azione principale si svolge sempre in primo piano. Il significato principale nel linguaggio artistico è legato alla forma, al disegno, alla linea. La feticizzazione della mente rappresentava una minaccia per la vera arte. Raggiungere un equilibrio tra calcolo e ispirazione, tra razionale ed emotivo, intuitivo è un compito creativo molto difficile. Poussin è stato l'unico pittore del XVII secolo, nelle cui opere il concetto di classicismo è stato incarnato in modo veramente produttivo. Per altri maestri, il compito si è rivelato travolgente. Il principio razionale astratto ha prevalso e il sistema classicista si è trasformato in uno accademico. Era dominato da un approccio dogmatico, affidamento su canoni stabiliti. L'Accademia francese delle arti fu fondata nel 1648 ed era sotto la supervisione del primo ministro del re. Nella pittura, come in tutte le altre forme d'arte, c'è stato un processo di rigida regolamentazione e subordinazione della creatività artistica ai compiti dell'assolutismo. L'Accademia è stata chiamata a sviluppare le regole formali dell'arte virtuosistica. Alcuni artisti dell'epoca sostenevano che solo gli scienziati possono essere intenditori d'arte. L'idea di migliorare la pittura attraverso la ragione era molto forte. C'erano persino tabelle matematiche dei risultati di ogni pittore. L'Accademia si è riunita in riunioni periodiche, dove artisti di spicco, in presenza di studenti, hanno selezionato i dipinti della collezione reale del Louvre. Le analisi dei dipinti erano basate sulla classificazione. Tutto era suddiviso in categorie di disegno, proporzione, colore, composizione. Il più alto genere di pittura era considerato storico, che includeva scene della Bibbia, mitologia antica, famose opere letterarie. Solo il perfetto è degno di rappresentazione, tutto ciò che è basso, come nella poesia dei classicisti, è stato rifiutato come un dettaglio accidentale e inutile che distoglie l'attenzione dalla cosa principale. Ritratto, paesaggio, natura morta, scene domestiche erano considerate un "piccolo genere". Gli accademici hanno sviluppato un intero sistema di regole basato sulla corrispondenza di movimenti e gesti a determinati stati mentali- paura, rabbia, gioia, sorpresa, ecc. Nei trattati classici si davano istruzioni precise su come trasmettere determinati stati emotivi e si allegavano disegni-diagrammi. Proporzioni corpo umano furono costruiti secondo canoni antichi. Con il primato del disegno sulla pittura, le figure sulle tele dei classicisti somigliavano a sculture antiche. Ma l'antichità è diventata forma naturale espressioni degli oggetti di scena ideali, ma obbligatori per opere di "alto stile". La normatività ragionevole e secca ha portato alla degenerazione del classicismo in accademismo. Ha bandito dall'arte l'immaginazione, la fantasia, la visione individuale. L'insieme delle regole che governano il processo creativo ha contribuito a regolare l'arte, subordinandola al controllo dell'assolutismo. Il ruolo storicamente necessario del classicismo era lo sviluppo di un principio cosciente insito in ogni creatività. Ma a causa delle condizioni storiche, questa tendenza ha assunto un tono troppo arido e razionale. La coscienza della creazione artistica si è trasformata in convenienza meccanica. L'idea del primato del pensiero si è trasformata nel suo opposto: il formalismo senza vita. Le formule dello stile del cast hanno svolto un ruolo sia positivo che negativo. Dobbiamo essere in grado di vedere l'arte classica in tutta la ricchezza e la diversità del suo contenuto. La pratica artistica è sempre più ricca della teoria e, di regola, sopravvive alla sua epoca. I drammi di Corneille e Racine, le commedie di Molière e le favole di La Fontaine, i paesaggi di Poussin e Lorrain sono ancora vivi, confermando la loro immortalità nella storia della cultura mondiale. Domande 1. Quali sono le caratteristiche comuni dello stile del classicismo? 2. Come sono collegati gli ideali culturali dell'antichità, del Rinascimento e del classicismo? 3. Quale ruolo ha giocato il principio razionale nell'arte del classicismo? 4. Quali principi del classicismo si sono formati nella drammaturgia francese? 5. In che modo i teorici del classicismo hanno compreso il compito principale dell'arte? 6. Quali sono le caratteristiche principali dello stile classicista in architettura e pittura.

Il classicismo è una tendenza esteticamente significativa nell'arte che ebbe origine nel XVII secolo, si sviluppò nel XVIII e può essere rintracciata nel XIX secolo. È caratterizzato da un richiamo agli antichi classici come rigoroso modello normativo di perfetta armonia. idee estetiche il classicismo si forma nella vena del razionalismo, che diffuse il suo dominio in quell'epoca - una dottrina filosofica e scientifica, secondo la quale la ragione è la più alta capacità umana, che gli permette di conoscere e persino trasformare il mondo, diventando in parte alla pari con Dio , riorganizzare le società. La ragione, dal punto di vista del razionalismo, non è solo la principale, ma anche l'unica capacità completamente adeguata della mente umana. I sentimenti sono solo la premessa del ragionamento razionale, di per sé oscurando la chiara verità; l'intuizione mistica è preziosa per la sua inclusione nel sistema dell'argomentazione razionale. Tale visione non poteva che influenzare il rapporto tra le sfere della cultura, che cominciarono a prendere forma nei circoli più alti della società nei paesi europei: scienza, filosofia e matematica in particolare - queste sono le principali forze motrici per il progresso della conoscenza; all'arte è assegnato un ruolo più modesto e secondario di godimento sentimentale, intrattenimento leggero e intelligibile, impressionante edificazione; la religione tradizionale, non "illuminata" dalle idee razionali del deismo filosofico, è la fede di un popolo semplice e non istruito utile all'organismo sociale - una sorta di stabilizzatore nel campo dei costumi sociali.
Il classicismo si basa sulla teoria estetica normativa. Già Rene Descartes, matematico e filosofo francese della prima metà del XVII secolo, nelle sue opere originali per l'epoca “Discorso sul metodo”, “Compendio della musica”, ecc., sostiene che l'arte deve essere soggetta a una rigida regolamentazione dalla mente. Allo stesso tempo, il linguaggio delle opere d'arte, secondo R. Descartes, dovrebbe essere distinto dalla razionalità, la composizione dovrebbe essere basata su regole rigorosamente stabilite. Il compito principale dell'artista è convincere, prima di tutto, con il potere e la logica dei pensieri. La teoria estetica normativa del classicismo è caratterizzata da razionalismo, chiarezza equilibrata, calcolo formale con particolare attenzione alla proporzionalità, integrità, unità, equilibrio e completezza delle forme, connessione con le idee dell'assolutismo politico e l'imperativo morale. I principi normativi del classicismo implicavano una chiara divisione in generi alti e bassi.
Questi principi del classicismo si manifestano in tutti i tipi di arte: nel teatro, che aderiva alle generalizzazioni ideologiche di N. Boileau (Cornel, Racine, Molière, Lope de Vega e altri); in letteratura (Lafontaine) in architettura, soprattutto secolare - palazzo e parco (l'immagine di Versailles) e civile e chiesa (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, ecc.); nella pittura (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): nella scultura (Canova, Thorvaldsen, ecc.) nella musica (Gluck, Haydn, Mozart, il primo Beethoven, ecc.) Alcuni dei grandi creatori d'arte elencati nella loro profonde idee espressive andavano oltre la rigorosa normatività del classicismo, postulando da lui la separazione dei generi alti e bassi, ma il loro lavoro è ancora unito dai principi di chiarezza espressiva, concisione e armonia di stile, caratteristici di quest'epoca.
Il rappresentante più importante della teoria estetica dell'arte di quell'epoca fu Nicolas Boileau (1636-1711) - un poeta satirico francese, teorico del classicismo, le cui norme e regole sono da lui stabilite nel trattato poetico "Arte poetica" - un una specie di istruzione per un poeta alle prime armi, artista.
N. Boileau è un sostenitore del predominio nell'opera del poeta (e nell'arte in generale) della sfera intellettuale su quella emotiva. Crede che le opere d'arte siano rivolte non tanto al sentimento quanto alla ragione. I segni più importanti della bellezza - qualcosa che viene facilmente catturato dalla mente - è la chiarezza, la distinzione. Tutto è incomprensibile e brutto allo stesso tempo. L'idea dell'opera, la sua incarnazione dovrebbe essere chiara, le parti e l'intera architettura dell'opera dovrebbero essere chiare e distinte. Semplicità e chiarezza - questo è il motivo del famoso principio delle "tre unità", esteso da N. Boileau alla poesia e alla drammaturgia nella loro perfetta composizione: unità di luogo (l'azione è geograficamente localizzata, sebbene comporti un cambio di scene) , unità di tempo (l'azione deve rientrare in un giorno, un giorno), unità di azione (le scene successive devono corrispondere all'ordine temporale degli eventi). Allo stesso tempo, i personaggi ritratti non devono cambiare nel corso dell'opera. Questi principi, secondo N. Boileau, essendo manifestazioni dirette delle leggi della ragione, disciplina possibilità creative poeta e consentire al lettore o allo spettatore di comprendere facilmente e quindi in modo soddisfacente il contenuto trasmesso.
La plausibilità è il concetto chiave dell'estetica dell'arte di N. Boileau. Poiché N. Boileau presenta il bello come ragionevole e naturale. La ragione è la base della validità universale delle norme del gusto. Così, il bello in qualche modo obbedisce alla verità. Ma la verità della vita è anche un'idealizzazione normativa, e non solo un riflesso corretto. La bellezza, secondo N. Boileau, è introdotta nel mondo da una sorta di principio spirituale razionale, e un'opera d'arte, come prodotto dell'attività razionale, risulta essere più perfetta delle creazioni della natura. La bellezza spirituale è posta al di sopra del fisico e l'arte - al di sopra della natura.
N. Boileau concretizza la teoria dei generi che si è sviluppata nel classicismo quando sono divisi in superiori e inferiori: Quindi, la tragedia dovrebbe rappresentare l'alto e l'eroico, e la commedia - il basso e il vizioso. Gli eroi della commedia sono persone semplici, che esprimono i loro pensieri non nel linguaggio pomposo della retorica, ma in un linguaggio secolare moderno e leggero.
Le nuove idee dell'Illuminismo erano in gran parte associate ai principi del classicismo e rappresentavano un'unità organica con esso in molti fenomeni culturali del XVIII secolo. L'Età dell'Illuminismo nei suoi principi assiomatici è tanto razionalista quanto l'emergente visione del mondo del 17 ° secolo, ma a differenza del primo razionalismo, l'Illuminismo è un intero programma volto non tanto a dominare le forze della natura a scapito conoscenza scientifica le sue leggi (questo processo, iniziato nel XVII secolo, ovviamente, continuò), ma sulla trasformazione dell'intera cultura e dell'intera società sulla base della ragione, sulla base di nuove conoscenze scientifiche, per molti aspetti contraddicendo il tradizione spirituale, che era radicata negli atteggiamenti del Medioevo. progetto illuminista, i cui autori sono pensatori francesi, inglesi e tedeschi (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder e altri, molti dei quali furono membri di società mistiche segrete di persuasione razionalistica, come gli Illuminati (dal latino illuminatio - illuminazione) - consistevano in una serie di aree correlate: il consolidamento della conoscenza scientifica e la diffusione della conoscenza razionale di un nuovo tipo a questioni di comprensione filosofica dell'uomo, della società, della cultura, compresa l'arte; diffusione delle conoscenze scientifiche e dei valori della nuova generazione tra il grande pubblico, facendo appello a un pubblico istruito; miglioramento delle leggi di cui vive la società, fino a cambiamenti rivoluzionari.
A questo proposito, una delle linee della filosofia dell'Illuminismo è l'identificazione dei confini della mente conoscitiva e la sua connessione con altre forze conoscitive e attive dell'uomo, come il sentimento comprensivo - da qui l'emergere dell'estetica filosofica come disciplina indipendente, come la volontà, il cui ambito era interpretato come una sfera pratica della mente. Il rapporto tra naturalezza e cultura è stato compreso dagli illuministi in modi diversi: alle idee dominanti del progressismo culturale e di civiltà si è opposta la tesi della naturalezza dell'uomo, brillantemente espressa nell'appello di Jean-Jacques Rousseau: "Ritorno alla natura. " Un altro aspetto relativo all'attuazione dei compiti del programma dell'Illuminismo è l'emergere della conoscenza negli orizzonti della cultura mondiale, l'inizio dello sviluppo dell'esperienza non europea di cultura, arte e religione e, in particolare, l'emergere di il concetto di cultura artistica mondiale (J. Goethe).
Le idee dell'Illuminismo nell'arte furono espresse in una serie di nuovi fenomeni nella vita artistica del XVIII secolo. - in democrazia - l'emergere dell'arte oltre i salotti, gli uffici e i palazzi secolari nelle sale da concerto pubbliche, nelle biblioteche, nelle gallerie, nell'affrontare i temi vita popolare E storia nazionale, nel rifiuto dell'eroica aristocrazia e nel canto di immagini di gente comune, in un misto di generi alti e bassi, nella popolarità del genere quotidiano e del genere della commedia; interessato a vita pubblica e progresso; nell'anticlericalismo e nella critica caricaturalmente ironica dei resti fatiscenti del Medioevo e dei costumi viziosi, compresi quelli velati dalla pietà personale; nel liberalismo - predicazione della libertà dell'individuo e insieme nella predicazione morale della semplicità e naturalezza dell'uomo, coordinata con il bene della società; in ampi interessi enciclopedici e attenzione alle culture extraeuropee; nel realismo - mostrando una natura semplice, un contesto sociale e un'aura psicologica delle immagini umane, in un idilliaco impegno per la naturalezza e la fedeltà al sentimento umano, in contrasto con la mente che può commettere errori.
In letteratura e teatro, ciò si rifletteva nel lavoro di Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift; nella pittura - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; nella scultura - Houdon, Shubin, ecc.
Molte idee dell'Illuminismo sono state implementate nelle forme d'arte sviluppate dall'estetica del classicismo, quindi possiamo parlare della reale somiglianza di questi stili con una certa delimitazione ideologica dei loro principi. Alcuni motivi educativi erano in armonia con lo stile di corte giocoso e raffinato del rococò. Nell'ambito delle idee del tardo Illuminismo si formò uno stile originale di sentimentalismo (soprattutto nella poesia e nella pittura), caratterizzato da sogno, sensibilità, ruolo speciale del sentimento trasmesso nella comprensione della vita e compassione (simpatia) in educazione morale, conformità naturale e pastorale idilliaca - nello spirito della filosofia di J.J. Rousseau. Il sentimentalismo, da un lato, e le immagini simboliche altamente espressive di tali creatori d'arte della fine del XVIII secolo come F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David, ci permettono di parlare di un palcoscenico speciale del preromanticismo, preparato nel profondo dell'estetica e della vita dell'Illuminismo.
Le idee filosofiche dell'estetica dell'Illuminismo furono chiaramente espresse nell'opera di numerosi importanti pensatori del XVIII secolo, tra cui:
Alexander Baumgarten (1714-1762) - Filosofo tedesco, seguace di Leibniz e Wolff, fondatore dell'estetica della filosofia classica tedesca. Nel 1735
A. Baumgarten ha introdotto per primo il termine "estetica", che ha designato la scienza filosofica della conoscenza sensoriale, comprendente e creatrice di bellezza ed espressa nelle immagini dell'arte. Le visioni estetiche di Baumgarten sono esposte nelle opere: "Riflessioni filosofiche su alcune questioni relative a un'opera poetica", "Estetica".
Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) - Filosofo tedesco - educatore, drammaturgo, critico letterario, teorico dell'arte, che sosteneva la convergenza della letteratura e dell'arte con la vita; per la loro liberazione dalle catene della normatività classista-aristocratica. L'arte, secondo Lessing, è l'imitazione della natura, interpretata in senso lato come conoscenza della vita. A sostegno della teoria dell'arte realistica, si basa sulla terminologia dell'opera di Aristotele e Shakespeare per combattere il classicismo. Il principale lavoro teorico di Lessing: “Laocoonte. Ai limiti della pittura e della poesia.
Giovanni Goethe (1749 - 1832) - poeta tedesco, fondatore letteratura tedesca Nuovo tempo, pensatore e naturalista. Nella sua giovinezza, Goethe è stato uno dei leader del movimento Sturm und Drang. L'arte, secondo Goethe, è chiamata a resistere alle convenzioni obsolete, alla moralità fatiscente, a lottare contro l'oppressione dell'individuo. I. Goethe interpretava l'arte come "imitazione" della natura. Ha infatti formulato l'idea di "Tipificazione". Per designare qualsiasi forza creativa, Goethe ha introdotto il concetto di "demoniaco". Le opere principali di I. Goethe: “Una semplice imitazione della natura. Maniera. Style", "La Dottrina della Luce".
Immanuel Kant (1724-1804) - il fondatore della filosofia classica tedesca. L'opera principale di I. Kant sui problemi dell'estetica è "Critica della capacità di giudizio". Per I. Kant, il principio estetico risulta essere una forma fondamentale a priori (che determina la costituzione della coscienza prima di ogni esperienza empirica), una forma di un giudizio di gusto disinteressato che è universale nella sua applicazione. Il giudizio di gusto è connesso alla capacità di provare piacere o dispiacere in base al principio di "opportunità senza scopo", i cui derivati ​​sono l'opportunità pratica dell'azione della volontà umana e la liceità dell'attività del mente. Le principali categorie dell'estetica di Kant sono l'opportunità (la connessione armonica delle parti e il tutto), il bello e il sublime. Kant ha dissipato le nozioni razionalistiche e utilitaristiche della bellezza riducendo il senso della bellezza al piacere "disinteressato" che deriva dalla contemplazione della forma estetica. Allo stesso tempo, il vantaggio principale di un'opera d'arte, secondo I. Kant, non è tanto il loro contenuto vitale quanto una forma perfetta, facendo appello all'abilità estetica sperimentale di una persona. L'essenza del sublime, secondo Kant, viola la misura abituale. Il giudizio del sublime richiede un'immaginazione sviluppata e un'alta moralità. Per la percezione dell'arte ci vuole gusto, per la creazione - un genio - dotato di una personalità unica un alto grado immaginazione creativa.
Georg Hegel (1770-1831) - un eccezionale rappresentante della filosofia classica tedesca, le cui opinioni si formarono sotto l'influenza del razionalismo, caratteristico dell'Illuminismo. Tuttavia, G. Hegel nel suo sistema filosofico veramente universale ha superato il quadro delle idee illuministiche. Nella formazione della sua metodologia originale, fu anche influenzato dai primi motivi romantici, che erano evidenti nei concetti dei filosofi tedeschi dell'inizio del XIX secolo. I. Fichte e F. Schelling. G. Hegel ha reso più perfetto il metodo della riflessione razionale, capace di comprendere le contraddizioni dell'essere e della coscienza, integrando in sé modelli strettamente razionali-logici e specificamente estetici e persino mistici del movimento del pensiero, che, secondo Hegel, si adattano nelle più ampie coordinate della logica dialettica, però, trasformandosi così in modalità della mente. G. Hegel è il creatore del sistema dell'idealismo oggettivo basato sul metodo della dialettica.
Nel primo periodo della creatività, G. Hegel credeva che il più alto atto della ragione, che abbraccia tutte le idee, fosse un atto estetico e che verità e bontà fossero unite da legami familiari solo nella bellezza. Più tardi, l'estetica di G. Hegel appare come una filosofia dell'arte. L'arte subordinata, rispetto alla filosofia come forma assoluta di conoscenza di sé dello spirito, un passo in avanti sviluppo storico coscienza storica.
La novità dell'estetica di G. Hegel del periodo maturo consisteva nel sottolineare il legame dell'arte e della bellezza con l'attività umana e con lo sviluppo dello "spirito oggettivo", cioè della cultura della società nel suo insieme. La bellezza, secondo Hegel, è sempre umana. La categoria estetica più generale in Hegel è il bello. L'estetica di Hegel è inerente principio storico considerazione del materiale. La triade dialettica dell'auto-sviluppo dell'arte è formata dalle sue forme, che cambiano successivamente nel corso della storia: simbolica (Antico Oriente), classica (Antichità) e romantica (Europa cristiana). Nell'Estetica di Hegel, le forme d'arte erano considerate in dettaglio. Ovunque ha cercato di cogliere il principio dello sviluppo. L'opera principale, che delinea il concetto estetico di G. Hegel, è Lectures on Aesthetics.