casa › Recensioni › Viene chiamata la sovrapposizione di uno strato di vernice su un altro. Sequenza di disegno dal più grande al più piccolo, dal generale al particolare

Viene chiamata la sovrapposizione di uno strato di vernice su un altro. Sequenza di disegno dal più grande al più piccolo, dal generale al particolare

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Eseguendo un dipinto, devi aderire a una certa sequenza. In genere, un artista inizia a lavorare su un dipinto o un murale realizzando diversi piccoli schizzi, in cui concretizza la sua idea. Allo stesso scopo, può eseguire schizzi dalla natura.

Quindi l'artista disegna l'immagine futura. Può usare una matita, carboncino o vernice liquida diluita e un pennello sottile per questo. È possibile produrre la cosiddetta "carta da lucido" o "cartone" nel caso in cui il disegno debba essere trasferito su una superficie. A volte gli artisti saltano questa fase del lavoro e iniziano immediatamente a dipingere con i colori senza un disegno preliminare.

Esistono molti modi per applicare la vernice su un aereo. Alcuni artisti preferiscono utilizzare la tecnica della velatura: applicare sottili strati trasparenti sullo strato di pittura essiccato. Altri ottengono la soluzione di colore desiderata in una mano, mentre altri usano tratti separati.

Un artista può lavorare contemporaneamente sul disegno, sulla composizione, sulla scultura delle forme, sul trasferimento dello spazio e sulla colorazione. Quindi P. Cezanne amava lavorare, soprattutto quando dipingeva i suoi paesaggi o nature morte dalla natura.

Tuttavia, questo percorso non è disponibile per tutti. Devi avere un'eccellente memoria visiva, un disegno accurato, un pensiero compositivo, un impeccabile senso del colore.

La maggior parte degli artisti preferisce lavorare dal generale al particolare, applicando gradualmente il colore principale degli oggetti e seguendo la modellazione del volume. Quindi perfezionano le sfumature di colore, i riflessi di colore, il colore generale dell'immagine. SU ultimo passo torniamo alla generalizzazione. Per raggiungere l'integrità del lavoro, puoi rimuovere i dettagli non necessari, indebolire i contrasti, evidenziare la cosa principale. È così che amava lavorare il meraviglioso artista A. A. Ivanov. Ha trascorso molti lavori preparatori prima di creare il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo". Numerosi studi pittorici esposti accanto a questo dipinto in Galleria Tretyakov, aiutano a tracciare la ricerca creativa dell'autore.

Per scopi didattici, è meglio lavorare su una composizione pittorica in sequenza. Per apprendere alcuni dei segreti e dei misteri della pittura, ti aiuteranno le dichiarazioni dei maestri poste alla fine di questo libro.

Gli artisti-pittori trasmettono la bellezza del mondo che li circonda con l'aiuto delle vernici. Puoi scegliere qualsiasi base: tela, carta, cartone, cartone, muro, ecc. La base è solitamente innescata con composti speciali. I pittori usano una varietà di colori: guazzo, acquerello, tempera ad olio, ecc. I colori sono applicati alle basi? rotondo e spazzole piatte diverso spessore. A volte per questo viene utilizzata una spatola, uno straccio, applicano persino la vernice con un dito, ma è comunque meglio creare dipinti con l'aiuto di strumenti speciali e non con mezzi improvvisati. La tecnica di scrittura, le sue caratteristiche dipendono in gran parte dalle proprietà di vernici, solventi, strumenti.

Da dove iniziare a disegnare? Questa domanda viene spesso posta dagli artisti alle prime armi quando iniziano a lavorare. Tuttavia, disegnatori esperti conoscono da tempo la risposta, perché nel classico scuola d'arte c'è un meraviglioso principio nel fare il lavoro. Dovresti disegnare o scrivere dal generale al particolare, dal più grande al più piccolo.

Per capirlo chiaramente, è sufficiente ricordare come disegnano i bambini piccoli. Spesso il bambino si concentra su disegno dettagliato qualsiasi oggetto, senza pensare alle sue dimensioni e a come si inserisce nell'ambiente. I bambini possono disegnare una piccola figura foglio grande. Succede che l'oggetto disegnato si trovi da qualche parte nell'angolo del foglio e intorno c'è spazio vuoto. I bambini, a causa della loro età, non percepiscono l'intero foglio nel suo insieme, quindi disegnano tutto separatamente.

Qualcosa di simile accade quando gli aspiranti artisti iniziano a disegnare o dipingere. Vorrei trasmettere tutta la bellezza di un singolo dettaglio, disegnarlo in dettaglio, senza pensare all'unità dell'immagine, a come questo dettaglio dovrebbe essere subordinato all'ambiente. Ma quando guardi da lontano il frammento elaborato “coscienziosamente”, allontanandoti dal cavalletto, vedi che non tutto è così bello come sembrava da vicino. Il dettaglio stesso potrebbe essere stato un successo, tuttavia, non si adattava al resto del disegno, quindi in generale tutto si è rivelato storto. Diamo un'occhiata a questo con un esempio.

Supponiamo che un artista stia dipingendo un ritratto. E inizia subito a lavorare disegnando l'occhio, dimenticandosi di tutto il resto. Successivamente, disegna il naso, le labbra, l'intero viso e i contorni della testa. Quindi completa l'intero ritratto. Cioè, ho iniziato il disegno con l'occhio e ho finito con l'intera sagoma della testa (vedi illustrazione). Di conseguenza, l'occhio stesso si è scoperto, ma si è spostato di lato. La stessa cosa è successa con il naso e le labbra. Pertanto, il ritratto è risultato non solo dissimile, ma anche storto.

Ma perché è successo? Perché l'artista ha iniziato prima a disegnare piccoli oggetti e poi ha finito con grandi forme. Cioè, ha lavorato dal più piccolo al più grande. Ma se avesse iniziato a lavorare con i contorni della testa, l'ovale del viso (cioè da uno grande), e poi fosse passato al naso, alle labbra, agli occhi (più piccoli) - l'errore di cui sopra non sarebbe accaduto ( più precisamente, la probabilità di ciò sarebbe stata minore). Dopo tutto, avendo delineato le basi grandi forme, è molto più facile inserire piccoli dettagli in esso. È più facile confrontare distanze e proporzioni. E se inizi con piccole cose, senza definire grandi sagome, in seguito sarà molto difficile adattarle l'una all'altra. Pertanto, gli artisti usano la sequenza del disegno dal più grande al più piccolo. E sebbene questo metodo di per sé non garantisca il successo, aiuta molto nel lavoro. Ma non è possibile disegnare come vuoi? In qualsiasi ordine? Grandi maestri con grande esperienza possono iniziare a disegnare dal punto "A" e finire al punto "B" senza pensare alla sequenza. Tutto funziona già per loro a livello intuitivo, poiché hanno una vasta esperienza alle spalle. Ma nella maggior parte dei casi, si consiglia di iniziare a lavorare non con sciocchezze, ma con masse generali e grandi, guardando l'intero quadro. Dopotutto, grandi maestri, anche se violano fasi classiche disegnando, nella mente vedono ancora l'intero quadro, non frammentario.

Vedi il tutto piccole parti molto importante per una serie di motivi. Uno di questi è la capacità di generalizzare. Senza generalizzazione è impossibile immaginare il disegno o la pittura. La generalizzazione non è solo un modo per rendere le cose più facili. Attraverso la generalizzazione, gli artisti creano l'illusione che un dipinto o un disegno possano prendere vita. Prendi, ad esempio, un mazzo di fiori. Se inizi a scriverlo da petali separati e continui a lavorare con una lettera così dettagliata fino alla fine, il dipinto può non solo contenere errori, ma anche essere meno espressivo, "secco". Tuttavia, se l'artista inizia a lavorare con grandi masse, generalizzando e combinando i fiori in gruppi, e poi dipinge i singoli fiori in dettaglio, allora una tale sequenza aiuterà a non confondersi nelle sfumature, a vedere la cosa principale, a ravvivare il dipinto. Ravviva con l'effetto della selezione, quando l'artista generalizza il secondario ed evidenzia la cosa principale. La vicinanza del dettagliato e del generalizzato crea un'illusione in cui la veduta raffigurata sembra prendere vita.

Tale selezione richiede da una persona la capacità di vedere il quadro generale, la capacità di prestare attenzione alla cosa principale, di non concentrarsi sulle sciocchezze. Quando un artista ha occhio in questo senso, sarà maggiormente in grado di determinare cosa deve essere generalizzato e come farlo. Guardando l'immagine da questa angolazione, l'artista sarà in grado di determinare con maggiore precisione le proporzioni, vedere meglio le relazioni di colore e tono.

Quando si crea un dipinto, è necessario aderire a una certa sequenza. Di solito l'artista inizia a lavorare su un dipinto o un dipinto murale con diversi piccoli schizzi compositivi, in cui concretizza la sua idea. Allo stesso scopo, può eseguire schizzi dalla natura.

Per creare un dipinto interessante, devi imparare a vedere dentro vita circostante eventi interessanti, personaggi, motivi, angoli e stati. La costante esecuzione di schizzi, schizzi e schizzi dalla natura sviluppa non solo l'occhio e la mano, ma anche il pensiero compositivo.

Non è così facile vedere nella vita un motivo compositivo interessante. Una cornice del mirino, facile da realizzare da soli, può aiutare in questo. L'importante è che i suoi lati opposti rimangano mobili, quindi sarà facile cambiare formato, aumentare o diminuire il cerchio degli oggetti che entrano nel campo visivo. Se non c'è cornice, puoi semplicemente piegare i palmi delle mani in questo modo, come mostrato nella figura.

Anche scegliere la trama più espressiva per la composizione non è un compito facile. Centinaia di persone percepiscono e interpretano la stessa trama in modi diversi, cioè creano la propria versione. La trama dovrebbe essere intesa come ciò che l'artista raffigura direttamente sulla tela, e il contenuto o il tema può essere molto più ampio, cioè si possono creare opere con trame diverse sullo stesso argomento.

È importante anche prima dell'inizio dell'immagine cercare di immaginare l'immagine futura. Di norma, l'artista esegue prima diversi piccoli schizzi per trovare la composizione più espressiva. In questa fase si determinano il formato dell'immagine (allungata verticalmente, rettangolare, quadrata, allungata orizzontalmente, ecc.) e le sue dimensioni.

Il formato allungato conferisce all'immagine un senso di armonia e maestosità. Il formato sotto forma di un rettangolo posizionato orizzontalmente è conveniente per rappresentare l'azione epica. Abbiamo già detto che il formato basato sul rapporto aureo si presta bene per raffigurare un ampio motivo paesaggistico. Il formato, ottenuto ingrandendo un quadrato di una diagonale completa, è altrettanto conveniente per raffigurare un paesaggio, una natura morta e una composizione tematica.

Un aumento eccessivo del formato verticale trasforma l'immagine in una pergamena e un aumento eccessivo del formato orizzontale impone l'uso di una composizione panoramica o fregio. Quando si sceglie un formato, si dovrebbe tener conto della posizione degli oggetti principali della composizione - orizzontalmente o verticalmente, lo sviluppo della trama - da sinistra a destra, nella profondità dell'immagine, ecc.

Il formato quadrato è utilizzato al meglio per creare composizioni equilibrate e statiche perché sono mentalmente correlate ad assi centrali uguali e lati uguali dei bordi dell'immagine.

La composizione in un ovale e un cerchio è costruita rispetto a immaginari assi centrali reciprocamente perpendicolari. La parte superiore e inferiore dell'immagine dovrebbe essere chiaramente definita qui. L'ovale è spesso usato come formato verticale poiché questa configurazione è facilmente correlata all'ovale. volto umano o il contorno dell'immagine del torace.

Gli artisti usano anche formati di configurazione complessi, costituiti da una combinazione di due forme geometriche, come semicerchio e rettangolo.

Nello schizzo viene disegnato uno schema compositivo generale, la posizione di TT è la relazione del principale attori senza disegno dettagliato. Forse il tono e la combinazione di colori dello schizzo. Quindi passano al disegno della composizione, quindi alla sua incarnazione pittorica.

Uno di fasi interessanti opere - raccolta di materiale naturale: osservazioni della vita circostante, schizzi e schizzi a casa e per strada, a seconda della trama scelta. Puoi raccogliere materiale naturale subito dopo aver scelto una trama o farlo dopo il primo schizzo della composizione.

Quindi l'artista disegna l'immagine futura usando una matita, carboncino o vernice liquida diluita e un pennello sottile. È possibile produrre la cosiddetta carta da lucido o cartone, se il disegno deve essere trasferito su una superficie. Se qualcosa non funziona nel disegno, puoi tornare agli schizzi, elaborare i dettagli che hanno causato difficoltà e quindi perfezionare il disegno utilizzando il materiale naturale raccolto. Puoi persino creare un nuovo condannato compositivo.", tenendo conto degli schizzi completati e degli schizzi dal vero, per chiarire l'idea.

Successivamente, passano alla pittoresca soluzione della tela. In primo luogo, la verniciatura viene eseguita con vernici liquide diluite, in cui vengono determinate le relazioni generali di colore e tono degli oggetti, il loro colore locale. Quindi procedono al palco principale: l'effettiva soluzione pittorica della tela. È meglio fare tutto dal generale al particolare, applicando gradualmente il colore principale degli oggetti e l'olio per modellare il volume. È necessario chiarire i contrasti e le sfumature di colore, i riflessi di colore, il colore complessivo dell'immagine. Nell'ultima fase, procedono nuovamente alla generalizzazione. Per raggiungere l'integrità del lavoro, è necessario rimuovere i volantini non necessari, indebolire i contrasti, evidenziare la cosa principale.

Le fasi elencate dell'esecuzione di un dipinto sono molto importanti, soprattutto ai fini didattici. Tuttavia, capita che gli artisti rifiutino un palcoscenico. Ognuno lavora in modo diverso. Alcuni eseguono uno schizzo dettagliato, mentre altri scrivono subito, senza un disegno preliminare a matita. Qualcuno cerca costantemente tutto in natura per un'immagine, fa schizzi in vari stati di natura, disegna soggetti in costumi e pose appropriati, studia il materiale storico o storico artistico necessario. Un altro artista si fida maggiormente della sua memoria visiva e della sua immaginazione e generalmente rifiuta di studiare la natura.

Un artista può lavorare contemporaneamente su un disegno, una composizione, scolpire una forma, rendere lo spazio e il colore. Così amava lavorare P. Cezanne, soprattutto quando dipingeva i suoi paesaggi o nature morte dal vero. Tuttavia, questo percorso non è disponibile per tutti. Devi avere un'eccellente memoria visiva, un disegno accurato, un pensiero compositivo, un impeccabile senso del colore.

La maggior parte degli artisti preferisce seguire tutti i passaggi necessari per creare un dipinto. È così che L.A. Ivanov amava lavorare. Ha svolto un grande lavoro preparatorio per il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo". Numerosi schizzi pittorici esposti nella Galleria Statale Tretyakov aiutano a tracciare la ricerca creativa dell'autore.

Tutto ciò che è stato detto sul lavoro su un quadro non deve essere inteso come un ordine permanente, obbligatorio e immutabile. Tuttavia, seguire le regole aiuta a raggiungere buoni risultati, padroneggia l'abilità.

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Regola del trasferimento di movimento. Un oggetto in un dipinto sembrerà muoversi nelle seguenti condizioni:

* se sul cardin sono utilizzate una o più linee diagonali, direzioni di movimento; *se lasci spazio libero davanti a un oggetto in movimento;

*se scegli un certo momento del movimento, che più chiaramente riflette il suo carattere, è il suo culmine.

Inoltre, l'immagine sembrerà in movimento se ricrea non un momento di movimento, ma le sue fasi successive. Ad esempio, sull'antico rilievo egiziano. Ognuna delle figure si è bloccata in una certa posizione, ma, considerando la composizione in un cerchio, si può vedere la sequenza in movimento.

Il movimento è comprensibile solo se si considera l'opera nel suo insieme e non i singoli momenti di movimento. Lo spazio libero davanti a un oggetto in movimento consente di continuare mentalmente il movimento, come se ci invitasse a muoverci con esso.

In un altro caso, quando l'oggetto è mostrato troppo vicino al bordo del foglio, sembra che il movimento non possa continuare.

Puoi enfatizzare il movimento con l'aiuto della direzione delle linee dell'immagine. Ad esempio, se tutte le linee sono dirette in profondità nel foglio. L'espressività del movimento si ottiene se descrivi l'eroe al momento massima tensione la sua forza. Inoltre, uno sfondo sfocato dà un senso di movimento. contorni poco chiari e indistinti degli oggetti. Un gran numero di verticale o linee orizzontali sfondo può rallentare il movimento.

Cambiare direzione a volte lo accelera o lo rallenta. La particolarità della nostra visione è che leggiamo il testo da sinistra a destra, e il movimento da sinistra a destra è più facile da percepire, sembra più veloce.

Regola di trasferimento statica. Una composizione è considerata statica nelle seguenti condizioni;

*se non ci sono direzioni diagonali nell'immagine;

se gli oggetti sono raffigurati con calma (statica) secondo il sax, non c'è climax dell'azione;

se la composizione è simmetrica, equilibrata o costruita sulla base di semplici schemi geometrici (triangolo, cerchio, ovale, quadrato, rettangolo).

Un senso di pace può sorgere in un'opera d'arte in altre condizioni.

Ad esempio, nel dipinto di K. Korovin “In Winter”, nonostante la presenza di direzioni diagonali, il cavallo con la slitta sta calmo, non c'è senso di movimento per i seguenti motivi: i centri geometrici e compositivi del dipinto coincidono, il la composizione è equilibrata e lo spazio libero davanti al cavallo è bloccato da un albero.

Selezione del centro compositivo della trama: Quando si crea una composizione, è necessario determinare quale sarà la cosa principale nell'immagine e occuparsi di come evidenziare questa cosa principale, cioè la trama e il centro compositivo, che viene spesso chiamato "centro semantico" o "centro visivo" dell'immagine.

Certo, non tutto nella trama è ugualmente importante e le parti secondarie sono subordinate a quella principale. Il centro della composizione comprende la trama della trama, l'azione principale e i personaggi principali.

Il centro compositivo dovrebbe prima di tutto attirare l'attenzione. Il centro si distingue per illuminazione, colore, ingrandimento dell'immagine, contrasti e altri mezzi.

Non solo nella pittura, ma anche nella grafica, nella scultura, arte decorativa, all'architettura viene assegnato un centro compositivo. Ad esempio, i maestri del Rinascimento preferivano che il centro compositivo coincidesse con il centro della tela.

Posizionando i personaggi principali in questo modo, gli artisti hanno voluto sottolineare il loro ruolo importante, il loro significato per la trama.

Gli artisti hanno escogitato molte opzioni per costruire un'immagine posizionando il centro della composizione ovunque sulla tela. Questa tecnica è stata utilizzata con successo per trasmettere il movimento, la dinamica degli eventi, il rapido sviluppo della trama nel dipinto di V. Surikov "Boyar Morozova".

Il dipinto di Rembrandt "Il ritorno figliol prodigo"- un classico esempio di composizione in cui la cosa principale è fortemente spostata dal centro per la divulgazione più accurata dell'idea principale dell'opera.

La trama di questa immagine è ispirata alla parabola evangelica. Sulla soglia della loro casa si sono incontrati un padre e un figlio, che sono tornati dopo aver vagato per il mondo. Dipingere gli stracci del viandante. Rembrandt sembra trasmettere una storia sul difficile percorso percorso da suo figlio.

Puoi guardarlo indietro per molto tempo, simpatizzando con la sofferenza dei perduti. La profondità dello spazio nasce dal costante indebolimento dei contrasti di luce e ombra e di colore, a partire dal primo piano. Essa infatti è costruita dalle figure dei testimoni della senese della supplica, dissolvendosi a poco a poco nella penombra.

Il padre cieco mise le mani sulle spalle del figlio in segno di perdono. In questo gesto - saggezza, dolore e desiderio, accumulati negli anni vissuti nell'ansia e nel perdono. Rembrandt evidenzia con la luce la cosa principale nell'immagine, focalizzando la nostra attenzione su di essa.

Il centro compositivo si trova quasi ai margini dell'immagine. L'artista bilancia la composizione con la figura del figlio maggiore in piedi sulla destra. La collocazione del centro semantico principale a un terzo della distanza in altezza corrisponde alla legge della sezione aurea.

Sin dai tempi antichi, è stato utilizzato dagli artisti per ottenere la massima espressività delle loro creazioni.

La regola della sezione aurea nella composizione(un terzo). Per identificare il centro compositivo, l'elemento più importante dell'immagine è posto secondo la proporzione della sezione aurea, cioè approssimativamente a una distanza di "Punto dell'insieme. I rapporti proporzionali dei lati degli oggetti raffigurati e la tela stessa, per raggiungere l'armonia, deve essere costruita sulla base della sezione aurea.

Le immagini con due o più centri compositivi consentono di mostrare diversi eventi che si verificano contemporaneamente e sono uguali nel loro significato.

Considera l'immagine di Velasquez "Las Meninas" e il suo schema. Un centro compositivo dell'immagine è la giovane infanta. Le dame di compagnia si chinarono verso di lei da entrambi i lati. Nel centro geometrico della tela ci sono due punti contrastanti della stessa forma e della stessa dimensione. Sono opposti, come il giorno e la notte, uno è bianco, l'altro è nero: queste sono due uscite mondo esterno- un altro centro compositivo dell'immagine.

Un'uscita è una porta illuminata dal sole. L'altro è uno specchio in cui si riflette la coppia reale. La seconda uscita può essere percepita come un'uscita verso una società secolare. Il contrasto di inizi chiari e oscuri nella foto può essere inteso come una disputa tra l'artista e il sovrano.

I personaggi raffigurati dall'artista sono abbastanza numerosi da consentire allo spettatore fantasioso di disegnare ritratti correlati o in contrasto tra loro (artista e re, cortigiani ed élite, bellezza e bruttezza, bambino e genitori, persone e animali).

In un'immagine, puoi utilizzare diversi metodi contemporaneamente per evidenziare la cosa principale.

Ad esempio, la tecnica dell '"isolamento" (l'immagine della cosa principale isolata da altri oggetti) può essere utilizzata evidenziando la cosa principale in termini di dimensioni e colore.

È importante utilizzare i metodi per evidenziare il centro compositivo della trama non formalmente, ma in questo modo. A il modo migliore rivelare lo scopo e il contenuto del lavoro.

Il trasferimento di simmetria e asimmetria nella composizione. Artisti epoche diverse utilizzato una costruzione simmetrica dell'immagine. Molti mosaici antichi erano simmetrici. I pittori del Rinascimento costruivano spesso le loro composizioni secondo le leggi della simmetria. Questa costruzione consente di ottenere l'impressione di pace, maestosità, solennità speciale e significato degli eventi. In una composizione simmetrica, le persone o gli oggetti sono quasi specchiati rispetto all'asse centrale dell'immagine.

La simmetria nell'arte si basa sulla realtà, piena di forme simmetriche.

Ad esempio, una figura umana, una farfalla, un fiocco di neve, ecc. sono simmetrici. Le composizioni simmetriche sono statiche (stabili), le metà sinistra e destra sono bilanciate.

In una composizione asimmetrica, la disposizione degli oggetti può essere la più varia, a seconda della trama e dell'intento dell'opera, le metà sinistra e destra non sono bilanciate.

Il trasferimento dell'equilibrio nella composizione. In una composizione simmetrica tutte le parti sono bilanciate, una composizione asimmetrica può essere bilanciata e sbilanciata. Un grande punto luminoso è bilanciato da un piccolo punto scuro.

Molti piccoli punti possono essere bilanciati da uno grande. Ci sono molte opzioni: le parti sono bilanciate in base a peso, carreggiata e colore. L'equilibrio riguarda sia le figure stesse che i divari tra di esse.

Esercizi speciali sviluppano un senso di equilibrio nella composizione. È necessario imparare a bilanciare valori grandi e piccoli, chiaro e scuro, varie sagome e macchie di colore. Qui sarà utile ricordare la tua esperienza nel trovare l'equilibrio su un'altalena.

Tutti possono facilmente capire che un adolescente può essere bilanciato se due bambini vengono messi dall'altra parte dell'altalena. E il bambino può dondolare anche con un adulto che non si siede sul bordo dell'altalena, ma più vicino al centro.

Lo stesso esperimento può essere fatto con i pesi. Tali confronti aiutano a bilanciare diverse parti dell'immagine in termini di dimensioni, tono e colore per raggiungere l'armonia, cioè per trovare l'equilibrio nella composizione.

In una composizione asimmetrica, l'equilibrio a volte è del tutto assente se il centro semantico è più vicino al bordo dell'immagine. L'impressione dell'immagine cambia se guardi la sua immagine speculare. Questa proprietà della nostra visione deve essere presa in considerazione anche nel processo di ricerca dell'equilibrio nella composizione.

Regole compositive, tecniche e mezzi si basano sulla ricca esperienza creativa di artisti di molte generazioni, ma la tecnica compositiva non si ferma, è in continua evoluzione, arricchita dalla pratica creativa di nuovi maestri. Alcuni metodi di composizione diventano classici, ma ne compaiono di nuovi, poiché la vita pone altri compiti all'arte.

3 . Gouache come uno dei materiali e delle tecniche della pittura

3.1 Materiali artistici pittorici e tecniche di lavoro

I pittori trasmettono la bellezza del mondo che li circonda con l'aiuto di colori: guazzo, acquerello, tempera, olio, ecc. Puoi scegliere qualsiasi base: tela, carta, cartone, tavola, muro, ecc. La base è solitamente innescata con speciale composti. Le vernici vengono applicate alla base con pennelli tondi e piatti di diverso spessore. A volte viene utilizzata una spatola per questo. coltello. uno straccio, anche un dito, ma è meglio usare strumenti speciali piuttosto che mezzi improvvisati.

Le vernici sono disposte su una tavolozza e mescolate per ottenere la tonalità di colore desiderata. Una tavolozza è una piccola tavola sottile di forma rettangolare, ovale o di altra forma. tavolozza ad olio pittura sono fatti principalmente di legno, e per il lavoro acquarello e guazzo- di plastica bianca, a volte con incavi per vernici. A volte lo uso come tavolozza! piattino bianco, piastrella o pezzo di carta. L'elenco dei colori utilizzati da un artista è anche chiamato tavolozza. In questo senso il termine "tavolozza" è vicino al concetto di "colore".

La tecnica di scrittura, le sue caratteristiche dipendono in gran parte dalle proprietà di vernici, solventi, strumenti. Prima tardo XVII- inizi del XVIII secolo artisti e apprendisti preparavano da soli i colori, solitamente affidati agli studenti. Hanno macinato le pietre in una polvere e l'hanno mescolata con colla, olio o un uovo. Produzione industriale di vernici realizzate palette dei colori più vario.

Le vernici per la pittura hanno nomi speciali. Molto spesso questi nomi sono associati a elementi chimici o naturali (minerali, piante) di cui sono composti. La base di tutte le vernici è il pigmento: si tratta di varie sostanze coloranti o coloranti. Sono minerale, chimico, organico origine (animale o vegetale). Per la preparazione delle vernici, i pigmenti vengono macinati finemente in polvere e miscelati con leganti (olio, colla, ecc.). I pigmenti organici hanno una forza inferiore a quelli minerali. Ora vengono utilizzati principalmente pigmenti artificiali, come i più persistenti.

Spesso il nome delle vernici deriva dal legante utilizzato per realizzarle. Ad esempio, la base Dipinti ad olio- semi di lino o altro olio. I colori a colla sono acquerello, guazzo, tempera. Ti diremo di più sulle vernici a colla, poiché sono spesso utilizzate nella pratica dell'insegnamento delle belle arti nelle scuole di formazione degli insegnanti e nella scuola elementare.

Guazzo- vernice opaca (custodia, copertura), che viene diluita con acqua. Un'opera d'arte realizzata con tali colori è anche chiamata "gouache". Le vernici a guazzo sono realizzate con pigmenti e colla con l'aggiunta di bianco. A differenza dell'acquerello, lo strato di vernice applicato sulla carta non è trasparente, ma opaco, denso, con una superficie vellutata, che è data da una mescolanza di bianco. Una volta essiccati, i colori a guazzo sono in qualche modo sbiancati (alleggeriti), di cui l'artista deve tener conto durante il processo di disegno. Le vernici a guazzo sono luminose, le correzioni sono possibili durante il lavoro, le suite possono essere messe solo sopra un posto non riuscito di un altro colore. I toni scuri possono essere coperti con quelli chiari. Il bianco viene aggiunto alla guazzo per ottenere un tono più chiaro.

3. 2 La sequenza di esecuzione di un dipinto

Per creare un'interessante tela pittorica, è necessario imparare a vedere eventi, personaggi, motivi, angoli e stati interessanti nella vita circostante. La costante esecuzione di schizzi, schizzi e schizzi dalla natura sviluppa non solo l'occhio e la mano, ma anche il pensiero compositivo.

Il formato quadrato è utilizzato al meglio per creare composizioni equilibrate e statiche perché sono mentalmente correlate ad assi centrali uguali e lati uguali dei bordi dell'immagine.

La composizione in un ovale e un cerchio è costruita rispetto a immaginari assi centrali reciprocamente perpendicolari. La parte superiore e inferiore dell'immagine dovrebbe essere chiaramente definita qui. L'ovale è spesso utilizzato come formato per i ritratti, poiché questa configurazione si abbina facilmente all'ovale di un volto umano o al contorno di un busto.

Gli artisti usano anche formati di configurazione complessi, costituiti da una combinazione di due forme geometriche, come un semicerchio e un rettangolo.

Nel bozzetto viene tracciato uno schema compositivo generale, la collocazione e il rapporto degli attori principali senza un disegno dettagliato. Forse il tono e la combinazione di colori dello schizzo. Quindi passano al disegno della composizione, quindi alla sua incarnazione pittorica.

Una delle fasi interessanti del lavoro è la raccolta di materiale naturale: osservazioni della vita circostante, schizzi e schizzi della casa e per strada, a seconda della trama scelta. Puoi raccogliere materiale naturale subito dopo aver scelto una trama o farlo dopo il primo schizzo della composizione.

Tutto ciò che è stato detto sul lavoro su un quadro non deve essere inteso come un ordine permanente, obbligatorio e immutabile. Tuttavia, seguire le regole aiuta a ottenere buoni risultati, a padroneggiare l'abilità.

3. 3 Tecnica pittorica della natura morta

pittura a guazzo colore composizione

La pittura di natura morta è fondamentale per il processo di apprendimento. Questa è una fase necessaria nell'impostazione della mano, dell'occhio, dello sviluppo del senso del colore, dell'integrità della vista. Conosciuto attraverso la natura morta mondo reale in tutta la sua diversità. La natura morta non è una raccolta casuale di oggetti. Un atteggiamento attivo nei confronti della natura, un senso di bellezza dovrebbe manifestarsi in ogni fase

La sequenza di immagini di una natura morta di oggetti per la casa: Primo stadio. Esecuzione di un disegno dettagliato di una natura morta con linee sottili, identificando le principali relazioni proporzionali e il design degli oggetti.

Seconda fase. Esecuzione della tinteggiatura. La prima posa di colori locali di oggetti e tendaggi. Il colore degli oggetti è compilato su una tavolozza usando il limo bianco.

Terzo stadio. Identificazione delle relazioni di colore e tono. Elaborazione e raffinatezza dei dettagli chiaro su scuro e scuro su chiaro. Gouache ti consente di apportare modifiche al lavoro; se qualcosa non funziona, sovrapponi un colore con un altro. Generalizzazione e completamento del lavoro.

Sequenza di immagini orizzontali Gouache: Primo stadio. Fare un disegno di una composizione paesaggistica. Il disegno a pennello è leggero e libero, utilizzando vernice calda o fredda, a seconda del colore dell'immagine.

Seconda fase. Posa del colore principale del cielo, corone di alberi, acqua. Trasferimento di veri rapporti tonali e cromatici.

Terzo stadio. Disegnare i dettagli, riassumere e completare il lavoro. Raggiungere l'unità cromatica del paesaggio.

3. 4 Tecnica per lavorare su un'immagine pittoresca di una testa umana

Il dipinto della testa umana è costruito su terreno comune creando immagini pittoresche. Soffermiamoci su alcuni caratteristiche metodologiche eseguire studi di testa. I compiti di raffigurare la testa si riducono a trasmettere la sua struttura, scolpire la forma con il colore e rivelare le qualità individuali della natura. È necessario trasmettere la ricchezza cromatica dei vivi corpo umano, connessione della testa umana con l'ambiente.

Il disegno per dipingere può essere fatto con una matita, un carboncino, ma puoi disegnare immediatamente con un pennello. È necessario trasmettere con linee sottili la struttura costruttiva della testa, la sua posizione nello spazio, per delineare i confini del chiaroscuro.

Il lavoro, come sempre, si svolge dal generale al particolare: prima, nella pittura di fondo, si determinano i rapporti tonali e cromatici generali dei grandi piani, poi si plasma la forma a piccoli tratti, si disegnano i dettagli, e a l'ultima fase, tutto è generalizzato per raggiungere l'integrità.

È meglio iniziare a lavorare dal luogo più oscuro della natura. Le ombre sul viso sono molto trasparenti Oni. quasi non nascondono la carnagione viva. Confrontando con esse le parti illuminate della dina, sarà più facile trovare i mezzitoni. Il colore bianco della carta sostituisce temporaneamente le superfici illuminate. Non affrettarti a scrivere ogni ciglia se altre parti del viso non sono ancora state risolte almeno in generale. Lavora attraverso tutte le parti della natura allo stesso tempo, lavora con il metodo delle relazioni. Nel processo di trasferimento del volume della testa, tienilo d'occhio. in modo che i tratti si adagino nella forma. La sottile varietà di colori dipende da molti riflessi. Il colore del viso e dell'abbigliamento assume sempre una tinta complementare al colore dello sfondo.

Nell'ultima fase del lavoro, presta molta attenzione all'espressività della sagoma della testa, al suo contatto con ([giovane. Da qualche parte è necessario dissolvere le linee di contorno, e in altri punti, al contrario, renderle più chiare. Se il pittore ha una visione olistica della natura, completerà correttamente l'opera.

Sequenza di esecuzione di uno studio pittorico della testa di un modello vivente: Primo stadio. Disegnare con un pennello. Delinea la forma generale della testa e la sua posizione nello spazio. Disegna parti del tiglio, la forma dell'acconciatura senza dettagli inutili.

Seconda fase. Stesura del colore principale del viso, dei capelli, dello sfondo, osservando i corretti rapporti tonali e cromatici.

Terzo stadio. Prescrivere i dettagli, riassumere e completare il lavoro, ottenere una somiglianza con il ritratto, trasmettere il carattere e l'immagine del modello.

3. 5 Metodi per lavorare su un'immagine pittoresca di una figura umana

La figura di un uomo a scopo didattico è raffigurata ma la cintura e dentro a tutta altezza. Dipingere una figura richiede la conoscenza dell'anatomia plastica, della prospettiva e delle leggi della scienza del colore. Prima di lavorare su un'immagine pittorica di una figura umana, è utile eseguire diversi studi di questo oggetto con un colore (grisaglia).

All'inizio del lavoro, è importante non solo piantare o mettere la natura in una certa posizione, ma studiarla. caratteristiche e movimento, pensa alla scelta del costume. Pertanto, si consiglia di eseguire schizzi pittoreschi della natura. Nel processo di ricerca della soluzione compositiva di maggior successo negli schizzi, si dovrebbe determinare il posizionamento plastico della figura nel formato selezionato, il colore complessivo. La natura del modello decide l'intera costruzione della composizione.

Nella pittura di base vengono determinate le basi delle soluzioni tonali e cromatiche. Inoltre, trasmettendo le qualità volumetriche, materiche e spaziali del modello, è necessario scolpire la forma con tratti e lavorare con le relazioni.

Quando si raffigura una figura umana, è imperativo trovare relazioni cromatiche in connessione con gli oggetti circostanti e lo sfondo. Lo stesso drappeggio accanto alla parte illuminata della natura apparirà un po 'più scuro, e in prossimità dei suoi luoghi oscuri - un po' più chiaro.

Nell'ultima fase, si dovrebbe prestare attenzione alle caratteristiche materiali e materiche del viso, dei capelli, dei vestiti. Il viso e le mani sono sempre elaborati con maggiore attenzione rispetto agli accessori e allo sfondo. È importante completare il lavoro in tempo, per evitare la frammentazione, l'eccessiva elaborazione dei dettagli e l'incompletezza del disegno. Sono possibili vari approcci creativi all'immagine della figura umana.

Sequenza di esecuzione di uno studio pittorico di una figura umana: Primo stadio. Disegnare con un pennello. Delinea il movimento generale della figura, le sue proporzioni e la sua posizione nello spazio. Disegna la testa, il collo. strappato, braccia, gambe senza dettagli inutili.

Seconda fase. Posa del colore principale del corpo, dei capelli, dei vestiti, dello sfondo, trasferendo i corretti rapporti tonali e cromatici.

Terzo stadio. Disegnare i dettagli, riassumere e completare il lavoro, trasferire il carattere e l'immagine del modello.

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Quindi l'artista disegna l'immagine futura. Può usare una matita, carboncino o vernice liquida diluita e un pennello sottile per questo. È possibile realizzare la cosiddetta "carta da lucido" o "cartone" nel caso in cui il disegno debba essere trasferito su una superficie. A volte gli artisti saltano questa fase del lavoro e iniziano immediatamente a dipingere con i colori senza un disegno preliminare.

104. P. CESANNE. Nella foresta

Tuttavia, questo percorso non è disponibile per tutti. Devi avere un'eccellente memoria visiva, un disegno accurato, un pensiero compositivo, un impeccabile senso del colore.

La maggior parte degli artisti preferisce lavorare dal generale al particolare, applicando gradualmente il colore principale degli oggetti e seguendo la modellazione del volume. Quindi perfezionano le sfumature di colore, i riflessi di colore, il colore generale dell'immagine. Nell'ultima fase, procedono nuovamente alla generalizzazione. Per raggiungere l'integrità del lavoro, puoi rimuovere i dettagli non necessari, indebolire i contrasti, evidenziare la cosa principale. È così che amava lavorare il meraviglioso artista A. A. Ivanov. Ha svolto un grande lavoro preparatorio prima di creare il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo". Numerosi schizzi pittorici esposti accanto a questo dipinto nella Galleria Tretyakov aiutano a tracciare la ricerca creativa dell'autore.

105. A.A. IVANOV Apparizione di Cristo al popolo

106. A.A. IVANOV Testa di Giovanni Battista. Studio per il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo"

Gli artisti-pittori trasmettono la bellezza del mondo che li circonda con l'aiuto delle vernici. Puoi scegliere qualsiasi base: tela, carta, cartone, cartone, muro, ecc. La base è solitamente innescata con composti speciali. I pittori usano una varietà di colori: guazzo, acquerello, tempera, olio, ecc. I colori vengono applicati alla base con pennelli tondi e piatti di diverso spessore. A volte per questo si usa una spatola, un coltello, uno straccio, si applica persino la vernice con un dito, ma è comunque meglio creare dipinti con l'ausilio di strumenti speciali, e non con mezzi improvvisati. La tecnica di scrittura, le sue caratteristiche dipendono in gran parte dalle proprietà di vernici, solventi, strumenti.

107. Acquerello, gouache e colori ad olio

108 un. acquerello B. guazzo c. Olio

Fino alla fine del XVII - inizio XVIII secolo, artisti e apprendisti preparavano in proprio i colori, solitamente affidati agli studenti, che frantumavano le pietre in polvere e le mescolavano con colla, olio o un uovo. Con la produzione industriale di vernici, la tavolozza dei colori è diventata più diversificata.

Le vernici per la pittura hanno nomi speciali. Molto spesso questi nomi ci dicono di quali elementi chimici o naturali (minerali, piante) sono fatti. La base di tutte le vernici è il pigmento (polvere colorata finemente macinata). Spesso il nome delle vernici deriva dal tipo di legante utilizzato per prepararle. Ad esempio, i colori ad olio sono a base di semi di lino o altri oli. Le vernici adesive sono acquerello, guazzo, tempera. Ai vecchi tempi, la tempera all'uovo veniva prodotta dal tuorlo di un uovo di gallina.

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