Descrizione Jazz. Jazz: cos'è (definizione), la storia dell'apparenza, la culla del jazz

Il jazz è un tipo di arte musicale nata dalla sintesi di africano e culture europee con il folklore afroamericano. Il ritmo e l'improvvisazione sono presi in prestito dalla musica africana, l'armonia è presa in prestito dall'Europa.

Informazioni generali sulle origini della formazione

La storia del jazz ha origine nel 1910 negli Stati Uniti. Si diffuse rapidamente in tutto il mondo. Durante il ventesimo secolo, questa direzione nella musica ha subito una serie di cambiamenti. Se parliamo brevemente della storia dell'emergere del jazz, va notato che nel processo di formazione sono state superate diverse fasi di sviluppo. Negli anni '30 e '40 fu fortemente influenzato dai movimenti swing e be-bop. Dopo il 1950, il jazz iniziò ad essere visto come un genere musicale che includeva tutti gli stili che aveva sviluppato di conseguenza.

Il jazz ha ora preso il suo posto nella sfera alta arte. È considerato piuttosto prestigioso, influenzando lo sviluppo della cultura musicale mondiale.

La storia dell'emergere del jazz

Questa direzione è nata negli Stati Uniti a seguito della fusione di diverse culture musicali. La storia dell'origine del jazz inizia nel Nord America, la maggior parte del quale era abitata da protestanti inglesi e francesi. I missionari religiosi cercavano di convertire i neri alla loro fede, preoccupandosi della salvezza delle loro anime.

Il risultato della sintesi delle culture è l'emergere di spiritual e blues.

La musica africana è caratterizzata da improvvisazione, poliritmia, polimetria e linearità. Un ruolo enorme qui è assegnato all'inizio ritmico. Il valore della melodia e dell'armonia non è così significativo. Ciò è dovuto al fatto che la musica africana ha valore applicato. Accompagna l'attività lavorativa, i rituali. La musica africana non è indipendente ed è associata al movimento, alla danza, alla recitazione. La sua intonazione è abbastanza libera, poiché dipende dallo stato emotivo degli esecutori.

Dalla musica europea, più razionale, il jazz si è arricchito di un sistema modale maggiore-minore, costruzioni melodiche e armonia.

Il processo di unificazione delle culture è iniziato nel XVIII secolo e ha portato alla nascita del jazz nel XX secolo.

Periodo scolastico di New Orleans

Nella storia del jazz, si ritiene che il primo stile strumentale abbia avuto origine in Louisiana. Per la prima volta questa musica è apparsa nell'esibizione di bande di ottoni di strada, molto popolari in quel momento. Di grande importanza nella storia dell'emergere del jazz in questa città portuale è stata Storyville, un'area della città appositamente destinata ai luoghi di intrattenimento. Fu qui, tra i musicisti creoli, di origine negro-francese, che nacque il jazz. Conoscevano la musica classica leggera, erano istruiti, padroneggiavano la tecnica europea di suonare, suonavano strumenti europei, leggevano note. Il loro alto livello di performance e educazione alle tradizioni europee ha arricchito il primo jazz con elementi che non erano soggetti alle influenze africane.

Il pianoforte era anche uno strumento comune negli stabilimenti di Storyville. Qui suonava principalmente l'improvvisazione e lo strumento era usato più come strumento a percussione.

Un esempio di un primo stile di New Orleans è la Buddy Bolden Orchestra (cornetta), che esisteva dal 1895 al 1907. La musica di questa orchestra era basata sull'improvvisazione collettiva di una struttura polifonica. All'inizio, il ritmo delle prime composizioni jazz di New Orleans era in marcia, poiché l'origine delle band proveniva da bande militari. Nel corso del tempo, gli strumenti secondari sono stati rimossi dalla composizione standard delle bande di ottoni. Tali ensemble spesso organizzavano concorsi. Erano presenti anche formazioni "bianche", che si distinguevano per il gioco tecnico, ma erano meno emotive.

C'era un gran numero di orchestre che suonavano marce, blues, ragtime, ecc.

Insieme alle orchestre negre, apparvero anche orchestre composte da musicisti bianchi. All'inizio eseguivano la stessa musica, ma si chiamavano "Dixielands". Successivamente, queste composizioni hanno utilizzato più elementi della tecnologia europea, hanno cambiato il modo di produrre il suono.

Bande di battelli a vapore

Nella storia dell'origine del jazz, un certo ruolo è stato svolto dalle orchestre di New Orleans che lavoravano sui battelli a vapore che attraversavano il fiume Mississippi. Per i passeggeri che viaggiavano su piroscafi da diporto, uno degli intrattenimenti più attraenti era l'esibizione di tali orchestre. Hanno eseguito musica da ballo divertente. Per gli artisti, un requisito obbligatorio era la conoscenza dell'alfabetizzazione musicale e la capacità di leggere le note da un foglio. Pertanto, queste composizioni avevano un livello professionale piuttosto elevato. In una tale orchestra, la pianista jazz Lil Hardin, che in seguito divenne la moglie di Louis Armstrong, iniziò la sua carriera.

Nelle stazioni dove facevano tappa le navi, le orchestre organizzavano concerti per la popolazione locale.

Alcune delle band rimasero nelle città lungo i fiumi Mississippi e Missouri o lontano da loro. Una di queste città era Chicago, dove i neri si sentivano più a loro agio che in Sud America.

grande band

All'inizio degli anni '20 del XX secolo si sviluppò nella storia della musica jazz una forma di big band, che rimase rilevante fino alla fine degli anni '40. Gli esecutori di tali orchestre suonavano le parti apprese. L'orchestrazione ha assunto il suono brillante di ricche armonie jazz, che sono state eseguite da ottoni e le orchestre jazz più famose erano le orchestre di Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford. Hanno registrato autentici successi di melodie swing, che sono diventati una fonte di mania swing in una vasta gamma di ascoltatori. Alle "battaglie delle orchestre" che si tenevano in quel momento, improvvisatori solisti di big band facevano impazzire il pubblico presente.

Dopo gli anni '50, quando la popolarità delle big band diminuì, per diversi decenni le famose orchestre continuarono a girare e registrare dischi. La musica che suonavano è cambiata, influenzata da nuove direzioni. Oggi la big band è lo standard dell'educazione jazz.

Jazz di Chicago

Nel 1917, gli Stati Uniti entrano nella prima guerra mondiale. A questo proposito, è stata dichiarata città di importanza strategica. Ha chiuso tutti i luoghi di intrattenimento in cui lavorava un gran numero di musicisti. Rimasti disoccupati, emigrarono in massa al Nord, a Chicago. In questo periodo ci sono tutti i migliori musicisti sia di New Orleans che di altre città. Uno degli interpreti più brillanti è stato Joe Oliver, che è diventato famoso a New Orleans. Durante il periodo di Chicago, la sua band comprendeva musicisti famosi: Louis Armstrong (seconda cornetta), Johnny Dodds (clarinetto), suo fratello "Babby" Dodds (batteria), il giovane e colto pianista di Chicago Lil Hardin. Questa orchestra ha suonato jazz improvvisato di New Orleans a tutto tondo.

Analizzando la storia dello sviluppo del jazz, va notato che nel periodo di Chicago il suono delle orchestre è cambiato stilisticamente. Alcuni strumenti vengono sostituiti. Le esibizioni che diventano stazionarie possono consentire l'uso di diventare membri obbligatori della band. Invece di un contrabbasso, viene usato un contrabbasso, invece di un banjo - una chitarra, invece di una cornetta - una tromba. Ci sono anche cambiamenti nel gruppo di batteria. Ora il batterista suona su una batteria, dove le sue possibilità si ampliano.

Allo stesso tempo, il sassofono iniziò ad essere utilizzato nelle orchestre.

La storia del jazz a Chicago si riempie di nuovi nomi di giovani interpreti, musicalmente istruiti, capaci di leggere da un foglio e fare arrangiamenti. Questi musicisti (prevalentemente bianchi) non conoscevano il vero suono del jazz di New Orleans, ma lo impararono da artisti neri emigrati a Chicago. I giovani musicali li hanno imitati, ma poiché questo non ha sempre funzionato, è nato un nuovo stile.

Durante questo periodo, l'abilità di Louis Armstrong raggiunse il suo apice, segnando il modello del jazz di Chicago e assicurandosi il ruolo di solista di altissimo livello.

A Chicago il blues rinasce proponendo nuovi interpreti.

C'è una fusione del jazz con il palco, quindi i cantanti iniziano ad apparire in primo piano. Creano le proprie composizioni orchestrali per l'accompagnamento jazz.

Il periodo di Chicago è caratterizzato dalla creazione di un nuovo stile in cui cantano gli strumentisti jazz. Louis Armstrong è uno dei rappresentanti di questo stile.

Oscillazione

Nella storia della creazione del jazz, il termine "swing" (tradotto dall'inglese - "swing") è usato in due significati. In primo luogo, lo swing è un mezzo espressivo in questa musica. Si distingue per la pulsazione ritmica instabile, che crea l'illusione di un'accelerazione del tempo. A questo proposito, si ha l'impressione che la musica abbia una grande energia interna. Esecutori e ascoltatori sono uniti da un comune stato psicofisico. Questo effetto si ottiene attraverso l'uso di tecniche ritmiche, di fraseggio, articolatorie e timbriche. Ogni musicista jazz si sforza di sviluppare il proprio modo originale di suonare la musica. Lo stesso vale per ensemble e orchestre.

In secondo luogo, questo è uno degli stili del jazz orchestrale apparso alla fine degli anni '20 del XX secolo.

Una caratteristica dello stile swing è l'improvvisazione solista sullo sfondo di un accompagnamento piuttosto complesso. In questo stile potrebbero lavorare musicisti con una buona tecnica, conoscenza dell'armonia e padronanza delle tecniche. sviluppo musicale. Per tale produzione musicale venivano forniti grandi ensemble di orchestre o big band, che divennero popolari negli anni '30. La composizione standard dell'orchestra comprendeva tradizionalmente 10-20 musicisti. Di questi - da 3 a 5 flauti, lo stesso numero di tromboni, un gruppo di sassofoni, che comprendeva un clarinetto, nonché una sezione ritmica, composta da pianoforte, contrabbasso, chitarra e strumenti a percussione.

Bop

A metà degli anni '40 del XX secolo stava prendendo forma un nuovo stile jazz, la cui comparsa segnò l'inizio della storia del jazz moderno. Questo stile è nato come opposizione allo swing. Aveva un ritmo molto veloce, introdotto da Dizzy Gillespie e Charlie Parker. Ciò è stato fatto con un obiettivo specifico: limitare la cerchia degli artisti solo ai professionisti.

I musicisti hanno utilizzato schemi ritmici e giri melodici completamente nuovi. Il linguaggio armonico è diventato più complesso. La base ritmica dal grande tamburo (in swing) si è spostata sui piatti. Qualsiasi ballabilità è completamente scomparsa dalla musica.

Nella storia degli stili jazz, il bebop è stato il primo a lasciare la sfera della musica popolare verso la creatività sperimentale, alla sfera dell'arte nella sua forma "pura". Ciò è accaduto in connessione con l'interesse dei rappresentanti di questo stile per l'accademismo.

I bopers si distinguevano per l'aspetto e il comportamento oltraggiosi, sottolineando così la loro individualità.

La musica bebop è stata eseguita da ensemble di piccole composizioni. In primo piano c'è il solista con il suo stile individuale, tecnica virtuosa, pensiero creativo, padronanza dell'improvvisazione libera.

Rispetto allo swing, questa direzione era più artistica, intellettuale, ma meno massiccia. Era anti-commerciale. Tuttavia, il bebop iniziò a diffondersi rapidamente, aveva il suo vasto pubblico di ascoltatori.

Territorio del jazz

Nella storia del jazz è necessario notare il costante interesse di musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dal paese in cui vivono. Ciò è dovuto al fatto che artisti jazz come Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington e molti altri hanno costruito le loro composizioni sulla sintesi di varie culture musicali. Questo fatto dice che il jazz è musica compresa in tutto il mondo.

Ad oggi, la storia del jazz ha la sua continuazione, poiché il potenziale per lo sviluppo di questa musica è piuttosto ampio.

Musica jazz in URSS e Russia

A causa del fatto che il jazz in URSS era considerato una manifestazione della cultura borghese, fu criticato e bandito dalle autorità.

Ma il 1 ottobre 1922 fu segnato da un concerto della prima orchestra jazz professionale dell'URSS. Questa orchestra ha eseguito balli alla moda di Charleston e Foxtrot.

La storia del jazz russo include i nomi di musicisti di talento: pianista e compositore, nonché il capo della prima orchestra jazz Alexander Tsfasman, il cantante Leonid Utyosov e il trombettista Y. Skomorovsky.

Dopo gli anni '50, hanno iniziato la loro attività attività creativa molti ensemble jazz grandi e piccoli, tra cui l'orchestra jazz di Oleg Lundstrem, che è sopravvissuta fino ad oggi.

Attualmente, Mosca ospita ogni anno un festival jazz, a cui prendono parte gruppi jazz e artisti solisti di fama mondiale.

STORIA DELLO SVILUPPO DEL JAZZ

Jazz

È improbabile che qualcuno oserà spiegare cos'è il jazz, poiché non l'ha fatto nemmeno il grande uomo della storia del jazz, Louis Armstrong, che ha detto che deve solo essere compreso e basta. In effetti, il jazz, la sua storia, origine, modifiche e rami sono troppo diversi e sfaccettati per dare una semplice definizione esaustiva. Ma ci sono momenti che chiariscono la natura di questa direzione musicale.

Il jazz è nato come combinazione di diverse culture musicali e tradizioni nazionali. Inizialmente, è arrivato nella sua infanzia dalle terre africane, e sotto l'influenza della musica occidentale sviluppata e delle sue correnti (blues, reg-times) e la combinazione del folklore musicale africano con loro, è stato ottenuto uno stile che non è morto fino ad oggi - Jazz.

Il jazz vive nel ritmo, nell'incoerenza, negli incroci e nel non rispetto delle tonalità e delle altezze dei suoni. Tutta la musica è costruita sul confronto e sulla contraddizione, ma in un brano musicale tutto si combina armoniosamente e colpisce con la sua melodia, la sua speciale attrattiva.

I primi jazzisti, con rare eccezioni, hanno creato la tradizione dell'orchestra jazz, dove ci sono improvvisazioni con suono, velocità o tempo, è possibile espandere il numero di strumenti ed esecutori, attirando tradizioni sinfoniche. Molti jazzisti hanno investito la loro arte nello sviluppo della tradizione dell'arte di suonare ensemble jazz.

Dopo l'apparizione di un brillante interprete che ha vissuto tutta la sua vita al ritmo del jazz, rimane ancora una leggenda: Louis Armstrong, l'arte della performance jazz ha visto per sé nuovi orizzonti insoliti: l'esibizione solista vocale o strumentale diventa il centro dell'intera performance , cambiando completamente le idee sul jazz.

Ed è qui che si presenta l'opportunità di spiegare un'altra caratteristica dello stile jazz: questa è l'esclusiva performance individuale di un virtuoso del jazz, questa è la sua performance e il suo godimento da parte sua e degli ascoltatori di musica in questo momento. E la chiave dell'eterna giovinezza del jazz è l'improvvisazione. Il jazz ha uno spirito, ma non ha uno scheletro che lo tenga insieme. Puoi cambiare il sassofono al piano, oppure puoi abbassare la sedia e prendere il microfono, e se non funziona, torna alla tromba e prova a suonare qualcosa che Armstrong e Bechet non hanno suonato.

Il jazz non è solo un certo tipo di performance musicale, è anche un'era allegra unica.

origini

La questione del luogo di nascita del jazz è nota: è l'America, ma da dove viene?

Il jazz emerge come una fusione unica. E uno dei suoi componenti, che ne ha garantito l'origine, è considerato di origine africana. I coloni africani hanno portato la propria cultura, che si è sviluppata sullo sfondo di una forte influenza europea e americana.

La comunità e le sue regole (norme di comportamento, tradizioni) sono nel sangue di chi è arrivato, anche se il legame con i propri antenati è effettivamente interrotto. E la musica, come manifestazione integrale della cultura originaria, è diventata uno dei collegamenti tra quella cultura originaria africana e una nuova vita in un altro continente.

La musica vocale degli afroamericani, condita con ritmo e danza, plasticità del corpo e applausi, è diventata una nuova sottocultura musicale. La musica africana è completamente diversa dai modelli europei, non ha una galassia di strumenti, ha conservato in gran parte la sua ritualità e attaccamento ai costumi.

Origini/Storia del Jazz

Questa musica degli schiavi, alla fine, ruppe i regimi totalitari, dove regnavano le orchestre classiche, obbedendo in tutto e per tutto alla volontà della bacchetta del direttore. Secondo la ricerca del professore di storia e cultura americana Penny Van Eschen, il Dipartimento di Stato americano ha cercato di utilizzare il jazz come arma ideologica contro l'URSS e l'espansione dell'influenza sovietica nei paesi del terzo mondo. Le origini del jazz sono legate al blues.

Il jazz nasce alla fine del XIX secolo come fusione di ritmi africani e armonia europea, ma le sue origini vanno ricercate dal momento in cui gli schiavi furono portati dall'Africa nel territorio del Nuovo Mondo. Gli schiavi portati non provenivano dallo stesso clan e di solito non si capivano nemmeno. La necessità di consolidamento ha portato all'unificazione di molte culture e, di conseguenza, alla creazione di un'unica cultura (compresa la musica) degli afroamericani. I processi di commistione tra la cultura musicale africana e quella europea (che pure subirono gravi mutamenti nel Nuovo Mondo) ebbero luogo a partire dal Settecento e portarono nell'Ottocento alla nascita del "proto-jazz", e poi del jazz nel senso generalmente accettato senso.

L'improvvisazione gioca un ruolo fondamentale nel vero jazz. Inoltre, il jazz si distingue per la sincope (evidenziando battiti deboli e accenti inaspettati) e una spinta speciale. Le ultime due componenti compaiono nel ragtime, e poi trasferite all'esecuzione di orchestre (gruppi), dopo di che la parola "jazz" sembra designare questo nuovo stile di fare musica, prima scritto come "Jass", poi come "Jasz". e solo dal 1918 acquista il mio aspetto moderno. Inoltre, molte aree del jazz si distinguono per una speciale tecnica di esecuzione: "rocking" o swing. La culla del jazz è stata il sud americano e in particolare New Orleans. Il 26 febbraio 1917, cinque musicisti bianchi di New Orleans registrarono il primo disco jazz nello studio di New York della ditta Victor. È difficile sopravvalutare il significato di questo fatto: prima dell'uscita di questo disco, il jazz è rimasto un fenomeno marginale, folklore musicale, e dopo ha sbalordito tutta l'America per diverse settimane. La registrazione apparteneva alla leggendaria "Original Dixieland Jazz Band".

Origini / Nascita del Jazz

Le origini di questa direzione musicale vanno ricercate in una commistione di culture africane ed europee. Stranamente, ma il jazz è iniziato con lo stesso Cristoforo Colombo. Certo, il grande viaggiatore e scopritore non è stato il primo interprete jazz. Aprendo l'America all'Europa, Colombo segnò il grande inizio della compenetrazione tra africano ed europeo tradizioni musicali.

Padroneggiando il continente americano, gli europei trasportarono qui un gran numero di nemici neri, il cui numero nel 1700 superava i centomila. Gli schiavi venivano trasportati dalla costa occidentale dell'Africa attraverso l'Atlantico.

Gli europei non potevano nemmeno immaginare che, insieme agli schiavi, trasportassero in America e la cultura musicale africana, che si distingue per il suo incredibile ritmo musicale. In Africa, la musica da tempo immemorabile è stata una componente indispensabile di vari rituali. Il ritmo musicale ha svolto un ruolo colossale qui.

La cultura europea ha portato al jazz armonia, standard minori e maggiori, melodia e un inizio melodico solista.

cantare nel jazz

Il canto jazz non può essere equiparato al canto nel senso generale del termine. Inizialmente, non c'era una voce solista nel jazz, c'era solo uno strumento, e solo a partire dalle esibizioni di Louis Armstrong (intendendo il suo lavoro successivo) la voce è diventata parte della "strumentazione" dei jazzisti. Ma ancora una volta - voci jazz, e questa è qualcos'altro.

La voce jazz deve avere alcune caratteristiche, ovvero la voce dell'esecutore. Considerando la base del jazz - l'improvvisazione, l'assenza di regole, bisogna capire che lo stesso vale per la voce dell'esecutore: la capacità di espandere la portata di una canzone "normale", di suonare con la voce, è facile improvvisare, avere una buona portata. L'esecutore deve aderire allo stile di esecuzione jazz: fraseggio e "attacco".

"Scat che canta" - questo termine è apparso nel momento in cui Louis Armstrong lavorava sul palco, che cantava nello stesso modo in cui suonava: i suoni emessi dalla sua voce erano molto simili ai suoni emessi dalla sua tromba. La voce jazz inizierà a cambiare e diventerà più complessa un po 'più tardi, quando lo stile "bop" entrerà di moda. È il momento dello sketch "bop" e la star diventa la "first lady del jazz" - Ella Fitzgerald.

Se la connessione tra jazz e blues non è così forte, allora la connessione tra le voci ha una connessione più evidente. Le possibilità utilizzate per estrarre suoni (lavoro della laringe, sibilo e sussurro, falsetto, ecc.) del blues sono state accettate volentieri dalle tradizioni del jazz.

Nomi di cantanti divenuti famosi nella storia del jazz per il loro canto: l'antenato è ovviamente Louis Armstrong, seguito da Bing Crosby, il successivo, detto semplicemente "la voce", Frank Sinatra, Nat King Cole. Le donne hanno dato il loro contributo e considerevole: Bessie Smith, soprannominata "l'Imperatrice del Blues", seguita dai nomi di Billy Holliday, Ella Fitzgerald, la singolare cantante Sarah Voen.

LE ORIGINI DEL JAZZ EI SUOI ​​STILI.

introduzione

Una volta al caporedattore della più famosa rivista jazz americana "Down Beat", distribuita in 124 paesi del mondo, fu chiesto da un giornalista durante un'intervista: "Cos'è il jazz?" "Non hai mai visto un uomo così rapidamente colto in flagrante da una domanda così semplice!", disse in seguito l'editore. Al contrario, qualche altra figura del jazz, come risposta alla stessa domanda, potrebbe parlarti di questa musica per due ore o più, senza spiegare nulla di specifico, poiché in realtà non esiste ancora un tempo preciso, breve e allo stesso tempo stesso per una definizione completa e obiettiva della parola e del concetto stesso di "jazz".

Ma c'è un'enorme differenza tra la musica di King Oliver e Miles Davis, Benny Goodman e il Modern Jazz Quartet, Stan Kenton e John Coltrane, Charlie Parker e Dave Brubeck. Molte componenti e lo sviluppo molto costante del jazz in 100 anni hanno portato al fatto che anche l'insieme di ieri delle sue esatte caratteristiche non può essere pienamente applicato oggi, e le formulazioni di domani possono essere diametralmente opposte (ad esempio, per dixieland e bebop, swing big band e combo jazz rock).

Ci sono anche difficoltà nel definire il jazz. nel fatto che cercano sempre di risolvere direttamente questo problema e dicono molte parole sul jazz con scarsi risultati. Ovviamente, potrebbe essere risolto indirettamente definendo tutte quelle caratteristiche che lo circondano mondo della musica nella società, e allora sarà più facile capire cosa c'è al centro. Allo stesso tempo, la domanda "Cos'è il jazz?" è sostituito da "Cosa si intende per jazz?". E qui scopriamo che questa parola ha una varietà di significati per persone diverse. Ogni persona riempie questo neologismo lessicale con un certo significato a sua discrezione.

Ci sono due categorie di persone che usano questa parola. Alcune persone amano il jazz, mentre altre non sono interessate. La maggior parte degli amanti del jazz ha un uso molto ampio della parola, ma nessuno di loro può determinare dove inizia e dove finisce il jazz, perché ognuno ha la propria opinione su questo argomento. Possono trovare un linguaggio comune tra loro, tuttavia, ognuno è convinto della propria correttezza e conoscenza di cosa sia il jazz, senza entrare nei dettagli. Anche gli stessi musicisti professionisti, che vivono il jazz e lo eseguono regolarmente, danno definizioni molto diverse e vaghe di questa musica.

L'infinita varietà di interpretazioni non ci dà alcuna possibilità di giungere a un'unica e indiscutibile conclusione su cosa sia il jazz da un punto di vista puramente musicale. Tuttavia, qui è possibile un approccio diverso, che nella seconda metà degli anni '50 fu proposto dal musicologo di fama mondiale, presidente e direttore del New York Institute for Jazz Studies, Marshall Stearns (1908-1966), che godeva invariabilmente di un illimitato rispetto nei circoli jazz in tutti i paesi del Vecchio e del Nuovo Mondo. Nel suo eccellente libro di testo "History of Jazz", pubblicato per la prima volta nel 1956, ha definito questa musica da un punto di vista puramente storico.

Stearns ha scritto: "Prima di tutto, ovunque ascolti il ​​jazz, è sempre molto più facile riconoscerlo che descriverlo a parole. Ma in prima approssimazione, possiamo definire il jazz come musica semi-improvvisativa nata come risultato di 300 anni di mescolare nel suolo nordamericano due grandi tradizioni musicali - dell'Europa occidentale e dell'Africa occidentale - cioè l'effettiva fusione della cultura bianca e nera. , musica insolita e facilmente riconoscibile, indubbiamente, porta la sua origine dall'Africa. Pertanto, i componenti principali di questa musica sono l'armonia europea, la melodia euro-africana e il ritmo africano."

Ma perché il jazz è nato nel Nord America, e non nel Sud o nel Centro, dove c'erano anche abbastanza bianchi e neri? Dopotutto, quando parlano della culla del jazz, l'America è sempre chiamata la sua culla, ma allo stesso tempo di solito intendono solo il territorio moderno degli Stati Uniti. Il fatto è che se la metà settentrionale del continente americano era storicamente abitata principalmente da protestanti (inglesi e francesi), tra i quali c'erano molti missionari religiosi che cercavano di convertire i neri alla fede cristiana, allora nella parte meridionale e centrale di questo vasto cattolici del continente (spagnoli e portoghesi), che consideravano gli schiavi neri semplicemente come animali da tiro, senza preoccuparsi di salvare le loro anime. Pertanto, non poteva esserci una significativa e sufficientemente profonda compenetrazione di razze e culture, che a sua volta ha avuto un impatto diretto sul grado di conservazione della musica nativa degli schiavi africani, principalmente nel campo del loro ritmo. Fino ad ora, nei paesi del Sud e Centro America, si svolgono culti pagani rituali segreti e dilaganti carnevali accompagnati da ritmi afrocubani (o latinoamericani). Non sorprende che sia proprio sotto questo aspetto ritmico che la parte meridionale del Nuovo Mondo ha già influenzato in modo significativo l'intero mondo della musica popolare del nostro tempo, mentre il Nord ha dato qualcos'altro al tesoro dell'arte musicale moderna, per esempio, spiritual e blues.

Dunque, continua Stearns, sotto l'aspetto storico, il jazz è una sintesi ottenuta nell'originale da 6 fonti principali. Questi includono:

1. Ritmi dell'Africa occidentale;

2. Canti di lavoro (canti di lavoro, urla di campo);

3. Canti religiosi negri (spirituali);

4. Canzoni secolari negre (blues);

5. Musica popolare americana dei secoli passati;

6. Musica di menestrelli e fanfare di strada.

1. Le origini del jazz

I primi forti dei bianchi nel Golfo di Guinea, sulla costa dell'Africa occidentale, sorsero già nel 1482. Esattamente 10 anni dopo, ebbe luogo un evento significativo: la scoperta dell'America da parte di Colombo. Nel 1620 apparvero i primi schiavi neri sul territorio moderno degli Stati Uniti, che furono convenientemente trasportati in nave attraverso l'Oceano Atlantico dall'Africa occidentale. Nei cento anni successivi, il loro numero crebbe già fino a centomila e nel 1790 questo numero era aumentato di 10 volte.

Se diciamo "ritmo africano", allora dobbiamo tenere presente, ovviamente, che i neri dell'Africa occidentale non hanno mai suonato "jazz" in quanto tale - noi stiamo parlando proprio sul ritmo come parte integrante della loro esistenza in patria, dove era rappresentato da un rituale "coro di tamburi" con la sua complessa poliritmia e molti altri. Ma gli schiavi non potevano portare con sé nessuno strumento musicale nel Nuovo Mondo, e per la prima volta in America fu addirittura proibito di fabbricare tamburi fatti in casa, i cui campioni molto più tardi potevano essere visti solo nei musei etnografici. Inoltre, nessuna delle persone di qualsiasi colore della pelle nasce con un senso del ritmo pronto, si tratta solo di tradizioni, ad es. nella continuità delle generazioni e dell'ambiente, quindi, usanze e rituali negri furono preservati e trasmessi negli Stati Uniti esclusivamente oralmente e dalla memoria di generazione in generazione di negri afroamericani. Come disse Dizzy Gillespie: "Non credo che Dio possa dare a qualcuno qualcosa di più degli altri se si trovano nelle stesse condizioni. Puoi prendere qualsiasi persona, e se la metti nelle stesse ambiente allora il suo percorso di vita sarà sicuramente simile al nostro".

Il jazz è nato negli Stati Uniti come risultato della sintesi di numerosi elementi delle culture musicali reinsediate dei popoli d'Europa, da un lato, e del folklore africano, dall'altro. Queste culture avevano qualità fondamentalmente diverse. La musica africana è di natura improvvisativa, è caratterizzata da una forma collettiva di fare musica con una forte poliritmia, polimetria e linearità. La funzione più importante in esso è l'inizio ritmico, la polifonia ritmica, da cui nasce l'effetto del ritmo incrociato. Il principio melodico, e ancor più quello armonico, è sviluppato in misura molto minore nella produzione musicale africana che nella musica europea. La musica per gli africani è più un valore applicato che per un europeo. È spesso associato all'attività lavorativa, ai rituali, inclusa l'adorazione. Il sincretismo di diversi tipi di arte influisce sulla natura del fare musica: non si esibisce in modo indipendente, ma in combinazione con la danza, la plasticità, la preghiera, la recitazione. In uno stato eccitato degli africani, la loro intonazione è molto più libera di quella degli europei incatenati a una scala normalizzata. Nella musica africana, la forma di canto domanda-risposta (chiamata e risposta) è ampiamente sviluppata.

Da parte sua, la musica europea ha dato un ricco contributo alla futura sintesi: costruzioni melodiche con una voce principale, standard modali maggiori-minori, possibilità armoniche e molto altro. In generale, relativamente parlando, l'emotività africana, un inizio intuitivo si è scontrato con il razionalismo europeo, che si manifesta particolarmente nella politica musicale del protestantesimo.

2. "Terza corrente"

Il termine "terzo flusso" è stato coniato dal critico John Wilson. Ha delineato un'alternativa, o meglio, opzioni per la sintesi della prima e della seconda corrente, ad es. musica accademica e jazz. Questa direzione si è formata negli anni '50 e non è associata a uno stile specifico. Le opere sperimentali di vari musicisti hanno catturato tendenze sympho-jazz, jazz-rock e avant-garde.

Il jazz, come uno dei tipi più originali di arti musicali del XX secolo, iniziò gradualmente a conquistare il mondo intero e, alla fine, acquisì un carattere internazionale. Ciò è accaduto principalmente a causa del fatto che i suoi compositori e interpreti nel loro lavoro si sono spesso rivolti alla musica di altri paesi e popoli: indiani, sudamericani, arabi e, naturalmente, al proprio folklore. La più importante fonte di ispirazione per i jazzisti alla ricerca di nuove direzioni per l'evoluzione del loro genere sono stati anche i migliori esempi di musica classica europea e le sue varietà un po' più popolari.

I contatti storici con il jazz da parte di compositori classici sono ben noti, e si potrebbero citare decine di nomi famosi come esempio (si tratta di Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Krenek, ma anche Copland, Gershwin e Bernstein), ma i loro tentativi erano guidati dal desiderio di portare nella scena musicale accademica solo singoli elementi di jazz. Al contrario, ci sono molti lavori sperimentali da parte di jazzisti interessati che hanno cercato di applicare alcuni principi di sviluppo sinfonico e utilizzare i principi originali della musica classica nelle loro partiture jazz.

In decenni diversi, tali esperimenti a volte hanno persino portato all'emergere di nuovi, se non stili, quindi, comunque, rami indipendenti sull'albero genealogico della storia del jazz - ad esempio, negli anni '20 era il "jazz sinfonico" (Paul Whiteman , che voleva "fare del jazz una signora"), negli anni '40 - "progressivo" (Stan Kenton), e negli anni '60 - "terza tendenza".

La "Terza Corrente" è citata proprio nella storia del jazz, perché fu allora che i jazzisti, e non i classici, vi arrivarono dalla loro parte. Era una direzione sperimentale del jazz moderno, i cui rappresentanti cercavano di creare opere dettagliate per ensemble misti di orchestre, che includevano sia artisti accademici che improvvisatori jazz.

Le composizioni della "terza corrente" sono caratterizzate da una fusione più organica della tecnica compositiva europea con le tradizioni jazz. I rappresentanti più importanti di questa tendenza negli Stati Uniti furono musicisti e compositori Günther Schuller, John Lewis (leader del Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffrey e altri.

Sono note, ad esempio, le esibizioni congiunte (e le registrazioni) di Duke Ellington con le orchestre della Scala e della London Symphony. Questa combinazione dà origine a nuove sfumature armoniche e strumentali, dando vita, per così dire, alla moderna "musica intellettuale". Ha un approccio classico al tema, ma al suo interno rimane molto jazz. È del tutto possibile sintetizzare queste due componenti in un tipo di musica, vicino sia al jazz (libertà di improvvisazione, sensazione di swing, freschezza di nuovi timbri), sia alla tecnica delle composizioni "serie" (tecniche dal campo di 12 musica tonale, polifonia, politonalità, poliritmia, evoluzione tematica generale, ecc.).

Dave Brubeck ha dato un contributo significativo al terzo movimento con composizioni per quartetto jazz e orchestra sinfonica. La tradizione di combinare l'orchestra sinfonica e complesso jazzistico o anche l'orchestra continua con Wynton Marsalis e la sua Lincoln Center Orchestra.

3. Blues moderni. Big band dell'era post-swing

Storicamente, il blues è penetrato gradualmente nei grandi centri industriali e lì ha guadagnato rapidamente popolarità. Stabilì i tratti caratteristici ereditati dalla musica degli afroamericani, e definì chiaramente la forma a 12 battute (come la più tipica) e determinò l'accompagnamento armonico basato sulla modalità blues. Tra i più famosi interpreti di jazz blues negli anni '50 e '60. erano Jimmy Rushing (1903-1972) e Joe Williams (1918-1999).

Alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50 sorse una nuova varietà - "rhythm and blues" - era una modifica urbana del blues classico, che si diffuse nelle aree nere delle più grandi città degli Stati Uniti. Utilizzando i mezzi melodici e armonici di base del blues, "rnb" si distingue per un significativo aumento dell'accompagnamento strumentale, un modo espressivo di esecuzione, tempi più veloci, un ritmo chiaramente definito e un ritmo energico, che si ottiene sotto forma di alternanza movimenti massicci e rimbombanti sui tempi 1 e 3 della battuta con un accento secco e brusco sui tempi 2 e 4. La performance è caratterizzata da inesorabile tensione emotiva, suono forte, enfasi sulle "note blues", frequenti transizioni del vocalist al falsetto, massima intensità (pressione, "spinta") dell'accompagnamento sonoro ed è costruita sull'antifona di brevi "riff " del cantante e dell'accompagnamento.

Fino alla fine degli anni '40. "rnb" nel suono "dal vivo" e sui dischi (in una serie di cosiddetti "record razziali") era noto principalmente solo alla popolazione negra nelle grandi città industriali. I favoriti di questa direzione in quegli anni erano i sassofonisti Louis Jordan e Earl Bostic, i chitarristi "T-Bone" Walker e Muddy Waters, i pianisti Jay McShann e poco dopo Ray Charles, il cantante Big Joe Turner.

Tuttavia, all'inizio degli anni '50, l'interesse per questa musica ritmica apparve anche tra i bianchi. A poco a poco ci fu una crescente richiesta di brani "r'n'b" da parte della gioventù bianca, e molti musicisti si orientarono in questa direzione, diventando in quegli anni attivi promotori di "rnb", che poi rivoluzionò la musica popolare e portò a l'emergere del rock'n'roll. Quando il chitarrista bianco Bill Haley registrò il famoso brano rhythm and blues "Rock Around the Clock" con la sua band il 12 aprile 1954, la data di uscita di questa registrazione è stata da allora considerata il compleanno del "rock and roll", e questo tema stesso - il suo inno.

In quegli anni, il disc jockey bianco Alan Freed (1922-1965) apparve in una stazione radiofonica di Cleveland e iniziò a trasmettere regolarmente registrazioni di artisti "rhythm and blues", e ora si può dire che Freed è quasi l'unico responsabile del cambiamento dell'intero naturalmente Musica popolare americana. Fu lui a portare gli scrittori e gli artisti negri "rhythm and blues" da dietro il sipario razziale e li presentò a un vasto pubblico di adolescenti bianchi. In un impeto di ispirazione, ha chiamato queste registrazioni "rock 'n' roll" e ha reso popolare il termine tra i giovani del mondo.

Questa versione adattata di "rnb" è stata ridotta a tre accordi principali, alcuni semplici "riff" di chitarra elettrica e un ritmo pesante e monotono con forti accenti sui tempi 2 e 4 (cioè "off beat"). Tuttavia, l'armonia del "rock and roll" era ancora basata sullo schema blues a 12 battute, quindi il suo merito principale era di aver approvato nella coscienza musicale di massa degli americani bianchi, e dopo di loro europei, il concetto fondamentale di blues. , che ha un enorme potenziale per lo sviluppo del ritmo, della melodia e dell'armonia. Il blues non solo ha rianimato la musica popolare in generale, ma ha anche cambiato il suo precedente orientamento europeo "bianco" e ha aperto la porta a un ampio flusso di innovazioni e prestiti da culture musicali di altre parti del globo, ad esempio la musica latinoamericana.

Le difficili condizioni economiche del secondo dopoguerra, i cambiamenti negli interessi del pubblico e dei manager hanno influenzato radicalmente molte big band dell'era swing. La maggior parte di loro se n'è andata per sempre. Tuttavia, all'inizio degli anni '50 iniziò un revival del genere. Con difficoltà, ma le orchestre di Benny Goodman, Count Basie e, poco dopo, l'orchestra di Duke Ellington furono restaurate. Il pubblico voleva di nuovo ascoltare i successi prebellici. Nonostante un significativo rinnovamento delle formazioni e l'arrivo di giovani musicisti, i leader, assecondando il desiderio degli ascoltatori, ripristinarono il vecchio repertorio. Di questi tre pilastri dell'era dello swing, solo Duke Ellington era sulla strada del cambiamento. Ciò riguardava il suo ampio uso della forma della suite, iniziata durante gli anni della guerra. Nel suo repertorio sono apparse suite su larga scala con contenuti di programmi. Un passo significativo è stata la realizzazione dei "Concerti di Musica Sacra" (1965-66) per orchestra, coro, solisti e ballerini. La big band del vibrafonista Lionel Hampton ha continuato le esibizioni energicamente sature, incentrate principalmente sulla musicalità e sul fascino del loro leader.

A poco a poco, parte delle orchestre si è trasformata in formazioni commemorative che supportano tradizioni consolidate. Questi includono la Glenn Miller Orchestra, che morì nel 1944, la Count Basie Orchestra, che esiste con lo stesso nome dopo la morte del leader nel 1984, guidata da Mercer Ellington (figlio di Duke), e successivamente da suo nipote Paul Mercer Ellington, il Duca Ellington Orchestra (morto nel 1974).

Le orchestre progressiste persero gradualmente lo spirito di sperimentazione e acquisirono un repertorio relativamente standard. Le orchestre di Woody Herman e Stan Kenton, dopo aver prodotto i solisti più interessanti, hanno passato il testimone ai colleghi più giovani. Tra questi, è necessario notare le band che hanno creato un nuovo suono basato su arrangiamenti luminosi, polistilistici, un nuovo uso del suono degli ottoni, principalmente tubi. Le band dei trombettisti Maynard Fergusson e Don Ellis divennero tali centri di progresso nel suono orchestrale negli anni '60. Un movimento coerente nella direzione prescelta ha avuto luogo nel laboratorio creativo di uno dei fondatori del cool, Gil Evans. Le sue esibizioni, le registrazioni con Miles Davis a cavallo tra gli anni '50 e '60, ulteriori esperimenti con la musica modale ed elementi di jazz-rock negli anni '70 furono un'importante tendenza individuale nella storia del jazz.

Negli anni '70, un potente impulso al movimento bandistico fu dato da un'orchestra composta da giovani e fortissimi musicisti della scena jazz newyorkese dal trombettista Thad Jones, ex membro della Basie band, e dal batterista Mel Louis, che suonava in l'orchestra Stan Kenton. Per un decennio, questa band è stata considerata la migliore, grazie ai magnifici arrangiamenti moderni e all'alto livello degli strumentisti. L'orchestra si sciolse a causa del trasferimento di Jones in Danimarca, ma per molto tempo Mel Louis cercò di sostenerlo in collaborazione con il trombonista e arrangiatore Bob Brookmeier. Negli anni '80, il primo posto nella gerarchia mondiale era occupato da una band creata dalla pianista e arrangiatrice giapponese Toshiko Akiyoshi insieme a suo marito, il sassofonista Lou Tabakin. Questa orchestra è insolita in quanto è stata creata da una donna, esegue principalmente le sue opere, ma continua a seguire le tradizioni orchestrali americane. Nel 1985, l'orchestra fu sciolta e Akiyoshi organizzò una nuova band chiamata "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra".

Negli anni '90 il genere della big band non si è esaurito, ma forse si è rafforzato. Allo stesso tempo, la gamma dello stile orchestrale si espanse. L'ala conservatrice, oltre alle orchestre commemorative, è rappresentata dalla Lincoln Center Orchestra, guidata da uno dei musicisti jazz più favoriti dall'ufficialità, il talentuoso trombettista e compositore Wynton Marsalis. Questa orchestra sta cercando di seguire la linea di Duke Ellington per creare opere forma grande e programmatico. Più vario è il lavoro di un'orchestra molto forte e più moderna che prende il nome da Charles Mingus (The Mingus Big Band). Questa band attrae musicisti creativi. Idee più radicali sono sposate da vari "laboratori" che hanno un carattere temporaneo e diverse band che professano idee più d'avanguardia. Tra queste orchestre ci sono gruppi di Sam Rivers (Sam Rivers), George Gruntz (George Gruntz), numerosi conglomerati europei.

4. Disco rigido. funky

In contrasto con la raffinatezza e la freddezza dello stile cool, la razionalità del progressivo sulla costa orientale degli Stati Uniti, i giovani musicisti nei primi anni '50 continuarono a sviluppare lo stile bebop apparentemente già esausto. La crescita dell'autocoscienza degli afroamericani, caratteristica degli anni '50, ha giocato un ruolo significativo in questa tendenza. L'attenzione è stata nuovamente richiamata sul mantenimento della fedeltà alle tradizioni di improvvisazione afroamericane. Allo stesso tempo, tutti i risultati del bebop sono stati preservati, ma sono stati aggiunti molti fantastici risultati sia nel campo dell'armonia che nel campo delle strutture ritmiche. I musicisti della nuova generazione, di regola, avevano una buona educazione musicale. Questa tendenza, chiamata "hardbop", si è rivelata molto numerosa. Comprendeva i trombettisti Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown (Clifford Brown), Donald Byrd (Donald Byrd), i pianisti Thelonious Monk, Horace Silver, il batterista Art Blakey (Art Blakey), i sassofonisti Sonny Rollins (Sonny Rollins), Hank Mobley ( Hank Mobley), Cannonball Adderley, il bassista Paul Chambers e molti altri.

Per lo sviluppo di un nuovo stile, fu significativa un'altra innovazione tecnica, che consisteva nella comparsa di dischi di lunga durata. Ora puoi registrare lunghi assoli. Per i musicisti, questa è diventata una tentazione e una prova difficile, poiché non tutti sono in grado di parlare in modo completo e conciso per molto tempo. I trombettisti furono i primi a sfruttare questi vantaggi, modificando lo stile di Dizzy Gillespie in un modo di suonare più calmo ma profondo. I più influenti sono stati Fats Navarro e Clifford Brown (entrambi i destini hanno avuto un percorso di vita troppo breve). Questi musicisti non si sono concentrati su passaggi virtuosi ad alta velocità nel registro superiore, ma su linee melodiche ponderate e logiche.

La complessità musicale raggiunta, ad esempio, da Art Blakey, che utilizzava complesse strutture ritmiche, non ha portato alla perdita del jazz, della spiritualità emotiva. Lo stesso vale per il nuovo plasmare nelle improvvisazioni di Horace Silver o nelle figurazioni poliritmiche nell'assolo di Sonny Rollins. La musica ha assunto una nitidezza, acrimonia e una nuova dimensione di swing. Un ruolo speciale nello sviluppo dell'hardbop è stato svolto da Art Blakey, che ha creato l'ensemble Jazz Messengers nel 1955. Questa composizione ha svolto il ruolo di una scuola in cui si è rivelato e fiorito il talento di numerosi rappresentanti di questa direzione. Tra loro ci sono i pianisti Bobby Timmons e Horace Silver, i sassofonisti Benny Golson, Hank Mobley, i trombettisti Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis e molti altri. I "Jazz Messengers" in una forma o nell'altra esistono ancora, essendo sopravvissuti al loro leader (1993).

Il sassofonista tenore Sonny Rollins occupa un posto speciale nella galassia dei musicisti hard bop. Il suo stile si è evoluto dalle linee di Parker e dal tono ampio di Coleman Hawkins, e l'innovazione è associata al suo temperamento e spontaneità come improvvisatore. È caratterizzato da una speciale libertà nell'uso del materiale armonico. A metà degli anni '50, Rollins attirò l'attenzione sulle peculiarità del suo fraseggio, che è una magnifica figura poliritmica, che fa a pezzi il materiale armonico proveniente dal tema. Nelle sue improvvisazioni melodiche, appare la durezza del suono, il sarcasmo musicale.

Parte della musica emersa durante il periodo "hard bop" ha assorbito naturalmente il blues, utilizzato in un tempo lento o medio con un'espressione speciale, basata su un ritmo pronunciato. Questo stile era chiamato "funky" (funky). La parola è gergale e significa una definizione intensificante di un odore o sapore acuto e pungente. Nel jazz è sinonimo di musica mondana, "reale". L'aspetto di questo ramo non è casuale. Negli anni '50 ci fu un allontanamento dalla vecchia essenza negra del jazz nel jazz e divenne evidente l'indebolimento degli idiomi jazz. È diventato sempre più difficile determinare quale tipo di musica debba essere percepita come jazz. I musicisti jazz hanno sperimentato il folklore popoli diversi, furono attratti dall'impressionismo e dall'atonalismo, iniziarono a farsi coinvolgere nella musica antica. Non tutti questi processi sono stati abbastanza convincenti. Un certo numero di musicisti si è rivolto a composizioni fortemente condite con il suono del blues tradizionale e dei canti religiosi. Inizialmente l'elemento religioso era più decorativo che funzionale. A volte le grida antiquate dei campi di cotone hanno svolto il ruolo di introduzione a figure bebop piuttosto tradizionali. Sonny Rollins mostra i segni di questo stile, ma la sua espressione più sorprendente si trova nel pianista Horace Silver, che ha creato il funky blues. La sincerità della sua musica era rafforzata dai motivi religiosi che guidavano il musicista.

Dallo stile funky è cresciuta la figura di Charles Mingus: contrabbassista, compositore e bandleader, un musicista che non rientra nella struttura di un certo stile. Mingus si è posto il compito di evocare sensazioni emotive molto specifiche nell'ascoltatore. Allo stesso tempo, il carico è stato distribuito tra la composizione stessa ei musicisti, che hanno dovuto improvvisare, vivendo proprio queste emozioni. Mingus potrebbe benissimo essere incluso in una categoria molto ristretta di compositori jazz. Lui stesso si considerava un seguace di Duke Ellington e si rivolgeva alla stessa area di cultura, religiosità, misticismo afroamericani, un'area che richiede l'uso di tecniche funky..

5. Jazz gratuito

All'inizio degli anni '60, il successivo ciclo di sviluppo degli stili jazz fu dovuto, in larga misura, al rafforzamento dell'autoconsapevolezza razziale dei musicisti negri. Tra i giovani di quel tempo, questo processo si espresse in forme molto radicali, incluso il jazz, che è sempre stato uno sbocco nella cultura degli afroamericani. Nella musica, questo si è nuovamente manifestato nel desiderio di abbandonare la componente europea, per tornare alle origini del jazz. Nel nuovo jazz, i musicisti neri si sono rivolti a religioni non cristiane, principalmente al buddismo e all'induismo. D'altra parte, questa volta è caratterizzata dall'emergere di ondate di protesta, instabilità sociale, indipendenti dal colore della pelle (movimento hippie, anarchismo, passione per il misticismo orientale). Il "free jazz" che apparve in quel momento si allontanò bruscamente dal modo principale di sviluppo del jazz, dal mainstream. La combinazione della pienezza delle esperienze spirituali ed estetiche con un approccio fondamentalmente nuovo all'organizzazione del materiale musicale ha completamente recintato il nuovo jazz dalla sfera dell'arte popolare. È stata una drammatica accelerazione di un processo che era stato avviato dai bopper.

Gli stilisti dixieland e swing hanno creato improvvisazioni melodiche, i musicisti bebop, cool e hardbop hanno seguito le strutture degli accordi nei loro assoli. Il free jazz è stato un allontanamento radicale dagli stili precedenti, poiché in questo stile il solista non è obbligato a seguire una determinata direzione o costruire una forma secondo canoni noti, può andare in qualsiasi direzione imprevedibile. Inizialmente, l'aspirazione principale dei leader del free jazz era un focus distruttivo su ritmo, struttura, armonia, melodia. La cosa principale per loro era la massima espressività, nudità spirituale, estasi. Le prime esperienze dei nuovi musicisti jazz Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler non hanno rotto i legami con le norme tradizionali. Le prime registrazioni free-jazz fanno ancora appello a schemi armonici. Tuttavia, gradualmente questo processo raggiunge il punto estremo di rottura con la tradizione. Quando Ornette Coleman introdusse completamente il free jazz al pubblico di New York (sebbene Cecil Taylor fosse conosciuto prima e abbastanza bene), molti dei musicisti bebop e degli intenditori di jazz giunsero alla conclusione che questa musica non poteva essere considerata non solo jazz, ma anche effettivamente musica . Così, gli ex radicali sono diventati conservatori in meno di 15 anni.

Uno dei primi distruttori dei canoni fu Cecil Taylor, che all'epoca della sua maggiore età era un musicista molto preparato. Si è laureato al conservatorio, conosceva bene il jazz e ha pensato di applicare i principi della musica del compositore al processo di improvvisazione. Nel 1956, insieme al sassofonista Steve Lacy, riuscì a pubblicare un disco contenente alcune idee di nuovo jazz. Più o meno allo stesso modo, emanato in gran parte da Thelonious Monk, il pianista e compositore Herbie Nichols, che morì prematuramente, camminava in questo periodo. Nonostante la difficoltà di accettare una musica che non contenga i soliti punti di riferimento, Cecil Taylor diventa una figura ben nota già nel 1958, facilitata dalle sue esibizioni al club Five Spot.

A differenza di Taylor, un'altra fondatrice del free jazz, Ornette Coleman, aveva una lunga storia di esibizioni e tuttavia non suonava mai "correttamente". Forse Coleman, senza rendersene conto, si è formato come un maestro del primitivismo. Questo, a sua volta, gli ha dato le basi per un facile passaggio alla musica non standard, che ha eseguito insieme a un trombettista che suonava la tromba tascabile - Don Cherry. I musicisti furono fortunati: il contrabbassista Red Mitchell e il pianista John Lewis, che aveva peso nell'ambiente musicale, si interessarono a loro. Nel 1959 i musicisti pubblicarono il disco "Something Else!!" e ha ricevuto un impegno in "Five Spot". Una pietra miliare per il New Jazz fu il disco registrato dalla doppia formazione di Ornette Coleman "Free Jazz" nel 1960.

Il free jazz spesso si interseca con altri movimenti d'avanguardia, che, ad esempio, possono utilizzare la sua forma e sequenza di strutture ritmiche. Fin dalla sua nascita, il free jazz è rimasto di proprietà di un piccolo numero di persone e di solito si trova nell'underground, tuttavia ha un'influenza molto forte sul mainstream moderno. Nonostante la totale negazione, nel free jazz si è sviluppata una certa normatività, che consente di distinguerlo dalle altre nuove tendenze jazzistiche. Queste convenzioni riguardano il piano generale del brano, l'interazione dei musicisti, il supporto ritmico e, ovviamente, il piano emotivo. Va notato che una vecchia forma di improvvisazione collettiva è ricomparsa nel free jazz. È diventato caratteristico del free jazz lavorare con una "forma aperta" che non è legata a strutture specifiche. Questo approccio ha cominciato ad apparire tra i musicisti che non sono puramente free jazz - come, ad esempio, le improvvisazioni spontanee di Keith Jarrett nei suoi concerti da solista.

Il rifiuto del "new jazz" dalle norme musicali europee ha portato a un enorme interesse per le culture extraeuropee, principalmente quelle orientali. John Coltrane era molto serio riguardo alla musica indiana, Don Cherry - indonesiano e cinese, Farow Sanders - arabo. Inoltre, questo orientamento non è superficiale, decorativo, ma molto profondo, con il desiderio di comprendere e assorbire l'intero carattere non solo della musica corrispondente, ma anche del suo ambiente estetico e spirituale.

Gli idiomi del free jazz sono spesso diventati parte integrante della musica polistilistica. Una delle manifestazioni più sorprendenti di questo approccio è il lavoro di un gruppo di musicisti neri di Chicago che ha iniziato a esibirsi negli anni '60 sotto gli auspici dell'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Successivamente, questi musicisti (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) hanno creato il "Chicago Art Ensemble", che predicava una varietà di stili, dagli incantesimi rituali africani e gospel al free jazz. L'altro lato dello stesso processo appare nel lavoro del clarinettista e sassofonista Anthony Braxton, strettamente associato al "Chicago Art Ensemble". La sua musica è sia libera che intellettuale. A volte Braxton usa principi matematici per le sue composizioni, come la teoria dei gruppi, ma questo non riduce l'impatto emotivo della sua musica. Le controversie sulla possibilità di musica di questo tipo non si placano fino ad oggi. Così, l'autorità ufficiale dell'establishment jazz americano, Wynton Marsalis, definisce con disprezzo Braxton un "buon giocatore di scacchi", mentre allo stesso tempo, nei sondaggi dell'American Association of Jazz Journalists, Marsalis prende la riga successiva a Braxton nel nomina di compositori jazz.

Va notato che all'inizio degli anni '70, l'interesse per il free jazz iniziò a catturare i musicisti creativi d'Europa, che spesso combinavano i suoi principi di "libertà" con gli sviluppi della pratica musicale europea del 20 ° secolo: atonalità, tecnica seriale , aleatorio, sonoristico, ecc. D'altra parte, d'altra parte, alcuni leader del free jazz si stanno allontanando dal radicalismo estremo e, negli anni '80, si stanno muovendo verso alcune versioni di musica di compromesso, anche se originali. Tra loro ci sono Ornette Coleman con il progetto Prime Time, Archie Shepp e altri.

6. Sviluppo della fusione: jazz-rock. Fusione. ECM. jazz mondiale

La definizione originale di "jazz rock" era la più chiara: combinare l'improvvisazione jazz con l'energia e i ritmi della musica rock. Fino al 1967, i mondi del jazz e del rock esistevano quasi separatamente. Ma a questo punto, il rock diventa più creativo e più complesso, appare il rock psichedelico, la musica soul. Allo stesso tempo, alcuni musicisti jazz si annoiavano del puro hardbop, ma non volevano nemmeno suonare musica d'avanguardia difficile da percepire. Di conseguenza, i due diversi idiomi iniziarono a scambiarsi idee e unire le forze. A partire dal 1967, il chitarrista Larry Coryell, il vibrafonista Gary Burton, nel 1969 il batterista Billy Cobham con il gruppo "Dreams", che suonava i Brecker Brothers (Brecker Brothers), iniziarono a padroneggiare nuove distese di stile. Alla fine degli anni '60, Miles Davis aveva il potenziale per passare al jazz-rock. È stato uno dei creatori del jazz modale, sulla base del quale, utilizzando il ritmo 8/8 e strumenti elettronici, Miles fa un nuovo passo registrando gli album "Bitches Brew", "In a Silent Way". Insieme a lui in questo momento c'è una brillante galassia di musicisti, molti dei quali in seguito diventano le figure fondamentali di questa direzione: John McLaughlin (John McLaughlin), Joe Zawinul (Joe Zawinul), Herbie Hancock. L'ascetismo, la concisione e la contemplazione filosofica caratteristici di Davis si sono rivelati i benvenuti nel nuovo stile. All'inizio degli anni '70, il jazz-rock aveva una propria identità distinta come stile jazz creativo, sebbene deriso da molti puristi del jazz. I gruppi principali della nuova direzione erano "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", vari ensemble di Miles Davis. Hanno suonato jazz-rock di alta qualità, che combinava un'enorme serie di tecniche sia del jazz che del rock.

Fusione

Le composizioni più interessanti di jazz-rock sono caratterizzate dall'improvvisazione, combinata con soluzioni compositive, l'uso di principi armonici e ritmici della musica rock, l'incarnazione attiva della melodia e del ritmo dell'est, la potente introduzione di mezzi elettronici di elaborazione e sintetizzare il suono in musica. In questo stile si è ampliato il raggio di applicazione dei principi modali, si è ampliato l'insieme di varie modalità, comprese quelle esotiche. Negli anni '70, il jazz-rock divenne incredibilmente popolare, vi entrarono le forze musicali più attive. Più sviluppato in relazione alla sintesi di vari mezzi musicali, il jazz-rock era chiamato "fusion" (lega, fusione). Un ulteriore impulso alla "fusione" è stato un altro (non il primo nella storia del jazz) cenno alla musica accademica europea. In effetti, in questa fase, la fusione continua la linea della "terza corrente" degli anni '50.

La combinazione di varie influenze culturali è evidente anche nelle composizioni degli ensemble più interessanti. Un esempio notevole è il "Weather Report", diretto dal primo tastierista austriaco americanizzato Joseph Zawinul e dal sassofonista americano Wayne Shorter, ognuno dei quali tempo diverso Ha frequentato la Miles Davis School. L'ensemble ha unito musicisti provenienti da Brasile, Cecoslovacchia, Perù. In futuro, strumentisti e cantanti di quasi tutto il mondo iniziarono a collaborare con Zawinul. Nel successore di "Weather Report", il progetto "Syndicat", la geografia dei musicisti si estende da Tuva al Sud America.

Purtroppo, nel tempo, il jazz-rock acquisisce in larga misura le caratteristiche della musica commerciale, d'altra parte, il rock stesso rifiuta molte delle scoperte creative fatte a metà degli anni '70. In molti casi, la fusione diventa effettivamente una combinazione di jazz con pop regolare e ritmo leggero e blues; incrocio. Le ambizioni di profondità musicale e potenziamento della musica fusion rimangono insoddisfatte, sebbene la ricerca continui in rare occasioni, come in band come "Tribal Tech" e gli ensemble di Chick Corea.

jazz elettrico

L'uso di convertitori di suoni elettronici e sintetizzatori si è rivelato estremamente attraente per i musicisti che sono principalmente al confine con la musica rock o commerciale. In effetti, ci sono relativamente pochi esempi fruttuosi nella massa generale della musica elettrica. Così, ad esempio, Joe Zawinul nel progetto "Weather Report" ha ottenuto una fusione molto efficace di elementi etnici e tonali. Herbie Hancock per lungo tempo diventa un idolo non tanto del pubblico quanto dei musicisti, utilizzando sintetizzatori, numerose tastiere e vari tipi di trucchi elettronici negli anni '70 e '80. Negli anni '90 quest'area della musica si sta spostando sempre più nella sfera non jazz. Ciò è facilitato dal potenziamento creazione informatica musica che, con certi meriti e opportunità, perde il contatto con la principale qualità del jazz: l'improvvisazione.

Una nicchia separata nella comunità degli stili jazz dall'inizio degli anni '70 è stata occupata dalla società tedesca ECM (Edition of Contemporary Music - Casa editrice musica contemporanea), che divenne gradualmente il centro di un'associazione di musicisti che professavano non tanto un attaccamento all'origine afroamericana del jazz quanto la capacità di risolvere un'ampia varietà di compiti artistici, non limitandosi a un certo stile, ma in linea con il processo di improvvisazione creativa. Nel tempo, tuttavia, si è sviluppato un certo volto dell'azienda, che ha portato alla separazione degli artisti di questa etichetta in una direzione stilistica ampia e pronunciata. L'orientamento del fondatore dell'etichetta Manfred Eicher (Manfred Eicher) a combinare vari idiomi jazz, folklore mondiale e nuova musica accademica in un unico suono impressionistico ha permesso di rivendicare la profondità e la comprensione filosofica dei valori della vita usando questi mezzi.

Lo studio di registrazione principale dell'azienda con sede a Oslo è ovviamente correlato al ruolo di primo piano nel catalogo dei musicisti scandinavi. Prima di tutto, questi sono i norvegesi Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. Tuttavia, la geografia dell'ECM copre il mondo intero. Ecco gli europei John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin e rappresentanti di culture extraeuropee Egberto Gismonti , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e tanti altri. La legione americana non è meno rappresentativa: Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Dewey Redman (Redman Dewey), Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie, Leo Smith. L'iniziale slancio rivoluzionario delle pubblicazioni della compagnia si è trasformato nel tempo in un suono meditativamente distaccato. forme aperte con strati sonori accuratamente levigati. Aicher ha naturalmente attraversato quella linea invisibile che separava numerosi tentativi di combinare il jazz e la musica accademica europea. Questa non è più una terza tendenza, ma solo un flusso che scorre dolcemente nella "Nuova Serie" di ECM con musica accademica, molto vicina nello spirito alle uscite jazz. La direzione della politica dell'etichetta al di fuori dei confini della cultura popolare, tuttavia, ha portato a un aumento della popolarità di questo genere musicale, che può essere visto come una sorta di paradosso. Alcuni aderenti al mainstream negano il percorso scelto dai musicisti di questa direzione; tuttavia, il jazz, come cultura mondiale, si sviluppa nonostante queste obiezioni e dà risultati davvero impressionanti.

jazz mondiale

"Jazz mondiale" (World Jazz) è uno strano termine russo che si riferisce alla fusione della musica del terzo mondo, o "World Music", con il jazz. Questa direzione molto ramificata può essere suddivisa in diversi tipi.

Musica etnica, che includeva improvvisazioni jazz, come il jazz latino. In questo caso, a volte viene improvvisato solo l'assolo. L'accompagnamento e la composizione sono essenzialmente gli stessi della stessa musica etnica;

Jazz, che includeva aspetti limitati della musica non occidentale. Ne sono un esempio le vecchie registrazioni di "Night in Tunisia" di Dizzy Gillespie, la musica di alcuni LP di quartetto e quintetto di Keith Jarrett pubblicati negli anni '70 dall'etichetta Impulse!, utilizzando strumenti mediorientali in qualche modo alterati e tecniche armoniche simili. Ciò include parte della musica di Sun Ra dagli anni '50 agli anni '90 che incorpora ritmi africani, alcune delle registrazioni di Yusef Lateef che utilizzano strumenti e tecniche tradizionali islamiche;

Nuovi stili musicali che emergono dai modi organici di combinare l'improvvisazione jazz con idee e strumenti originali, armonie, tecniche di composizione e ritmi di una tradizione etnica esistente. Il risultato è originale e riflette chiaramente gli aspetti essenziali dell'etnia. Esempi di questo approccio sono numerosi e includono gli ensemble Don Cherry, Codona e Nu; parte della musica di John McLaughlin dagli anni '70 agli anni '90, basata sulle tradizioni dell'India; parte della musica di Don Ellis degli anni '70, che ha preso in prestito idee dalla musica dell'India e della Bulgaria; il lavoro di Andy Narell negli anni '90, che ha mescolato la musica e gli strumenti di Trinidad con improvvisazioni di jazz e funk.

"World Fusion Jazz" non è la prima volta che questa strada viene intrapresa nella storia del jazz, e la tendenza in sé non è esclusiva del jazz americano. Ad esempio, la musica polinesiana è stata mescolata con stili pop occidentali all'inizio del XX secolo e il suo suono è emerso da alcuni dei primi musicisti jazz. caraibico ritmi di danzaè diventato una parte significativa della cultura pop americana per tutto il ventesimo secolo e poiché i musicisti jazz spesso improvvisavano su temi pop, si sono mescolati quasi continuamente. Django Reinhardt ha combinato le tradizioni della musica gitana, l'impressionismo francese con l'improvvisazione jazz negli anni '30 in Francia. L'elenco dei musicisti attivi nella zona di confine può comprendere centinaia e migliaia di nomi. Tra questi, ad esempio, persone così diverse come Al DiMeola (Al DiMeola), il gruppo "Dead Can Dance", Joe Zawinul, il gruppo "Shakti", Lakshminarayana Shankar (Lakshminarayana Shankar), Paul Winter (Paul Winter), Trilok Gurtu e molti altri.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

Il funk moderno si riferisce agli stili jazz popolari degli anni '70 e '80, in cui gli accompagnatori suonano nello stile del black pop soul e della musica funk, mentre le estese improvvisazioni soliste sono di natura più creativa e jazz. Invece di utilizzare il ricco e accumulato set di idiomi jazz dall'arsenale dei sassofonisti jazz moderni (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), la maggior parte dei sassofonisti di questo stile usa il proprio set di frasi semplici, che consistono in grida blues e gemiti. Si basano su una tradizione riportata dagli assoli di sassofono nelle registrazioni vocali R&B come King Curtis on the Coastrs, Junior Walker con gruppi vocali Motown, David Sanborn Sanborn) con "Blues Band" di Paul Butterfield (Paul Butterfield). Una figura di spicco nel genere è Grover Washington, Jr., che spesso suonava assoli in stile Hank Crawford con accompagnamento funk. È così che appare nelle sue registrazioni più famose, sebbene Washington sia in grado di suonare musica in altri stili di jazz. I membri dei The Jazz Crusaders, Felder Wilton e Joe Sample hanno raggiunto una popolarità diffusa cambiando il loro repertorio durante gli anni '70 e rimuovendo la parola "jazz" dal nome della band. Gran parte della musica di Michael Brecker, Tom Scott e dei loro studenti adotta questo approccio, anche se potrebbero anche suonare negli stili di John Coltrane o Joe Henderson. Anche "Najee", Richard Elliott (Richard Elliott) e i loro contemporanei lavorano nello stile del "funk moderno". Tra il 1971 e il 1992, Miles Davis guidò ensemble suonando una complessa varietà di questo stile, sebbene i sassofonisti nelle sue band fossero influenzati da John Coltrane, ei suoi chitarristi mostrassero il pensiero del jazz moderno insieme alle influenze di Jimy Hendrix. Molto funk moderno può anche essere classificato come "crossover".

jazz acido

Molti considerano le ultime composizioni di Miles Davis l'antenato di questa direzione. Il termine "acid jazz" ("acid jazz") è stato assegnato a uno dei tipi di musica jazz leggera, principalmente un genere dance, accomunato dal fatto che è in parte suonato da musicisti "dal vivo", e il resto è preso sia in forma campionata che in forma di suoni, per i quali si ottengono utilizzando dischi, il più delle volte vecchi, gazze in vinile, che vengono prodotti per le discoteche. Il risultato musicale può essere di qualsiasi stile, tuttavia, con un suono modificato. Più preferibile per questi scopi è il radicale "punk-jazz", "soul", "fusion". L'acid jazz ha anche un'ala d'avanguardia più radicale, come il lavoro del chitarrista britannico Derek Bailey. Tuttavia, si differenzia dalla versione disco dell'acid jazz per il contributo significativo dell'esecuzione "dal vivo" dei musicisti. Apparentemente, questa direzione ha un futuro che le consente di svilupparsi.

Incrocio

Con il graduale declino dell'attività della musica rock (da un punto di vista artistico) dall'inizio degli anni '70, con la diminuzione del flusso di idee dal mondo del rock, la musica fusion (che combina l'improvvisazione jazz con i ritmi rock) è diventata più semplice. Allo stesso tempo, molti iniziarono a rendersi conto che il jazz elettrico poteva diventare più commerciale, i produttori e alcuni musicisti iniziarono a cercare tali combinazioni di stili per aumentare le vendite. Sono davvero riusciti a creare un tipo di jazz più accessibile all'ascoltatore medio. Negli ultimi due decenni sono emerse molte combinazioni diverse, per le quali promotori e pubblicisti amano usare l'espressione " Jazz contemporaneo", usato per descrivere le "fusioni" del jazz con elementi di musica pop, rhythm and blues e "world music". Tuttavia, la parola "crossover" è più precisa nel descrivere l'essenza della questione. Crossover e fusion hanno raggiunto il loro obiettivo e ha aumentato il pubblico del jazz, soprattutto per coloro che sono stufi di altri stili. In alcuni casi, questa musica merita attenzione, anche se nella maggior parte dei casi il contenuto jazz in essa contenuto è ridotto a zero. Per uno stile che è, in infatti, musica pop con un leggero intermezzo di improvvisazione, che porta la musica oltre il jazz, "pop strumentale" è il termine più adatto. Esempi di stile crossover vanno dalle registrazioni vocali di Al Jarreau e George Benson a Kenny G, Spyro Gyra e i Rippingtons . c'è influenza jazz, ma, tuttavia, questa musica si inserisce nel campo della pop art, che è rappresentata da Gerald Albright (Gerald Albright), David Benoit (David Benoit), Michael Brecker, Randy Brecker (Randy Brecker), "The Crusaders", George Duke, il sassofonista Bill Evans, Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione, Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Liscio

"Smooth jazz" (smooth jazz) è un prodotto dello stile fusion, che enfatizza il lato morbido e morbido della musica. In generale, lo "smooth jazz" si basa maggiormente su ritmi e linee melodiche invece che sull'improvvisazione. Utilizza strati sonori di sintetizzatore, ritmi funk, basso funk, linee elastiche di chitarra e tromba, sassofono contralto o soprano. La musica non è intellettuale come l'hard bop, ma non è neanche eccessivamente energica come il funk o il soul jazz. Le composizioni "Smooth jazz" sembrano semplicistiche, superficiali e raffinate, e il suono complessivo lo è maggior valore rispetto alle singole parti. Rappresentanti caratteristici dello stile "liscio" sono George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Il jazz è un tipo speciale di musica che combina musica americana dei secoli precedenti, ritmi africani, canzoni secolari, di lavoro e rituali. I fan di questo tipo di direzione musicale possono scaricare i loro brani preferiti utilizzando il sito http://vkdj.org/.

Caratteristiche Jazz

Il jazz si distingue per alcune caratteristiche:

• ritmo;
• improvvisazione;
• poliritmo.

Ha ricevuto la sua armonia come risultato dell'influenza europea. Il jazz si basa su un ritmo particolare di origine africana. Questo stile copre le direzioni strumentali e vocali. Il jazz esiste attraverso l'uso di strumenti musicali, che sono di secondaria importanza nella musica ordinaria. I musicisti jazz devono avere la capacità di improvvisare in solista e orchestra.

Tratti caratteristici della musica jazz

Il segno principale del jazz è la libertà del ritmo, che risveglia negli esecutori un senso di leggerezza, rilassamento, libertà e continuo movimento in avanti. Come nelle opere classiche, questo tipo di musica ha le sue dimensioni, il suo ritmo, che si chiama swing. Per questa direzione, la pulsazione costante è molto importante.

Il jazz ha il suo repertorio caratteristico e forme insolite. I principali sono il blues e la ballata, che servono come una sorta di base per tutti i tipi di versioni musicali.

Questa direzione della musica è la creatività di chi la esegue. È la specificità e l'originalità del musicista che ne costituisce la base. Non è possibile apprenderlo solo dalle note. Questo genere dipende interamente dalla creatività e dall'ispirazione dell'esecutore al momento del gioco, che mette le sue emozioni e la sua anima nel lavoro.

Le caratteristiche principali di questa musica includono:

• armonia;
• melodiosità;
• ritmo.

Grazie all'improvvisazione, ogni volta viene creato un nuovo lavoro. Mai nella vita due brani eseguiti da musicisti diversi suoneranno allo stesso modo. Altrimenti le orchestre cercheranno di copiarsi a vicenda.

Questo stile moderno ha molte caratteristiche della musica africana. Uno di questi è che ogni strumento può fungere da strumento a percussione. Quando si eseguono composizioni jazz, vengono utilizzati noti toni colloquiali. Un'altra caratteristica presa in prestito è che il suono degli strumenti copia la conversazione. Questo tipo di arte musicale professionale, che cambia notevolmente nel tempo, non ha confini rigidi. È completamente aperto all'influenza degli artisti.

Il jazz è prima di tutto improvvisazione, vita, parole, evoluzione. Il vero jazz vive sul Mississippi, uscito dalle mani di un pianista in un bar di Storyville, o da un gruppo di musicisti che suonano in un posto tranquillo alla periferia di Chicago.

Luogo di nascita reale

La storia del jazz è una delle storie più originali della musica. I suoi caratteri e stili, i suoi tratti di forte personalità, sono estremamente attraenti, anche se alcune delle tendenze richiedono una maggiore prontezza da parte degli ascoltatori. Come disse una volta il bandleader statunitense John Philip Sousa, il jazz dovrebbe essere ascoltato con i piedi, non con la testa, ma questo accadeva negli anni '30, con gruppi jazz di New Orleans - Buddy Bolden - o uomini della Austin High nei bar illegali di Chicago. Hanno suonato musica per ballare.

Tuttavia, a partire dagli anni '40, il pubblico iniziò ad ascoltare il jazz con la testa invece che con i piedi. Appaiono nuove forme di suono - cercando di attrarre l'ascoltatore con intelletto, fresco, libero - rimangono un po 'in disparte Nonostante le cattive dichiarazioni e gli attacchi di Souza, il pubblico percepisce il jazz con ancora maggiore entusiasmo. Qual è il segreto della sua grande vitalità?

Se parliamo di jazz, come - di musica afroamericana - allora non c'è molto da dire.
Questa è una delle forme di espressione spontanea individuale che si crea al momento. Sono l'improvvisazione, la libertà, i canti di protesta e di emarginazione. Le radici del jazz dovrebbero essere considerate schiavitù nera negli stati del Sud, Nord America - quando si lavora nelle piantagioni di cotone, qui sono germogliati i primi semi e germogli, qui sono state deposte le prime melodie e melodie dell'ultimo genere popolare nella storia della musica occidentale. Una sorta di espressione urbana che cominciò a rivivere nei caffè neri di New Orleans tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento.

Secondo le statistiche, il mercato degli schiavi africani era di circa 15 milioni. uomini, donne e bambini venduti in diverse parti del mondo. La maggior parte di queste persone è finita in America. Le piantagioni di cotone e i campi di tabacco richiedevano molto lavoro. Il nero africano era forte e lavorava per poco salari, cibo e riparo. Inoltre, non avevano altro che il ricordo degli indimenticabili canti e balli della loro nativa Africa. Pertanto, la musica è centrale nella vita di uno schiavo, aiutando a superare tutte le difficoltà e le sofferenze della schiavitù. Questo è il bagaglio principale del ritmo e della melodia degli schiavi.

I neri africani, con grande religiosità, accettarono facilmente il cristianesimo. Ma, essendo abituati a iniziare i loro riti religiosi con canti e balli, iniziarono presto a introdurre applausi e movimenti ritmici nelle loro riunioni e cerimonie nei campi del sud. Le voci delle persone dalla pelle scura avevano un timbro molto particolare, il canto delle melodie ti faceva davvero commuovere. Le comunità religiose protestanti nere hanno creato i propri inni che invitano alla sfida.

A questi temi sono stati aggiunti canti sul lavoro, preghiere e suppliche. Perché? Sì, perché lo schiavo si è reso conto che è molto più facile per lui lavorare cantando.
La semplicità di queste frasi è probabilmente dovuta alla loro scarsa conoscenza della lingua dei coloni e si è sviluppata in vigorosa poesia e tenerezza. Secondo Jean Cocteau, la strofa blues è l'ultima apparizione della poesia automaticamente popolare, e il blues come genere è solitamente jazz.

Stati Uniti, in cerca di cultura.

Il jazz per gli USA è uno dei suoi migliori biglietti da visita, e tutti gli storici della musica concordano sul loro contributo più significativo alla cultura mondiale.

Questo processo di identità culturale è relativamente breve. Iniziò la fase successiva: l'indipendenza delle colonie. Ma... quello che avevano per crearli eredità culturale? Da un lato, l'eredità europea dei popoli indigeni: i discendenti di vecchi coloni, immigrati recenti, dall'altro, un cittadino nero americano, dopo tanta schiavitù. E dove c'è uno schiavo, c'è la musica, da cui si deduce che la musica negra era in una certa misura più popolare, almeno nel sud.

Tutela e riconoscimento ufficiale.

I governanti si resero conto che si trattava di un nuovo fenomeno musicale. Nel frattempo, il Dipartimento di Stato ha preso il controllo e persino organizzato le tournée internazionali dei "jazzmen" americani. Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots e altri hanno mostrato lo stile in tutto il mondo. Eseguito davanti a re e regine, Louis Armstrong fu ricevuto dal Papa in Vaticano, Benny Goodman e la sua orchestra andarono in tournée in Russia durante l'estate del 1962. L'applauso è stato assordante, anche Nikita Khrushchev ha fatto una standing ovation.
Naturalmente il blues si è evoluto, creando così un proprio linguaggio: il Jazz. Cos'è una lingua del genere? L'uso di persistenza ritmica, timbri strumentali insoliti, complesse improvvisazioni solistiche difficili da trovare in altri tipi di musica, questo è il linguaggio del jazz, la sua anima. Tutto è permeato dalla parola magica: swing. Come disse Duke Ellingtong - "Lo swing è qualcosa che va oltre la sua stessa interpretazione, non esiste nel testo musicale, appare solo nella costante esecuzione.
In effetti, il jazz era ed è uno dei modi più comuni di intendere la musica nera americana. Musica che esprime amore e tristezza, descrive la vita degli eroi, l'amarezza e la delusione di ogni giorno. Il primo jazz era una sorta di valvola emotiva della delusione, un uomo di colore in un mondo di bianchi.

La gioia della vita di New Orleans

Il nome - New Orleans - è una chiave magica che ci aiuta a trovare, riconoscere e amare il jazz. In questa città, costruita e abitata principalmente da immigrati francesi e spagnoli, l'atmosfera era diversa da quella degli altri stati (stati). Il livello culturale era più alto - molti dei suoi abitanti erano aristocratici, più borghesi del vecchio continente - guadagni più alti e, naturalmente, buoni ristoranti e belle case. Tutto ciò che è stato portato dalla vecchia Europa: mobili delicati, cristalli, argenti, libri, spartiti e vari strumenti per rallegrare le calde serate primaverili, chiavi, violini, flauti, ecc. tutto è finito prima a New Orleans. La città era circondata da alte mura per respingere l'attacco degli indiani, la città era difesa da una guarnigione di soldati francesi, che, ovviamente, avevano la loro orchestra per eseguire marce militari. Grazie a queste coincidenze, New Orleans è diventata più allegra e sicura di sé.
Era considerata una città tollerante sotto ogni aspetto, compreso il suo rapporto con i neri.
La guerra civile ha portato grandi cambiamenti nel paese. La schiavitù fu abolita per i neri, iniziarono a trasferirsi nelle città per lavorare, e con loro la musica.

A New Orleans, gli ex schiavi potevano finalmente acquistare ciò che vedevano nei negozi di dischi. Prima di allora, loro stessi costruivano i propri strumenti con zucche, ossa, grattugie, ciotole di metallo. Ora, oltre ai banjo e alle armoniche, potevano acquistare tromboni, corni, clarinetti e tamburi. Il problema era che gli ex schiavi non avevano idea degli spartiti, del solfeggio, delle note, non conoscevano nessuna tecnica musicale, sentivano solo la musica e sapevano improvvisare.

Il problema dell'ignoranza è stato risolto con difficoltà. Ma hanno capito che devi suonare oltre che cantare, quello strumento musicale dovrebbe essere una continuazione della voce E l'allenamento è iniziato.
Se per le strade passava una banda militare, i negri erano sempre in prima fila e ascoltavano attenti: in chiesa non mancava una sola strofa di musica sacra. A poco a poco mescolarono alcuni battiti di mani e aggiunsero alcune battute di battimani (ascoltando il piede), iniziarono a introdurre il loro passato (schiavitù) nel blues, così cominciò a far rivivere una nuova musica, fatta con il cuore e molto poetica.

L'uso di questa musica era usato dai neri ai funerali, essendo la classe più bassa della società, organizzazioni di beneficenza o le compagnie non erano molto favorevoli alla pace economica degli ex schiavi nella vita pubblica, ma quando si trattava di morte, davano delle somme di denaro.Così, i parenti organizzarono un magnifico funerale, che fu accompagnato da un gruppo di musicisti e supporto multiplo da familiari, amici e vicini. In un lungo corteo si è diffusa al cimitero una musica lenta e mesta. Al ritorno, il tema è cambiato e si è suonata musica veloce, o meglio improvvisazioni jazz. Perché l'opinione generale era che il defunto fosse in paradiso, e dovrebbero gioire con Lui. Inoltre, a causa della mancanza di relax dopo lunghi sospiri ed emozioni, l'ambiente ha sempre richiesto ai musicisti che la parte finale delle cerimonie fosse sempre divertente.
Gli esperti ritengono quindi che al funerale dei neri abbiano iniziato a suonare jazz.

Per decenni hanno cercato di vietare, mettere a tacere e ignorare il jazz, hanno provato a combatterlo, ma il potere della musica si è rivelato più forte di tutti i dogmi. A XXI secolo il jazz ha raggiunto uno dei punti più alti il suo sviluppo e non intende rallentare.

In tutto il mondo il 1917 fu per molti aspetti un punto di svolta epocale. Nell'impero russo sono in corso due rivoluzioni, Woodrow Wilson viene rieletto per un secondo mandato negli Stati Uniti e il microbiologo Felix d'Herelle annuncia la scoperta di un batteriofago. Tuttavia, quest'anno si è verificato un evento che rimarrà anche per sempre negli annali della storia. Il 30 gennaio 1917, il primo disco jazz fu registrato nello studio di Victor a New York. Questi erano due brani - "Livery Stable Blues" e "Dixie Jazz Band one Step" - eseguiti dalla Original Dixieland Jazz Band, un ensemble di musicisti bianchi. Il più anziano dei musicisti, il trombettista Nick LaRocca, aveva 28 anni, il più giovane, il batterista Tony Sbarbaro, aveva 20 anni. I nativi di New Orleans, ovviamente, ascoltavano la "musica nera", l'amavano e volevano appassionatamente suonare il jazz della loro stessa performance. Abbastanza rapidamente dopo aver registrato il disco, la Original Dixieland Jazz Band ha ottenuto un contratto in ristoranti prestigiosi e costosi.

Come erano i primi dischi jazz? Un disco grammofonico è un disco sottile realizzato premendo o stampando plastica di varie composizioni, sulla cui superficie è scolpita a spirale una speciale scanalatura con registrazione del suono. Il suono del disco è stato riprodotto mediante speciali dispositivi tecnici: un grammofono, un grammofono, un elettrofono. Questo metodo di registrazione del suono era l'unico modo per "perpetuare" il jazz, poiché è quasi impossibile trasmettere con precisione tutti i dettagli dell'improvvisazione musicale nella notazione musicale. Per questo motivo, gli esperti di musica nel corso della discussione di vari brani jazz, prima di tutto, fanno riferimento al numero del disco su cui è stato registrato questo o quel brano.

Cinque anni dopo il debutto dell'originale Dixieland Jazz Band, i musicisti neri iniziarono a registrare in studio. Tra i primi ad essere registrati c'erano gli ensemble di Joe King Oliver e Jelly Roll Morton. Tuttavia, tutte le registrazioni di jazzisti neri furono pubblicate negli Stati Uniti come parte di una speciale "serie razziale" che fu distribuita in quegli anni solo tra la popolazione nera americana. I dischi, pubblicati nella "serie razziale", esistevano fino agli anni '40 del XX secolo. Oltre al jazz, hanno registrato anche blues e spiritual, le canzoni corali spirituali degli afroamericani.

I primi dischi jazz avevano un diametro di 25 cm a 78 giri e venivano registrati acusticamente. Tuttavia, dalla metà degli anni '20 Nel 20° secolo, la registrazione è stata effettuata elettromeccanicamente e questo ha contribuito ad aumentare la qualità del suono. Seguì l'uscita di dischi con un diametro di 30 cm negli anni '40. tali dischi sono stati prodotti in serie da un certo numero di etichette discografiche che hanno deciso di pubblicare sia vecchie che nuove composizioni eseguite da Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge e molti altri.

Tali dischi fonografici avevano un'etichetta speciale - "V-disc" (abbreviazione di "Victory disc") ed erano destinati ai soldati americani che parteciparono alla seconda guerra mondiale. Queste pubblicazioni non erano destinate alla vendita e, di regola, i jazzisti trasferivano tutte le loro tasse al Fondo della vittoria durante la seconda guerra mondiale.

Già nel 1948 la Columbia records lanciava sul mercato discografico il primo disco di lunga durata (il cosiddetto "longplay", LP) con un arrangiamento più denso di groove sonori. Il disco aveva un diametro di 25 cm e ruotava a 33 1/3 giri al minuto. L'LP conteneva già ben 10 ascolti.

Dopo la Columbia, la produzione delle loro lunghe opere teatrali nel 1949 fu stabilita dai rappresentanti della RCA Victor. I loro dischi avevano un diametro di 17,5 cm con una velocità di rotazione di 45 giri al minuto, e in seguito iniziarono a essere prodotti dischi simili già con una velocità di rotazione di 33 giri e 1/3 al minuto. Nel 1956 iniziò l'uscita di LP con un diametro di 30 cm, 12 pezzi furono posizionati su due lati di tali dischi e il tempo di riproduzione aumentò a 50 minuti. Due anni dopo, i dischi stereo con registrazione a due canali iniziarono a sostituire le controparti monofoniche. I produttori hanno anche cercato di spingere i dischi a 16 giri nel mercato della musica, ma questi tentativi si sono conclusi con un fallimento.

Successivamente, per molti anni, l'innovazione nella produzione di dischi si è prosciugata, ma già alla fine degli anni '60. agli amanti della musica furono presentati dischi quadrifonici con un sistema di registrazione a quattro canali.

La produzione di LP ha dato un enorme salto al jazz come musica e ha servito lo sviluppo di questa musica, in particolare l'emergere di forme più ampie di composizione. Per molti anni, la durata di una riproduzione non superava i tre minuti: queste erano le condizioni per la registrazione del suono su un normale grammofono. Allo stesso tempo, anche con lo sviluppo dei progressi nell'uscita dei dischi, la durata dei brani jazz non è aumentata immediatamente: negli anni '50. Gli LP sono stati realizzati principalmente sulla base delle matrici delle pubblicazioni degli anni precedenti. Più o meno nello stesso periodo, furono pubblicati dischi con registrazioni di Scott Joplin e altri famosi artisti di ragtime, che furono registrati tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. su cilindri forati di cartone per pianoforte meccanico, nonché su cilindri di cera per grammofono.

Nel corso del tempo, i dischi di lunga durata iniziarono ad essere utilizzati per registrare opere di una forma più ampia e concerti dal vivo. Si è diffusa anche l'uscita di album da due o tre dischi, o speciali antologie e discografie di uno o di un altro artista.

Ma per quanto riguarda il jazz stesso? Per molti anni è stata considerata "la musica di una razza inferiore". Negli Stati Uniti era considerata la musica dei neri, indegna dell'alta società americana, nella Germania nazista suonare e ascoltare il jazz significava essere "un direttore della cacofonia negro-ebraica", e in URSS - "apologeta della borghesia stile di vita" e "agente dell'imperialismo mondiale".

Una caratteristica del jazz è che questa musica si è fatta strada verso il successo e il riconoscimento per decenni. Se i musicisti di tutti gli altri stili potessero fin dall'inizio della loro carriera sforzarsi di suonare nei luoghi e negli stadi più grandi, e c'erano molti esempi per loro, allora i jazzisti potevano contare solo sul suonare in ristoranti e club, senza nemmeno sognare grandi locali .

Il jazz come stile è nato più di un secolo fa nelle piantagioni di cotone. Era lì che i lavoratori neri cantavano le loro canzoni, fuse da canti protestanti, inni corali spirituali africani "spirituals" e canzoni laiche e peccaminose, quasi "criminali" - blues, diffuse nei ristoranti sporchi lungo la strada, dove il piede di un bianco L'americano non farebbe un passo. Il coronamento di questo "cocktail" sono state le bande di ottoni, che suonavano come se bambini afroamericani scalzi raccogliessero strumenti dismessi e iniziassero a suonare ogni sorta di cose.

Gli anni '20 del XX secolo divennero la "Jazz Age" - così li chiamava lo scrittore Francis Scott Fitzgerald. La maggior parte dei lavoratori neri era concentrata nella capitale criminale degli Stati Uniti di quegli anni: Kansas City. La diffusione del jazz in questa città fu facilitata da un gran numero di ristoranti e trattorie dove i mafiosi amavano trascorrere il loro tempo. La città ha creato uno stile particolare, lo stile delle big band che suonano un blues veloce. In questi anni nasce a Kansas City un ragazzo di colore di nome Charlie Parker: sarà lui, più di due decenni dopo, a diventare un riformatore del jazz. A Kansas City, ha attraversato i luoghi in cui si tenevano i concerti e ha letteralmente assorbito frammenti della musica che amava.

Nonostante la grande popolarità del jazz a New Orleans e la sua ampia diffusione a Kansas City, un gran numero di jazzisti preferiva ancora Chicago e New York. Due città sulla costa orientale degli Stati Uniti sono diventate i più importanti punti di concentrazione e sviluppo del jazz. La star di entrambe le città era il giovane trombettista e cantante Louis Armstrong, successore del più grande trombettista di New Orleans, King Oliver. Nel 1924 arrivò a Chicago un altro nativo di New Orleans: la pianista e cantante Jelly Roll Morton. Il giovane musicista non era modesto e dichiarò coraggiosamente a tutti di essere il creatore del jazz. E già all'età di 28 anni si trasferì a New York, dove proprio in quel periodo stava guadagnando popolarità l'orchestra del giovane pianista di Washington Duke Ellington, che stava già spiazzando l'orchestra Fletcher Henderson dai raggi di gloria.

Un'ondata di popolarità della "musica nera" irrompe in Europa. E se il jazz si ascoltava a Parigi anche prima dell'inizio della prima guerra mondiale, e non nelle "taverne", ma nei salotti aristocratici e nelle sale da concerto, negli anni '20 Londra si arrese. I jazzisti neri adoravano viaggiare nella capitale britannica, soprattutto tenendo conto del fatto che lì, a differenza degli Stati Uniti, venivano trattati con rispetto e umanità e dietro le quinte, e non solo su di essa.

È interessante notare che il poeta, traduttore, ballerino e coreografo Valentin Parnakh divenne l'organizzatore del primo concerto jazz a Mosca nel 1922 e 6 anni dopo la popolarità di questa musica raggiunse San Pietroburgo.

L'inizio degli anni '30 fu segnato da nuova era- l'era delle big band, delle grandi orchestre e un nuovo stile ha cominciato a risuonare sulle piste da ballo: lo swing. L'orchestra di Duke Ellinton è stata in grado di superare in popolarità i colleghi dell'orchestra di Fletcher Henderson con l'aiuto di mosse musicali non standard. Improvvisazione simultanea collettiva che è diventata un marchio di fabbrica Scuola di New Orleans il jazz, sta diventando un ricordo del passato, e invece stanno guadagnando popolarità spartiti complessi, frasi ritmiche con ripetizioni e appelli di gruppi orchestrali. Nell'ambito dell'orchestra sta aumentando il ruolo dell'arrangiatore, che scrive orchestrazioni che sono diventate la chiave del successo dell'intero team. Allo stesso tempo, il solista-improvvisatore rimane il leader dell'orchestra, senza il quale anche una squadra con orchestrazioni perfette passerà inosservata. Allo stesso tempo, d'ora in poi, il solista osserva rigorosamente il numero di "quadrati" nella musica, mentre gli altri lo sostengono secondo l'arrangiamento scritto. La popolarità dell'orchestra di Duke Ellington è stata portata non solo da soluzioni non standard negli arrangiamenti, ma anche dalla composizione di prima classe dell'orchestra stessa: i trombettisti Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, il clarinettista Barney Bigard, i sassofonisti Johnny Hodges e Ben Webster, il contrabbassista Jimmy Blanton conosceva il proprio lavoro come nessun altro. Anche altre orchestre jazz hanno dimostrato il lavoro di squadra in questa materia: il sassofonista Lester Young e il trombettista Buck Clayton hanno suonato al Count Basie, e la spina dorsale dell'orchestra era la sezione ritmica "più swing del mondo" - il pianista Basie, il contrabbassista Walter Page, il batterista Joe Jones e il chitarrista Freddie Green.

L'orchestra del clarinettista Benny Goodman, composta interamente da musicisti bianchi, a metà degli anni '30 ottenne una popolarità fuori scala, e nella seconda metà degli anni '30 inferse un duro colpo a tutte le restrizioni razziali nel jazz: sul palco della Carnegie Hall in un orchestra guidata da Goodman allo stesso tempo si esibivano musicisti in bianco e nero! Ora, ovviamente, un evento del genere non è nuovo per un sofisticato amante della musica, ma in quegli anni le esibizioni di bianchi (il clarinettista Goodman e il batterista Gene Krupa) e neri (il pianista Teddy Wilson e il vibrafonista Lionel Hampton) hanno letteralmente strappato tutti gli schemi a brandelli.

Alla fine degli anni '30, l'orchestra bianca di Glenn Miller guadagnò popolarità. Spettatori e ascoltatori hanno subito attirato l'attenzione sul caratteristico "suono cristallino" e hanno elaborato magistralmente arrangiamenti, ma allo stesso tempo hanno affermato che c'era un minimo di spirito jazz nella musica dell'orchestra. Durante la seconda guerra mondiale finì l '"era dello swing": la creatività andò nell'ombra, e lo "spettacolo" brillò sul palco, e la musica stessa si trasformò in una massa di consumatori che non necessitava di particolari fronzoli. Insieme alla guerra, nel campo dei jazzisti arrivò lo sconforto: sembrava loro che la loro musica preferita si stesse spostando dolcemente verso il tramonto dell'esistenza.

Tuttavia, gli inizi di una nuova rivoluzione jazz furono seminati in una delle città native di questo stile musicale: New York. Giovani musicisti, per lo più neri, incapaci di sopportare il declino della loro musica nelle orchestre dei club ufficiali, dopo i concerti a tarda notte, si riunivano nei propri club sulla 52nd Street. La Mecca per tutti loro era il club Milton Playhouse. Fu in questi club di New York che i giovani jazzisti fecero qualcosa di inimmaginabile e radicalmente nuovo: improvvisarono il più possibile su semplici accordi blues, costruendoli in una sequenza apparentemente del tutto inappropriata, capovolgendoli e riarrangiandoli, suonando estremamente complessi e lunghi melodie che iniziavano proprio a metà della battuta e finivano lì. Milton Playhouse in quegli anni aveva molti visitatori: tutti volevano vedere e ascoltare la bestia stravagante, ornata e inimmaginabilmente nata sul palco. Nel tentativo di tagliare fuori le persone profane casuali a cui spesso piace salire sul palco e improvvisare con i musicisti, i jazzisti hanno iniziato a prendere un ritmo elevato delle composizioni, a volte accelerandole a velocità incredibili che solo i professionisti potevano gestire.

È così che è nato il rivoluzionario stile jazz, be-bop. Il sassofonista contralto cresciuto a Kansas City Charlie Parker, il trombettista John Berks Gillespie, soprannominato "Dizzy" ("Dizzy"), il chitarrista Charlie Christian (uno dei padri fondatori del linguaggio armonico), i batteristi Kenny Clarke e Max Roach: questi nomi sono per sempre iscritto a lettere d'oro nella storia del jazz e, nello specifico, del be-bop. La base ritmica della batteria in be-bop è stata trasferita ai piatti, sono apparsi speciali attributi esterni dei musicisti e la maggior parte di questi concerti si è svolta in piccoli club chiusi: è così che si può descrivere la produzione musicale della band. E soprattutto questo apparentemente caos, il sassofono di Parker si è alzato: non aveva eguali per livello, tecnica e abilità. Non sorprende che il temperamento del musicista abbia semplicemente bruciato il suo maestro: Parker morì nel 1955, "esaurito" dal suono costante e ad alta velocità del sassofono, alcol e droghe.

È stata la creazione del be-bop che non solo ha dato slancio allo sviluppo del jazz, ma è anche diventato Punto di partenza, da cui è iniziata la ramificazione del jazz in quanto tale. Il be-bop andava nella direzione dell'underground - piccoli locali, ascoltatori selezionati e devoti, e anche interessato alle radici della musica in generale, mentre il secondo ramo rappresentava il jazz nell'ambito del sistema consumistico - così nasceva il pop jazz nato, che esiste ancora oggi. Così, nel corso degli anni, elementi del pop jazz sono stati utilizzati da star della musica come Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones e altri.

Per quanto riguarda il ramo meno popolare del jazz, l'hard bop seguì il be-bop. In questo stile, la scommessa è stata fatta sul blues, inizio estatico. Lo sviluppo dell'hard bop è stato influenzato dal modo di suonare del sassofonista Sonny Rollins, del pianista Horace Silver, del trombettista Clifford Brown e del batterista Art Blakey. A proposito, la squadra di Blakey è sotto intitolato Il I Jazz Messengers sono diventati una fonte di talenti jazz in tutto il mondo fino alla morte del musicista nel 1990. Allo stesso tempo, altro propri stili: i cuori degli ascoltatori sono stati conquistati dal cool jazz, comune sulla costa orientale, e l'Occidente ha saputo opporre lo stile della West Coast ai suoi vicini. Un membro della Parker Orchestra, il trombettista nero Miles Davis, insieme all'arrangiatore Gil Evans, ha creato cool jazz ("cool jazz") utilizzando nuove armonie in be-bop. L'enfasi è stata spostata dai tempi alti della musica alla complessità degli arrangiamenti. Allo stesso tempo, il sassofonista baritono bianco Gerry Mulligan e il suo ensemble puntavano su altri accenti nel cool jazz, ad esempio sull'improvvisazione collettiva simultanea proveniente dalla scuola di New Orleans. La costa occidentale, con i sassofonisti bianchi Stan Getz e Zoot Sims che suonavano la costa occidentale ("costa occidentale"), presentava un'immagine diversa del be-bop, creando un suono più leggero di quello di Charlie Parker. E il pianista John Lewis divenne il fondatore del Modern Jazz Quartet, che fondamentalmente non suonava nei club, cercando di dare al jazz una forma da concerto, ampia e seria. Più o meno lo stesso, tra l'altro, è stato ottenuto dal quartetto del pianista Dave Brubeck.

Così, il jazz ha cominciato ad assumere una forma propria: le composizioni e le parti soliste dei jazzisti si sono allungate. Allo stesso tempo, una tendenza è apparsa nell'hard bop e nel cool jazz: un pezzo è durato dai sette ai dieci minuti e un assolo - cinque, sei, otto "quadrati". Parallelamente, lo stile stesso si è arricchito di varie culture, soprattutto latinoamericane.

Alla fine degli anni '50, una nuova riforma cadde sul jazz, questa volta nel campo del linguaggio armonico. L'innovatore in questa parte fu ancora una volta Miles Davis, che pubblicò la sua famosa registrazione "Kind of Blue" nel 1959. Le tonalità tradizionali e le progressioni di accordi sono cambiate, i musicisti non potevano lasciare due accordi per diversi minuti, ma allo stesso tempo hanno dimostrato lo sviluppo del pensiero musicale in modo tale che l'ascoltatore non si accorgesse nemmeno della monotonia. Anche il sassofonista tenore di Davis, John Coltrane, divenne un simbolo di riforma. La tecnica esecutiva e il pensiero musicale di Coltrane, dimostrati nelle registrazioni dei primi anni '60, sono insuperabili fino ad oggi. Anche il sassofonista contralto Ornette Coleman, che ha creato lo stile del free jazz ("free jazz"), è diventato un simbolo della svolta degli anni '50 e '60 nel jazz. L'armonia e il ritmo in questo stile non sono praticamente rispettati ei musicisti seguono qualsiasi melodia, anche la più assurda. In termini armonici, il free jazz è diventato l'apice, quindi c'erano rumore e cacofonia assoluti o silenzio completo. Un limite così assoluto ha reso Ornette Coleman un genio della musica in generale e del jazz in particolare. Forse solo il musicista d'avanguardia John Zorn gli si è avvicinato di più nel suo lavoro.

Anche gli anni '60 non sono diventati l'era della popolarità incondizionata del jazz. Venne alla ribalta la musica rock, i cui rappresentanti sperimentarono volentieri tecniche di registrazione, volume, elettronica, distorsione del suono, avanguardia accademica, tecniche di esecuzione. Secondo la leggenda, in quel momento nacque l'idea di una registrazione congiunta del virtuoso chitarrista Jimi Hendrix e del leggendario jazzista John Coltrane. Tuttavia, già nel 1967 Coltrane morì e un paio d'anni dopo morì Hendrix, e questa idea rimase nella leggenda. Anche Miles Davis è riuscito in questo genere: alla fine degli anni '60 è riuscito a incrociare con successo musica rock e jazz, creando uno stile jazz-rock, i cui principali rappresentanti in gioventù suonavano principalmente nella band di Davis: i tastieristi Herbie Hancock e Chick Corea, il chitarrista John McLaughlin, il batterista Tony Williams. Allo stesso tempo, il jazz-rock, noto anche come fusion, è stato in grado di dare alla luce i propri rappresentanti di spicco individuali: il bassista Jaco Pastorius, il chitarrista Pat Metheny, il chitarrista Ralph Towner. Tuttavia, la popolarità della fusione, nata alla fine degli anni '60 e guadagnata popolarità negli anni '70, è rapidamente diminuita, e oggi questo stile è un prodotto completamente commerciale, trasformandosi in smooth jazz ("smoothed jazz") - musica di sottofondo in cui il luogo ritmi e linee melodiche hanno lasciato il posto alle improvvisazioni. Lo smooth jazz è rappresentato da George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman e altri.

Negli anni '70, una nicchia separata era occupata dal world jazz ("musica del mondo") - una fusione speciale ottenuta dalla fusione della cosiddetta "musica del mondo" (musica etnica, principalmente dai paesi del Terzo Mondo) e jazz. È caratteristico che in questo stile l'enfasi fosse posta ugualmente sia sulla vecchia scuola jazz che sulla struttura etnica. Noto, ad esempio, per le motivazioni musica folk America Latina(solo l'assolo è stato improvvisato, l'accompagnamento e la composizione sono rimasti gli stessi della musica etno), motivi mediorientali (Dizzy Gillespie, quartetti e quintetti di Keith Jarrett), motivi musicali indiani (John McLaughlin), Bulgaria (Don Ellis) e Trinidad ( Andy Narrell).

Se gli anni '60 sono diventati l'era della miscelazione del jazz con il rock e la musica etnica, negli anni '70 e '80 i musicisti hanno deciso di ricominciare a sperimentare. Il funk moderno ha le sue radici in questo periodo, con gli accompagnatori che suonano soul pop nero e musica funk, mentre le estese improvvisazioni soliste sono più creative e jazz. Rappresentanti di spicco di questo stile erano Grover Washington Jr., membri dei The Crusaders Felder Wilton e Joe Semple. Successivamente, tutte le innovazioni hanno portato a una gamma più ampia di jazz funk, i cui rappresentanti più brillanti erano Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics.

Inoltre, l'acid jazz ("acid jazz") iniziò gradualmente ad apparire sul palco, caratterizzato da leggerezza e "danza". Una caratteristica delle esibizioni dei musicisti è l'accompagnamento di campioni tratti da gazze in vinile. L'onnipresente Miles Davis divenne nuovamente il pioniere dell'acid jazz e Derek Bailey iniziò a rappresentare l'ala più radicale del piano avant-garde. Negli Stati Uniti, il termine "acid jazz" non ha praticamente popolarità: lì tale musica si chiama groove jazz e club jazz. L'apice della popolarità dell'acid jazz arrivò nella prima metà degli anni '90, e nello "zero" la popolarità dello stile iniziò a diminuire: il nuovo jazz venne a sostituire l'acid jazz.

Per quanto riguarda l'URSS, l'orchestra di Mosca del pianista e compositore Alexander Tsfasman è considerata il primo ensemble jazz professionale ad esibirsi alla radio e registrare un disco. Prima di lui, i giovani gruppi jazz si concentravano principalmente sull'esecuzione della musica da ballo di quegli anni: foxtrot, Charleston. Grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utyosov e dal trombettista Ya B. Skomorovsky, il jazz è arrivato grandi siti L'URSS è già negli anni '30. La commedia "Merry Fellows" con la partecipazione di Utyosov, girata nel 1934 e che raccontava di un giovane musicista jazz, aveva una colonna sonora corrispondente di Isaac Dunayevsky. Utyosov e Skomorovsky hanno creato uno stile speciale chiamato tea-jazz ("jazz teatrale"). Eddie Rosner, che si trasferì dall'Europa all'Unione Sovietica e divenne un divulgatore dello swing, insieme alle band di Mosca degli anni '30 e '40, diede il suo contributo allo sviluppo del jazz nell'URSS. sotto la guida di Alexander Tsfasman e Alexander Varlamov.

Lo stesso governo dell'URSS era piuttosto ambiguo riguardo al jazz. Non vi era alcun divieto ufficiale all'esecuzione di canzoni jazz e alla distribuzione di dischi jazz, tuttavia, c'erano critiche a questo stile musicale alla luce del rifiuto dell'ideologia occidentale in generale. Già negli anni '40 il jazz dovette passare alla clandestinità a causa della persecuzione iniziata, ma già all'inizio degli anni '60, con l'avvento del "disgelo" di Krusciov, i jazzisti uscirono di nuovo. Tuttavia, le critiche al jazz non si sono fermate nemmeno allora. Così, le orchestre di Eddie Rozner e Oleg Lundstrem hanno ripreso le loro attività. Apparvero anche nuove composizioni, tra le quali spiccavano le orchestre di Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Mosca), nonché la Riga Variety Orchestra (REO). Sul palco salgono anche arrangiatori di talento e improvvisatori solisti: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Si sta sviluppando il jazz da camera e da club, i cui aderenti sono Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril e Leonid Chizhik. La Mecca del jazz sovietico e poi russo era il club Blue Bird, che esisteva dal 1964 al 2009 e allevava musicisti come i fratelli Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e altri.

Nello "zero" il jazz ha trovato un nuovo respiro e la rapida diffusione di Internet è stata un impulso colossale non solo per le registrazioni di successo commerciale, ma anche per gli artisti underground. Oggi chiunque può andare ai concerti del pazzo sperimentatore John Zorn e della "ariosa" cantante jazz-pop Cathy Malua, un residente in Russia può essere orgoglioso di Igor Butman, e un cubano può essere orgoglioso di Arturo Sandoval. Alla radio compaiono decine di stazioni che trasmettono il jazz in tutte le sue forme. Indubbiamente, il 21 ° secolo ha messo tutto al suo posto e ha dato al jazz il posto dove dovrebbe essere - su un piedistallo, insieme ad altri stili classici.