Le principali correnti e direzioni della nuova era dell'estetica. Storia dell'estetica: estetica dei tempi moderni

Invia il tuo buon lavoro nella base di conoscenza è semplice. Utilizza il modulo sottostante

Studenti, dottorandi, giovani scienziati che utilizzano la base di conoscenza nei loro studi e nel loro lavoro ti saranno molto grati.

postato su http://allbest.ru

bellezza estetica arte

introduzione

1. L'estetica come scienza filosofica

2. Idee estetiche dei popoli dell'Antico Oriente

3. Pensiero estetico antico

4. Estetica del Medioevo

5. Insegnamenti estetici del Rinascimento

6. Estetica del nuovo tempo

7. Idee estetiche della filosofia classica tedesca

8. Concetti non classici dell'estetica dell'Europa occidentale

introduzione

La possibilità di contatto del destino umano con la bellezza è una delle opportunità più sorprendenti che possono rivelare la vera gioia di comunicare con il mondo, la grandezza dell'esistenza. Tuttavia, questa possibilità fornita dall'essere spesso rimane non reclamata, persa. E la vita diventa ordinaria grigia, monotona, poco attraente. Perché sta succedendo?

Il comportamento degli esseri naturali è predeterminato dalla struttura del loro organismo. Quindi, ogni animale nasce al mondo già dotato di una serie di istinti che assicurano l'adattabilità all'ambiente. Il comportamento degli animali è codificato, hanno il "significato" della propria vita.

Una persona non ha questa innata certezza comportamentale dovuta al fatto che ogni individuo contiene la possibilità di uno sviluppo illimitato (sia positivo che negativo). Questo spiega l'inesauribile varietà di tipi di comportamento individuale, l'imprevedibilità di ogni individuo. Come ha notato Montaigne, ci sono meno somiglianze tra due rappresentanti della razza umana che tra due animali.

In altre parole, quando un individuo nasce, si trova subito in una situazione incerta per se stesso. Nonostante le inclinazioni più ricche, i suoi geni non ti dicono come comportarti, per cosa lottare, cosa evitare, cosa amare in questo mondo, cosa odiare, come distinguere la vera bellezza da quella falsa, ecc. I geni tacciono sulla cosa più importante, adattandosi a qualsiasi comportamento. Come gestirà una persona le sue capacità? La luce della bellezza lampeggerà nella sua mente? Riuscirà a resistere alla pressione del brutto, vile?

È stata la forza di attrazione del bello e, allo stesso tempo, il desiderio di una persona di superare l'influenza distruttiva della base, che è diventata una delle ragioni più importanti per l'emergere di una speciale scienza della bellezza.

Per comprendere la crescente rilevanza delle questioni estetiche, è necessario prestare attenzione a intera linea Caratteristiche dello sviluppo tecnologico. La società moderna si trova di fronte alla tendenza più pericolosa dell'intera storia dell'umanità: la contraddizione tra la natura globale del decollo scientifico e tecnologico e i limiti della coscienza umana, che può portare a una catastrofe generale.

All'inizio del XX secolo era stata accumulata una colossale esperienza spirituale, scientifica e tecnica. Le idee di umanesimo, gentilezza, giustizia e bellezza erano ampiamente riconosciute. Tutte le forme del male sono state smascherate e si è formato un intero universo spirituale, coltivando la bellezza.

Ma la comunità mondiale non è diventata più saggia, più armoniosa e più umana. Viceversa. La civiltà del 20 ° secolo si è rivelata coinvolta nei crimini più massicci, replicando tipi di esistenza di base. Numerosi brutti sconvolgimenti sociali, manifestazioni estreme di insensata crudeltà nel corso del XX secolo hanno distrutto la fede nell'uomo, un'immagine ottimistica della personalità. Dopotutto, è stato durante questo periodo che milioni di persone sono state distrutte. Pilastri apparentemente incrollabili di valori culturali secolari furono cancellati dalla faccia della terra.

Una delle tendenze più evidenti del secolo scorso è legata all'esacerbazione della tragica visione del mondo. Anche nei paesi economicamente stabili, il numero di suicidi è in costante aumento, milioni di persone ne soffrono varie forme depressione. L'esperienza dell'armonia personale diventa uno stato fragile, instabile, piuttosto raro, al quale è sempre più difficile sfondare nel flusso del caos umano universale.

Le riflessioni sulla casualità, l'incertezza, la natura caotica dell'esistenza umana, la crescita dello scetticismo in relazione alla ricerca di linee guida semantiche affidabili e la scoperta della vera bellezza diventano il motivo dominante della cultura.

Perché il movimento dell'uomo nel tempo e nello spazio è così tragico? È possibile superare i crescenti sintomi di disturbo nella vita umana? E, soprattutto, su quali strade si trova un'armonia sostenibile?

La malattia mentale più comune sta uscendo dal mondo della bellezza. Il fatto è che molto spesso una persona cerca la felicità dominando lo spazio esterno, cercando ricchezza, potere, fama, piaceri fisiologici. E su questo percorso può raggiungere certe vette. Tuttavia, non sono in grado di superare l'ansia persistente, l'ansia, perché la fede nel potere illimitato del denaro, il potere è troppo grande e, di conseguenza, si perde il contatto profondo con la sacra base dell'essere: la bellezza.

E in questo senso, l'estetica come scienza sulla bellezza, sulla ricchezza inesauribile e sulla natura paradossale delle sue manifestazioni nella cultura mondiale può diventare il fattore più importante nell'umanizzazione dell'individuo. E quindi, il compito principale dell'estetica è rivelare la fenomenicità onnicomprensiva del bello, sostanziare i modi di armonizzare una persona per radicarla nel mondo dell'inevitabile bellezza e creatività. Come F.M. Dostoevskij, "l'estetica è la scoperta di bei momenti nell'anima umana da parte della stessa persona per l'auto-miglioramento".

1. El'estetica come scienza filosofica

L'estetica è un sistema di conoscenza delle proprietà e delle leggi più generali di sviluppo dei fenomeni belli e brutti, sublimi e vili, tragici e comici della realtà e le caratteristiche del loro riflesso nella mente umana. L'estetica è una scienza filosofica, che è collegata alla soluzione della questione principale della filosofia. In estetica, appare come una domanda sulla relazione della coscienza estetica con la realtà.

Il tema dell'estetica

Si è formato nel processo di sviluppo secolare del pensiero estetico, sulla base di una generalizzazione della pratica dell'atteggiamento estetico delle persone verso i prodotti della loro attività, verso le opere d'arte, verso la natura, verso l'uomo stesso. Molte delle domande che l'estetica esplora oggi hanno occupato l'umanità per molto tempo; furono posti davanti a se stessi dagli antichi greci, e prima dei greci, i pensatori dell'Egitto, della Babilonia, dell'India e della Cina pensarono a loro.

Tuttavia, il nome della scienza - estetica - fu introdotto in circolazione solo a metà del XVIII secolo dal filosofo tedesco Baumgarten. Prima di lui, le questioni estetiche erano considerate nel quadro di concetti filosofici generali come la loro parte organica. E solo questo illuminista tedesco ha individuato l'estetica nel quadro della filosofia come una disciplina indipendente che occupa un posto accanto ad altre discipline filosofiche: logica, etica, epistemologia e così via. Baumgarten ha derivato il termine "estetica" da un'antica parola greca che significa "riguardante il sensibile". Di conseguenza, la sua estetica è la scienza della percezione sensoriale. Il tema dell'estetica, e quindi il contenuto di questo concetto, da allora è in continua evoluzione. Oggi, l'oggetto di questa scienza è: in primo luogo, la natura dell'estetica, cioè il più Caratteristiche generali, lati inerenti a vari oggetti estetici della realtà; in secondo luogo, la natura del riflesso di questi fenomeni nella mente umana, nei bisogni estetici, nelle percezioni, nelle idee, negli ideali, nei punti di vista e nelle teorie; terzo, la natura dell'attività estetica delle persone come processo di creazione di valori estetici.

L'essenza e la specificità dell'atteggiamento estetico nei confronti del mondo

La relazione estetica è la connessione spirituale del soggetto con l'oggetto, basata su un desiderio disinteressato per quest'ultimo e accompagnata da un sentimento di profondo piacere spirituale derivante dalla comunicazione con lui.

Gli oggetti estetici sorgono nel processo della pratica socio-storica: inizialmente spontaneamente, e poi in accordo con i sentimenti, i bisogni, le idee estetiche emergenti, in generale, la coscienza estetica delle persone. Guidato da esso, una persona forma la "sostanza" della natura secondo le leggi dell'attività estetica. Di conseguenza, gli oggetti da lui creati, ad esempio gli strumenti, appaiono come un'unità degli aspetti naturali e sociali, un'unità che, essendo un valore estetico, è in grado di soddisfare non solo i bisogni materiali, utilitaristici, ma anche spirituali delle persone.

Allo stesso tempo, lo stesso oggetto per un aspetto può rivelarsi esteticamente prezioso, ad esempio bello, e per un altro esteticamente anti-prezioso. Ad esempio, una persona come oggetto di atteggiamento estetico può avere una bella voce e un brutto aspetto. Inoltre, lo stesso oggetto estetico può essere allo stesso tempo prezioso e anti-prezioso, ma in momenti diversi. Il fatto che un oggetto estetico abbia un significato estetico relativo è testimoniato anche dalla natura polare delle principali categorie estetiche (bello e brutto, sublime e vile, tragico e comico).

Campo problematico e base metodologica dell'estetica

Uno degli approcci moderni per considerare il tema dell'estetica come una scienza è che il campo problematico dell'estetica non è una sfera speciale di fenomeni, ma l'intero mondo visto da una certa angolazione, tutti i fenomeni presi alla luce del compito che questo la scienza risolve. Le domande principali di questa scienza sono la natura dell'estetica e la sua diversità nella realtà e nell'arte, i principi dell'atteggiamento estetico dell'uomo nei confronti del mondo, l'essenza e le leggi dell'arte. L'estetica come scienza esprime il sistema di visioni estetiche della società, che lasciano il segno su tutto il volto dell'attività materiale e spirituale delle persone.

Si tratta anzitutto della posizione secondo cui i fenomeni estetici devono essere considerati nella loro qualità finale, olisticamente. Dopotutto, è in una qualità olistica, finale, che si manifesta l'unità del condizionamento oggettivo e soggettivo dei fenomeni estetici.

L'attuazione di questo principio metodologico inizia con la scoperta delle radici genetiche dei fenomeni estetici. Il punto di vista genetico è il principio metodologico originario dell'estetica. Spiega come i fenomeni estetici (ad esempio l'arte) siano determinati dalla realtà, oltre che dall'originalità della personalità dell'autore. Il punto di vista genetico è il principale principio metodologico dell'estetica, grazie al quale viene presa in considerazione la natura soggetto-oggetto dei fenomeni estetici.

Struttura della teoria estetica

Il rapporto estetico di una persona con la realtà è molto vario e versatile, ma si manifestano più chiaramente nell'arte. L'arte è anche oggetto delle cosiddette scienze della storia dell'arte (critica letteraria, musicologia, storia e teoria delle belle arti, studi teatrali, ecc.). La storia dell'arte consiste di varie scienze (storia e teoria alcuni tipi arti). Il complesso delle teorie dei singoli tipi di arte e delle conoscenze teoriche relative all'arte, alcuni estetisti chiamano la teoria generale dell'arte e la distinguono dall'estetica propriamente detta.

Le branche della scienza della storia dell'arte svolgono la funzione di discipline scientifiche ausiliarie in relazione all'estetica. Tuttavia, le discipline ausiliarie dell'estetica non finiscono qui. Le stesse discipline scientifiche ausiliarie in relazione ad essa sono, ad esempio, la sociologia dell'arte, la psicologia dell'arte, l'epistemologia, la semantica e così via. L'estetica utilizza i risultati di molte discipline scientifiche, senza essere identica a loro. Pertanto, a causa della sua natura generalizzante, l'estetica è chiamata una scienza filosofica.

Il rapporto specifico tra estetica e arte si manifesta chiaramente nella critica d'arte. L'estetica è la base teorica della critica; la aiuta a comprendere correttamente i problemi della creatività ea proporre aspetti coerenti con il significato dell'arte per una persona e per la società. Sulla base delle sue conclusioni e principi, sulla base di schemi stabiliti, l'estetica offre alla critica l'opportunità di creare criteri di valutazione, valutare la creatività in termini di requisiti attuali relativi allo sviluppo di aspetti sociali e di valore.

2. Idee estetiche dei popoli dell'Antico Oriente

Tradizionalismo delle antiche culture orientali

Il passaggio dal primitivo sistema comunitario alla formazione della proprietà degli schiavi portò alla formazione di una serie di potenti civiltà d'Oriente con un alto livello di cultura materiale e spirituale.

I dettagli dello sviluppo delle antiche culture orientali includono una caratteristica come un profondo tradizionalismo. Certe idee e idee antiche a volte vissero nelle culture d'Oriente per molti secoli e persino millenni. Per molto tempo dell'esistenza delle antiche culture d'Oriente, lo sviluppo ha riguardato le sfumature individuali di certe idee e le loro basi sono rimaste invariate.

Antico Egitto

Gli egiziani ottennero un grande successo nel campo dell'astronomia, della matematica, delle scienze ingegneristiche e delle costruzioni, della medicina, della storia, della geografia. La prima invenzione della scrittura ha contribuito all'emergere di esempi originali di letteratura egiziana antica altamente artistica. Lo sviluppo dell'arte e il suo posto d'onore nella cultura egiziana hanno creato le basi per la comparsa dei primi giudizi estetici registrati nelle fonti scritte. Questi ultimi testimoniano che gli antichi egizi avevano un senso molto sviluppato della bellezza, della bellezza (nefer). Parola "nefer" entrò nel titolo ufficiale dei faraoni.

L'antico Egitto è considerato il luogo di nascita della religione della luce e dell'estetica della luce. La luce del sole divinizzata era venerata come il sommo bene e la più alta bellezza tra gli antichi egizi. La luce e la bellezza sono state identificate nella cultura egizia fin dai tempi antichi. L'essenza della bellezza divina era spesso ridotta a splendore.

Un altro aspetto della bellezza, insito in quasi tutte le antiche culture orientali, è l'elevato apprezzamento estetico dei metalli preziosi. Oro, argento, elettr, lapislazzuli nella comprensione degli egiziani erano i materiali più belli. Sulla base delle idee degli antichi egizi sulla bellezza e sul bello, si formò il colore. canone Egiziani. Comprendeva colori semplici: bianco, rosso, verde. Ma gli egizi apprezzavano soprattutto i colori dell'oro e del lapislazzuli. "Gold" spesso fungeva da sinonimo di "bello".

Il pensiero artistico degli egiziani fin dall'antichità, come risultato di una lunga pratica, ha sviluppato un sistema sviluppato di canoni: il canone delle proporzioni, il canone del colore, il canone iconografico. Qui il canone è diventato il principio estetico più importante che determina l'attività creativa dell'artista. Il canone ha svolto un ruolo importante nel lavoro degli antichi maestri egizi e ha diretto la loro energia creativa. L'effetto artistico nell'arte canonica è stato ottenuto grazie alla leggera variazione delle forme all'interno dello schema canonico.

Gli egizi apprezzavano la matematica e applicavano le sue leggi a quasi tutte le aree della loro attività. Per le belle arti, hanno sviluppato un sistema di proporzioni armoniche dell'immagine. Il modulo di questo sistema era un'espressione numerica "sezione aurea"-- il numero 1.618... Poiché le proporzioni erano di natura universale, diffondendosi in molte aree della scienza, della filosofia e dell'arte, ed erano percepite dagli stessi egiziani come un riflesso della struttura armoniosa dell'universo, erano considerate sacre .

Antica Cina

Il pensiero estetico cinese fu identificato chiaramente per la prima volta tra i filosofi del VI-III secolo a.C. e. Concetti e termini estetici, così come le principali disposizioni della teoria estetica, sono stati sviluppati in antica Cina sulla base della comprensione filosofica delle leggi della natura e della società.

Tra le tante scuole e direzioni, un posto speciale apparteneva a Taoismo E confucianesimo . Questi due insegnamenti hanno svolto un ruolo di primo piano nell'antichità e hanno avuto un'influenza decisiva su tutto lo sviluppo successivo. cultura cinese. Sia il taoismo che il confucianesimo erano interessati alla ricerca di un ideale sociale, ma la direzione della loro ricerca era completamente diversa. La parte centrale del taoismo era la dottrina del mondo. Tutto il resto - la dottrina della società e dello stato, la teoria della conoscenza, la teoria dell'arte (nella sua forma antica) - procedeva dalla dottrina del mondo. Al centro della filosofia confuciana c'era una persona nelle sue pubbliche relazioni, una persona come base di calma e ordine incrollabili, un membro ideale della società. In altre parole, nel confucianesimo abbiamo sempre a che fare con un ideale etico ed estetico, mentre per il taoismo non c'è niente di più bello del cosmo e della natura, e la società e l'uomo sono tanto belli quanto possono diventare come la bellezza del mondo oggettivo. . Le opinioni estetiche di Confucio e dei suoi seguaci si svilupparono in linea con la loro teoria socio-politica. Il termine stesso "bello" (Maggio) in Confucio è sinonimo di “buono”, o semplicemente significa esteriormente bello. In generale, l'ideale estetico di Confucio è un'unità sintetica del bello, del buono e dell'utile.

3. Pensiero estetico antico

L'estetica antica è un pensiero estetico che si sviluppò nell'antica Grecia e Roma dal VI secolo a.C. al VI secolo d.C. Avendo come fonte idee mitologiche, l'estetica antica nasce, fiorisce e declina nel quadro della formazione schiavista, essendo una delle espressioni più suggestive della cultura di quel tempo.

Nella storia dell'estetica antica si distinguono i seguenti periodi: 1) primi classici o estetica cosmologica (VI-V secolo aC); 2) classici medi o estetica antropologica (V sec. aC); 3) alto classico (maturo) o estetica eidologica (V-IV secolo aC); 4) primo ellenismo (IV-I secolo aC); 5) tardo ellenismo (I-VI sec. dC).

Il cosmologismo come base dell'estetica antica

Per le idee estetiche, così come per l'intera visione del mondo dell'antichità, è caratteristico un accentuato cosmologismo. Il cosmo, dal punto di vista degli antichi, sebbene spazialmente limitato, ma caratterizzato da armonia, proporzione e regolarità di movimento in esso, fungeva da incarnazione della bellezza. L'arte nel primo periodo del pensiero antico non era ancora separata dall'artigianato e non fungeva da oggetto estetico end-to-end. Per gli antichi greci l'arte era un'attività produttiva e tecnica. Da qui l'unità indissolubile dell'atteggiamento pratico e puramente estetico nei confronti di oggetti e fenomeni. Non per niente la stessa parola con cui i greci esprimono il concetto di arte, "techne", ha la stessa radice di "tikto" - "io parto", così che "arte" è in greco "generazione" o materiale creazione da parte di una cosa da sé stessa, ma cose nuove.

estetica preclassica

Nella sua forma più pura e diretta, l'estetica antica, incarnata nella mitologia, si è formata nella fase della primitiva formazione comunitaria. La fine del II ei primi secoli del I millennio a.C. e. furono in Grecia un periodo di epica creatività. Epopea greca, che è registrata in poesie Omero L'Iliade e l'Odissea fungono solo da fonte da cui è iniziata l'estetica antica.

Per Omero la bellezza era una divinità e gli artisti principali erano gli dei. Non solo gli dei erano i principi cosmici alla base del cosmo come opera d'arte, ma lo erano anche per la creatività umana. Apollo e le Muse hanno ispirato i cantanti, e nell'opera del cantore omerico ruolo di primo piano non era il cantore stesso a suonare, ma gli dei, soprattutto Apollo e le Muse.

La bellezza è stata concepita da Omero sotto forma della materia più sottile, trasparente e luminosa, sotto forma di una sorta di flusso vivo e fluente. La bellezza ha agito come una sorta di radiosità leggera e ariosa, che può avvolgere, vestire oggetti. La dotazione, avvolgente di bellezza è esteriore. Ma c'era anche una dotazione interiore. È soprattutto l'ispirazione dei cantori omerici e dello stesso Omero.

Speciali insegnamenti estetici dell'antichità

C'erano molte di queste dottrine, sui problemi di cui molti autori antichi cercarono di esprimersi.

Kalokagatiya ("Kalos" - bello, "agatos" - buono, moralmente perfetto) - uno dei concetti dell'estetica antica, che denota l'armonia dell'esterno e dell'interno, che è una condizione per la bellezza dell'individuo. Il termine "kalokagatia" è stato interpretato in modo diverso nei diversi periodi dello sviluppo socio-storico della società antica, a seconda dei tipi di pensiero. I pitagorici lo intendevano come il comportamento esterno di una persona, determinato da qualità interne. L'antica comprensione aristocratica di "kalokagatia" è insita in Erodoto, che la considerava in connessione con le tradizioni sacerdotali, Platone, che la associava all'abilità militare, alle qualità "naturali" oa caratteristiche generiche. Con lo sviluppo dell'antica economia individuale, il termine "kalokagatia" iniziò ad essere usato per denotare proprietari pratici e diligenti, e nella sfera della vita politica fu applicato (come sostantivo) ai democratici moderati. Alla fine del V secolo a.C. e. con l'avvento dei sofismi, il termine "kalokagatiya" iniziò ad essere usato per caratterizzare l'apprendimento e l'istruzione. Platone e Aristotele intendevano filosoficamente kalokagatiya - come l'armonia di interno ed esterno, e per interno intendevano la saggezza, la cui attuazione nella vita portava una persona a kalokagatiya. Con lo sviluppo dell'individualismo e dello psicologismo nell'era dell'ellenismo, il kalokagatiya cominciò a essere interpretato non come una qualità naturale, ma come risultato di esercizi e allenamenti morali, che portarono alla sua comprensione moralistica.

Catarsi (purificazione) - un termine che serviva a designare uno dei momenti essenziali dell'impatto estetico dell'arte su una persona. I Pitagorici svilupparono la teoria della purificazione dell'anima dalle passioni dannose esponendola a musica appositamente selezionata. Platone non associava la catarsi alle arti, intendendola come la purificazione dell'anima dalle aspirazioni sensuali, da tutto ciò che è corporeo, oscurando e distorcendo la bellezza delle idee. In realtà, la comprensione estetica della catarsi è stata data da Aristotele, il quale ha scritto che sotto l'influenza della musica e dei canti, la psiche degli ascoltatori è eccitata, in essa sorgono forti affetti (pietà, paura, entusiasmo), a seguito dei quali il gli ascoltatori “ricevono una sorta di purificazione e sollievo associati al piacere…”. Ha anche sottolineato l'effetto catartico della tragedia, definendola come un tipo speciale di "imitazione attraverso l'azione, non la storia, che, attraverso la compassione e la paura, purifica tali affetti".

Mimesi (imitazione, riproduzione) - nell'estetica antica, il principio base dell'attività creativa dell'artista. Partendo dal fatto che tutte le arti si basano sulla mimesi, i pensatori dell'antichità hanno interpretato in modi diversi l'essenza stessa di questo concetto. I Pitagorici credevano che la musica imitasse "l'armonia delle sfere celesti", Democrito era convinto che l'arte nel suo senso più ampio (come attività creativa umana produttiva) provenga dall'imitazione dell'uomo da parte degli animali (tessitura - dall'imitazione di un ragno, casa -costruire - una rondine, cantare - uccelli, ecc.). Platone credeva che l'imitazione fosse la base di tutta la creatività. L'attuale teoria estetica della mimesi appartiene ad Aristotele. Include sia un'adeguata riflessione della realtà (la rappresentazione delle cose come "erano e sono"), sia l'attività dell'immaginazione creativa (la loro rappresentazione come "di cui si parla e si pensa"), e l'idealizzazione della realtà (la loro rappresentazione in quanto tale, “cosa dovrebbero essere). Lo scopo della mimesi nell'arte, secondo Aristotele, è l'acquisizione della conoscenza e l'eccitazione di un sentimento di piacere dalla riproduzione, contemplazione e cognizione di un oggetto.

4. Estetica del Medioevo

Principi di base

L'estetica medievale è un termine usato in due sensi, ampio e ristretto. Nel senso ampio del termine, l'estetica medievale è l'estetica di tutte le regioni medievali, compresa l'estetica dell'Europa occidentale, l'estetica bizantina, l'antica estetica russa e altre. In senso stretto, l'estetica medievale è l'estetica dell'Europa occidentale nei secoli V-XIV. In quest'ultimo si distinguono due periodi cronologici principali: altomedievale (V-X secolo) e tardo medievale (XI-XIV secolo), nonché due aree principali: filosofia, teologia e storia dell'arte. Il primo periodo dell'estetica medievale è caratterizzato da una posizione protettiva rispetto al patrimonio antico. Nel periodo tardo medievale, speciali trattati estetici compaiono come parte di grandi codici filosofici e religiosi (le cosiddette "somme"), l'interesse teorico per problemi estetici, che è particolarmente caratteristico dei pensatori dei secoli XII - XIII.

L'ampio periodo cronologico del Medioevo in Occidente è correlato alla formazione socio-economica del feudalesimo. La struttura gerarchica della società si riflette nella visione del mondo medievale sotto forma dell'idea della cosiddetta gerarchia celeste, che trova il suo completamento in Dio. A sua volta, la natura risulta essere una manifestazione visibile del principio soprasensibile (Dio). Le idee sulla gerarchia sono simboliche. Fenomeni visibili e sensuali separati sono percepiti solo come simboli del "Dio invisibile, inesprimibile". Il mondo era pensato come un sistema gerarchia dei personaggi.

Estetica bizantina

Nel 324-330, l'imperatore Costantino fondò la nuova capitale dell'Impero Romano sul sito di una piccola città antica di Bisanzio - Costantinopoli. Un po 'più tardi, l'Impero Romano si divise in due parti: occidentale e orientale. Costantinopoli divenne la capitale di quest'ultimo. Da quel momento, è consuetudine considerare la storia della cultura bizantina, che esisteva nell'ambito di un unico stato fino al 1453.

L'estetica bizantina, avendo assorbito e rielaborato a suo modo molti idee estetiche antichità, ha posto e ha cercato di risolvere una serie di nuovi, significativi per la storia dei problemi estetici. Tra questi, si dovrebbe indicare lo sviluppo di categorie come l'immagine, il simbolo, il canone, le nuove modifiche del bello, il sollevare una serie di domande relative all'analisi specifica dell'arte, in particolare l'analisi della percezione dell'arte e l'interpretazione delle opere d'arte, così come lo spostamento dell'accento sul lato psicologico delle categorie estetiche. I problemi significativi di questa estetica includono la questione del ruolo dell'arte nel sistema filosofico e religioso generale di comprensione del mondo, il suo ruolo epistemologico e alcuni altri problemi.

La "bellezza assoluta" è l'obiettivo delle aspirazioni spirituali dei bizantini. Uno dei modi per raggiungere questo obiettivo che hanno visto nel "bello" mondo materiale, poiché in lui e attraverso di lui si conosce il "colpevole" di tutto. Tuttavia, l'atteggiamento dei bizantini nei confronti della "bellezza terrena" è ambivalente e non sempre definito.

Da un lato, i pensatori bizantini avevano un atteggiamento negativo nei confronti della bellezza sensuale, in quanto agente eziologico dei pensieri peccaminosi e della lussuria carnale. D'altra parte, apprezzavano molto il bello nel mondo materiale e nell'arte, perché nella loro comprensione agiva come una "manifestazione" e una manifestazione della divina bellezza assoluta a livello dell'essere empirico.

I pensatori bizantini conoscevano anche la categoria polare del bello - il brutto e cercavano di definirlo. Mancanza di bellezza, ordine, mescolanza sproporzionata di oggetti dissimili: tutti questi sono indicatori del brutto, "perché la bruttezza è inferiorità, mancanza di forma e violazione dell'ordine".

Per i pensatori bizantini, il "bello" (nella natura e nell'arte) non aveva alcun valore oggettivo. Solo la divina "bellezza assoluta" la possedeva. Il bello era significativo per loro ogni volta solo nel suo contatto diretto con uno specifico soggetto di percezione. In primo luogo nell'immagine c'era la sua funzione psicologica: organizzare in un certo modo stato interno persona. "Bello" era solo un mezzo per formare un'illusione mentale di comprendere il super bello, la "bellezza assoluta".

Insieme alla bellezza e alla bellezza, l'estetica bizantina proponeva un'altra categoria estetica, a volte coincidente con esse, ma generalmente con un significato indipendente: la luce. Assumendo uno stretto rapporto tra Dio e la luce, i bizantini lo affermano nel rapporto "luce - bellezza".

Alto Medioevo

L'estetica medievale dell'Europa occidentale è stata fortemente influenzata dal pensatore cristiano Aurelio Agostino . Agostino identificava la bellezza con la forma, l'assenza di forma con la bruttezza. Credeva che assolutamente brutto non esistesse, ma ci sono oggetti che, rispetto a quelli più perfettamente organizzati e simmetrici, mancano di forma. Il brutto è solo un'imperfezione relativa, il più basso grado di bellezza.

Agostino insegnava che una parte che è bella in quanto parte del tutto, essendone strappata, perde la sua bellezza, al contrario, il brutto diventa bello in sé, entrando nel bello tutto. Coloro che consideravano il mondo imperfetto, Agostino paragonava a persone che guardano un cubo di mosaico, invece di contemplare l'intera composizione e godersi la bellezza delle pietre collegate in un unico insieme. Soltanto un'anima pura può comprendere la bellezza dell'universo. Questa bellezza è un riflesso della "bellezza divina". Dio è la bellezza più alta, l'archetipo della bellezza materiale e spirituale. L'ordine che regna nell'universo è creato da Dio. Questo ordine si manifesta nella misura, nell'unità e nell'armonia, poiché Dio "ha disposto ogni cosa per misura, numero e peso".

Per quasi un millennio le opere di Agostino furono uno dei principali conduttori dell'antico platonismo e neoplatonismo nell'estetica medievale dell'Europa occidentale, gettarono le basi dell'estetica religiosa medievale, compresero i modi di usare l'arte al servizio della chiesa.

Basso medioevo

Le cosiddette “somme” diventano un esempio di filosofia scolastica nel XIII secolo, dove la presentazione si svolge nel seguente ordine: enunciazione del problema, presentazione di varie opinioni, soluzione dell'autore, prove logiche, confutazione di obiezioni possibili e reali. Secondo questo principio si costruisce anche la “Somma della Teologia”. Tommaso d'Aquino , alcune delle quali sono dedicate all'estetica.

Tommaso d'Aquino definì la bellezza come ciò che dà piacere con il suo aspetto. La bellezza richiede tre condizioni:

1) integrità o perfezione,

2) dovuta proporzione o consonanza

3) chiarezza, per cui gli oggetti che hanno un colore brillante sono chiamati belli. La chiarezza esiste nella natura stessa della bellezza. Allo stesso tempo, "chiarezza" significa non tanto splendore fisico quanto chiarezza di percezione, e quindi si avvicina alla chiarezza della mente.

Bellezza e bene non sono realmente distinti, poiché Dio, a suo avviso, è sia bellezza assoluta che bene assoluto, ma solo concettualmente. Una benedizione è qualcosa che soddisfa un desiderio o un bisogno. Pertanto, è collegato al concetto di obiettivo, poiché il desiderio è una sorta di movimento verso un oggetto.

La bellezza richiede qualcosa di più. È un tale bene, la cui stessa percezione dà soddisfazione. O, in altre parole, il desiderio trova soddisfazione proprio nella contemplazione o comprensione di una cosa bella. Il piacere estetico è strettamente correlato alla cognizione. Ecco perché, prima di tutto, quelle sensazioni più cognitive, vale a dire visive e uditive, sono legate alla percezione estetica. Vista e udito sono strettamente connessi con la mente e quindi capaci di percepire la bellezza.

La "luce" era una categoria importante di tutta l'estetica medievale. Il simbolismo della luce è stato sviluppato attivamente. La "Metafisica della Luce" era la base su cui poggiava la dottrina della bellezza nel Medioevo. Claritas nei trattati medievali significa luce, splendore, chiarezza ed è inclusa in quasi tutte le definizioni di bellezza. La bellezza per Agostino è lo splendore della verità. Per Tommaso d'Aquino, la luce del bello significa "lo splendore della forma di una cosa, sia essa un'opera d'arte o la natura... in modo tale che gli appaia in tutta la pienezza e la ricchezza della sua perfezione e ordine."

L'attenzione dei pensatori medievali al mondo interiore dell'uomo si manifesta in modo particolarmente chiaro e completo nel loro sviluppo dei problemi dell'estetica musicale. Allo stesso tempo, è importante che gli stessi problemi dell'estetica musicale siano una sorta di modello "rimosso" di concetti universali di significato filosofico generale.

I pensatori medievali si sono occupati molto della percezione della bellezza e dell'arte, esprimendo una serie di giudizi interessanti per la storia dell'estetica.

5. Insegnamenti estetici del Rinascimento

La natura transitoria dell'epoca, il suo orientamento umanistico e le innovazioni ideologiche

Nel Rinascimento ci sono: Proto-Rinascimento (ducento e trecento, 12-13 - 13-14 secoli), Primo Rinascimento (quattrocento, 14-15 secoli), Alto Rinascimento (cinquecento, 15-16 secoli).

L'estetica del Rinascimento è associata alla grandiosa rivoluzione che sta avvenendo in tutti i settori della vita pubblica: nell'economia, nell'ideologia, nella cultura, nella scienza e nella filosofia. A questo punto, il fiorire della cultura urbana, le grandi scoperte geografiche, che hanno ampliato immensamente gli orizzonti dell'uomo, il passaggio dall'artigianato alla manifattura.

Lo sviluppo delle forze produttive, la disgregazione dei rapporti di classe feudali che incatenavano la produzione, portano alla liberazione dell'individuo, creano le condizioni per il suo sviluppo libero e universale.

Le condizioni favorevoli per lo sviluppo globale e universale dell'individuo si creano non solo a causa della disintegrazione del modo di produzione feudale, ma anche a causa dell'insufficiente sviluppo del capitalismo, che era ancora agli albori della sua formazione. Questo carattere duplice e transitorio della cultura del Rinascimento in relazione ai modi di produzione feudale e capitalista deve essere preso in considerazione quando si considerano le idee estetiche di quest'epoca. Il Rinascimento non è uno stato, ma un processo e, inoltre, un processo di natura transitoria. Tutto ciò si riflette nella natura della visione del mondo.

Nel Rinascimento c'è un processo di rottura radicale del sistema medievale di visione del mondo e la formazione di una nuova ideologia umanistica. In senso lato, l'umanesimo è un sistema di vedute storicamente mutevole che riconosce il valore di una persona come persona, il suo diritto alla libertà, alla felicità, allo sviluppo e alla manifestazione delle sue capacità, considerando il bene di una persona come criterio per la valutazione sociale istituzioni, e i principi di uguaglianza, giustizia, umanità come norma auspicata dei rapporti tra le persone. In senso stretto, è un movimento culturale del Rinascimento. Tutte le forme dell'umanesimo italiano si riferiscono non tanto alla storia dell'estetica rinascimentale quanto all'atmosfera socio-politica dell'estetica.

Principi di base dell'estetica rinascimentale

Innanzitutto, la novità di quest'epoca è la promozione del primato della bellezza e, soprattutto, della bellezza sensuale. Dio ha creato il mondo, ma quanto è bello questo mondo, quanta bellezza c'è nella vita umana e nel corpo umano, nell'espressione viva del volto umano e nell'armonia del corpo umano!

All'inizio l'artista, per così dire, fa anche l'opera di Dio e secondo la volontà di Dio stesso. Ma, oltre al fatto che l'artista deve essere obbediente e umile, deve essere istruito ed educato, deve capire molto in tutte le scienze, filosofia compresa. Il primissimo insegnante dell'artista dovrebbe essere la matematica, finalizzata all'attenta misurazione del corpo umano nudo. Se l'antichità divideva la figura umana in sei o sette parti, allora l'Alberti, per raggiungere la precisione nella pittura e nella scultura, la divise in 600, e Dürer successivamente in 1800 parti.

Il pittore di icone medievale aveva poco interesse per le reali proporzioni del corpo umano, poiché per lui era solo un portatore dello spirito. Per lui l'armonia del corpo consisteva in un profilo ascetico, in un riflesso planare del mondo sovracorporeo su di esso. Ma per il revivalista Giorgione, "Venere" è un corpo nudo femminile a tutti gli effetti, che, sebbene sia una creazione di Dio, in qualche modo ti dimentichi già di Dio, guardandolo. In primo piano ecco la conoscenza dell'anatomia reale. Pertanto, l'artista rinascimentale non è solo un esperto in tutte le scienze, ma principalmente in matematica e anatomia.

La teoria rinascimentale, come quella antica, predica l'imitazione della natura. Tuttavia, in primo piano qui non c'è tanto la natura quanto l'artista. Nel suo lavoro, l'artista vuole rivelare la bellezza che si trova nei recessi della natura stessa. Pertanto, l'artista crede che l'arte sia persino superiore alla natura. I teorici dell'estetica rinascimentale, ad esempio, hanno un paragone: un artista deve creare il modo in cui Dio ha creato il mondo, e anche più perfetto di così. Ora non solo dicono dell'artista che deve essere un esperto in tutte le scienze, ma evidenziano anche il suo lavoro, nel quale cercano persino di trovare un criterio di bellezza.

Il pensiero estetico del Rinascimento per la prima volta si è fidato della visione umana in quanto tale, senza cosmologia antica e senza teologia medievale. Nel Rinascimento, una persona per la prima volta ha iniziato a pensare che l'immagine reale e soggettivamente visibile del mondo sia la sua immagine reale, che questa non sia finzione, non un'illusione, non un errore di visione e non empirismo speculativo, ma ciò che vediamo con i nostri occhi, questo è ciò che è realmente.

E, soprattutto, vediamo davvero come, man mano che l'oggetto che vediamo si allontana da noi, assuma forme completamente diverse e, in particolare, si riduca di dimensioni. Due linee che sembrano essere completamente parallele vicino a noi, man mano che si allontanano da noi, si avvicinano sempre di più, e all'orizzonte, cioè a una distanza sufficientemente grande da noi, si avvicinano semplicemente l'una all'altra fino a fondersi completamente in una punto singolo. Dal punto di vista del buon senso, sembrerebbe che ciò sia assurdo. Se le rette sono parallele qui, allora sono parallele ovunque. Ma ecco una così grande fiducia dell'estetica rinascimentale nella realtà di questa fusione di linee parallele a una distanza abbastanza lontana da noi che un'intera scienza è apparsa in seguito da questo tipo di sensazioni umane reali: la geometria prospettica.

Estetica di base insegnamenti filosofici e teoria dell'arte

Nel primo umanesimo era particolarmente forte l'influenza dell'epicureismo, che serviva come forma di polemica contro l'ascetismo medievale e come mezzo per riabilitare la sensuale bellezza corporea, che i pensatori medievali mettevano in discussione.

Il Rinascimento ha interpretato la filosofia epicurea a modo suo, che si può vedere nell'opera dello scrittore Valla e nel suo trattato Sul piacere. Il sermone del piacere di Valla ha un significato contemplativo e autosufficiente. Nel suo trattato Valla insegna solo di tale piacere o piacere, che non è gravato da nulla, non minaccia nulla di male, che è disinteressato e spensierato, che è profondamente umano e allo stesso tempo divino.

Il neoplatonismo rinascimentale rappresenta un tipo completamente nuovo di neoplatonismo, che si opponeva alla scolastica medievale e all'aristotelismo "scolasticizzato". Le prime fasi dello sviluppo dell'estetica neoplatonica furono associate al nome di Nicola Cusano.

Kuzansky sviluppa il suo concetto di bello nel trattato Sulla bellezza. Con lui, la bellezza non appare semplicemente come un'ombra o una debole impronta del prototipo divino, come era caratteristico dell'estetica del Medioevo. In ogni forma del reale, del sensuale, traspare un'unica bellezza infinita, adeguata a tutte le sue particolari manifestazioni. Kuzansky rifiuta ogni idea di livelli gerarchici di bellezza, di bellezza superiore e inferiore, assoluta e relativa, sensuale e divina. Tutti i tipi e le forme di bellezza sono assolutamente uguali. La bellezza in Kuzansky è una proprietà universale dell'essere. Kuzansky estetizza tutto l'essere, qualsiasi realtà quotidiana, compresa la prosaica. In tutto ciò che ha forma, forma, c'è bellezza. Pertanto, il brutto non è contenuto nell'essere stesso, sorge solo da coloro che percepiscono questo essere. "Disgrazia - da chi l'accetta ...", - afferma il pensatore. Pertanto, l'essere non contiene bruttezza. Nel mondo c'è solo la bellezza come proprietà universale della natura e dell'essere in generale.

Secondo periodo maggiore nello sviluppo del pensiero estetico del neoplatonismo rinascimentale fu l'Accademia platonica di Firenze, guidata da Ficino . Ogni amore, secondo Ficino, è un desiderio. La bellezza non è altro che "desiderio di bellezza" o "desiderio di godere della bellezza". C'è bellezza divina, bellezza spirituale e bellezza corporea. La bellezza divina è una specie di raggio che penetra nella mente angelica o cosmica, poi nell'anima cosmica o nell'anima del mondo intero, poi nel regno sublunare o terreno della natura, e infine nel regno senza forma e senza vita della materia.

Nell'estetica di Ficino, la categoria del brutto riceve una nuova interpretazione. Se Nicola Cusano non ha posto per la bruttezza nel mondo stesso, allora nell'estetica dei neoplatonici la bruttezza è già indipendente. valore estetico. È connesso con la resistenza della materia, che si oppone all'attività spiritualizzante della bellezza ideale, divina. In accordo con ciò, sta cambiando anche il concetto di creatività artistica. L'artista non deve solo nascondere i difetti della natura, ma anche correggerli, come se ricreasse la natura.

Un enorme contributo allo sviluppo del pensiero estetico del Rinascimento è stato dato da un artista, architetto, scienziato, teorico dell'arte e filosofo italiano. Alberti . Al centro dell'estetica di Alberti c'è la dottrina della bellezza. La bellezza, secondo lui, sta nell'armonia. Ci sono tre elementi che compongono la bellezza, in particolare la bellezza di una struttura architettonica. Questi sono numero, vincolo e posizionamento. Ma la bellezza non è una semplice somma aritmetica di esse. Senza armonia, l'armonia superiore delle parti va in pezzi.

È caratteristico come Alberti interpreti il ​​concetto di "brutto". La bellezza è un'opera d'arte assoluta per lui. Il brutto agisce solo come un certo tipo di errore. Da qui l'esigenza che l'arte non corregga, ma nasconda oggetti brutti e brutti.

grande artista italiano da Vinci nella sua vita, lavoro scientifico e artistico, ha incarnato l'ideale umanistico di una "personalità completamente sviluppata". La gamma dei suoi interessi pratici e teorici era veramente universale. Comprendeva pittura, scultura, architettura, pirotecnica, ingegneria militare e civile, matematica e scienze, medicina e musica.

Proprio come Alberti, vede nella pittura non solo "il trasferimento delle creazioni visibili della natura", ma anche "finzione spiritosa". Allo stesso tempo, dà uno sguardo fondamentalmente diverso allo scopo e all'essenza delle belle arti, principalmente la pittura. Il problema principale della sua teoria, la cui risoluzione predeterminava tutte le altre premesse teoriche di Leonardo, era la definizione dell'essenza della pittura come modo di conoscere il mondo. "La pittura è una scienza e figlia legittima della natura" e "dovrebbe essere posta al di sopra di ogni altra attività, poiché contiene tutte le forme, esistenti e non esistenti in natura".

La pittura è presentata da Leonardo come quel metodo universale di conoscenza della realtà, che copre tutti gli oggetti del mondo reale, inoltre l'arte della pittura crea immagini visibili comprensibili e accessibili alla comprensione di tutti senza eccezioni. In questo caso, è la personalità dell'artista, arricchita dalla profonda conoscenza delle leggi dell'universo, che sarà lo specchio in cui si riflette il mondo reale, rifrangendosi attraverso il prisma dell'individualità creativa.

L'estetica personale-materica del Rinascimento, molto chiaramente espressa nell'opera di Leonardo, raggiunge le sue forme più intense in Michelangelo . Rivelando il fallimento del programma di rinascita estetica che poneva l'individuo al centro del mondo intero, le figure dell'Alto Rinascimento diversi modi esprimere questa perdita del supporto principale nel loro lavoro. Se in Leonardo le figure da lui raffigurate sono pronte a dissolversi nel loro ambiente, se sono, per così dire, avvolte da una sorta di foschia luminosa, allora Michelangelo è caratterizzato da un tratto completamente opposto. Ogni figura nelle sue composizioni è qualcosa di chiuso in sé, quindi le figure a volte sono così estranee l'una all'altra che l'integrità della composizione viene distrutta.

Trascinato fino alla fine della sua vita da un'ondata sempre crescente di esaltata religiosità, Michelangelo arriva alla negazione di tutto ciò che adorava in gioventù e, soprattutto, alla negazione di un corpo nudo in fiore, che esprime un potere sovrumano e energia. Smette di servire gli idoli del Rinascimento. Nella sua mente, vengono sconfitti, proprio come risulta essere sconfitto il principale idolo del Rinascimento: la fede nel potere creativo illimitato dell'uomo, attraverso l'arte che diventa uguale a Dio. L'intero percorso di vita che ha passato d'ora in poi sembra a Michelangelo una completa delusione.

La crisi degli ideali estetici del Rinascimento e dei principi estetici del manierismo

Uno dei segni molto evidenti del crescente declino del Rinascimento è la corrente artistica e teorico-estetica che prende il nome di Manierismo. La parola "maniera" originariamente significava uno stile speciale, cioè diverso dall'ordinario, quindi uno stile condizionale, cioè diverso dal naturale. Una caratteristica comune delle belle arti del Manierismo era il desiderio di liberarsi dall'ideale dell'arte del Rinascimento maturo.

Questa tendenza si manifestò nel fatto che furono messe in discussione sia le idee estetiche che la pratica artistica del Quattrocento italiano. Il tema dell'arte di quel periodo si contrappone all'immagine di una realtà mutata, trasformata. Sono stati apprezzati temi insoliti e sorprendenti, natura morta, oggetti inorganici. Il culto delle regole ei principi della proporzione furono messi in discussione.

I cambiamenti nella pratica artistica hanno portato modifiche e cambiamenti nell'enfasi sulle teorie estetiche. Prima di tutto, ciò riguarda i compiti dell'arte e la sua classificazione. Il problema principale diventa il problema dell'arte, non il problema della bellezza. "artificialità" diventa il più alto ideale estetico. Se l'estetica dell'Alto Rinascimento cercava regole precise, scientificamente verificate, con l'aiuto delle quali l'artista potesse ottenere un vero trasferimento della natura, allora i teorici del manierismo si oppongono al significato incondizionato di qualsiasi regola, soprattutto matematica. Il problema del rapporto tra natura e genio artistico è interpretato in modo diverso nell'estetica del manierismo. Per gli artisti del XV secolo, questo problema è stato risolto a favore della natura. L'artista crea le sue opere seguendo la natura, scegliendo ed estraendo la bellezza da tutta la varietà dei fenomeni. L'estetica del manierismo privilegia incondizionatamente il genio dell'artista. L'artista non deve solo imitare la natura, ma anche correggerla, sforzarsi di superarla.

L'estetica del manierismo, sviluppando alcune idee dell'estetica rinascimentale, negandone altre e sostituendole con nuove, rifletteva la situazione allarmante e contraddittoria del suo tempo. Chiarezza armonica ed equilibrio del Rinascimento maturo, ha contrastato la dinamica, la tensione e la raffinatezza del pensiero artistico e, di conseguenza, il suo riflesso nelle teorie estetiche, aprendo la strada a una delle principali tendenze artistiche del XVII secolo: il barocco.

6 . Estetica del nuovo tempo

Fondamenti razionalisti della cultura. È impossibile tracciare un confine perfettamente preciso tra le culture del XVI e XVII secolo. Già nel XVI secolo, nuove idee sul mondo iniziarono a prendere forma negli insegnamenti dei filosofi naturali italiani. Ma la vera svolta nella scienza dell'universo avviene a cavallo tra XVI e XVII secolo, quando Giordano Bruno, Galileo Galilei e Keplero, elaborando la teoria eliocentrica di Copernico, giungono alla conclusione sulla pluralità dei mondi, sulla l'infinità dell'universo, in cui la terra non è il centro, ma una piccola particella quando l'invenzione del telescopio e del microscopio rivelò all'uomo l'esistenza dell'infinitamente lontano e dell'infinitamente piccolo.

Nel XVII secolo è cambiata la comprensione dell'uomo, il suo posto nel mondo, il rapporto tra individuo e società. La personalità dell'uomo del Rinascimento è caratterizzata da assoluta unità e integrità, è priva di complessità e sviluppo. La personalità - del Rinascimento - si afferma secondo la natura, che è una forza buona. L'energia di una persona, così come la fortuna, determinano il suo percorso di vita. Tuttavia, questo umanesimo "idilliaco" non era più adatto alla nuova era, quando l'uomo cessò di riconoscersi come il centro dell'universo, quando sentì la complessità e le contraddizioni della vita, quando dovette condurre una feroce lotta contro il cattolicesimo feudale reazione.

La personalità del Seicento non è intrinsecamente preziosa, come la personalità del Rinascimento, dipende sempre dall'ambiente, dalla natura e dalla massa di persone, a cui vuole mostrarsi, per impressionarla e convincerla. Questa tendenza, da un lato, a colpire l'immaginazione delle masse e, dall'altro, a convincerle, è una delle caratteristiche principali dell'arte del XVII secolo.

L'arte del XVII secolo, come l'arte del Rinascimento, è caratterizzata dal culto dell'eroe. Ma questo è un eroe che non è caratterizzato da azioni, ma da sentimenti, esperienze. Ciò è dimostrato non solo dall'arte, ma anche dalla filosofia del XVII secolo. Descartes crea la dottrina delle passioni, mentre Spinoza considera i desideri umani "come se fossero linee, piani e corpi".

Questa nuova percezione del mondo e dell'uomo poté assumere nel Seicento una duplice direzione, a seconda dell'uso che se ne fece. In questo complesso, contraddittorio, sfaccettato mondo della natura e della psiche umana, si potrebbe sottolineare il suo lato caotico, irrazionale, dinamico ed emotivo, la sua natura illusoria, le sue qualità sensuali. Questo percorso ha portato allo stile barocco.

Ma l'accento potrebbe essere posto anche sulle idee chiare e distinte che vedono attraverso la verità e l'ordine in questo caos, sul pensiero alle prese con i suoi conflitti, sulla ragione che vince le passioni. Questo percorso ha portato al classicismo.

Il barocco e il classicismo, avendo ricevuto il loro design classico rispettivamente in Italia e in Francia, si diffusero in un modo o nell'altro in tutti i paesi europei e furono le tendenze dominanti nella cultura artistica del XVII secolo.

Principi estetici del barocco

Lo stile barocco ha origine in Italia, in un paese frammentato in piccoli stati, in un paese che conobbe la controriforma e una forte reazione feudale, dove i cittadini benestanti si trasformarono in un'aristocrazia terriera, in un paese dove fiorì la teoria e la pratica del Manierismo, e dove, allo stesso tempo, si sono conservate in tutto il suo splendore le più ricche tradizioni della cultura artistica del Rinascimento. Dal Manierismo il Barocco ha preso la sua soggettività, dal Rinascimento il suo fascino per la realtà, ma entrambi in una nuova rifrazione stilistica. E sebbene i resti del Manierismo continuino ad interessare il primo e anche il secondo decennio del XVII secolo, in sostanza, il superamento del Manierismo in Italia può considerarsi completato entro il 1600.

Uno dei problemi caratteristici dell'estetica barocca è il problema della persuasione, che ha origine nella retorica. La retorica non distingue la verità dalla plausibilità; come mezzi di persuasione, sembrano essere equivalenti - e quindi il soggettivismo illusorio, fantastico, dell'arte barocca, combinato con la classificazione della tecnica "artistica" per produrre un effetto che crea un'impressione soggettiva e fuorviante di plausibilità.

...

Documenti simili

Storia degli insegnamenti estetici. Estetica come dottrina della bellezza e arte, scienza della bellezza. Lo sviluppo degli insegnamenti estetici nei periodi dell'Antichità, del Medioevo, del Rinascimento, del New Age. Tendenze artistiche europee dei secoli XIX-XX.

presentazione, aggiunta il 27/11/2014


Tratti caratteristici dell'estetica del Rinascimento. Caratteristiche e fasi principali della cerimonia del tè, nata sotto l'influenza dell'estetica e della filosofia del buddismo zen. Uno studio del simbolismo della cerimonia matrimoniale nel Rinascimento e della polonaise come danza cerimoniale.

abstract, aggiunto il 05/03/2010


L'etica come scienza, la sua materia, compiti e caratteristiche. Storia delle dottrine etiche. Le principali direzioni in etica. Le principali categorie di etica e i loro problemi. L'estetica come scienza, materia, compiti e finalità. La storia dello sviluppo dell'estetica. Categorie estetiche di base.

libro, aggiunto il 27/02/2009


Oggetto e soggetto dell'estetica, posto nel sistema delle scienze. Lo sviluppo del pensiero estetico. Atteggiamento estetico nei confronti della realtà. Formazione dell'estetica come scienza. Lo sviluppo delle idee in linea con la filosofia. L'oggettività dell'estetica. Valore e valutazione del valore.

abstract, aggiunto il 30/06/2008


L'estetica del Rinascimento è associata a una rivoluzione che sta avvenendo in tutti i settori della vita pubblica. L'estetica del primo Rinascimento come estetica del primo umanesimo, l'alto Rinascimento - il neoplatonismo, il tardo - filosofia naturale. D. Bruno, T. Campanella.

abstract, aggiunto il 30/12/2008


Raffinata estetica femminile come parte dell'armonia che abbraccia la vita in Italia durante il Rinascimento. Ideali di bellezza delle nobili dame italiane; l'emergere di profumi "per mantenere la bellezza". Un trattato di Caterina Sforza sulle regole e le tecniche di applicazione del trucco.

abstract, aggiunto il 05/06/2012


Estetica - la filosofia dell'attività estetica e artistica. sistema estetico. Il significato della teoria per l'artista. Fondamenti di estetica. Tipi di categorie estetiche. Coerenza nell'estetica moderna. Progetto. Arte. Il valore dell'estetica.

abstract, aggiunto il 06/11/2008


Nella storia dell'estetica, il suo soggetto e i suoi compiti sono cambiati. Inizialmente, l'estetica faceva parte della filosofia e della cosmogonia e serviva a creare un'immagine olistica del mondo. L'estetica moderna riassume l'esperienza artistica del mondo. Fasi storiche nello sviluppo dell'estetica russa.

abstract, aggiunto il 21/05/2008


Aspetti storici della formazione dell'estetica della realtà o dell'estetica della vita, tra i cui rappresentanti vi sono grandi pensatori russi del XIX secolo come Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov e Pisarev. Estetica filosofica di Solovyov.

abstract, aggiunto il 18/11/2010


Caratteristiche della cultura antica, analisi delle specificità dell'antica estetica greca. Principi dell'estetica antica: mimesi, kalokagathia, catarsi. Il concetto di armonia e la specificità del canone estetico greco antico. Il desiderio dell'arte greca per l'idealizzazione.

L'ora più recente include anche il giorno dell'era artistica: avanguardia e realismo. originalità di queste epoche sta nel fatto che non si sviluppano sequenzialmente, ma storicamente in parallelo.

gruppi artistici d'avanguardia N uh ( premodernismo, modernismo, neomodernismo, postmodernismo) svilupparsi in parallelo con il gruppo realistico (realismo critico del XIX secolo, realismo socialista, prosa rurale, neorealismo, realismo magico, realismo psicologico, realismo intellettuale). In questo sviluppo parallelo di epoche appare accelerazione generale del movimento della storia.

Una delle principali disposizioni del concetto artistico delle tendenze d'avanguardia: caos, disordine "Legge vita moderna società umana. L'arte diventa caosologia, studio delle leggi del disordine mondiale.

Tutte le tendenze d'avanguardia riducono il conscio e accrescono l'inconscio a partire sia dal processo creativo che da quello della ricezione. Queste aree prestano grande attenzione all'arte di massa e ai problemi della formazione della coscienza dell'individuo.

Caratteristiche che accomunano i movimenti artistici d'avanguardia: un nuovo sguardo alla posizione e allo scopo dell'uomo nell'universo, il rifiuto di regole e norme precedentemente stabilite, dalle tradizioni e

manualità, sperimentazione nel campo della forma e dello stile, ricerca del nuovo mezzi artistici e trucchi.

Premodernismo - il primo (iniziale) periodo di sviluppo artistico dell'era delle avanguardie; un gruppo di tendenze artistiche nella cultura della seconda metà del XIX secolo, aprendo un'intera fase (la fase delle illusioni perdute) dell'ultimo sviluppo artistico.

Il naturalismo è una direzione artistica, l'invariante della concezione artistica di cui era l'affermazione di un uomo della carne nel mondo materiale-materiale; una persona, anche presa solo come individuo biologico altamente organizzato, merita attenzione in ogni sua manifestazione; nonostante tutte le sue imperfezioni, il mondo è stabile e tutti i dettagli su di esso sono di interesse generale. Nel concetto artistico di naturalismo, desideri e possibilità, ideali e realtà sono bilanciati, si avverte un certo compiacimento della società, la sua soddisfazione per la sua posizione e la riluttanza a cambiare qualcosa nel mondo.

Il naturalismo afferma che l'intero mondo visibile fa parte della natura e può essere spiegato dalle sue leggi, e non da cause soprannaturali o paranormali. Il naturalismo è nato dall'assolutizzazione del realismo e sotto l'influenza delle teorie biologiche darwiniane, dei metodi scientifici di studio della società e delle idee deterministiche di Taine e di altri positivisti.

Impressionismo - direzione artistica (seconda metà dell'Ottocento - inizio Novecento), l'invariante del concetto artistico di cui era l'affermazione di una personalità raffinata, liricamente reattiva, impressionabile, che ammirava la bellezza del mondo. L'impressionismo ha aperto un nuovo tipo di percezione della realtà. A differenza del realismo, che si concentra sulla trasmissione del tipico, l'impressionismo si concentra sulla visione speciale, individuale e soggettiva dell'artista.

L'impressionismo è una padronanza del colore, del chiaroscuro, la capacità di trasmettere la diversità, la vita multicolore, la gioia di essere, di catturare fugaci momenti di illuminazione e lo stato generale del mondo che cambia circostante, di trasmettere l'aria aperta - il gioco della luce e le ombre intorno a persone e cose, l'ambiente aereo, l'illuminazione naturale, che conferiscono un aspetto estetico all'oggetto raffigurato.

L'impressionismo si è manifestato nella pittura (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) e nella musica (C. Debussy e M. Ravel, A. Scriabin), e in letteratura (in parte G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eclettismo- una direzione artistica (che si è manifestata principalmente in architettura), che implica, durante la creazione di opere, qualsiasi combinazione di qualsiasi forma del passato, qualsiasi tradizione nazionale, franco decorativo, intercambiabilità ed equivalenza di elementi in un'opera, violazione della gerarchia nel sistema artistico e indebolendo il sistema e l'integrità.

L'eclettismo è caratterizzato da: 1) una sovrabbondanza di decorazioni; 2) uguale importanza dei vari elementi, tutte le forme stilistiche; 3) perdita di distinzione tra un edificio massiccio e unico in un insieme urbano o un'opera letteraria e altre opere processo letterario; 4) mancanza di unità: la facciata si stacca dal corpo dell'edificio, il dettaglio - dall'insieme, lo stile della facciata - dallo stile degli interni, gli stili dei vari spazi dell'interno - tra loro ; 5) facoltativo composizione assiale-simmetrica (allontanamento dalla regola del numero dispari di finestre in facciata), uniformità della facciata; 6) il principio del "non finito" (incompletezza dell'opera, apertura della composizione); 7) rafforzamento

pensiero associativo dell'autore (artista, scrittura la, architetto) e spettatore; 8) liberazione dall'antica tradizione e affidamento alle culture di epoche diverse e popoli diversi; brama per l'esotico; 9) multistile; 10) personalità non regolamentata (a differenza del classicismo), soggettivismo, libera manifestazione di elementi personali; 11) democratismo: la tendenza a creare un tipo di abitazione urbana universale e non di classe.

Funzionalmente, l'eclettismo in letteratura, architettura e altre arti è finalizzato a servire il "terzo stato". L'edificio chiave del barocco è una chiesa o un palazzo, l'edificio chiave del classicismo è un edificio statale, l'edificio chiave dell'eclettismo è un condominio ("per tutti"). Il decorativismo eclettico è un fattore di mercato sorto per attirare un'ampia clientela in un condominio in cui vengono affittati appartamenti. Casa redditizia - un tipo di alloggio di massa.

Modernismo- un'era artistica che unisce movimenti artistici il cui concetto artistico riflette l'accelerazione della storia e il rafforzamento della sua pressione su una persona (simbolismo, rayonismo, fauvismo, primitivismo, cubismo, acmeismo, futurismo); il periodo dell'incarnazione più completa dell'avanguardia. Durante il periodo del modernismo, lo sviluppo e il cambiamento delle tendenze artistiche si sono verificati rapidamente.

I movimenti artistici modernisti sono costruiti decostruendo la struttura tipologica opera classica- alcuni dei suoi elementi diventano oggetto di esperimenti artistici. IN arte classica questi elementi sono equilibrati. Il modernismo ha sconvolto questo equilibrio rafforzando alcuni elementi e indebolendone altri.

Simbolismo- la direzione artistica dell'era del modernismo, che afferma il concetto artistico: il sogno del poeta è la cavalleria e una bella signora. Sogni di

cavalleria, adorazione di una bella signora riempiono la poesia simbolismo.

Nasce il simbolismo in Francia. I suoi maestri furono Baudelaire, Mallarmé, Verlaine e Rimbaud.

L'acmeismo è una direzione artistica della letteratura russa dell'inizio del XX secolo, nata in " età dell'argento”, che esisteva principalmente nella poesia e affermava: il poeta- uno stregone e orgoglioso sovrano del mondo, svelandone i misteri e superando il suo caos.

All'acmeismo appartenevano: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich e altri Futurismo- la direzione artistica dell'era del modernismo, affermando una personalità aggressivamente militante nel caos urbano organizzato del mondo.

Definizione artistica fattore del futurismo - dinamica. I futuristi implementarono il principio della sperimentazione illimitata e raggiunsero soluzioni innovative nella letteratura, nella pittura, nella musica e nel teatro.

Primitivismo- una direzione artistica che semplifica l'uomo e il mondo, sforzandosi di vedere il mondo con gli occhi dei bambini, con gioia e semplicità, al di fuori degli "adulti"» le difficoltà. Questo desiderio dà origine a forti e lati deboli primitivismo.

Il primitivismo è una nostalgia atavica del passato, un desiderio di uno stile di vita pre-civilizzato.

Il primitivismo cerca di catturare i contorni principali mondo complesso alla ricerca di colori e linee gioiosi e comprensibili in esso. Il primitivismo è una contrapposizione alla realtà: il mondo diventa più complesso e l'artista lo semplifica. Tuttavia, l'artista semplifica poi il mondo per far fronte alla sua complessità.

Cubismo - una varietà geometrizzata di primitivismo che semplifica la realtà, percependola con occhi infantili o "selvaggi".

il primo carattere della primitivizzazione: la visione del mondo attraverso le forme di figure geometricamente regolari.

Il cubismo in pittura e scultura è stato sviluppato dagli artisti italiani D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Tedesco - E.L. Kirchner, G. Richter; Americano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, messicano Diego Rivera, argentino E. Pettoruti, ecc.

Nel cubismo si sentono le costruzioni architettoniche; le masse si accoppiano meccanicamente l'una con l'altra e ogni massa conserva la sua indipendenza. Il cubismo ha aperto una direzione fondamentalmente nuova nell'arte figurativa. Le opere condizionali del cubismo (Braque, Gris, Picasso, Léger) mantengono il loro legame con il modello. I ritratti corrispondono agli originali e sono riconoscibili (un critico americano in un caffè parigino ha riconosciuto un uomo a lui noto solo da un ritratto di Picasso, composto da figure geometriche).

I cubisti non raffigurano la realtà, ma creano una "realtà diversa" e trasmettono non l'aspetto di un oggetto, ma il suo design, l'architettura, la struttura, l'essenza. Non riproducono un "fatto narrativo", ma incarnano visivamente la loro conoscenza del soggetto raffigurato.

Astrattismo- direzione artistica dell'arte del XX secolo, la cui concezione artistica afferma la necessità dell'individuo di evadere dalla realtà banale e illusoria.

Le opere di arte astratta sono distaccate dalle forme della vita stessa e incarnano le impressioni cromatiche soggettive e le fantasie dell'artista.

Ci sono due correnti nell'astrattismo. Prima corrente astrattismo lirico-emotivo, psicologico: una sinfonia di colori, armonizzazione di combinazioni di colori informi. Questa tendenza è nata dalla diversità impressionistica delle impressioni sul mondo, incarnate nelle tele di Henri Matisse.

Il creatore della prima opera di astrattismo psicologico fu V. Kandinsky, che dipinse il dipinto "Montagna".

La seconda corrente l'astrattismo geometrico (logico, intellettuale) ("neoplasticismo") è cubismo non figurativo. Nella nascita di questa corrente ruolo essenziale interpretato da P. Cezanne e dai cubisti, che hanno creato un nuovo tipo di spazio artistico combinando varie forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate.

Suprematismo(l'autore del termine e il corrispondente fenomeno artistico Kazimir Malevich) - per l'astrattismo, affinando e approfondendo le sue caratteristiche. Malevich ha aperto la tendenza del "Suprematismo" nel 1913 con il dipinto "Black Square". Successivamente, Malevich ha formulato i suoi principi estetici: l'arte è durevole per il suo valore senza tempo; pura sensibilità plastica - "la dignità delle opere d'arte". L'estetica e la poetica del Suprematismo affermano formule e composizioni pittoriche universali (Suprematiste) - costruzioni ideali di elementi geometricamente regolari.

Il rayonismo è una delle tendenze quasi astrattiste che ha affermato la difficoltà e la gioia dell'esistenza umana e l'incertezza del mondo, in cui tutti gli oggetti illuminati da diverse fonti di luce risultano essere sezionati dai raggi di questa luce e perdono la loro chiara figuratività .

Il luchismo ha avuto origine in 1908 - 1910 gg. nel lavoro degli artisti russi Mikhail Larionov e sua moglie Natalia Goncharova.

Durante neomodernismo, da cui provengono tutti i movimenti artistici d'avanguardia da una tale comprensione della realtà: una persona non può resistere alla pressione del mondo e diventa un neo-umano. Durante questo periodo, lo sviluppo

Ci sono movimenti artistici d'avanguardia che affermano concetti artistici tristi e pessimisti del mondo e della personalità. Tra loro Dadaismo, costruttivismo, surrealismo, esistenzialismo, neoastrattismo, ecc.

Il dadaismo è un movimento artistico che afferma un concetto artistico; mondo- follia insensata, rivedendo la ragione e la fede.

I principi del dadaismo erano; rompere con le tradizioni della cultura mondiale, comprese le tradizioni della lingua; fuga dalla cultura e dalla realtà, l'idea del mondo come un caos di follia, in cui viene gettata una persona indifesa; pessimismo, incredulità, negazione dei valori, un sentimento di perdita generale e insensatezza dell'essere, la distruzione degli ideali e lo scopo della vita. Il dadaismo è espressione della crisi dei valori classici della cultura, della ricerca di un nuovo linguaggio e di nuovi valori.

Il surrealismo è un movimento artistico che si concentra su una persona confusa in un mondo misterioso e inconoscibile. Il concetto di personalità nel surrealismo potrebbe essere riassunto nella formula dell'agnosticismo: “Sono un uomo, ma i confini della mia personalità e del mondo si sono sfumati. Non so dove inizia il mio "io" e dove finisce, dov'è il mondo e cos'è?

Il surrealismo come direzione artistica è stato sviluppato da: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dalì, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Il surrealismo è nato dal dadaismo, originariamente come direzione letteraria, che in seguito ha trovato la sua espressione nella pittura, oltre che nel cinema, nel teatro e in parte nella musica.

Per il surrealismo, l'uomo e il mondo, lo spazio e il tempo sono fluidi e relativi. Perdono i loro confini. Si proclama il relativismo estetico: tutto scorre, tutto è

sembra essere confuso, si offusca; niente è certo. Il surrealismo afferma la relatività del mondo e il suo valori. Non ci sono confini tra felicità e infelicità, individuo e società. Caos del mondo provoca il caos del pensiero artistico- questo è il principio dell'estetica del surrealismo.

Il concetto artistico del surrealismo afferma il mistero e l'inconoscibilità del mondo, in cui il tempo e la storia scompaiono, e una persona vive nel subconscio ed è impotente di fronte alle difficoltà.

Espressionismo- una direzione artistica che afferma: alienata, una persona vive in un mondo ostile. Come l'eroe del tempo, l'espressionismo proponeva una personalità irrequieta, sopraffatta dalle emozioni, [incapace di portare armonia in un mondo lacerato dalle passioni. -

L'espressionismo come direzione artistica nasce sulla base dei rapporti con vari ambiti dell'attività scientifica: con la psicoanalisi di Freud, la fenomenologia di Husserl, l'epistemologia neokantiana, la filosofia del Circolo di Vienna e la psicologia della Gestalt.

L'espressionismo si è manifestato in diversi tipi di arte: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - nella pittura; A. Rimbaud, A. Yu Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - in letteratura; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - nella musica.

L'espressionismo sulla base della cultura del XX secolo. ravviva il romanticismo. espressionismo paura intrinseca del mondo e contraddizione tra dinamismo esterno e l'idea dell'essenza immutabile del mondo (incredulità nella possibilità del suo miglioramento). Secondo artistico concetti dell'espressionismo, le forze essenziali della personalità sono alienate nell'opposizione uomo e istituzioni pubbliche ostili: tutto è inutile. Ecc l'espressionismo è un'espressione del dolore di un artista umanista,

causatogli dall'imperfezione del mondo. Concetto espressionista di personalità: Umano- un essere emotivo, “naturale”, estraneo al mondo industriale e razionale, urbano, in cui è costretto a vivere.

Costruttivismo- direzione artistica (anni '20 del XX secolo), la cui invariante concettuale è l'idea- l'esistenza dell'uomo si svolge in un ambiente di forze industriali alienate da lui; e l'eroe del tempo- razionalista della società industriale.

I principi neopositivisti del cubismo, essendo nati nella pittura, furono estesi in forma trasformata alla letteratura e alle altre arti e si consolidarono in una nuova direzione, convergendo con le idee del tecnicismo - costruttivismo. Quest'ultima considerava i prodotti dell'industria come indipendenti, alienati dall'individuo e opposti ai suoi valori. Il costruttivismo è apparso all'alba rivoluzione scientifica e tecnologica e idealizzato le idee del tecnicismo; apprezzava le macchine ei loro prodotti rispetto all'individuo. Anche nelle opere più geniali e umanistiche del costruttivismo, i fattori alienanti del progresso tecnologico sono dati per scontati. Il costruttivismo è pieno di pathos di progresso industriale, convenienza economica; è tecnocratico.

L'estetica del costruttivismo si è sviluppata tra gli estremi (a volte cadendo in uno di essi): l'utilitarismo, che richiede la distruzione dell'estetica e l'estetismo. Nelle arti visive e nell'architettura, i principi creativi del costruttivismo sono il più vicino possibile all'ingegneria e includono: calcolo matematico, laconicismo dei mezzi artistici, schematismo della composizione, logica.

In letteratura, il costruttivismo come direzione artistica si sviluppò (1923 - 1930) nel lavoro del gruppo

LCC (Centro Letterario Costruttivista): I.L. Selvinskij, B.N. Agapov, V.M. Inber, HA Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, KL Zelinsky (teorico del gruppo) e altri.Il costruttivismo influenzò anche il teatro (l'opera di regia di Vsevolod Meyerhold, che sviluppò i principi della biomeccanica, dell'ingegneria teatrale e introdusse elementi di uno spettacolo circense nell'azione scenica. Le idee del costruttivismo abbracciarono vari tipi dell'arte, ma ebbe la maggiore influenza sull'architettura Ciò influenzò in particolare il lavoro di Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko e VG Gelfreich.

Esistenzialismo- il concetto di esistenza umana, il suo posto e ruolo in questo mondo, il rapporto con Dio. L'essenza dell'esistenzialismo- il primato dell'esistenza sull'essenza (l'uomo stesso forma la sua esistenza e, scegliendo cosa fare e cosa non fare, fa esistere l'essenza). L'esistenzialismo afferma una personalità solitaria, egoista e di valore nel mondo dell'assurdo. Per l'esistenzialismo, l'individuo è al di sopra della storia.

Nella sua concezione artistica, l'esistenzialismo (J.P. Sartre, A. Camus) afferma che i fondamenti stessi dell'esistenza umana sono assurdi, se non altro perché l'uomo è mortale; la storia va di male in peggio e di nuovo male. Non c'è movimento verso l'alto, c'è solo lo scoiattolo ruota storia in cui la vita dell'umanità ruota senza senso.

La solitudine fondamentale, affermata dal concetto artistico dell'esistenzialismo, ha la logica conseguenza opposta: la vita non è assurda dove una persona continua se stessa nell'umanità. Ma se una persona è un solitario, se è l'unico valore al mondo, allora è socialmente svalutato, non ha futuro e quindi la morte è assoluta. Cancella una persona e la vita diventa priva di significato.

Neoastrattismo(astrattismo della seconda ondata) - autoespressione spontanea-impulsiva; un rifiuto fondamentale della figuratività, della rappresentazione della realtà, in nome della pura espressività; flusso di coscienza catturato a colori.

Il neoastrattismo è stato creato da una nuova generazione di astrattisti: J. Paul Lak, De Kuhn e Yig, A. Manisirer e altri, che hanno padroneggiato la tecnica surreale ei principi dell '"automatismo mentale". Paul Lak sottolinea nell'atto creativo non l'opera, ma il processo stesso della sua creazione. Questo processo diventa fine a se stesso e qui si formano le origini della “pittura-azione”.

I principi del neoastrattismo furono confermati da M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Birra, signor Raton. Il teorico italiano D. Severini ha esortato a dimenticare la realtà, poiché non influisce sull'espressione plastica. Un altro teorico, M. Zefor, ritiene che il merito della pittura astratta sia quello di non portare nulla dal normale ambiente della vita umana. La fotografia ha tolto la figuratività alla pittura, lasciando a quest'ultima solo possibilità espressive per rivelare il mondo soggettivo dell'artista.

L'anello debole nella teoria dell'astrattismo e del neoastrattismo è l'assenza di chiari criteri di valore per distinguere la creatività dalla speculazione, la serietà dallo scherzo, il talento dalla mediocrità, l'abilità dall'inganno.

Soluzioni artistiche di astrattismo e neoastrattismo (armonizzazione di colore e forma, creazione di "equilibrio" di piani di diverse dimensioni a causa dell'intensità del loro colore) sono utilizzate in architettura, design, arti decorative, teatro, cinema e televisione.

Postmodernismo poiché un'era artistica porta un paradigma artistico che lo afferma una persona non può resistere alla pressione del mondo e diventa un postumano. Tutte le direzioni artistiche di questo

periodo permeato di questo paradigma, manifestandolo e rifrangendolo attraverso i loro concetti invarianti del mondo e della personalità: pop art, sonopucmuka, aleatori, puntinismo musicale, iperrealismo, happening, ecc.

Pop Art- nuova arte figurativa. La pop art ha opposto al rifiuto astrattista della realtà il mondo grezzo delle cose materiali, a cui viene attribuito uno status artistico ed estetico.

I teorici della pop art sostengono che in un certo contesto ogni oggetto perde il suo significato originario e diventa un'opera d'arte. Pertanto, il compito dell'artista non è inteso come la creazione di un oggetto artistico, ma come dare qualità artistiche a un oggetto ordinario organizzando un certo contesto per la sua percezione. L'estetizzazione del mondo materiale diventa il principio della pop art. Gli artisti si sforzano di ottenere l'orecchiabilità, la visibilità e l'intelligibilità delle loro creazioni, utilizzando la poetica delle etichette e della pubblicità per questo. La pop art è una composizione di oggetti di uso quotidiano, a volte combinati con un modello o una scultura.

Automobili accartocciate, fotografie sbiadite, ritagli di giornali e poster incollati su scatole, un pollo ripieno sotto un barattolo di vetro, una scarpa sbrindellata dipinta con pittura ad olio bianca, motori elettrici, vecchi pneumatici o stufe a gas: queste sono le mostre d'arte della pop art.

Tra gli artisti della pop art si possono identificare: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine e altri.

La pop art come direzione artistica ha una serie di varietà (tendenze): arte op (artistica effetti ottici organizzati, accostamenti geometrizzati di linee e macchie), env-apm(composizioni, organizzazione artistica dell'ambiente che circonda lo spettatore), e-mail(oggetti che si muovono con l'ausilio di motori elettrici

e costruzioni, questa tendenza della pop art si è distinta come direzione artistica indipendente - cinetismo).

La pop art ha proposto il concetto di identità del consumatore della società del "consumo di massa". La personalità ideale della pop art è un consumatore umano, per il quale le nature morte estetizzate delle composizioni di merci dovrebbero sostituire la cultura spirituale. Le parole sostituite dalle merci, la letteratura sostituita dalle cose, la bellezza sostituita dall'utilità, l'avidità per il materiale, il consumo di merci, la sostituzione dei bisogni spirituali, sono caratteristiche della pop art. Questa direzione è fondamentalmente orientata verso una persona di massa, non creativa, privata del pensiero indipendente e che prende in prestito i "suoi" pensieri dalla pubblicità e dai mass media, una persona manipolata dalla televisione e da altri media. Questa personalità è programmata dalla pop art per adempiere ai ruoli assegnati di acquirente e consumatore, demolendo diligentemente l'influenza alienante della civiltà moderna. Personalità della Pop Art - Zombie della cultura di massa.

L'iperrealismo è un movimento artistico la cui concezione artistica è invariante: un sistema vivente spersonalizzato in un mondo crudele e rude.

Iperrealismo: crea pittoresche opere soprannaturali che trasmettono i più piccoli dettagli dell'oggetto raffigurato. Le trame dell'iperrealismo sono volutamente banali, le immagini sono enfaticamente "oggettive". Questa direzione riporta gli artisti alle solite forme e mezzi delle belle arti, in particolare alla tela pittorica, rifiutata dalla pop art. L'iperrealismo fa della morte, dell'uomo, della "seconda" natura dell'ambiente urbano i temi principali dei suoi dipinti: distributori di benzina, automobili, vetrine, edifici residenziali, cabine telefoniche, che vengono presentati come alienati dall'uomo.

L'iperrealismo mostra le conseguenze dell'eccessiva urbanizzazione, la distruzione dell'ecologia dell'ambiente, dimostra che la metropoli crea un ambiente disumano. Il tema principale dell'iperrealismo è la vita meccanizzata impersonale della città moderna.

Base teorica iperrealismo - le idee filosofiche della scuola di Francoforte, che afferma la necessità di allontanarsi dalle forme ideologizzate del pensiero figurativo.

Opere d'arte fotorealismo si basano su una fotografia molto ingrandita e sono spesso identificate con l'iperrealismo. Tuttavia, sia in termini di tecnologia di creazione di un'immagine sia, soprattutto, in termini di invariante della concezione artistica del mondo e della personalità, si tratta, sebbene vicine, ma di direzioni artistiche diverse. Gli iperrealisti imitavano le foto con mezzi pittorici su tela, i fotorealisti imitano i dipinti elaborando (con vernici, collage) fotografie.

Il fotorealismo afferma la priorità della concezione documentaria e artistica: una persona affidabile e ordinaria in un mondo affidabile e ordinario.

Lo scopo del fotorealismo è l'immagine della vita quotidiana moderna. Strade, passanti, vetrine, automobili, semafori, case, oggetti per la casa sono riprodotti nelle opere del fotorealismo in modo autentico, oggettivo e super simile.

Le caratteristiche principali del fotorealismo: 1) figuratività, in opposizione alle tradizioni dell'astrattismo; 2) attrazione per la trama; 3) la volontà di evitare "cliché realistici" e documentaristici; 4) affidamento sui risultati artistici della tecnologia fotografica.

Sonoristica- direzione nella musica: il gioco dei timbri, che esprime l '"io" dell'autore. Per i suoi rappresentanti, non è importante il tono, ma il timbro. Stanno cercando nuovi musicale colori, suono non convenzionale: suonano su un bastone, su

sega, bacchette sulle corde del pianoforte, schiaffo sul ponte, su telecomando, il suono viene prodotto pulendo il bocchino con un fazzoletto.

Nella pura musica sonora, la melodia, l'armonia e il ritmo non giocano un ruolo speciale, conta solo il suono del timbro. La necessità di ripararlo ha dato vita a speciali forme grafiche di registrazione del timbro sotto forma di linee sottili, audaci, ondulate, a forma di cono. A volte viene indicato anche l'intervallo in cui l'esecutore deve suonare.

Il fondatore della musica sonora fu il compositore polacco K. Penderecki, e la sua iniziativa fu continuata da K. Serocki, S. Bussotti e altri.

Puntinismo musicale- direzione nella vista frontale * una caratteristica della quale è la rottura del tessuto musicale, la sua dispersione nei registri, la complessità del ritmo e dei tempi in chiave, l'abbondanza di pause.

Il puntinismo musicale si rifiuta di creare un intelligibile realtà artistica(da una realtà che potrebbe essere compresa sulla base della tradizione musicale e artistica mondiale e utilizzando i codici semiotici musicali tradizionali). Il puntinismo orienta l'individuo verso l'emigrazione nel mondo della sua anima e afferma la frammentazione del mondo circostante.

Aleatoria- direzione artistica della letteratura e della musica, basata sulla nozione filosofica che il caso regna nella vita, e affermando il concetto artistico: l'uomo- giocatore nel mondo delle situazioni casuali.

Rappresentanti di aleatori: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky e altri. Il caso invade letterario o opere musicali meccanicamente: lanciando fiches (dadi), giocando a scacchi, mescolando pagine o frammenti variabili, nonché utilizzando

improvvisazione: il testo musicale viene scritto in “segni-simboli” e poi liberamente interpretato.

accadendo- questo è uno dei tipi di cultura artistica moderna in Occidente. A. Keprou è stato l'autore delle prime produzioni dell'happening "Courtyard", "Creations". Gli spettacoli di successo implicano azioni misteriose, a volte illogiche degli artisti e sono caratterizzati da un'abbondanza di oggetti di scena realizzati con cose che erano in uso e persino prelevate da una discarica. I partecipanti all'happening indossano costumi luminosi, esageratamente ridicoli, sottolineando l'inanimatezza degli artisti, la loro somiglianza con scatole o secchi. Alcune esibizioni consistono, ad esempio, nel doloroso rilascio da sotto un telone. Allo stesso tempo, il comportamento individuale degli attori è improvvisato. A volte gli attori si rivolgono al pubblico con una richiesta di aiuto. Questa inclusione dello spettatore nell'azione corrisponde allo spirito dell'evento.

Il concetto di mondo e di personalità proposto dall'accaduto può essere formulato così: il mondo- una catena di eventi casuali, una persona deve sentirsi soggettivamente completa libertà, ma in realtà obbedire a una singola azione, essere manipolata.

Happening utilizza il light painting: la luce cambia continuamente colore e forza, è diretta direttamente sull'attore o risplende attraverso schermi realizzati con materiali diversi. Spesso è accompagnato da effetti sonori (voci umane, musica, tintinnio, crepitio, stridore). Il suono a volte è molto forte, inaspettato, pensato per un effetto shock. La presentazione include lucidi e fotogrammi di pellicola. Laura utilizza anche sostanze aromatiche. L'esecutore riceve un compito dal regista, ma la durata delle azioni dei partecipanti non è determinata. Tutti possono lasciare il gioco quando vogliono.

Happening è organizzato in luoghi diversi: nei parcheggi, nei cortili circondati da grattacieli, nel sottosuolo. bastioni, solai. Lo spazio dell'evento, secondo i principi di questa azione, non dovrebbe limitare l'immaginazione dell'artista e dello spettatore.

Il teorico dell'happening M. Kerby riferisce questo tipo di spettacolo al campo del teatro, anche se osserva che l'happening differisce dal teatro in assenza della struttura tradizionale della performance: trama, personaggi e conflitto. Altri ricercatori associano la natura dell'evento alla pittura e alla scultura, e non al teatro.

Con le sue origini, l'happening risale alle ricerche artistiche dei primi del '900, ai tentativi di alcuni pittori e scultori di spostare l'attenzione da un dipinto o una scultura al processo stesso della loro creazione. origini nell'“action painting”: negli “spruzzi di goccioline” di J. Pollock, nelle pennellate “taglienti” di De Kooning, nelle performance pittoriche in costume di J. Mathieu.

arte autodistruttiva- questo è uno degli strani fenomeni del postmodernismo. Dipinti dipinti con vernice che sbiadisce davanti al pubblico. Il libro "Nothing", pubblicato negli USA nel 1975 e ristampato in Inghilterra. Ha 192 pagine e nessuna di esse ha una sola riga. L'autore afferma di aver espresso il pensiero: non ho niente da dirti. Tutti questi sono esempi di arte autodistruttiva. Ha anche la sua espressione nella musica: l'esecuzione di un brano su un pianoforte fatiscente o su un violino in decomposizione, e così via.

Concettualismo- è una direzione artistica Arte occidentale, che, nella sua concezione artistica, afferma una persona che è distaccata dal significato diretto (immediato) della cultura e che è circondata da prodotti estetizzati dell'attività intellettuale.

Le opere del concettualismo sono imprevedibilmente diverse nella loro consistenza e aspetto: foto, fotocopie di testi, telegrammi, riproduzioni, grafici, colonne di numeri, schemi. Il concettualismo non utilizza il prodotto intellettuale dell'attività umana per lo scopo previsto: il destinatario non deve leggere e interpretare il significato del testo, ma percepirlo come un prodotto puramente estetico, interessante nel suo aspetto.

Rappresentanti del concettualismo; Artisti americani T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler e altri.

Realismo critico del XIX secolo,- direzione artistica” che propone il concetto: il mondo e l'uomo sono imperfetti; Uscita- non resistenza al male con la violenza e l'auto-miglioramento.

M realismo socialista- una direzione artistica che afferma un concetto artistico: una persona è socialmente attiva ed è inclusa nella creazione della storia con mezzi violenti"

realismo contadino- una direzione artistica che afferma che il contadino è il principale portatore di moralità e il sostegno della vita nazionale.

Realismo contadino (prosa del villaggio) - la direzione letteraria della prosa russa (anni '60 -'80); tema centrale - villaggio moderno, il protagonista è un contadino, l'unico vero rappresentante del popolo e portatore di ideali.

neorealismo- la direzione artistica del realismo del Novecento, che si è manifestata nel cinema italiano del dopoguerra e in parte nella letteratura. Caratteristiche: il neorealismo ha mostrato uno stretto interesse per un uomo del popolo, per la vita persone normali: acuta attenzione ai dettagli, osservazione e fissazione di elementi entrati in vita dopo la seconda guerra mondiale. Produ-

Gli insegnamenti del neorealismo affermano le idee dell'umanesimo, l'importanza dei semplici valori della vita, la gentilezza e la giustizia nelle relazioni umane, l'uguaglianza delle persone e la loro dignità, indipendentemente dal loro stato di proprietà.

Realismo magico- la direzione artistica del realismo, che afferma il concetto: una persona vive in una realtà che unisce modernità e storia, il soprannaturale e il naturale, il paranormale e l'ordinario.

Peculiarità realismo magico- episodi fantastici si sviluppano secondo le leggi della logica quotidiana come realtà quotidiana.

realismo psicologico- movimento artistico del XX secolo, proponendo il concetto: l'individuo è responsabile; il mondo spirituale dovrebbe essere riempito da una cultura che promuova la fratellanza delle persone e ne superi l'egocentrismo e la solitudine.

realismo intellettuale- Questa è la direzione artistica del realismo, nelle cui opere si svolge un dramma di idee ei personaggi nei volti “recitano” i pensieri dell'autore, esprimono vari aspetti della sua concezione artistica. Il realismo intellettuale presuppone una mentalità concettuale e filosofica dell'artista. Se il realismo psicologico cerca di trasmettere la plasticità del movimento dei pensieri, rivela la dialettica dell'anima umana, l'interazione del mondo e della coscienza, allora il realismo intellettuale cerca di risolvere artisticamente e in modo convincente problemi reali, di analizzare lo stato del mondo.

Informazioni simili.

Piano

introduzione

Domanda 1. Estetica della New Age ed estetica moderna

Domanda 2. I dettagli del protestantesimo, come una delle direzioni del cristianesimo

Conclusione

Elenco delle fonti utilizzate

introduzione

Oggetto di studio in lavoro di controlloè oggetto di etica, estetica e studi religiosi.

L'oggetto di studio sono i singoli aspetti della disciplina.

La rilevanza dello studio è causata, prima di tutto, dal fatto che ogni religione è una visione del mondo e un pensiero sociale, vestiti sotto forma di culto. Particolarmente interessanti per la ricerca sono i casi in cui la religione non rimane invariata, ma è integrata dalla vita e dai suoi cambiamenti. Allo stesso tempo, ogni periodo dello sviluppo umano, in accordo con le sue visioni morali, etiche e filosofiche, forma la propria etica ed estetica del comportamento e dell'attività umana nella società. I processi di sviluppo religioso sono spesso direttamente correlati a standard etici società e incarnazioni estetiche. A volte l'etica e l'estetica sono in contrasto con il culto religioso, anticipando e introducendo nuove idee filosofiche.

Lo scopo del lavoro sulla base del metodologico studiato e letteratura educativa caratterizzare l'oggetto di studio nel lavoro di controllo.

Per raggiungere questo obiettivo, si prevede di risolvere i seguenti compiti principali:

Considera le caratteristiche dell'estetica della New Age e dell'estetica moderna;

Descrivi il processo dell'emergere del protestantesimo e dei principi di questa religione, presenta le caratteristiche principali del culto di questa fede;

Riassumi i risultati della ricerca nel lavoro.

Domanda 1. Estetica della New Age ed estetica moderna

La base ideologica della New Age era l'umanesimo, e poi la filosofia naturale.

Umanesimo- dal lat. umano - riconoscimento del valore di una persona come persona, del suo diritto al libero sviluppo e alla manifestazione delle sue capacità. Approvazione del bene dell'uomo come criterio di valutazione delle relazioni sociali. IN senso filosofico- il libero pensiero secolare, che si oppone alla scolastica e al dominio spirituale della chiesa. In quest'epoca ebbe luogo una sorta di divinizzazione dell'uomo: il "microcosmo", un essere uguale a Dio che crea e crea se stesso. Queste viste sono antropocentrismo. Questo è un termine filosofico che ha messo radici nella seconda metà del XIX secolo per riferirsi a insegnamenti idealistici che vedono nell'uomo l'obiettivo centrale e più alto dell'universo. Ma le sue fondamenta furono gettate nel Rinascimento.

Panteismo- dal greco. theos, che significa dio. Questi sono insegnamenti religiosi e filosofici che identificano Dio e il mondo intero. Le tendenze panteistiche si manifestarono nel misticismo eretico del Medioevo. Il panteismo è caratteristico della filosofia naturale del Rinascimento e del sistema materialista di Spinoza, che identificava il concetto di "dio" e "natura".

Un tale atteggiamento nei confronti di una persona ha segnato l'emergere di nuove forme di autocoscienza e individualismo rinascimentale. L'accento è stato posto sulle questioni etiche, la dottrina del libero arbitrio dell'individuo, orientato al bene e al bene comune. C'è stata una sorta di riabilitazione dell'uomo e della sua mente. Ha rifiutato l'atteggiamento teologico medievale nei confronti dell'uomo come vaso peccaminoso, condannato alla sofferenza nella vita. La gioia e il piacere furono dichiarati lo scopo dell'esistenza terrena. Fu proclamata la possibilità di un'esistenza armoniosa dell'uomo e del mondo circostante. Gli umanisti hanno contribuito allo sviluppo dell'ideale di una personalità perfetta e completamente sviluppata, le cui virtù non erano determinate dalla nobiltà di nascita, ma da azioni, intelligenza, talenti e servizi alla società. Nell'umanesimo, fin dall'inizio, si conclusero tendenze filosofiche naturali, che ricevettero uno sviluppo speciale nel XVI secolo. il problema principale, che occupava i filosofi naturali - il rapporto tra Dio e la natura. Considerandolo, hanno cercato di superare il dualismo del pensiero medievale, hanno inteso il mondo come una connessione organica tra materia e spirito. Riconoscendo la materialità e l'infinità del mondo, hanno dotato la materia della capacità di riprodursi, e allo stesso tempo la vita, creando dottrina dello spazio abitativo. Così, nei sistemi filosofici del Rinascimento, si formò un'immagine panteistica del mondo. L'idea dell'animazione universale dell'universo metteva in discussione l'esistenza del soprannaturale, ultraterreno, poiché ogni cosa miracolosa veniva dichiarata naturale, naturale, potenzialmente conoscibile: non appena veniva scoperta e spiegata, come cessava di essere miracolosa. Tali giudizi andavano contro il dogma della chiesa. La scolastica medievale, basata sulla conoscenza e sulle autorità del libro, fu opposta dall'umanesimo e dalla filosofia naturale al razionalismo, un metodo sperimentale di conoscenza del mondo, basato sulla percezione sensoriale e sull'esperimento. Allo stesso tempo, l'animazione del cosmo ha portato all'idea di una misteriosa connessione tra uomo e natura, il riconoscimento delle scienze occulte. La scienza era intesa come magia naturale, l'astronomia era intrecciata con l'astrologia e così via. In generale, la comprensione della natura come padrone interiore, che agisce in modo indipendente, vivendo secondo le proprie leggi, ha significato una rottura con le idee medievali consolidate sul dio creatore e ha portato all'emergere di una nuova religione naturale. Questo sconvolgimento ideologico era basato sull'ascesa delle forze produttive, della produzione materiale, della scienza e della tecnologia. Tutto ciò ha portato al progressivo sviluppo dell'Europa.

La caratteristica distintiva più importante della visione del mondo rinascimentale è la sua attenzione per l'arte. Se il fulcro dell'antichità era la vita naturale-cosmica, nel Medioevo era Dio e l'idea di salvezza ad esso associata, poi nel Rinascimento il fulcro è sull'uomo. Pertanto, il pensiero filosofico di questo periodo può essere caratterizzato come antropocentrico.

Nel Rinascimento l'individuo acquisisce molta più indipendenza, rappresenta sempre più non questa o quell'unione, ma se stesso. Da qui nasce una nuova autocoscienza di una persona e della sua nuova posizione sociale: orgoglio e autoaffermazione, consapevolezza della propria forza e talento diventano le qualità distintive di una persona.

La versatilità è l'ideale di un uomo rinascimentale. La teoria dell'architettura, della pittura e della scultura, della matematica, della meccanica, della cartografia, della filosofia, dell'etica, dell'estetica, della pedagogia: questo è il circolo di studi, ad esempio, dell'artista e umanista fiorentino Alberti.

Torniamo al ragionamento di uno degli umanisti del XV secolo, Giovanni Pico (1463-1494), nella sua celebre Orazione sulla dignità dell'uomo. Dopo aver creato l'uomo e "postolo al centro del mondo", Dio, secondo questo filosofo, gli si rivolse con queste parole: "Non ti diamo, o Adamo, né un luogo certo, né la tua immagine, né un obbligo speciale, in modo che sia il luogo che Tu avevi un dovere di tua spontanea volontà, secondo la tua volontà e la tua decisione.

Pico ha l'idea di un uomo a cui Dio ha dato il libero arbitrio e che deve decidere lui stesso il suo destino, determinare il suo posto nel mondo. L'uomo qui non è solo un essere naturale, ma il creatore di se stesso.

Nel Rinascimento qualsiasi attività - sia essa l'attività di un artista, scultore, architetto o ingegnere, navigatore o poeta - è percepita in modo diverso rispetto all'antichità e al Medioevo. Presso gli antichi greci la contemplazione era posta al di sopra dell'attività (in greco la contemplazione è teoria). Nel Medioevo il lavoro era visto come una sorta di espiazione dei peccati. Tuttavia, la più alta forma di attività è qui riconosciuta come quella che conduce alla salvezza dell'anima, e per molti aspetti è simile alla contemplazione: è la preghiera, un rito liturgico. E solo nel Rinascimento l'attività creativa acquista una sorta di carattere sacro. Con il suo aiuto, una persona non solo soddisfa i suoi bisogni perticolare-terrestri; lui crea nuovo mondo, crea bellezza, crea la cosa più alta del mondo, se stesso. E non è un caso che proprio nel Rinascimento si sia sfumato per la prima volta il confine che prima esisteva tra scienza, attività tecnico-pratico e fantasia artistica. L'ingegnere e artista ora non è solo un "artigiano", "tecnico", ora è un creatore. D'ora in poi, l'artista imita non solo le creazioni di Dio, ma la stessa creatività divina. Nel mondo della scienza, troviamo un simile approccio in Keplero, Galileo, Navanieri.

Una persona cerca di liberarsi dalla sua radice trascendentale, cercando un punto d'appoggio non solo nel cosmo, dal quale è, per così dire, cresciuto durante questo periodo, ma in se stesso, in una nuova luce - un corpo attraverso il quale d'ora in poi vede la corporeità in modo diverso in generale. Per quanto paradossale possa sembrare, fu proprio la dottrina medievale della risurrezione dell'uomo nella carne a condurre a quella "riabilitazione" dell'uomo con tutta la sua corporeità materiale, così caratteristica del Rinascimento.

Il culto della bellezza caratteristico del Rinascimento è associato all'antropocentrismo, e non è un caso che la pittura, raffigurata principalmente bella volto umano E corpo umano diventare la forma d'arte dominante in quest'epoca. I grandi artisti - Botticelli, Leonardo da Vinci, Raffaello, la visione del mondo del Rinascimento riceve la sua massima espressione.

Nel Rinascimento, come mai prima, il valore dell'individuo aumentò. Né nell'antichità né nel Medioevo c'era un interesse così ardente per l'essere umano in tutta la sua diversità di manifestazioni. Soprattutto, in questa epoca, si colloca l'originalità e l'unicità di ogni individuo.

Ricco sviluppo della personalità in secoli XV-XVI spesso accompagnato da estremi di individualismo: il valore intrinseco dell'individualità significa l'assolutizzazione dell'approccio estetico all'uomo.

Domanda 2. I dettagli del protestantesimo, come una delle direzioni del cristianesimo

Il protestantesimo è una delle tre direzioni principali del cristianesimo, insieme al cattolicesimo e all'ortodossia, che è un insieme di numerose chiese e sette indipendenti legate in origine alla Riforma, un ampio movimento anticattolico del XVI secolo. in Europa. Il movimento iniziò in Germania nel 1517, quando M. Lutero pubblicò le sue "95 tesi", e terminò nella seconda metà del XVI secolo. riconoscimento ufficiale del protestantesimo. Durante il Medioevo furono fatti molti tentativi per riformare la Chiesa cattolica. Tuttavia, il termine "riforma" apparve per la prima volta nel XVI secolo; fu introdotto dai riformatori per esprimere l'idea della necessità che la chiesa tornasse alle sue origini bibliche. A sua volta, la Chiesa cattolica romana vedeva la Riforma come una ribellione, una rivoluzione. Il concetto di "protestante" è nato come nome comune per tutti i sostenitori della Riforma.

Lo sviluppo della scienza estetica nei paesi dell'Europa occidentale e negli Stati Uniti nella prima metà del nostro secolo ha espresso questo periodo contraddittorio in molti dei suoi concetti e teorie, principalmente di natura non realistica, per molti dei quali il termine "modernismo" fu fondato.

Il modernismo (dal francese moderno - l'ultimo, moderno) è un simbolo generale delle tendenze artistiche del XX secolo, caratterizzate dal rifiuto dei metodi tradizionali di rappresentazione artistica del mondo.

Modernismo come sistema artisticoè stato preparato da due processi del suo sviluppo: la decadenza (ovvero la fuga, il rifiuto della vita reale, il culto della bellezza come unico valore, il rifiuto dei problemi sociali) e l'avanguardia (i cui manifesti invitavano a rompere con l'eredità del passato e creare qualcosa di nuovo, contrario agli atteggiamenti artistici tradizionali).

Tutte le principali tendenze e correnti del modernismo - cubismo, espressionismo, futurismo, costruttivismo, immaginaismo, surrealismo, astrattismo, pop art, iperrealismo, ecc., Hanno rifiutato o trasformato completamente l'intero sistema di mezzi e tecniche artistiche. Nello specifico, dentro vari tipi arte, questo si esprimeva: in un cambiamento delle immagini spaziali e nel rifiuto dei modelli artistici e figurativi nelle arti visive; nella revisione dell'organizzazione melodica, ritmica e armonica nella musica; nell'emergere di un "flusso di coscienza", un monologo interno, montaggio associativo in letteratura, ecc. Le idee del volontarismo irrazionalista di A. Schopenhauer e F. Nietzsche, la dottrina dell'intuizione di A. Bergson e N. Lossky, la psicoanalisi 3 hanno avuto una grande influenza sulla pratica del modernismo Freud e C. G. Jung, l'esistenzialismo di M. Heidegger, J.-P. Sartre e A. Camus, la teoria della filosofia sociale della Scuola di Francoforte T. Adorno e G. Marcuse.

Lo stato d'animo emotivo generale delle opere degli artisti modernisti può essere espresso nella seguente frase: il caos della vita moderna, la sua disintegrazione contribuiscono al disordine e alla solitudine di una persona, i suoi conflitti sono insolubili e senza speranza e le circostanze in cui si trova posti sono insormontabili.

Dopo la seconda guerra mondiale, la maggior parte delle tendenze artistiche moderniste persero le loro precedenti posizioni di avanguardia. Nell'Europa e in America del dopoguerra, le culture "di massa" e "d'élite" iniziano a manifestarsi attivamente, con varie tendenze e tendenze estetiche corrispondenti ad esse, e si dichiarano anche scuole estetiche carattere non marxista. In generale, la fase postbellica nello sviluppo dell'estetica straniera può essere definita postmoderna.

Il postmodernismo è un concetto che denota un nuovo, l'ultimo fino ad oggi, super stadio nella catena delle tendenze della cultura che si cambiano naturalmente a vicenda nel corso della storia. Il postmodernismo come paradigma della cultura moderna è una direzione generale di sviluppo cultura europea formata negli anni '70. 20 ° secolo

L'emergere di tendenze postmoderne nella cultura è associato alla consapevolezza dei limiti del progresso sociale e alla paura della società che i suoi risultati minaccino la distruzione del tempo e dello spazio stesso della cultura. Il postmodernismo, per così dire, dovrebbe stabilire i limiti dell'intervento umano nello sviluppo della natura, della società e della cultura. Pertanto, il postmodernismo è caratterizzato dalla ricerca di un linguaggio artistico universale, dalla convergenza e dalla fusione di vari movimenti artistici, inoltre, dall '"anarchismo" degli stili, dalla loro infinita varietà, dall'eclettismo, dal collage, dal regno del montaggio soggettivo.

I tratti caratteristici del postmodernismo sono:

L'orientamento della cultura postmoderna e la "massa" e l'"élite" della società;

Influenza significativa dell'arte sulle sfere non artistiche dell'attività umana (sulla politica, religione, informatica, ecc.);

Pluralismo stilistico;

Ampia citazione nelle loro creazioni di opere d'arte di epoche precedenti;

ironia finita tradizioni artistiche culture del passato;

Utilizzando la tecnica del gioco durante la creazione di opere d'arte.

Nella creazione artistica postmoderna c'è un consapevole riorientamento dalla creatività alla compilazione e alla citazione. Per il postmodernismo, la creatività non è uguale alla creazione. Se il sistema "artista - opera d'arte" funziona nelle culture pre-postmoderne, allora nel postmodernismo l'enfasi si sposta sul rapporto "opera d'arte - spettatore", che indica un cambiamento fondamentale nell'autocoscienza dell'artista. Cessa di essere un "creatore", poiché il significato dell'opera nasce direttamente nell'atto della sua percezione. Un'opera d'arte postmoderna deve essere vista, esposta, non può esistere senza uno spettatore. Possiamo dire che nel postmodernismo c'è una transizione da "opera d'arte" a "costruzione artistica".

Il postmodernismo come teoria ha ricevuto una giustificazione significativa nelle opere di J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) e "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985 ) e altri

In questa sezione verranno analizzate solo le più importanti tendenze estetiche e scuole di orientamento non marxista, nonché i problemi chiave della scienza estetica del XX secolo.