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La vita personale di Eric Bulatov. Qual è cosa? Sui dipinti dell'artista Erik Bulatov di tempi diversi

Eric Bulatov. Rimbalzo. 1994

È l'unico artista russo le cui opere sono state esposte anche al Louvre, in Centro Nazionale arte e cultura intitolata a Pompidou e al Museo arte contemporanea Parigi. Nel 1988, Eric Bulatov è stato riconosciuto dall'UNESCO miglior artista dell'anno. Il maestro dice di riferirsi a questo stato di cose non senza ironia, intanto rimane autore di dipinti che riscuotono sempre successo nelle principali aste.

Eric Vladimirovich Bulatov è uno dei più famosi artisti d'avanguardia russi. È considerato uno dei fondatori della cosiddetta Sots Art. Nato a Sverdlovsk nel 1933. Laureato presso l'Istituto d'arte intitolato a VI Surikov.

Eric Bulatov. Louvre. Gioconda. 2006

I dipinti di Bulatov sono riconoscibili in tutto il mondo. Ciò è dovuto alla tecnica unica. Sots art o pop art in russo. I suoi quadri sono sempre saturi di simbolismo, che in forma crittografata presenta allo spettatore le sue osservazioni sull'assurdità della realtà sovietica, che è sull'orlo di una svolta correndo da una parte all'altra, cercando una via d'uscita, ma lì intorno sono solo vicoli ciechi, in giro ci sono solo funzionari con la loro completa arbitrarietà e l'onnipresente industria dell'Occidente, che è potente trafigge come un cuneo il guscio indebolito della cultura del popolo sovietico.

Spesso queste sono le parole e le frasi dei manifesti sovietici dell'epoca estrapolate dal contesto, sovrapposte al dipinto stesso, che si confermano, si autoironiano o si completano a vicenda. Tutto questo, come insoddisfazione per la realtà, come scherno, protesta e stato d'animo rivoluzionario, si riflette nell'arte di Erik Bulatov.

Eric Bulatov. Orizzonte. 1971-1972

In questo senso, l'artista si è rivelato un vero talento. Non sono molti gli artisti nel nostro Paese che, nel campo dell'avanguardia, sono riusciti a guadagnarsi una tale popolarità in tutto il mondo. Il punto qui non sono nemmeno i sentimenti antisovietici in alcuni paesi del mondo, che trovano sostegno nei suoi dipinti, ma il talento stesso dell'autore, il suo approccio alla pittura, al simbolismo, a un nuovo genere che ha nutrito e messo sui suoi piedi.

E. Bulatov iniziò a realizzare i primi inserti nel 1957. Poi le mostre si sono svolte esclusivamente in Russia, che però era piuttosto richiesta perché la società, nelle parole di Viktor Tsoi, "aspettava i cambiamenti". Dal 1973 l'artista inizia ad esporre all'estero. Dal 1992 vive a Parigi. Considerato uno degli artisti russi più costosi. La sua opera "Soviet Space" è stata venduta per 1,6 milioni di dollari all'asta Philips.

Eric Bulatov. Via Krasikov. 1977

"Volevo mostrare vita sovietica così com'è, senza esprimere alcuna relazione con esso. Non c'era alcuna protesta evidente nel mio dipinto, non avevo alcun desiderio di convincere lo spettatore di qualcosa: guarda com'è terribile! Non ero un eroe della lotta sociale come Oscar Rabin. Il mio compito era fondamentalmente diverso: volevo che lo spettatore vedesse la propria vita così com'è, ma la vedesse dall'esterno".

"Volevo creare una distanza tra questa realtà e la coscienza dello spettatore. Questo era ciò che l'immagine serviva, funzionando come distanza, come istanza di uno sguardo distante. Ho costruito un'opera d'arte come istanza tra realtà e coscienza ... Questo è ciò che era importante per me. Far riflettere lo spettatore: quindi lei è ciò che è la mia vita... In modo che percepisse i miei quadri non come una lezione, ma facesse anche lui stesso una scoperta.

Eric Bulatov. Volevo che fosse leggero, ma non ha funzionato. 2002

Eric Bulatov. Tutta questa primavera. 1998

Eric Bulatov. Foto per la memoria

Margherita Rismondo. Boulevard Raspail

firmamento

Paesaggio autunnale

"Breznev. Spazio sovietico "(1977)

Russo del XX secolo

Gloria al PCUS

Caratteristico e riconoscibile metodo creativo Bulatov è la collisione del testo del poster, strappato al contesto della realtà sovietica, con la componente figurativa (il più delle volte paesaggistica, presa in prestito dalla stampa di massa). Di conseguenza, l'artista riesce in modo estremamente accessibile a illustrare l'assurdità della realtà, saturata dai simboli della propaganda sovietica.

Oltre alle opere del tema Sots Art, anche nella loro primi lavori Bulatov ha sviluppato una teoria dell'interazione tra immagine e spazio. In queste sue opere si nota l'influenza di Falk. Una tappa forte e originale del suo lavoro, preziosa nel contesto della storia dell'arte.

Le opere di Bulatov vengono regolarmente esposte alle aste di arte contemporanea. Così, all'asta Philips, l'opera "Soviet Space" è andata a circa $ 1,6 milioni, altre due tele sul tema sovietico, tra cui "Revolution - Perestroika", sono state vendute per un milione di dollari ciascuna, il che ha reso Bulatov uno dei più costosi artisti russi contemporanei.

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - questa immagine è apparsa sul poster della mostra "Counterpoint"

Il 14 ottobre 2010 è stata inaugurata al Louvre la mostra "Contrappunto: arte contemporanea russa". La mostra presenta opere di oltre venti artisti. Questi sono Erik Bulatov, Emilia e Ilya Kabakov, Vitaly Komar e Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexei Kallima, Vladimir Dubossarsky e Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, i Blue Noses e AES + F e altri. Alla vigilia della giornata di apertura, Yury Kovalenko, corrispondente di Izvestia in Francia, ha incontrato l'accademico Eric Bulatov nel suo studio parigino.

Izvestia: Nessuno degli artisti russi ha esposto al Louvre durante la sua vita. Sì, e maestri occidentali che hanno ricevuto un tale onore, una o due volte, e hanno contato. In una parola, entrare al Louvre è fantastico!

erik bulatov: In effetti, il Louvre sembra a tutti noi qualcosa di irraggiungibile. Ma la nostra mostra si svolgerà, per così dire, nelle cantine - nel Louvre medievale, dove sono state scavate le fondamenta delle mura e delle torri del palazzo. Questo posto per la mostra è assolutamente inadatto. Lì, tranne per il fatto che puoi fare installazioni o mostrare un video. Una vera e propria mostra di cui parlerebbe all'avanguardia della nostra arte - specialmente nell'Anno della Russia in Francia, avrebbe dovuto essere organizzato altrove. Ad esempio, al Centro nazionale per le arti e la cultura Georges Pompidou.

e: Allora, sei offeso?

Bulatov: Non sono offeso, ma non voglio che ci sia euforia, smodato entusiasmo: "Ah, il Louvre, il Louvre!" Comunque sia, per noi russi il Louvre è un luogo sacro al quale ci uniamo. Lascia da qualche parte nell'angolo, nella fessura.

e: La tenuta di "Contrappunto" significa il riconoscimento della nostra arte contemporanea? O è solo uno degli eventi nell'ambito dell'anno incrociato di Russia e Francia?

Bulatov: Mi pongo questa domanda. Ci sono segni di entrambi. Da un lato, in Occidente c'è da tempo la convinzione che l'arte russa, a parte gli artisti d'avanguardia degli anni '20, semplicemente non esista. Tutto il resto - prima e dopo - è provinciale e secondario. Naturalmente, tre o quattro dei nostri artisti sono stati riconosciuti, ma il loro successo è rimasto personale e non è stato trasferito a Arte russa affatto. D'altra parte, c'è - anche se molto lentamente - il processo di costituzione dell'arte russa nel suo insieme.

e: In che misura l'attuale esposizione al Louvre riflette l'arte russa contemporanea?

bulatov: Si basa principalmente sul concettualismo, una direzione che sarà presentata in modo abbastanza convincente al Louvre. Ma questa non è tutta la nostra arte. Non risulta un'immagine oggettiva, ma un frammento. Molti artisti che mi sembrano molto importanti sono assenti da questa mostra. Penso, ad esempio, che Oscar Rabin avrebbe dovuto essere invitato.

e: Il pubblico è pronto per le sorprese. Nel giorno del vernissage al Louvre, l'artista Yuri Leiderman organizza la sua performance: due donne in russo costumi nazionali un centinaio di teste di cavolo vengono sminuzzate davanti agli occhi degli spettatori. Da parte sua, il suo collega Yuri Albert guiderà il pubblico attraverso il Louvre con gli occhi bendati...

bulatov: Questo è il nostro concettualismo.

e: Il tuo dipinto "Liberte" ("Libertà") è riprodotto sul poster della mostra - un appello di dipinto famoso Delacroix "Libertà alle barricate".

Bulatov: Ci sono due dei miei lavori in mostra. Oltre a questo, c'è anche il dipinto "Black Evening - White Snow".

e: "Liberte" è un'immagine da manuale in tutti i sensi. Insieme al tuo altro lavoro - "Soviet Space" - è entrato persino nei libri di testo francesi.

Bulatov: Ho ricevuto questo ordine nel 1989, quando in Francia si stava preparando una grande festa in occasione del 200° anniversario della rivoluzione. Stavano per sollevare in aria un dirigibile che, da un lato, doveva essere dipinto da un artista russo e, dall'altro, da un americano. E ho avuto un'idea relativa alla nostra situazione rivoluzionaria negli anni '80. Allora c'erano molte illusioni amanti della libertà.

e: come percepisce oggi l'arte russa il pubblico occidentale?

Bulatov: Sempre con interesse. Ne ero convinto alla mostra "Russian Landscape" a galleria Nazionale a Londra. Il museo è gratuito, ma la mostra è a pagamento. E la gente si è alzata per salirci sopra. La stessa attenzione è rivolta alle mostre russe a Parigi. Il problema sorge con le critiche: non è interessante.

I: E da che parte sta la verità?

Bulatov: La verità non può essere dalla parte di coloro che stanno cercando di guidare l'arte. È anche sbagliato presumere che sia dalla parte del pubblico. Le masse, per esempio, vanno a Glazunov oa Shilov. In ogni caso non si può non fare i conti con il pubblico, o almeno con chi vuole capire la pittura. Hanno bisogno di essere istruiti, devi lavorare con loro. Non solo dichiarare un artista buono e un altro cattivo, ma spiegare cose sui fondamenti fondamentali dell'arte.

e: C'è un'espressione francese "per allenare l'occhio".

Bulatov: Non solo gli occhi, ma anche la testa. L'occhio, come diceva il mio insegnante Vladimir Andreevich Favorsky, può essere ingannato. La coscienza è più difficile da ingannare.

e: Favorsky non era solo un artista, ma anche un filosofo.

Bulatov: Era un filosofo dell'arte. Era associato a Florenskij e agli altri nostri filosofi religiosi. Non sono un filosofo, ma solo un artista. Cerco solo di capire perché e perché lo faccio in questo modo e non altrimenti.

e: Non è troppo potere preso dai curatori, che qui si chiamano commissari? Artisti nelle loro mani, nelle tue parole, come materiale ausiliario: colori e pennelli?

Bulatov: Ho l'impressione che la situazione generale stia ora cambiando. Forse perché tra i curatori c'è un cambio generazionale.

e: l'arte non ha perso sotto molti aspetti le sue funzioni morali e non è entrata a far parte dell'industria dell'intrattenimento?

Bulatov: Non possiamo giudicare obiettivamente l'arte di oggi, perché giudichiamo precisamente da ciò che ci viene mostrato. Non so come questo corrisponda a quanto sta accadendo nell'arte. Inoltre, spero che non sia affatto così. E su che tipo di arte oggi impareremo, forse tra cinquant'anni.

e: L'imminente vittoria in Occidente della cultura piccolo-borghese di massa fu predetta da Herzen. Ora sembra aver finalmente preso il sopravvento in Russia.

Bulatov: Non può vincere completamente. Certo, non viviamo nel Rinascimento, ma l'arte non può perire. Se ciò accade, l'esistenza umana diventerà priva di significato. L'arte fa una domanda che nessun altro fa: "Perché un uomo?".

e: Vai ancora al Louvre a studiare con i classici. Cosa può imparare un artista famoso di lunga data?

Bulatov: In effetti, posso fare ben poco. Ci sono molte cose che non posso fare.

e: Umiliazione più che orgoglio?

Bulatov: No, è vero. Ogni artista ha un percorso lungo il quale va. E se inciampi un po ', ti ritrovi subito in un pantano in cui non navighi affatto. E ogni volta un nuovo lavoro deve essere avviato da zero, deciso di nuovo, perché nell'arte tutte le decisioni sono una tantum.

e: Sei ancora tormentato dal tormento creativo?

Bulatov: Insieme a Favorsky, Falk è stato il mio insegnante. Da studente, sono venuto a mostrargli il mio lavoro. E lui mi ha chiesto: "Cosa ne pensi di loro?" Poi ero completamente disperato dalla mia stessa mediocrità e glielo raccontai. Falk mi ha risposto: "Significa che ora sei in un ottimo stato creativo. Ti dirò qualcosa che non sarà una consolazione per te, ma che sarà utile in futuro. Questo stato continuerà per tutta la vita. E se passa, allora come è finito l'artista." Non mi sono mai sentito così impotente come adesso, nella mia vecchiaia, quando inizio una nuova natura morta.

e: Accanto alle opere di quali grandi artisti della Galleria Tretyakov o del Louvre vorresti esporre i tuoi quadri?

Bulatov: Al Louvre - fa paura a dirsi - con l'"Incoronazione della Madonna" del Beato Angelico e con il "Concerto campestre" di Tiziano. Nella Galleria Tretyakov - con Alexander Ivanov o con Levitan. Il mio dipinto Levitan preferito è "Lago", che si trova al Museo Russo. Doveva chiamarsi "Rus", ma Levitan ha esitato a dare questo nome, considerando che l'immagine non ha avuto successo.

e: Perché una riproduzione della Gioconda è appesa nel tuo laboratorio di Mosca?

Bulatov: Ho scritto un articolo sulla Gioconda. Per me è importante come è organizzata questa immagine, come viene mostrato il problema del confine tra arte e vita. Questo è ciò su cui Leonardo ha lavorato più di chiunque altro.

e: Ma la vita è ancora più importante dell'arte?

Bulatov: Davvero non lo so. Da un lato questo è vero, ma dall'altro la vita è la materia per l'arte.

e: Avendo vissuto per circa due decenni in Francia, ti consideri un artista russo o europeo?

Bulatov: Sono un artista russo per educazione e istruzione. Pertanto, sono un artista europeo, come tutti gli artisti che vivono in Francia, Germania o Italia.

e: Tra i tuoi maestri preferiti ci sono Levitan e Savrasov. Non riesci a capirli con la tua mente?

Bulatov: Gli artisti non influenzano la mente, ma i sentimenti. La loro arte su di te agisce all'istante o non agisce affatto. Sono convinto che se metti insieme bene una mostra di paesaggi russi dell'Ottocento, farà una grande impressione.

e: Una volta mi hai detto che Levitan e Malevich non sono agli antipodi.

Bulatov: Dal momento che entrambi sono radicati nella cultura russa, non sono certo agli antipodi. Hanno cercato di rendere lo spettatore partecipe di ciò che stanno facendo. Era molto importante per Levitan che lo spettatore - scavalcando la pittura - entrasse immediatamente nel suo paesaggio, in un boschetto di betulle.

e: può apparire oggi un nuovo paesaggista del livello di Levitan?

Bulatov: Esiste un tale paesaggista. Questo è Oleg Vasiliev (un amico e collega di Bulatov, con il quale si occupano di grafica di libri da molti anni. - Izvestia). Viene notato, ma ancora sottovalutato.

e: Il brasiliano Gil Vicente ha dipinto una dozzina di tele raffiguranti i presunti omicidi di George W. Bush, del presidente brasiliano Lula da Silva e dell'attuale papa Benedetto XVI. Tutto è permesso agli artisti? C'è qualche tipo di censura nell'arte?

Bulatov: La censura esterna è, ovviamente, fatale per l'arte. Ci deve essere una censura interna. Cos'è? Kant lo ha detto meglio: "Il cielo stellato è sopra di noi e la legge morale è dentro di noi". E tutti noi dobbiamo seguire questa legge.

Eric Bulatov. La libertà è libertà, 1997-98

La tua mostra congiunta con Vladimir Logutov sta ora aprendo all'NCCA. Logutov è un artista molto giovane, della generazione di trentenni. Senti continuità in questa generazione artistica?

È in questa generazione, la generazione dei trentenni, che provo interesse per me. Ecco la generazione degli anni '90, "Medgermenevty", Anatoly Osmolovsky, era interamente dell'orientamento di Kabakov: non avevano bisogno di me e, di conseguenza, nemmeno io avevo bisogno di loro. Interesse nuove generazioni Mi sentivo quando tenevo conferenze pubbliche.

Non ti capita di vedere il lavoro di un giovane artista - russo o straniero - e sentirci la tua tradizione?

Sai, è successo qualcosa del genere. Anche se molto raro. Ma non posso dire niente di preciso: ricordo a malapena i nomi. Ma sono sempre contento quando vedo una sorta di vicinanza con un artista, e che sia giovane o meno non è importante.

Eric Bulatov. La libertà è libertà II. 2000-200

Ma la giovane generazione si sta allontanando dalla pittura verso nuove forme: installazioni, video arte, performance. Lo stesso Vladimir Logutov gira video arte. E continui ostinatamente a fare foto.

È una domanda difficile. Cos'è un dipinto? Questa domanda non ha una risposta definitiva. Penso che ce ne siano molti artisti contemporanei lavora proprio con l'immagine, semplicemente non se ne rende conto, credendo di aver abbandonato l'immagine. Ci sono molti esempi: Cy Twombly, uno qualsiasi dei nostri costruttivisti degli anni '20, tutta la pop art americana, artisti tedeschi- Richter, Basilea, Kiefer. Un'immagine è lo spazio su un aereo. Ma l'aereo è solo una base da cui viene costruito lo spazio, su un lato di questo piano o sull'altro. È tutto. Questo spazio può anche essere costruito da oggetti tridimensionali.

- Cioè, la pittura come metodo artistico può ancora svilupparsi?

Certo, si evolve e mostra le sue nuove capacità. L'immagine ha un grandissimo potenziale, e questa è la sua forza. Sono abbastanza contento della foto. Vedere Cos'è un'installazione? Se l'installazione è uno spazio attraverso il quale lo spettatore deve passare, allora non ha certo nulla a che fare con il quadro, perché il quadro richiede prima di tutto che una persona abbia una posizione fissa rispetto ad esso. Ma se l'installazione ha un confine: da una parte c'è uno spettatore e dall'altra si svolge un certo processo; Perché questa non è una foto? Come l'installazione di Kabakov "Un uomo che è volato nello spazio dalla sua stanza". Anche la video arte è essenzialmente un'immagine. Ma i miei problemi sono sopra la mia testa, ne avrò abbastanza fino alla fine dei miei giorni, quindi non mi arrampicherò in questo territorio, realizzerò installazioni o video arte. Tutti i miei problemi sono abbastanza ben risolti attraverso le immagini.

IN Ultimamente, mi sembra che l'elemento sociale stia abbandonando i tuoi quadri, anche se prima giocava un ruolo importante. Molti ti hanno definito addirittura il fondatore di Sots Art.

Non sono mai stato un artista Sots Art. Certo, i miei dipinti, come "Horizon", hanno giocato un ruolo importante nel plasmare questa tendenza, è vero. Ma gli artisti di Sots Art hanno differenze fondamentali rispetto a me. Il significato è completamente diverso. I miei dipinti sono un confronto tra realtà ideologizzata e realtà naturale. Due realtà si oppongono e la nostra coscienza è completamente bloccata da questo spazio ideologico. Nella stessa materia. E nessuno, tranne me, ha affrontato questo conflitto. Poi hanno iniziato a farlo quando Unione Sovietica già crollato.

Mi sembra che nella moderna arte russa, anche moscovita, il sociale e il formale siano spesso separati. Alcuni artisti parlano solo del sociale, altri se ne dimenticano del tutto, scegliendo la “solitudine dell'accoglienza”, come lo stesso Logutov.

Non dovrebbe esserci un tale divario. Dopotutto, lo spazio dell'arte deve essere connesso con lo spazio della nostra esistenza, che, ovviamente, include lo spazio sociale. Dopo tutto, cosa dovrebbe fare l'arte? Un'esplorazione della natura dello spazio in cui ci troviamo, un'esplorazione della nostra percezione di quello spazio. L'arte cerca di esprimere il mondo in cui esistiamo, che in realtà non è descritto o riconosciuto. Dopotutto, il mondo è ogni volta nuovo e dobbiamo trovargli un nome e un'immagine. Ecco l'opera d'arte. Connette l'arte con la vita, e penso che questo sia il punto centrale dell'arte. Questa è la mia convinzione. Lo spazio sociale gioca un ruolo in questo mondo, ma è solo una parte e, ne sono convinto, non la più importante.

- E in Occidente, ad esempio a Parigi, sono interessati all'arte russa contemporanea?

Non proprio. È solo che in Occidente sanno fermamente che non esiste, quindi non c'è nulla di cui essere interessati qui. C'è musica russa, c'è letteratura russa, forse teatro russo, ma non c'era arte russa e no.

- Perché sta succedendo?

Sarebbe interessante conoscere la risposta a questa domanda, ma non spetta a me rispondere. Ciò è accaduto negli anni '20 e '30 e continua ancora oggi. Quando il nome di Chagall ha tuonato qui a Parigi, è stato percepito come il suo successo personale. E così è per tutti: un artista russo può avere successo in Occidente, ma questo successo non sarà mai trasferito a tutta l'arte russa. Chagall ebbe un enorme successo, e nelle vicinanze Larionov e Goncharova morivano di fame, perché a nessuno importava di loro. A proposito, anche diversi artisti russi contemporanei qui sanno come avere successo, e non posso lamentarmi.

C'è arroganza in questa disattenzione per l'arte russa, ma noi stessi siamo in gran parte da biasimare, perché le mostre russe che si svolgono qui sono qualcosa di terribile. Non possono provare nulla tranne che non esiste davvero arte russa. È triste. Mi è sembrato che questo fosse il compito della mia generazione: introdurre l'arte russa in un unico spazio artistico globale. Sfortunatamente, non ci siamo riusciti: ancora una volta solo nomi separati. Spero che le prossime generazioni possano farlo. Tuttavia, il processo non si ferma.

- E l'avanguardia russa?

Sai, a Parigi, l'avanguardia russa è percepita come un approdo arte francese in russo. Il nostro XIX secolo è considerato un ramo provinciale dell'arte tedesca, e poi lo sbarco francese, che ha dato un risultato inaspettato. Poi i paracadutisti furono fucilati e tutto finì. Anche se è dentro il grado più alto non è giusto. Credo che anche il XIX secolo meriti un'attenzione particolare: questo non è sicuramente un ramo provinciale, sebbene ci fossero certamente influenze tedesche.

Vedi, è importante che i nostri teorici e critici d'arte russi inizino finalmente ad affrontare seriamente questi problemi. Guarda, nella nostra storia dell'arte c'è il russo arte XIX secolo, si è rivelato essere tra due poli: o è il diavolo sa cosa (come pensano alcuni dei nostri protagonisti, come Katya Degot, in Occidente e dopo), o è qualcosa di straordinario, il più bello e il più grande mai creato, meglio di chiunque altro al mondo. In effetti, entrambe queste posizioni sono dannose. Non solo sbagliato, ma dannoso. È necessario esaminare attentamente come differisce dall'arte di altri paesi e scuole, qual è la sua essenza, quali sono i suoi difetti e meriti. Semplicemente stigmatizzare o esaltare è una strada che non porta da nessuna parte.

Ancora una volta, se parliamo dell'arte russa in quanto tale, allora devi capire qual è la connessione tra epoche e generi diversi. Veramente Russo XIX secolo e l'avanguardia russa, sono due cose opposte che si escludono a vicenda? Se entrambe sono arte russa, allora c'è una specie di terreno comune, qualcosa di unitario. Ma nessuno analizza questi fenomeni. Perché allora vogliamo che gli altri pensino che abbiamo arte? Dopotutto, non possiamo davvero dire nulla su di lui.

Tu dici cosa potrebbe essere prossima generazione gli artisti potranno mettere in risalto l'arte russa sulla scena mondiale. Ma ora c'è un processo di globalizzazione, quando le differenze tra arte paesi diversi vengono sempre più cancellati. Forse ora questa selezione di arte russa non ha senso?

Ti dirò che la globalizzazione è solo un mito, infatti non esiste. Certo, sia Kiefer che Baselitz sono artisti completamente tedeschi, è impossibile immaginare un francese uguale a Baselitz. O Andy Warhol. Potrebbe essere europeo? Ovviamente no. Un'altra cosa è che ci sono personalità brillanti, ma ce ne sono di noiose. E quelli brillanti esprimono molto bene la loro base nazionale. Poiché la base nazionale è un tipo di coscienza, non è una tecnica e non è la natura dell'immagine. Possono essere qualsiasi cosa, dal figurativo all'astratto. Il tipo di coscienza non può essere cancellato. È formato da tutti cultura nazionale- e musica, letteratura e filosofia.

L'arte russa in questo senso non è diversa dalle altre: il tipo di coscienza rimane, è il meno flessibile. Detta le proprie caratteristiche per la percezione nazionale dell'arte. E l'arte russa, in questo senso, in un certo senso, è concretamente diversa da quella francese. Il nostro spettatore vuole dall'arte non quello che vuole il francese.

- E cosa vuole il nostro pubblico?

Guarda, l'arte francese è fondamentalmente ermetica. Non ha bisogno di uno spettatore, perché afferma il proprio significato e non dipende da come lo spettatore reagisce ad esso. Questo è molto punto importante. Questo non è né cattivo né buono, è solo molto caratteristico della coscienza francese. "Non ti piace? Ok, vattene! L'arte non perderà nulla da questo, e tu perderai. E la nostra arte richiede uno spettatore, non può esistere senza uno spettatore. Nessuna arte ha bisogno di un pubblico nella stessa misura dell'arte russa. Questo vale per qualsiasi epoca - e il XIX secolo, e Malevich, e Tatlin, e i nostri concettualisti, chiunque tu voglia. Questo è al centro della nostra coscienza.

Diagonale. Incisione

Forse è per questo che la nostra arte non è percepita in Occidente? Dopotutto, se l'arte ha bisogno di un pubblico, allora è difettosa.

Quindi stanno cercando di interpretarlo, come stai facendo tu ora. Ma questo non ha nulla a che fare con l'utilità dell'arte stessa. Solo un tipo di coscienza.

Il materiale è stato preparato da Elena Ishchenko.

Eric Bulatov è nato a Sverdlovsk (ora Ekaterinburg) nel 1933: "Mio padre è andato in viaggio d'affari negli Urali, mia madre incinta è andata con lui, sono nato lì e poi sono tornati" a Mosca.

Mio padre era di Saratov, poi si è trasferito a Mosca con i suoi genitori. IN 1918 padre si unì alla festa, subito dopo che andò in palestra guerra civile che è stata una tragedia per la famiglia. IN 1937 fu espulso dal partito e tutto andò in arresto. “Ma poi mia madre ha fatto una cosa semplice ma molto efficace. Ho affittato una dacia vicino a Mosca e mio padre ha vissuto lì per circa sei mesi. Non era una figura politica importante, quindi le autorità non avevano bisogno di arrestarlo. C'era un layout per ogni distretto: prendere così tanto, ma se questo non c'è, ne prenderemo un altro. Come hanno reclutato nell'esercito, più o meno lo stesso. Quando questa campagna finì e mio padre si presentò, non lo toccarono, lo reintegrarono nel partito, ma non tornò al lavoro di partito. Lui aveva istruzione superiore, e andò a lavorare come segretario scientifico nella Grande Enciclopedia Sovietica.

La madre era una natura romantica e molto attiva. Nato in Polonia, a Bialystok. All'età di quindici anni ha attraversato illegalmente il confine: Russia - libertà, rivoluzione ... È stata catturata al confine, è tornata, ma alla fine è finita in Russia, non conoscendo la lingua russa, aveva lo yiddish e il polacco . Ma tre anni dopo ha imparato così tanto il russo che ha già lavorato come stenografa. Prima a Kamenetz-Podolsk, poi a Mosca...

"La mamma era molto persona dotata e dentro 1920 per anni ha anche superato un esame di recitazione in uno studio cinematografico ... Era contraria alla linea generale del partito, contro ogni potere, una tipica coscienza dell'intellighenzia. Doveva essere contro suo padre, le loro opinioni erano per molti versi opposte, ma si amavano moltissimo.

Quando è iniziata la guerra, mio \u200b\u200bpadre è andato al fronte come volontario e non è tornato: è morto. La famiglia è partita per l'evacuazione, prima a Saratov, poi a Sverdlovsk. “Quando siamo partiti per l'evacuazione, coloro che sono stati trasferiti nel nostro appartamento hanno alimentato la stufa con i libri. Siamo partiti dagli scaffali in basso, dove c'erano i libri ei disegni dei miei figli, e in alto c'erano i libri di Lenin e Marx. Naturalmente non hanno iniziato con Marx, ed è stato molto difficile arrampicarsi lì ... "

Con lo scoppio della guerra, l'infanzia felice di Eric finì. “L'incubo è continuato fino a quando non sono entrato alla scuola d'arte. Poi sono andato vita normale. Per tutto il tempo che posso ricordare, ho disegnato e disegnato bene. Allora era troppo presto per giudicare cosa ne sarebbe potuto derivare. Questo è determinato dall'età di dieci o dodici anni, ma mio padre credeva che sarei diventato un artista.

Ho studiato alla secondaria di Mosca scuola d'arte all'Istituto Surikov, la mia professione è stata scelta a scuola. È diventato piuttosto stupido. Prima mia madre mi ha mostrato i miei disegni. artisti diversi anche Korina. Korin e altri hanno detto che non c'era bisogno di mandarmi da nessuna parte, potevano viziarmi lì, qualcosa del genere, in generale, era troppo presto.

La scuola d'arte è accettata dopo la quinta elementare dell'istruzione generale. Non sapevo che esistesse una scuola del genere e l'ho scoperto per caso. In una classe parallela ha studiato il mio coetaneo, che ha anche dipinto, abbiamo gareggiato con lui. Una volta mi ha detto che stava entrando in una scuola d'arte, c'erano degli esami, ma era sicuro che sarebbe passato. Sono rimasto scioccato nell'apprendere che esiste una scuola del genere, sono corso lì, ma si è rivelato troppo tardi: gli esami erano finiti e ho dovuto aspettare il nuovo anno. Mi è stato consigliato di prepararmi alla Pioneer House...”

Per due anni ha studiato in un circolo di disegno con Alexander Mikhailovich Mikhailov, che ricorda con amore e gratitudine. SU l'anno prossimo Eric Bulatov ha cercato di entrare nella seconda elementare di una scuola d'arte, ma non ha superato il concorso. Nel 1947 fu ammesso alla terza elementare. Dopo la scuola, "in qualche modo da solo" Bulatov è entrato all'Istituto Surikov, la facoltà di pittura. Dato che si è diplomato a scuola con una medaglia, non ha dovuto sostenere gli esami di ammissione.

“Sono stato fortunato con gli insegnanti della Moscow Secondary Art School (la famosa Moscow Art School), dove ho studiato con Ilya Kabakov e Oleg Vasilyev, ..con cui siamo amici per tutta la vita».

“... Non eravamo “ragazzi dello stesso cortile”. La nostra amicizia all'inizio era professionale - la comunanza di alcune opinioni che condividevamo - e solo allora, per così dire, umana. Poi era proprio come l'aria, perché in giro facevano finta che semplicemente non esistessimo. E, naturalmente, una tale amicizia, il sostegno reciproco era semplicemente necessario ... Oleg e io avevamo una visione ravvicinata, parlavamo tutto il tempo e avevamo bisogno l'uno dell'altro, quindi abbiamo collaborato al lavoro.

All'Istituto Surikov, ha studiato con il professor Pyotr Dmitrievich Pokarzhevsky. “Alla scuola d'arte disegnavamo come matti, lavoravamo dalla mattina alla sera e non pensavamo ad altro. Figli dei privilegiati e persone normali, ma per noi non importava, erano divisi solo in mediocri e talentuosi. E a Surikovskij c'era un'atmosfera cupa, ammuffita, provinciale, il tempo era duro: la fine 1940 - Inizio anni '50 Morte di Stalin...

Alla fine dell'istituto, Bulatov si rese conto che non avrebbe dovuto dipendere dagli ordini statali per svilupparsi liberamente. Tutti i mezzi di sussistenza erano nelle mani dello stato, non potevano esserci ordini privati. Quindi, nel settore della pittura, era necessario cercare un altro modo per guadagnare denaro, in modo da lasciare il tempo per il lavoro diretto.

“Dopo l'istituto, sentivo di non capire niente di arte, non potevo fare niente. Ho bisogno di riqualificarmi per imparare arte vera e seria... Dopo essermi diplomato a Surikovka, sono caduto nella disperazione: non c'era la consapevolezza di essere un artista, ma c'era la sensazione che tutto ciò che ci veniva insegnato non fosse vero. Per totale disperazione, Oleg Vasiliev e io abbiamo iniziato a cercare una persona che potesse spiegare qualcosa, e per caso ci siamo imbattuti in Favorsky ....

Falk e Favorsky mi hanno aiutato a capire e padroneggiare il mio mestiere, il che è stato un aiuto inestimabile per me, non potevo ottenerlo all'istituto. Volevo diventare un artista serio e vero, quindi ho dovuto riqualificarmi. L'istruzione ricevuta non è stata sufficiente”.

Ci sono voluti altri tre anni per riqualificarsi. E per questo era necessario non dipendere dallo stato, essere finanziariamente e spiritualmente indipendenti. Quindi, era necessario cercare un'opportunità per guadagnarsi da vivere non dipingendo. Fu allora che suonò molto opportunamente consiglio utile l'attuale classico Ilya Kabakov: “... devi entrare nell'illustrazione per bambini. Lì il lavoro è più o meno gratuito e lì è più tranquillo. Guadagna e poi farai il tuo. E così è successo.

Dal 1959, Oleg Vasiliev ed Eric Bulatov lavorano insieme per creare illustrazioni per libri per bambini per le case editrici Detgiz e Malysh. "Ho provato diversi modi. La cosa migliore per me era illustrare libri per bambini...Dovevamo in qualche modo guadagnarci da vivere, e a me e Oleg Vasiliev piaceva molto disegnare immagini per libri per bambini ...E così, insieme a Oleg Vasiliev, abbiamo iniziato a illustrare libri per bambini e lo facciamo da trent'anni.

Eric Bulatov e Oleg Vasiliev hanno diviso l'anno in due parti: il periodo oscuro - autunno e inverno - erano libri per bambini che portavano guadagni, e durante il giorno - primavera ed estate - c'era lavoro per se stessi, pittura.

“Quando facevo libri per sei mesi e dipingevo per sei mesi, non avevo sempre il tempo di finire il quadro, ma qui devo passare a un altro lavoro che richiede una coscienza e un'attitudine diverse. Queste transizioni sono sempre state difficili... E ho sviluppato la capacità di conservare questa o quell'immagine nella mia mente. Per sei mesi non avrebbe dovuto cambiare, era necessario tornare nel luogo in cui avevo interrotto il lavoro. Forse questo approccio mi è stato peculiare, ma sicuramente si è sviluppato grazie a questo modo di lavorare... Non ho mai confuso queste cose.

“Non potremmo fare entrambe le cose contemporaneamente. Entrambi i lavori hanno richiesto piena dedizione da parte nostra. In questo senso, io e Oleg siamo uguali. Anche se allora non capivo perché per me stesso, e ora non capisco. È un lavoro che fai perché ti sembra di doverlo fare. E se cerchi di non farlo, allora hai sempre la sensazione che stai ingannando, che stai imbrogliando e generalmente oziando.

“Non posso dire che siamo stati gravati da questo. Era interessante. Abbiamo fatto libri per bambini solo noi due. Abbiamo sviluppato un artista che non era né Oleg Vasiliev né Eric Bulatov. Era qualcuno di terzo. Tutti i nostri libri sono illustrati da questo artista. In totale, abbiamo realizzato più di cento libri in trent'anni.

Quando si trattava di fiabe ("Racconti dei popoli del mondo", fiabe di Charles Perrault, fiabe di H.K. Andersen), un burrascoso e vacanza luminosa. Alcuni ricercatori hanno persino borbottato di nascosto che i giovani artisti lavorano in modo troppo "rumoroso". Ma i bambini, come sai, non leggono i ricercatori. Stanno solo ammirando la Bella Addormentata, la bella Cenerentola e, molto probabilmente, sentono davvero il rumore di un allegro ballo di corte.

“Dopotutto, i bambini sentono intuitivamente dov'è la verità dell'arte. Puoi disegnare una copia di un vero castello medievale e il bambino dirà: non ci credo. Perché sa esattamente come dovrebbe essere un vero castello e come dovrebbe essere un vero principe. Quindi abbiamo cercato di disegnare tutto “in verità”.

Molti grandi artisti Ho iniziato illustrando libri per bambini. C'è la spiegazione più superficiale e mondana per questo. In quegli anni sordi di rigida censura, non potevano né vendere apertamente le loro opere "serie", né esporle apertamente. E il mestiere di disegnatore per bambini dava un buon reddito e lasciava il tempo per quelle attività che consideravano le principali. Ed ecco un punto molto importante: è facile pensare che la loro forzata, lavoro salariato nel campo dell'illustrazione per bambini li ha solo distratti dal percorso principale.

In effetti, tutto era diverso. Non c'è da stupirsi che ai nostri saggi piaccia ripetere che "non c'è male senza bene". Perché, come diceva il grande scrittore proletario Gorky, "bisogna scrivere per i bambini come per gli adulti, solo meglio". Si è scoperto che questo lavoro giornaliero apparentemente forzato ha dato a questi artisti l'opportunità di frequentare una scuola meravigliosa. Proprio come ai loro tempi gli Oberiut impararono una libertà inaudita quando scrivevano le loro filastrocche, così gli artisti che frequentarono la scuola di book design per bambini, volontariamente o involontariamente, ottennero una libertà che la formazione accademica non darà mai.

Poco prima della perestrojka, a Bulatov fu offerto un lavoro in Occidente. Ha accettato e lui e sua moglie se ne sono andati. Dopo la mostra di Zurigo nel 1988 si trasferiscono negli Stati Uniti.

“Abbiamo vissuto a New York, nel quartiere artistico di Soho, dove ce ne sono tanti gallerie d'arte. Questo posto ha un'aura meravigliosa per la creatività. Tuttavia, continuano a dirti: "Dai, tutto ciò che fai è fantastico, devi solo farlo ancora più velocemente, ancora di più!" Sotto tale pressione, la coscienza dell'artista non ha il tempo di sviluppare nuove immagini e inizia a clonare il suo proprie idee. Sono stato, in generale, fortunato che ce ne siamo andati presto.

Partirono per Parigi. Nel 1992, il Ministero della Cultura francese ha offerto una piccola borsa di studio e alloggi economici a Parigi. “Una volta a Parigi, Natasha ha detto che non sarebbe andata da nessun'altra parte. Abbiamo comprato un appartamento vicino al Centro Pompidou, fatto amicizia e viviamo così...

Penso di averne molto vita felice. Cosa può sognare un artista di chi fa ciò che ritiene opportuno e nel modo che ritiene opportuno?.. Chi non ha problemi materiali e nulla interferisce con lui?.. Natasha, mia moglie, mi salva da ogni giorno sarebbe doloroso per me con cui probabilmente non avrei affrontato. Probabilmente, per il benessere di oggi, ho pagato con il fatto che per trent'anni non ho nemmeno pensato di poter mostrare i miei quadri, figuriamoci esporli o venderli.

Grandi illustratori. Bulatov e Vasiliev. Esattamente. Come il nome di un artista. Forse anche allora era ridicolo per loro dipingere fiabe per bambini con tutti i tipi di fate e maghe, o forse ... A settant'anni, anche il sorriso di un bambino è valutato in modo diverso rispetto a quaranta. E se tutti sono contenti dei tuoi libri? ..

foto: Appendice "Antiquariato" al pozzo. "Interior + Design", 2008, n. 1, dipartimento fotografico

Eric Vladimirovich Bulatov (nato il 5 settembre 1933 a Sverdlovsk) è uno dei più famosi artisti russi contemporanei. Uno dei fondatori di Sots Art.

Nato nel 1933 a Sverdlovsk (ora Ekaterinburg). Padre - Vladimir Borisovich, originario di Saratov, era un lavoratore del partito (si unì al partito nel 1918), morì al fronte nel 1944, madre Raisa Pavlovna - dalla città di Bialystok (Polonia), emigrata illegalmente in Russia all'età di 15 anni ; tre anni dopo ha ottenuto un lavoro come stenografa, nonostante all'arrivo non conoscesse il russo (conosceva solo polacco e yiddish).

Secondo Erik Bulatov, per qualche motivo suo padre credeva fermamente che sarebbe diventato un artista.

Nel 1958 si è laureato Istituto d'Arte prende il nome da V. I. Surikov. Dal 1959 ha lavorato nella casa editrice per bambini "Detgiz" insieme a Kabakov e Vasiliev. L'attività espositiva a Mosca è iniziata nel 1957 e dal 1973 già all'estero.

Un metodo creativo caratteristico e riconoscibile di Bulatov è la collisione di un testo poster, strappato dal contesto della realtà sovietica, con una componente figurativa (il più delle volte paesaggistica, presa in prestito dalla stampa di massa). Di conseguenza, l'artista riesce in modo estremamente accessibile a illustrare l'assurdità della realtà, saturata dai simboli della propaganda sovietica.

Oltre alle opere del tema Sots-Art, anche nei suoi primi lavori, Bulatov ha sviluppato una teoria dell'interazione tra immagine e spazio. In queste sue opere si nota l'influenza di Falk. Una fase forte, originale del suo lavoro, poco apprezzata nel contesto della storia dell'arte.

Le opere di Bulatov vengono regolarmente esposte alle aste di arte contemporanea. Così, all'asta Philips, l'opera "Soviet Space" è andata a circa $ 1,6 milioni, altre due tele su temi sovietici, tra cui "Revolution - Perestroika", sono state vendute per un milione di dollari ciascuna, il che ha reso Bulatov uno dei più costosi artisti russi contemporanei.

Dal 1963 alla fine degli anni '60, Erik Bulatov ha sperimentato vari stili modernisti nella pittura, scoprendo il suo interesse per l'analisi delle qualità spaziali, luminose e cromatiche di un dipinto. In URSS, l'artista non poteva esporre per motivi di censura, solo nel 1965 e nel 1968 ci furono mostre a breve termine del suo lavoro presso l'Istituto Kurchatov e il caffè Blue Bird di Mosca. All'inizio degli anni '70 inizia a realizzare dipinti di grandi dimensioni, in cui, di regola, fa riferimento a temi sociali e immagini dei mass media della realtà sovietica: raffigura slogan, iscrizioni, manifesti. Nel 1972 crea il famoso "Horizon". Durante il periodo della perestrojka, il dipinto è stato percepito come un'opera di parodia ed è stato persino identificato con lo stile Sots Art. Nel 1988, dopo una serie di importanti mostre personali - alla Kunsthalle (Zurigo), al Centro Georges Pompidou (Parigi), ecc., oltre alla partecipazione alla Biennale di Venezia, riceve rapidamente Riconoscimento internazionale: è stato nominato "artista della perestrojka" e riconosciuto dall'UNESCO come il miglior artista dell'anno. La maggior parte delle opere di Erik Bulatov è finita nelle collezioni e nei musei occidentali.

Dal 1989 vive a New York, nel 1992 si trasferisce a Parigi. Nel 2003, per la prima volta in patria, si è tenuta una mostra della sua grafica, e nel 2006 - la prima mostra retrospettiva dei suoi dipinti (entrambe le mostre in Galleria Tretyakov, Mosca). Nel 2013 è diventato un vincitore Competizione tutta russa nel campo dell'arte contemporanea "Innovazione" nella nomination "Per il contributo creativo allo sviluppo dell'arte contemporanea". Nel 2015, l'artista è stato invitato a creare tele di grandi dimensioni all'inaugurazione del nuovo edificio del Garage Museum of Contemporary Art di Mosca. Nello stesso anno, per l'esposizione del Museo del primo presidente della Russia B. N. Eltsin, ha creato il dipinto "Libertà".

Vive a Mosca e Parigi.

In Russia è rappresentato da pop/off/art gallery.

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Bulatov, Eric Vladimirovich

Eric Bulatov. Louvre. Gioconda. 2006

Eric Bulatov. Orizzonte. 1971–1972

Le opere di Bulatov vengono regolarmente esposte alle aste di arte contemporanea. Così, all'asta Philips, l'opera "Soviet Space" è andata a circa $ 1,6 milioni, altre due tele su temi sovietici, tra cui "Revolution - Perestroika", sono state vendute per un milione di dollari ciascuna, il che ha reso Bulatov uno dei più costosi artisti russi contemporanei.

"Breznev. Spazio sovietico "(1977)

Eric Bulatov. Via Krasikov. 1977

‘ Volevo mostrare la vita sovietica così com'è, senza esprimere alcuna relazione con essa. Non c'era alcuna protesta evidente nel mio dipinto, non avevo alcun desiderio di convincere lo spettatore di qualcosa: guarda com'è terribile! Non ero un eroe della lotta sociale come Oscar Rabin. Il mio compito era fondamentalmente diverso: volevo che lo spettatore vedesse la sua vita così com'è, ma lui la vedeva come dall'esterno.

« Volevo creare una distanza tra questa realtà e la coscienza dello spettatore. Ecco a cosa serviva l'immagine, fungendo da distanza, come esempio di uno sguardo lontano. Ho costruito un'opera d'arte come istanza tra realtà e coscienza. Questo è ciò che era importante per me. In modo che lo spettatore pensi: quindi è così che è la mia vita ... In modo che percepisca i miei dipinti non come una lezione, ma farebbe anche lui stesso una scoperta.

Eric Bulatov. Volevo che fosse leggero, ma non ha funzionato. 2002

Eric Bulatov. Tutta questa primavera. 1998

Eric Bulatov. Foto per la memoria

Russo del XX secolo

Gloria al PCUS

Un metodo creativo caratteristico e riconoscibile di Bulatov è la collisione di un testo poster, strappato dal contesto della realtà sovietica, con una componente figurativa (il più delle volte paesaggistica, presa in prestito dalla stampa di massa). Di conseguenza l'artista riesce a illustrare in modo estremamente accessibile l'assurdità della realtà, saturata dai simboli della propaganda sovietica.

Oltre alle opere del tema Sots-Art, anche nei suoi primi lavori, Bulatov ha sviluppato una teoria dell'interazione tra immagine e spazio. In queste sue opere si nota l'influenza di Falk. Una tappa forte e originale del suo lavoro, preziosa nel contesto della storia dell'arte.

E. Bulatov. TRAMONTO. 1989

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - questa immagine è apparsa sul poster della mostra "Counterpoint"

Il 14 ottobre 2010 è stata inaugurata al Louvre la mostra "Contrappunto: arte contemporanea russa". La mostra presenta opere di oltre venti artisti. Questi sono Erik Bulatov, Emilia e Ilya Kabakov, Vitaly Komar e Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexey Kallima, Vladimir Dubossarsky e Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, i Blue Noses e AES + F e altri. Alla vigilia del vernissage, Yuri Kovalenko, corrispondente di Izvestia in Francia, ha incontrato l'accademico Eric Bulatov nel suo laboratorio parigino.

Estratti dall'intervista del 2010

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erik bulatov: In effetti, il Louvre sembra a tutti noi qualcosa di irraggiungibile. Ma la nostra mostra si svolgerà, per così dire, nelle cantine - nel Louvre medievale, dove sono state scavate le fondamenta delle mura e delle torri del palazzo. Questo posto per la mostra è assolutamente inadatto. Lì, tranne per il fatto che puoi fare installazioni o mostrare un video. Doveva essere allestita altrove una vera e propria mostra che parlasse dello stato attuale della nostra arte, soprattutto nell'Anno della Russia in Francia. Ad esempio, al Centro nazionale per le arti e la cultura Georges Pompidou.

e: Allora, sei offeso?

Bulatov: Non sono offeso, ma non voglio che ci sia euforia, smodato entusiasmo: "Oh, il Louvre, il Louvre!" Comunque sia, per noi russi il Louvre è un luogo sacro al quale ci uniamo. Lascia da qualche parte nell'angolo, nella fessura ..

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e: Il pubblico è pronto per le sorprese. Il giorno del vernissage al Louvre, l'artista Yuri Leiderman organizza la propria performance: due donne in costume nazionale russo fanno a pezzi un centinaio di teste di cavolo davanti al pubblico. Da parte sua, il suo collega Yuri Albert guiderà il pubblico attraverso il Louvre con gli occhi bendati...

bulatov: Questo è il nostro concettualismo.

e: Sul poster della mostra è riprodotto il tuo dipinto "Liberte" ("Libertà") - un'eco del famoso dipinto di Delacroix "Libertà sulle barricate".

Bulatov: Ci sono due dei miei lavori in mostra. Oltre a questo, c'è anche il dipinto "Black Evening - White Snow".

E: "Liberte" è un'immagine da manuale in tutti i sensi. Insieme al tuo altro lavoro - "Soviet Space" - è entrato persino nei libri di testo francesi.

e: come percepisce oggi l'arte russa il pubblico occidentale?

Bulatov: Sempre con interesse. Ne ero convinto alla mostra "Russian Landscape" alla National Gallery di Londra. Il museo è gratuito, ma la mostra è a pagamento. E la gente si è alzata per salirci sopra. La stessa attenzione è rivolta alle mostre russe a Parigi. Il problema sorge con le critiche: non è interessato.

I: E da che parte sta la verità?

Bulatov: La verità non può essere dalla parte di coloro che stanno cercando di guidare l'arte. È anche sbagliato presumere che sia dalla parte del pubblico. Le masse, per esempio, vanno a Glazunov oa Shilov. Comunque non si può non fare i conti con il pubblico, o almeno con chi vuole capire la pittura. Hanno bisogno di essere istruiti, devi lavorare con loro. Non è facile dichiarare un artista buono e un altro cattivo, ma per spiegare le cose intorno ai fondamenti fondamentali dell'arte.

e: C'è un'espressione francese "per allenare l'occhio".

Bulatov: Non solo gli occhi, ma anche la testa. L'occhio, come diceva il mio insegnante Vladimir Andreevich Favorsky, può essere ingannato. La coscienza è più difficile da ingannare.

e: Favorsky non era solo un artista, ma anche un filosofo.

e: Non è troppo potere preso dai curatori, che qui si chiamano commissari? Artisti nelle loro mani, nelle tue parole, come materiale ausiliario: colori e pennelli?

Bulatov: Ho l'impressione che la situazione generale stia ora cambiando. Forse perché tra i curatori c'è un cambio generazionale.

e: l'arte non ha perso sotto molti aspetti le sue funzioni morali e non è entrata a far parte dell'industria dell'intrattenimento?

Bulatov: Non possiamo giudicare obiettivamente l'arte di oggi, perché giudichiamo precisamente da ciò che ci viene mostrato. Non so come questo corrisponda a quanto sta accadendo nell'arte. Inoltre, spero che non sia affatto così. UN su che tipo di arte oggi, lo sapremo, forse tra cinquant'anni.

e: L'imminente vittoria in Occidente della cultura piccolo-borghese di massa fu predetta da Herzen. Ora sembra aver finalmente preso il sopravvento in Russia.

e: Vai ancora al Louvre a studiare con i classici. Cosa può imparare un artista famoso di lunga data?

Bulatov: In effetti, posso fare ben poco. Ci sono molte cose che non posso fare.

e: Umiliazione più che orgoglio?

e: Sei ancora tormentato dal tormento creativo?

Bulatov: Insieme a Favorsky, Falk è stato il mio insegnante. Da studente, sono venuto a mostrargli il mio lavoro. E lui mi ha chiesto: "Cosa ne pensi di loro?" Poi ero completamente disperato dalla mia stessa mediocrità e glielo raccontai. Falk mi ha risposto: “Quindi ora sei in un ottimo stato creativo. Ti dirò qualcosa che non ti sarà di consolazione, ma che ti sarà utile in futuro. Questo stato continuerà per tutta la vita. E se passa, allora tu come artista sei finito. Non mi sono mai sentito così impotente come adesso, nella mia vecchiaia, quando inizio una nuova natura morta.

e: Accanto alle opere di quali grandi artisti della Galleria Tretyakov o del Louvre vorresti esporre i tuoi quadri?

bulatov: Al Louvre - spaventoso a dirsi - con l'"Incoronazione della Madonna" del Beato Angelico e con il "Concerto campestre" di Tiziano. Nella Galleria Tretyakov - con Alexander Ivanov o con Levitan. Il mio dipinto Levitan preferito è Lake, che si trova al Museo Russo. Doveva chiamarsi "Rus", ma Levitan era troppo timido per dare questo nome, considerando che l'immagine non aveva successo.

e: Perché una riproduzione della Gioconda è appesa nel tuo laboratorio di Mosca?

Bulatov: Ho scritto un articolo sulla Gioconda. Per me è importante come è organizzata questa immagine, come viene mostrata problema del confine tra arte e vita. Questo è ciò su cui Leonardo ha lavorato più di chiunque altro.

e: Ma la vita è ancora più importante dell'arte?

Bulatov: Davvero non lo so. Da un lato questo è vero, ma dall'altro la vita è la materia per l'arte.

e: Avendo vissuto per circa due decenni in Francia, ti consideri un artista russo o europeo?

Bulatov: Sono un artista russo per educazione e istruzione. Pertanto, sono un artista europeo, come tutti gli artisti che vivono in Francia, Germania o Italia.

…………………………………..

e: può apparire oggi un nuovo paesaggista del livello di Levitan?

……………………………………………….— Recentemente, mi sembra che l'elemento sociale stia abbandonando i tuoi dipinti, anche se prima giocava un ruolo importante. Molti ti hanno definito addirittura il fondatore di Sots Art.

— Non sono mai stato un artista di Sots Art. Certo, i miei dipinti, come "Horizon", hanno giocato un ruolo importante nel plasmare questa tendenza, è vero. Ma gli artisti di Sots Art hanno differenze fondamentali rispetto a me. Il significato è completamente diverso. I miei dipinti sono un confronto tra realtà ideologizzata e realtà naturale. Due realtà si oppongono e la nostra coscienza è completamente bloccata da questo spazio ideologico. Nella stessa materia. E nessuno, tranne me, ha affrontato questo conflitto. Poi hanno iniziato a studiare quando l'Unione Sovietica era già crollata.

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— E in Occidente, ad esempio a Parigi, sono interessati all'arte russa contemporanea?

- Non proprio. È solo che in Occidente sanno fermamente che non esiste, quindi non c'è nulla di cui essere interessati qui. C'è musica russa, c'è letteratura russa, forse teatro russo, ma non c'era arte russa e no.

…………………………………….

— E l'avanguardia russa?

— Sai, a Parigi l'avanguardia russa è percepita come un approdo dell'arte francese nell'arte russa. Il nostro XIX secolo è considerato un ramo provinciale dell'arte tedesca, e poi lo sbarco francese, che ha dato un risultato inaspettato. Poi i paracadutisti furono fucilati e tutto finì. Anche se questo è altamente ingiusto. Credo che anche il XIX secolo meriti un'attenzione particolare: questo non è sicuramente un ramo provinciale, sebbene ci fossero certamente influenze tedesche.

Vedi, è importante che i nostri teorici e critici d'arte russi inizino finalmente ad affrontare seriamente questi problemi. Guarda, nella nostra storia dell'arte, l'arte russa del XIX secolo si è trovata tra due poli: o è il diavolo sa cosa (come pensano alcune delle nostre figure di spicco, come Katya Degot, in Occidente e dopo), o è qualcosa di straordinario , il più bello e il più grande creato quando O, il migliore del mondo. In effetti, entrambe queste posizioni sono dannose. Non solo sbagliato, ma dannoso. È necessario esaminare attentamente come differisce dall'arte di altri paesi e scuole, qual è la sua essenza, quali sono i suoi difetti e meriti. Semplicemente stigmatizzare o esaltare è una strada che non porta da nessuna parte.

Ancora una volta, se parliamo dell'arte russa in quanto tale, allora devi capire qual è la connessione tra epoche e generi diversi. L'Ottocento russo e l'avanguardia russa sono davvero due cose opposte che si escludono a vicenda? Se entrambe sono arte russa, allora qui c'è una base comune, qualcosa di unificato. Ma nessuno analizza questi fenomeni. Perché allora vogliamo che gli altri pensino che abbiamo arte? Dopotutto, non possiamo davvero dire nulla su di lui.

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Il materiale è stato preparato da Elena Ishchenko.

Pubblicazione - http://www.liveinternet.ru/community/camelot_club/post323364700/

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Erik Vladimirovich Bulatov è nato il 5 settembre 1933 a Sverdlovsk (ora Ekaterinburg), artista sovietico e russo.

Padre - Vladimir Borisovich, originario di Saratov, era un lavoratore del partito (si unì al partito nel 1918), morì al fronte nel 1944, madre - della città di Bialystok (Polonia), emigrata illegalmente in Russia all'età di 15 anni; tre anni dopo ha ottenuto un lavoro come stenografa, nonostante all'arrivo non conoscesse il russo (conosceva solo polacco e yiddish). Secondo Erik Bulatov, per qualche motivo suo padre credeva fermamente che sarebbe diventato un artista. Nel 1958 si è diplomato al V. I. Surikov Art Institute. Dal 1959 ha lavorato nella casa editrice per bambini "Detgiz" insieme a Kabakov e Vasiliev. L'attività espositiva a Mosca è iniziata nel 1957 e dal 1973 già all'estero. Nei suoi primi lavori negli anni '60, Bulatov ha esplorato i principi dell'interazione tra superficie e spazio come concetto filosofico di pittura e spazio. Era pietra miliare il suo lavoro, in cui è evidente l'influenza di Falk, che Bulatov, insieme a Favorsky, chiamava il suo insegnante. All'inizio degli anni '70, Bulatov iniziò a sviluppare un nuovo stile originale dal suo lavoro Horizon, combinando paesaggi naturalistici standard con grandi simboli di poster e slogan trasparenti. Di conseguenza, l'artista riesce in modo estremamente accessibile a illustrare l'assurdità della realtà, saturata dai simboli della propaganda sovietica. Lo spazio di Bulatov è sempre multistrato: o il testo dello slogan o un simbolo riconoscibile è posto sopra l'immagine. Sottolineando il contrasto tra propaganda e realtà, Bulatov si avvicina a Sots Art, ma l'obiettivo principale dell'artista resta quello di esplorare il confine tra lo spazio dell'arte e lo spazio sociale. Bulatov vede il suo compito creativo come “mostrare e dimostrare che lo spazio sociale, per quanto significativo e aggressivo possa sembrare, in realtà non è illimitato. Ha un limite, un confine, e la libertà umana e il significato dell'esistenza umana in generale sono dall'altra parte del confine. Lo spazio dell'arte è proprio lì, dall'altra parte del confine sociale”.

"Orizzonte", 1972

"Ritratto di Breznev"

"Gloria al PCUS" 2003-2005

Le opere di Bulatov vengono regolarmente esposte alle aste di arte contemporanea. Così, all'asta Philips, l'opera "Soviet Space" è andata a circa $ 1,6 milioni, altre due tele su temi sovietici, tra cui "Revolution - Perestroika", sono state vendute per un milione di dollari ciascuna, il che ha reso Bulatov uno dei più costosi artisti russi contemporanei.

Dal 1992 vive e lavora principalmente a Parigi.

“La parola nei miei dipinti è un'immagine puramente visiva. Puoi vedere come l'aria si addensa e si trasforma in una parola. Certo, è più facile per i telespettatori russi, vedono il punto in questo. Gli occidentali non sempre notano i cambiamenti avvenuti nei miei dipinti negli ultimi anni.

"Non esagerare l'importanza del mio lavoro. Periodo sovietico. Dopotutto, non c'era niente di sovietico o antisovietico nel dipinto "Ingresso - non c'è ingresso", solo il rosso è il più ottimista e Colore blu- il colore della prostrazione. Questo fagotto in seguito si è rivelato essere la mia lingua. Per me è sempre stato importante che l'immagine non avesse un carattere applicato e non illustrasse alcuna tesi sociale, ma diventasse essa stessa un'affermazione. Molti critici hanno visto solo il sovietico e l'antisovietico quando ho detto loro su cosa stavo lavorando e quale ideale stavo cercando.

“Ho lavorato con il tema sovietico solo fino al 1991. Perché masticare il vecchio? Quando lo era, era una cosa seria. Ora è come prendere a calci un leone morto".

“Circa cinque anni fa ho dipinto il quadro “Il firmamento è il cielo”. L'impulso era una poesia di Vsevolod Nekrasov, questa è la mia preferita poeta contemporaneo il che significa molto per me. Lì, lo spazio si è capovolto. E si è scoperto o un globo o, al contrario, profondità, un gioco così doppio... In generale, ho lavorato molto con il cielo, a partire dal 1975, quando ho dipinto il dipinto "I'm Coming" - già aveva movimento attraverso l'immagine, attraverso l'immagine. Il cielo per me è un'immagine di libertà. In uno spazio sociale, ne sono convinto, non ci può essere libertà. Penso che in generale per una persona il significato della sua vita, il significato della sua esistenza non sia nello spazio sociale. Qui si soddisfano i bisogni necessari, ma non si vive per questo, si vive per altro, mi sembra.

Fonti: Wikipedia, RFI - radio pubblica

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