Quali strumenti erano popolari nel XVII secolo. Musica strumentale del XVII secolo

Musica del XVII e XVIII secolo

A cavallo tra il XVI e il XVII secolo, la polifonia, che dominava la musica del Rinascimento, iniziò a lasciare il posto all'omofonia (dal greco "homos" - "uno", "stesso" e "sottofondo" - "suono", "voce"). A differenza della polifonia, dove tutte le voci sono uguali, nella polifonia omofonica una spicca, eseguendo il tema principale, e le altre svolgono il ruolo di accompagnamento (accompagnamento). L'accompagnamento è solitamente un sistema di accordi (armonie). Da qui il nome del nuovo modo di comporre musica: armonico omofonico.

Le idee sulla musica sacra sono cambiate. Ora i compositori cercavano non tanto di garantire che una persona rinunciasse alle passioni terrene, ma di rivelare la complessità delle sue esperienze spirituali. C'erano opere scritte su testi o trame religiose, ma non destinate all'esecuzione obbligatoria in chiesa. (Tali composizioni sono chiamate spirituali, poiché la parola "spirituale" ha un significato più ampio di "ecclesiastico".) I principali generi spirituali dei secoli XVII-XVIII. - cantata e oratorio. L'importanza della musica profana aumentò: veniva suonata a corte, nei salotti degli aristocratici, nei teatri pubblici (i primi di questi teatri furono aperti nel XVII secolo). C'era un nuovo tipo di arte musicale: l'opera.

La musica strumentale è anche contrassegnata dall'emergere di nuovi generi, in particolare il concerto strumentale. Violino, clavicembalo, organo si sono gradualmente trasformati in strumenti solisti. La musica scritta per loro ha permesso di mostrare talento non solo per il compositore, ma anche per l'esecutore. Prima di tutto veniva valorizzato il virtuosismo (la capacità di far fronte alle difficoltà tecniche), che gradualmente divenne fine a se stesso e valore artistico per molti musicisti.

I compositori dei secoli XVII-XVIII di solito non solo componevano musica, ma suonavano anche magistralmente strumenti, studiavano attività pedagogica. Il benessere dell'artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio cercava di ottenere un posto alla corte di un monarca o di un ricco aristocratico (molti membri della nobiltà avevano le proprie orchestre o teatri d'opera) o in un tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la produzione di musica sacra con il servizio di un mecenate secolare.

Oratorio e cantata

Come genere musicale indipendente, l'oratorio (oratorio italiano, dal tardo latino oratorio - "cappella") iniziò a prendere forma in Italia nel XVI secolo. I musicologi vedono le origini dell'oratorio nel dramma liturgico (vedi l'articolo "Il Teatro Europa medievale") - spettacoli teatrali che raccontano eventi biblici.

Azioni simili si svolgevano nei templi, da cui il nome del genere. All'inizio, gli oratori erano scritti sui testi delle Sacre Scritture ed erano destinati all'esecuzione in chiesa. IN XVII secolo i compositori iniziarono a comporre oratori sul moderno testi poetici contenuto spirituale. La struttura dell'oratorio è vicina a quella di un'opera. Si tratta di un'opera importante per cantanti solisti, coro e orchestra, con una trama drammatica. Tuttavia, a differenza dell'opera, nell'oratorio non c'è azione scenica: racconta gli eventi, ma non li mostra.

in Italia nel XVII secolo. si formò un altro genere: la cantata (it. cantata, dal lat. canto- "cantare"). Come l'oratorio, la cantata è solitamente eseguita da solisti, coro e orchestra, ma è più breve dell'oratorio. Le cantate sono state scritte su testi spirituali e secolari.

Musica d'Italia

Alla fine del XVI secolo si sviluppò in Italia lo stile artistico barocco (da um. barocco - "strano", "bizzarro"). Questo stile è caratterizzato da espressività, drammaticità, intrattenimento, desiderio di sintesi (connessione) tipi diversi arte. Queste caratteristiche si manifestarono pienamente nell'opera nata a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Un'opera combinava musica, poesia, drammaturgia e pittura teatrale... Inizialmente l'opera aveva un nome diverso: "dramma per musica" (it. dramma per musica); la parola "opera" (it. opera - "composizione") apparve solo a metà del XVII secolo. L'idea di "dramma per musica" nasce a Firenze, nel circolo artistico fiorentino Camerata. Le riunioni del circolo si tenevano in una camera (dall'italiano camera - "stanza"), a casa. Dal 1579 al 1592 illuminati melomani, poeti, scienziati si riunirono nella casa del conte Giovanni Bardi. Fu visitato anche da musicisti professionisti: cantanti e compositori Jacopo Peri (1561-1633) e Giulio Caccini (circa 1550-1618), teorico e compositore Vincenzo Galilei (circa 1520-1591), padre del famoso scienziato Galileo Galilei.

I partecipanti della Camerata fiorentina erano entusiasti dello sviluppo dell'arte musicale. Hanno visto il suo futuro nella combinazione di musica e teatro: i testi di tali opere (a differenza dei testi di complessi canti polifonici corali del XVI secolo) sarebbero diventati comprensibili per l'ascoltatore.

I membri del circolo trovarono nel teatro antico la combinazione ideale di parole e musica: i versi venivano cantati con voce cantilenante, ogni parola, ogni sillaba risuonava nitida. Così la camerata fiorentina ebbe l'idea del canto solista accompagnato da uno strumento - monodia (dal greco "monos" - "uno" e "ode" - "canto"). Un nuovo stile il canto cominciò a chiamarsi recitativo (da esso. recitare - "recitare"): la musica seguiva il testo e il canto era una recita monotona. Le intonazioni musicali erano insignificanti: l'enfasi era sulla chiara pronuncia delle parole e non sulla trasmissione dei sentimenti dei personaggi.

Le prime opere fiorentine erano basate su scene della mitologia antica. Le prime opere del nuovo genere che ci sono pervenute sono due opere omonime "Euridice" dei compositori Peri (1600) e Caccini (1602). Sono stati creati sulla trama del mito di Orfeo. Il canto era accompagnato da un ensemble strumentale, che consisteva in un cembalo (il precursore del pianoforte), una lira, un liuto, una chitarra, ecc.

Gli eroi delle prime opere erano governati dal destino e la sua volontà fu proclamata dai messaggeri. L'azione si apriva con un prologo, in cui si cantavano le virtù e la potenza dell'arte. Ulteriori esibizioni includevano ensemble vocali (numeri d'opera in cui più partecipanti cantano contemporaneamente), un coro ed episodi di danza. Sulla loro alternanza è stata costruita una composizione musicale.

L'opera iniziò a svilupparsi rapidamente, soprattutto come musica di corte. La nobiltà patrocinava le arti e tale preoccupazione era spiegata non solo dall'amore per il bello: la prosperità delle arti era considerata un attributo indispensabile di potere e ricchezza. Nelle principali città d'Italia - Roma, Firenze, Venezia, Napoli - si sono sviluppate le proprie scuole d'opera.

Le migliori caratteristiche di diverse scuole - attenzione alla parola poetica (Firenze), serio sottotesto spirituale dell'azione (Roma), monumentalità (Venezia) - furono combinate nella sua opera da Claudio Monteverdi (1567-1643). Il compositore è nato a città italiana Cremona nella famiglia del medico. Come musicista, Monteverdi si è sviluppato in gioventù. Ha scritto ed eseguito madrigali; suonava l'organo, la viola e altri strumenti. Monteverdi ha studiato composizione musicale con noti compositori dell'epoca. Nel 1590, come cantore e musicista, fu invitato a Mantova, alla corte del duca Vincenzo Gonzaga; in seguito guidò la cappella di corte. Nel 1612 Monteverdi lasciò il servizio a Mantova e dal 1613 si stabilì a Venezia. In gran parte grazie a Monteverdi nel 1637, a Venezia fu aperto il primo teatro dell'opera pubblico al mondo. Lì, il compositore guidò la cappella della Cattedrale di San Marco. Prima della sua morte, Claudio Monteverdi prese gli ordini sacri.

Dopo aver studiato il lavoro di Peri e Caccini, Monteverdi ha creato le proprie opere di questo genere. Già nelle prime opere - "Orfeo" (1607) e "Arianna" (1608) - il compositore riuscì a trasmettere sentimenti profondi e appassionati con mezzi musicali, per creare un'azione drammatica tesa. Monteverdi è l'autore di molte opere, ma solo tre sono sopravvissute: "Orfeo", "Ritorno di Ulisse in patria" (1640; basato sulla trama dell'antico poema epico greco "Odissea") e "Incoronazione di Poppea" ( 1642).

Le opere di Monteverdi combinano armoniosamente musica e testo. Le opere si basano su un monologo in cui ogni parola suona chiaramente e la musica trasmette in modo flessibile e sottile le sfumature dell'umore. Monologhi, dialoghi ed episodi corali fluiscono dolcemente l'uno nell'altro, l'azione si sviluppa lentamente (tre-quattro atti nelle opere di Monteverdi), ma in modo dinamico. Il compositore ha assegnato un ruolo importante all'orchestra. In "Orpheus", ad esempio, ha utilizzato quasi tutti gli strumenti allora conosciuti. La musica orchestrale non solo accompagna il canto, ma racconta essa stessa gli eventi che si svolgono sul palco e le esperienze dei personaggi. In Orfeo apparve per la prima volta un'ouverture (ouverture francese, o apertura latina - "apertura", "inizio") - un'introduzione strumentale a un importante brano musicale. Le opere di Claudio Monteverdi hanno avuto un'influenza significativa sui compositori veneziani e hanno gettato le basi della scuola operistica veneziana.

Monteverdi scrisse non solo opere, ma anche musica sacra, madrigali religiosi e profani. Divenne il primo compositore che non si oppose ai metodi polifonici e omofonici: gli episodi corali delle sue opere includono tecniche polifoniche. Nell'opera di Monteverdi, il nuovo si fondeva con il vecchio: le tradizioni del Rinascimento.

All'inizio del XVIII secolo. a Napoli si formò una scuola d'opera. Caratteristiche di questa scuola: maggiore attenzione al canto, ruolo dominante della musica. Fu a Napoli che fu creato lo stile vocale del bel canto (bel canto italiano - "bel canto"). Il bel canto è famoso per la straordinaria bellezza del suono, della melodia e della perfezione tecnica. Nel registro acuto (la gamma del suono della voce), il canto si distingueva per la leggerezza e la trasparenza del timbro, nel registro grave - per la morbidezza e la densità vellutate. L'esecutore doveva essere in grado di riprodurre molte sfumature del timbro della voce, oltre a trasmettere magistralmente numerose rapide sequenze di suoni sovrapposte alla melodia principale - coloratura (it. coloratura - "decorazione"). Un requisito speciale era l'uniformità del suono della voce: nelle melodie lente non si dovrebbe sentire il respiro.

Nel XVIII secolo l'opera divenne il principale tipo di arte musicale in Italia, facilitata dall'alto livello professionale dei cantanti che studiavano nei conservatori (it. conservatorio, err lat. conserve - "io guardo") - istituzioni educative che formavano musicisti. A quel tempo, quattro conservatori erano stati creati nei centri dell'opera italiana: Venezia e Napoli. La popolarità del genere è stata servita anche dai teatri d'opera aperti in diverse città del paese, accessibili a tutti i segmenti della società. Le opere italiane sono state messe in scena nei teatri delle principali capitali europee e compositori austriaci, tedeschi e di altri paesi hanno scritto opere basate su testi italiani.

Realizzazioni significative della musica d'Italia XVII-XVIII secolo. e nel campo dei generi strumentali. Il compositore e organista Girolamo Frescobaldi (1583-1643) ha fatto molto per sviluppare la creatività organistica. "Nella musica sacra, ha gettato le basi per un nuovo stile. Le sue composizioni per organo sono composizioni dettagliate di un magazzino di fantasia (libero). Frescobaldi divenne famoso per il suo modo di suonare virtuoso e l'arte dell'improvvisazione sull'organo e sul clavicembalo. L'arte del violino fiorì A quel tempo, le tradizioni di produzione del violino si erano sviluppate in Italia: i maestri ereditari delle famiglie Amati, Guarneri, Stradivari della città di Cremona svilupparono il design del violino, i metodi della sua fabbricazione, che furono tenuti in profondo segreto e tramandati di generazione in generazione.Gli strumenti realizzati da questi maestri hanno un suono incredibilmente bello e caldo, simile alla voce umana, guadagnando popolarità come ensemble e strumento solista.

Il fondatore della scuola violinistica romana è Arcangelo Corelli (1653-1713), uno dei creatori del genere concerto grosso (um. concerto grosso - "grande concerto"). Un concerto di solito presenta uno strumento solista (o un gruppo di strumenti) e un'orchestra. Il "Gran Concerto" è stato costruito sull'alternanza di episodi solistici e il suono dell'intera orchestra, che nel '600 era da camera e prevalentemente d'archi. I solisti di Corelli erano principalmente violino e violoncello. I suoi concerti consistevano in parti di diverso carattere; il loro numero era arbitrario.

Uno dei maestri eccezionali della musica per violino è Antonio Vivaldi (1678-1741). Divenne famoso come brillante virtuoso del violino.

I contemporanei erano attratti dal suo stile di esecuzione drammatico, pieno di contrasti inaspettati. Continuando le tradizioni di Corelli, il compositore ha lavorato nel genere del "grande concerto". Il numero di opere da lui scritte è enorme: quattrocentosessantacinque concerti, quaranta opere, cantate e oratori.

Creando concerti, Vivaldi si è battuto per suoni luminosi e insoliti. Ha mescolato le voci strumenti diversi, spesso includeva dissonanze (consonanze taglienti) nella musica; scelse strumenti rari a quel tempo come solisti: fagotto, mandolino (era considerato uno strumento di strada). I concerti di Vivaldi sono composti da tre parti, con la prima e l'ultima eseguite a un ritmo veloce, e quella centrale è lenta. Molti concerti di Vivaldi hanno un programma, un titolo o anche una dedica letteraria. Il ciclo "Le stagioni" (1725) è uno dei primi esempi di programma musica orchestrale. Quattro concerti di questo ciclo - "Primavera", "Estate", "Autunno", "Inverno" - dipingono in modo colorato immagini della natura. Vivaldi è riuscito a trasmettere in musica il canto degli uccelli ("Primavera", la prima parte), un temporale ("Estate", la terza parte), la pioggia ("Inverno", la seconda parte). Il virtuosismo, la complessità tecnica non hanno distratto l'ascoltatore, ma hanno contribuito alla creazione di un'immagine memorabile. Il lavoro concertistico di Vivaldi è diventato una vivida incarnazione dello stile barocco nella musica strumentale.

Operaseria e operabuffa

Nel XVIII sec. si formarono generi operistici come opera seria (it. opera seria - "opera seria") e operabuffa (it. opera buffa - "opera comica"). Operaseria si afferma nell'opera di Alessandro Scarlatti (1660-1725) - fondatore e il maggior rappresentante Scuola lirica napoletana. Durante la sua vita ha composto più di un centinaio di tali opere. Per la serie dell'opera veniva solitamente scelta una trama mitologica o storica. Si apriva con un'ouverture e consisteva in brani completi: arie, recitativi e cori. Il ruolo principale è stato svolto da grandi arie; di solito consistevano in tre parti e la terza era una ripetizione della prima. Nelle arie, i personaggi hanno espresso il loro atteggiamento nei confronti degli eventi in corso.

C'erano diversi tipi di arie: eroiche, patetiche (appassionate), dolenti, ecc. Per ognuna veniva utilizzata una certa gamma di mezzi espressivi: nelle arie eroiche - intonazioni decisive, invocative, ritmo vivace; in quelli lamentosi - frasi musicali brevi e intermittenti che mostrano l'eccitazione dell'eroe, ecc. I recitativi, piccoli frammenti di dimensioni, servivano a dispiegare la narrazione drammatica, come se la facesse avanzare. Gli eroi hanno discusso i piani per ulteriori azioni, si sono raccontati gli eventi accaduti. I recitativi erano divisi in due tipi: secco (dall'italiano secco - "secco") - uno scioglilingua veloce agli accordi medi del clavicembalo, e accompagnato (It. Assotraniato - "con accompagnamento") - una recitazione espressiva al suono di un'orchestra. Secco era più spesso usato per sviluppare l'azione, accompagnato - per trasmettere i pensieri e i sentimenti dell'eroe. Cori ed ensemble vocali hanno commentato quanto stava accadendo, ma non hanno preso parte agli eventi.

Il numero di lias attivi dipendeva dal tipo di trama ed era rigorosamente definito; lo stesso vale per le relazioni dei personaggi. Sono stati stabiliti i tipi di numeri vocali solisti e il loro posto nell'azione scenica. Ogni personaggio aveva il proprio timbro vocale: eroi lirici - soprano e tenore, padre nobile o cattivo - baritono o basso, eroina fatale - contralto.

Entro la metà del XVIII secolo. le carenze della serie d'opera divennero evidenti. Lo spettacolo era spesso programmato per coincidere con le celebrazioni di corte, quindi il lavoro doveva finire felicemente, il che a volte sembrava poco plausibile e innaturale. Spesso i testi erano scritti in un linguaggio artificiale, squisitamente educato. I compositori a volte trascuravano il contenuto e scrivevano musica che non si adattava al carattere della Siena o alla situazione; c'erano molti francobolli, effetti esterni non necessari. I cantanti hanno dimostrato il proprio virtuosismo, senza pensare al ruolo dell'aria nell'opera nel suo insieme. Operuseria cominciò a chiamarsi "un concerto in costume". Il pubblico non ha mostrato un serio interesse per l'opera stessa, ma è andato alle esibizioni per l'aria "corona" del famoso cantante; durante l'azione gli spettatori entravano e uscivano dalla sala.

L'Operabuffa è stata formata anche dai maestri napoletani. Il primo esempio classico di tale opera è La serva della serva (1733) del compositore Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Se nell'opera seria in primo piano - arie, poi nell'opera buffa - dialoghi colloquiali, alternati a complessi vocali. In operebuffa, principale completamente diverso caratteri. Queste sono, di regola, persone comuni: servi, contadini. La trama era basata su un divertente intrigo con travestimenti, ingannare uno stupido ricco proprietario da parte dei servi, ecc. Dalla musica era richiesta un'elegante leggerezza, dall'azione - rapidità.

Operubuffa è stato fortemente influenzato dal drammaturgo italiano, creatore della commedia nazionale Carlo Goldoni. Le opere più spiritose, vivaci e vibranti di questo genere furono create da compositori napoletani: Niccolò Piccinni (1728-1800) - "Chekkina, o la brava figlia" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "Il barbiere di Siviglia" (1782), "Il mugnaio" (1788); cantante, violinista, clavicembalista e compositore Domenico Cimarosa (1749-1801) - "Matrimonio segreto" (1792).

Strumenti a corda

I precursori dei moderni strumenti ad arco a corda - violino, viola, violoncello e contrabbasso - sono le viole. Apparvero tra la fine del XV e l'inizio del XVI secolo. e presto, grazie al loro suono morbido e gentile, iniziarono a svolgere un ruolo di primo piano nelle orchestre.

A poco a poco, le viole furono sostituite da nuovi strumenti ad arco a corda più avanzati. Nei secoli XVI-XVII intere scuole di artigiani lavorarono alla loro creazione. Le più famose sono le dinastie di liutai sorte nel nord Italia - nelle città di Cremona e Brescia.

Il fondatore della scuola cremonese è Andrea Amati (1520 circa - 1580 circa). Nicolo Amati (1596-1684), suo nipote, era particolarmente famoso per la sua arte. Ha reso quasi perfetto il dispositivo del violino, ha rafforzato il suono dello strumento; allo stesso tempo, la morbidezza e il calore del timbro sono stati preservati. La famiglia Guarneri operò a Cremona nei secoli XVII-XVIII. Il capostipite della dinastia è Andrea Guarneri (1626-1698), allievo di Nicolò Amati. L'eccezionale maestro Azuseppe Guarneri (1698-1744) sviluppò un nuovo modello di violino, diverso dallo strumento Amati.

Le tradizioni della scuola Amati furono continuate da Antonio Stradivari (1644-1737). Studiò con Nicolò Amati e nel 1667 aprì un'attività in proprio. Stradivari, più di altri maestri, è riuscito ad avvicinare il suono del violino al timbro della voce umana.

La famiglia Magini lavorava a Breche; i migliori violini furono realizzati da Giovanni Magini (1580-1630 o 1632).

Lo strumento ad arco a corde di registro più alto è il violino. È seguito da viola, violoncello, contrabbasso in ordine decrescente di gamma sonora. La forma del corpo (o cassa di risonanza) del violino ricorda i contorni del corpo umano. Il corpo ha un ponte superiore e uno inferiore (tedesco Decke - "coperchio"), con il primo in abete rosso e il secondo in acero. I deck servono a riflettere e amplificare il suono. Sulla parte superiore sono presenti fori risonatori (nella forma della lettera latina f; non a caso si chiamano "efs"). Un collo è attaccato al corpo; di solito è fatto di ebano. È un piatto lungo e stretto su cui sono tese quattro corde. I piroli sono usati per tendere e accordare le corde; sono anche sulla tastiera.

Viola, violoncello e contrabbasso sono simili nella struttura al violino, ma più grandi di esso. La viola non è molto grande, si tiene a spalla. Il violoncello è più grande della viola e, quando suona, il musicista si siede su una sedia e appoggia lo strumento sul pavimento, tra le gambe. Il contrabbasso è più grande del violoncello, quindi l'esecutore deve stare in piedi o seduto su uno sgabello alto e posizionare lo strumento davanti a sé. Durante il gioco, il musicista guida le corde con un arco, che è un bastone di legno con crine di cavallo teso; la corda vibra e produce un suono melodioso. La qualità del suono dipende dalla velocità del movimento dell'arco e dalla forza con cui preme sulla corda. Con le dita della mano sinistra, l'esecutore accorcia la corda, premendola in vari punti contro la tastiera - in questo modo ottiene altezze diverse. Su strumenti di questo tipo il suono può essere estratto anche pizzicando o percuotendo la corda con la parte lignea dell'archetto. Il suono delle corde ad arco è molto espressivo, l'esecutore può dare alla musica le sfumature più fini.

Gli strumenti a fiato sono il tipo più antico di strumenti musicali giunti nel Medioevo dall'antichità. Tuttavia, nel processo di sviluppo e formazione della civiltà occidentale medievale, la portata degli strumenti a fiato si è notevolmente ampliata: alcuni, come ad esempio l'oliphant, appartengono alle corti dei nobili signori, altri - flauti - sono usati sia nel folk ambiente e tra musicisti professionisti, e altri ancora, come la tromba diventano strumenti musicali esclusivamente militari.

Il rappresentante più anziano gli strumenti a fiato in Francia dovrebbero probabilmente essere considerati fretel (fretel), o "flauto di Pan". Uno strumento simile può essere visto su una miniatura di un manoscritto dell'XI secolo. nella Biblioteca Nazionale di Parigi (Fig. I). Si tratta di un flauto a più canne, costituito da un insieme di canne (di canna, di canna o di legno) di diversa lunghezza, con un'estremità aperta e l'altra chiusa. Fretel è spesso citato insieme ad altri tipi di flauti nei romanzi dei secoli XI-XII. Tuttavia, già nel XIV secolo. del fretel si parla solo come di uno strumento musicale suonato nelle feste paesane, diventa uno strumento della gente comune.

Il flauto (fluûte), invece, sta conoscendo una "ascesa": da strumento popolare comune a strumento di corte. I flauti più antichi sono stati trovati sul territorio della Francia nello strato culturale gallo-romano (I-II secolo d.C.). La maggior parte di loro sono ossa. Fino al 13 ° secolo il flauto è solitamente doppio, come in una miniatura di un manoscritto del X secolo. dalla Biblioteca Nazionale di Parigi (Fig. 3), e i tubi possono avere lunghezze uguali o diverse. Il numero di fori sulla canna del flauto può essere variato (da quattro a sei, sette). I flauti erano solitamente suonati da menestrelli, giocolieri e spesso il loro gioco precedeva l'apparizione di una solenne processione o di qualche persona di alto rango.

I menestrelli suonavano anche un doppio flauto con trombe di diversa lunghezza. Tale flauto è mostrato su una vignetta di un manoscritto del XIII secolo. (figura 2). Nella miniatura si vede un'orchestra di tre menestrelli: uno suona la viola; il secondo su un flauto simile al clarinetto moderno; il terzo percuote un tamburello quadrato di cuoio teso su un telaio. Il quarto personaggio versa del vino ai musicisti per rinfrescarli. Orchestre simili di flauto, tamburo e violino esistevano nei villaggi della Francia fino all'inizio del XIX secolo.

Nel XV sec. iniziarono ad apparire flauti di cuoio bollito. Inoltre, il flauto stesso potrebbe essere sia rotondo che ottagonale in sezione trasversale, e non solo dritto, ma anche ondulato. Uno strumento simile è stato conservato in collezione privata Sig. Fo (fig. 4). La sua lunghezza è di 60 cm, nel punto più largo il diametro è di 35 mm. Il corpo è in cuoio bollito nero, la testa decorativa è dipinta. Tale flauto è servito da prototipo per la creazione della pipa serpan. I flauti Serpan venivano usati sia durante i servizi divini nelle chiese che nelle feste secolari. I flauti traversi, così come i flageolets, sono menzionati per la prima volta nei testi del XIV secolo.

Un altro tipo di strumenti musicali a fiato sono le cornamuse. Ce n'erano anche diversi tipi nella Francia medievale. Questa è una chevrette, uno strumento a fiato composto da una borsa di pelle di capra, un tubo dell'aria e un duda. Un musicista che suona questo strumento (Fig. 6) è raffigurato in un manoscritto del XIV secolo. "Il romanzo della rosa", dalla Biblioteca Nazionale di Parigi. Alcune fonti separano il chevret e la cornamusa, mentre altri si riferiscono semplicemente al chevret come "piccole cornamuse". Lo strumento, che nel suo aspetto ricorda molto un chevret, risale al XIX secolo. incontrato nei villaggi delle province francesi della Borgogna e del Limosino.

Un altro tipo di cornamusa era l'horo o horum (choro). Secondo una descrizione trovata in un manoscritto dell'abbazia di S. Blaise (IX secolo), questo è uno strumento a fiato con un tubo per fornire aria e un tubo, ed entrambi i tubi si trovano sullo stesso piano (sono, per così dire, una continuazione l'uno dell'altro). Nella parte mediana dell'oro è presente una riserva d'aria, realizzata in cuoio conciato, e dalla perfetta forma sferica. Poiché la pelle della "borsa" ha iniziato a vibrare quando il musicista ha soffiato nell'horo, il suono era alquanto tintinnante e acuto (Fig. 6).

Zampogna (coniemuese), il nome francese di questo strumento deriva dal latino corniculans (cornuto) e si trova nei manoscritti solo a partire dal XIV secolo. Né il suo aspetto né il suo uso nella Francia medievale differivano dalle tradizionali cornamuse scozzesi a noi note, come si può vedere da un'immagine di un manoscritto del XIV secolo. (figura 9).

Corni e corna (corno). Tutti questi strumenti a fiato, compreso il grande corno oliphant, differiscono poco l'uno dall'altro nel design e nell'uso. Erano fatti di legno, cuoio bollito, avorio, corno e metallo. Di solito erano indossati sulla cintura. La gamma di corni che suonano non è ampia, ma i cacciatori del XIV secolo. Su di essi venivano suonate semplici melodie composte da determinati segnali. I corni da caccia, come abbiamo già detto, venivano portati prima in vita, poi, fino al XVI secolo, a tracolla; un ciondolo simile si trova spesso nelle immagini, in particolare nel Libro della caccia di Gaston Phoebe (Fig. 8). Il corno da caccia di un nobile signore è una cosa preziosa; così, Sigfrido nel "Canto dei Nibelunghi" portava con sé un corno d'oro di pregevole fattura per cacciare.

Separatamente, va detto dell'alifante: un enorme corno con anelli di metallo realizzati appositamente in modo che l'olifante possa essere appeso sul lato destro del suo proprietario. Hanno ricavato olifanti dalle zanne di elefante. Utilizzato nella caccia e durante le operazioni militari per segnalare l'avvicinarsi del nemico. Una caratteristica distintiva dell'olifante è che poteva appartenere solo al signore sovrano, nella cui subordinazione sono i baroni. Il carattere onorifico di questo strumento musicale è confermato dalla scultura del XII secolo. dalla chiesa abbaziale di Vaselles, dove è raffigurato un angelo con un olifante sul fianco, che annuncia la Natività del Salvatore (Fig. 13).

I corni da caccia erano diversi da quelli usati dai menestrelli. Quest'ultimo utilizzava uno strumento di concezione più avanzata. Sul capitello di una colonna della stessa chiesa abbaziale di Vazelle è raffigurato un menestrello (Fig. 12) che suona un corno, sul quale sono stati praticati dei fori non solo lungo la canna, ma anche sulla campana, che hanno permesso di modulare il suono, dandogli un volume maggiore o minore.

I tubi erano rappresentati dal tubo vero e proprio (trompe) e tubi curvi lunghi più di un metro - busine. Le bacche di sambuco erano fatte di legno, cuoio bollito, ma molto spesso di ottone, come si può vedere in una miniatura di un manoscritto del XIII secolo. (figura 9). Il loro suono era acuto e forte. E poiché si sentiva lontano, gli anziani venivano usati nell'esercito per la sveglia mattutina, davano segnali per rimuovere l'accampamento, per salpare le navi. Hanno anche annunciato l'arrivo dei reali. Così, nel 1414, l'ingresso a Parigi di Carlo VI fu annunciato con i suoni degli anziani. A causa del particolare volume del suono nel Medioevo, si credeva che suonando il sambuco, gli angeli avrebbero annunciato l'inizio del Giorno del Giudizio.

La tromba era esclusivamente uno strumento musicale militare. Ha servito per crescere nell'esercito spirito combattivo, per radunare truppe. Il tubo è più piccolo del sambuco ed è un tubo metallico (diritto o più volte piegato) con una presa all'estremità. Il termine stesso apparve alla fine del XV secolo, ma uno strumento di questo tipo (canne diritte) era in uso nell'esercito sin dal XIII secolo. Entro la fine del XIV secolo. la forma della pipa cambia (il suo corpo si piega) e la pipa stessa è necessariamente decorata con uno stendardo con uno stemma (Fig. 7).

Un tipo speciale di pipa - un serpente (serpente) - è servito da prototipo per molti moderni strumenti a fiato. Nella collezione del Sig. Fo è presente un falcetto (Fig. 10), realizzato in cuoio bollito, la sua altezza è di 0,8 m, e la lunghezza totale è di 2,5 M. Il musicista teneva lo strumento con entrambe le mani, mentre la mano sinistra teneva la parte ricurva (A), e le dita della mano destra passavano sui fori praticati nella parte superiore della falce. Il suono del serpan era potente, questo strumento a fiato era usato sia nelle bande militari che nelle funzioni religiose.

L'organo (orgue) si distingue in qualche modo nella famiglia degli strumenti a fiato. Questo strumento a tastiera-pedale con una serie di diverse dozzine di canne (registri) suonate dall'aria soffiata dai mantici è attualmente associato solo a grandi organi fissi - chiesa e concerto (Fig. 14). Tuttavia, nel Medioevo, forse, era più diffuso un altro tipo di questo strumento, l'organetto (orgue de main). Si basa sul "flauto di Pan", che viene suonato con l'ausilio di aria compressa, che entra nei tubi da un serbatoio con aperture chiuse da valvole. Tuttavia, già nell'antichità, in Asia, nell'antica Grecia e a Roma, erano noti grandi organi a controllo idraulico. In Occidente, questi strumenti apparvero solo nell'VIII secolo, e anche allora come doni presentati ai monarchi occidentali dagli imperatori bizantini (Costantino V Copronimo inviò un tale organo in dono a Pipino il Breve, e Costantino Curopolat a Carlo Magno e Ludovico il Bene).

Immagini di organi manuali compaiono in Francia solo nel X secolo. Con la mano destra il musicista seleziona i tasti e con la sinistra preme il mantice che pompa aria. Lo strumento stesso si trova solitamente sul petto o sullo stomaco del musicista, negli organi manuali di solito ci sono otto canne e, di conseguenza, otto tasti. Durante i secoli XIII-XIV, gli organi a mano praticamente non cambiarono, ma il numero di canne poteva variare. Solo nel XV secolo comparvero negli organi manuali una seconda fila di canne e una doppia tastiera (quattro registri). I tubi sono sempre stati di metallo. Organo manuale di lavoro tedesco del XV secolo. disponibile nel Pinotek di Monaco (Fig. 15).

Gli organi a mano si diffusero tra i musicisti itineranti che potevano cantare insieme accompagnandosi sullo strumento. Risuonavano nelle piazze delle città, nelle feste di paese, ma mai nelle chiese.

Gli organi, più piccoli di quelli da chiesa, ma più di quelli manuali, un tempo erano collocati nei castelli (alla corte di Carlo V, per esempio) o potevano essere installati su palchi stradali durante le cerimonie solenni. Così, diversi organi simili suonarono a Parigi, quando Isabella di Baviera fece il suo solenne ingresso in città.

Forse non c'è civiltà che non abbia inventato uno strumento musicale simile al tamburo. Una pelle secca tesa su una pentola o un tronco scavato: questo è già un tamburo. Tuttavia, sebbene i tamburi fossero conosciuti fin dall'antico Egitto, erano poco usati nell'alto medioevo. Solo dall'epoca delle Crociate la menzione dei tamburi (tamburo) divenne regolare, ea partire dal XII secolo. sotto questo nome ci sono strumenti di un'ampia varietà di forme: lunghi, doppi, tamburelli, ecc. Entro la fine del XII secolo. questo strumento, che suona sul campo di battaglia e nella sala dei banchetti, attira già l'attenzione dei musicisti. Allo stesso tempo, è così diffuso che nel XIII secolo. Trouvers, che affermano di preservare antiche tradizioni nella loro arte, lamentano il "predominio" di tamburi e tamburelli, che stanno sostituendo strumenti "più nobili".

Tamburelli e tamburi accompagnano non solo il canto, le esibizioni dei trovatori, ma vengono anche ripresi da ballerini erranti, attori, giocolieri; le donne ballano, accompagnando le loro danze con il suono dei tamburelli. Allo stesso tempo, il tamburello (tambour, bosquei) è tenuto in una mano e l'altra, libera, lo colpisce ritmicamente. A volte i menestrelli, suonando il flauto, si accompagnavano su un tamburello o tamburo, che allacciavano sulla spalla sinistra con una cinghia. Il menestrello suonava il flauto, accompagnandone il canto con colpi ritmici al tamburello, che realizzava con la testa, come si può vedere sulla scultura del XIII secolo. dalla facciata della Casa dei Musicisti a Reims (Fig. 17).

Secondo la scultura della Casa dei Musici, sono noti anche tamburi saraceni, o doppi (Fig. 18). Nell'era delle Crociate, trovarono distribuzione nell'esercito, poiché erano facilmente installabili su entrambi i lati della sella.

Un altro tipo di strumento musicale a percussione, comune nel Medioevo in Francia, era il timbro (tymbre, cembel) - due emisferi, e successivamente - piatti, fatti di rame e altre leghe, usati per battere il ritmo, accompagnamento ritmico delle danze. In un manoscritto di Limoges del XII secolo. dalla Biblioteca Nazionale di Parigi, la danzatrice è raffigurata con questo strumento (Fig. 14). Entro il XV secolo si riferisce a un frammento di scultura dall'altare della chiesa abbaziale in O, su cui il timbro è utilizzato nell'orchestra (Fig. 19).

Il timbro dovrebbe includere un piatto (cymbalum) - uno strumento che era un anello con tubi di bronzo saldati ad esso, alle cui estremità suonano le campane quando vengono scosse, l'immagine di questo strumento è nota da un manoscritto del XIII secolo. dall'Abbazia di San Biagio (Fig. 20). Il piatto era comune in Francia durante altomedievale ed era usato sia nella vita secolare che nelle chiese: ricevevano un segno per iniziare il culto.

Anche le campane (chochettes) appartengono agli strumenti a percussione medievali. Erano molto diffusi, le campane suonavano durante i concerti, venivano cucite sui vestiti, appese al soffitto nelle abitazioni - per non parlare dell'uso delle campane in chiesa ... Anche i balli erano accompagnati da campane, e ci sono esempi di questo - immagini su miniature, risalenti all'inizio del X secolo! A Chartres, Sens, Parigi, sui portali delle cattedrali, si possono trovare bassorilievi su cui una donna che colpisce le campane sospese simboleggia la musica nella famiglia delle Arti Liberali. Il re David era raffigurato mentre suonava le campane. Come si può vedere nella miniatura della Bibbia del XIII secolo, li suona con l'aiuto di mazze (Fig. 21). Il numero di campane potrebbe variare, di solito da cinque a dieci o più.

Anche le campane turche - uno strumento musicale militare - sono nate nel Medioevo (alcuni chiamano le campane turche piatti).

Nel XII sec. si diffuse la moda dei sonagli o dei sonagli cuciti ai vestiti. Erano usati sia da donne che da uomini. Inoltre, quest'ultimo non si separò da questa moda per molto tempo, fino al XIV secolo. Quindi era consuetudine decorare i vestiti con spesse catene d'oro e spesso gli uomini vi appendevano campanelli. Questa moda era un segno di appartenenza all'alta nobiltà feudale (Fig. 8 e 22): alla piccola nobiltà e alla borghesia era vietato indossare campane. Ma già nel XV secolo. le campane rimangono solo sui vestiti dei giullari. Vita orchestrale di questo strumento a percussione continua fino ad oggi; e da allora non è cambiato molto.

Di tutti gli strumenti ad arco medievali, la viola (vièle) è il più nobile e il più difficile da eseguire. Secondo la descrizione del monaco domenicano Girolamo di Moravia, nel XIII sec. la viola aveva cinque corde, ma le miniature precedenti mostrano sia strumenti a tre che a quattro corde (Fig. 12 e 23, 23a). Allo stesso tempo, le corde vengono tirate sia sul "cavallo" che direttamente sul ponte. A giudicare dalle descrizioni, la viola non suonava forte, ma molto melodica.

Interessante la scultura della facciata della Casa dei Musici, che rappresenta un musicista a grandezza naturale (Fig. 24) che suona una viola a tre corde. Poiché le corde sono tese sullo stesso piano, l'arco, estraendo il suono da una corda, potrebbe toccare le altre. Il "modernizzato" per la metà del XIII secolo merita un'attenzione particolare. forma di arco.

Entro la metà del XIV secolo. in Francia la forma della viola si avvicina alla chitarra moderna, che probabilmente rendeva più facile suonarla con l'archetto (Fig. 25).

Nel XV sec. compaiono grandi viole - viola de gamba. Sono stati suonati con lo strumento tra le ginocchia. Alla fine del XV secolo la viola da gamba diventa una sette corde. Successivamente la viola da gamba sarà sostituita dal violoncello. Tutti i tipi di viole erano molto diffusi nella Francia medievale, suonandoli accompagnavano sia le feste che le serate intime.

La viola si distingueva dalla crouth per il doppio fissaggio delle corde sulla tavola armonica. Non importa quante corde ci siano su questo strumento medievale (nei cerchi più antichi ci sono tre corde), sono sempre attaccate al "cavallo". Inoltre, la stessa tavola armonica presenta due fori lungo le corde. Questi fori sono passanti e servono per far passare attraverso di essi la mano sinistra, le cui dita premono alternativamente le corde sul ponte, quindi le rilasciano. L'esecutore di solito teneva un arco nella mano destra. Una delle raffigurazioni più antiche del kroot si trova su un manoscritto dell'XI secolo. dall'abbazia di Limoges di S. Marziale (Fig. 26). Tuttavia, va sottolineato che il krut è prevalentemente uno strumento inglese e sassone. Il numero di stringhe su un cerchio aumenta con il tempo. E sebbene sia considerato il capostipite di tutti gli strumenti ad arco, il krut non ha mai messo radici in Francia. Molto più comune dopo l'XI secolo. ruber o giga si trova qui.

Gigue (gigue, gigle), a quanto pare, è stato inventato dai tedeschi, ha la forma di una viola, ma non ha un'intercettazione sul ponte. La giga è lo strumento preferito di un menestrello. Le capacità di esecuzione di questo strumento erano significativamente inferiori a quelle della viola, ma richiedeva anche meno abilità nell'esecuzione. A giudicare dalle immagini, i musicisti hanno suonato la giga (Fig. 27) come un violino, mettendosi l'epoca in spalla, che si può vedere sulla vignetta del manoscritto "Il libro delle meraviglie del mondo", risalente al inizio del XV secolo.

Ruber (rubère) - strumento ad arco a corde, che ricorda il rebab arabo. Simile nella forma a un liuto, il ruber ha una sola corda tesa su un “colmo” (Fig. 29), come è raffigurato in miniatura in un manoscritto dell'abbazia di S. Biagio (IX secolo). Secondo Jerome Moravsky, nei secoli XII - XIII. il rubert è già uno strumento a due corde, si usa nell'esecuzione d'insieme, e guida sempre la parte di basso “basso”. Zhig, rispettivamente, - "superiore". Si scopre così che il monocorde (monocorde) - uno strumento ad arco che è stato in una certa misura il progenitore del contrabbasso - è anche una specie di ruber, poiché veniva utilizzato anche nell'ensemble come strumento che imposta il tono basso. A volte era possibile suonare il monocordo senza arco, come si può vedere nella scultura dalla facciata della chiesa abbaziale di Vaselles (Fig. 28).

Nonostante l'uso diffuso e le numerose varietà, il ruber non era considerato uno strumento al pari della viola. La sua sfera è piuttosto la strada, le feste popolari. Non è del tutto chiaro, tuttavia, quale fosse effettivamente il suono del ruber, poiché alcuni ricercatori (Jerome Moravsky) parlano di ottave gravi, mentre altri (Aymeric de Peyrac) affermano che il suono del ruber è acuto e “forte”, simile a "urlo femminile". Forse, però, stiamo parlando di strumenti di epoche diverse, ad esempio del XIV o XVI secolo...

Probabilmente, le discussioni su quale strumento sia antico dovrebbero essere riconosciute come irrilevanti, poiché lo strumento a corde, la lira, è diventato l'emblema della musica, con cui inizieremo la storia degli strumenti a corde pizzicate.

L'antica lira è uno strumento a corde da tre a sette corde tese verticalmente tra due montanti montati su una tavola armonica di legno. Le corde della lira erano diteggiate o suonate con l'aiuto di un risonatore a plettro. Su una miniatura da un manoscritto dei secoli X-XI. (Fig. 30), conservata nella Biblioteca Nazionale di Parigi, si può vedere una lira con dodici corde, raccolte in gruppi di tre e tese a diverse altezze (Fig. 30a.) Tali lire hanno solitamente delle belle maniglie scolpite su entrambi i lati, per il quale era possibile allacciare la cintura, il che ovviamente facilitava il musicista a suonare.

La lira fu confusa nel Medioevo con il sitar (cetra), apparso anche nell'antica Grecia. In origine è una sei corde strumento a pizzico. Secondo Girolamo di Moravia, il sitar nel Medioevo era di forma triangolare (più precisamente aveva la forma della lettera "delta" dell'alfabeto greco) e il numero di corde su di esso variava da dodici a ventiquattro. Un sitar di questo tipo (IX secolo) è raffigurato in un manoscritto dell'abbazia di S. Vlasya (figura 31). Tuttavia, la forma dello strumento poteva variare: è noto che l'immagine di un sitar arrotondato irregolarmente con un manico mostra il gioco (Fig. 32). Tuttavia, la principale differenza tra il sitar e il salterio (vedi sotto) e altri strumenti a corde pizzicate è che le corde vengono semplicemente tirate sul telaio e non su una sorta di "contenitore sonoro".

Anche la guiterne medievale (guiterne) trae origine dal sitar. Anche la forma di questi strumenti è varia, ma di solito ricorda un mandolino o una chitarra (cetra). Le menzioni di tali strumenti iniziano a essere trovate dal 13 ° secolo e sono suonate sia da donne che da uomini. Il gitern accompagnava il canto dell'esecutore, ma lo suonavano o con l'ausilio di un risonatore-plettro, oppure senza di esso.Nel manoscritto "Il romanzo di Troia" di Benoit de Saint-Maur (XIII secolo), il menestrello canta, suonando il giter senza plettro (Fig. 34) . In un altro caso, nel romanzo "Tristano e Isotta" (metà del XIII secolo), è presente una miniatura che raffigura un menestrello che accompagna la danza del suo compagno suonando l'isterna (Fig. 33). Le corde dell'isterna sono tese diritte (senza puledra), ma sul corpo è presente un foro (rosone). Un bastone d'osso fungeva da mediatore, che veniva tenuto con il pollice e l'indice, come si vede chiaramente nella scultura di un musicista della chiesa abbaziale di O (Fig. 35).

Gitern, a giudicare dalle immagini disponibili, potrebbe essere uno strumento d'insieme. È noto il coperchio di uno scrigno della collezione del Museo di Cluny (XIV secolo), dove lo scultore scolpì su avorio una suggestiva scena di genere: due giovani giocano in giardino, deliziando l'orecchio; uno ha in mano un liuto, l'altro un'isterna (fig. 36).

A volte la chitarra, come prima il sitar, era chiamata compagnia (rote) nella Francia medievale, aveva diciassette corde. La compagnia è stata interpretata in cattività da Riccardo Cuor di Leone.

Nel XIV sec. si fa menzione di un altro strumento simile al githeron: il liuto (luth). Entro il XV secolo la sua forma sta già finalmente prendendo forma: un corpo molto convesso, quasi semicircolare, con un foro tondo sulla tavola armonica. Il "collo" non è lungo, la "testa" si trova ad angolo retto rispetto ad esso (Fig. 36). Allo stesso gruppo di strumenti appartiene il mandolino, la mandora, che aveva nel XV secolo. la forma più varia.

L'arpa (arpa) può anche vantare l'antichità della sua origine - le sue immagini si trovano già in Antico Egitto. Tra i greci, l'arpa è solo una variante del sitar, tra i celti è chiamata sambuk. La forma dell'arpa è invariata: è uno strumento su cui corde di diversa lunghezza sono tese su un telaio a forma di angolo più o meno aperto. Le arpe antiche sono a tredici corde, accordate nella scala diatonica. Suonavano l'arpa in piedi o seduti, con entrambe le mani e rafforzando lo strumento in modo che il suo supporto verticale fosse sul petto dell'esecutore. Nel XII secolo apparvero anche arpe di piccole dimensioni con un diverso numero di corde. Un tipo caratteristico di arpa è presentato su una scultura della facciata della Casa dei Musicisti a Reims (Fig. 37). I giocolieri nelle loro esibizioni usavano solo loro e si potevano creare interi ensemble di arpisti. Gli irlandesi e i bretoni erano considerati i migliori arpisti. Nel XVI sec. l'arpa è praticamente scomparsa in Francia ed è apparsa qui solo secoli dopo, nella sua forma moderna.

Particolare menzione meritano i due strumenti medievali a pizzico. Questi sono il salterio e il sifone.

L'antico salterio è uno strumento a corde di forma triangolare che ricorda vagamente la nostra arpa. Nel Medioevo la forma dello strumento cambiò: nelle miniature sono rappresentati anche salteri quadrati. Il suonatore lo teneva in grembo e suonava ventuno corde con le dita o con il plettro (l'estensione dello strumento era di tre ottave). L'inventore del salterio è il re David, che, secondo la leggenda, usava il becco di un uccello come plettro. Una miniatura del manoscritto di Gerardo di Landsberg nella Biblioteca di Strasburgo raffigura il re biblico che gioca con la sua prole (Fig. 38).

Nella letteratura francese medievale, i salteri cominciano a essere menzionati da inizio XII c., la forma degli strumenti poteva essere molto diversa (Fig. 39 e 40), erano suonati non solo dai menestrelli, ma anche dalle donne - nobili dame e il loro seguito. Entro il XIV secolo. il salterio lascia gradualmente la scena, lasciando il posto al clavicembalo, ma il clavicembalo non poteva raggiungere il suono cromatico caratteristico dei salteri a due corde.

In una certa misura, un altro strumento medievale, praticamente scomparso già nel XV secolo, è simile all'intonaco. Questa è una sifonia (chifonie) - una versione occidentale dell'arpa a ruota russa. Tuttavia, oltre ad una ruota con spazzolino di legno, che, ruotando il manico, tocca tre corde dritte, il sifone è dotato anche di tasti che ne regolano anche il suono.Ci sono sette tasti sul sifone, e si trovano all'estremità opposta a quella su cui gira la ruota. Di solito due persone suonavano il sifone, il suono dello strumento era, secondo le fonti, armonioso e tranquillo. Il disegno da una scultura sul capitello di una delle colonne di Boshville (XII secolo) dimostra un modo simile di suonare (Fig. 41). Il sifone più diffuso fu nei secoli XI-XII. Nel XV sec. la piccola sifonia, suonata da un musicista, era popolare. Nel manoscritto "Il romanzo di Gérard de Nevers e la bella Arianna" della Biblioteca Nazionale di Parigi, è presente una miniatura raffigurante il protagonista travestito da menestrello, con uno strumento simile al fianco (Fig. 42).

CAPITOLO 2. La chitarra conquista l'Europa

Nel XVII secolo la chitarra continuò a conquistare l'Europa.
Una delle chitarre dell'epoca appartiene al museo del Royal College of Music di Londra. Creato a Lisbona nel 1581 da un certo Melchior Dias.
La struttura di questa chitarra ha caratteristiche che verranno ripetute nel loro lavoro dai maestri di strumenti musicali per più di due secoli.

Chitarra battente italiana del XVII secolo proveniente dalla collezione del Castello Sforzesco di Milano.

Tutte le chitarre di quel tempo erano riccamente ornate. Per la realizzazione di un oggetto così squisito, gli artigiani utilizzano materiali pregiati: legni rari (in particolare nero - ebano), avorio, tartaruga. Il piano inferiore e le fiancate sono decorati con intarsi. Il ponte superiore, al contrario, rimane semplice ed è realizzato in legno di conifere (il più delle volte abete rosso). Per non sopprimere le vibrazioni, solo il foro del risonatore ei bordi della cassa lungo tutta la sua circonferenza sono rifiniti con mosaici in legno.
L'elemento decorativo principale è una coccarda realizzata in pelle goffrata. Questa rosetta non solo rivaleggia con la bellezza dell'intero cabinet, ma ammorbidisce anche i suoni prodotti. Ovviamente, i proprietari di questi lussuosi strumenti erano interessati non tanto alla forza e alla potenza quanto alla raffinatezza del suono.
Uno dei primi esempi di chitarre del XVII secolo che ci sono pervenuti è nella collezione del Museo degli strumenti musicali del Conservatorio di Parigi. Porta il nome dell'artigiano, il veneziano Cristofo Coco, e la data 1602. Il corpo piatto è interamente costituito da lastre d'avorio fissate con sottili listelli di legno bruno.

Agostino Quesnel Chitarrista 1610

Nel XVII secolo, lo stile razgueado, portato dalla Spagna, dove era popolare, si diffuse in gran parte dell'Europa. La chitarra perde immediatamente l'importanza che aveva per i musicisti seri. D'ora in poi, viene utilizzato solo per l'accompagnamento, per "cantare, suonare, ballare, saltare ... battere i piedi", come scrive Louis de Briseno nella prefazione al suo "Metodo" (Parigi, 1626).
Anche il teorico bordolese Pierre Trichet annota con rammarico (1640 circa): "La chitarra, o hyterna, è uno strumento largamente usato tra i francesi e gli italiani, ma specialmente tra gli spagnoli, che la usano così sfrenatamente come nessun altro nazione." Serve come accompagnamento musicale ai balli che ballano, "contrazioni dappertutto, gesticolando in modo ridicolo e ridicolo, così che suonare lo strumento diventa poco chiaro e confuso". E indignato per ciò che deve osservare, Pierre Trichet continua: “In Francia, dame e cortigiane che conoscono la moda spagnola cercano di imitarla. In questo somigliano a quelli che, invece di mangiare bene in casa propria, vanno dal vicino a mangiare lardo, cipolle e pane nero.

David Teniers Junior Chitarrista

Mattia Pretti Concerto 1630

Nonostante ciò, la chitarra rimane popolare in Francia. La chitarra è prontamente utilizzata nei balletti. In The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) e The Rich Widow (1626), musicisti vestiti con costumi spagnoli suonano la chitarra per maggiore credibilità. Nel primo balletto, gli interpreti della ciaccona "adattano i suoni delle loro chitarre ai movimenti agili dei loro piedi". Nella seconda, messa in scena da Sua Maestà nella Sala Grande del Louvre, si dispiega anche l'entre dei granatieri con l'accompagnamento della chitarra. Secondo il Mercure de France, lo stesso Luigi XIII ha accompagnato i due ballerini di sarabande alla chitarra in questa performance.

Gerrit van Honthorst suonare la chitarra 1624

Jan Vermeer Chitarrista 1672

A metà del XVII secolo inizia un nuovo periodo di massimo splendore della chitarra. E questa volta l'aggiornamento arriva dalla Francia. Per insegnare la chitarra al giovane re di Francia viene chiamato a corte il celebre maestro e musicista Francesco Corbetta (1656). Non osando affermare (a differenza di alcuni cortigiani) che in diciotto mesi Luigi XIV superò il suo maestro, non si può però dubitare della vera passione del re per lo strumento. Durante il suo regno, la chitarra ridiventa la beniamina dell'aristocrazia e dei compositori. E ancora la moda per la chitarra conquista tutta l'Europa.

Incisione dalla copertina di una vecchia edizione di Pezzi per Chitarra. 1676

Francisco Goya Danza sulla riva del fiume 1777

Francisco Goya il chitarrista cieco 1788

Ramon Baie Un giovane con una chitarra. 1789 Museo del Prado. Madrid

Alla fine del regno di Luigi XIV († 1715), arriva una svolta nella storia della chitarra: la corte reale ne diventa indifferente.
Tuttavia, è ancora popolare tra le persone. Mademoiselle de Charolais nel ritratto da lei commissionato è presentata con una chitarra tra le mani, pizzicandone leggermente le corde. Watteau e Lancret introducono la chitarra nella rappresentazione delle scene d'amore. E allo stesso tempo è uno strumento per attori farseschi e comici itineranti!
Il lavoro di Watteau e Lancret e la chitarra è una pagina separata della pittura francese, quindi ho deciso di dedicare gallerie separate a questi artisti in questo materiale.

Jean-Antoine Watteau
Jean-Antoine Watteau

Rosalba Carriere Ritratto di Jean-Antoine Watteau 1721

Pittore e disegnatore francese, fondatore e massimo maestro dello stile rococò. Nel 1698-1701 Watteau studiò con l'artista locale Gerin, su insistenza del quale copiò le opere di Rubens, Van Dyck e altri pittori fiamminghi. Nel 1702 Watteau partì per Parigi e trovò presto un maestro e mecenate nella persona di Claude Gillot, artista teatrale e decoratore che dipinse scene della vita del teatro moderno. Watteau ha rapidamente superato il suo insegnante in abilità e ca. 1708 entrò nello studio del decoratore Claude Audran. Nel 1709 Watteau tentò senza successo di vincere il Grand Prix dell'Accademia delle arti, ma il suo lavoro attirò l'attenzione di diverse persone influenti, tra cui il filantropo e conoscitore della pittura Jean de Julienne, il mercante d'arte Edmond Francois Gersin, il banchiere e il collezionista Pierre Crozat, nella cui casa l'artista visse per qualche tempo, ecc. Nel 1712 Watteau fu introdotto al titolo di accademico e nel 1717 divenne membro della Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau morì a Nogent-sur-Marne il 18 luglio 1721.

Jean-Antoine Watteau Commedia italiana 1714

Jean Antoine Watteau Veduta tra gli alberi nel parco di Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles con la sua famiglia 1716

La storia di Jean Antoine Watteau Pierrot

Jean Antoine Watteau Canzone d'amore 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicola Lancret

Nicolas Lancre Autoritratto 1720

Artista francese, nato a Parigi. Studiò prima con Pierre Dulin, e poi dal 1712 circa lavorò per diversi anni sotto la guida di Claude Gillot, attraverso il quale conobbe Jean Antoine Watteau, che ebbe una grande influenza sul suo lavoro. Lancre si è rivolto agli stessi soggetti di Watteau: ha scritto i personaggi della commedia dell'arte italiana e scene di "feste galanti". Inoltre, ha illustrato le favole di La Fontaine e creato dipinti di genere. Lancret morì a Parigi nel 1743.

Nicola Lancret Concerto nel Parco 1720

Nicola Lancre Vacanza in giardino

Nicola Lancre Concerto nel Parco

Conversazione galante di Nicola Lancre

La nuova ascesa della chitarra, secondo Michel Brenet, è associata all'emergere di due talentuosi cantanti che si esibiscono nei salotti. Eseguono duetti, accompagnandosi. Questi sono i famosi Pierre Geliot e Pierre de la Garde.
Il famoso dipinto di Michel Bartolomeo Olivier Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti trasmette l'atmosfera di questi incontri secolari.

c'è un numero enorme di dipinti che raffigurano strumenti musicali. Gli artisti si sono rivolti a soggetti simili in diverse epoche storiche: dall'antichità ai giorni nostri.

Brueghel il Vecchio, Jan
UDITO (frammento). 1618

L'uso frequente di immagini di strumenti musicali nelle opere d'arte è dovuto allo stretto rapporto tra musica e pittura.
strumenti musicali nei dipinti degli artisti Non solo dare un'idea della vita culturale dell'epoca e dello sviluppo degli strumenti musicali di quel tempo, ma anche hanno qualche significato simbolico.

Melazzo

si forlì
Angelo
1484

Da tempo si crede che l'amore e la musica siano indissolubilmente legati. E gli strumenti musicali sono stati associati ai sentimenti d'amore per secoli.

L'astrologia medievale considerava tutti i musicisti "figli di Venere", la dea dell'amore. In molte scene liriche di artisti di epoche diverse, gli strumenti musicali svolgono un ruolo importante.

Jan Mens Molenaer
La signora dietro la schiena
XVII secolo
Per molto tempo la musica è stata associata all'amore, come dimostra il proverbio olandese del XVII secolo: "Impara a suonare il liuto e la spinetta, perché le corde hanno il potere di rubare i cuori".

Andrea Solario
donna con liuto

In alcuni dei dipinti di Vermeer, la musica è tema principale. L'apparizione di questi dipinti di strumenti musicali nelle trame è interpretata come una sottile allusione alle relazioni raffinate e romantiche dei personaggi.

"Lezione di musica" (, Assemblea reale, St. James's Palace).

Il virginale, un tipo di clavicembalo, era molto popolare come strumento musicale per la musica domestica. Secondo l'accuratezza dell'immagine, gli esperti sono stati in grado di determinare che è stato realizzato nel laboratorio Ruckers di Anversa, famoso in tutto il mondo. L'iscrizione latina sul coperchio del virginale recita: "La musica è compagna della gioia e guaritrice nei dolori".

I musicisti sono spesso diventati personaggi nei dipinti del pittore francese, il fondatore dello stile rococò, Jean Antoine Watteau.

Il genere principale dell'opera di Watteau sono le "feste galanti": una società aristocratica,
situato nel seno della natura, impegnato con la conversazione, la danza, la musica e il flirt

Un simile cerchio di immagini era estremamente popolare nei circoli creativi della Francia. Ciò è testimoniato dal fatto che alcuni quadri di Watteau hanno gli stessi titoli di brani per clavicembalo del compositore François Couperin, compositore francese contemporaneo dell'artista. Gli intenditori finemente sensibili hanno apprezzato non solo il pittoresco di Watteau, ma anche la sua musicalità. “Watto appartiene alla sfera di F. Couperin e C. F. E. Bach”, ha detto il grande filosofo dell'arte Oswald Spengler (Appendice II).

Inoltre, gli strumenti musicali possono essere associati a personaggi mitologici.

Molti strumenti musicali simboleggiano le muse e sono i loro attributi indispensabili. Quindi, per Clio, le muse della storia sono la tromba; per Euterpe (musica, poesia lirica) - un flauto o qualche altro strumento musicale; per Thalia (commedia, poesia pastorale) - una piccola viola; per Melpomene (tragedia) - una tromba; per Tersicore (danza e canto) - viola, lira o altro strumento a corda;

per Erato (poesia lirica) - tamburello, lira, meno spesso triangolo o viola; per Calliope (poesia epica) - tromba; per polimnia (inni eroici) - un organo portatile, meno spesso - un liuto o un altro strumento.

Tutte le Muse, tranne Urania, hanno strumenti musicali tra i loro simboli o attributi. Perché? Ciò è spiegato dal fatto che in epoca antica poesie di vari generi erano cantate con voce cantilenante e includevano, in un modo o nell'altro, un elemento musicale. Pertanto, le muse, che hanno patrocinato vari generi poetici, avevano ciascuna il proprio strumento.

Dirk Hals
Musicisti
16 ° secolo

Il significato simbolico degli strumenti è associato proprio a questi caratteri. Ad esempio, l'arpa nella cultura europea del Medioevo e del Rinascimento era fortemente associata al leggendario autore dei salmi, il biblico re David. Il grande re, uomo politico, guerriero fu anche il più grande poeta e musicista; attraverso il simbolismo delle dieci corde dell'arpa di Davide, sant'Agostino spiegò il significato dei dieci comandamenti biblici. Nei dipinti, David era spesso raffigurato come un pastore che suonava questo strumento.

Jan de Bray. Davide che suona l'arpa. 1670

Tale interpretazione storia biblica avvicinò il re Davide a Orfeo, che pacificò gli animali suonando la lira.

(C) L'arpa d'oro era un attributo del dio celtico Dagda. I Celti dicevano che l'arpa era in grado di produrre tre melodie sacre. La prima melodia è una melodia di tristezza e tenerezza. Il secondo induce il sonno: quando lo ascolti, l'anima si riempie di uno stato di pace e cade nel sonno. La terza melodia dell'arpa è la melodia della gioia e del ritorno della primavera

Nei boschi sacri, al suono dell'arpa, i druidi, i sacerdoti dei Celti, si rivolgevano agli dei, cantavano le loro gesta gloriose e compivano rituali. Durante le battaglie, bardi con piccole arpe coronate di verdi ghirlande salivano sulle colline e cantavano canzoni marziali, infondendo coraggio nei guerrieri.-

Tra tutti i paesi del mondo, solo lo stemma dell'Irlanda raffigura uno strumento musicale. Questa è un'arpa d'oro, le cui corde sono d'argento. Per molto tempo L'arpa era il simbolo araldico dell'Irlanda. Dal 1945 è anche lo stemma

W. Bosch - "Giardino delle gioie terrene" -
c'è l'immagine di un uomo crocifisso sulle corde di questo strumento. Qui, probabilmente, si riflettono idee sul simbolismo della tensione delle corde, esprimendo allo stesso tempo amore e tensione, sofferenza, shock vissuti da una persona durante la sua vita terrena.

Con la diffusione del cristianesimo e dei suoi libri sacri, diventa frequente la raffigurazione di angeli con strumenti musicali da parte degli artisti. Angeli che suonano strumenti musicali compaiono nei manoscritti inglesi del XII secolo. In futuro, il numero di tali immagini è in costante aumento.

Molti strumenti musicali nelle mani degli angeli danno un'idea della loro forma e design, delle caratteristiche delle loro combinazioni e ti permettono anche di conoscere gli ensemble musicali che esistevano in quel momento.

Nel Rinascimento arriva il l'ora migliore» per gli angeli. I maestri della pittura sono sempre più ispirati da queste creazioni perfette e armoniose.

Le scene che glorificano Dio si trasformano in veri e propri concerti angelici nelle opere di artisti del Rinascimento, attraverso i quali è possibile studiare la cultura musicale di quel tempo. Organo, liuto, violino, flauto, arpa, cembali, trombone,viola da gamba ... Questo non è un elenco completo degli strumenti suonati dagli angeli.

Piero della Francesca.
Natale. Londra. Galleria Nazionale. 1475

le immagini di strumenti musicali possono essere suddivise in diversi gruppi:

1) gli strumenti musicali sono usati nelle trame liriche;

2) l'immagine degli strumenti musicali ha una connessione con la mitologia, ad esempio antica, dove simboleggiano le muse e sono i loro attributi indispensabili:

3) nelle trame legate al cristianesimo, gli strumenti musicali spesso personificano le idee e le immagini più esaltate e accompagnano i momenti salienti della storia biblica;

4) le immagini di strumenti danno anche un'idea di ensemble strumentali e tecniche musicali,

esistenti in periodo storico creare un'immagine;

5) spesso l'immagine di certi strumenti porta spunti filosofici, come, ad esempio, nelle nature morte sul tema della Vanitas;

6) il simbolismo degli strumenti può variare a seconda dell'intenzione dell'artista e del contenuto generale dell'immagine (contesto), come, ad esempio, nel dipinto di Bosch Il giardino delle delizie.
affascinante e io e, a volte, il lato misterioso dell'arte.
Dopotutto, molti strumenti d'epoca, ensemble musicali, tecniche di esecuzione ora possono essere visti solo nelle immagini.

Hendrik van Balen
Apollo e le Muse

Judith Lester
Giovane flautista
1635

Dama con arpa
1818

Vespri di John Meliush Stradwick
1897

Jean van Biglert
Concerto

E. Degas
Fagotto (particolare)

Il flauto è uno degli strumenti musicali più antichi. Sono trasversali e longitudinali. Quelli longitudinali sono tenuti dritti in avanti, soffiando aria nel foro all'estremità superiore del flauto. Quelli trasversali sono tenuti in direzione orizzontale, soffiando aria nel foro laterale del flauto.

La primissima menzione del flauto longitudinale esiste nella mitologia greca e nella storia dell'Egitto (terzo millennio a.C.).

In Cina la prima menzione di un flauto traverso con cinque o sei fori per le dita risale al I millennio a.C., proprio come in Giappone e in India. Cambiamenti rivoluzionari nel design del flauto sono avvenuti proprio a metà del diciannovesimo secolo con l'aiuto di Theobald Boehm.

Sebbene i flauti moderni siano strumenti a fiato, di solito sono realizzati con leghe metalliche utilizzando oro, argento e persino platino. Ciò conferisce loro un suono più brillante e più facile da suonare rispetto ai flauti di legno che hanno preceduto i flauti di metallo nei secoli passati.

Il flauto è uno degli strumenti più virtuosi di un'orchestra sinfonica. I suoi parias sono pieni di arpeggi e passaggi.

Strumenti musicali in ottone

Ottoni - gruppo strumenti musicali a fiato , il principio su cui suonare è ottenere consonanze armoniche cambiando la forza del flusso d'aria soffiato o la posizione delle labbra.

Il nome "rame" risale storicamente al materiale con cui sono stati realizzati questi strumenti, ai nostri tempi, oltre al rame, vengono spesso utilizzati per la loro fabbricazione. ottone, meno spesso argento , e alcuni degli strumenti del Medioevo e del Barocco con un modo simile di produzione del suono (ad esempio, serpente ) erano di legno.

Gli ottoni includono il moderno corno, tromba, cornetta, flicorno, trombone, tuba . Un gruppo separato è saxhorn . Ottoni antichi - sackbut (predecessore del trombone moderno), serpente e altri Alcuni strumenti popolari sono anche in rame, ad esempio l'Asia centrale karnay.

Storia degli ottoni

L'arte di soffiare la cavità corno animale o in una conchiglia era già noto in tempi antichi. Successivamente, le persone hanno imparato a realizzare strumenti speciali in metallo, simili a corna e destinati a scopi militari, di caccia e religiosi.

Gli antenati dei moderni ottoni erano corni da caccia, corni militari e corni di posta. Questi strumenti, che non avevano un meccanismo valvole ha emesso alcuni suoniscala naturale , recuperato solo con l'aiuto delle labbra dell'esecutore. Da qui apparvero fanfare e segnali militari e di caccia basati sui suoni della scala naturale, che si sono affermati saldamente nella pratica musicale.

Con il miglioramento della tecnologia di lavorazione dei metalli e la produzione di prodotti in metallo, è diventato possibile realizzare tubi per strumenti a fiato di determinate dimensioni e il grado di finitura desiderato. Con il miglioramento delle canne del vento in rame e lo sviluppo dell'arte di estrarre una quantità significativa di suoni dalla scala naturale su di esse, è apparso il concettostrumenti naturali , cioè strumenti senza meccanismo, capaci di produrre solo una scala naturale.

All'inizio del XIX secolo fu inventato il meccanismo a valvola, che cambiò radicalmente la tecnica di esecuzione e aumentò le capacità degli strumenti a fiato in ottone.

Classificazione degli strumenti in rame

Gli ottoni si dividono in diverse famiglie:

• Strumenti per valvole hanno diversi cancelli (di solito tre o quattro) controllati dalle dita dell'esecutore. Il principio della valvola è quello di includere istantaneamente una corona aggiuntiva nel tubo principale, che aumenta la lunghezza dello strumento e abbassa il suo intero sistema. Diverse valvole che collegano tubi di diversa lunghezza consentono di ottenere una scala cromatica. La maggior parte degli ottoni moderni sono dotati di valvole: corni, trombe, tube, saxhorn, ecc. Esistono due modelli di valvole: "rotativa" e "in piedi" (pistone).
• Strumenti del giogo utilizzare uno speciale tubo retrattile a forma di U - un palcoscenico, il cui movimento modifica la lunghezza dell'aria nel canale, abbassando o aumentando così i suoni estratti. Il principale strumento rock utilizzato nella musica è il trombone.
• strumenti naturali non hanno tubi aggiuntivi e sono in grado di estrarre solo i suoni della scala naturale. Nel 18 ° secolo, specialeorchestre di corni naturali . Fino all'inizio dell'800 gli strumenti naturali erano molto usati in musica, poi, con l'invenzione del meccanismo a valvola, caddero in disuso. Strumenti naturali si trovano talvolta anche nelle partiture di compositori del XIX-XX secolo (Wagner, R. Strauss, Ligeti) per speciali effetti sonori. Gli strumenti naturali includono trombe antiche e corni francesi, oltre acorno alpino , fanfara, tromba, corni di segnalazione (caccia, posta) e simili.
• Strumenti valvolari hanno dei fori sul corpo, aperti e chiusi dalle dita dell'esecutore, come sopralegni . Tali strumenti furono diffusi fino al XVIII secolo, ma per qualche inconveniente di suonarli, poi caddero anch'essi in disuso. Ottoni valvolari di base - cornetta (zinco), serpente , oficleide, tubo della valvola . Includono anche corno di posta.

Al giorno d'oggi, con la rinascita dell'interesse per la musica antica, suonare su strumenti naturali e valvolari sta diventando di nuovo una pratica.

Gli ottoni possono anche essere classificati in base alle loro proprietà acustiche:

• Pieno― strumenti sui quali è possibile estrarre il tono fondamentale della scala armonica.
• metà― strumenti sui quali non è possibile estrarre il tono principale, e la scala inizia con la seconda consonanza armonica.

L'uso degli ottoni nella musica

Gli strumenti a fiato in ottone sono ampiamente utilizzati in vari generi e composizioni musicali. Nell'ambito diOrchestra Sinfonica formano uno dei suoi gruppi principali. La composizione standard di un'orchestra sinfonica comprende:

• Corni (numero pari da due a otto, più spesso quattro)
• Tubi (da due a cinque, più spesso da due a tre)
• Tromboni (solitamente tre: due tenore e un basso)
• Tubo (di solito uno)

Nelle partiture del XIX secolo, spesso includeva anche l'orchestra sinfonica cornette , tuttavia, con lo sviluppo delle tecniche di esecuzione, le loro parti iniziarono ad essere eseguite su tubi. Altri ottoni compaiono solo sporadicamente nell'orchestra.

Gli strumenti di rame sono il fondamentobanda di ottoni , che, oltre agli strumenti di cui sopra, include anche saxhorn misure differenti.

La letteratura solista per ottoni è piuttosto numerosa: artisti virtuosi su tubi e corni naturali esistevano già all'inizio dell'era barocca e i compositori creavano volentieri le loro composizioni per loro. Dopo un certo calo dell'interesse per gli strumenti a fiato nell'era del romanticismo, nel XX secolo si sono scoperte nuove possibilità esecutive per gli ottoni e una significativa espansione del loro repertorio.

Negli ensemble da camera, gli ottoni sono usati relativamente raramente, ma possono essere combinati essi stessi in ensemble, di cui il più comune quintetto di ottoni (due trombe, corno, trombone, tuba).

Trombe e tromboni giocano un ruolo importante jazz e una serie di altri generi di musica contemporanea.

Xilofono

Xilofono(dal greco. ξύλον - albero + φωνή - suono) -strumento musicale a percussione con un certo tono. Si tratta di una serie di blocchi di legno di diverse dimensioni, accordati su determinate note. Le barre vengono percosse con bastoncini dalla punta sferica o speciali martelli che sembrano piccoli cucchiai (nel gergo dei musicisti questi martelli sono chiamati "zampe di capra").

Timbro lo xilofono è acuto e scattante in forte e morbido in piano.

Storia dello strumento

Lo xilofono ha un'origine antica: gli strumenti più semplici di questo tipo sono stati e si trovano ancora tra popoli diversi Africa, Sud-est asiatico , America Latina .

In Europa, la prima menzione dello xilofono risale all'inizio del XVI secolo: Arnolt Schlick, in un trattato sugli strumenti musicali, cita uno strumento simile chiamato hueltze glechter. Fino al XIX secolo, lo xilofono europeo era uno strumento piuttosto primitivo, costituito da circa due dozzine di barre di legno, legate in una catena e disposte su una superficie piana per suonare. La comodità di portare uno strumento del genere ha attirato l'attenzione dei musicisti itineranti.

Xilofono migliorato da Guzikov

Il miglioramento dello xilofono risale al 1830. Musicista bielorusso Mikhail Guzikov ha ampliato la sua gamma a due ottave e mezzo e ha anche cambiato il design, disponendo le battute in modo speciale su quattro file. Questo modello di xilofono è stato utilizzato per più di cento anni.

Su un moderno xilofono, le barre sono disposte su due file come i tasti di un pianoforte, dotate di risuonatori a forma di tubi di stagno e poste su un apposito supporto da tavolo per facilitarne il movimento.

Il ruolo dello xilofono nella musica

Il primo uso noto dello xilofono in un'orchestra è Seven Variations.Ferdinand Cauer scritto nel 1810 anno. Il compositore francese Kastner ha incluso le sue parti nelle sue opere. Una delle composizioni più famose in cui è coinvolto lo xilofono è un poema sinfonicoCamille Saint-Saëns "Danza della morte" ( 1872 ).

Attualmente viene utilizzato lo xilofonoOrchestra Sinfonica , sul palco, estremamente raramente - come strumento solista ("Fantasia sui temi delle incisioni giapponesi" per xilofono e orchestra, op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra è un antico strumento musicale russo a corde pizzicate. Il suo destino è sorprendente e unico nel suo genere.

Da dove provenga, come e quando domra sia apparso in Rus', rimane ancora un mistero per i ricercatori. Nelle fonti storiche sono state conservate poche informazioni sulla domra, ci sono pervenute ancora meno immagini dell'antica domra russa. E non è nemmeno noto se i domra siano raffigurati su documenti che ci sono pervenuti o altri strumenti a pizzico comuni a quei tempi. La prima menzione di domra è stata trovata nelle fonti del XVI secolo. Parlano di domra come di uno strumento che era già abbastanza comune nella Rus' di quel tempo.

Al momento, ci sono due versioni più probabili dell'origine di domra. La prima e più comune è la versione sulle radici orientali della domra russa. In effetti, strumenti simili per design e metodo di estrazione del suono esistevano ed esistono ancora nelle culture musicali dei paesi dell'Est. Se hai mai visto o sentito la dombra kazaka, il baglama turco o il rubab tagico, allora potresti aver notato che hanno tutti una forma rotonda o ovale, una tavola armonica piatta, il suono viene estratto percuotendo un plettro di diversa frequenza e intensità. È generalmente accettato che tutti questi strumenti avessero un antenato: il tanbur orientale. Era il tanbur che aveva una forma ovale e una tavola armonica piatta, lo suonavano con un chip speciale, scolpito con materiali improvvisati: un plettro. Presumibilmente, lo strumento, che in seguito si trasformò in domra, fu portato durante il giogo tataro-mongolo o durante le relazioni commerciali con i paesi dell'est. E il nome stesso "domra" ha senza dubbio una radice turca.

Un'altra versione procede dal presupposto che domra derivi dal liuto europeo. In linea di principio, nel Medioevo, qualsiasi strumento a corde pizzicate che avesse corpo, manico e corde era chiamato liuto. Anche il liuto, a sua volta, ha avuto origine da uno strumento orientale: l'arabo al-ud. Forse l'aspetto e il design della domra sono stati influenzati dagli strumenti degli slavi occidentali, europei, ad esempio il kobza polacco-ucraino e la sua versione migliorata: la bandura. Solo la bandura ha preso molto in prestito direttamente dal liuto. Dato che gli slavi nel Medioevo erano costantemente in complesse relazioni storiche e culturali, ovviamente, il domra può anche essere considerato simile a tutti gli strumenti europei a pizzico dell'epoca.

Pertanto, sulla base delle conoscenze e delle ricerche accumulate fino ad oggi, possiamo concludere che la domra era un tipico strumento russo che combinava, come molto nella cultura e nella storia del nostro stato, caratteristiche sia europee che asiatiche.

Tuttavia, qualunque sia la vera origine della domra, è assodato che uno strumento con questo nome esisteva in Rus' ed era parte integrante della cultura russa nei secoli XVI-XVII. Era suonato da musicisti buffoni, come evidenziato dal noto proverbio ai ricercatori "Sono contento che i buffoni si occupino dei loro domras". Inoltre, alla corte reale c'era un'intera "Camera dei divertimenti", una sorta di gruppo musicale e di intrattenimento, la cui base erano i buffoni con le loro domras, arpe, corni e altri antichi strumenti musicali russi. Inoltre, secondo alcuni ricercatori, domra a quel tempo aveva già formato una famiglia di varietà d'insieme. Il più piccolo e cigolante era chiamato "domrishka", il più grande e dal suono più basso - "bass domra".

È anche noto che gli artisti domra e domra - buffoni e "domrachi", godevano di una notevole popolarità tra la gente. Tutti i tipi di celebrazioni, festeggiamenti e feste popolari in ogni momento e presso tutti i popoli erano accompagnati da canti e strumenti musicali. In Rus' nel Medioevo, intrattenere la gente era la sorte di "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" e altri musicisti. Su domra, come un'arpa, accompagnavano l'epopea popolare, i poemi epici, le leggende e nelle canzoni popolari la domra sosteneva la linea melodica. È autenticamente noto che fu stabilita la produzione artigianale di domras e corde domra, le cui registrazioni delle consegne alla corte e in Siberia sono conservate in documenti storici ...

Presumibilmente, la tecnologia per realizzare il domra era la seguente: un corpo veniva scavato da un unico pezzo di legno, vi era attaccato un avvoltoio, venivano tirati fili o vene di animali. Giocavano con una scheggia, una piuma, una lisca di pesce. Una tecnologia relativamente semplice, a quanto pare, ha permesso allo strumento di essere ampiamente utilizzato in Rus'.

Ma qui nella storia di domra arriva il momento più drammatico. Preoccupati per lo sviluppo della cultura secolare, i ministri della chiesa presero le armi contro i musicisti e dichiararono le esibizioni dei buffoni "giochi demoniaci". Di conseguenza, nel 1648, lo zar Alexei Mikhailovich emanò un decreto sullo sterminio di massa di strumenti innocenti - gli strumenti dei "giochi demoniaci". Il famoso decreto recita: "Dove saranno domras, e surns, e bip, e salterio, e hari, e ogni sorta di vasi ronzanti ... ordinato di sequestrare e, dopo aver rotto quei giochi demoniaci, ordinato di bruciare". Secondo il viaggiatore tedesco del XVII secolo Adam Olearius, ai russi era vietata la musica strumentale in generale, e una volta diversi carri carichi di strumenti presi dalla popolazione furono portati attraverso il fiume Moscova e lì bruciati. Sia i musicisti che la buffoneria in generale furono perseguitati.

Forse uno scherzo del destino così tragico non è accaduto a nessuno strumento musicale al mondo. Quindi, sia a seguito di barbari stermini e proibizioni, sia per altri motivi, ma dopo il XVII secolo, i ricercatori non trovano alcuna menzione significativa dell'antica domra. La storia dell'antico strumento russo finisce qui, e si potrebbe metterla fine, ma... Domra era destinata a rinascere letteralmente dalle ceneri!

Ciò è accaduto grazie alle attività di un eccezionale ricercatore e musicista, una persona insolitamente talentuosa e straordinaria: Vasily Vasilyevich Andreev. Nel 1896, nella provincia di Vyatka, scoprì uno strumento sconosciuto con un corpo emisferico. Supponendo dal suo aspetto che questo sia domra, è andato a famoso maestro Semyon Ivanovich Nalimov. Insieme hanno sviluppato il progetto di un nuovo strumento, basato sulla forma e sul design di quello trovato. Gli storici stanno ancora discutendo se lo strumento trovato da Andreev fosse davvero un vecchio domra. Tuttavia, lo strumento ricostruito nel 1896 fu chiamato "domra". Un corpo rotondo, un manico di media lunghezza, tre corde, un quarto sistema: ecco come appariva la domra ricostruita.

A quel tempo, Andreev aveva già un'orchestra di balalaika. Ma per realizzare la sua brillante idea, la Great Russian Orchestra aveva bisogno di un gruppo di strumenti melodici di primo piano, e la domra restaurata, con le sue nuove capacità, era l'ideale per questo ruolo. In connessione con la storia della creazione della Grande Orchestra Russa, vale la pena menzionarne un'altra persona eccezionale, senza il quale, forse, l'idea non avrebbe trovato la sua incarnazione. Questo è il pianista e compositore professionista Nikolai Petrovich Fomin, il più stretto collaboratore di Andreev. È stato grazie all'approccio professionale di Fomin che la cerchia di Andreev, dapprima amatoriale, ha studiato notazione musicale, si è affermata su base professionale e poi ha conquistato gli ascoltatori sia in Russia che all'estero con le loro esibizioni. E se Andreev era principalmente un generatore di idee, allora Fomin è diventato la persona grazie alla quale, infatti, domras e balalaika hanno intrapreso il percorso di sviluppo come strumenti accademici a tutti gli effetti.

Ma torniamo a domra. Nel periodo 1896-1890. V. Andreev e S. Nalimov hanno progettato varietà d'insieme di domra. E nei primi decenni dopo la sua nuova nascita, domra si è sviluppata in linea con le performance orchestrali e d'insieme.

Tuttavia, quasi immediatamente, sono state rivelate alcune limitazioni alle capacità dell'Andreev domra, in relazione alle quali sono stati fatti tentativi per migliorarlo in modo costruttivo. Il compito principale era espandere la gamma dello strumento. Nel 1908, su suggerimento del direttore d'orchestra G. Lyubimov, il maestro S. Burov creò un domra a quattro corde con un quinto sistema. La "quattro corde" riceveva una gamma di violino, ma, sfortunatamente, era inferiore alla "tre corde" in termini di timbro e colore. Successivamente apparvero anche le sue varietà d'insieme e un'orchestra di domra a quattro corde.

L'interesse per domra cresceva ogni anno, gli orizzonti musicali e tecnici si ampliavano, apparivano musicisti virtuosi. Infine, nel 1945, fu creato il primo concerto strumentale per domra con un'orchestra di strumenti popolari russi. famoso concerto g-moll Nikolai Budashkin è stato scritto su richiesta del primo violino dell'orchestra. Osipov Alexey Simonenkov. Questo evento è stato aperto nuova era nella storia di domra. Con l'avvento del primo concerto strumentale, domra diventa uno strumento solista e virtuoso.

Nel 1948 fu aperto a Mosca il primo dipartimento di strumenti popolari in Russia presso l'Istituto musicale e pedagogico statale intitolato a I.I. Gnesins. È diventato il primo insegnante di domra compositore eccezionale Yu Shishakov, e poi i giovani solisti dell'orchestra. Osipova V. Miromanov e A. Alexandrov - il creatore della prima scuola di suonare la domra a tre corde. Grazie all'istruzione professionale superiore, lo strumento originariamente popolare domra ha superato in breve tempo il percorso sul palcoscenico accademico, che ha richiesto secoli per gli strumenti dell'orchestra sinfonica (dopotutto, il violino era una volta uno strumento popolare!).

La performance di Domra sta andando avanti a un ritmo gigantesco. Nel 1974 si tenne la I competizione tutta russa di artisti su strumenti popolari, i vincitori del concorso furono eccezionali virtuosi di domra: Alexander Tsygankov e Tamara Volskaya (vedi la sezione la cui attività creativa determinò la direzione dello sviluppo dell'arte di domra per decenni a venire, sia nel campo dell'esecuzione stessa che del repertorio domra.

Oggi domra è uno strumento giovane e promettente con un enorme potenziale, principalmente musicale ed espressivo, che ha radici veramente russe e, tuttavia, è salito ai vertici del genere accademico. Quale sarà il suo ulteriore destino? La parola è tua, cari domristi!

Balalaica

Descrizione
Il corpo è incollato da segmenti separati (6-7), la testa del collo lungo è leggermente piegata all'indietro. Corde di metallo (nel XVIII secolo, due di esse erano venate; i balalaika moderni hanno corde di nylon o carbonio). Sulla tastiera di una moderna balalaika ci sono 16-31 tasti in metallo (fino alla fine del XIX secolo - 5-7 tasti forzati).

Il suono è forte ma morbido. Le tecniche più comuni per l'estrazione del suono: rattling, pizzicato, doppio pizzicato, singolo pizzicato, vibrato, tremolo, frazioni, trucchi per chitarra.

costruire

Fino alla trasformazione della balalaika in uno strumento da concerto alla fine del XIX secolo da parte di Vasily Andreev, non aveva un sistema permanente e onnipresente. Ogni esecutore ha accordato lo strumento secondo il proprio stile di esecuzione, l'umore generale dei brani suonati e le tradizioni locali.

Il sistema introdotto da Andreev (due corde all'unisono - la nota "mi", una - un quarto più alto - la nota "la" (e "mi" e "la" della prima ottava) si diffuse tra i suonatori di balalaika da concerto e iniziò essere chiamato "accademico". Esiste anche un sistema "folk" - la prima stringa è "salt", la seconda - "mi", la terza - "do". In questo sistema, le triadi sono più facili da prendere, lo svantaggio di è la difficoltà di suonare su corde aperte. Oltre a quanto sopra, ci sono anche tradizioni regionali di accordare lo strumento. rare impostazioni locali raggiungono le due dozzine ..

Varietà

In un'orchestra moderna di strumenti popolari russi vengono utilizzate cinque varietà di balalaika: prima, seconda, viola, basso e contrabbasso. Di questi, solo la prima è uno strumento solista e virtuosistico, mentre agli altri sono affidate funzioni prettamente orchestrali: la seconda e la viola realizzano l'accompagnamento di accordi, mentre il basso e il contrabbasso svolgono la funzione di basso.

Prevalenza

Balalaika è uno strumento musicale abbastanza comune, studiato nelle istituzioni educative musicali accademiche in Russia, Bielorussia, Ucraina e Kazakistan.

Il periodo di formazione sulla balalaika in una scuola di musica per bambini è di 5-7 anni (a seconda dell'età dello studente), e in un istituto di istruzione secondaria - 4 anni, in un istituto di istruzione superiore 4-5 anni. Repertorio: arrangiamenti di canzoni popolari, arrangiamenti di opere classiche, musica d'autore.

Storia
Non esiste un unico punto di vista sul momento dell'apparizione della balalaika. Si ritiene che la balalaika si sia diffusa dalla fine del XVII secolo. Migliorato grazie a V. Andreev insieme ai maestri Paserbsky e Nalimov. È stata creata una famiglia di balalaika modernizzati: ottavino, prima, seconda, viola, basso, contrabbasso. La balalaika è usata come concerto solista, ensemble e strumento orchestrale.

Etimologia
Il nome stesso dello strumento è già curioso, è tipicamente popolare, trasmettendo il carattere di suonarlo con il suono delle sillabe. La radice delle parole "balalaika", o, come veniva anche chiamata, "balabayka", ha attirato a lungo l'attenzione dei ricercatori per la sua parentela con parole russe come balakat, balabonit, balabolit, joker, che significa chiacchierare, vuoto richiami (torniamo al comune slavo *bolbol dello stesso significato). Tutti questi concetti, completandosi a vicenda, trasmettono l'essenza della balalaika: uno strumento leggero, divertente, "strimpellato", poco serio.

Per la prima volta la parola "balalaika" si trova nei monumenti scritti risalenti al regno di Pietro I.

La prima menzione scritta della balalaika è contenuta in un documento datato 13 giugno 1688 - "Memoria dall'ordine Streltsy all'ordine piccolo russo" (RGADA), che, tra l'altro, riporta che a Mosca furono portati gli ordini Streltsy “<...>cittadino Savka Fedorov<...>SÌ<...>contadino Ivashko Dmitriev, e con loro fu portata una balalaika in modo che cavalcassero un carro su un carro fino alle porte Yausky, cantassero canzoni e suonassero la balalaika in toi, e gli arcieri di guardia che stavano di guardia alle porte Yausky rimproverarono<...>».

La successiva fonte scritta in cui viene menzionata la balalaika è il "Registro" firmato da Pietro I, riferito al 1715: a San Pietroburgo, durante la celebrazione delle nozze del giullare del "Principe-Papa" N. M. Zotov, oltre ad altri strumenti portati da mummers, furono nominati quattro balalaika.

Per la prima volta, la parola fu attestata nella lingua ucraina dell'inizio del XVIII secolo (in documenti del 1717-1732) sotto forma di "balabaika" (ovviamente, questa è la sua forma più antica, conservata anche nei dialetti Kursk e Karachev ). In russo per la prima volta nella poesia di V. I. Maikov "Elisey", 1771, canzone 1: "Mi accordi un fischio o una balalaika".

Cello (violoncello italiano, violoncello abbr., violoncello tedesco, violoncelle francese, violoncello inglese)

Strumento musicale ad arco del registro basso e tenore, noto dalla prima metà del XVI secolo, della stessa struttura del violino o della viola, ma molto più grande. Il violoncello ha ampie possibilità espressive e una tecnica esecutiva attentamente sviluppata, è usato come strumento solista, d'insieme e orchestrale.

La storia dell'emergere e dello sviluppo dello strumento

L'aspetto del violoncello risale all'inizio del XVI secolo. Inizialmente veniva utilizzato come strumento basso per accompagnare il canto o suonare uno strumento di registro più alto. C'erano numerose varietà del violoncello, che differivano l'una dall'altra per dimensioni, numero di corde e accordatura (l'accordatura più comune era un tono più basso di quella moderna).
Nei secoli XVII-XVIII, gli sforzi degli eminenti maestri musicali delle scuole italiane (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, ecc.) Crearono un modello di violoncello classico con una corporatura ben consolidata. Alla fine del XVII secolo apparvero le prime opere soliste per violoncello: sonate e ricercari di Giovanni Gabrieli. Entro la metà del XVIII secolo, il violoncello iniziò ad essere utilizzato come strumento da concerto, grazie al suo suono più brillante e pieno e al miglioramento della tecnica esecutiva, sostituendo finalmente la viola da gamba dalla pratica musicale. Il violoncello fa anche parte dell'orchestra sinfonica e degli ensemble da camera. L'approvazione finale del violoncello come uno degli strumenti principali della musica è avvenuta nel XX secolo grazie agli sforzi dell'eccezionale musicista Pablo Casals. Lo sviluppo delle scuole di esecuzione su questo strumento ha portato all'emergere di numerosi violoncellisti virtuosi che eseguono regolarmente concerti da solista.
Il repertorio per violoncello è molto vasto e comprende numerosi concerti, sonate, composizioni non accompagnate.


]Tecnica di suonare il violoncello

Mstislav Rostropovich con un violoncello Duport di Stradivari.
I principi del suonare e dei colpi quando si suona al violoncello sono gli stessi del violino, tuttavia, a causa delle maggiori dimensioni dello strumento e della diversa posizione del suonatore, la tecnica di suonare il violoncello è alquanto limitata. Vengono utilizzati flageolets, pizzicato, puntata del pollice e altre tecniche di gioco. Il suono del violoncello è succoso, melodioso e teso, leggermente compresso nel registro acuto.
Struttura delle corde del violoncello: Do, Sol, Re, La (do, sale di un'ottava grande, re, la di un'ottava piccola), cioè un'ottava sotto la viola. La gamma del violoncello, grazie alla tecnica sviluppata di suonare sulla corda la, è molto ampia: da do (a un'ottava grande) a la4 (la della quarta ottava) e oltre. Le note sono scritte in chiavi di basso, tenore e violino in base al suono effettivo.


lo strumento era tenuto dai polpacci delle gambe
Quando si suona, l'esecutore appoggia il violoncello sul pavimento con un argano, diffusosi solo alla fine dell'Ottocento (prima lo strumento era tenuto per i polpacci delle gambe). Sui violoncelli moderni è ampiamente utilizzato il cabestano ricurvo, inventato dal violoncellista francese P. Tortelier, che conferisce allo strumento una posizione più piatta, facilitando in qualche modo la tecnica di esecuzione.
Il vi it) degli strumenti dal punto di vista sonoro, ed è spesso utilizzato anche in altre formazioni cameristiche. Nella partitura orchestrale, la parte del violoncello è scritta tra le parti delle viole e dei contrabbassi.

La storia della creazione del violino

La storia della musica ritiene che il violino nella sua forma più perfetta sia sorto nel XVI secolo. A quel tempo erano già noti tutti gli strumenti ad arco attivi per tutto il Medioevo. Si trovavano in certo ordine e gli studiosi di quel tempo conoscevano, con maggiore o minore probabilità, tutta la loro genealogia. Il loro numero era enorme e ora non è necessario approfondire la questione.

Gli ultimi ricercatori sono giunti alla conclusione che il violino non è in alcun modo una "viola da gamba" ridotta. Inoltre, è stato stabilito con sufficiente precisione che entrambi questi tipi di strumenti nel loro dispositivo hanno caratteristiche nettamente diverse l'una dall'altra. Tutti gli strumenti legati alle "viole da gamba" avevano il fondo piatto, i bordi piatti, il manico diviso da tasti, la testa meno spesso a forma di trifoglio e più spesso con l'immagine di una testa animale o umana, ritagli su la superficie superiore dello strumento nei contorni della lettera latina "C" e, infine, l'accordatura delle corde in quarte e terze. La "viola da brachio", come l'immediato predecessore del violino moderno, aveva invece una quinta accordatura delle corde, fondo convesso, bordi un po' rialzati, tastiera priva di tasti, paletta a forma di un cartiglio e tacche o "efs", nel contorno delle lettere minuscole una di fronte all'altra f latina in corsivo.
Questa circostanza fece sì che la famiglia delle viole propriamente dette si componesse di una successiva riduzione della gamba. Così è nato squadra al completo un vecchio "quartetto" o "quintetto", composto solo da viole di varie dimensioni. Ma, insieme all'emergere di una famiglia completa di viole, si sviluppò e migliorò uno strumento che aveva tutte le caratteristiche distintive e più caratteristiche del violino moderno. E questo strumento, infatti, non è nemmeno una "viola a mano". significato diretto parole, ma la cosiddetta "lira a mano", che, come strumento popolare delle terre slave, costituiva la base della moderna famiglia di violini. Il grande Raffaello (1483-1520), in un suo dipinto del 1503, dà un'ottima rappresentazione di questo strumento. A contemplarlo, non c'è il minimo dubbio che sia rimasto ben poco per la completa trasformazione della "lira a mano" nel perfetto violino del nostro tempo. L'unica differenza che distingue l'immagine di Raffaello dal violino moderno sta solo nel numero delle corde - sono cinque in presenza di due bassi - e nella sagoma dei piroli, che ricordano ancora molto i piroli di un vecchia viola.
Da allora, le prove si sono moltiplicate a un ritmo incredibile. Le insignificanti correzioni che si potrebbero apportare all'immagine dell'antica "lira da brachio" le conferirebbero la più impeccabile somiglianza con il violino moderno. Queste testimonianze, sotto forma di un vecchio violino, risalgono al 1516 e al 1530, quando un libraio di Basilea scelse vecchio violino con il tuo marchio. Allo stesso tempo, la parola "violino", nel suo stile francese violon, apparve per la prima volta nei dizionari francesi dell'inizio del XVI secolo. Henri Pruneer (1886-1942) afferma che già nel 1529 questa parola è contenuta in alcuni giornali economici dell'epoca. Tuttavia, le indicazioni che il concetto di "violino" sia apparso intorno al 1490 dovrebbero essere considerate dubbie. In Italia la parola violinista nel significato di suonatore di violino iniziò ad apparire dal 1462, mentre la parola violino stessa nel significato di "violino" entrò in uso solo cento anni dopo, quando si diffuse. Gli inglesi adottarono l'ortografia francese della parola solo nel 1555, che però fu sostituita tre anni dopo dal "violino" completamente inglese.
In Rus', secondo la testimonianza dei monumenti più antichi, gli strumenti ad arco erano conosciuti da moltissimo tempo, ma nessuno di essi si è sviluppato tanto da diventare in seguito strumento di un'orchestra sinfonica. Il più antico strumento ad arco russo antico è il segnale acustico. Nella sua forma più pura, aveva un corpo di legno ovale, un po' a forma di pera, con tre corde tese su di esso. Suonavano il fischietto con un arco ad arco, che non aveva nulla a che fare con quello moderno. Il momento in cui ha avuto origine il fischio non è esattamente noto, ma si presume che il "beep" sia apparso in Rus' insieme alla penetrazione di strumenti "orientali" - domra, surna e smyk. Questa volta è solitamente determinata dalla seconda metà del XIV e dall'inizio del XV secolo. È difficile dire quando siano apparsi i "violini" nel senso letterale della parola. Si sa solo con certezza che le prime menzioni del violinista negli alfabeti dei secoli XVI-XVII "dimostrano ugualmente che gli interpreti non ne avevano idea". In ogni caso, secondo P. F. Findeisen (1868-1928), questo strumento non era ancora conosciuto nella vita domestica e pubblica della Rus' di Mosca, e i primi violini nella loro forma completamente completata apparvero a Mosca, a quanto pare, solo all'inizio XVIII secolo. Tuttavia, i compilatori degli alfabeti, che un tempo non avevano mai visto un vero violino, capirono solo che questo strumento doveva essere uno strumento a corda, e quindi lo paragonarono erroneamente a "gusli" e "Little Russian lira", che, ovviamente, non era assolutamente vero.
Descrizioni più o meno dettagliate del nuovo violino in Occidente iniziano ad apparire solo a partire dalla metà del XVI secolo. Così Philibert Jambes de Fair (1526-1572), delineando le caratteristiche e i tratti distintivi del violino contemporaneo, cita alcuni nomi dai quali si può dedurre che la "famiglia dei violini" fu costruita sul modello e somiglianza del violino viola. Fu da quel momento, dal 1556, che il violino esistette fino alla fine del XVII secolo in diverse varietà, conosciute come Nomi francesi dessus, quinte, haute-contre, tailee e basse. In questa forma, la composizione della famiglia dei violini fu stabilita quando Peer Maryann (1588-1648) iniziò a scrivere di lui. "Banda dei ventiquattro" - come si chiamava un tempo Les vingt-quatre - era composta dagli stessi strumenti, ma con i nomi già spostati. Il dessus era seguito dall' haute-contre, e la quinte era tra il tailee e il basso, ma i loro volumi corrispondevano esattamente ai dati precedenti, che sono stati or ora menzionati. Successivamente ci fu un altro cambiamento in questa composizione dei violini, per cui l'haute-contre scomparve completamente, lasciando il posto al dessus, e la tailee si unì alla quinte, adottando l'ordine di quest'ultima. Fu così stabilito un nuovo tipo di combinazione di archi in quattro parti, in cui dessus corrispondeva al primo e al secondo violino, tailee o quinte - viole e bassi - violoncelli.
Ora è difficile stabilire con esattezza quando avvenne il completamento definitivo di quello strumento, oggi conosciuto con il nome di "violino". Molto probabilmente, questo miglioramento è andato avanti in una serie continua e ogni maestro ha portato qualcosa di suo. Tuttavia si può chiaramente affermare che il XVII secolo fu per il violino “l'età dell'oro”, quando avvenne il definitivo compimento dei rapporti nella struttura dello strumento e quando esso raggiunse quella perfezione che nessun tentativo di “migliorarlo” potrebbe già scavalcare. La storia ha conservato nella sua memoria i nomi dei grandi trasduttori di violino e ha legato lo sviluppo di questo strumento con i nomi di tre famiglie di liutai. Si tratta innanzitutto della famiglia Amati di maestri cremonesi, che divennero maestri di Andrea Guarneri (1626?-1698) e Antonio Stradivari (1644-1736). Ma il violino deve il suo ultimo completamento soprattutto a Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) e in particolare ad Antonio Stradivari, venerato come il più grande creatore del violino moderno.
Ma non a tutti piaceva tutto nel violino che era già stato stabilito a quel tempo dal grande Cremonese. Molti hanno provato a cambiare i rapporti adottati da Stradivari, e nessuno, ovviamente, ci è riuscito. Più curioso di tutto, però, era il desiderio di alcuni dei maestri più arretrati di riportare il violino al recente passato e di imporgli le caratteristiche obsolete della viola. Come sai, il violino non aveva tasti. Ciò ha permesso di espandere il suo volume sonoro e perfezionare la tecnica del violino. Tuttavia, in Inghilterra queste qualità del violino sembravano "dubbie" e l '"intonazione" dello strumento non era abbastanza precisa. Furono quindi introdotti i tasti sulla tastiera del violino per eliminare le possibili "imprecisioni" nell'estrazione del suono, e la casa editrice, guidata da John Playford (1623-1686?), dal 1654 al 1730 ristampò un manuale compilato secondo la "tavolatura modale" . La giustizia, tuttavia, richiede di dire che era in generale l'unico caso, famoso nella storia del violino. Altri tentativi per migliorare e facilitare l'esecuzione di questo strumento si sono ridotti all'accordatura delle corde o alla cosiddetta "scordatura". Questo aveva senso, e molti violinisti di spicco, come Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) e pochi altri, accordarono ciascuno il proprio strumento a modo suo. A volte questo metodo di accordatura delle corde viene utilizzato anche adesso, perseguendo obiettivi artistici speciali.
Violino Stradivari. Foto da gruhn.com Quindi, il violino ha ricevuto la sua incarnazione più perfetta entro la fine del XVII secolo. Antonio Stradivari fu l'ultimo a portarlo allo stato attuale, e François Tourt, un maestro del XVIII secolo, è venerato come il creatore dell'arco moderno. Ma nello sviluppo del violino e nella sua implementazione nella vita reale, le cose hanno avuto meno successo. È molto difficile trasmettere in poche parole l'intera lunga e variegata storia di questo sviluppo e miglioramento della tecnica del violino. Basti pensare che l'aspetto del violino ha causato molti avversari. Molti si sono semplicemente pentiti delle bellezze perdute della viola, mentre altri hanno escogitato interi "trattati" diretti contro lo sconosciuto non invitato. Solo grazie ai grandi violinisti, che hanno portato decisamente avanti la tecnica del violino, il violino ha preso il posto che gli spettava di diritto. Nel XVII secolo questi violinisti virtuosi erano Giuseppe Torelli e Arcangelo Corelli. In futuro Antonio Vivaldi (1675-1743) lavorò molto a beneficio del violino e, infine, un'intera galassia di meravigliosi violinisti guidati da Niccolò Paganini. Il violino moderno ha quattro corde accordate per quinte. La corda superiore è talvolta chiamata quinta e la corda inferiore è chiamata basso. Tutte le corde del violino sono venate o intestinali, e solo il "basso" è intrecciato con un sottile filo d'argento o "gimp" per una maggiore pienezza e bellezza del suono. Al momento, tutti i violinisti usano una corda di metallo per la "quinta" ed esattamente la stessa, ma solo avvolta con un sottile filo di alluminio per morbidezza, la corda del LA, sebbene alcuni musicisti utilizzino anche una corda del LA di alluminio puro senza alcun "gimp". A tal proposito, la corda di metallo per il mi e di alluminio per il la, rendeva necessario rafforzare la sonorità della corda di re, che allora era ancora venata, il che veniva fatto con l'ausilio di un "cordone" di alluminio che avvolgeva, come un "basco", quest'ultimo e, tra l'altro, che le è servito bene. Tuttavia, tutti questi eventi sconvolgono notevolmente i veri intenditori, perché il suono squillante e acuto delle corde metalliche in altri casi è molto evidente e spiacevole, ma non c'è niente da fare e bisogna sopportare le circostanze.
Le corde del violino, accordate secondo le esigenze dello strumento, si chiamano aperte o vuote, e suonano nell'ordine delle quinte pure discendenti dal mi della seconda ottava al sale piccolo. L'ordine delle corde è sempre considerato dall'alto verso il basso, e questa usanza si è conservata fin dall'antichità in relazione a tutti gli strumenti ad arco ea corda "con manico" o "manico". Le note per violino sono scritte solo in " chiave di violino" o chiave sale.
Il concetto di "aperto" o nell'uso orchestrale - una corda vuota, implica il suono della corda per tutta la sua lunghezza dal supporto al capotasto, cioè tra quei due punti che ne determinano l'altezza effettiva durante l'accordatura. La lunghezza della corda è solitamente determinata dagli stessi punti, poiché nell'orchestra è la parte sonora della corda che viene presa in considerazione, e non il suo "valore assoluto" racchiuso tra il sottomanico e i piroli. Negli spartiti, una corda aperta è indicata da un piccolo cerchio o zero posto sopra o sotto la nota.
In alcuni casi, quando il tessuto musicale dell'opera lo richiede, si può abbassare di un semitono la corda in modo da ottenere un Fa diesis di una piccola ottava per il "basco" o un secondo Re diesis per la "quinta".
Fonte music-instrument.ru

Storia di costruzione di chitarra elettrica (chitarra elettrica)

Lo sviluppo della tecnologia nel XX secolo non ha trascurato il lato culturale dell'esistenza umana. L'emergere di dispositivi elettronici per la riproduzione e, soprattutto, l'elaborazione del suono, alla fine, non poteva che influenzare gli stessi strumenti musicali. Oltre ai tentativi di creare strumenti musicali fondamentalmente nuovi, sono stati fatti anche tentativi di "modernizzare" i ben noti vecchi. Così Lloyd Loher nel 1924 progettò il primo pickup magnetico, un dispositivo che converte le vibrazioni di una corda metallica in un segnale elettrico. Questo talentuoso ingegnere ha lavorato in quel momento, dove penseresti? - alla Gibson! Ma come capisci, prima della creazione Les Paul ancora abbastanza lontano - ben 28 anni, tanto che le prime chitarre elettriche prodotte in serie non furono rilasciate da Gibson. E questo è stato fatto da una società chiamata Electro String Company, uno dei fondatori della quale era Adolf Rickenbacker, che successivamente ha fondato, come probabilmente avrai già intuito, la famosissima società Rickenbacker che ha rilasciato una chitarra signature per John Lennon - 325JL. I corpi di queste prime chitarre erano realizzati in alluminio, motivo per cui ricevettero il nome sincero di "padelle". Questo evento ebbe luogo nel 1931. Non so se ci siano stati altri tentativi di attaccare un pickup ad una chitarra, probabilmente ci sono stati, ma solo nel 1951 hanno acquisito quelle forme così classiche e riconoscibili. E Leo Fender lo fece rilasciando la sua famosa Telecaster ed era già una svolta, qualcosa come mettere in orbita un'astronave con un uomo, ovviamente, a bordo. Lo scafo era in legno, sebbene non avesse nulla in comune con il design chitarra classica. Per qualche ragione, molte persone pensano che le chitarre elettriche siano fatte di chissà cosa: metallo, plastica e altri materiali ultramoderni, no - le chitarre sono state fatte e sono fatte fino ad oggi, principalmente in legno, proprio come una persona è 70% di acqua.
Da quel momento si può dire che la chitarra elettrica abbia preso piede come strumento musicale e fenomeno culturale. Gibson, ovviamente, non rimase indietro e pubblicò la sua leggendaria Les Paul nel 1952. E lo scatto di prova arrivò nel 1954, quando Fender lanciò in orbita la Stratocaster. Musicisti blues, rock e country iniziarono a suonare chitarre di questi modelli e produttori. Certo, da allora ci sono state molte chitarre belle, non molto popolari e non popolari, ma è improbabile che fino ad oggi qualcuno abbia escogitato qualcosa di più significativo, se non si tiene conto dell'elaborazione del suono. Ci sono, ovviamente, varie innovazioni, come l'aggiunta di una settima e persino di un'ottava corda (di norma si tratta di chitarre destinate a band e musicisti di stili e tendenze estremi), ma tutti questi sono fenomeni che “non avvicinarsi” nel loro significato a quelle sopra elencate “scoperte”.
Ma la cosa più interessante è che la chitarra è rimasta comunque una chitarra. Per qualche ragione, molte persone lontane dalla musica pensano che la chitarra elettrica sia uno strumento musicale che non ha nulla a che fare con la chitarra classica. Certo, la differenza è grande, dall'aspetto alle tecniche di esecuzione, ma è comunque lo stesso strumento con la stessa (con alcune eccezioni) accordatura e diteggiatura degli accordi, il che significa che conoscendo gli accordi delle canzoni, possono essere eseguito con uguale successo sia su chitarre elettriche che su chitarre acustiche.

UNA BREVE STORIA DELLA CHITARRA E DEL SUO STATO ATTUALE

La chitarra è, come sai, lo strumento nazionale spagnolo. Fino ad ora, l'origine della chitarra non è stata stabilita esattamente. Si deve presumere che il suo prototipo sia la kefara assiro-babilonese o la cetra egiziana. Potrebbe essere stato portato nella penisola iberica dai romani (chitarra latina) o dagli arabi (chitarra moresca). Sul primo si suonava con la tecnica del "punteado", cioè con un pizzico, sul secondo, che aveva una sonorità più acuta, si suonava con la tecnica del "rasgueado", cioè facendo tintinnare le corde con tutte le dita della mano destra.

La chitarra di tipo moderno, o comunque affine, ebbe probabilmente origine dalla fusione di queste due varietà dell'antica cetra non prima del XVI secolo. Abbiamo un'indicazione indiretta di questa duplice origine della chitarra in un modo diverso di suonarla fino ad oggi: folk - "rasgueado", - originato dal suonare la chitarra moresca, e professionale - "punteado", - originato dalla chitarra latina .

Al momento della penetrazione in altri paesi europei (secoli XVI-XVII), la chitarra aveva cinque corde, accordate in un quarto, come il relativo liuto. Non è certo se la sesta corda sia stata aggiunta in Germania o in Italia. In questa forma finale, la chitarra ha acquisito i diritti di uno strumento serio. Sulla base di questo aumento delle sue possibilità musicali, la chitarra a sei corde conobbe il suo primo periodo di massimo splendore (dalla fine del XVIII secolo alla metà del XIX secolo). Durante questo periodo la chitarra avanzò intera linea brillanti virtuosi e compositori, come gli spagnoli Aguado e Sor e gli italiani Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti e altri. L'attività concertistica di questi chitarristi nei paesi europei elevò la chitarra ad un alto livello professionale e le conquistò molti aderenti tra i più grandi musicisti, poeti e scrittori. Alcuni di loro - i compositori Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - usavano la chitarra nelle loro opere; altri - i compositori Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - suonavano loro stessi la chitarra; altri - Glinka, Ciajkovskij - amavano ascoltare la chitarra. Va notato in particolare che il famoso violinista Paganini era allo stesso tempo un eccellente chitarrista e scrisse una serie di opere per chitarra. Poeti e scrittori: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire e molti altri amavano la chitarra e le dedicavano più di una pagina nelle loro opere.

Il periodo di massimo splendore della chitarra, che durò quasi fino alla fine del XIX secolo, fu sostituito dal suo declino, dovuto principalmente alla comparsa del pianoforte. Tuttavia, dall'inizio del XX secolo, stiamo assistendo a un periodo di un nuovo periodo di massimo splendore della chitarra, apparentemente causato da un cambiamento nell'atteggiamento del grande pubblico nei suoi confronti, come antico e uno degli strumenti popolari più espressivi . Di conseguenza, apparvero numerosi virtuosi della chitarra eccezionalmente dotati, per lo più spagnoli: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol e altri, che perfezionarono l'arte di suonare la chitarra e misero la chitarra alla pari con altri strumenti solisti tradizionali. E ancora, come nell'era del primo periodo di massimo splendore, la chitarra attira molti amici tra i compositori più in vista, come Torino, de Falla, Pons, Roussel e altri.

Nel nostro paese, è stato ampiamente distribuito insieme a chitarra a sei corde la sua varietà è una chitarra a sette corde, principalmente con un'accordatura terziana.

Fisarmonica, fisarmonica a bottoni

Storia e varietà strumenti ad ancia(fisarmonica, fisarmonica a bottoni, ecc.)

Una fisarmonica è uno strumento musicale in cui i suoni sono prodotti da canne metalliche che scivolano liberamente - sottili lastre che vibrano sotto l'azione di un flusso d'aria pompato da soffietti. Con la mano sinistra, l'esecutore controlla il mantice e preme anche i pulsanti dei bassi e degli accordi per accompagnare la melodia, che viene suonata con la mano destra.

In Russia, a Mosca, c'è il miglior e più vasto Museo di Armoniche del mondo (ci sono 4 musei di questo tipo nel mondo: c'è anche il Museo di Armoniche Nazionali in Germania a Klingenthal, il Museo di Armoniche in Italia a Castelfidardo e il Museo della fisarmonica negli Stati Uniti in .Super Ior-Delucy).

Storia generale dello sviluppo degli strumenti ad ancia

Il primo strumento noto con il principio dell'ancia di estrazione del suono è l'antico Sheng orientale (originario di Birmania, Tibet, Laos e Cina). La data esatta in cui questo strumento è stato creato è sconosciuta, ma si ritiene che abbia più di 2000 anni. Era considerato uno strumento "puro", cioè adatto all'esecuzione di musica sacra. Intorno al 700 d.C Lo sheng era uno strumento popolare migliorato che poteva essere suonato in 12 tasti e per questi strumenti fu creato un manuale di armonia.



La comparsa di armoniche, fisarmoniche a bottoni e fisarmoniche in Russia

La comparsa degli armonici in Russia risale all'inizio degli anni '40 del XIX secolo. fasce privilegiate della popolazione, come indicato in fonti letterarie, acquistò armoniche a mano all'estero e, attraverso i servi della gleba, le armoniche apparvero e divennero popolari nei villaggi. Si presume che le armoniche possano essere importate da artigiani stranieri, ordinate alle fabbriche di armi di Tula.
Tra gli artigiani di Tula, c'era l'opinione che gli armaioli Sizov e Shkunaev avessero inventato le armoniche. Secondo alcuni rapporti, furono prodotti negli anni '30 del XIX secolo. nella provincia di Tula, invece, non si sa di che tipo di armonici si parli: di bocchini o manuali.



Informazioni generali sul dispositivo delle armoniche

L'armonica può essere chiamata tutti gli strumenti musicali, il cui suono è riprodotto da una lingua metallica (voce) che scorre liberamente, vibrando sotto l'azione di un flusso d'aria. L'aria nelle armoniche viene fornita con l'aiuto di un soffietto a mano o a piede (armoniche a mano, harmonium), un ventaglio (organole, organetti) o espirata e inalata dai polmoni dell'esecutore (armoniche a bocca). In tutte le armoniche moderne, l'ancia è fissata con rivettatura ad un'estremità su una base metallica, chiamata telaio (telaio). Il telaio insieme alla linguetta rivettata è chiamato barra.



Sheng (gonofui, ken, lussureng)

Sheng è uno degli strumenti più antichi della famiglia delle armoniche, originario di Birmania, Tibet, Laos e Cina. Secondo antichi manoscritti cinesi (2-3 mila anni aC), gli scienziati hanno stabilito il nome più antico dello strumento: Yu. Quindi iniziò a chiamarsi chao, ho, sheng, a seconda della forma e del materiale utilizzato per la sua fabbricazione. Sono note anche altre varietà di sheng: chonofui o gonofui (Giappone), ken (Laos), Luxeng e hulusheng (Cina sudoccidentale). In Russia e in altri paesi europei, gli sheng venivano talvolta chiamati organi della bocca cinesi.



Bibelarmonica, orchestra, elodicon

Quando in Europa apparvero i primi strumenti musicali costruiti secondo il nuovo principio della produzione del suono (una lingua metallica scivolosa), i fabbricanti di organi usarono le vecchie forme di strumenti musicali: organo portatile, regalia, organo positivo (portatile), ecc. nell'esempio dei primi strumenti di tal genere.

Sintetizzatore

Uno strumento musicale elettronico che sintetizza il suono utilizzando uno o più generatori di onde sonore. Il suono desiderato si ottiene modificando le proprietà del segnale elettrico (nei sintetizzatori analogici) o regolando i parametri del processore centrale (nei sintetizzatori digitali).

Un sintetizzatore realizzato sotto forma di una custodia con una tastiera è chiamato sintetizzatore da tastiera.
Un sintetizzatore realizzato sotto forma di custodia senza tastiera è chiamato modulo sintetizzatore ed è controllato da una tastiera MIDI.
Se un sintetizzatore da tastiera è dotato di un sequencer incorporato, viene chiamato workstation.
Tipi di sintetizzatori:

A seconda della tecnologia utilizzata, i sintetizzatori sono suddivisi in diversi tipi:

I sintetizzatori analogici implementano tipi di sintesi additiva e sottrattiva. La caratteristica principale dei sintetizzatori analogici è che il suono viene generato ed elaborato utilizzando circuiti elettrici reali. Spesso il collegamento di vari moduli di sintesi viene effettuato utilizzando cavi speciali - patch-wire, da qui il "patch" è il nome comune di un certo timbro di un sintetizzatore tra i musicisti.

Il vantaggio principale dei sintetizzatori analogici è che tutti i cambiamenti nella natura del suono nel tempo, come il movimento della frequenza di taglio del filtro, avvengono in modo estremamente fluido (continuo). Gli svantaggi includono alto livello rumore, il problema dell'instabilità dell'accordatura è stato superato. I sintetizzatori analogici più famosi oggi in uso includono: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

I sintetizzatori analogici virtuali sono un ibrido tra un sintetizzatore analogico e uno digitale, che trasportano un componente software nel loro corpo. I più famosi tra loro sono: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

I sintetizzatori digitali includono i sintetizzatori digitali stessi, nonché le loro varianti: sintetizzatori virtuali-plugin / sintetizzatori autonomi e interattivi. Implementano vari tipi di sintesi. Per creare e riprodurre forme d'onda originali, modificare il suono con filtri, inviluppi, ecc. vengono utilizzati dispositivi digitali basati su un processore centrale e diversi coprocessori.

In effetti, un sintetizzatore digitale è un computer altamente specializzato. I modelli più avanzati dei moderni sintetizzatori digitali (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), come i personal computer, consentono di aggiornare il sistema operativo, contengono menu di pagine, file di aiuto integrati, screen saver, ecc.

I sintetizzatori virtuali sono un sottoinsieme dei sintetizzatori digitali, ma sono un tipo speciale di software. Per creare il suono, vengono utilizzati il ​​​​processore centrale e la RAM di un personal computer e per trasmettere il suono a un dispositivo di riproduzione viene utilizzata una scheda audio per PC.

I sintetizzatori virtuali possono essere sia prodotti software autonomi che plug-in di un certo formato (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, ecc.) progettati per essere eseguiti all'interno del programma host, solitamente un registratore multicanale (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardore, ecc.). L'elevata disponibilità porta alla crescente popolarità dei sintetizzatori virtuali, inclusi i modelli di strumenti della vita reale (ad esempio, Native Pro53 - emulatore di sintetizzatore Prophet, Novation V-Station - emulatore di sintetizzatore Novation K-Station, Korg Legacy - emulatori di sintetizzatore Korg M1, Wavestation , PolySix, MS20 ecc.).

> I sintetizzatori interattivi o domestici sono anche una varietà di sintetizzatori digitali progettati specificamente per la produzione di musica amatoriale domestica e da salotto, nonché per l'educazione musicale interattiva. In genere, questi sintetizzatori non dispongono dei mezzi per l'editing avanzato del suono, inclusi i controlli in tempo reale. L'accento è posto sull'imitazione realistica di una varietà di strumenti orchestrali e sull'uso della funzione di accompagnamento automatico. In questo caso, per suonare qualsiasi brano musicale, l'esecutore non ha bisogno di programmare voci o registrare parti nel sequencer: basta selezionare una voce già pronta per una melodia e uno stile per l'accompagnamento automatico.

Naturalmente, il controllo di tali sintetizzatori è molto più semplice di quello dei modelli professionali ed è spesso accessibile anche a un bambino. Molti sintetizzatori di questo tipo includono giochi educativi come "indovina la nota" o "indovina l'accordo", raccolte di musica già pronta per l'ascolto e l'apprendimento, una funzione karaoke con visualizzazione di testi sullo schermo, ecc. Questa categoria di sintetizzatori comprende le famiglie Yamaha PSR, Casio CTK/WK, Roland E/VA/EXR, ecc.

Tipi di sintesi sonora:

A seconda del metodo di generazione delle onde sonore e della loro trasformazione, la sintesi del suono può essere classificata come segue:

Sintesi sommatoria (additiva), che utilizza il principio di sovrapposizione (sovrapposizione) di più onde di forma semplice (solitamente sinusoidale) con frequenze e ampiezze diverse. Per analogia con gli organi elettrici, queste onde sono chiamate registri e sono denotate come 16' (tono un'ottava più basso di quello preso), 8' (tono iniziale), 4' (tono un'ottava più alto di quello preso), ecc. (la cifra è la lunghezza della canna del corrispondente registro d'organo in piedi). Nella sua forma pura, si trova negli organi elettrici (Hammond, Farfisa) e nei loro emulatori digitali (Korg CX-3, Roland VK-8, ecc.). Il suono dello strumento è più ricco, più registri vengono utilizzati nel design.

Sintesi sottrattiva (sottrattiva), in cui la forma d'onda arbitraria originale cambia timbro mentre passa attraverso una varietà di filtri, generatori di inviluppo, processori di effetti, ecc. Come sottoinsieme, questo tipo di sintesi è ampiamente utilizzato in quasi tutti i moderni modelli di sintetizzatore.

Sintesi di operatore (FM, dall'inglese Frequency Modulation), in cui avviene l'interazione (modulazione di frequenza e sommatoria) di più onde di forma semplice. Ogni onda, insieme alle sue caratteristiche, è chiamata operatore, una certa configurazione di operatori costituisce un algoritmo. Più operatori vengono utilizzati nella progettazione del sintetizzatore, più ricco diventa il suono dello strumento. Ad esempio, il sintetizzatore Yamaha DX-7 (1984), ancora popolare fino ad oggi, ha 6 operatori, configurati da 36 diversi algoritmi.

Sintesi fisica, in cui, grazie all'uso di potenti processori, vengono simulati processi fisici reali in strumenti musicali di un tipo o dell'altro. Ad esempio, per strumenti a fischio a fiato come un flauto, i parametri saranno la lunghezza, il profilo e il diametro della canna, la portata d'aria, il materiale del corpo; per strumenti ad arco - dimensioni del corpo, materiale, lunghezza e tensione delle corde, ecc. La sintesi fisica è utilizzata da strumenti come Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, ecc.

Sintesi Wavetable (PCM), in cui il suono viene creato riproducendo frammenti del suono di strumenti musicali reali (campioni e multicampioni) precedentemente registrati nella memoria dello strumento. Il sintetizzatore più famoso di questo gruppo è il Waldorf Wave, noto anche come il sintetizzatore più costoso del mondo.

Sintesi ibrida, che utilizza l'una o l'altra combinazione di diversi metodi di sintesi del suono, ad esempio "somma + sottrazione", "onda + sottrazione", "operatore + sottrazione", ecc. La maggior parte degli strumenti moderni sono creati sulla base della sintesi ibrida, poiché dispone di strumenti molto potenti per variare il timbro nella gamma più ampia.

Controllo di un sintetizzatore moderno:

Il controllo di un moderno sintetizzatore professionale è un processo complesso associato al controllo di diverse centinaia, o addirittura migliaia, di vari parametri responsabili di alcuni aspetti del suono. Alcuni parametri possono essere controllati in tempo reale tramite manopole rotanti, ruote, pedali, pulsanti; altri parametri sono utilizzati per modifiche pre-programmate nel tempo di determinate caratteristiche. A questo proposito, anche i timbri (patch) dei sintetizzatori digitali sono spesso chiamati programmi.

La tastiera e il tracciamento dinamico vengono utilizzati per tracciare la posizione e la velocità di una battitura. Ad esempio, passando dai tasti inferiori a quelli superiori, il timbro può cambiare dolcemente da violoncello a flauto, e con una pressione più vigorosa del tasto, i timpani si aggiungono al suono complessivo.

Un inviluppo viene utilizzato per modificare un determinato parametro di un suono in modo non periodico. Tipicamente, il grafico dell'inviluppo è una linea spezzata composta da attacco (Attack), decadimento (Decay), supporto (Sustain) e decadimento (Release) (vedi anche inviluppo ADSR), tuttavia, in vari modelli di sintetizzatore si trovano come più semplici ( ADR ) così come buste multistadio più complesse. Il numero totale di inviluppi è una caratteristica importante di un sintetizzatore.

Il filtro viene utilizzato per escludere una determinata banda di frequenza dallo spettro totale del segnale. Spesso il filtro è dotato anche di risonanza, che consente di aumentare nettamente la banda di frequenza al limite di taglio. La modifica delle caratteristiche del filtro con controlli in tempo reale, tracciamento della tastiera e/o inviluppi consente di ottenere opzioni audio estremamente diverse. Il numero totale di filtri è una caratteristica importante di un sintetizzatore.

Ring-modulator consente di modulare il segnale originale con un altro segnale con una certa frequenza (fissa o mobile), grazie alla quale si verifica un significativo arricchimento di armoniche. Il nome “Ring” (ing. “call”) è dovuto al fatto che questo nodo spesso serve per ottenere un suono “a campana” dello strumento.

L'oscillatore a bassa frequenza viene utilizzato per modificare periodicamente alcuni parametri del suono, come intonazione, volume, frequenza di taglio del filtro, ecc. Nel caso di un cambiamento ciclico di volume, viene creato un effetto tremolo, un cambiamento di intonazione crea un effetto vibrato, un cambiamento periodico nella frequenza di taglio del filtro è chiamato effetto "wah-wah".

L'elaborazione degli effetti viene utilizzata per finalizzare il suono. I sintetizzatori moderni sono generalmente dotati di un numero abbastanza elevato di processori di effetti (ad esempio, Korg Karma - 8 processori, Roland Fantom - 6 processori, ecc.). I processori funzionano indipendentemente l'uno dall'altro, sebbene possano essere combinati in circuiti seriali se lo si desidera. I moderni processori di effetti implementano un gran numero di algoritmi di effetti spaziali (riverbero, ritardo, eco), modulazione (flangia, chorus, phaser) e altri (sovraamplificazione, spostamento di frequenza, arricchimento armonico).

I modelli più avanzati hanno i mezzi per controllare i parametri degli effetti da controlli in tempo reale, inviluppi, LFO e altro ancora.

La meccanica del pianoforte moderno fu inventata dal maestro italiano Cristofori alla fine del XVII secolo (la data ufficiale è circa 1709), nel suo progetto i martelletti erano sotto le corde. Lo strumento si chiamava gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - e successivamente fu fissato il nome del pianoforte.

L'invenzione di Cristofori segnò l'inizio dello sviluppo della meccanica del sistema inglese. Altri tipi di meccanica furono sviluppati da Marius in Francia (1716) e da Schroeter in Germania (1717-21). Sebastian Erard ha inventato la meccanica a doppia prova, che ha permesso di estrarre il suono premendo di nuovo rapidamente il tasto da metà corsa. Nella meccanica del sistema inglese, tale ripetizione era possibile solo quando la chiave era completamente alzata.

In Russia, il business del pianoforte era principalmente associato a San Pietroburgo. Solo nel XVIII secolo vi lavorarono più di 50 maestri di pianoforte. Lo sviluppo della produzione in fabbrica di pianoforti nella prima metà del XIX secolo fu influenzato dalle attività del primo produttore di pianoforti russo, fornitore della corte imperiale, il maestro inglese G. Faverier, dei maestri tedeschi I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder e, dal 1840, il belga G.-G. Lichtental. Ad oggi sono noti i nomi di oltre 600 maestri di pianoforte che hanno lavorato in Russia prima della rivoluzione del 1917. Maestro di pianoforte del Conservatorio di San Pietroburgo, candidato di scienze filologiche Sergeev M. V. è impegnato in questi studi.
A metà del XIX secolo, le fabbriche di J. Blutner, K. Bechstein aprirono in Germania, negli Stati Uniti - Steinway and Sons, che non ebbe eguali per molti anni.
Nel 20 ° secolo apparvero strumenti fondamentalmente nuovi: pianoforti e sintetizzatori elettronici, nonché una forma speciale di produzione del suono: un pianoforte preparato.

Il primo brano musicale scritto appositamente per pianoforte apparve nel 1732 (sonata di Lodovico Giustini). Tuttavia, in massa, quaranta o cinquant'anni dopo, ai tempi di Haydn e Mozart, i compositori iniziarono a concentrarsi sul pianoforte piuttosto che sul clavicembalo.

I pianoforti si dividono in pianoforti a coda - strumenti con corde orizzontali - e pianoforti verticali. Il primo pianoforte verticale noto è attribuito a K.-E. Friederici (Gera, Germania), che lo creò nel 1745. Tuttavia, già nel 1742, uno strumento simile uscì dalla bottega di Johann Söcher a Zanthofen (Baviera), e nel 1748 tale G. Silbermann fece anche gli stessi strumenti. Varietà di pianoforti verticali: piramidale, pianoforte-lira, pianoforte-ufficio, pianoforte-arpa, ecc. Dalla metà del XIX secolo sono stati prodotti solo pianoforti e pianoforti a coda.

Il suono nel pianoforte viene prodotto colpendo le corde con un martello. Le corde vengono tese su un telaio in ghisa con l'ausilio di perni (piroli), passando attraverso i piroli degli acuti e dei bassi incollati al piano risonante (nel pianoforte il piano è in posizione verticale, nei pianoforti a coda - in posizione orizzontale). Per ogni suono c'è un coro di archi: tre per le gamme medie e alte, due o uno per le basse. La gamma della maggior parte dei pianoforti è di 88 semitoni dal sottocontrottavo LA alla 5a ottava (gli strumenti più vecchi possono essere limitati alla nota LA della 4a ottava dall'alto; puoi trovare strumenti con una gamma più ampia). In posizione neutra, le corde, ad eccezione dell'ultima da una e mezza a due ottave, sono in contatto con gli smorzatori (silenziatori). Quando si premono i tasti si attiva un dispositivo di leve, cinghie e martelletti, chiamato meccanica del pianoforte. Dopo aver premuto, lo smorzatore lascia il corrispondente coro di corde in modo che la corda possa suonare liberamente e un martello, rivestito di feltro (feltro), la colpisce.
Pedali per pianoforte
I pianoforti moderni hanno due o tre pedali (i modelli più recenti ne hanno quattro). Negli strumenti precedenti venivano utilizzate leve retrattili per lo stesso scopo, che il pianista doveva premere con le ginocchia.
Il pedale destro (a volte indicato semplicemente come "pedale" perché è usato più spesso) alza tutti gli smorzatori contemporaneamente, in modo che quando il tasto viene rilasciato, le corde corrispondenti continuano a suonare. Inoltre, anche tutte le altre corde dello strumento iniziano a vibrare, diventando una fonte sonora secondaria. Il pedale destro serve a due scopi: rendere inscindibile la sequenza dei suoni estratti (suonare legato) dove è impossibile farlo con le dita per difficoltà tecniche, e arricchire il suono di nuovi armonici. Esistono due modi per utilizzare il pedale: un pedale diretto - premendo il pedale prima di premere i tasti da tenere premuti, e un pedale ritardato, quando il pedale viene premuto immediatamente dopo che il tasto è stato premuto e prima che venga rilasciato. Negli spartiti, questo pedale è indicato dalla lettera P (o dall'abbreviazione Ped.) e la sua rimozione è indicata da un asterisco. Nella musica dei compositori delle epoche del romanticismo e dell'impressionismo, queste designazioni si trovano spesso, di solito per conferire al suono un sapore speciale.
Il pedale sinistro viene utilizzato per attenuare il suono. Nei pianoforti a coda, ciò si ottiene spostando i martelletti verso destra, in modo che invece delle tre corde del coro ne colpiscano solo due (in passato, a volte solo una). In un pianoforte, i martelletti si avvicinano alle corde. Questo pedale è usato molto meno spesso. Negli spartiti, è contrassegnato con una corda, la sua rimozione è contrassegnata con tre corde o tutte le corde. Oltre ad attenuare il suono, l'uso del pedale sinistro quando si suona il pianoforte consente di ammorbidire il suono, renderlo più caldo e più bello grazie alla vibrazione delle corde del coro rilasciate.
Il pedale centrale (o terzo, poiché storicamente è stato aggiunto per ultimo), o pedale sostenuto, serve per alzare selettivamente gli smorzatori. Quando il pedale centrale è premuto, gli smorzatori alzati quando si premono i tasti rimangono alzati finché il pedale non viene rimosso. Esso, come il pedale destro, può essere utilizzato per suonare in legato, ma non arricchirà il suono con la vibrazione delle altre corde. Questo pedale è assente dalla maggior parte dei pianoforti oggi ed è presente sulla maggior parte dei pianoforti a coda. Ci sono pianoforti in cui il pedale centrale “scorre” a sinistra e quindi è fisso, mentre tra i martelletti e le corde è posto un tessuto speciale, grazie al quale il suono diventa molto basso, che consente al musicista di suonare, ad esempio, di notte.
Il pianoforte può essere utilizzato sia come strumento solista che insieme a un'orchestra (ad esempio, nei concerti per pianoforte con un'orchestra). Suonare il pianoforte è un'attività che richiede buona tecnica, attenzione e dedizione. Si consiglia di iniziare l'allenamento a infanzia. Nelle scuole di musica per bambini (DMSH) in Russia, la formazione dura 5 o 7 anni, a seconda del programma, alcuni studenti rimangono uno o due anni in più dopo la laurea prima di entrare in una scuola di musica. Dopo una scuola di musica o una formazione equivalente, puoi continuare i tuoi studi in una scuola di musica o college, e poi in un conservatorio, università, diventando un pianista professionista. Nella scuola di musica, anche il pianoforte generale è una materia obbligatoria per quasi tutte le major. Eccezionali pianisti del 20 ° secolo: Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould e altri.
Il pianoforte richiede le giuste condizioni di manutenzione, oltre che una regolare accordatura, in quanto nel tempo la tensione delle corde dello strumento si indebolisce. La frequenza di accordatura dipende dalla classe dello strumento, dalla qualità della sua fabbricazione, dalla sua età, dalle condizioni di manutenzione e funzionamento. L'accordatura, di regola, non viene eseguita dall'esecutore stesso, ma da uno specialista: un maestro accordatore di pianoforti, sebbene, in teoria, avendo a portata di mano un accordatore elettronico e conoscendo le esatte caratteristiche di frequenza di ciascuna delle corde, chiunque può eseguire il accordatura, anche se non ha un orecchio musicale.
È una delle nomination dei Delphic Games.