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Vivaldi è uno dei maggiori rappresentanti dell'era barocca. Antonio Vivaldi

Creatività dell'eccezionale compositore e violinista italiano A.Corelli ha avuto un enorme impatto sulla musica strumentale europea tardo XVII- la prima metà del XVIII secolo, è giustamente considerato il fondatore della scuola violinistica italiana. Molti dei maggiori compositori dell'era successiva, tra cui JS Bach e GF Handel, apprezzarono molto le composizioni strumentali di Corelli. Si è mostrato non solo come compositore e violinista meraviglioso, ma anche come insegnante (la scuola Corelli ha un'intera galassia di maestri brillanti) e direttore d'orchestra (è stato il leader di vari ensemble strumentali). La creatività Corelli e le sue diverse attività hanno aperto una nuova pagina nella storia della musica e dei generi musicali.

Poco si sa dei primi anni di vita di Corelli. Ha ricevuto le sue prime lezioni di musica da un prete. Dopo aver cambiato diversi insegnanti, Corelli finisce finalmente a Bologna. Questa città ha dato i natali a numerosi straordinari compositori italiani e il soggiorno lì ha avuto, a quanto pare, un'influenza decisiva sul destino futuro del giovane musicista. A Bologna, Corelli studia sotto la guida del famoso maestro J. Benvenuti. Il fatto che già in gioventù Corelli ottenne un successo eccezionale nel campo del violino è testimoniato dal fatto che nel 1670, all'età di 17 anni, fu ammesso alla famosa Accademia di Bologna. Nel 1670 Corelli si trasferisce a Roma. Qui suona in varie formazioni orchestrali e da camera, dirige alcune formazioni e diventa maestro di banda di chiesa. Dalle lettere di Corelli si sa che nel 1679 entrò al servizio della regina Cristina di Svezia. Come musicista d'orchestra, si occupa anche di composizione, componendo sonate per la sua protettrice. La prima opera di Corelli (12 sonate per trio da chiesa) apparve nel 1681. A metà degli anni Ottanta del Seicento. Corelli entrò al servizio del cardinale romano P. Ottoboni, dove rimase fino alla fine della sua vita. Dopo il 1708 si ritirò dal parlare in pubblico e concentrò tutte le sue energie sulla creatività.

Le composizioni di Corelli sono relativamente poche: nel 1685, dopo la prima opera, le sonate per trio da camera op. 2, nel 1689 - 12 sonate per trio da chiesa, op. 3, nel 1694 - sonate per trio da camera op. 4, nel 1700 - sonate per trio da camera op. 5. Infine, nel 1714, dopo la morte di Corelli, fu pubblicato ad Amsterdam il suo Concerti grossi op. 6. Queste collezioni, così come diverse commedie individuali, costituiscono l'eredità di Corelli. Le sue composizioni sono destinate agli strumenti ad arco (violino, viola da gamba) con il clavicembalo o l'organo come strumenti di accompagnamento.

Creatività Corelli comprende 2 generi principali: sonate e concerti. Fu nell'opera di Corelli che il genere della sonata si formò nella forma in cui è caratteristico dell'era preclassica. Le sonate di Corelli sono divise in 2 gruppi: chiesa e camera. Differiscono sia per la composizione esecutiva (un organo accompagna in una sonata da chiesa, un clavicembalo in una sonata da camera), sia per il contenuto (la sonata da chiesa si distingue per rigore e profondità di contenuto, quella da camera è vicina alla danza suite). La composizione strumentale per la quale sono state composte tali sonate comprendeva 2 voci melodiche (2 violini) e accompagnamento (organo, clavicembalo, viola da gamba). Ecco perché sono chiamate sonate in trio.

Anche i concerti di Corelli sono diventati un fenomeno eccezionale in questo genere. Il genere del concerto grosso esisteva molto prima di Corelli. Era uno dei predecessori musica sinfonica. L'idea del genere era una sorta di competizione tra un gruppo di strumenti solisti (nei concerti di Corelli questo ruolo è svolto da 2 violini e un violoncello) con un'orchestra: il concerto è stato così costruito come un'alternanza di solo e tutti. 12 concerti di Corelli scritti in l'anno scorso la vita del compositore, divenne una delle pagine più luminose della musica strumentale del primo Settecento. Sono ancora forse l'opera più popolare di Corelli.

Uno di maggiori rappresentanti epoca barocca A.Vivaldiè passato alla storia cultura musicale come creatore del genere del concerto strumentale, fondatore della musica a programma orchestrale. L'infanzia di Vivaldi è legata a Venezia, dove suo padre lavorava come violinista nella Cattedrale di San Marco. La famiglia ebbe 6 figli, di cui Antonio era il maggiore. Non ci sono quasi dettagli sugli anni dell'infanzia del compositore. Si sa solo che ha studiato violino e clavicembalo. Il 18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco e il 23 marzo 1703 fu ordinato sacerdote. Allo stesso tempo, il giovane ha continuato a vivere in casa (presumibilmente a causa di una grave malattia), che gli ha dato la possibilità di non lasciare lezioni di musica. Per il colore dei suoi capelli, Vivaldi fu soprannominato il "monaco rosso". Si presume che già in questi anni non fosse troppo zelante per i suoi doveri di sacerdote. Molte fonti raccontano la storia (forse inaffidabile, ma rivelatrice) di come un giorno, durante il servizio, il "monaco dai capelli rossi" lasciò frettolosamente l'altare per scrivere il tema della fuga, che gli venne improvvisamente in mente. In ogni caso, i rapporti di Vivaldi con gli ambienti clericali continuarono a infiammarsi e ben presto, adducendo la sua cattiva salute, si rifiutò pubblicamente di celebrare la messa.

Nel settembre 1703 Vivaldi iniziò a lavorare come insegnante (maestro di violino) nell'orfanotrofio di beneficenza veneziano "Pio Ospedale della Pietà". I suoi compiti includevano imparare a suonare il violino e la viola d'amore, oltre a sovrintendere alla conservazione di strumenti a corda e l'acquisto di nuovi violini. I "servizi" alla "Pietà" (si possono giustamente chiamare concerti) erano al centro dell'attenzione del pubblico illuminato veneziano. Per ragioni di economia, nel 1709 Vivaldi fu licenziato, ma nel 1711-16. reintegrato nello stesso incarico, e dal maggio 1716 era già primo violino dell'orchestra della Pietà. Anche prima del nuovo incarico, Vivaldi si affermò non solo come insegnante, ma anche come compositore (principalmente autore di musica sacra). Parallelamente al suo lavoro alla Pietà, Vivaldi è alla ricerca di opportunità per pubblicare i suoi scritti secolari. 12 sonate in trio op. 1 furono pubblicati nel 1706; nel 1711 la più famosa raccolta di concerti per violino "Harmonic Inspiration" op. 3; nel 1714 - un'altra raccolta chiamata "Extravagance" op. 4. I concerti per violino di Vivaldi divennero ben presto molto conosciuti nell'Europa occidentale e specialmente in Germania. Grande interesse per loro è stato mostrato da I. Quantz, I. Mattheson, il grande J. S. Bach "per piacere e istruzione" ha arrangiato personalmente 9 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. Negli stessi anni Vivaldi scrive le sue prime opere Otto (1713), Orlando (1714), Nerone (1715). Nel 1718-20. vive a Mantova, dove scrive principalmente opere per il periodo carnevalesco, oltre a composizioni strumentali per la corte ducale mantovana. Nel 1725 uscì di stampa una delle opere più famose del compositore, recante il sottotitolo "L'esperienza dell'armonia e dell'invenzione" (op. 8). Come i precedenti, la raccolta è composta da concerti per violino (ce ne sono 12 qui). I primi 4 concerti di quest'opera sono chiamati dal compositore, rispettivamente, "Primavera", "Estate", "Autunno" e "Inverno". Nella pratica esecutiva moderna, sono spesso combinati nel ciclo "Stagioni" (non esiste un titolo del genere nell'originale). Apparentemente, Vivaldi non era soddisfatto delle entrate derivanti dalla pubblicazione dei suoi concerti, e nel 1733 disse a un certo viaggiatore inglese E. Holdsworth della sua intenzione di abbandonare ulteriori pubblicazioni, poiché, a differenza dei manoscritti stampati, le copie scritte a mano erano più costose. Da allora, infatti, non sono apparse nuove opere originali di Vivaldi.

Fine anni '20 - '30. spesso indicati come "anni di viaggio" (preferiti a Vienna e Praga). Nell'agosto 1735 Vivaldi tornò alla carica di maestro di banda dell'orchestra della Pietà, ma al comitato direttivo non piacque la passione per i viaggi del suo subordinato e nel 1738 il compositore fu licenziato. Allo stesso tempo, Vivaldi ha continuato a lavorare duramente nel genere dell'opera (uno dei suoi librettisti era il famoso C. Goldoni), mentre ha preferito partecipare personalmente alla produzione. Tuttavia spettacoli operistici Vivaldi successo speciale non lo fecero, soprattutto dopo che il compositore fu privato della possibilità di dirigere le sue opere al teatro ferrarese a causa del divieto cardinalizio di entrare in città (il compositore fu accusato di una storia d'amore con Anna Giraud, sua ex allieva , e il rifiuto del “monaco rosso” di celebrare la messa). Di conseguenza, la prima dell'opera a Ferrara fallì.

Nel 1740, poco prima della sua morte, Vivaldi fece il suo ultimo viaggio a Vienna. Le ragioni della sua improvvisa partenza non sono chiare. Morì nella casa della vedova di un sellaio viennese di nome Waller e fu sepolto mendicante. Subito dopo la sua morte, il nome dell'eccezionale maestro fu dimenticato. Quasi 200 anni dopo, negli anni '20. 20 ° secolo il musicologo italiano A. Gentili ha scoperto una collezione unica di manoscritti del compositore (300 concerti, 19 opere, composizioni vocali spirituali e profane). Da questo momento inizia un autentico revival dell'antico splendore di Vivaldi. La casa editrice musicale "Ricordi" nel 1947 iniziò a pubblicare le opere complete del compositore, e la ditta "Philips" iniziò recentemente ad attuare un piano altrettanto grandioso: la pubblicazione di "tutto" Vivaldi su disco. Nel nostro Paese Vivaldi è uno dei compositori più eseguiti e più amati. Il patrimonio creativo di Vivaldi è grande. Secondo l'autorevole catalogo tematico-sistematico di Peter Ryom (designazione internazionale - RV), copre più di 700 titoli. Il posto principale nell'opera di Vivaldi era occupato da un concerto strumentale (per un totale di circa 500 conservati). Lo strumento preferito del compositore era il violino (circa 230 concerti). Inoltre, ha scritto concerti per due, tre e quattro violini e orchestra e basso continuo, concerti per viola d'amour, violoncello, mandolino, longitudinale e flauti traversi, oboe, fagotto. Continuano più di 60 concerti per orchestra d'archi e basso, sono note sonate per vari strumenti. Delle oltre 40 opere (la cui paternità di Vivaldi è stata stabilita con certezza), solo la metà di esse è sopravvissuta. Meno popolari (ma non per questo meno interessanti) sono le sue numerose composizioni vocali: cantate, oratori, opere su testi spirituali (salmi, litanie, "Gloria", ecc.).

Molte delle composizioni strumentali di Vivaldi hanno sottotitoli programmatici. Alcuni si riferiscono al primo esecutore (Carbonelli Concerto, RV 366), altri alla festività durante la quale questa o quella composizione fu eseguita per la prima volta (Per la festa di S. Lorenzo, RV 286). Alcuni sottotitoli indicano qualche dettaglio insolito della tecnica esecutiva (nel concerto chiamato "L'ottavina", RV 763, tutti i violini solisti devono essere suonati nell'ottava superiore). Le voci più tipiche che caratterizzano lo stato d'animo prevalente sono “Riposo”, “Ansia”, “Sospetto” o “Ispirazione armonica”, “Cetra” (gli ultimi due sono i nomi di raccolte di concerti per violino). Allo stesso tempo, anche in quelle opere i cui titoli sembrano indicare momenti pittorici esterni ("Tempesta in mare", "Cardellino", "Caccia", ecc.), La cosa principale per il compositore è sempre la trasmissione del testo generale Umore. La partitura di The Four Seasons è dotata di un programma relativamente dettagliato. Già durante la sua vita Vivaldi divenne famoso come eccezionale conoscitore dell'orchestra, inventore di molti effetti coloristici, fece molto per sviluppare la tecnica di suonare il violino.

Giuseppe Tartino appartiene ai luminari della scuola violinistica italiana del XVIII secolo, la cui arte conserva il suo significato artistico fino ai giorni nostri. D.Oistrakh

L'eccezionale compositore, insegnante, violinista virtuoso e teorico musicale italiano G. Tartini occupò uno dei posti più importanti nella cultura violinistica italiana nella prima metà del XVIII secolo. Nella sua arte confluiscono tradizioni provenienti da A. Corelli, A. Vivaldi, F. Veracini e altri grandi predecessori e contemporanei.

Tartini nacque in una famiglia appartenente al ceto nobile. I genitori intendevano il figlio alla carriera di un sacerdote. Studiò quindi prima alla scuola parrocchiale di Pirano, e poi a Capo d'Istria, dove Tartini iniziò anche a suonare il violino.

La vita di un musicista è divisa in 2 periodi nettamente opposti. Ventoso, intemperante per natura, in cerca di pericoli: tale è lui nei suoi anni giovanili. L'ostinazione di Tartini ha costretto i suoi genitori a rinunciare all'idea di mandare il figlio su un percorso spirituale. Va a Padova per studiare legge. Ma a loro Tartini preferisce anche la scherma, sognando l'attività di maestro di scherma. Parallelamente alla scherma, continua a dedicarsi sempre più intenzionalmente alla musica.

Un matrimonio segreto con la sua studentessa, nipote di un importante ecclesiastico, cambiò radicalmente tutti i piani di Tartini. Il matrimonio suscitò lo sdegno dei parenti aristocratici della moglie, Tartini fu perseguitato dal cardinale Cornaro e fu costretto a nascondersi. Il suo rifugio era il monastero dei Minoriti ad Assisi.

Da quel momento iniziò il secondo periodo della vita di Tartini. Il monastero non solo ha ospitato il giovane libertino ed è diventato il suo rifugio durante gli anni dell'esilio. Fu qui che avvenne la rinascita morale e spirituale di Tartini, e qui iniziò il suo vero sviluppo come compositore. Nel monastero ha studiato teoria musicale e composizione sotto la guida del compositore e teorico ceco B. Chernogorsky; studiò autonomamente il violino, raggiungendo la vera perfezione nella padronanza dello strumento, che, secondo i contemporanei, superava addirittura il gioco del famoso Corelli.

Tartini rimase nel monastero per 2 anni, poi per altri 2 anni suonò Teatro dell'opera ad Ancona. Lì il musicista ha incontrato Veracini, che ha avuto un'influenza significativa sul suo lavoro.

L'esilio di Tartini terminò nel 1716. Da quel momento fino alla fine della sua vita, salvo brevi pause, visse a Padova, dirigendo l'orchestra della cappella nella Basilica di S. Antonio ed esibendosi come violino solista in varie città d'Italia . Nel 1723 Tartini ricevette l'invito a visitare Praga per partecipare alle celebrazioni musicali in occasione dell'incoronazione di Carlo VI. Questa visita, però, durò fino al 1726: Tartini accettò l'offerta di ricoprire il posto di musicista da camera nella cappella praghese del conte F. Kinsky.

Tornato a Padova (1727), il compositore vi organizzò un'accademia musicale, dedicando gran parte delle sue energie all'insegnamento. I contemporanei lo chiamavano "maestro di nazioni". Tra gli studenti di Tartini ci sono violinisti eccezionali del XVIII secolo come P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausse, F. Rust e altri.

Il contributo del musicista all'ulteriore sviluppo dell'arte di suonare il violino è eccezionale. Ha cambiato il design dell'arco, allungandolo. L'abilità di dirigere l'archetto dello stesso Tartini, il suo straordinario canto al violino cominciarono a essere considerati esemplari. Il compositore ha creato un numero enorme di opere. Tra questi ci sono numerose sonate in trio, circa 125 concerti, 175 sonate per violino e cembalo. Fu nell'opera di Tartini che quest'ultimo ricevette ulteriore sviluppo di genere e stilistico.

Immagini vivide pensiero musicale Il compositore si è manifestato nel desiderio di dare alle sue opere sottotitoli programmatici. Le sonate "Abandoned Dido" e "Devil's Trill" hanno guadagnato particolare fama. L'ultimo notevole critico musicale russo V. Odoevsky ha considerato l'inizio di una nuova era nell'arte del violino. Insieme a queste opere, di grande importanza è il ciclo monumentale "L'arte dell'arco". Composto da 50 variazioni sul tema della gavotta di Corelli, è una sorta di insieme di tecniche che ha non solo un significato pedagogico, ma anche un alto valore artistico. Tartini fu uno dei musicisti-pensatori curiosi del XVIII secolo, le sue opinioni teoriche trovarono espressione non solo in vari trattati di musica, ma anche nella corrispondenza con i maggiori scienziati musicali dell'epoca, essendo i documenti più preziosi della sua epoca.

20. Suite come principio del pensiero musicale nella musica dei secoli XVII-XVIII. La struttura della suite classica. (Prendi qualsiasi suite e analizzala) ; (Leggi il lavoro di Yavorsky).

Suite (suite francese, "sequenza"). Il nome implica una sequenza di brani strumentali (danze stilizzate) o frammenti strumentali di opera, balletto, musica per teatro, ecc.

Caricatura del "Prete Rosso" di Vivaldi

Soprannominato "The Red Priest" per via del suo colore di capelli brillante, era un violinista di talento e uno dei grandi compositori dell'era barocca.

Conosciuto per i suoi concerti strumentali, principalmente per violino, corali sacri e più di 40 opere. Uno dei suoi i migliori concerti- "Le quattro stagioni" - ha attraversato molte rinascite e alcune delle sue parti sono usate ovunque. Passiamo alla biografia del maestro.

Antonio Lucio Vivaldi nasce il 4 marzo 1678 a Venezia. Suo padre era violinista nella cattedrale di San Marco. Molto probabilmente è stato il genitore a regalare ad Antonio il primo educazione musicale. Vivaldi fu addestrato come sacerdote e, abbandonando le pretese mondane, fu ordinato sacerdote nel 1703. Si ritiene che intendesse assicurarsi contro le difficoltà finanziarie, ottenere un'istruzione gratuita e anche essere in grado di concentrarsi su una carriera musicale. Un orfanotrofio per ragazze ("Ospedale della Pietà") gestito da Antonio

C'era un aneddoto che Vivaldi raccontò ai malati, lasciò l'altare e si nascose in sagrestia per comporre un'altra opera. Comunque sia, ma è così che è iniziato il percorso verso la fama del compositore. Le doti di violinista e le buone capacità organizzative resero così popolare l'ensemble strumentale dell'orfanotrofio per ragazze ("Ospedale della Pietà"), diretto da Antonio, che grandi raduni accorrevano al concerto domenicale nella chiesa della Pietà.

L'ascesa di Vivaldi come compositore

Vivaldi ha sempre cercato la semplicità e la chiarezza

Nel 1705, la reputazione del compositore portò alla pubblicazione di una serie di 12 sonate per trio, seguite tre anni dopo da una raccolta di sonate per violino. I veneziani iniziarono a rendersi conto che il loro connazionale lo era genio musicale, che ha portato alla perfezione la forma concertistica barocca e allo stesso tempo ha trovato un nuovo approccio allo sviluppo dell'espressività nella musica strumentale. Molto importante a questo proposito è stata la pubblicazione di una raccolta di 12 concerti "L'Estro Armonico". Questa collezione è diventata il punto di riferimento dell'organizzazione materiale musicale in un'unica forma, che ha aperto enormi opportunità per nuove ricerche.

Vivaldi ha sempre cercato la semplicità e la chiarezza, evitando la magniloquenza e concentrandosi sulla divulgazione espressiva di una melodia, accompagnandola con un'armonia impeccabile e trasparente. Questi concerti sono diventati una rivelazione per i contemporanei, cancellando tutto ciò che era stato precedentemente scritto in questo genere. Divennero anche una sfida per altri che cercavano di superare Antonio, ma pochi potevano avvicinarsi a una tale combinazione di passione, immaginazione, grazia e armonia.

Non è quindi un caso che il giovane, avendo familiarizzato con L'Estro Armonico, lo abbia utilizzato come modello per le proprie composizioni.

Il suo biografo Nikolaus Forkel ha commentato questo fatto: “Li ascoltava spesso, con grande attenzione, e alla fine decise di trascriverli per il suo clavicembalo. In questo modo ha imparato la logica delle idee musicali, la struttura, la corretta sequenza delle modulazioni e molto altro... ha imparato il pensiero musicale... a prendere le sue idee musicali non dalle sue dita, ma dalla sua immaginazione.

L'appello di Vivaldi ai generi musicali vocali

Segnata l'opera "Ottone in villa". nuovo stadio nella vita di un compositore

Vivaldi, nel frattempo, non si è adagiato sugli allori, interessandosi all'opera. Il debutto di "Ottone in villa" nel 1713 segna una nuova tappa nella vita del compositore, che inizia a dedicare sempre più tempo alla composizione, alla ricerca di fondi e alla regia di produzioni operistiche. Un altro momento importante e di svolta fu il trasferimento nel 1714 del suo capo Gasparini a Roma. A seguito di questo evento, Antonio ha dovuto creare materiale per il coro della Pietà, oltre a lavorare sulle proprie opere strumentali e operistiche.

Già alla fine l'anno prossimo Vivaldi ha presentato una messa, un oratorio, i vespri e oltre 30 inni. Prima di allora, nel 1714, riuscì a pubblicarne un altro lavoro di successo nel genere concertistico - "La stravanganza". Di volta in volta, il pubblico ha accettato con gratitudine le sue opere, in cui lo sviluppo di forme musicali sia concerti strumentali solisti che ensemble concerti orchestrali- concerto grosso (concerto grosso). Nel 1714 Vivaldi pubblicò un'altra opera di successo nel genere concertistico: "La stravanganza"

Anni erranti

Dopo una serie di vittorie, Vivaldi decide di prendersi una lunga vacanza, viaggia in Italia e in Europa. Ci fu un periodo in cui fu al servizio del governatore di Mantova, Philipp von Hesse-Homburg. Mentre era lì, Antonio ha incontrato la cantante Anna Giraud, che in seguito si è esibita come soprano nelle sue opere. Il loro rapporto era piuttosto stretto, Anna e sua sorella erano spesso compagne del compositore nei suoi viaggi.

Vivendo a Roma nel 1723-1724, il compositore ebbe l'opportunità di presentare la sua musica al Papa, dove fece una buona impressione su di lui.

Ad Amsterdam continua a pubblicare concerti. Il culmine della creatività fu una serie di 8 concerti, pubblicata nel 1725. Intitolata Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, la raccolta comprendeva concerti di fama internazionale chiamati Le quattro stagioni. Erano accompagnati da brevi versi che descrivevano schizzi stagionali, che Vivaldi cercava di ripetere nella sua musica. Altre opere di questa raccolta, come i concerti per violino Storm on the Sea e The Hunt, non erano meno pittoresche.
I concerti chiamati "Le quattro stagioni" di Vivaldi erano accompagnati da brevi poesie che descrivevano schizzi stagionali.

Il ciclo di concerti successivo, ultimo pubblicato, "La Cetra" fu pubblicato nel 1727. Questa collezione è stata dedicata all'imperatore austriaco Carlo VI, che Vivaldi incontrò a Vienna all'inizio degli anni '20. L'imperatore, essendo un compositore dilettante, rimase colpito dalle opere di Antonio.

Ciò è confermato nel resoconto del loro incontro nel 1728: “L'Imperatore parlò a lungo di musica con Vivaldi, dicono che in 15 giorni parlò in privato con lui più di quanto ne parlò con i suoi ministri in due anni”

È curioso che sotto il titolo "La Cetra" vi sia un secondo ciclo di 12 concerti, anch'esso dedicato all'imperatore, ma contenente una sola composizione comune. La musica in questa raccolta non è meno interessante della raccolta precedente, con la stessa alta qualità.

Ritorno a casa e periodo di declino

Dall'inizio degli anni '30 A. Vivaldi vive un periodo di lungo declino

Dall'inizio degli anni '30 la fama di Antonio Vivaldi conobbe un periodo di lungo declino. Nuovi compositori e nuovi stili musicali hanno catturato l'attenzione del pubblico. La sua lunga assenza da Venezia si fece sentire e non fu più in grado di tornare alle sue precedenti attività nella Pietà.

Morte di Antonio Vivaldi

Nel 1737 le sue opere furono bandite con il pretesto che, a causa del suo legame con Anna Giraud, non poteva più essere sacerdote. Ciò ha portato anche alla risoluzione del contratto con Pieta. Alla fine del 1740, stanco di un lungo isolamento, Vivaldi si recò a Vienna, ma poco prima dell'arrivo del compositore morì il suo amico, l'imperatore Carlo VI, e l'Austria precipitò nella guerra per la successione reale. Di conseguenza, non trovando sostegno alla fine della sua vita, Antonio Vivaldi morì il 28 luglio 1741 e fu sepolto come mendicante.

IN IVALDI (Vivaldi) Antonio (1678-1741), compositore italiano, violinista virtuoso. Il creatore del genere del concerto strumentale solista e, insieme ad A. Corelli, del concerto grosso. Il suo ciclo "Le stagioni" (1725) è uno dei primi esempi di programmazione in musica. St. 40 opere, oratori, cantate; concerti strumentali di varie composizioni (465), ecc.

Ha studiato violino con suo padre, Giovanni Battista Vivaldi, violinista al St. marca; forse composizione con Giovanni Legrenzi, forse studiò anche con Arcangelo Corelli a Roma.

18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco. Il 18 settembre 1700 fu elevato al grado di diacono. 23 marzo 1703 Vivaldi fu ordinato sacerdote. Il giorno dopo celebrò la prima messa indipendente nella chiesa di San Giovanni in Oleo. Per il colore dei suoi capelli, insolito per i veneziani, fu soprannominato il prete rosso. Il 1 settembre 1703 fu ammesso all'Orfanotrofio della Pietà come maestro nella classe di violino. Ordine dalla contessa Lucrezia Trevisan di servire 90 mattutini votivi nella Chiesa di San Giovanni in Oleo. Il 17 agosto 1704 riceve un'ulteriore ricompensa per l'insegnamento del gioco sulla viola d'amore. Dopo aver servito metà dei mattutini votivi, Vivaldi rifiuta per motivi di salute l'ordine di Lucrezia Trevisan. 1706 prima rappresentazione pubblica nel palazzo dell'ambasciata francese. Edizione della "Guida di Venezia", curata dal cartografo Coronelli, che cita il padre e il figlio di Vivaldi come virtuosi del violino. Trasferimento da piazza Bragora a una nuova casa più grande nella vicina parrocchia di San Provolo.

Nel 1723 il primo viaggio a Roma. 1724 - il secondo viaggio a Roma per la prima dell'opera Giustino. Udienza con Papa Benedetto XIII. 1711 pubblicazione di 12 concerti "L'estro armonico" ("Ispirazione armonica") op. 3.1725 op. VIII "Il Cimento dell'Armonia e dell'Invenzione. In questo ciclo "The Art of Harmony and Invention" o ("The Dispute of Harmony with Invention"), Op. 8 (circa 1720), che già allora fece un'impressione indelebile sugli ascoltatori con la sua violenta passione e innovazione, comprendeva ora quattro concerti di fama mondiale "Le quattro stagioni". Jean Jacques Rousseau, che all'epoca lavorava presso l'ambasciata francese a Venezia, apprezzava molto la musica di Vivaldi e amava eseguire alcune di queste ciclo sul suo flauto preferito.Famosi anche i concerti di Vivaldi - “La notte”, “Il cardellino” (fringuello), per flauto e orchestra, concerto per due mandolini RV532, caratterizzato da rappresentazione artistica e generosità armonica caratteristica di le sue opere, oltre alle opere spirituali: “Gloria”, “Magnificat”, “Stabat Mater”, “Dixit Dominus”.

Nel 1703-1725 fu maestro, poi direttore d'orchestra e capo dei concerti, e dal 1713 fu anche capo dell'orchestra e del coro dell'orfanotrofio "della Pietà" di Venezia, famoso per essere uno dei migliore scuole di musica per ragazze. Nel 1735 fu di nuovo maestro di banda per un breve periodo.

Vivaldi è il più grande rappresentante del violino italiano Arte XVIII secolo, che approvò un nuovo stile di spettacolo drammatizzato, cosiddetto "lombardo". Ha creato il genere del concerto strumentale solista, ha influenzato lo sviluppo della tecnica virtuosa del violino. Maestro dell'ensemble e concerto orchestrale - concerto grosso (concerto grosso). Set di Vivaldi per il concerto grosso in 3 parti forma ciclica, ha individuato la parte virtuosa del solista.

Anche durante la sua vita divenne noto come compositore, capace di creare un'opera in tre atti in cinque giorni e di comporre molte variazioni su un tema. Divenne famoso in tutta Europa come violinista virtuoso. Anche se il bonario Vivaldi Goldoni, dopo la morte del prete dai capelli rossi, ne parlò nelle sue memorie come di un compositore piuttosto mediocre. Per molto tempo Vivaldi è stato ricordato solo perché J.S. Bach ha fatto una serie di trascrizioni delle opere del suo predecessore, e solo nel XX secolo è stata intrapresa la pubblicazione di una raccolta completa delle opere strumentali di Vivaldi. I concerti strumentali di Vivaldi erano una tappa sulla strada per la formazione di una sinfonia classica. A Siena fu creato l'Istituto italiano intitolato a Vivaldi (diretto da F. Malipiero).

A metà maggio 1740 il musicista lascia definitivamente Venezia. Arrivò a Vienna in un momento sfortunato, l'imperatore Carlo VI era appena morto ed era iniziata la guerra di successione austriaca. Vienna non dipendeva da Vivaldi. Dimenticato da tutti, malato e senza mezzi di sussistenza, morì a Vienna il 28 luglio 1741. Il medico trimestrale ha registrato la morte del "reverendo don Antonio Vivaldi per infiammazione interna". Fu sepolto in un cimitero per i poveri per un modesto compenso di 19 fiorini e 45 kreuzer. Un mese dopo, le sorelle Margherita e Zanetta ricevono la notizia della morte di Antonio. Il 26 agosto l'ufficiale giudiziario ha dichiarato la sua proprietà in pagamento dei debiti.

I contemporanei lo criticavano spesso per il suo eccessivo entusiasmo per il palcoscenico dell'opera e per la fretta e l'illeggibilità mostrate allo stesso tempo. È curioso che dopo la produzione della sua opera "Furious Roland", gli amici abbiano chiamato Vivaldi, nientemeno che Dirus (lat. Furious). Patrimonio dell'opera compositore (circa 90 opere) non è ancora diventato proprietà del mondo palcoscenico dell'opera. Solo negli anni '90, Furious Roland è stato messo in scena con successo a San Francisco.

Il lavoro di Vivaldi ha avuto un enorme impatto non solo sui compositori italiani contemporanei, ma anche su musicisti di altre nazionalità, principalmente tedeschi. Qui è particolarmente interessante rintracciare l'influenza della musica di Vivaldi su J.S. Bach, il più grande compositore tedesco della prima metà del XVIII secolo. Nella prima biografia di Bach, pubblicata nel 1802, il suo autore, Johann Nikolaus Forkel, individuava il nome di Vivaldi tra i maestri che divennero oggetto di studio per il giovane Johann Sebastian. Il rafforzamento della natura strumentale-virtuosistica del tematismo di Bach nel periodo Köthen della sua opera (1717-1723) è direttamente correlato allo studio della musica di Vivaldi. Ma il suo impatto non si è manifestato solo nell'assimilazione e nell'elaborazione delle singole tecniche espressive, ma è stato molto più ampio e profondo. Bach ha preso lo stile di Vivaldi in modo così organico che è diventato il suo. linguaggio musicale. L'intima affinità con la musica di Vivaldi è palpabile nei più varie opere Bach fino alla sua famosa Messa "acuta" in si minore. L'influenza esercitata dalla musica di Vivaldi sul compositore tedesco fu indubbiamente enorme. Secondo A. Casella, "Bach è il suo più grande ammiratore e probabilmente l'unico che a quel tempo poteva comprendere tutta la grandezza del genio di questo musicista".

Composizioni
Più di 40 opere, tra cui "Roland - pazzo immaginario" (Orlando fiato pozzo, 1714, teatro "Sant'Angelo", Venezia), "Nerone che divenne Cesare" (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid.), "Incoronazione di Dario "(L'incoronazione di Daria, 1716, ibid.), "L'inganno trionfante in amore" (L'inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), "Farnace" (1727, ibid., detto poi anche "Farnace, dominatore del Ponto"), Cunegonda (1727, ibid.), Olimpiade (1734, ibid.), Griselda (1735, Teatro San Samuele, Venezia), Aristide (1735, ibid.), "Oracolo in Messenia" (1738, teatro" Sant'Angelo, Venezia), "Ferasp" (1739, ibid.); oratori - “Mosè, Dio del Faraone” (Moyses Deus Pharaonis, 1714), “Giuditta trionfante” (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), “Adorazione dei Magi” (L'Adorazione delli tre Re Magi, 1722 ), ecc.;
Autore di oltre 500 concerti, tra cui:
44 concerti per orchestra d'archi e basso continuo;
49 concerti grossi;
352 concerti per uno strumento accompagnato da orchestra d'archi e/o basso continuo (253 per violino, 26 per violoncello, 6 per viola d'amore, 13 per traverso, 3 per scanalature longitudinali, 12 per oboe, 38 per fagotto, 1 per mandolino);
38 concerti per 2 strumenti accompagnati da orchestra d'archi e/o basso continuo (25 per violino, 2 per violoncello, 3 per violino e violoncello, 2 per corni, 1 per mandolini);
32 concerti per 3 o più strumenti accompagnati da orchestra d'archi e/o basso continuo.

Una delle più opere famose- un ciclo di 4 concerti per violino "Le stagioni" - un primo esempio di musica sinfonica a programma. Il contributo di Vivaldi allo sviluppo della strumentazione è significativo (fu il primo a utilizzare oboi, corni, fagotti e altri strumenti come indipendenti e non duplicati).

Antonio Vivaldi è un eccezionale violinista e compositore, uno dei più brillanti rappresentanti dell'arte violinistica italiana del XVIII secolo. A differenza di Corelli, con la sua rara attenzione per pochi generi, il compositore-violinista Vivaldi, che ha scritto più di 500 concerti per varie composizioni e 73 sonate per vari strumenti, ha creato 46 opere, 3 oratori, 56 cantate, decine di opere di culto. Ma il genere preferito nel suo lavoro, ovviamente, era un concerto strumentale. Inoltre, i concerti grossi costituiscono solo poco più di un decimo dei suoi concerti: ha sempre preferito i lavori solistici. Oltre 344 sono scritti per uno strumento (con accompagnamento) e 81 per due o tre strumenti. Ci sono 220 concerti per violino tra i concerti da solista. Possedere sensazione acuta colore del suono, Vivaldi ha creato concerti per una varietà di composizioni.

Il genere del concerto ha particolarmente attratto il compositore con l'ampiezza del suo impatto, la sua accessibilità a un vasto pubblico, il dinamismo del ciclo in tre parti con una predominanza di tempi veloci, i contrasti di rilievo di tutti e soli e la brillantezza di presentazione virtuosa. Lo stile strumentale virtuoso ha contribuito alla luminosità complessiva delle impressioni dalla struttura figurativa dell'opera. Fu in questa interpretazione creativa che il concerto a quel tempo era il più grande e accessibile dei generi strumentali e tale rimase fino all'approvazione della sinfonia in vita concertistica.

Nell'opera di Vivaldi, il concerto ha acquisito per la prima volta una forma finita che ha realizzato le possibilità nascoste del genere. Ciò è particolarmente evidente nell'interpretazione inizio in solitaria. Se nel Concerto grosso di Corelli gli episodi solistici sono brevi, lunghi diverse battute, gli episodi solistici sono chiusi, allora in Vivaldi, nati da un volo di fantasia illimitato, sono costruiti in modo diverso: in una presentazione libera, vicina all'improvvisazione del loro parti, un virtuoso

la natura degli strumenti. Di conseguenza, la scala dei ritornelli orchestrali aumenta e l'intera forma acquisisce un carattere dinamico completamente nuovo, con una chiarezza funzionale enfatizzata delle armonie e un ritmo nettamente accentuato.

Come già accennato, Vivaldi possiede un numero enorme di concerti per vari strumenti, principalmente per violino. Durante la vita del compositore, furono pubblicati relativamente pochi concerti: 9 opere, di cui 5 opere coprono 12 concerti ciascuna e 4 6 ciascuna.Tutti, ad eccezione di 6 concerti op. 10 per flauto e orchestra, destinato a uno o più violini con accompagnamento. Pertanto, è stato pubblicato meno di 1/5 del numero totale di concerti di Vivaldi, il che è spiegato non solo dall'attività editoriale musicale insufficientemente sviluppata in quel momento. Forse Vivaldi ha deliberatamente impedito la pubblicazione dei suoi concerti più complessi e tecnicamente vantaggiosi, cercando di mantenere segreti i segreti delle capacità esecutive. (Più tardi, N. Paganini fece lo stesso.) È significativo che la stragrande maggioranza delle opere pubblicate dallo stesso Vivaldi (4, 6, 7, 9, 11, 12) sia costituita dai concerti per violino più facili in termini di esecuzione. L'eccezione sono le famose opere 3 e 8: op. 3 include i primi concerti pubblicati e quindi particolarmente significativi di Vivaldi, con la cui distribuzione cercò di stabilire la sua reputazione di compositore; dai 12 concerti op. 8–7 hanno nomi di programma e occupano un posto molto speciale nell'opera del compositore.

Dodici Concerti dall'op. 3, nominati dal compositore "Ispirazione armonica" ("L" Estro Armonico "), senza dubbio, erano ampiamente conosciuti molto prima della loro pubblicazione ad Amsterdam (1712). Ciò è confermato da copie manoscritte di singoli concerti situate in molte città europee. Caratteristiche di stile e originalità" la divisione "a due corni" delle parti orchestrali consente di attribuire l'emergere dell'idea del ciclo all'inizio del 1700, quando Vivaldi suonò nella Basilica di San Marco. Le parti orchestrali di ciascuna dei concerti sono sostenuti nella presentazione a 8 voci - 4 violini, 2 viole, violoncello e contrabbasso con cembalo (o organo); grazie a ciò, la sonorità orchestrale è divisa in due cori (in due cori), che successivamente si verifica estremamente raramente in Vivaldi. questo caso Composizioni “a due cori”, Vivaldi seguiva una lunga tradizione, che a quel tempo si era già completamente esaurita.

O. 3 riflette una fase di transizione nello sviluppo del concerto strumentale, quando le tecniche tradizionali coesistono ancora con le nuove tendenze. L'intera opera è suddivisa in 3 gruppi di 4 concerti, ciascuno secondo il numero di violini solisti utilizzati. Ce ne sono 4 nel primo gruppo, 2 nel secondo e uno nel terzo. I concerti per 4 violini, con una sola eccezione, non furono più creati successivamente. Questo gruppo di concerti, con la sua piccola dissezione di sezioni solistiche e tutti, è molto vicino al Concerto grosso di Corelli. Anche i concerti per due violini con ritornelli più sviluppati nell'interpretazione dell'inizio solista ricordano ancora per molti versi Corelli. E solo nei concerti per un violino gli episodi solisti ottengono uno sviluppo abbastanza completo.

I migliori concerti di quest'opera sono tra i più frequentemente eseguiti. Si tratta dei concerti in si minore per 4 violini, in la minore per 2 e in mi maggiore per uno. La loro musica avrebbe dovuto stupire i contemporanei con la novità della vita, espressa in immagini insolitamente vivide. Già oggi uno dei ricercatori ha scritto del penultimo episodio solista della III parte del doppio concerto in la minore: “Sembra che finestre e porte si siano aperte nella lussuosa sala di epoca barocca, e la natura libera sia entrata con un saluto; la musica risuona di un fiero maestoso pathos, non ancora familiare al XVII secolo: l'esclamazione di un cittadino del mondo.

Pubblicazione op. 3 segnò l'inizio del forte contatto di Vivaldi con gli editori di Amsterdam, e per meno di due decenni, fino alla fine del 1720, tutte le altre edizioni a vita dei concerti del compositore furono pubblicate ad Amsterdam. Alcune di queste opere hanno anche titoli, anche se non programmatici nel senso stretto del termine, ma utili a comprendere l'intenzione musicale dell'autore. Apparentemente riflettono la passione dei compositori per le associazioni figurative, caratteristica di quel periodo. Quindi 12 concerti per un violino con accompagnamento op. 4 si chiamano "La Stravaganza", che può essere tradotto come "eccentricità, stranezza". Questo titolo, forse, avrebbe dovuto sottolineare la straordinaria audacia del pensiero musicale insito in quest'opera. 12 concerti per uno e due violini con accompagnamento dall'op. 9 hanno il titolo "Lyra" ("La Cetra"), che ovviamente qui simboleggia arte musicale. Infine, la già citata op. 8 con i suoi 7 concerti in programma si intitola "The Experience of Harmony and Fantasy" ("II Cimento dell'Armonia e dell" Inventione "), come se l'autore volesse avvertire gli ascoltatori che questo è solo un modesto tentativo, una ricerca sperimentale in un'area di espressività musicale finora sconosciuta.

La pubblicazione dei concerti coincise con il periodo di massimo splendore delle attività di Vivaldi come violinista virtuoso e direttore dell'orchestra dell'Ospedale. IN anni maturi Durante la sua vita è stato uno dei violinisti più famosi in Europa di quel tempo. Le partiture pubblicate durante la vita del musicista non danno un quadro completo delle sue straordinarie capacità esecutive, che hanno svolto un ruolo enorme nello sviluppo della tecnica del violino. Si sa che in quell'epoca era ancora diffuso un tipo di violino con manico corto e tastiera piccola, che non permetteva l'uso di posizioni alte. A giudicare dalla testimonianza dei contemporanei, Vivaldi possedeva un violino con un manico particolarmente allungato, grazie al quale raggiunse liberamente la dodicesima posizione (in una delle cadenze dei suoi concerti, la nota più alta è il fa diesis della 4a ottava - per confronto , si nota che Corelli si è limitato ad utilizzare la 4a e 5a posizione).

Ecco come un suo contemporaneo descrive l'impressione sbalorditiva dell'esibizione di Vivaldi al Teatro Sant'Angelo il 4 febbraio 1715: nessuno ha mai saputo e mai potrà suonare; con incredibile velocità, eseguendo qualcosa di simile a una fuga su tutte e 4 le corde, si alzò con le dita della mano sinistra così in alto sul manico che erano separate dal leggio da una distanza non superiore allo spessore di una cannuccia, e c'era non c'è spazio per far suonare l'archetto sulle corde... " .

Nonostante possibili esagerazioni, questa descrizione sembra generalmente plausibile, il che è confermato dalle cadenze sopravvissute di Vivaldi (in totale sono noti 9 manoscritti delle sue cadenze). Rivelano in modo più completo lo straordinario talento tecnico di Vivaldi, che gli ha permesso di ampliare notevolmente le possibilità espressive non solo del violino, ma anche di altri strumenti. La sua musica per strumenti ad arco fa uso inventivo di nuove tecniche allora molto diffuse: suonare accordi con vari arpeggi, uso di posizioni alte, effetti di arco di staccato, lanci acuti, bariolage, ecc. I suoi concerti dimostrano che era un violinista con una tecnica ad arco altamente sviluppata, che includeva non solo uno staccato semplice e volante, ma anche sofisticate tecniche di arpeggio con sfumature insolite a quel tempo. La fantasia di Vivaldi nell'inventare varie opzioni per suonare gli arpeggi sembra inesauribile. Basti pensare al Larghetto di 21 battute della II parte del concerto in si minore op. 3, durante la quale vengono usati contemporaneamente tre tipi di arpeggio, alternativamente venendo alla ribalta.

Eppure il più punto forte Vivaldi il violinista era, a quanto pare, la straordinaria mobilità della mano sinistra, che non conosceva restrizioni nell'uso di nessuna posizione sulla tastiera.

Le peculiarità dello stile esecutivo di Vivaldi hanno dato il sigillo di un'originalità unica al modo di suonare dell'orchestra dell'Ospedale, che ha diretto per molti anni. Vivaldi ha raggiunto una straordinaria sottigliezza di gradazioni dinamiche, lasciando molto indietro tutto ciò che era noto in quest'area tra i suoi contemporanei. È importante anche che le esibizioni dell'orchestra dell'Ospedale si svolsero nella chiesa, dove regnava il più stretto silenzio, che permetteva di distinguere le minime sfumature di sonorità. (Nel XVIII sec musica orchestrale di solito accompagnava pasti rumorosi, dove non si poteva parlare di attenzione ai dettagli dell'esecuzione). non eseguibile. I ricercatori del lavoro di Vivaldi hanno scoperto che l'intera scala dinamica delle sue opere copre 13 (!) gradazioni di sonorità: dal pianissimo al fortissimo. L'applicazione coerente di tali sfumature ha effettivamente portato agli effetti del crescendo o del diminuendo, allora del tutto sconosciuti. (Nella prima metà del 18° secolo, il cambiamento di sonorità degli archi era di natura “a schiera”, simile a un cembalo o organo a più manuali.)

Dopo il violino, il violoncello attirò la massima attenzione di Vivaldi tra gli archi. Nella sua eredità sono stati conservati 27 concerti per questo strumento con accompagnamento. Il numero è sbalorditivo, poiché a quel tempo il violoncello era ancora usato molto raramente come strumento solista. Nel XVII secolo era conosciuto principalmente come strumento continuo, e solo all'inizio del secolo successivo entrò a far parte del gruppo dei solisti. I primi concerti per violoncello apparvero nel nord Italia, a Bologna, ed erano indubbiamente familiari a Vivaldi. I suoi numerosi concerti testimoniano una comprensione profondamente organica della natura dello strumento e della sua interpretazione innovativa. Vivaldi evidenzia con audacia i toni bassi del violoncello, che ricordano il suono di un fagotto, a volte limitando l'accompagnamento a un continuo per migliorare l'effetto. Le parti solistiche dei suoi concerti contengono notevoli difficoltà tecniche, che richiedono all'esecutore una grande mobilità della mano sinistra.

A poco a poco, Vivaldi introduce nuove tecniche di esecuzione del violino nelle parti del violoncello: ampliamento del numero di posizioni, staccato, lancio dell'arco, utilizzo di corde non adiacenti in movimento veloce, ecc. L'alto livello artistico dei concerti per violoncello di Vivaldi consente di classificarli tra gli esempi più eclatanti questo genere. Il lavoro del compositore abbraccia due 10 anni, particolarmente significativi per la formazione di un nuovo strumento, i 10 anni che precedono la comparsa delle suite per violoncello solo di Bach (1720).

Affascinato dalle nuove varietà di archi, Vivaldi non prestò quasi alcuna attenzione alla famiglia delle viole. L'unica eccezione è la viola d'amore (lett. - viola dell'amore), per la quale ha scritto sei concerti. Vivaldi era attratto, senza dubbio, dal dolce suono argenteo di questo strumento, creato dagli armonici di corde metalliche risonanti (aliquote) tese sotto il leggio. La viola d'amore viene ripetutamente utilizzata come indispensabile strumento solista nelle sue opere vocali (in particolare, in una delle migliori arie oratorio Giuditta. Vivaldi scrisse anche un concerto per viola d'amore e liuto.

Di particolare interesse sono i concerti di Vivaldi per strumenti a fiato - legni e ottoni. Qui è stato uno dei primi a rivolgersi a nuove varietà di strumenti, ponendo le basi per il loro repertorio moderno. Creando musica per strumenti che erano al di fuori della portata della propria pratica esecutiva, Vivaldi ha scoperto un'ingegnosità inesauribile nell'interpretare le loro possibilità espressive. I suoi concerti per fiati presentano ancora seri requisiti tecnici per gli esecutori.

Il flauto è ampiamente utilizzato nell'opera di Vivaldi. All'inizio del XVIII secolo ne esistevano due varietà: longitudinale e trasversale. Vivaldi ha scritto per entrambi i tipi di strumento. Particolarmente significativo è il suo contributo alla creazione di un repertorio per flauto traverso come strumento da concerto solista. Nota che non c'erano praticamente composizioni da concerto per lei. I flautisti suonavano spesso brani destinati al violino o all'oboe. Vivaldi è stato uno dei primi a creare concerti per flauto traverso, che hanno rivelato nuove possibilità espressive e dinamiche per il suo suono.

Oltre alle due varietà principali dello strumento, Vivaldi scrisse anche per il flautino, un flauto apparentemente simile al moderno flauto ottavino. Vivaldi prestò grande attenzione all'oboe, che occupava un posto d'onore nelle orchestre d'opera del XVII secolo. L'oboe era particolarmente usato nella "musica all'aperto". Sono sopravvissuti 11 concerti di Vivaldi per oboe e orchestra e 3 concerti per due oboi. Molti di loro sono stati pubblicati durante la vita del compositore.

In 3 concerti per strumenti vari (“con molti Istromenti”) Vivaldi utilizzò il clarinetto, allora ancora nella fase sperimentale del suo sviluppo. Il clarinetto è incluso anche nella partitura dell'oratorio Judith.

Vivaldi ha scritto incredibilmente molto per il fagotto - 37 recital con accompagnamento. Inoltre, il fagotto è utilizzato in quasi tutti i concerti da camera, nei quali è solitamente abbinato al timbro del violoncello. L'interpretazione del fagotto nei concerti di Vivaldi è caratterizzata dall'uso frequente di registri bassi e spessi e da un rapido staccato, che richiede una tecnica altamente sviluppata da parte dell'esecutore.

Molto meno spesso dei legni, Vivaldi si è rivolto agli ottoni, il che si spiega con la difficoltà di usarli in quel momento in un concerto da solista. Nel XVIII secolo la scala degli ottoni era ancora limitata ai toni naturali. Pertanto, nei concerti da solista, le parti di ottoni di solito non andavano oltre il do e il re maggiore, e agli archi erano affidati i necessari contrasti tonali. Il concerto per due trombe ei due concerti per due corni e orchestra di Vivaldi mostrano la notevole capacità del compositore di compensare i limiti della scala naturale con l'aiuto di frequenti imitazioni, ripetizioni di suoni, contrasti dinamici e tecniche simili.

Nel dicembre 1736 sorsero due concerti di Vivaldi per uno e due mandolini e orchestra. Grazie all'orchestrazione trasparente con pizzicato frequente, raggiungono un'unità organica con il timbro degli strumenti solisti, pieni di fascino incantevole del suono. Il mandolino ha attirato l'attenzione di Vivaldi con il suo timbro colorato e come strumento di accompagnamento. In una delle arie dell'oratorio Judith, il mandolino era usato come strumento obbligatorio. Parti di due mandolini sono incluse nella partitura di un concerto eseguito all'Ospedale nel 1740.

Degli altri strumenti a pizzico, Vivaldi usava il liuto, usandolo in due dei suoi concerti. (Oggi, la parte del liuto viene solitamente suonata con la chitarra.)

Essendo un violinista per vocazione, Vivaldi il compositore, in sostanza, ha sempre seguito gli schemi della cantilena del violino. Non sorprende che non usasse quasi mai le tastiere come strumenti solisti, sebbene conservasse invariabilmente la funzione continua per loro. Un'eccezione è il concerto in do maggiore per più strumenti con due chambalos solisti. Vivaldi era molto interessato a un altro strumento a tastiera: l'organo, con il suo ricco suono e la sua tavolozza di colori. Sono noti sei concerti di Vivaldi con organo solista.

Affascinato dalle diverse possibilità della nuova forma di concerto solista, Vivaldi ha cercato di utilizzarlo in composizioni per ensemble della composizione più diversa. Ha scritto soprattutto molto per due o più strumenti con accompagnamento orchestrale - sono noti in totale 76 dei suoi concerti di questo tipo. A differenza del Concerto grosso, con il suo solito gruppo di tre solisti - due violini e un basso continuo, queste composizioni rappresentano un tipo completamente nuovo di concerto d'insieme. Le loro sezioni solistiche utilizzano i gruppi di strumenti più vari per composizione e numero, fino a dieci partecipanti; nello sviluppo, i singoli solisti vengono alla ribalta o domina la forma del dialogo strumentale.

Vivaldi ha anche ripetutamente fatto riferimento al tipo di concerto orchestrale, in cui predomina la sonorità di tutti, intervallata solo da esecuzioni di singoli solisti. Sono note 47 opere di questo tipo, le cui idee erano molto in anticipo sui tempi. Diede vari titoli i suoi concerti orchestrali, designandoli come "Sinfonia", "Concerto", "Concerto a quattro" (per quattro) o "Concerto ripieno" (tutti).

Un gran numero di concerti orchestrali di Vivaldi parla del suo costante interesse per questa varietà del genere. Apparentemente, il lavoro in "Ospedale" lo ha costretto a utilizzare spesso tali forme di produzione musicale, che non richiedevano solisti di prima classe.

Infine, i concerti da camera di Vivaldi per diversi solisti senza accompagnamento orchestrale formano un gruppo speciale. Fanno un uso particolarmente ingegnoso delle possibilità di combinare strumenti di diversa natura. Le 15 opere di questo genere comprendono anche i già citati 4 concerti dall'op.10 della prima edizione.

Lo sviluppo del concerto solista (principalmente il concerto per violino) è merito di A. Vivaldi, il cui principale campo di creatività era musica strumentale. Tra i suoi numerosi concerti, i concerti per uno o due violini e orchestra occupano un posto centrale.

Importanti acquisizioni furono fatte da Vivaldi nel campo dello sviluppo tematico e della forma compositiva. Per le prime parti dei suoi concerti, ha finalmente sviluppato e stabilito una forma vicina al rondò, che è stata successivamente adottata da J.S. Bach, così come i compositori classici.

Vivaldi ha contribuito allo sviluppo della tecnica virtuosistica del violino, stabilendo un nuovo stile drammatico di esecuzione. Lo stile musicale di Vivaldi si distingue per generosità melodica, dinamismo ed espressività del suono, trasparenza della scrittura orchestrale, armonia classica unita alla ricchezza emotiva.

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Uno dei maggiori rappresentanti dell'era barocca, A. Vivaldi è entrato nella storia della cultura musicale come creatore del genere del concerto strumentale, fondatore della musica a programma orchestrale. L'infanzia di Vivaldi è legata a Venezia, dove suo padre lavorava come violinista nella Cattedrale di San Marco. La famiglia ebbe 6 figli, di cui Antonio era il maggiore. Non ci sono quasi dettagli sugli anni dell'infanzia del compositore. Si sa solo che ha studiato violino e clavicembalo.

Il 18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco e il 23 marzo 1703 fu ordinato sacerdote. Allo stesso tempo, il giovane ha continuato a vivere a casa (presumibilmente a causa di una grave malattia), che gli ha dato l'opportunità di non lasciare le lezioni di musica. Per il colore dei suoi capelli, Vivaldi fu soprannominato il "monaco rosso". Si presume che già in questi anni non fosse troppo zelante per i suoi doveri di sacerdote. Molte fonti raccontano la storia (forse inaffidabile, ma rivelatrice) di come un giorno, durante il servizio, il "monaco dai capelli rossi" lasciò frettolosamente l'altare per scrivere il tema della fuga, che gli venne improvvisamente in mente. In ogni caso, i rapporti di Vivaldi con gli ambienti clericali continuarono a infiammarsi e ben presto, adducendo la sua cattiva salute, si rifiutò pubblicamente di celebrare la messa.

Anche prima del nuovo incarico, Vivaldi si affermò non solo come insegnante, ma anche come compositore (principalmente autore di musica sacra). Parallelamente al suo lavoro alla Pietà, Vivaldi è alla ricerca di opportunità per pubblicare i suoi scritti secolari. 12 sonate in trio op. 1 furono pubblicati nel 1706; nel 1711 la più famosa raccolta di concerti per violino "Harmonic Inspiration" op. 3; nel 1714 - un'altra raccolta chiamata "Extravagance" op. 4. I concerti per violino di Vivaldi divennero ben presto molto conosciuti nell'Europa occidentale e specialmente in Germania. Grande interesse per loro è stato mostrato da I. Quantz, I. Mattheson, il grande J. S. Bach "per piacere e istruzione" ha arrangiato personalmente 9 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. Negli stessi anni Vivaldi scrive le sue prime opere Otto (1713), Orlando (1714), Nerone (1715). Nel 1718-20. vive a Mantova, dove scrive principalmente opere per il periodo carnevalesco, oltre a composizioni strumentali per la corte ducale mantovana.

Nel 1725 uscì di stampa una delle opere più famose del compositore, recante il sottotitolo "L'esperienza dell'armonia e dell'invenzione" (op. 8). Come i precedenti, la raccolta è composta da concerti per violino (ce ne sono 12 qui). I primi 4 concerti di quest'opera sono chiamati dal compositore, rispettivamente, "Primavera", "Estate", "Autunno" e "Inverno". Nella pratica esecutiva moderna, sono spesso combinati nel ciclo "Stagioni" (non esiste un titolo del genere nell'originale). Apparentemente, Vivaldi non era soddisfatto delle entrate derivanti dalla pubblicazione dei suoi concerti, e nel 1733 disse a un certo viaggiatore inglese E. Holdsworth della sua intenzione di abbandonare ulteriori pubblicazioni, poiché, a differenza dei manoscritti stampati, le copie scritte a mano erano più costose. Da allora, infatti, non sono apparse nuove opere originali di Vivaldi.

Fine anni '20 - '30. spesso indicati come "anni di viaggio" (preferiti a Vienna e Praga). Nell'agosto 1735 Vivaldi tornò alla carica di maestro di banda dell'orchestra della Pietà, ma al comitato direttivo non piacque la passione per i viaggi del suo subordinato e nel 1738 il compositore fu licenziato. Allo stesso tempo, Vivaldi ha continuato a lavorare duramente nel genere dell'opera (uno dei suoi librettisti era il famoso C. Goldoni), mentre ha preferito partecipare personalmente alla produzione. Tuttavia, le rappresentazioni operistiche di Vivaldi non ebbero particolare successo, soprattutto dopo che il compositore fu privato della possibilità di recitare come regista delle sue opere al teatro di Ferrara a causa del divieto del cardinale di entrare in città (il compositore fu accusato di storia d'amore con Anna Giraud, sua ex allieva, e il rifiuto del "frate dai capelli rossi" di celebrare messa). Di conseguenza, la prima dell'opera a Ferrara fallì.

Nel 1740, poco prima della sua morte, Vivaldi fece il suo ultimo viaggio a Vienna. Le ragioni della sua improvvisa partenza non sono chiare. Morì nella casa della vedova di un sellaio viennese di nome Waller e fu sepolto mendicante. Subito dopo la sua morte, il nome dell'eccezionale maestro fu dimenticato. Quasi 200 anni dopo, negli anni '20. 20 ° secolo Scoprì il musicologo italiano A. Gentili collezione unica manoscritti del compositore (300 concerti, 19 opere, composizioni vocali spirituali e profane). Da questo momento inizia un autentico revival dell'antico splendore di Vivaldi. La casa editrice musicale "Ricordi" nel 1947 iniziò a pubblicare raccolta completa opere del compositore, e la compagnia "Philips" ha recentemente iniziato ad attuare un piano non meno grandioso: la pubblicazione di "tutto" Vivaldi su disco. Nel nostro Paese Vivaldi è uno dei compositori più eseguiti e più amati. Veliko patrimonio creativo Vivaldi. Secondo l'autorevole catalogo tematico-sistematico di Peter Ryom (designazione internazionale - RV), copre più di 700 titoli. Il posto principale nell'opera di Vivaldi era occupato da un concerto strumentale (per un totale di circa 500 conservati). Lo strumento preferito del compositore era il violino (circa 230 concerti). Inoltre, ha scritto concerti per due, tre e quattro violini e orchestra e basso continuo, concerti per viola d'amour, violoncello, mandolino, flauti longitudinali e traversi, oboe, fagotto. Continuano più di 60 concerti per orchestra d'archi e basso, sono note sonate per vari strumenti. Delle oltre 40 opere (la cui paternità di Vivaldi è stata stabilita con certezza), solo la metà di esse è sopravvissuta. Meno popolari (ma non per questo meno interessanti) sono le sue numerose composizioni vocali: cantate, oratori, opere su testi spirituali (salmi, litanie, "Gloria", ecc.).

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