Kristina Krasnyanskaya: “Se mi avessero detto che sarebbe stato COSÌ, non ci avrei mai creduto. Questo mobile è da collezione?

Collezionare opere d'arte è un hobby d'élite, che implica non solo una seria educazione nel campo della storia dell'arte, ma anche un gusto impeccabile.
Kristina Krasnyanskaya, critica d'arte, membro corrispondente dell'Accademia Internazionale di Cultura e Arte, proprietaria della galleria di Mosca "Heritage", ci ha raccontato se è possibile coltivare il buon gusto da soli e come imparare a creare collezioni d'arte .

• Cristina, cos'è per te il “buon gusto”?
• Il buon gusto è l'arte di essere in armonia con l'ambiente. Guidati dal gusto, possiamo scegliere cosa entrerà a far parte della nostra vita e cosa no. È come costruire una buona collezione. La capacità di scegliere e trovare corrispondenze determina la formazione del nostro contesto di vita personale. Una persona di buon gusto esiste sempre e si sente nel luogo e nel tempo, perché cerca l'armonia tra il mondo esterno e quello interno.
• Secondo te il buon gusto si può coltivare?
• Certo, il buon gusto è un tratto che viene instillato fin dall'infanzia. Se una persona dal vero gioventù conosce la bellezza e gli eterni canoni della bellezza, è molto più facile per lui sviluppare un buon gusto. Il buon gusto non è una qualità innata, piuttosto è il risultato di un lavoro su se stessi. Ampliando costantemente i tuoi orizzonti e scoprendo cose nuove, miglioriamo il tuo gusto. Il buon gusto è spesso associato al senso dello stile, anche se sono due concetti completamente diversi, come la moda e l'arte.
• E cosa è più importante nella formazione di collezioni private: il gusto o la moda?
• Le leggi della moda esistono in tutti i tipi di attività umana. Ma la moda è sempre condizionata. Nonostante il fatto che l'arte della moda sia incredibilmente richiesta in un momento particolare, ciò non la rende più attraente in termini di formazione della collezione. Ci sono criteri molto più importanti nella scelta delle opere da collezionare e, prima di tutto, questo è il valore artistico dell'opera. Oggi è estremamente di moda collezionare arte contemporanea, ma questo non significa affatto collezionisti Arte XIX Le età hanno cattivo gusto...
• Il gusto di un professionista e di un collezionista alle prime armi molto spesso non coincidono. Come ti comporti in tali situazioni: instilla un gusto nei clienti o cerca di abbinarli le loro aspirazioni?
• Cerco sempre di ascoltare i desideri e la visione dei miei clienti, tuttavia, senza nascondere loro la mia opinione. Di norma, tutti iniziano a collezionare dai classici, guidati dalle idee ricevute nelle antologie e nei cataloghi dei musei. Ma conservatorismo nel collezionare - non sempre un segno buon sapore. Arte astratta- questa è l'evoluzione che attraversa prima l'artista e poi lo spettatore. Questa arte richiede una formazione, esperienza e istruzione speciali. Devi arrivarci, espandendo gradualmente la tua visione, o potresti non venire mai.
• Come arte Moderna influenzare il gusto del pubblico?
• In ogni momento, le belle arti hanno formato sia i canoni della bellezza che i tipi alla moda. L'arte contemporanea lo fa in modo più intenso ed eclettico, parlando di tante cose allo stesso tempo. Oggi c'è una tendenza verso una sintesi delle arti, quando il teatro si unisce alla musica, la pittura al disegno, le videoinstallazioni. e cinematografia. L'arte ci mostra il suo atteggiamento nei confronti dei processi in atto nella società e aiuta a determinare il nostro atteggiamento nei suoi confronti. Quanto brillante e interessante risulta dipende dal talento e dall'abilità dell'artista.
• Il cattivo gusto in arte è...?
• Oltraggioso. Quando a un artista manca l'ispirazione o la scuola per farsi conoscere dal mondo, ricorre allo scioccante. Attraverso il lavoro di alcuni associazioni creative, moderno Arte russaè diventato molto spesso associato a scioccante. Fortunatamente, oltre allo scioccante, in Russia ce ne sono molti interessanti artisti contemporanei basato sulle ricche tradizioni della scuola di pittura russa. Senza dubbio, un giorno il loro lavoro diventerà proprietà del grande pubblico, ma anche adesso il loro lavoro è un oggetto da collezione.
• Quale opera di un artista è per te un esempio di gusto impeccabile?
• Questa è una domanda molto ampia. Artisti come Van Gogh, Marc Chagall, Konstantin Korovin avevano un senso dello stile incredibilmente forte. Per me personalmente, una fonte inesauribile di ammirazione è il lavoro del conte d'avanguardia russo Andrey Lansky, un artista russo che ha lasciato la sua patria negli anni Rivoluzione d'ottobre e ottenne un ampio riconoscimento in Occidente. Le sue astrazioni liriche sono una raffinata pittura intellettuale, piena di energia "colore-luce". Oggi il lavoro di Lansky sta finalmente ottenendo il meritato riconoscimento nella sua terra natale, che testimonia anche l'evoluzione del gusto pubblico in Russia ...
  (Dal sito della galleria):
  Le principali attività della galleria d'arte internazionale "Heritage" sono l'arte dell'emigrazione russa della prima metà del XX secolo e l'arte russa contemporanea.
  Consapevole della responsabilità che grava sul lavoro della galleria con opere arte di tale livello come "Diaspora russa", ci sforziamo di essere il più esigenti possibile nel nostro lavoro con l'arte contemporanea. L'arte moderna russa e occidentale è rappresentata nella galleria "Heritage" da artisti le cui opere sono nelle collezioni di diversi musei mondiali.
  Molti partecipanti ai nostri progetti espositivi sono membri dell'Unione degli artisti dell'URSS e della Russia, studenti di tali giganti pittura moderna, come Varvara Bubnova (membro dell'Unione della Gioventù, Fante di Quadri, Coda d'asino, esibito con Malevich, Tatlin e Rodchenko), Vasily Sitnikov (rappresentante dell '"arte non ufficiale, fondatore della sua scuola), Heinrich Ludwig (rappresentante del avanguardia Architettura sovietica anni '20).
  Ogni presentata nella nostra galleria di opere porta un innegabile valore artistico, rendendo l'arte contemporanea degna del collezionismo d'élite e regalandoci sempre gioia dal contatto con il bello.
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  Kristina Krasnyanskaya (38 anni): figlia del comproprietario di Eurocement Group Georgy Krasnyansky (una fortuna di 1,5 miliardi di cu).
  Galleria del Patrimonio

Dal 21 febbraio al 30 aprile nella galleria di Mosca Eredità avrà luogo la mostra "Postcostruttivismo, ovvero la nascita dell'Art Déco sovietico: Parigi - New York - Mosca" tracciando parallelismi e cercando intersezioni e influenze nell'arte, nell'architettura e nel design in Russia, America e Francia negli anni '20 e '30. Con questa esposizione la galleria festeggia i suoi 10 anni, alla vigilia del suo fondatore Christina Krasnyanskaya ha raccontato ad ARTANDHOUSES le differenze tra collezionisti e investitori, la fiducia nel "passaparola" e i vantaggi dei consulenti d'arte.

Negli ultimi anni hai realizzato diversi progetti museali in Russia, ma le notizie sul lavoro della galleria sono arrivate principalmente dall'estero, sulla partecipazione a. Perché?

C'è stato un periodo in cui c'erano molti progetti: mi sono occupato di tutto ed era importante per me che le attività espositive attive fossero costantemente svolte. Questo è meno rilevante ora per diversi motivi. Nel tempo, dopotutto, la quantità si trasforma in qualità e non prendi tutto. Realizziamo progetti piuttosto complessi che richiedono una preparazione piuttosto lunga, in particolare con la raccolta del materiale. Pertanto, farne molti e spesso non funziona, e fare qualcosa di semplice non mi interessa.

È successo così che le attività della galleria da un focus sugli artisti russi all'estero - anche se sottolineo che non dimentichiamo questa direzione e includiamo opere in mostre - sono fluite senza problemi al tema del design sovietico. Ma le mostre recenti sono comunque molto più ampie: comprendono non solo il design, ma anche la pittura, la grafica e l'architettura. Mi piace che siano saturi, eclettici, vedo che questa tendenza espositiva è supportata da altre. Perché quando hai questo tipo di esposizione, puoi vedere non solo qualcosa fuori dal contesto, ma l'intero contesto in una volta.

Per questo, seguendo le tendenze, hai iniziato a lavorare con artisti contemporanei?

Certo, la galleria giusta dovrebbe avere un certo focus, ma nonostante il fatto che ci stiamo concentrando sulla prima metà del 20° secolo, sono felice di sostenere gli artisti contemporanei. Alcuni di loro li aiuto anche con la promozione in Occidente: l'anno prima ho curato un progetto dello scultore Alexei Morozov al Museo Archeologico di Napoli. E l'anno scorso è stata co-curatrice della mostra di Oksana Mas al Museo MAGA vicino a Milano, dove le sue opere sono state incluse nell'esposizione dei maestri dell'arte povera - Fontana, Castellani e altri. A proposito, i mecenati di questo museo sono la famiglia Missoni, e ora ho l'idea di fare una mostra sulla loro casa di moda a Mosca.

William Klein
"Tatiana, Mary Rose e cammelli, picnic, Marocco"
1958

La tua galleria ha 10 anni. Pensi che sia troppo o troppo poco per una galleria in Russia?

Considerando il mercato e la situazione politica, penso che questo sia decente. Nel contesto mondiale, ovviamente, non è abbastanza, ma per il nostro russo è sufficiente. Soprattutto ricordando che in questo periodo abbiamo vissuto diverse crisi.

In che modo la tua galleria è sopravvissuta alla crisi?

Il primo è molto facile. Ha piuttosto toccato l'internazionale case d'asta, perché la crisi era davvero globale e la gente non voleva dare cose per la vendita pubblica. La seconda è più dura, perché era legata ai nostri collezionisti, alle nostre vicende politiche ed economiche. Pertanto, si è verificata una sorta di rotazione: le persone che hanno acquistato molto arte e attivamente, per un motivo o per l'altro, smettono di acquistare, ma compaiono nuovi acquirenti. La nostra attività è progettata in modo tale che la galleria debba essere un organismo flessibile e adattarsi alle circostanze. È sempre stato interessante per me mantenere un equilibrio tra aspetti commerciali e curatoriali.

Ricordo che qualche anno fa ti lamentavi della mancanza di un art director in galleria. L'hai trovato o continui a fare tutto da solo?

Sfortunatamente, continuo ad esserlo anch'io, anche se penso regolarmente che una persona del genere apparirà.

Tornando al passato... Hai una formazione economica e storia dell'arte. Sei andato apposta a studiare come critico d'arte per poi aprire una galleria?

SÌ. Poi ho già lavorato in una galleria privata tipo chiuso presso i loro conoscenti. Si è specializzata in pittura classica, e con il mio arrivo hanno cominciato ad occuparsi anche di arte moderna. È stato un grande momento! Un tale campo di manovra, dove ho potuto studiare dall'interno come funziona la galleria e in generale questo business. Ad un certo punto, lì si sono sviluppate persino circostanze che dovevo impegnarmi attivamente nelle vendite, gestire gli affari finanziari della galleria. Quindi era una scuola così buona.

Ib Kofod Larsen, sedia leggera, 1950 / Borge Mogensen, divano, 1962

Perché hai deciso di realizzare inizialmente anche una galleria chiusa?

Semplicemente non credo che abbiamo collezionisti che camminano per strada guardando attraverso le finestre. Mi sembra che nel nostro Paese il tema del collezionismo sia ancora chiuso, e il “passaparola”, l'autorità acquisita tra i collezionisti, funziona meglio qui quando tornano da te e ti consigliano. Questa è probabilmente la migliore pubblicità di sempre.

Cioè, i nostri stessi galleristi continuano a mantenere un'aura di elitarismo nel collezionismo e creano una sorta di magia intorno?

Credo che collezionare sia magia. E dico sempre che il club dei collezionisti è un club chiuso e, appunto, il destino dell'élite. Perché non basta avere tanti soldi e la possibilità di acquistare costosi oggetti d'arte, non basta nemmeno leggere libri, andare a mostre e fiere, o procurarsi qualche tipo di educazione speciale. Dopotutto, capisci che non tutte le persone sono pronte e non tutti sono contagiati da questo spirito di raccolta. Anche chi acquista qualcosa non diventa necessariamente un collezionista. I veri collezionisti sono persone molto complesse. E, a dire il vero, per certi versi anche ossessionato. Lo vivono e percepiscono l'arte in un modo completamente diverso. Perché l'arte è una categoria condizionale. Non è tra gli essenziali, nemmeno tra gli beni di lusso, come un'auto di lusso, grandi diamanti, uno yacht o una casa sulla Costa Azzurra. Questo è quello che devi sentire con il cuore, quello che devi avere “occhio” e gusto. Sì, puoi, passeggiando per mostre, memorizzare nomi e destinazioni popolari, ma non tutti sono interessati a comprendere l'arte e il collezionismo, studiandone a fondo le sottigliezze. E non tutti ne sono capaci. Dunque, il club di queste persone contagiate dal “bacillo” del collezionismo, che amano cucinarci dentro, che sono gelose degli acquisti reciproci e seguono le cose da anni, che amano donare il loro lavoro ai musei, perché “vivano ” una sorta di vita propria e guadagna provenienza, chiuso. Per accedervi non basta avere i soldi. Inoltre, ci sono collezioni famose in cui le persone acquistavano opere per niente per soldi favolosi, avevano solo un buon istinto e conoscenza e buoni consulenti.

Hai appena descritto la figura di quello che probabilmente è il canonico collezionista appassionato. Si scopre che non consideri collezionisti coloro che raccolgono a scopo di investimento?

Dico sempre: ci sono acquirenti e ci sono collezionisti. Gli acquirenti sono coloro che acquistano arte per la casa, per un regalo, a volte sotto l'influenza delle emozioni, cosa che accade soprattutto nelle fiere. E ci sono i collezionisti, un'altra categoria, per niente mitologica. Nel nostro paese, ad esempio, ci sono dieci di queste persone.

Chi acquista a scopo di investimento è semplicemente un investitore. Certo, un sacco di soldi girano nell'arte e molte persone vogliono investirci per ottenere entrate extra in seguito. Ma per questo, devi conoscere molto bene questo mercato, seguirlo non meno del mercato azionario o avere un consulente esperto nelle vicinanze. Meglio ancora, l'uno e l'altro. Ebbene, in generale, credo che esistano attività più redditizie e meno rischiose rispetto all'investimento nell'arte.

Una volta con Matthew Stevenson, allora capo della filiale russa di Christie's, abbiamo tenuto una conferenza su come collezionare in modo tale che l'arte fosse sempre liquida. C'erano cinque principi di base.

Puoi dar loro voce?

Il primo è il nome. Non stiamo parlando ora di investire in arte emergente(arte giovane), ma stiamo parlando del fatto che una persona vorrebbe investire i propri soldi e, se non aumentarli, almeno salvarli. Questa dovrebbe essere la prima riga di nomi.

Il secondo è il periodo. Perché ogni artista ha un periodo di prosperità, ma ce ne sono di meno interessanti: l'inizio, quando non si è ancora formato, il declino della creatività. È importante capire che stai acquistando il periodo migliore di questo autore.

Terzo, la trama. Dovrebbe esserci una trama riconoscibile che caratterizza questo artista e tutte le sue, diciamo, patatine dovrebbero essere nell'opera. Se hai davanti a te l'opera di Picasso e non sai che è la sua mano, non hai bisogno di comprare in termini di investimento.

Quarto: molto parametro interessante. C'è un tale concetto: potere del muro. Ciò significa che il lavoro deve essere efficace. Anche, ad esempio, se questo è un dipinto del compianto Magritte, non il periodo migliore, ma se è spettacolare, allora può essere ben realizzato in futuro.

E l'ultimo punto è lo stato del lavoro e la provenienza. Qui bisogna guardare alla sicurezza del lavoro, all'intervento o meno dei restauratori. E la sua provenienza: a chi apparteneva, dove è stata esposta, o in quale autorevole galleria è stata acquisita.

Se segui queste semplici regole, allora, mi sembra, il successo dei tuoi investimenti è garantito.

Davide Dubois
Tavolo cinghia
2014

Perché, allora, saranno necessari consulenti d'arte?

Beh, non è così facile usare queste regole (ride). Devi dedicare un'enorme quantità di tempo allo studio dei problemi e per ogni artista separatamente. E per acquisire la quantità necessaria di informazioni, probabilmente dovrai disconnetterti completamente dalla tua attività principale.

Come è nato il nome della tua galleria?

È molto semplice: volevo dare un nome che, da un lato, fosse internazionale e, dall'altro, portasse un significato. E la parola "patrimonio" sembrava universale, come si suol dire, con un buon karma.

Hai iniziato con artisti russi all'estero, ora sei passato al design sovietico - tutta la nostra eredità, sì. E perché hanno iniziato a portare qui cose di designer stranieri?

Anche quando ho iniziato, mi sono reso conto che nel nostro Paese la nicchia chiamata "design da collezione" non è affatto riempita. E molti anni fa ho fatto una mostra di sole cose occidentali di questo tipo. Ha mostrato lì i migliori oggetti da manuale, sia antichi che di tutto il XX secolo fino ai designer moderni Martin Bas e Fabio Novembre. Ero interessato a vedere la reazione delle persone, ma poi pochi erano pronti per questo. Oggi, fortunatamente, ci sono già alcune persone che fanno cose del genere.

Noi, in particolare in questa mostra dedicata all'anniversario della galleria, ci concentriamo sul design sovietico in un ampio contesto internazionale: stiamo cercando di mostrare come l'America e la Francia hanno influenzato l'URSS, cosa ci è arrivato da lì e cosa è autentico in Soviet progetto.

Mostri attivamente il design sovietico in Occidente. Come reagiscono i collezionisti locali?

I musei occidentali sono molto interessati e io sono in una serie di discorsi su una mostra. E ai collezionisti piace, ma si comportano con cautela: c'è pochissima letteratura su questo all'estero. Anche se, oltre agli acquirenti russi, abbiamo clienti dalla Germania e dalla Svizzera, un francese con radici russe e, spero, apparirà dall'Italia.

Top model, conduttrice televisiva e attrice. Dopo aver ricevuto il titolo di "Best comers girl in Russia" secondo Fashion TV, è volata alla conquista di Parigi. E ci è riuscita: Polina ha firmato contratti con le Case Dior, Roberto Cavalli, Jitrois, Levi's. E come modella di bellezza, Polina è riuscita a lavorare con L'Oreal e Feraud, diventando il volto di campagne pubblicitarie di successo per marchi famosi.

Un paio di mesi fa, ero a un evento dedicato all'apertura di una mostra del famoso artista russo all'estero Georgy Artemov in Heritage. Tutta la Mosca bohémien e le persone influenti della capitale si sono riunite in questa galleria. Siamo stati accolti dal proprietario della galleria, il cui nome è ampiamente conosciuto negli ambienti degli affari e della moda, bella ragazza con un sorriso affascinante, - Christina Krasnyanskaya. Quella stessa sera ho avuto l'idea di registrare un'intervista con Kristina, parlarle della sua galleria, di quanto sia difficile realizzare una vocazione e, naturalmente, del lavoro degli artisti russi.

: Christina, sono felice di vederti. Tutti conoscono la traduzione del nome della galleria "Heritage", che significa "Heritage". So che la galleria ospita mostre di soli artisti russi, qual è il motivo di tale scelta?

Christina Krasnyanskaya: Il fatto che la galleria abbia un concetto ufficiale. La linea di fondo è che lavoriamo con artisti russi all'estero, con coloro che sono immigrati durante la rivoluzione o prima. Naturalmente, il loro lavoro è la nostra eredità. Sfortunatamente, è stato perso fino a un certo periodo. Il compito della nostra galleria è ripristinarlo, mostrando al mondo che si tratta di artisti russi. Ad esempio, fino al 1985, Marc Chagall ha firmato in tutte le gallerie come artista francese. A quel tempo, si dimenticava che veniva dalla Russia. Ora le cose di Chagall del periodo russo sul mercato sono valutate molto più dei francesi. Ha vissuto lunga vita famoso artista, per quasi 100 anni, e ha lavorato fino alla fine dei suoi giorni. Vale sempre la pena ricordare che il nostro "patrimonio" russo è un enorme elenco di nomi famosi come Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev e meno artisti famosi: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun e molti altri, recentemente diventati una scoperta per i collezionisti. In generale, esiste il concetto di mercato etnico dell'arte. Un gruppo di questi artisti va oltre. Tuttavia, è risaputo che i russi stanno cercando di acquistare arte russa, scandinavi - scandinavi, americani - americani e così via.

: Qual è la motivazione per questo?

Christina Krasnyanskaya: Il desiderio di avere opere di artisti che personificano la nazione, arte familiare fin dall'infanzia, vista più di una volta musei nazionali. È qui che entra in gioco anche un elemento di una sorta di patriottismo. Ogni collezionista molto spesso inizia ad acquistare ciò che appartiene al suo patrimonio Paese d'origine. Gli artisti di cui si occupa la galleria sono interessanti perché hanno una scuola russa, radici russe, ma allo stesso tempo sono rappresentati nelle collezioni dei musei mondiali. Questi nomi sono nelle collezioni non solo di collezionisti russi ma anche occidentali. Questi sono artisti russi di fama mondiale. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo, Alexei Yavlensky sono stati a lungo venduti alle aste degli impressionisti e in nessuna parte del mondo nessuno li posiziona come artisti russi. Pertanto, era importante per la galleria, in primo luogo, restituire la nostra eredità alla Russia. In secondo luogo, non dobbiamo dimenticare che anche questi artisti sono parte integrante del patrimonio mondiale. Pertanto, il loro lavoro è anche un ottimo investimento per i collezionisti. Prendiamo, ad esempio, la mostra di Artemov, attualmente in corso a Heritage. Ho conosciuto le sue opere per la prima volta in una galleria francese. Quando ho visto il suo pannello di legno presentato lì, sono stato felicissimo. Avendo appreso il suo costo, pensavo che il prezzo indicato fosse calcolato per gli acquirenti russi, ma mi sbagliavo. Il pannello fu acquistato dai francesi, inoltre, in brevissimo tempo. Se guardi alla storia del lavoro di Georgy Artemov, puoi vedere che ha lavorato molto per clienti francesi, come Andre Lanskoy. La galleria francese la Carré ha fatto un nome per Lansky insieme a tale artisti famosi come Fernand Léger e Raoul Dufy.

: Quando scegli le collezioni, come professionista ti affidi al tuo gusto?

Christina Krasnyanskaya: SÌ. Non ho un direttore artistico, quindi questo è il mio ruolo. Il mio sogno è che tutto funzioni da solo, senza il mio partecipazione permanente. Ma, sfortunatamente, questo è praticamente impossibile. Da un lato, questo è, ovviamente, meraviglioso, ma dall'altro è difficile. Sei in uno stato di costante tensione e responsabilità nei confronti della tua attività e delle persone che lavorano con te. Pensavo che il mio lavoro fosse la libertà. Questo è un grande malinteso.

: Quando vengo a trovarti agli eventi, ho notato che i tuoi clienti e amici ascoltano attentamente la tua opinione. È fantastico perché puoi aiutare a costruire la collezione giusta da tutte le angolazioni. Dal lato materiale, come buon investimento, e dal lato spirituale ed energetico. Non provi una sorta di orgoglio per essere ascoltato?

Christina Krasnyanskaya: In tutto questo tempo mi sono reso conto che il lavoro di un gallerista è, in un certo senso, anche il lavoro di uno psicologo. Era tempo diverso, e una lunga strada per quello che ho adesso. Quando ho iniziato a vendere opere d'arte, poche persone volevano comprare da me. Le persone che sono seriamente coinvolte in questo, spendono molti soldi, hanno i propri consulenti e, naturalmente, la questione della fiducia nell'esperienza e nella professionalità è molto importante. Ho capito due postulati per me stesso: primo, non dovrei mai vergognarmi di ciò che vendo, una persona non dovrebbe essere delusa e tornare, e secondo, non faccio mai pressione sulle persone, non "spingo" nulla e nemmeno consiglio i miei clienti quando acquistano tramite altri mercanti d'arte o gallerie. La tua onestà e professionalità sta nel guidare una persona con competenza, dandogli giusto consiglio. La nostra attività è molto delicata come vendere uno yacht o buona macchina più facile che vendere arte, poiché l'arte non ha alcuna funzione utilitaristica. In Russia, la maggior parte dei collezionisti fa una scelta fino ad oggi a favore di arte classica. La situazione è molto più complicata con l'astrazione, la pittura non figurativa, ed è molto difficile con l'arte contemporanea reale e concettuale. Questo è molto lavoro interessante, dopotutto, raccontando e trasmettendo informazioni a una persona, inizi a educarlo, svilupparlo, cambiare la sua percezione estetica, rendendola, diciamo, più ampia. La "riga osservata" è molto importante. Dopotutto, se una persona non guarda le mostre, non riceve, insieme a ciò che vede, nuova informazione, non si sviluppa. In generale, esiste un percorso collezionistico standard: dai paesaggi classici all'arte contemporanea...

: È vero, ma la maggior parte delle persone, purtroppo, tratta l'arte contemporanea secondo il principio "Perché costa così tanto, perché posso farlo anch'io".

Christina Krasnyanskaya R: Questo di solito è dovuto alla mancanza di informazioni e preparazione. Quando ti immergi gradualmente in un argomento, inizi a capire meglio. Tutto è davvero semplice. L'artista ha due strumenti: forma e contenuto. E suonare con questi due strumenti e le loro variazioni dura 500 anni. Per forma intendiamo "come si fa": pittura, grafica, scultura, rilievo, controrilievo, installazione, ecc., fino alla performance e alla videoarte. Il contenuto è il tema, il messaggio dell'artista alla società. L'arte deve dialogare con lo spettatore. Prendiamo, ad esempio, l'espressionismo, sembrerebbe che la direzione si sia formata a seguito della prima guerra mondiale, quando prevalevano emozioni come dolore, delusione e disperazione. Il compito degli artisti era riflettere questa volta, trasmettere queste emozioni attraverso la tela e non mostrare bella immagine dal colorito gioioso, come gli impressionisti. A questo punto sono emersi artisti come Egon Schiele e Edvard Munch. Dipinti belli a modo loro, ma diversi dalla consueta visione della bellezza.

: C'è davvero molto dolore nei dipinti di questi artisti. Quando ho qualche tipo di problema nella mia vita, mi viene sempre in mente l'immagine di Edvard Munch "L'urlo".

Christina Krasnyanskaya: Oggi l'arte ha bisogno di un curatore che diventi un traduttore, un esplicatore per lo spettatore delle idee dell'artista. Anche se, secondo me, l'arte dovrebbe parlare direttamente allo spettatore.

: Sono d'accordo con te. Prendi, ad esempio, il quadrato nero di Kazimir Malevich. Dopo aver scioccato il pubblico con un'opera del genere, ha aperto la strada alla fantasia e alla libertà di pensiero su ciò che voleva trasmettere allo spettatore.

Christina Krasnyanskaya: Malevich è un argomento completamente diverso. Questa è l'avanguardia russa, uno dei temi più ricercati e quindi forgiati nel mondo dell'arte. Gli artisti che sono arrivati ​​\u200b\u200balla non oggettività hanno dominato tutte le fasi, tutti gli stili, tutte le direzioni. Malevich, dopo aver percorso questa strada, divenne infatti il ​​\u200b\u200bfondatore del minimalismo. Ha cancellato il modulo.

: La tua galleria ha già sei anni, senti di voler essere impegnata in questa direzione per tutta la vita?

Christina Krasnyanskaya: Sai, mi piace molto quello che sto facendo adesso. Forse in futuro cambierò la forma di questa direzione, in qualche modo svilupperò, crescerò, andando oltre la galleria. Non sono uno di quelli che pensano dieci anni avanti. Il mondo dell'arte è poliedrico, la galleria è una di queste. Questa è un'attività molto costosa, ma offre un'opportunità per molti progetti interessanti, creatività, lavoro curatoriale e promozione sul mercato internazionale, partecipazione a progetti internazionali. Siamo diventati la prima e finora l'unica galleria russa a esporre a Design Miami Basel. Presentiamo un'altra direzione in cui mi occupo con passione da diversi anni: il design delle collezioni. Siamo stati a Miami e Basilea. Porto oggetti di design di autori occidentali in Russia e design sovietico a Basilea. Quando ho iniziato, tutti mi dicevano che nessuno ne aveva bisogno. Ho preso molti rischi ed ero preoccupato di come il nostro progetto sarebbe stato percepito dai collezionisti di livello mondiale e dai media occidentali. Ma è andato tutto così bene. Oggi siamo amici dei musei del mondo e abbiamo ottime risposte sulla stampa occidentale.

: All'inizio del tuo viaggio, molti hanno discusso del supporto dei tuoi genitori nella creazione di una galleria. Sei bravissima, e ogni anno dimostri di essere una professionista nel tuo campo, e non solo una figlia dei tuoi genitori. Non è stato imbarazzante che l'abbiano detto?

Christina Krasnyanskaya: Ho sempre capito che le persone avranno un'associazione con la mia famiglia, e questo è un assioma definito. Sono molto orgoglioso del mio cognome, se devo usare il mio nome lo faccio sempre. Ma con tutto ciò, sono da solo. Certo, avevo un capitale iniziale. Quando ho trovato un posto per una galleria e l'ho offerto a mio padre, mi ha detto che era pazzesco. Dopo tutte le trattative, ho detto che non sapevo quanto successo avrebbe avuto la galleria, ma il sito era liquido, il che significa che non avremmo perso nulla. Era d'accordo con me. In precedenza, ho lavorato in una galleria chiusa per 1,5 anni ed è stato un buon inizio per creare la mia attività. Ho avuto anche esperienze lavorative da concessionario, quindi avevo già capito qualcosa in questa attività. La delusione era altrove. Quando ho iniziato a farlo, ho pensato che conoscenti e amici che collezionano opere d'arte avrebbero subito iniziato a comprare da me. Ma la gente veniva, sorrideva e comprava poco, ora capisco perché. Chi investe nell'arte ha già dei confidenti, dei consulenti, e io sono una ragazza che ha appena iniziato a farlo, e la cui esperienza non ha ispirato la dovuta fiducia.

Il mio primo grande affare è andato così. Un giorno stavo attraversando un'altra mostra a Parigi, sconvolto, e ho incontrato il mio amico. Stava già acquistando attivamente arte in quel momento ed era esperto in essa. Mi ha chiesto cosa c'era di interessante nella mia galleria, e in quel momento avevo due ottimi lavori seri. Chiese di portarle nel suo ufficio e, viste le tele, decise di acquistarle, anche senza molto mercanteggiare. Quello è stato il mio primo successo e, passo dopo passo, le persone hanno iniziato a fidarsi della mia opinione.

: E come promuovi la galleria?

Christina Krasnyanskaya: Per quanto riguarda le PR, non lavoro mai con le agenzie, solo con le persone. Questo è corretto perché PR è un sistema a punti. Ricordo il mio primo servizio fotografico patinato, che era per Harper's Bazaar. C'era un fotografo straordinario, le riprese sono durate 6 ore. Un paio di giorni dopo, quando ho visto il risultato, sono rimasto un po' scioccato. Photoshopped la mia faccia è stata cambiata oltre il riconoscimento. Quella è stata la mia prima apparizione in gloss. Ci sono state un sacco di cose dopo... Sono molto orgoglioso dell'intervista su Wallpaper* Magazine. Il numero era dedicato alla Russia, presentava i migliori professionisti nel loro campo. Arkady Novikov per il suo contributo a attività di ristorazione, Daria Zhukova per il miglior centro per l'arte contemporanea, Olga Sviblova come persona associata alla fotografia e io come personificazione del design in Russia. È stato molto piacevole e importante per me.

: Beh, per quanto riguarda le debolezze delle donne, cosa ti piace?

Christina Krasnyanskaya: Non sarò originale se dico che amo borse, scarpe e cappotti. Con tutto questo, sono molto calmo riguardo ai gioielli, mi piacciono di più i vestiti. Quando qualcuno mi regala qualcosa, preferisco che sia ARTE piuttosto che gioielli. Quindi scambio Graff con Pablo Picasso.

Ritorno dei perduti eredità culturale Russia - la direzione principale nel lavoro della galleria "Heritage". Dal 2011, la galleria forma una collezione di disegni occidentali e sovietici dell'autore. Nel 2012 e nel 2011 è diventata la prima e unica galleria russa invitata a partecipare a Design Miami / Basel. Mostra di febbraio al Museo di Architettura “Il design sovietico. From Costructivism to Modernism 1920-1960s” è il frutto di un grandioso lavoro curatoriale. La mostra per la prima volta nella storia nella sua interezza presenta al pubblico non solo il design sovietico, ma anche oggetti d'antiquariato a livello museale.

Kristina Krasnyanskaya, storica dell'arte, collezionista, proprietaria e art director della galleria d'arte internazionale Heritage, curatrice del progetto espositivo Soviet Design. Dal costruttivismo al modernismo 1920 - 1960.

Christina, per favore parla ai nostri lettori dell'idea curatoriale. Qual è il concept principale del progetto?

In cinque sale d'infilata del museo vengono presentati un totale di circa duecento oggetti interni, tra cui mobili, plastica, stoviglie, tessuti e così via. Con una decisione curatoriale concettuale, abbiamo suddiviso l'esposizione in stili e direzioni: cinque sale - cinque epoche - cinque stili. Quando inizialmente abbiamo iniziato a lavorare al progetto, mi sono trovato di fronte al fatto che, in linea di principio, in Occidente, oltre all'avanguardia russa e costruttivismo sovietico, nessuno sa nulla del design sovietico. Tuttavia, la stessa cosa, purtroppo, sta accadendo in generale con noi. Purtroppo è così che è organizzata la nostra mentalità, quando cambiando, come si suol dire, pietre miliari, abbiamo distrutto tutto, tutti i monumenti materiali dell'era precedente. Poco è rimasto dell'eredità chiamata design sovietico. Architettura più fortunata. Durante quei quattro anni mentre lavoravo al progetto, inaspettatamente per me stesso, ho scoperto un intero strato di stili, epoche, tendenze. Alcuni esistevano in parallelo. Alcuni sono cambiati. La nostra mostra ha un rilievo storico e culturale assoluto.

Dove inizia l'esposizione?

La mostra inizia con una sala dedicata al costruttivismo. Ecco rari esempi di mobili disegnati da Boris Iofan per la sua famosa "Casa sull'argine" (1927-1931), in cui l'architetto progettò completamente tutti gli interni. Qui sono esposti anche mobili di propaganda (anni '30), ad esempio un set progettato dall'architetto Igor Krestovsky per la casa comune di Smolensk "Bread of Communism". Naturalmente, tutti gli stili e le tendenze sono associati ai processi che si svolgono nello stato. Dalla canzone, come si suol dire, non puoi buttare fuori parole. In arrivo nuova personalità, un cambio di rotta, ha sempre influenzato la quotidianità, l'architettura e il design. Ora i mobili di propaganda sono diventati una rarità e sono esposti diversi oggetti autentici della Casa del Comune - grande fortuna! Gli oggetti presentati nel progetto provengono non solo dalla nostra collezione di gallerie, ma da collezioni private e museali, tra cui il Museo di Arti Decorative e Applicate, il Museo di Architettura. In MUARE, come si suol dire, abbiamo effettuato ricognizioni in vigore e abbiamo trovato cose molto interessanti, come le fotografie.

Divano del set di mobili "Pane del comunismo". Igor Krestovsky e Artel "leninista" - 1937

Seconda stanza?

La seconda sala è dedicata all'Art Déco sovietico. Lo stile Art Déco, la sua versione sovietica, ha le sue radici nel costruttivismo. Ci sono esemplari eccellenti qui, ad esempio mobili realizzati negli anni '30 su progetto di Nikolai Lansere per il Museo di V.I. Lenin dentro
Leningrado, ospitato nel Palazzo di marmo. Ciò che è particolarmente interessante è che Lansere ha progettato questo set di mobili mentre era seduto nel Gulag, in una "sharashka", nello "Special Design and Technical Bureau". Questa sala presenta anche magnifici campioni della propaganda sovietica Wedgwood, che è molto interessante.

Terza stanza?

La terza stanza ha splendidi design degli anni '30 come un frigorifero. Oggi è difficile capire che si tratta di un frigorifero. Questo frigorifero, tra l'altro, ha persino un'iscrizione che è stato presentato a un certo Chekist Morozov. Nella stessa sala sono presentati anche i disegni dell'architetto-designer preferito da Stalin, Boris Smirnov.

Quarta stanza?

In questa stanza - lo stile dell'Impero sovietico. Qui, in tutto il suo splendore, compaiono le cose di Karen Alabyan, la creatrice del Teatro dell'Armata Rossa. Anche i mobili dello stile dell'Impero stalinista sono mostrati in esemplari unici: una sedia trasformabile e un radiogramma, che sono stati realizzati per ordine del Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado Kirov (Mariinka) come regalo a Mikhail Ivanovich Kalinin. Le cose sono diverse, interessanti, tutto è accompagnato da grafica, fotografie.

Radiola. 1940

E l'ultima, quinta stanza?

L'ultima sala è dedicata al modernismo sovietico in crescita, ora di moda, al funzionalismo degli anni '60. Qui tema principaleè spazio. Questo è il momento dei mobili laconici e funzionali, che avrebbero dovuto essere integrati nel Krusciov. Modernismo sovietico, rappresentato dalle opere dei designer degli anni Cinquanta e Sessanta
anni, ha continuato le tradizioni dell'avanguardia. Un esempio sono i disegni di mobili di Yuri Sluchevsky, con il suo originale sistema modulare che regola l'altezza e la larghezza di una struttura orientata alla crescita umana.
Avendo lavorato a stretto contatto con l'Accademia Stroganov, con Yuri Sluchevsky, che alla fine degli anni '50 aveva una produzione sperimentale a Strogonovka, abbiamo visto chiaramente come durante il periodo del disgelo i designer si ispirassero all'avanguardia degli anni 10-20. Certo, c'era continuità! Questo è il concetto.

Scaffalatura (anni '60, rovere, 125x90x24 cm, da una gamma di mobili realizzati appositamente per un appartamento modello nel quartiere Cheryomushki di Mosca)

Cos'altro si può dire dell'esposizione, inclusa la sua decisione progettuale?

La mostra è unita da un'unica soluzione artistica. Sul pavimento mettiamo figure suprematiste dal tappeto, che collegano tutte e cinque le sale in una composizione comune. Nell'esposizione, l'enfasi è, ovviamente, sui mobili, sebbene ci siano anche Palekh, porcellana, vetro e tessuti di propaganda. Ma il protagonista, ovviamente, sono i mobili. Vi presentiamo unico oggetti da collezione che sono estremamente difficili da trovare in questi giorni. Questo è un mobile originale. Questa è una rarità, con provenienza, con storia. Per rendere più comodo per gli spettatori guardare la mostra, abbiamo pubblicato una guida.

Quanto è utile la mostra per i professionisti?

È molto utile per designer, architetti e decoratori. Distrugge il punto bianco nella storia del design domestico. La mostra è una vera fonte di ispirazione, comprensione della base... Devo dire che i nostri clienti finalmente non hanno più paura delle cose vecchie all'interno. E la mostra contribuisce ancora una volta a questo. L'interno del soggiorno è un interno eclettico da cui provengono le sedie epoche diverse fianco a fianco con l'arte moderna e un comò antico. Se mi occupassi di interni in modo professionale, come decoratore, comporrei proprio tali interni e darei particolare enfasi al design sovietico.

Nicola Lansere. Poltrona. 1932

Kristina, raccontaci come è iniziata la tua collezione di design da galleria? È sempre interessante.

Devo dire che abbiamo già raccolto una collezione per un museo piccolo ma di qualità, lo raccogliamo da quattro anni! Tutto è iniziato molto divertente, con Iofan. Quando stavamo realizzando un progetto dedicato all'avanguardia e post-avanguardia per Basilea, la sedia di Iofan ci è capitata tra le mani. Una donna americana è venuta al nostro stand e ha iniziato a saltarci sopra. Il mio cuore ha perso un battito, abbiamo recintato la sedia e messo un cartello: non sederti! Non toccare! non in vendita! E così è iniziata la nostra collezione. Tutto si è rivelato molto concettualmente. La sedia è architettura!

Poltrona (

La mostra si svolge a Museo di Stato architettura che prende il nome da A.V. Schuseva,. (Infilata dell'edificio principale) fino al 22 marzo.

Heritage Gallery celebra il suo settimo anniversario a febbraio con la mostra Soviet Design. Dal Costruttivismo al Modernismo” al Museo di Architettura: Mobili di Design Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan– ora un nuovo profilo della galleria, che in precedenza era specializzata in artisti russi all'estero e le loro mostre, comprese quelle museali, – Andre Lansky, Boris Grigoriev. La proprietaria di "Heritage" ha detto cos'altro aspettarsi dalla sua galleria - e da lei personalmente.

Perché hai smesso di fare aste?

Per due motivi. Innanzitutto, è un'attività molto laboriosa e costosa. In secondo luogo, non abbiamo ancora una tale cultura: acquistare alle aste. I miei colleghi ed io stiamo cercando di instillare qualcosa del genere, ma sta andando male. Le aste sono frequentate principalmente da rivenditori e le case d'asta sono orientate ai rivenditori. E tra il grande pubblico, non i collezionisti, ma semplicemente gli acquirenti, quelli che acquistano di tanto in tanto, questa non è ancora diventata un'abitudine: visitare aste, mercatini delle pulci, sperimentare la combinazione organica di vecchio e nuovo ... Tutti sono molto dipendenti dal loro progettista. E i designer hanno le loro preferenze e principi. Di conseguenza, tutto si traduce in inverosimili interni chiavi in ​​mano, che diventano presto moralmente obsoleti. Pochi anni - e una persona si rende conto che non può più vivere in questo. Ora sto costruendo il mio appartamento, dove tutto è un miscuglio. Eclettismo come principio: abbiamo cercato di spiegarlo ai clienti sin dalla prima mostra di mobili da collezione qui a Mosca (una mostra con la partecipazione di famose gallerie parigine Didier Aaron E Yves Gastou ha attraversato i secoli XVIII e XX Jean-Francois Eben Prima Ettore Sottsassa. — TANR). Quindi avrò mobili scandinavi degli anni '60 e arte sovietica e russa, sia moderna che non molto moderna.

Ma l'arte contemporanea è una nuova linea di attività per te.

Questo è un progetto separato in cui agisco più come art manager. Ci sono alcuni artisti russi che, diciamo, voglio integrare nel contesto internazionale - questo è un compito interessante per me, un motivo per utilizzare tecnologie già collaudate e conosciute. Cosa ne verrà fuori, vedremo. Finora ho due reparti. Alexei Morozov Mi piace il fatto che abbia una scuola, ma c'è anche una divisa accademica tocco contemporaneo: nonostante l'accademismo, la sua arte non sembra un salotto. A Morozov piace molto ed è pronto a supervisionarlo Alessandro Romanini che ha fatto più di una mostra Botero, compreso il recente anniversario. Si prepara un tour: prima la mostra di Morozov al Museo Archeologico Nazionale Napoletano, a dicembre 2015, poi, a marzo 2016, a Mosca, a MMOMA su Gogolevsky. Stiamo negoziando con Venezia - vogliamo presentare scultura in marmo Morozov in una delle piazze della città durante la Biennale.

Un altro artista - Oksana Mas. Oksana è una persona creativa. È venuta da me quando ha capito che era necessario il lavoro di un intero team per realizzare i suoi progetti. Uno di lei Altare quanto vale (lo mostreremo a Gorky Park a marzo)! Il curatore e il critico d'arte si interessarono a lei Janet Zwingenberger, che l'ha vista lavorare qualche anno fa, la osserva da allora e ora scriverà una monografia su Oksana. Oksana ha anche un tour: una mostra Sensazione di luce si terrà a Baku dal 5 luglio al 5 settembre, dopo di che - Astana, Berlino, e ora stiamo negoziando su Istanbul.

Ma questa non è una galleria, questo sono io; la galleria è ancora una sorta di limitazione del formato. La galleria si occupa di artisti russi all'estero oltre al design della collezione. E io, come ogni persona, voglio svilupparmi. Per fare questo, ho bisogno di alcune prospettive, dove mi esibirò non come una galleria, ma come Christina.

E se scegli una cosa, quale sceglieresti?

Nel design, ovviamente. Ma perché? Ho deciso che potevo permettermi alcuni progetti non correlati. In Occidente siamo conosciuti come una galleria di design; design di collezione - in Russia questa è la nicchia in cui siamo diventati pionieri; la galleria ha formato una collezione significativa, che comprende pezzi unici, dal costruttivismo al modernismo - in pochi anni questa collezione potrebbe diventare un museo. A Mosca e in Russia siamo ancora conosciuti principalmente per il fatto che siamo impegnati nel russo all'estero: abbiamo realizzato molti degni progetti a livello museale, collaboriamo con musei, facciamo parte della Society of Friends of the Russian Museum , abbiamo i nostri collezionisti, di cui conserviamo le collezioni - riforniamo nuove opere, consigliamo ... Ma entro il 7 ° anniversario della galleria, voglio fare una mostra al Museo di architettura dedicata specificamente al design - una retrospettiva del Soviet design, che copre quasi tutti gli ambiti di quest'area, una digressione storica a partire dall'arredo Boris Iofan per il Palazzo del Governo e termina negli anni '60. Lavorando sui cataloghi, soprattutto per le fiere internazionali, mi sono accorto che, oltre alle informazioni prettamente tecniche e di accompagnamento, a tutti interessano sempre anche informazioni generali. Pensavo di aver bisogno di un programma educativo. Ho avuto l'idea di fare documentario, dove puoi immaginare l'era solo attraverso le cose - attraverso cose spettacolari, cose pompose, cose tragicamente morenti e dimenticate ... Voglio rendere il film così serio da poter prendere parte a un festival di documentari, per esempio. Ho in programma di presentare il film a Basilea in estate, non abbiamo tempo per farlo entro febbraio.

Non sei andato a Basilea la scorsa estate...

…Ma in l'anno prossimo sto andando. Se la situazione politica lo consente. Dopotutto, abbiamo un materiale specifico: il design sovietico. E andare in Europa con mobili sovietici di propaganda, vedi, ora sarebbe ridicolo. Pertanto, abbiamo rifiutato. Gli organizzatori erano sconvolti. Hanno detto che si è già formata una cerchia di coloro che sono interessati a noi, e per gli organizzatori una situazione del genere, quando la galleria partecipa per tre anni, poi improvvisamente non partecipa, questo non è molto chiaro, l'arte dovrebbe essere fuori dalla politica e oltre i confini. Certo, ma per quanto riguarda l'arte che è politica nei contenuti? Poi, la fiera di Basilea riceve un'ampia copertura mediatica. Chi non ha scritto di noi: Carta da parati, Guardian, Daily Telegraph! Ora, viene da chiedersi, perché fare tutto questo e portarlo a Basilea, sapendo in anticipo che si corre il rischio di incappare in una reazione negativa programmata a tutto ciò che è russo? Prima di allora, avevo un'ottima reputazione, non vorrei rovinarla.

Ma continuerai a promuovere il design sovietico a Design Miami?

Di recente, durante una cena in Italia, i miei collezionisti mi hanno detto che gli anni '50 e '60 sono così belli che non avrei mai rinunciato a questo argomento. Rem Kolhaas ci ha contattato quando eravamo a Basilea, perché stava proprio lavorando ad uno dei futuri locali del Garage, creato al momento opportuno. Ma non ci limitiamo a questo periodo. È solo che le cose degli anni '20, '30, '40 sono più rare e più collezionabili, diciamo; sebbene anche gli anni '60 siano pochi. Ma queste cose, più che mai, sono richieste, e in effetti quell'era sembra essere tornata rilevante. Il nostro materiale attrae i musei. Sono diventato amico del New York Museum of Arts and Crafts, che recentemente è diventato una divisione dello Smithsonian Institution; hanno mostrato interesse per le mostre congiunte: hanno il capo del dipartimento mostre, vicedirettore, che è impegnato nella campagna tessile. Grazie Craig Robins, fondatore e comproprietario Progetta Miami, che ha fornito alla galleria russa l'opportunità di mostrare il design sovietico in una fiera del genere e di dichiararsi adeguatamente.

Da dove è nata l'idea di realizzare mobili sovietici?

L'idea è venuta nel momento in cui me ne sono accorta, assiduamente presente Progetta Miami di anno in anno che la proporzione dello stile art déco più alla moda, più costoso, più ricercato iniziò a diminuire, lasciando gradualmente il posto ai mobili degli anni '50 e '60. Inoltre, i ricordi dell'infanzia sovietica suonavano da qualche parte. Craig Robins una volta mi ha portato allo stand di una galleria che si occupa di design scandinavo, e quando ho visto questo arredamento minimalista e ascetico, sono stato sorpreso di apprendere dal proprietario della galleria che avevo appena comprato l'intero stand da lui Romano Abramovich. Sì, ci sono pochi collezionisti, ma lo sono. È solo che poche persone sanno che Abramovich ha una casa arredata con cose storiche nello stile degli anni '30. Cosa ha comprato Abramovich Bacon- lo sanno.

Non avresti solo commerciato in mobili da collezione, ma anche per produrli.

Un anno fa, quando ne parlavo, pensavo che ormai saremmo a un punto leggermente diverso da quello che eravamo. Amo ancora questa idea: riprodurre campioni sovietici, ma finora il progetto non è stato lanciato. Perché le repliche vanno bene: non tutti sono pronti ad acquistare vecchi mobili antichi - anche se restaurati e rifoderati, ma pur sempre una poltrona di veneranda età - e un'altra cosa è una replica. Non ho reinventato la ruota, ma solo un paio di anni fa a Parigi in una galleria Yves Gastou ha visto la ripetizione Ettore Sottsassa, edizione limitata. Evelina Khromtchenko disse: "Sarò il tuo primo cliente per una replica". E non è sola. Sarà prodotto qui o all'estero? Date le realtà attuali, molto probabilmente qui.

Ma senza riprodurre la qualità sovietica?

Parli di materiali? Sì, la qualità è scesa, e la maggior parte dei mobili di allora è stata poi buttata via proprio per questo motivo. Ma i materiali originali erano normali. Quando abbiamo cominciato ad affrontare questo periodo, allora Yuri Vasilievich Sluchevsky(Il professore di 86 anni del Dipartimento di mobili, l'operaio d'arte onorato Yuri Sluchevsky conduce ancora il principale corso di profilazione "Design di mobili" presso l'Accademia d'arte statale di Mosca intitolata a S. G. Stroganov. — TANR) ha parlato delle mostre al VDNKh alla fine degli anni '50 e all'inizio degli anni '60, quando i prototipi venivano realizzati nell'officina sperimentale di Stroganovka, con materiali solidi di alta qualità. Nella produzione di massa, ovviamente, erano già utilizzati altri materiali. E i prototipi sono andati a cottage e appartamenti.