Ritratto in arte russa fronte e camera. Ritratti di persone reali russe del XVIII secolo

Molto spesso, rappresentazioni pittoresche della regalità (e specialmente nel XVIII secolo) si formano sulla base di ritratti cerimoniali, dai quali le copie venivano attivamente rimosse e distribuite. Tali ritratti possono essere "letti", perché il modello su di essi è sempre collocato in un tale ambiente che contribuisce a creare una sensazione di significato, insolita, solennità dell'immagine, e ciascuno dei dettagli contiene un accenno ai meriti reali o immaginari e le qualità della persona che vediamo di fronte a noi.
La maggior parte dei ritratti formali è impossibile da non ammirare. Ma la questione di quanto sia vero il ritratto rimane aperta.

Quindi, ad esempio, l'immagine di Catherine I, creata da Jean-Marc Nattier nel 1717:

Ma il ritratto più intimo di Catherine in vestaglia, scritto da Luigi Caravacom nel 1720.
Sembra che i ricercatori siano giunti alla conclusione che inizialmente l'imperatrice era raffigurata nel ritratto con una scollatura, quindi è apparso un nastro blu, che può essere inteso come un accenno al nastro dell'Ordine di Sant'Andrea il Primo Chiamato e l'alto rango della persona. L'unico indizio.

Louis Caravaque ricevette la nomina del pittore ufficiale di corte - Hoffmaler solo sotto Anna Ioannovna, ma prima riuscì a dipingere una serie di ritratti della famiglia di Pietro il Grande. Tra questi ce ne sono alcuni insoliti per gli standard moderni.
In primo luogo, personalmente ricordo immediatamente il ritratto Tsarevich Peter Petrovich come Cupido

Qui, ovviamente, va detto che la Russia ha preso dall'Europa la galanteria del rococò, insieme alla sua atmosfera speciale di una mascherata, interpretando eroi e divinità dell'antica mitologia e maniere, che non potevano che influenzare la tradizione pittorica.
Eppure c'è qualcosa di strano nel fatto che vediamo il piccolo Peter, "Shishechka", come lo chiamavano i suoi amorevoli genitori, che nutrivano grandi speranze per lui, lo vediamo proprio così. Ma la nascita di questo ragazzo, che non visse nemmeno quattro anni, così come la sua salute relativamente buona all'inizio, segnarono effettivamente il destino di Tsarevich Alexei.
Possiamo anche immaginare la sorella maggiore di Pyotr Petrovich Elizaveta, ricordando il ritratto dell'opera dello stesso Caravak, scritto nel 1750:

O un ritratto del suo allievo Ivan Vishnyakov, dipinto nel 1743:

Ma anche durante la vita dell'Imperatrice, un altro ritratto di Elizaveta Petrovna, dipinto a metà del 1710 da Caravak, in cui è raffigurata sotto forma della dea Flora, ebbe un grande successo:

La futura imperatrice è raffigurata nuda e sdraiata su una veste blu foderata di ermellino, segno di appartenenza alla famiglia imperiale. Nella mano destra tiene una miniatura con un ritratto di Pietro I, alla cui cornice è attaccato il nastro azzurro di Sant'Andrea.
Sì, una tradizione, ma c'è un certo tipo di piccantezza in un'immagine del genere. N. N. Wrangel ha lasciato un'interessante osservazione sul ritratto: "Ecco una bambina, una bambina svestita di otto anni con il corpo di una ragazza adulta. È sdraiata, tiene in mano civettuola un ritratto di suo padre e sorride così affettuosamente e teneramente , come se stesse già pensando a Saltykov, Shubin, Sievers, Razumovsky, Shuvalov e tutti gli altri che questa bellissima creatura amava".
Tuttavia, ha anche notato che Elizabeth aveva molte immagini.
Ecco Elizaveta Petrovna dentro abito da uomo, che le è andata così:

AL. Weinberg considerava il ritratto opera di Caravaque e lo datò al 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova credeva che questa fosse la copia dello studente di Levitsky dell'opera di Antropov, risalente al tipo iconografico di Caravak.

Ed ecco un altro ritratto di Elisabetta in costume da uomo - il libro di testo "Ritratto dell'imperatrice Elisabetta Petrovna a cavallo con un bambino nero", scritto da Georg Christoph Groot nel 1743:

Questo ritratto può essere chiamato frontale. Ecco l'Ordine di Sant'Andrea il Primo Chiamato, una fascia di moiré blu con un distintivo, un bastone da maresciallo nella mano dell'Imperatrice, un'uniforme della Trasfigurazione, e anche il fatto che Elizaveta Petrovna siede su un cavallo come un uomo, e la marina vista nella baia.
Caravak ha anche un "Ritratto di un ragazzo in abito da caccia", di cui sono state costruite varie versioni. Lo chiamavano sia il Ritratto di Pietro II, sia il ritratto di Pietro III e ... il ritratto di Elisabetta. Per qualche ragione, l'ultima versione mi è molto vicina.

Ci sono molti ritratti cerimoniali di Caterina II. Sono stati dipinti sia da stranieri invitati in Russia che da artisti russi. Si può ricordare, ad esempio, un ritratto di Caterina dipinto da Vigilius Eriksen davanti a uno specchio, in cui l'artista utilizza una tecnica peculiare che gli consente di rappresentare l'imperatrice sia di profilo che di fronte.

L'immagine del profilo dell'imperatrice è stata utilizzata per il ritratto cerimoniale dipinto da Rokotov:

La stessa Catherine, a quanto pare, amava un altro ritratto dipinto da Eriksen, che la ritraeva a cavallo:

Lo farei ancora! Dopotutto, il ritratto simboleggia il fatidico giorno per l'Imperatrice il 28 giugno 1762, quando lei, a capo dei cospiratori, si reca a Oranienbaum per compiere un colpo di stato a palazzo. Catherine siede in sella al suo famoso cavallo Brilliant ed è vestita in stile militare: indossa l'uniforme di un ufficiale di fanteria delle guardie.
Il ritratto ebbe un enorme successo a corte; per ordine dell'Imperatrice, ripeté il suo lavoro tre volte, variando le dimensioni della tela.

Eriksen ha anche dipinto un ritratto di Caterina II in shugay e kokoshnik:

Si può ricordare il ritratto informale di Caterina II in abito da viaggio, dipinto da Mikhail Shibanov, un artista di cui non si sa quasi nulla. È solo che era vicino a Potëmkin?:

Ricordo i ritratti non cerimoniali di Caterina la Grande, è impossibile passare dall'immagine creata da Borovikovsky.

L'artista ha mostrato Caterina II "a casa", con una pelliccia e un berretto. vecchiaia la signora cammina lentamente lungo i vicoli del parco Tsarkaselsky, appoggiandosi a un bastone. Accanto a lei c'è il suo amato cane, un levriero inglese.
L'idea di un'immagine del genere probabilmente ha avuto origine nel circolo letterario e artistico di Nikolai Lvov ed è strettamente connessa con una nuova tendenza nell'arte, chiamata sentimentalismo. È significativo che il ritratto di Caterina II non sia stato eseguito dalla natura. Ci sono prove che l'artista fosse vestita con l'abito dell'imperatrice dal suo amato camera-jungfer (servitore di stanza) Perekusikhina, che ha posato per l'artista.
A proposito, è piuttosto interessante il fatto che nel XVIII secolo lavorassero in Russia solo 8 pittori di corte ufficiali, di cui solo uno era russo, e anche allora finì la sua vita quasi tragicamente. Pertanto, non sorprende che gli artisti russi non abbiano avuto l'opportunità di dipingere vivi imperatori e imperatrici.
Per questo lavoro, Borovikovsky, di cui Lumpy si è preoccupato, è stato insignito del titolo di "nominato" agli accademici. Tuttavia, nonostante il riconoscimento dell'Accademia delle arti, il ritratto non piacque all'imperatrice e non fu acquisito dal dipartimento del palazzo.
Ma fu in questa immagine che Pushkin la catturò nel "racconto d'onore" "La figlia del capitano".

Il ritratto cerimoniale differisce da altri ritratti di direzioni e stili diversi in quanto quello cerimoniale ha una speciale solennità ed espressività.

Nella storia della Russia, il ritratto cerimoniale è apparso durante l'era petrina. Pietro I ha cercato di portare in Russia tutte le innovazioni dell'Europa, e lì la moda per i ritratti cerimoniali era appena diffusa. Inoltre, la tradizione di ordinare un ritratto cerimoniale per celebrazioni importanti era saldamente radicata tra le persone più nobili e ricche dell'epoca.

In Russia, i ritratti cerimoniali dei militari erano comuni: in piena uniforme da combattimento, giovani affascinanti signorine con i migliori abiti, ecc. E oggi il ritratto cerimoniale non ha perso la sua rilevanza, essendo ancora un simbolo di sicurezza, status e influenza.

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Ritratto cerimoniale storico

Un ritratto storico è un ritratto che ritrae una figura di epoche passate. Ritratto cerimoniale: non solo trasmette l'aspetto visivo della persona raffigurata, ma esalta anche il suo carattere, mostrando le sue migliori qualità e status.

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Ritratto cerimoniale in regalo

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I ritratti cerimoniali per i membri delle famiglie reali sono stati ordinati dai più famosi e artisti di talento tempi differenti. E il famoso pittore è stato assegnato titolo onorifico pittore di corte.

Ad esempio, il famoso ritrattista Georg Christopher Grooth "Ritratto della granduchessa Ekaterina Alekseevna con un ventaglio in mano" (1740, olio su tela, 161x117 cm, Museo statale russo, San Pietroburgo) aveva un tale titolo. Il ritratto della giovane Catherine mostra la sua eroina nel pieno della giovinezza, della bellezza e della grandezza.

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Nella pittura - uno dei più fruttuosi. L'immagine di una persona, la riproduzione più sottile e spirituale dei suoi lineamenti su tela, ha toccato persone di classi e ricchezze diverse. Queste immagini erano a mezzo busto ea figura intera, nel paesaggio e nell'interno. I più grandi artisti ha cercato di catturare non solo le caratteristiche individuali, ma di trasmettere l'atmosfera, il mondo interiore del loro modello.

genere di corte

I ritratti sono di genere, allegorici, ecc. E cos'è un ritratto formale? È una specie di storico. Questo genere è nato a corte durante il regno dei monarchi. Il significato e lo scopo degli autori del ritratto cerimoniale non era solo la capacità di trasmettere nel modo più accurato possibile, ma di scrivere in modo tale da glorificare, glorificare una persona. I maestri di questo genere hanno quasi sempre ricevuto un'ampia popolarità e il loro lavoro è stato generosamente pagato dai clienti, perché di solito i ritratti cerimoniali erano ordinati da persone nobili: i re ei loro associati di alto rango. E se il pittore identificava il monarca stesso con la divinità, paragonava i suoi dignitari alla persona regnante.

Caratteristiche distintive

Una figura maestosa in tutto lo splendore delle insegne e dei simboli del potere, collocata in un magnifico paesaggio, sullo sfondo di interni snelli o lussureggianti: ecco cos'è un ritratto cerimoniale. Viene alla ribalta lo status sociale dell'eroe della tela. Tali opere sono state create per catturare una persona come figura storica. Spesso una persona appare nell'immagine in una posa teatrale alquanto pretenziosa, progettata per sottolineare la sua importanza. La struttura mentale e la vita interiore non erano il soggetto dell'immagine. Qui sui volti degli aristocratici non vedremo altro che un'espressione congelata, solennemente maestosa.

Epoca e stile

Cos'è un ritratto formale in termini di stile dell'epoca? Si tratta di un tentativo di "storicizzare" la realtà nei volti di personaggi significativi, inscrivendoli in un ambiente e in un contesto percepibile per l'epoca. Elegante e pomposo era il colore generale di tali dipinti in decorativo e raffinato, si è scoperto ai tempi del rococò, ha acquisito una solenne moderazione e chiarezza nel classicismo.

Varietà di ritratto cerimoniale

La sfilata può essere suddivisa in più tipologie: incoronazione, a forma di comandante, equestre, caccia, semi-parata.

Il più importante, dal punto di vista ideologico, era il ritratto dell'incoronazione, in cui l'artista raffigurava l'imperatore nel giorno dell'ascesa al trono. Tutti gli attributi del potere erano qui: una corona, un mantello, un globo e uno scettro. Più spesso il monarca era raffigurato in piena crescita, a volte seduto sul trono. Lo sfondo del ritratto era un pesante drappeggio, che ricorda il backstage di un teatro, progettato per rivelare al mondo qualcosa al di fuori dell'ordinario, e colonne, a simboleggiare l'inviolabilità del potere reale.

È così che vediamo Caterina la Grande nel ritratto del pennello creato nel 1770. Nello stesso genere è stato dipinto il ritratto di Jean Auguste Ingres "Napoleone in trono" (1804).

Spesso il ritratto cerimoniale del XVIII secolo rappresentava una persona regale sotto forma di militare. Nel ritratto di Paolo I, realizzato da Stepan Shchukin nel 1797, il monarca è raffigurato nell'uniforme di un colonnello del reggimento Preobrazenskij.

Un ritratto in uniforme militare con premi indicava un certo status della persona incarnata sulla tela. Di solito tali capolavori hanno catturato gloriosi comandanti dopo vittorie significative. La storia conosce numerose immagini di Alexander Suvorov, Mikhail Kutuzov, Fedor Ushakov.

Le tele dei maestri europei dimostrano eloquentemente cos'è un ritratto cerimoniale di un sovrano a cavallo. Una delle più famose è la tela di Tiziano, sulla quale il più grande pittore italiano del Rinascimento raffigurò nel 1548 Carlo V a cavallo di un maestoso stallone. Il pittore di corte austriaco Georg Prenner dipinse un ritratto equestre dell'imperatrice con il suo seguito (1750-1755). La grazia impulsiva di magnifici cavalli personifica i piani audaci e ambiziosi della regina.

Un ritratto di caccia, in cui l'aristocratico era spesso raffigurato in compagnia di segugi o con la selvaggina in mano orgogliosamente alzata, poteva simboleggiare la mascolinità, la destrezza e la forza del nobile.

Il ritratto semi-cerimoniale soddisfaceva tutti i requisiti di base, ma rappresentava la persona in una versione a mezzo busto e non a tutta altezza.

L'interesse per questo genere esiste ancora oggi.

Fino all'inizio del XVIII secolo, nella pittura russa si svilupparono principalmente tradizioni di pittura di icone.

Secondo le memorie dei contemporanei, in Russia a quel tempo qualsiasi immagine veniva presa per icone: spesso, quando venivano a casa di uno sconosciuto, i russi, come al solito, si inchinavano alla prima immagine che attirava la loro attenzione. Tuttavia, nel XVIII sec. la pittura iniziò gradualmente ad acquisire caratteristiche europee: artisti padroneggiati prospettiva lineare, permettendo di trasmettere la profondità dello spazio, ha cercato di rappresentare correttamente il volume degli oggetti utilizzando il chiaroscuro, ha studiato l'anatomia per riprodurre fedelmente il corpo umano. La tecnica della pittura a olio si diffuse, sorsero nuovi generi.

Un posto speciale nella pittura russa del XVIII secolo. ha fatto il ritratto. Le prime opere di questo genere sono vicine alla parsuna del XVII secolo. I personaggi sono solenni e statici. Ivanov A. B. Storie di artisti russi - M. Illuminismo 1988

All'inizio del XVIII secolo. pittori stranieri hanno lavorato in Russia, in particolare I.G. Tannauer e L. Caravacc.

L'Accademia delle arti, fondata nel 1757, determinò il percorso dell'arte russa nella seconda metà del XVIII secolo. Rianimato dall'Accademia, il pensionato non era più un semplice apprendistato, poiché all'inizio del secolo divenne più una collaborazione artistica che portò il riconoscimento europeo agli artisti russi. La direzione principale della pittura accademica era il classicismo, i cui principi fondamentali erano raccolti in modo più coerente nel genere storico, che interpretava soggetti antichi, biblici e nazional-patriottici secondo gli ideali civili e patriottici dell'Illuminismo. Frolova A. R. Fedor Rokotov ha posato la mano // Panorama of Arts 9. M., 1989. Fondatore genere storico in Russia c'era A.P. Losenko (1737-73). Figlio di un contadino orfano precoce, ha trascorso la sua infanzia in Ucraina. Poi, per caso, è finito a San Pietroburgo, dove ha cantato per la prima volta nel coro di corte. Quindi, dopo aver ricevuto le prime lezioni da I.P. Argunov, uno dei primi, si è laureato all'Accademia delle arti e si è ritirato a Parigi e Roma. Nel suo lavoro apparvero tratti del classicismo, in cui nella seconda metà del XVIII secolo. le tendenze realistiche sono forti ("Vladimir e Rogneda", 1770, Museo statale russo; "Addio di Ettore ad Andromaca", 1773, Galleria statale Tretyakov). Con genuina abilità, Losenko dipinse ritratti dei suoi contemporanei, e soprattutto figure eminenti Cultura russa (ritratti di F. Volkov. Galleria Statale Tretyakov e Museo Statale Russo; A.P. Sumarokov. I.I. Shuvalov, attore Ya. D. Shumsky, tutti nel Museo Statale Russo). A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. G. I. Ugryumov (1764-1823) fu un eccezionale maestro della pittura storica, nelle cui opere si manifestò la crescita dell'interesse pubblico per la storia nazionale ("L'ingresso solenne a Pskov di Alexander Nevsky dopo la sua vittoria sui cavalieri tedeschi", 1793-94 ; "La chiamata di Mikhail Fedorovich al regno", c. 1800, sia nei tempi, ecc.). Savinov A. N. [Introduzione. Art.] // Fedor Stepanovich Rokotov e artisti della sua cerchia: catalogo della mostra. M., 1960.

genere di punta in Pittura russa seconda metà del 18° secolo. era un ritratto. Sviluppo genere del ritratto in epoca petrina fu determinata dall'influenza della pittura occidentale, ma allo stesso tempo si rifà alla tradizione del secolo precedente (parsuna). La formazione della ritrattistica era associata al lavoro di I.I. Nikitin e A.M. Matveev. Lomonosov M.V. raccolta completa saggi. T. 8. M.; L., 1959

L'incisione divenne un nuovo fenomeno nell'arte. Maggior parte famoso maestro era A.F. Denti. Ritratto cerimoniale di Rokotov

Gli artisti della seconda metà del XVIII secolo iniziarono ad interessarsi maggiormente ai meriti personali di una persona, alle sue qualità morali, al suo mondo interiore. Vedono l'arte come un mezzo educativo e quindi si sforzano di renderla ragionevole, chiara e logica. Si stanno sviluppando anche altri generi di pittura. Sta prendendo forma un sistema di generi (ritratto, pittura monumentale e decorativa, paesaggio, pittura storica). Gli autori più significativi del genere storico furono A.P. Losenko e G.I. Ugrimov. Due tendenze sono emerse nello sviluppo del ritratto: un aumento del livello artistico e del realismo dell'immagine e il fiorire del ritratto formale. Nel lavoro di A.P. Antropov, le caratteristiche tradizionali della parsuna erano particolarmente forti. Divenne uno dei creatori del genere del ritratto da camera (ritratto di Izmailova). Ritratti di F.S. I Rokotov si distinguono per intimità, sottigliezza e psicologismo (ritratto di A.P. Struyskaya). DG Levitsky ha lavorato molto nel genere del ritratto cerimoniale. Creatività V.L. Borovikovsky (la svolta tra il XVIII e il XIX secolo) è associato alle idee del sentimentalismo. Ha introdotto per la prima volta lo sfondo del paesaggio nei ritratti. Balakina T. I. Storia della cultura russa - tutorial. Centro editoriale M 1996

Alla fine del XVIII sec. i dipinti appaiono con scene da vita contadina(M. Shibanov, I.P. Argunov, I.A. Ermenev), c'era un interesse per il paesaggio paesaggistico (S.F. Shchedrin), nacque un paesaggio architettonico urbano (F.Ya. Alekseev).

La principale differenza tra il ritratto cerimoniale e i ritratti storici di altri stili e tendenze è la sua accattivante espressività e solennità. I ritratti cerimoniali sono stati creati principalmente per persone di alta classe e rango, con uno status e un'autorità elevati nella società. Il ritratto storico nell'uniforme militare cerimoniale è ancora attuale oggi, molte persone influenti vogliono catturarsi allo stesso modo dei loro antenati della classe nobile del secolo scorso. Romanycheva I. G. Alla biografia di F.S. Rokotova // Monumenti della cultura. Annuario. 1989. M., 1990.

Il ritratto cerimoniale nel XVIII secolo è una stampa brillante, espressa in modo figurato uomo nobile, creato da un artista che dispone del proprio set esclusivo di strumenti per descrivere un ritratto formale, la propria colorazione tonale e la visibilità storica, in cui un'immagine in costume brillante gioca un ruolo importante.

L'uniforme militare indica l'appartenenza a un certo status militare, gli ordini riflettono meriti speciali verso la patria. L'uniforme del modello del XVIII secolo esisteva fino all'inizio della Rivoluzione d'Ottobre del 1917, ed era il premio più ambito per la massima leadership burocratica.

Un ritratto cerimoniale in uniforme navale militare, in termini di bellezza della percezione, occupa un posto speciale nell'arte del ritratto ed è stato spesso creato da artisti dopo gloriose vittorie militari e vittoriose battaglie navali della flotta russa.

Nel nostro tempo, è diventato anche un fenomeno di moda da ritrarre uomo moderno in uniformi militari dei secoli XVIII-XIX, ritratti militari di quei tempi appesi a vari premi, ordini belli e luminosi, aggiungono al ritratto cerimoniale quello splendore molto insolito del nostro tempo di percezione.

I ritratti storici di militari in bellissime uniformi sono sempre solenni e creano uno stato d'animo sollevato tra i loro proprietari.

Un ritratto storico in uniforme militare del XVIII-XIX secolo è una gloriosa continuazione delle tradizioni dei nostri antenati.

Negli anni in cui Antropov realizzava ancora i suoi ritratti - accurati, un po' aridi e pesanti dal punto di vista pittorico - era già uscita un'intera galassia di giovani maestri della seconda metà del Settecento, che affermavano risolutamente una nuova comprensione dell'immagine di una persona e i mezzi pittorici della sua incarnazione. In breve tempo, questi maestri hanno messo la ritrattistica russa alla pari con le migliori opere d'arte contemporanea dell'Europa occidentale. . Savinov A. N. [Introduzione. Art.] // Fedor Stepanovich Rokotov e artisti della sua cerchia: catalogo della mostra. M., 1960.

A capo di questa galassia c'erano Rokotov e Levitsky.

Fyodor Stepanovich Rokotov (1735/36-1808/09) è uno dei più straordinari maestri del ritratto russo del XVIII secolo. L'originalità del suo lavoro si rifletteva pienamente già negli anni '60, segnati dalla comparsa di un certo numero di i migliori lavori Antropova. Tuttavia, anche il confronto primi lavori Rokotova con le opere mature di Antropov testimonia abbastanza chiaramente l'inizio di un nuovo periodo nello sviluppo dell'arte russa, una nuova fase nelle idee sulla personalità umana. I ritratti di Rokotov si distinguono per tale umanità e profondità lirica, che in precedenza non erano caratteristiche della ritrattistica russa. Voronina N. Brillante ritrattista del XVIII secolo. - Artista 1972 n. 5

Istituto scolastico comunale

Istruzione aggiuntiva bambini

"Bambini scuola d'arte»

LE IMMAGINI FEMMINILI NEI RITRATTI DEL XVIII SECOLO

(F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Completato: classe studente 4-A.

Scuola d'arte per bambini MOU DOD Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Consulente scientifico: insegnante

Storia dell'arte MOU DOD DKhSh

Solomatina Tatyana Leonidovna

Zelenogorsk

Il posto della donna nella società russa del XVIII secolo e l'arte del ritratto …………………………………………………………………………………… 3

L'immagine di una donna russa in un ritratto arte XVIII secolo…………4

2.1. parata ritratto femminile prima metà del XVIII secolo:

2.1 Caratteristiche del ritratto frontale;

2.2. E IO. Vishnyakov

2.3. DG Levitsky

Ritratto femminile da camera della seconda metà del XVIII secolo:

Caratteristiche di un ritratto da camera

2.2.2. VL Borovikovsky

2.2.3. FS Rokotova

Il ritratto femminile del XVIII secolo è una delle più alte conquiste della ritrattistica russa…………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………………

Elenco della letteratura utilizzata……………………………………17

Elenco delle illustrazioni………………………………………………………18

Applicazioni……………………………………………………………….19

Il posto di una donna nella società russa del XVIII secolo

E l'arte del ritratto

Dall'inizio del XVIII secolo, da una rappresentazione piuttosto primitiva di un volto umano, gli artisti hanno portato le loro abilità a una perfezione straordinaria. Imparando dai pittori stranieri, i maestri nazionali non solo hanno adottato le loro conoscenze, ma le hanno anche superate e hanno aggiunto un sapore profondamente russo alla loro arte (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

I ritratti dell'inizio del secolo raffigurano principalmente l'appartenenza sociale di una persona, i suoi lati migliori, la sua pomposità, a volte la bellezza immaginaria. Ma nel corso del secolo, lo stato, l'umore del pubblico, così come l'atteggiamento dell'artista nei confronti della persona raffigurata, sono cambiati notevolmente. I maestri non si sono più posti il ​​\u200b\u200bcompito di far sembrare il ritratto un modello. Non erano tanto interessati alla solennità della presentazione, ma al mondo interiore di una persona, alla sua essenza, alla sua predisposizione alla spiritualità. Entro la fine del XVIII secolo, i pittori trasmettono l'anima dei loro modelli, gli stati d'animo più sottili e la variabilità dei personaggi.

Lo scopo del mio lavoro è dimostrare questa tendenza, ad es. transizione graduale da caratteristiche esterne persona alla trasmissione del suo stato interiore.

Per risolvere questo problema, mi sono concentrato sui ritratti dei seguenti eccezionali artisti russi:

E IO. Vishnyakova;

FS Rokotova;

DG Levitskij;

VL Borovikovsky.

Per caratterizzare il lavoro di ritratto di questi artisti, ho utilizzato una gamma abbastanza ampia di fonti, un elenco delle quali è riportato alla fine del lavoro. Tra i libri che ho utilizzato ci sono opere sull'arte del periodo prescelto (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), oltre a monografie dedicate all'opera di singoli artisti (2,3, 9,13,15).

L'immagine di una donna russa nell'arte del ritratto del XVIII secolo

Ritratto femminile cerimoniale della prima metà del XVIII secolo

Il ruolo di primo piano nella pittura della prima metà del Settecento spettava al ritratto. L'arte del ritratto si è sviluppata in due generi: cerimoniale e da camera.

Caratteristiche del ritratto frontale

Il ritratto cerimoniale è in gran parte un prodotto dello stile barocco, con il suo pesante splendore e la sua cupa grandezza. Il suo compito è mostrare non solo una persona, ma una persona importante in tutto lo splendore della sua posizione altamente sociale. Da qui l'abbondanza di accessori pensati per enfatizzare questa posizione, lo splendore teatrale della posa. Il modello è raffigurato sullo sfondo di un paesaggio o di un interno, ma sicuramente in primo piano, spesso in piena crescita, come se sopprimesse con la sua imponenza lo spazio circostante. (12)

Fu con i ritratti cerimoniali che uno dei principali ritrattisti di questo tempo, I.Ya. Vishnyakov.

L '"occhio" impeccabile dell'artista e il gusto impeccabile portarono Vishnyakov tra i migliori ritrattisti dell'epoca. Non a caso gli fu permesso non solo di copiare, ma anche di dipingere ritratti di regnanti, per poi "replicarli" per numerosi palazzi, istituzioni pubbliche e dignitari privati ​​(http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn.html)

All'artista piaceva il lusso decorativo degli abiti da cerimonia della sua epoca, la loro teatralità e festività. Con ammirazione trasmette la materialità e l'obiettività del mondo, scrive con cura e amore gli incredibili costumi del XVIII secolo, con i loro tessuti con motivi complessi, vari colori e trame, con i migliori ricami, pizzi e decorazioni. In qualità di maestro decoratore, Vishnyakov crea un'eccezionale gamma di colori. E sebbene il motivo sembri sovrapporsi alle rigide pieghe dell'abbigliamento, è tangibile e ricorda, secondo lo storico dell'arte T.V. Ilyina, (6) la fonte “il campo di una lussuosa miniatura antica russa del XVII secolo o l'ornamento floreale di un affresco dell'epoca. E soprattutto questa ricchezza del mondo materiale, i volti delle persone guardano e respirano.

Nel 1743 Vishnyakov dipinse un ritratto dell'imperatrice Elisabetta - rappresentante, quei magnifici. Elizabeth - in una corona, con uno scettro e un ululato, in un lussuoso abito moiré brillante. È curioso che questo ritratto sia piaciuto così tanto che Vishnyakov è stato incaricato di continuare a conciliare lo stile di altri ritratti di Elisabetta, chiunque li abbia dipinti - è diventato, per così dire, l'arbitro supremo in materia di iconografia imperiale. Nel frattempo, lui stesso, nonostante lo splendore della situazione in contrasto con lei, ha ritratto Elisabetta come una donna normale: sangue e latte, una bellezza russa dalle sopracciglia nere e rubiconda, più amichevole e accessibile che maestosa o regale. Dopo essersi appropriata degli attributi del potere, Elisabetta non si è mai abituata: qualcosa di familiare, caldo, sorridente-rustico, ovviamente, non senza astuzia e non senza mente, è sempre stato preservato nel suo aspetto, e Vishnyakov lo ha sicuramente sentito.

I ritratti di bambini di Vishnyakov sono stati ottenuti meglio.

Uno dei più interessanti è il ritratto di Sarah Fermor. (ill.3) Questa è un'immagine formale tipica dell'epoca. La ragazza è mostrata a figura intera, all'incrocio tra uno spazio aperto e uno sfondo paesaggistico con una colonna obbligatoria e un pesante sipario. Indossa un vestito elegante, un ventaglio in mano. La sua postura è costretta, ma in questa gelida solennità c'è molta poesia, una sensazione di vita tremante, alimentata da alta abilità artistica e grande calore dell'anima. Il ritratto combina, tipico di Vishnyakov, caratteristiche come se fossero nettamente contrastanti: sembra ancora un russo vivente tradizione medievale- e lo splendore della forma dell'arte cerimoniale europea del XVIII secolo. La figura e la posa sono condizionate, lo sfondo è interpretato in modo piatto - è un paesaggio apertamente decorativo - ma il volto è scolpito nel volume. La squisita scrittura dell'abito grigio-verde-blu colpisce per la ricchezza del dipinto a più strati e ha una tradizione di appiattimento. È trasmesso illusorio-materialmente, indoviniamo persino il tipo di tessuto, ma i fiori sono sparsi lungo il moiré senza tener conto delle pieghe, e questo "motivo" giace sull'aereo, come in un'antica miniatura russa. E al di sopra di tutto lo schema del ritratto cerimoniale - e questa è la cosa più sorprendente - vive una vita intensa il volto serio, triste di una bambina dallo sguardo pensieroso.

La soluzione cromatica - pittura tono argento, rifiuto dei punti luminosi locali (che in realtà era caratteristica del pennello di questo maestro) - è dovuta alla natura del modello, fragile e arioso, simile a un fiore esotico. (http:/ /www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Come da uno stelo, la sua testa cresce su un collo sottile, le braccia sono impotenti abbassate, più di un ricercatore ha scritto sulla cui lunghezza eccessiva. Questo è del tutto vero se consideriamo il ritratto dal punto di vista della correttezza accademica del disegno: notiamo che le mani erano generalmente più difficili per i maestri che non ricevevano una sistematica educazione "educativa", quali erano gli artisti della metà del il XVIII secolo, e Vishnyakov in particolare, ma la loro lunghezza sottolinea armoniosamente anche la fragilità del modello, così come gli alberi sottili sullo sfondo. Sarah Farmer non sembra incarnare il vero Settecento, ma l'effimero Settecento, meglio espresso nei suoni bizzarri del minuetto, che era solo sognato, e lei stessa, sotto il pennello di Vishnyakov, è come un sogno che si avvera .

Vishnyakov è riuscito a combinare nelle sue opere l'ammirazione per la ricchezza del mondo materiale e un alto senso di monumentalità, non perso nell'attenzione ai dettagli. In Vishnyakov questo monumentalismo risale all'antica tradizione russa, mentre l'eleganza e la raffinatezza della struttura decorativa testimoniano un'eccellente padronanza delle forme dell'arte europea. La combinazione armonica di queste qualità rende Ivan Yakovlevich Vishnyakov uno degli artisti più brillanti di un periodo di transizione così complesso nell'arte, che fu in Russia a metà del XVIII secolo.

DG Levitsky

Nell'opera di Levitsky, un ritratto cerimoniale occupa un posto importante. Qui la decoratività insita nella sua pittura si rivela in tutto il suo splendore.

Nei ritratti cerimoniali periodo maturo Levitsky è liberato dalla retorica teatrale, sono intrisi dello spirito di allegria, di una festosa sensazione di vita, di un luminoso e sano ottimismo.

Particolare attenzione dovrebbe essere prestata ai grandi ritratti cerimoniali (a figura intera) che formano un unico insieme decorativo di alunni dell'Istituto Smolny per Noble Maidens.

“Ritratto di Khovanskaya e Khrushchova”, 1773, Museo Russo (Fig. 8)

Commissionato da Caterina II, scrisse Levitsky intera linea ritratti di alunni dell'Istituto Smolny per Noble Maidens. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Due ragazze raffigurate in questo ritratto interpretano ruoli da opera comica"Vagaries of Love, o Ninetta a Corte".

Khrushchova, notoriamente sui fianchi, tocca scherzosamente il mento della sua ragazza. Un sorriso beffardo gioca sul viso brutto ma molto espressivo della ragazza. Interpreta con sicurezza il ruolo maschile. La sua compagna, Khovanskaya, guarda timidamente il "cavaliere", la sua confusione si legge nel giro goffo della sua testa, in quanto impotente la sua mano giace sul raso lucente della gonna. Vediamo scene paesaggistiche raffiguranti un parco all'inglese, rovine classiche, la sagoma di un castello. A sinistra, un albero tentacolare fa da sfondo alla figura di Khrushchova, su primo piano- un finto tumulo che copre la luce aggiuntiva dal pubblico. Le ragazze sono illuminate dalla luce della rampa, motivo per cui le ombre sul pavimento ei contorni delle figure sono così distinti. Khrushcheva indossa una canotta di seta grigio scuro ornata di galloon d'oro. Nel teatro dell'istituto, dove i ragazzi non si esibivano mai, Khrushchova era considerato un interprete insuperabile di ruoli maschili. Ma dopo l'istituto, il suo destino non ha avuto successo e non ha potuto occupare un posto importante nel mondo. E Katya Khovanskaya inizierà ad attirare l'attenzione di tutti, diventerà la moglie del poeta Neledinsky-Meletsky e la prima interprete di canzoni scritte da suo marito.

"Ritratto di Nelidova" 1773 (Fig. 7)

Questo è il più antico dei catrami. Mentre studiava ancora a Smolny, è diventata famosa per la sua eccellente esibizione sul palco, ha brillato soprattutto nella danza e nelle esibizioni di canzoni. Nel ritratto, interpreta un ruolo nella commedia "The Servant - Mistress". È già consapevole del proprio fascino, ha bisogno di compiacere, le abilità del comportamento teatrale sono perfettamente padroneggiate. La statuetta si ergeva con sicurezza in una posa da balletto, la maniglia solleva con grazia il grembiule di pizzo, i nastri rosa adornano il cappello di paglia del pastore: tutto crea una sensazione di porcellana simile a una bambola. E un viso vivace, occhi ridenti, un sorriso spiegano che tutto questo è solo un gioco. Sullo sfondo ci sono morbidi ciuffi di alberi verdi, nuvole leggere ed eleganti

Ritratti di E. I. Nelidova (1773), (Il. 7) E. N. Khrushchova e E. N. Khovanskaya (1773), (Il. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) e altri. La struttura figurativa di queste opere è associata alla caratteristica del ritratto cerimoniale del XVIII secolo. l'immagine di una donna come un essere "allegro, che ama solo risate e divertimento". Ma sotto il pennello di Levitsky, questa formula generale era piena di un contenuto vitale realisticamente convincente.

Alto classicismo nella pittura - "Caterina II - il legislatore nel tempio della dea della giustizia" 1783, Museo Russo. (figura 3)

Questa è una vera ode pittorica con tutte le caratteristiche inerenti a questo genere. Il personaggio è l'imperatrice, in piena veste, fiera, ragionevole, sovrana ideale. L'Imperatrice è presentata in un abito d'argento bianco e scintillante dal taglio rigoroso con una corona di alloro in testa e una fascia sul petto. Indossa un pesante mantello, che le scende dalle spalle e sottolinea la grandezza dell'imperatrice.

Caterina è raffigurata sullo sfondo di un solenne sipario, che avvolge larghe colonne e un piedistallo ad ampie pieghe, su cui è posta una statua di Themis, la dea della giustizia. Dietro il colonnato, dietro una rigorosa balaustra, sono raffigurati un cielo tempestoso e un mare su cui navigano navi. Catherine tese la mano sull'altare illuminato con un ampio gesto. Un'aquila, l'uccello di Zeus, siede su spessi fogli accanto all'altare. Il mare ricorda i successi della flotta russa nel XVIII secolo, il volume di leggi che Caterina creò alla Commissione legislativa, la statua di Themis - sulla legislazione dell'imperatrice glorificata dai poeti. Ma questo, ovviamente, non è il vero aspetto di Catherine, ma l'immagine di un monarca ideale, come voleva vederlo l'Illuminismo. Il dipinto ebbe un grande successo e ne furono fatte molte copie.

VL Borovikovsky

La particolarità del ritratto cerimoniale russo nell'opera di Borovikovsky, progettato per glorificare, prima di tutto, la posizione di una persona in una società di classe, era il desiderio di rivelare il mondo interiore di una persona.

"Caterina II a passeggio nel parco Tsarskoye Selo" - un ritratto di Caterina II di Vladimir Borovikovsky, dipinto nella corrente principale del sentimentalismo, una delle immagini più famose dell'Imperatrice.

Borovikovsky dipinse un ritratto insolito per quel tempo e intriso dello spirito di una nuova corrente di sentimentalismo, in contrasto con il classicismo che dominava a quel tempo nei ritratti imperiali. I tratti caratteristici di questa tendenza sono l'idealizzazione della vita in seno alla natura, il culto della sensibilità e l'interesse per la vita interiore di una persona. Il sentimentalismo si manifesta nel rifiuto dell'autore degli interni dei grandi palazzi e nella preferenza per la natura, che è "più bella dei palazzi". “Per la prima volta nell'arte russa, lo sfondo di un ritratto diventa un elemento importante per caratterizzare un eroe. L'artista canta l'esistenza umana nell'ambiente naturale, interpreta la natura come fonte di piacere estetico.

Ekaterina, 65 anni, viene mostrata mentre cammina nel parco di Tsarskoye Selo, appoggiata a un bastone a causa dei suoi reumatismi. I suoi vestiti sono enfatizzati dall'informalità: è vestita con una vestaglia, decorata con una balza di pizzo con un fiocco di raso e un berretto di pizzo, un cane che si diverte ai suoi piedi. Il sovrano non è rappresentato da una dea, ma da un semplice "proprietario terriero di Kazan", in cui le piaceva apparire l'anno scorso vita, una vita contemplativa, senza alcuna burocrazia, solennità e attributi cerimoniali. Il ritratto è diventato un'opzione domestica tipo inglese"passeggiata verticale". Nel crepuscolo del parco è visibile un molo con sfingi, i cigni nuotano nel lago. Il volto della modella è scritto in modo generalizzato e condizionale, l'età è ammorbidita.

Così, " semplicità naturale”, oltre al sentimentalismo, avvicinando in parte il quadro al classicismo illuminista. Tuttavia, la postura dell'imperatrice è piena di dignità, il gesto con cui indica il monumento alle sue vittorie è sobrio e maestoso.

A differenza di Ekaterina - Themis Levitsky, Ekaterina Borovikovsky - è raffigurata come una "vecchia signora" del "proprietario terriero di Kazan" che cammina in giardino con il suo amato levriero italiano. Borovikovsky ha creato un ritratto insolito per quel tempo. Ekaterina viene presentata a passeggio nel parco di Tsarskoye Selo in vestaglia e berretto, con il suo levriero italiano preferito ai suoi piedi. Non Felice, non una regina simile a un dio scesa dal cielo, appare davanti allo spettatore, ma un semplice "proprietario terriero di Kazan", che le piaceva apparire negli ultimi anni della sua vita.

L'artista ha raffigurato la figura di Caterina con insuperabile simpatia. Questa non è un'imperatrice nella sua vecchiaia, ma prima di tutto una persona, una donna, un po 'stanca degli affari di stato, del galateo di corte, che, nel tempo libero, non è contraria a stare da sola, abbandonandosi ai ricordi e ammirando la natura . “Nell'arte russa, questo è il primo esempio di intimo nella sua essenza ritratto reale accostarsi a una pittura di genere.

Tuttavia, anche in questo ritratto intimo c'è un “motivo emblematico di una colonna “pilastro” - la colonna Chesme (obelisco di Kahul - nella versione del ritratto del Museo di Stato russo), che, nonostante tutto il sentimentalismo dell'immagine di Caterina dell'intera trama del ritratto, simboleggia "fermezza o costanza", "spirito incrollabile" , "Forte speranza". Le tele dell'artista sono molto eleganti grazie alla graziosa messa in scena dei modelli, ai gesti aggraziati e alla sapiente manipolazione del costume.

I ritratti cerimoniali di Vishnyakov sono caratterizzati da un alto senso di monumentalità, non perso nell'attenzione ai dettagli. In Vishnyakov questo monumentalismo risale all'antica tradizione russa, mentre l'eleganza e la raffinatezza della struttura decorativa testimoniano un'eccellente padronanza delle forme dell'arte europea.

La particolarità del ritratto cerimoniale russo nell'opera di Borovikovsky, progettato per glorificare, prima di tutto, la posizione di una persona in una società di classe, era il desiderio di rivelare il mondo interiore di una persona. I suoi ritratti sono intrisi dello spirito della nuova tendenza del sentimentalismo, in contrasto con il classicismo che dominava a quel tempo nei ritratti imperiali.

Levitsky era altrettanto bravo nei ritratti da camera e nei ritratti cerimoniali a figura intera.

I ritratti cerimoniali di Levitsky rivelano l'effetto decorativo insito nella sua pittura in tutto il suo splendore.

Nei ritratti cerimoniali del periodo maturo, Levitsky è liberato dalla retorica teatrale, sono intrisi dello spirito di allegria.

2. Caratteristiche del ritratto da camera della seconda metà del XVIII secolo:

Ritratto da camera - un ritratto che utilizza un'immagine a mezzo busto, al petto o alle spalle della persona raffigurata. Di solito in un ritratto da camera la figura è rappresentata su uno sfondo neutro.

Un ritratto da camera non è solo un insieme di segni esterni, è un nuovo modo di vedere una persona. Se nell'immagine cerimoniale il criterio del valore di una personalità umana erano le sue azioni (che lo spettatore apprendeva attraverso gli attributi), allora nella camera vengono alla ribalta una qualità morale.

Il desiderio di trasmettere le qualità individuali di una persona e allo stesso tempo farne una valutazione etica.

Borovikovsky si rivolse a varie forme ritratto - intimo, cerimoniale, in miniatura Vladimir Lukich Borovikovsky è stato l'artista sentimentale russo più sorprendente. Prenota A.I. Arkhangelskaya "Borovikovsky" (3) racconta le fasi principali del lavoro di questo meraviglioso artista russo, che era in russo belle arti espressione di sentimentalismo. Secondo l'autore, V. L. Borovikovsky è "un cantante della personalità umana, che si sforza di dare l'ideale di una persona come lui ei suoi contemporanei immaginavano che fosse". Fu il primo tra i ritrattisti russi a rivelare la bellezza della vita emotiva. Il posto predominante nell'opera di Borovikovsky è occupato dai ritratti da camera.

Borovikovsky sta diventando popolare tra una vasta gamma di nobiltà di San Pietroburgo. L'artista ritrae interi "clan" familiari: Lopukhins, Tolstoy, Arsenyevs, Gagarins, Bezborodko, che hanno diffuso la sua fama attraverso i canali familiari. Questo periodo della sua vita comprende i ritratti di Caterina II, dei suoi numerosi nipoti, del ministro delle finanze AI Vasiliev e di sua moglie. Le tele dell'artista sono molto eleganti grazie alla graziosa messa in scena dei modelli, ai gesti aggraziati e alla sapiente manipolazione del costume. Gli eroi di Borovikovsky sono solitamente inattivi, la maggior parte dei modelli è intossicata dalla propria sensibilità. Ciò è espresso dal ritratto di M.I. Lopukhina (1797), dal ritratto di Skobeeva (metà del 1790) e dall'immagine della figlia di Caterina II e A.G. Potemkin - E.G. Temkina (1798) .

“Il ritratto di M.I. Lopukhina (Fig. 7) (5) appartiene al tempo in cui, insieme al predominio del classicismo, si sta affermando il sentimentalismo. L'attenzione alle sfumature del temperamento individuale, il culto dell'esistenza solitaria-privata agiscono come una sorta di reazione alla normatività del classicismo che è di natura sociale. La disinvoltura naturale traspare nel gesto artisticamente incurante di Lopukhina, nell'inclinazione capricciosamente ribelle della testa, nella magistrale flessione delle labbra morbide, nella distrazione sognante del suo sguardo.

L'immagine di M.I. Lopukhina affascina lo spettatore con una dolce malinconia, un'insolita morbidezza dei tratti del viso e un'armonia interiore. Questa armonia è trasmessa dall'intera struttura artistica del quadro: sia dal giro della testa che dall'espressione del volto della donna, è sottolineata anche da singoli dettagli poetici, come le rose colte e già pendenti sullo stelo. Questa armonia è facile da cogliere nella melodiosa levigatezza delle linee, nella premura e nella subordinazione di tutte le parti del ritratto.
Il volto di M.I. Lopukhina, forse, è lontana dall'ideale classico della bellezza, ma è piena di un fascino così inesprimibile, di un fascino così spirituale che accanto ad essa molte bellezze classiche sembreranno uno schema freddo e inanimato. L'immagine accattivante di una donna tenera, malinconica e sognante è trasmessa con grande sincerità e amore, l'artista rivela il suo mondo spirituale con sorprendente persuasività.
Uno sguardo pensieroso, languido, triste-sognante, un sorriso gentile, la libera disinvoltura di una posa un po' stanca; linee lisce, cadenti ritmicamente; forme morbide e arrotondate; un abito bianco, una sciarpa lilla e rose, una cintura blu, capelli color cenere, uno sfondo verde di fogliame e infine una foschia morbida e ariosa che riempie lo spazio: tutto ciò forma una tale unità di tutti i mezzi di espressione pittorica, in in cui la creazione dell'immagine si rivela più pienamente e profondamente.

Il ritratto di Lopukhina è dipinto sullo sfondo di un paesaggio. È in piedi in giardino, appoggiata a una vecchia consolle di pietra. La natura, tra cui si è ritirata l'eroina, ricorda un angolo del parco paesaggistico di una tenuta nobiliare. Lei personifica mondo meraviglioso pieno di naturale bellezza e purezza. Rose appassite, gigli evocano una leggera tristezza, pensieri sulla bellezza estroversa. Fanno eco all'atmosfera di tristezza, trepidazione, malinconia in cui è immersa Lopukhina. Nell'era del sentimentalismo, l'artista è particolarmente attratto dagli stati complessi e transitori del mondo interiore di una persona. Elegiaco sogno, languida tenerezza permeano l'intero tessuto artistico dell'opera. La premura e un leggero sorriso di Lopukhina tradiscono la sua immersione nel mondo dei propri sentimenti.

L'intera composizione è permeata da ritmi lenti e fluidi. La curva liscia della figura, la mano dolcemente abbassata fa eco ai rami inclinati degli alberi, ai tronchi bianchi delle betulle, alle spighe di segale. Contorni sfocati indistinti creano la sensazione di un ambiente leggero e arioso, una foschia trasparente in cui la figura del modello e la natura che lo circonda sono "immerse". Il contorno che scorre intorno alla sua figura - ora perduto, poi appare sotto forma di una linea sottile e flessibile - evoca nella memoria dello spettatore i contorni di statue antiche. Cadendo, convergendo o formando pieghe lisce, i tratti più sottili e spirituali del viso: tutto ciò costituisce, per così dire, non la pittura, ma la musica. Il delicato blu del cielo, il verde tenue del fogliame, l'oro delle spighe con chiazze luminose di fiordalisi riecheggiano di colore con un vestito bianco perla, una cintura blu e gioielli luccicanti sul braccio. Sfumature di rose sbiadite fanno eco alla sciarpa lilla.

Nei ritratti di Borovikovsky, "Lizanka e Dashenka" (Il. 6) (3) incarnano il tipo di ragazze sensibili di quell'epoca. I loro volti teneri sono premuti guancia contro guancia, i loro movimenti sono pieni di grazia giovanile. La mora è seria e sognatrice, la bionda vivace e divertente. Completandosi a vicenda, si fondono in un'unità armoniosa. La natura delle immagini corrisponde ai toni delicati dei freddi bluastri-lilla e dei caldi colori oro-rosa.

Borovikovsky è riuscito soprattutto a raffigurare "giovani fanciulle" di famiglie nobili. Tale è il "Ritratto di Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva" (4), che fu allieva dell'Istituto Smolny per nobili fanciulle, la damigella d'onore dell'imperatrice Maria Feodorovna. Una giovane donna Smolyanka è raffigurata in un abito peyzan: indossa un abito spazioso, un cappello di paglia con spighe di grano e una mela in bottiglia tra le mani. Chubby Katenka non si distingue per la classica regolarità dei suoi lineamenti. Tuttavia, il naso all'insù, gli occhi scintillanti di astuzia e un leggero sorriso di labbra sottili conferiscono all'immagine un aspetto vivace e civettuolo. Borovikovsky ha catturato perfettamente l'immediatezza della modella, il suo fascino vivace e la sua allegria.

FS Rokotov

Creatività F.S. Rokotov (1735-1808) è una delle pagine più affascinanti e difficili da spiegare della nostra cultura.

L'immagine cerimoniale non era per Rokotov né l'area preferita né quella più tipica della creatività. Il suo genere preferito è il ritratto del busto, in cui tutta l'attenzione dell'artista è focalizzata sulla vita di un volto umano. Il suo schema compositivo si distingueva per la semplicità, al limite della monotonia. Allo stesso tempo, i suoi ritratti sono caratterizzati da una sottile abilità pittorica.

Era attratto da altri compiti pittorici: la creazione di tele da camera, intime, che riflettessero le idee del maestro sulla sublime struttura mentale

Passando al lavoro di F.S. Rokotov, come sostenitore di un ritratto da camera, gli autori notano che questo artista combina un inizio ideale con le caratteristiche di un aspetto individuale, insieme a una rappresentazione magistrale delle caratteristiche del viso, dell'abbigliamento, dei gioielli della persona ritratta, del artista è in grado di rivelare le qualità spirituali del modello.

Nella caratterizzazione dell'immagine di Rokotov, l'espressività degli occhi e le espressioni facciali sono molto importanti e l'artista non cerca uno specifico trasferimento di umore, piuttosto vuole creare una sensazione di inafferrabilità, sentimenti fugaci di una persona. le opere stupiscono per la bellezza delicata e raffinata della combinazione di colori. La colorazione, che di solito si basa su tre colori, grazie alle transizioni, esprime la ricchezza e la complessità della vita interiore della persona ritratta. L'artista usa il chiaroscuro in modo peculiare, evidenziando il volto e, per così dire, dissolvendo piccoli dettagli.

I ritratti di Rokotov sono la storia nei volti. Grazie a loro, abbiamo l'opportunità di immaginare le immagini di un'epoca passata.

Alla fine degli anni 1770-1780.

Queste caratteristiche della creatività di Rokotov si manifestavano più pienamente nei ritratti femminili, che occupavano un posto speciale nell'arte del XVIII secolo. Al momento del suo massimo splendore creativo, il pittore crea una galleria di bellissime immagini femminili: A. P. Struyskaya (1772) (Ill. 13), V. E. Novosiltseva. (figura 14)

Il prossimo ritratto femminile è "Sconosciuto in abito rosa" dipinto negli anni '70 del Settecento. È considerato uno dei capolavori di Rokotov. Le più belle gradazioni di rosa - da saturo nell'ombra, poi caldo, leggero, creano l'effetto di sfarfallio, svolazzamento del miglior ambiente di luce-aria, come se fosse in sintonia con i movimenti spirituali interiori nascosti indispensabili nei ritratti del 18 ° secolo. sorriso gentile, traslucido nel profondo dei suoi occhi. Questa immagine è piena di uno speciale fascino lirico.

Particolarmente degno di nota è "Ritratto di una donna sconosciuta con un vestito rosa". L'apertura di una persona a un'altra e al mondo implica intimità, attenzione e interesse nascosti, forse da qualche parte indulgenza, un sorriso a se stesso, e poi entusiasmo e allegria, un impulso pieno di nobiltà - e questa apertura, fiducia in un'altra persona e nel mondo nel suo insieme - le proprietà della giovinezza, della giovinezza, soprattutto in un'epoca in cui nuovi ideali di bontà, bellezza, umanità sono nell'aria, come un soffio di primavera. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

Il ritratto di una giovane donna sconosciuta con gli occhi pensosamente socchiusi, in un abito rosa chiaro (Sconosciuto in rosa), dipinto da Fyodor Stepanovich Rokotov, attira sottigliezza, ricchezza spirituale. Rokotov scrive piano, arioso. A mezzo accenno, senza tirare nulla fino in fondo, trasmette la trasparenza del pizzo, la morbida massa dei capelli incipriati, un viso luminoso dagli occhi sfumati.

F. Rokotov “Ritratto di A.P. Struyskaya" (Il. 13)

1772, olio su tela, 59,8x47,5 cm

Il ritratto di Alexandra Struyskaya è senza dubbio l'immagine più brillante di un perfetto bella donna tutta la ritrattistica russa. È raffigurata una giovane donna affascinante, piena di grazia accattivante. Un grazioso ovale del viso, sottili sopracciglia volanti, un leggero rossore e uno sguardo pensieroso e assente. Ai suoi occhi - orgoglio e purezza spirituale. Il ritratto è dipinto con sfumature di colore e luce. Le ombre sfumano sottilmente nella luce, i toni grigio cenere diventano blu e i toni rosati diventano oro pallido. I trabocchi di luce e le gradazioni di colore non sono evidenti e creano una leggera foschia, forse una sorta di mistero.

La leggenda dell'amore di Rokotov per Struiska è stata preservata, apparentemente ispirata dal tono speciale del fascino e dalla fortuna del talento dell'artista che ha creato il suo ritratto (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html)

Levitsky

Nei suoi ritratti da camera prevale notevolmente un atteggiamento oggettivo nei confronti del modello. La caratteristica dell'individualità diventa più generalizzata, in essa vengono enfatizzate le caratteristiche tipiche. Levitsky rimane un grande psicologo e un brillante pittore, ma non mostra il suo atteggiamento nei confronti del modello.

Lo stesso tipo di sorrisi, rossore troppo luminoso sulle guance, una tecnica per sistemare le pieghe. Pertanto, l'allegra amante E.A. Bakunina (1782) e la primitiva e secca Dorothea Schmidt (primi anni 1780) in tedesco diventano sottilmente simili tra loro.

Ritratto di Ursula Mnishek (Fig. 12)

1782, olio su tela,

Stato Galleria Tretyakov, Mosca

Il ritratto di Ursula Mnishek è stato dipinto all'apice dell'abilità e della fama dell'artista. L'ovale era raro nella pratica del ritratto di D. G. Levitsky, ma fu questa forma che scelse per un'immagine squisita di una bellezza secolare. Con una natura illusoria su vasta scala, il maestro ha trasmesso la trasparenza del pizzo, la fragilità del raso, i capelli grigi della cipria di una parrucca alta alla moda. Guance e zigomi "bruciano" con il calore del fard cosmetico sovrapposto.

Il volto è dipinto a tratti fusi, indistinguibili grazie alla velatura alleggerita trasparente e che conferisce al ritratto una superficie liscia-laccata. Su uno sfondo scuro, si combinano vantaggiosamente i toni grigio-bluastro, argento-cenere e oro-pallido.

Il giro distaccato della testa e il sorriso benevolo e colto conferiscono al viso un'espressione cortese e laica. Lo sguardo freddo e diretto sembra evasivo, nascondendo l'io interiore della modella. I suoi occhi chiari e aperti sono volutamente riservati, ma non misteriosi. Questa donna suscita involontariamente ammirazione, così come la pittura virtuosa del maestro.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Conclusione:

Borovikovsky nei suoi ritratti da camera cattura perfettamente la spontaneità della modella, il suo fascino vivace e la sua allegria. Borovikovsky è stato il primo tra i ritrattisti russi a rivelare la bellezza della vita emotiva. Le tele dell'artista sono molto eleganti grazie alla graziosa messa in scena delle modelle, ai gesti aggraziati e all'abile gestione del costume: gli eroi di Borovikovsky sono solitamente inattivi, la maggior parte delle modelle è intossicata dalla propria sensibilità.

I ritratti creati da Levitsky di qualità da camera “intima” sono caratterizzati dalla profondità e dalla versatilità delle caratteristiche psicologiche, sono caratterizzati da una grande moderazione dei mezzi artistici.

Nei suoi ritratti da camera prevale notevolmente un atteggiamento oggettivo nei confronti del modello. La caratteristica dell'individualità diventa più generalizzata, in essa vengono enfatizzate le caratteristiche tipiche.

FS Rokotov, un aderente al ritratto da camera

segno distintivo Rokotov è un crescente interesse per il mondo interiore dell'uomo; nel ritratto l'artista sottolinea la presenza di una complessa vita spirituale, la poeticizza, focalizza su di essa l'attenzione dello spettatore, affermandone così il valore.