Dove è nato Sergei Prokofiev direttore d'orchestra e compositore. Breve biografia di Sergei Prokofiev

Sergei Prokofiev è un eccezionale compositore russo e una personalità dal destino unico. Un uomo dalle capacità sorprendenti che è entrato al Conservatorio di San Pietroburgo quando aveva solo 13 anni. Un uomo che è andato all'estero dopo la rivoluzione, ma è tornato in URSS - con onore e senza lo stigma di "disertore". Una persona con un'aspirazione incrollabile, che non è stata spezzata dalle difficoltà della vita. È stato favorito dalle autorità, ha ricevuto i più alti riconoscimenti statali e poi, durante la sua vita, è stato dimenticato e disonorato. L'uomo che è chiamato "l'unico genio" del ventesimo secolo e le cui incredibili opere deliziano gli ascoltatori di tutto il mondo.

Una breve biografia di Sergei Prokofiev e molti altri fatti interessanti leggi del compositore sulla nostra pagina.

Breve biografia di Prokofiev

Sergey Sergeevich Prokofiev viene dal villaggio ucraino di Sontsovka. Esistono diverse versioni della data della sua nascita, ma è consigliabile indicare quella che lui stesso ha indicato nella sua "Autobiografia" - 11 (23) aprile 1891. Sembra che fosse già nato compositore, perché grazie a sua madre, Maria Grigoryevna, che suonava il pianoforte in modo eccellente, la casa dei Prokofiev era piena di musica. L'interesse per lo strumento ha spinto la piccola Serezha a iniziare a imparare a suonare. Dal 1902, Sergei Prokofiev iniziò a insegnare musica RM glier.

Prokofiev divenne studente al Conservatorio di Mosca nel 1904. Cinque anni dopo, si è laureato al dipartimento di composizione e, cinque anni dopo, al dipartimento di pianoforte, diventando il miglior laureato. Ha iniziato a tenere concerti nel 1908. Il debutto è stato valutato in modo estremamente favorevole dalla critica, sono stati notati sia il talento nell'esecuzione che l'originalità del compositore. Dal 1911 sono state pubblicate note delle sue opere. Il punto di svolta nel destino del giovane Prokofiev fu la sua conoscenza SP Djagilev nel 1914. Grazie all'unione dell'imprenditore e del compositore, sono nati quattro balletti. Nel 1915 Diaghilev organizzò la prima esibizione straniera di Prokofiev con un programma composto dalle sue composizioni.

Prokofiev ha percepito la rivoluzione come distruzione, "massacro e gioco". Pertanto, l'anno successivo è andato a Tokyo e da lì a New York. Ha vissuto a lungo in Francia, girando il vecchio e il nuovo mondo come pianista. Nel 1923 sposò la cantante spagnola Lina Codina, ebbero due figli. Venendo alle esibizioni Unione Sovietica, Prokofiev vede un'accoglienza eccezionalmente cordiale, persino lussuosa, da parte delle autorità, un successo di pubblico grandioso e senza precedenti, e riceve anche un'offerta di ritorno e una promessa dello status di "primo compositore". E nel 1936 Prokofiev si trasferì a vivere a Mosca con la sua famiglia e la sua proprietà. Le autorità non lo hanno ingannato: un appartamento lussuoso, servi ben addestrati, gli ordini arrivano come da una cornucopia. Nel 1941 Prokofiev lasciò la famiglia per Mira Mendelssohn.

inaspettato eventi drammatici 1948 iniziò. Il cognome di Prokofiev è stato menzionato nella risoluzione del partito "Sull'opera" Great Friendship "di V. Muradeli". Il compositore è stato classificato tra i "formalisti". Di conseguenza, alcune delle sue composizioni, in particolare la Sesta Sinfonia, furono bandite, il resto non fu quasi mai eseguito. Tuttavia, già nel 1949, queste restrizioni furono revocate per ordine personale di Stalin. Si è scoperto che anche il "primo compositore" del paese non appartiene alla casta degli intoccabili. Meno di dieci giorni dopo la pubblicazione del devastante decreto, la prima moglie del compositore, Lina Ivanovna, fu arrestata. Fu condannata a 20 anni nei campi per spionaggio e tradimento, sarebbe stata rilasciata solo nel 1956. La salute di Prokofiev peggiorò notevolmente, i medici gli consigliarono di lavorare a malapena. Tuttavia, nel 1952 assistette personalmente alla prima esecuzione della sua Settima sinfonia e scrisse musica anche nell'ultimo giorno della sua vita. La sera del 5 marzo 1953, il cuore di Sergei Prokofiev si fermò...

Prokofiev - compositore

Dalla biografia di Prokofiev sappiamo che all'età di cinque anni Seryozha ha inventato e suonato il suo primo pezzo al pianoforte (Maria Grigoryevna ha scritto le note). Avendo visitato nel 1900 produzioni moscovite di " Faust" E " bella addormentata”, il bambino è stato così ispirato da ciò che ha sentito che solo sei mesi dopo è nata la sua prima opera “The Giant”. Già al momento dell'ingresso al conservatorio si erano accumulate diverse cartelle di composizioni.

L'idea della sua prima grande opera basata sulla trama del romanzo di F.M. Dostoevskij" Giocatore”, in cui, in gioventù, Prokofiev intendeva trasferirsi palcoscenico dell'opera, è stato discusso dal compositore principalmente con S. Diaghilev. Che, però, non era interessato all'idea. A differenza del direttore principale del Teatro Mariinsky A. Coates, che l'ha sostenuta. L'opera fu completata nel 1916, fu fatta la distribuzione delle parti, iniziarono le prove, ma a causa di una sfortunata serie di ostacoli, la prima non ebbe mai luogo. Dopo un po ', Prokofiev ha realizzato la seconda edizione dell'opera, ma lei Gran Teatro ambientato solo nel 1974. Durante la vita del compositore, fu realizzata solo la produzione della seconda edizione del teatro La Monnaie di Bruxelles nel 1929, dove l'opera fu rappresentata in francese. L'ultima opera scritta ed eseguita nella San Pietroburgo pre-rivoluzionaria è stata la Prima Sinfonia. Durante il periodo di vita all'estero sono state create: opere " Amore per tre arance"e" Fiery Angel", tre sinfonie, molte sonate e brani, musica per il film "Lieutenant Kizhe", concerti per violoncelli, pianoforte, violini con un'orchestra

Il ritorno in URSS è un momento rapido decollo creativo Prokofiev, quando le opere che divennero sue " biglietto da visita» anche per coloro che non hanno familiarità con la musica classica - balletto "Romeo e Giulietta" e la fiaba sinfonica "Pietro e il lupo". Nel 1940, il Teatro dell'Opera. KS Stanislavsky dà la prima di Seeds of Kotko. Allo stesso tempo, sono stati completati i lavori per l'opera Fidanzamento in un monastero, dove M. Mendelssohn è stato coautore del libretto.

Nel 1938 uscì il film di S. Eisenstein "Alexander Nevsky", che in pochi anni era destinato a diventare un simbolo della lotta contro gli invasori nazisti. La musica di questo film, così come il secondo film monumentale del regista "Ivan the Terrible", è stata scritta da Sergei Prokofiev. Gli anni della guerra furono segnati dall'evacuazione nel Caucaso e dal lavoro su tre opere maggiori: Quinta sinfonia, balletto "Cenerentola", musica lirica " Guerra e Pace". L'autore del libretto di quest'opera e delle successive opere del compositore era la sua seconda moglie. Il dopoguerra si distingue principalmente per due sinfonie: la Sesta, considerata una sorta di requiem per le vittime della guerra, e la Settima, dedicata alla giovinezza e alle speranze.

Fatti interessanti:

• La versione dell'opera The Gambler, scritta per il Teatro Mariinsky nel 1916, non fu mai rappresentata lì. La prima della seconda edizione ebbe luogo solo nel 1991.
• Durante la vita di Prokofiev, solo 4 delle sue opere furono messe in scena in URSS. Allo stesso tempo, nemmeno uno al Teatro Bolshoi.
• Sergei Prokofiev ha lasciato due vedove legali. Un mese prima dell'arresto di L. Prokofieva, che non gli ha concesso il divorzio, né per motivi di sicurezza, né perché sinceramente non voleva lasciare andare il suo amato, il compositore si è risposato. Gli fu consigliato di utilizzare le disposizioni legali del decreto sul divieto di matrimoni con stranieri, che riconosceva invalido il matrimonio in chiesa con Lina Ivanovna, concluso in Germania. Prokofiev si affrettò a legalizzare i rapporti con M. Mendelssohn, sostituendo così ex moglie sotto il colpo della macchina repressiva sovietica. Dopotutto, con un tratto di penna e contro la sua volontà, si è trasformata da moglie di Prokofiev in una straniera solitaria, mantenendo rapporti con altri stranieri a Mosca. Al ritorno dal campo, la prima moglie del compositore ha ripristinato in tribunale tutti i suoi diritti coniugali, inclusa una parte significativa dell'eredità.
• Il compositore era un brillante giocatore di scacchi . “Gli scacchi sono la musica del pensiero” è uno dei suoi aforismi più famosi. Una volta riuscì persino a vincere una partita contro il campione mondiale di scacchi H.-R. Capablanca.

• Dal 1916 al 1921 Prokofiev raccolse un album di autografi dai suoi amici che rispondevano alla domanda: "Cosa ne pensi del sole?". Tra coloro che hanno risposto c'erano K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinshtein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont. Il lavoro di Prokofiev è spesso definito solare, ottimista, allegro. Anche il luogo della sua nascita in alcune fonti si chiama Solntsevka.
• La biografia di Prokofiev rileva che nei primi anni delle esibizioni del compositore negli Stati Uniti, lì fu chiamato un "bolscevico musicale". Il pubblico americano si è rivelato troppo conservatore per capire la sua musica. Inoltre, aveva già il suo idolo russo: Sergei Rachmaninov.
• Al suo ritorno in URSS, a Prokofiev fu assegnato un ampio appartamento in una casa al 14, Zemlyanoy Val, dove, in particolare, vivevano: il pilota V. Chkalov, il poeta S. Marshak, l'attore B. Chirkov, l'artista K. Yuon. Mi hanno anche permesso di portare con me una Ford blu acquistata all'estero e persino di avere un autista personale.
• I contemporanei hanno notato la capacità di Sergei Sergeevich di vestirsi con gusto. Non era imbarazzato né dai colori vivaci né dalle combinazioni audaci nei vestiti. Amava i profumi francesi e gli accessori costosi come cravatte, vini pregiati e cibo gourmet.
• Sergei Prokofiev ha tenuto un diario personale dettagliato per 26 anni. Ma dopo essersi trasferito in Unione Sovietica, ha deciso che era più saggio non farlo più.

• Dopo la guerra, Prokofiev visse principalmente in una dacia nel villaggio di Nikolina Gora vicino a Mosca, che acquistò con i soldi del quinto Premio Stalin. A Mosca, la sua casa era di tre stanze in un appartamento comune, dove, oltre al compositore e sua moglie, viveva anche il patrigno di Mira Abramovna.
• Il compositore includeva spesso frammenti e melodie di opere precedenti nelle sue opere. Esempi inclusi:
  - la musica del balletto "Ala e Lolly", che S. Diaghilev si rifiutò di mettere in scena, fu rielaborata da Prokofiev nella Scythian Suite;
  - la musica della Terza Sinfonia è tratta dall'opera "Fiery Angel";
  - La quarta sinfonia è nata dalle musiche del balletto "Prodigal Son";
  - Il tema "Steppa tatara" del dipinto "Ivan il Terribile" ha costituito la base dell'aria di Kutuzov nell'opera "Guerra e pace".
• "Steel lope" per la prima volta che ho visto Scena russa solo nel 2015, a 90 anni dalla sua creazione.
• Il compositore ha terminato il lavoro sul duetto di Katerina e Danila dal balletto "The Tale of the Stone Flower" poche ore prima della sua morte.
• La vita di S.S. Prokof'ev e I.V. Stalin è stato interrotto in un giorno, a causa del quale la morte del compositore è stata annunciata alla radio con un ritardo e l'organizzazione del funerale è stata molto più difficile.

Sergei Prokof'ev e il cinema

La creazione di musiche per film da parte di un compositore di questo calibro non ha precedenti nell'arte. Nel 1930-40 Sergei Prokofiev ha scritto musica per otto film. Uno di loro, The Queen of Spades (1936), non ha mai visto la luce del giorno a causa di un incendio alla Mosfilm che ha distrutto i film. La musica di Prokofiev per il primissimo film, Il tenente Kizhe, divenne incredibilmente popolare. Basandosi su di esso, il compositore ha creato una suite sinfonica, che è stata eseguita da orchestre di tutto il mondo. Successivamente sono stati creati due balletti su questa musica. Tuttavia, Prokofiev non ha accettato immediatamente la proposta dei realizzatori: la sua prima reazione è stata un rifiuto. Ma dopo aver letto la sceneggiatura e aver discusso dettagliatamente le intenzioni del regista, si è interessato all'idea e, come ha notato nella sua Autobiografia, ha lavorato rapidamente e con piacere alla musica per il tenente Kizhe. La creazione della suite ha richiesto più tempo, riorchestrazioni e persino rielaborazioni di alcuni temi.

A differenza di "Lieutenant Kizhe", la proposta di scrivere musica per il film " Aleksandr Nevskij Prokofiev ha accettato senza esitazione. Conoscevano Sergei Eisenstein da molto tempo, Prokofiev si considerava persino un fan del regista. Il lavoro sull'immagine è stato una celebrazione della vera co-creazione: a volte il compositore ha scritto un testo musicale e il regista ha costruito sulla base le riprese e il montaggio dell'episodio, a volte Prokofiev ha guardato il materiale finito, battendo i ritmi sul legno con le dita e portando dopo un po' lo spartito finito. La musica di "Alexander Nevsky" incarnava tutte le caratteristiche principali del talento di Prokofiev ed è entrata meritatamente nel fondo d'oro della cultura mondiale. Durante gli anni della guerra, Prokofiev ha creato la musica per tre film patriottici: "Partisans in the Steppes of Ukraine", "Kotovsky", "Tonya" (dalla raccolta di film "Our Girls"), nonché per il film biografico "Lermontov" (insieme a V. Pushkov).

Ultimo ma non meno importante è stato il lavoro di Prokofiev sul film di S. Eisenstein Ivan il Terribile, iniziato ad Alma-Ata. La musica di "Ivan il Terribile" con il suo potere folk-epico continua i temi di "Alexander Nevsky". Ma il secondo quadro congiunto dei due geni consiste non solo di scene eroiche, ma racconta anche la storia della cospirazione boiardo e degli intrighi diplomatici, che richiedevano una tela musicale più diversificata. Questo lavoro del compositore è stato insignito del Premio Stalin. Anche dopo la morte di Prokofiev, la musica di Ivan il Terribile è servita come base per la creazione dell'oratorio e del balletto.

Nonostante il sorprendente destino di Sergei Prokofiev possa costituire la base di un'interessante sceneggiatura cinematografica, non ci sono ancora lungometraggi sulla vita del compositore. Per vari anniversari - dalla data di nascita o di morte - sono stati realizzati solo film e programmi televisivi. Forse questo è dovuto al fatto che nessuno si impegna a interpretare in modo inequivocabile le azioni ambigue di Sergei Sergeyevich. Per quali motivi è tornato in URSS? Il periodo sovietico del suo lavoro è stato conformismo o innovazione? Perché il suo primo matrimonio è fallito? Perché ha permesso a Lina Ivanovna di rifiutare sconsideratamente di essere evacuata dalla Mosca militare, di non portare fuori almeno i bambini? E gli importava qualcosa, tranne la sua vanità e realizzazione creativa - il destino della prima moglie arrestata e dei suoi stessi figli, per esempio? Non ci sono risposte a queste e molte altre domande scottanti. Ci sono opinioni e congetture che potrebbero non essere giuste nei confronti del grande compositore.

Il grande compositore russo che scrisse la sua prima opera all'età di 9 anni. Maestro grandi forme, che è riuscito a tradurre nel linguaggio della musica sia le passioni shakespeariane di Romeo e Giulietta, sia l'incontro del pioniere Petya con il Lupo.

Il famoso compositore è nato nella provincia di Ekaterinoslav nella famiglia di un agronomo. Il ragazzo fin dall'infanzia ha mostrato abilità musicale, la sua prima insegnante fu sua madre, una brava pianista. Nel 1902-1903, Prokofiev prese lezioni private dal compositore Reinhold Gliere. Nel 1904 entrò al Conservatorio di San Pietroburgo. Nel 1909 Prokofiev si laureò come compositore, cinque anni dopo - come pianista, continuando a studiarvi fino al 1917 nella classe dell'organo.

Prokofiev iniziò a esibirsi come solista e ad eseguire le proprie opere dal 1908. Allievo di Rimsky-Korsakov, il compositore Prokofiev ha iniziato con brani per pianoforte e sonate, ma la prima di Chicago gli ha portato la fama: l'opera più allegra del mondo, The Love for Three Oranges. Senza la musica di Prokofiev oggi è impossibile immaginare capolavoro riconosciuto cinema prebellico - il film "Alexander Nevsky". E ha ricevuto l'accompagnamento musicale di "Ivan the Terrible" di Sergei Eisenstein Propria vita come opera separata.

Nel 1918 lasciò lo stato sovietico e raggiunse gli Stati Uniti via Tokyo. Nei decenni successivi, Prokofiev visse e fece tournée in America e in Europa, e si esibì anche più volte in URSS. Tornò in patria nel 1936 con la moglie spagnola Lina Codina e i figli. Fu dopo il ritorno che furono create la famosa fiaba "Pietro e il lupo", così come l'opera "Guerra e pace". Prokofiev ha lavorato all'epopea per 12 anni.

Nel 1948 Lina Kodina, che a quel tempo era la sua ex moglie, fu arrestata ed esiliata (rilasciata nel 1956, in seguito lasciò l'URSS). Nello stesso anno, Prokofiev iniziò a essere criticato per il formalismo, le sue opere furono aspramente criticate come inadeguate al realismo socialista.

Prokofiev è morto per una crisi ipertensiva all'età di 61 anni.

Frammenti dall'autobiografia di S.S. Prokof'ev.

<...>La mamma amava la musica, il padre rispettava la musica. Probabilmente l'amava anche lui, ma in termini filosofici, come manifestazione di cultura, come volo dello spirito umano. Una volta, quando da ragazzo ero seduto al pianoforte, mio ​​padre si fermò, ascoltò e disse:
- Suoni nobili.
Questa è la chiave del suo atteggiamento nei confronti della musica.
<...>L'atteggiamento della madre nei confronti della musica era più pratico. Suonava il pianoforte non male e il suo tempo libero rurale le permetteva di dedicare a questa faccenda tutto il tempo che voleva. L'aveva appena fatto talenti musicali; la tecnica era difficile e le dita erano prive di cuscinetti davanti alle unghie. Aveva paura di suonare davanti alla gente. Ma aveva tre virtù: perseveranza, amore e gusto. La madre cercava la migliore esecuzione possibile delle cose che si imparavano, trattava il suo lavoro con amore ed era interessata esclusivamente alla musica seria. Quest'ultimo ha svolto un ruolo enorme nel coltivare il mio gusto musicale: fin dalla nascita ho ascoltato Beethoven e Chopin, e all'età di dodici anni ricordo di aver disprezzato consapevolmente la musica leggera. Quando mia madre aspettava la mia nascita, suonava fino a sei ore al giorno: il futuro ometto si formava alla musica.

<...>] Le inclinazioni musicali iniziarono ad apparire presto, probabilmente all'età di quattro anni. Ho sentito la musica in casa da quando sono nato. Quando mi mettevano a letto la sera, ma non avevo voglia di dormire, mi sdraiavo e ascoltavo come suonava la sonata di Beethoven da qualche parte in lontananza, a diverse stanze di distanza. La mamma suonava soprattutto le sonate del primo volume; poi i preludi, le mazurche ei valzer di Chopin. A volte qualcosa di Liszt, che non è così difficile. Da autori russi - Ciajkovskij e Rubinstein. Anton Rubinstein era all'apice della sua fama e sua madre era sicura che fosse un fenomeno più grande di Čajkovskij. Il ritratto di Rubinstein era appeso sopra il pianoforte.

<...>La madre iniziò le sue lezioni di pianoforte con esercizi di Ganon e studi di Czerny. È qui che ho cercato di annidarmi sulla tastiera. La mamma, impegnata con esercizi nel registro medio, a volte riservava al mio uso le due ottave superiori, sulle quali ho sfruttato i miei esperimenti infantili. Un insieme piuttosto barbaro a prima vista, ma il calcolo della madre si è rivelato corretto, e presto la bambina ha iniziato a sedersi al pianoforte da sola, cercando di raccogliere qualcosa. La madre aveva una vena pedagogica. Impercettibilmente ha cercato di guidarmi e spiegarmi come usare lo strumento. Il fatto che ha giocato, ero curioso e critico, a volte affermando:
- Mi piace questa canzone (ho detto "mi piace"). Lascia che sia mia.
C'erano anche controversie con mia nonna: che tipo di gioco stava giocando la madre. Di solito avevo ragione.
Ascoltare musica e improvvisare alla tastiera mi ha portato a raccogliere pezzi indipendenti.

<...>Durante la primavera e l'estate del 1897 registrai tre brani: Waltz, March e Rondo. Non c'era carta musicale in casa, l'impiegata Vanka l'ha allineata per me. Tutti e tre i pezzi erano in do maggiore<...>La quarta si è rivelata un po' più difficile: una marcia in si minore. Poi arrivò a Sontsovka Ekaterina Ippokratovna, la moglie di quel Lyashchenko, a cui non me ne fregava niente della sua calvizie. Suonava bene il pianoforte e studiava anche un po' con sua madre. Insieme hanno giocato a quattro mani, cosa che mi è piaciuta molto: suonano cose diverse, ma insieme viene abbastanza bene!
- Mamma, scriverò una marcia a quattro mani.
- È difficile, Sergushechka. Non puoi scegliere la musica per una persona e per un'altra.
Tuttavia, mi sono seduto per raccogliere e la marcia è finita. È stato bello suonarlo a quattro mani e sentire come suona insieme preso separatamente. Dopotutto, era il primo punteggio!

<...>Al mio sviluppo musicale madre trattata con grande attenzione e cautela. L'importante è mantenere il bambino interessato alla musica e, Dio non voglia, non respingerlo con noiosi stipati. Quindi: meno tempo possibile per gli esercizi e il più possibile per la conoscenza della letteratura. Il punto di vista è meraviglioso, che le madri dovrebbero ricordare.

SS Prokof'ev. Autobiografia. M., "Compositore sovietico", 1973.

Nel primo periodo del lavoro di Prokofiev, la musica per pianoforte di varie forme è in testa: dalle miniature ai piccoli cicli, concerti e sonate. È nei piccoli brani pianistici a programma che matura lo stile originale del compositore. La seconda ondata dell'ascesa di Prokofievskaya musica per pianoforte- la fine degli anni '30 - l'inizio degli anni '40, quando nasce la triade delle sonate (n. 6, 7, 8) che, per potenza epica e profondità di conflitti drammatici, vale quasi quanto le sinfonie dello stesso tempo - il quinto e il sesto.

Il contributo di Prokofiev alla letteratura pianistica del XX secolo è paragonabile solo a quello di Debussy, Scriabin e Rachmaninov. Come quest'ultimo, crea una serie di monumentali "sinfonie-concerto" per pianoforte, continuando in questo senso la tradizione lasciata in eredità da Čajkovskij.

Il pianismo di Prokofiev è grafico, muscoloso, senza pedali, che è l'opposto dello stile romantico di Rachmaninov e della fluttuazione impressionistica di Debussy. B. Asafiev: "Il severo costruttivismo è combinato con l'espressività psicologica". Caratteristiche: vigore, toccato, dinamica costante, melodia strumentale, trama trasparente, inclinazione allo psicologismo, combinazioni timbriche audaci, forme chiare, suonare in registri estremi (Debussy). Forti contrasti figurativi: primitività ed eleganza, barbaro fauvismo e raffinatezza, passaggi di prosa ed episodi fiabeschi, sarcasmo e testi.

Il lavoro per pianoforte di Prokofiev è vario nel genere ( cicli pianistici, miniature, trascrizioni di composizioni per balletto, sonate da concerto). Prokofiev è giustamente considerato un rappresentante della tradizione antiromantica della prima metà del XX secolo, insieme a Stravinsky, Bartok, Hindemith.

Il superamento dell'interpretazione romantica del pianoforte è dovuto a diversi fattori:

Rifiuto dell'interpretazione sensuale del suono (secco, duro, vitreo). Il ruolo speciale dell'enfasi, lo stile non legato;

suono scarico. Uso frequente di registri estremi. Nessuna sensazione di pienezza;

interpretazione delle percussioni del pianoforte. Prokofiev continua le tradizioni della prima arte classica di Scarlatti, Haydn, dei clavisinisti francesi, del classicismo più clavicembalo di Debussy e nella tradizione russa di Mussorgsky.

Nonostante la predominanza delle tradizioni antiromantiche, lo stile pianistico di Prokofiev ha anche caratteristiche di musica romantica per pianoforte. Ciò è vero soprattutto in relazione ai momenti dei temi della cantilena. Generalmente creatività pianistica Prokofiev è diviso in tre periodi:

1) Presto . Prima di partire all'estero (1908 - 1918). Durante questo periodo furono scritte quattro sonate, due concerti, studi (op. 2), opere teatrali (op. 3,4), Toccata (op. 11), Sarcasmo (op. 17), Caducità (op. 22);

2) Straniero (1918 - 1933). Nella creatività c'è un approfondimento della sfera lirica. Scritto 3°, 4°, 5° concerto, 5° sonata, "Racconti" (op. 31), quattro pezzi (op. 32);

3) sovietico (metà anni '30). Secondo lo stesso Prokofiev, durante questo periodo di creatività, avviene una "transizione verso una nuova semplicità". Scritta "Musica per bambini" (op. 65), trascrizioni, sonate 6-9.

Soggetto: N. Ya. Myaskovsky. Creazione. Caratteristiche di stile.

Introduzione.

È entrato nella storia della musica sovietica come un grande sinfonista e un insegnante eccezionale. Rimase alle origini della formazione della sinfonia sovietica. La vistosità esterna, la brillantezza del concerto sono estranee al suo stile, non ci sono tracce di passione per la pittura sonora colorata o per il super razionalismo. Il lavoro di Myaskovsky è un ramo indipendente del sinfonismo filosofico russo, dove le tradizioni di Liszt, Wagner, Ciajkovskij e dei "Kuchkisti" furono originariamente sviluppate e rielaborate nello spirito dell'espressionismo.

Primo periodo creatività.

L'evoluzione di Myaskovsky, come molti altri compositori del XX secolo, è stata orientata a parlare semplicemente del complesso, senza perdere in profondità. I suoi primi lavori sono caratterizzati da: tessuto musicale denso, armonia complicata. La 5a sinfonia apre il periodo centrale dell'opera di Myaskovsky.

E anni.

Uno dei più difficili periodi creativi. La cattura di sentimenti profondamente personali e di emozioni tragiche soggettive in questi anni prevale notevolmente sulla sfera oggettiva (sinfonie n. 6, 7, 9, 10, 12, sonate n. 3, 4, "Fads", "Pagine gialle"). Le sinfonie n. 5 e 8 contengono immagini di messe popolari.

E anni.

Cresce il ruolo delle immagini popolari, il principio eroico, coraggioso e volitivo. Tematiche liriche, melodiosità, ampiezza melodica e morbidezza (sinfonie n. 15, 17, 18, 19, 21), citazioni di canzoni popolari.

E anni.

Lo stile consolidato del compositore ha acquisito caratteristiche di rigore accademico. Sinfonia lirico-epico-drammatica degli anni della guerra e opere tipo suite (Sinfonia n. 23). Il genere convive con temi inquietanti, episodi narrativi, monologhi lirici. Il tessuto musicale è chiaro e trasparente.

Di conseguenza, due linee della creatività di Myaskovsky si sono cristallizzate: genere lirico-psicologico ed epico. Tra gli stili più importanti del XX secolo, il tardo romanticismo e l'espressionismo si riflettevano nell'opera del compositore.

Soggetto: SS Prokof'ev. Cantata "Alexander Nevskij".

Introduzione.

Musica per il film di S. Eisenstein “A. Nevsky "- una delle vette riconosciute vita creativa Prokof'ev. In questo lavoro, si è rivolto per la prima volta ai temi eroici-epici russi. Inoltre, questa linea è stata continuata nell'opera "Guerra e pace", Sinfonia n. 5, Prima sonata per violino e pianoforte e musica per il film "Ivan il Terribile". Nel maggio 1939 ebbe luogo la prima della cantata.

Drammaturgia.

Per molti aspetti il ​​genere della cantata è originale. Il compositore ha realizzato un'audace combinazione di episodi orchestrali pittoreschi e pittorici con scene di canzoni e corali. Nacque così una nuova fusione di genere della sinfonia programmatica con una specifica azione operistica e corale.

La drammaturgia della cantata si basa su un netto contrasto tra due sfere intonazionali in conflitto: l'esercito patriottico russo e il volto ripugnante dei crociati teutonici. I primi sono caratterizzati da canzoni di un magazzino epico, parabole tristi, divertenti melodie buffonesche. Il secondo è raffigurato con gonfie fanfare militari, canti cattolici e una marcia automatizzata. Prokofiev, come sempre, ha sottolineato il contrasto tra loro con l'aiuto di mezzi armonici e orchestrali. Nella musica "russa" predominano il diatonicismo leggero, la morbidezza dei timbri, la sonorità melodiosa degli archi, i timbri pieni di sentimento delle voci. "Tedesco" è caratterizzato da aspri suoni politonali, ritmi "meccanici", pesanti passi in ottone e percussioni. Un posto speciale è occupato dai metodi delle combinazioni contrappuntistiche di vari temi ("Battaglia sul ghiaccio").

Lo schema compositivo dell'opera attrae con la sua attenta premura. Sette parti - molto diverse nel contenuto - sono costruite su un'alternanza contrastante di episodi pittorici e visivi ("La Russia sotto il giogo mongolo", "I crociati a Pskov", "La battaglia sul ghiaccio") con canzoni e numeri corali relativamente compressi (" Ed era sul fiume Neva", "Alzati, popolo russo", "Campo morto"). La composizione mostra chiaramente le caratteristiche del ciclo sonata-sinfonica:

Le prime 4 parti sono introduzione ed esposizione;

5° - sviluppo;

6 - intermezzo lirico;

7 ° - finale di sintesi.

Analisi della cantata.

Prima parte "Rus sotto il giogo mongolo"è un prologo sinfonico al ciclo. La sensazione di vuoto è raggiunta da uno speciale effetto fonico, spesso presente in Prokofiev: i timbri alti e bassi si muovono all'unisono con un mezzo vuoto. Nasce così un paesaggio pieno di ansia e dolore.

La seconda parte è epica Canzone su Alexander Nevsky". Portata media, dispiegamento piacevole, chiarezza di movimento. Il colorito aspro è enfatizzato dalla predominanza dei timbri bassi nell'orchestra e nel coro. L'elemento pittorico della battaglia è rafforzato nella sezione centrale.

Le caratteristiche del conflitto drammatico sono pienamente rivelate nella terza parte - "Crociati a Pskov". Per la prima volta vi si scontrano immagini polari: la crudele invasione teutonica (sezioni estreme) e la sofferenza dei vinti (parte centrale). I crociati sono raffigurati utilizzando tre temi: un canto cattolico, un motivo di basso e una fanfara militare. Nel mezzo c'è una melodia dolente: una melodia triste di lamento, un ricco tessuto subvocale.

Quarta parte - "Alzati, popolo russo"- come il secondo, è costruito sotto forma di una scena corale di un magazzino di canzoni. Il tema principale è pieno di coraggio e abilità nel combattimento. La sezione centrale ("Native in Rus'") affascina con la poesia leggera.

Nella quinta parte più estesa - "Battaglia sul ghiaccio"- si concentrano gli eventi principali dell'intero dramma sinfonico. Qui è più evidente la vicinanza alla natura del cinema: il principio del "montaggio", le tecniche di contrappunto, lo sviluppo attraverso i temi dell'immagine. Introduzione, conclusione, caratteristiche della rondalità. Al tema spaventoso dei crociati si oppone la melodia del buffone russo. I temi delle parti precedenti - la 3a e la 4a - suonano. Dopo il climax grandioso (tutti, fff) e il fallimento dei tedeschi sotto il ghiaccio, c'è una conclusione calma e poetica.

Sesta parte "Campo morto"- scarico lirico-epico dopo una battaglia tesa. L'unica aria dell'intera cantata, che per la prima volta introduce nella musica un elemento di sentimento personale. Corde smorzate, intonazioni dolenti, minore naturale, variabilità di modalità, canto - un ottimo esempio Melo slavo.

La settima parte - "L'ingresso di Alessandro a Pskov". Il finale vittorioso-patriottico della cantata è quasi interamente basato su temi russi del 2°, 4° e 5° movimento. L'atmosfera principale è il giubilo popolare, la gioia del popolo russo.

D.D. Shostakovich. (1906-1975).

Infanzia. Sergei Sergeevich Prokofiev (Fig. 1) nacque il 23 aprile 1891 a Sontsovka, provincia di Ekaterinoslav (ora villaggio di Krasnoye, distretto di Krasnoarmeisky, regione di Donetsk). Suo padre - Sergei Alekseevich - era un dotto agronomo, gestore della tenuta del proprietario terriero Sontsov. Ha trasmesso a suo figlio l'amore per la natura. Tra i manoscritti per bambini di Seryozha Prokofiev, è stato conservato un taccuino in cui il ragazzo annotava quando sbocciano i fiori a Sontsovka.

Ha sentito la musica in casa dalla nascita. Madre Maria Grigoryevna ha suonato le sonate di Beethoven, le mazurke e i notturni di Chopin e le commedie di Ciajkovskij. A più di cinque anni, Seryozha aveva già composto un brano per pianoforte chiamato "Indian Gallop". Seguirono presto altri scritti.

Il ragazzo aveva nove anni quando fu portato a Mosca, e andò per la prima volta al teatro dell'opera (ascoltò le opere Faust di Gounod e Prince Igor di Borodin, visitò il balletto La bella addormentata). Tornato a Sontsovka, iniziò a scrivere l'opera "The Giant" sulla sua trama.

Gli eroi dell'opera erano lui stesso sotto il nome di Sergeev, il suo amico Yegorka (nell'opera Egorov), la figlia della governante Stenya (nell'opera Ustinya) e il Gigante. La trama era che il Gigante voleva catturare la ragazza Ustinya, e Sergeyev e Yegorov la difendevano. Nella seconda immagine del primo atto, il Gigante appare nella casa di Ustinya e canta un'aria formidabile con le seguenti parole:

Dov'è lei? ti mangerò.

NO? non importa,

Le mangerò il pranzo!

Nell'estate del 1901, l'opera The Giant fu presentata con grande successo a casa di zio Prokofiev, l'autore cantò la parte di Sergeev.

Serezha è stato educato per la prima volta dai suoi genitori, che erano persone illuminate, intelligenti, educatori intelligenti e severi. Lo hanno abituato a un lavoro concentrato e sistematico. Il padre ha insegnato a suo figlio la lingua russa, l'aritmetica, la geografia, la storia e la botanica. Madre - lingue straniere​​(fin dall'infanzia, Sergei Sergeevich conosceva due lingue: francese e tedesco, poi inglese). Maria Grigorievna è stata anche la sua prima insegnante di musica. Vedendo il successo di suo figlio, ha deciso di mostrarlo a un grande musicista.

Nell'inverno del 1902 fu portato a Mosca da Sergei Ivanovich Taneyev, un eccezionale compositore e professore al Conservatorio di Mosca. Notando il talento del ragazzo, Taneyev gli consigliò di iniziare serie lezioni di armonia e di familiarizzazione sistematica con letteratura musicale. Su consiglio di Taneyev, un giovane musicista è arrivato a Sontsovka per l'estate, dopo essersi diplomato al Conservatorio di Mosca con una medaglia d'oro. Era Reinhold Moritsevich Gliere, in seguito un noto compositore sovietico, autore dei balletti Il papavero rosso, Cavaliere di bronzo”, un concerto per voce e orchestra e altre composizioni.

Le lezioni vivaci e interessanti con Gliere hanno avuto un effetto benefico sullo sviluppo del talento di Prokofiev. Sotto la guida di un insegnante, iniziò presto a scrivere una sinfonia e un'opera "Il banchetto durante la peste" basata su Pushkin. Gliere è stato colpito nel suo allievo da una straordinaria combinazione di un atteggiamento adulto professionalmente serio nei confronti della musica, indipendenza di giudizio e tratti completamente infantili. Quindi, sul leggio del dodicenne Seryozha Prokofiev, che stava componendo un'opera o una sinfonia, c'era una bambola di gomma di nome Mister, che avrebbe dovuto ascoltare una nuova composizione.

L'hobby più forte del futuro autore di famose opere e balletti era il teatro. Con i suoi amici - ragazzi e ragazze Sontsovka - ha costantemente inventato e recitato spettacoli, a cui hanno partecipato gli abitanti della casa di Sontsovka.

Già durante l'infanzia, Prokofiev ha scoperto una rara osservazione e una varietà di interessi (letteratura, teatro, scacchi). Curiosa è la sua fanciullesca passione per la ferrovia, movimento veloce e preciso (che lui stesso racconta nel racconto autobiografico "L'infanzia"). Una delle caratteristiche sorprendenti del lavoro del compositore adulto Prokofiev sarà la rapidità, il dinamismo, attraverso il quale trasmetterà il suo nuovo senso della vita, la sua giovinezza, il suo movimento.

Conservatorio. Nel 1904, su consiglio di Glazunov, Prokofiev entrò al Conservatorio di San Pietroburgo. L'esame di ammissione è stato eccellente. Il comitato di selezione (comprendeva A. K. Glazunov e N. A. Rimsky-Korsakov) era deliziato dall'intonazione assoluta, dalla capacità di leggere da un foglio, nonché dal carico "solido" di composizioni che il compositore tredicenne ha portato con sé.

“Sono entrato”, dice Prokofiev, “piegandomi sotto il peso di due cartelle, che contenevano quattro opere, due sonate, una sinfonia e parecchi brani per pianoforte. "Mi piace!" - ha detto Rimsky-Korsakov, che ha condotto l'esame.

Prokofiev ha studiato al conservatorio con straordinari musicisti russi: Anatoly Konstantinovich Lyadov (armonia, contrappunto), Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (strumentazione).

Durante gli anni del conservatorio, i suoi gusti musicali si arricchirono e si svilupparono. Grieg, Wagner, Rimsky-Korsakov, Scriabin, Rachmaninov (soprattutto il suo secondo concerto per pianoforte e orchestra) si sono aggiunti a Beethoven e Tchaikovsky, amati fin dall'infanzia. Ha conosciuto le opere dei compositori contemporanei dell'Europa occidentale: Richard Strauss, Debussy, in seguito Ravel e altri.

interesse per lo studio della musica classica e musica contemporanea, e ha anche avvicinato Prokofiev al lavoro reciproco con Nikolai Yakovlevich Myaskovsky. L'amicizia iniziata durante gli anni dei loro studi congiunti al Conservatorio di San Pietroburgo è continuata per tutta la vita.

Nel 1909, Prokofiev si diplomò al conservatorio in composizione e, cinque anni dopo, come pianista nella classe del famoso pianista russo A. N. Esipova. È stato premiato medaglia d'oro e il Premio A. Rubinstein - un magnifico pianoforte. Negli anni successivi, Prokofiev tenne molti concerti, era un pianista eccezionale.

Al conservatorio ha studiato anche nella classe di direzione d'orchestra sotto la guida di N. Cherepnin, brillante musicista che ha apprezzato il talento del giovane compositore. Successivamente, Prokofiev ha anche agito come direttore d'orchestra con l'esecuzione delle sue opere.

Primi scritti. Già i primi lavori di Prokofiev - brani per pianoforte, scritto da lui nel 1906-1909, stupisce per l'insolita luminosità delle immagini e dei mezzi espressivi.

La sua prima opera significativa fu il primo concerto per pianoforte e orchestra. È stato scritto nel 1911. È stato eseguito per la prima volta dall'autore accompagnato da un'orchestra la prossima estate sul palco del concerto a Sokolniki (a Mosca). Il concerto ha sbalordito il pubblico. Persone abituate alla raffinata musica fragile di Scriabin, allo straripamento melodico dei concerti di Rachmaninov, alla grazia e alla tenerezza della musica di Chopin, era difficile capire e apprezzare immediatamente il lavoro di Prokofiev. C'era una nuova bellezza in esso: la bellezza di un audace gioco sportivo, un'audace processione di giovinezza, un forte ritmo d'acciaio, ma anche la bellezza di un romantico sentimento lirico. Il concerto inizia con un breve motivo imperativo ripetutamente ripetuto, il cui sviluppo è estremamente propositivo ed energico:

Sensibile ai nuovi ascoltatori, tra cui Asafiev e Myaskovsky, ha ammirato il concerto. I critici ostili lo hanno definito con disprezzo "calcio", "barbaro" e hanno suggerito di mettere una "camicia di forza" all'autore.

Prokofiev era consapevole di scoprire "nuovi lidi" nella musica. Era fiducioso nella correttezza del percorso scelto. La fiducia in se stessi, così come il senso dell'umorismo, lo hanno aiutato a sopportare il ridicolo e l'abuso di altri critici. Allo stesso tempo era attento, paziente con tutti coloro che volevano capire la sua musica, suonava volentieri due o tre volte qualche opera, ascoltava critiche sensate e benevoli.

Dal momento dell'esecuzione del primo concerto, inizia la forte fama di Prokofiev. Si esibisce sistematicamente in pubblico, suona nuove composizioni, provocando quasi sempre accesi dibattiti. Così passano le esecuzioni del secondo concerto e della sinfonica "Scythian Suite", nell'ultima parte della quale una folgorante e immagine dinamica alba.

Nel 1917 Prokofiev incontrò Majakovskij a Pietrogrado. Le esibizioni del poeta hanno fatto una forte impressione sul compositore. A sua volta, Mayakovsky era deliziato dalla musica di Prokofiev, in particolare dalle sue veloci marce.

Natura e percorsi di vita Il poeta e il compositore sono per molti versi diversi. Ma nel loro lavoro ce ne sono alcuni caratteristiche comuni nati dall'epoca in cui vissero. Nei difficili anni critici pre-rivoluzionari, entrambi si ribellarono all'arte di essere viziati, rilassati, abitualmente "belli", impegnati

sospira su "rose e usignoli". Entrambi sostenevano un'arte attiva, a volte volutamente tagliente, sana e - ardentemente solare.

Nella poesia "A Cloud in Pants", scritta negli stessi anni della "Scythian Suite"

Prokofiev, Majakovskij ha detto:

che erano bagnati d'amore,

da cui

lacrime versate per secoli

monocolo solare

Lo metterò in un occhio ben aperto."

Mayakovsky ha scritto questo estratto dal poema in un album tenuto da Prokofiev intitolato "Cosa ne pensi del sole?"

All'inizio, Prokofiev sembrava prestare poca attenzione ai testi. Ma nel 1914 ha creato fiaba musicale"Il brutto anatroccolo" basato su una fiaba. Andersen. Qui il giovane compositore ha mostrato soprattutto una sorta di tenerezza, puro lirismo, privo di qualsiasi sentimentalismo. Il brano è destinato ad una voce con accompagnamento di pianoforte. Racconta di un povero, brutto anatroccolo che veniva deriso dagli abitanti del pollaio. Il tempo passò e il brutto anatroccolo si trasformò in un cigno. Una bellissima melodia lirica risuona alla fine della "Fiaba", permeata di simpatia per la povera creatura indifesa e di fede nella felicità.

Nel 1916-1917 Prokofiev compose la "Sinfonia classica" - allegra e spiritosa. Nella sinfonia si avverte la vicinanza della musica di Prokofiev all'arte chiara e raffinata dei classici del XVIII secolo.

Allo stesso tempo, il compositore ha completato il ciclo precedentemente iniziato di venti minuscoli pezzi per pianoforte chiamato "Milletity". Ognuno di loro in miniatura rappresenta un'immagine o una scena caratteristica della musica di Prokofiev: lirica con un tocco di favolosità (n. 1, 8, 16), umoristica (n. 10), violentemente drammatica (n. 14, 19), ecc. .

La più grande opera di Prokofiev degli anni pre-rivoluzionari è l'opera acutamente psicologica The Gambler (basata su una storia di F. Dostoevsky). Nel balletto "The Tale of the Jester Who Outwitted Seven Jesters", è stato rivelato l'interesse del giovane compositore per il russo. arte popolare, che sarà ulteriormente sviluppato.

Arrivò il febbraio 1917. " Rivoluzione di febbraio mi ha trovato a Pietrogrado”, scrive Prokofiev nella sua Autobiografia. "E io, e quei circoli in cui giravo, la salutammo con gioia." Sul significato di ciò che accadde dopo Rivoluzione d'ottobreè un musicista, tutt'altro eventi politici, non aveva le idee chiare. Gli sembrava che in Russia, occupata da trasformazioni rivoluzionarie, ora "la musica non fosse all'altezza". "Il fatto che io, come ogni cittadino, possa esserle utile, non ha ancora raggiunto la mia coscienza" ("Autobiografia"). Prokofiev ha deciso di fare un grande tour di concerti. Dopo aver ricevuto il permesso dal Commissario del popolo per l'istruzione A. V. Lunacharsky, si recò all'estero nel maggio 1918. Invece di diversi mesi, come pensava all'inizio, la sua permanenza all'estero per vari motivi si protrasse per 15 anni (1918-1933).

Anni trascorsi all'estero. Prokofiev ha viaggiato in tutto il mondo.

È stato in Giappone e negli Stati Uniti d'America, a Cuba e molti altri paesi europei. Ha vissuto la maggior parte del tempo in Francia. Ovunque si è esibito con le sue composizioni. All'inizio, i suoi concerti hanno fatto un'impressione sensazionale.

All'estero, Prokofiev ha incontrato molti artisti eccezionali (i compositori Ravel, Stravinsky, Rachmaninov, i direttori d'orchestra Stokowski e Toscanini, l'attore cinematografico Charlie Chaplin e molti altri). Le sue opere sono state messe in scena in vari teatri del mondo. Così, nel 1921, ebbe luogo a Chicago la prima dell'opera allegra e brillante di Prokofiev L'amore per tre arance (basata su una fiaba dello scrittore italiano Carlo Gozzi). Nello stesso anno, il compositore ha completato il suo terzo concerto per pianoforte. La maggior parte dei suoi temi sono stati scritti in Russia. Il concerto - dinamico, abbagliantemente luminoso - è uno degli apici della creatività di Prokofiev. Nell'introduzione alla prima parte, suona un tema russo cantilenante - il tema della Patria:

I brani per pianoforte riflessivi e poetici, che Prokofiev chiamava "I racconti della vecchia nonna", sono ispirati dai ricordi della Patria.

A metà degli anni '20, Prokofiev ha risposto con grande gioia alle proposte di S. P. Diaghilev di scrivere un balletto sul tema della costruzione di una nuova vita in Russia. La trama del balletto, chiamata "Steel lope", si è rivelata ingenua, "industriale". Nella sua musica si notano le influenze del costruttivismo. Ci sono pagine figurative luminose in esso. "Prokofiev viaggia nei nostri paesi, ma si rifiuta di pensare a modo nostro", hanno scritto i giornali stranieri sulla prima del balletto messo in scena a Parigi e Londra nel 1927.

Negli anni '20 Prokofiev scrisse anche una serie di opere in cui, in un modo o nell'altro, si nota l'influenza delle ultime tendenze nell'arte dell'Europa occidentale. Ma non è completamente adiacente a nessuno di loro, come dimostra la sua opera originale The Fiery Angel (basata sull'omonimo romanzo di V. Bryusov). A poco a poco, Prokofiev inizia a sentirsi sempre più distaccato dalla sua terra natale. L'atmosfera stessa è febbrile vita artistica La Parigi degli anni '20 non lo soddisfaceva. Dalle opere d'arte si aspettavano, prima di tutto, sensazione, novità, in ogni caso. E Prokofiev si è battuto per un'arte profonda e significativa. Uno degli amici francesi del compositore ricorda le parole dettegli da Prokofiev: “Devo tornare. Devo riabituarmi all'atmosfera della mia terra natale ... Il discorso russo dovrebbe risuonare nelle mie orecchie ... Qui perdo le forze.

Fino al ritorno finale, il compositore è venuto in Unione Sovietica con concerti. È stato accolto con entusiasmo dagli ascoltatori a Mosca e Leningrado. "Ricordiamo tutti", ha scritto Heinrich Gustavovich Neuhaus, "come l'intero pubblico, come una sola persona, si è alzato in piedi alla sua prima apparizione sul palco Sala Grande conservatorio e lo salutò in piedi, e lui si inchinò e si inchinò, piegandosi a metà ad angolo retto, come un temperino.

Ritorno a casa. Ed ecco Prokofiev a Mosca. Si incontra di nuovo con i suoi amici Myaskovsky e Asafiev. Inizia a collaborare con registi, coreografi, scrittori sovietici. È affascinato dal compito di incarnare idee elevate, umanità, l'opportunità di fare appello non a una ristretta cerchia di "intenditori", ma a vaste masse popolari.

In uno dei suoi articoli pubblicati in quegli anni, Prokofiev scriveva della trama, che ora lo attraeva: "... La trama dovrebbe essere eroica e costruttiva (creativa), perché queste sono le caratteristiche che caratterizzano più chiaramente quest'epoca".

Opere degli anni '30. Nel periodo della creatività sovietica, una dopo l'altra apparvero nuove grandi opere. Sono diversi per temi, tempo di azione, caratteri dei personaggi. Ma hanno tutti qualcosa in comune. Ovunque il compositore affronta immagini luminose e immagini di crudeltà e violenza faccia a faccia. E afferma sempre la vittoria di alti ideali umani. Il coraggio insito in Prokofiev come compositore colpisce in tutte queste composizioni.

Nel 1935 fu creato il balletto "Romeo e Giulietta" (basato sulla tragedia di Shakespeare). I suoi eroi difendono il loro amore nella lotta contro i sanguinosi pregiudizi medievali che impongono loro di odiarsi a vicenda. La tragica morte di Romeo e Giulietta costringe le famiglie Montecchi e Capuleti, a lungo in guerra, a riconciliarsi.

Prima di Prokofiev, i grandi musicisti che scrivevano musica per balletto non osavano rivolgersi alle tragedie shakespeariane, credendo che fossero troppo difficili per il balletto. E Prokofiev ha creato un'opera intrisa dello spirito di Shakespeare. Poetico, profondo, contenente ritratti realistici, psicologicamente accurati attori la musica di "Romeo e Giulietta" ha permesso al coreografo L. Lavrovsky di mettere in scena un balletto che ha guadagnato fama mondiale (la prima del balletto ha avuto luogo nel 1940 allo Stato di Leningrado teatro accademico opera e balletto intitolato a S. M. Kirov).

Nel 1938 fu composta la musica per il film "Alexander Nevsky". Insieme al regista Sergei Eisenstein, Prokofiev canta la nobile impresa patriottica della squadra di Alexander Nevsky, che ha difeso la propria terra natale dai Cavalieri Teutonici. La trama è storica, ma la musica suona moderna, come se anticipasse il dramma acuto e l'esito vittorioso della battaglia del popolo sovietico contro il fascismo.

Nel 1939 fu scritta l'opera "Semyon Kotko" (basata sulla storia "Sono il figlio dei lavoratori" di V. Kataev). La sua azione si svolge in Ucraina nel 1918. La musica di Prokofiev raffigura immagini di contadini, soldati, bolscevichi che combattono per l'istituzione del potere sovietico in Ucraina con sorprendente veridicità. I giovani eroi dell'opera - Semyon e Sofya - sono una specie di Romeo e Giulietta moderni. Il loro amore si oppone alla cattiva volontà del padre di Sophia, il pugno di Tkachenko, che non vuole far passare sua figlia per un povero soldato.

Creazione di un'opera in chiave moderna Tema sovietico- un compito molto difficile. E Prokofiev lo ha eseguito con onore nell'opera Semyon Kotko.

Una delle sue idee più ardite è la meravigliosa Cantata per il ventesimo anniversario di ottobre, scritta su testi politici.

Non si dovrebbe pensare che tutte queste nuove opere di Prokofiev siano state facilmente accettate da artisti e ascoltatori. Quindi, la musica di "Romeo e Giulietta" all'inizio sembrava incomprensibile e scomoda per ballare anche a Galina Ulanova, che in seguito divenne un'interprete insuperabile del ruolo di Giulietta. Ci è voluto del tempo per abituarsi a questa musica. "Ma più lo ascoltavamo ... - dice G. S. Ulanova, - più luminose si presentavano davanti a noi le immagini nate dalla musica."

Nelle sue opere del periodo sovietico, il compositore si è particolarmente adoperato per la chiarezza, l'accessibilità e la semplicità. Tuttavia, era nemico della musica semplicistica, imitativa e "dolce". Cercava una nuova semplicità, nuove melodie, ascolto vita moderna guardando la gente moderna. E ha gestito la cosa più difficile: creare melodie liriche originali, in cui la calligrafia del compositore è immediatamente riconoscibile. Uno speciale fiorire di testi e l'ampia melodia melodiosa ad esso associata inizia nel lavoro di Prokofiev con Romeo e Giulietta.

Negli anni '30 Prokofiev scrisse una serie di eccellenti composizioni per bambini: brani per pianoforte per pianisti alle prime armi "Musica per bambini", canzoni su parole di L. Kvitko e A. Barto, una fiaba sinfonica "Petya and Volk" su suo testo.

Con i suoi due figli, Sergei Sergeevich è venuto più di una volta alle esibizioni del Central teatro per bambini. Il direttore artistico del teatro, N. I. Sats, ha suggerito al compositore di scrivere una fiaba sinfonica che potesse aiutare i bambini a conoscere il carattere dei principali strumenti dell'orchestra.

Ecco come Natalya Ilyinichna Sats descrive l'aspetto insolito di Prokofiev e il suo comportamento in quegli anni:

“Era sincero e franco. La mia prima impressione che Sergei Sergeevich fosse rigido e arrogante era sbagliata. Indossava questa toga quando era di cattivo umore e voleva essere lasciato in pace.

L'unicità insolita di Sergei Sergeevich si manifestava anche nel suo aspetto, nel modo di comportarsi. Pochi capelli rosso-rossastri, un viso liscio e rubicondo, "ghiaccio e fuoco" negli occhi dietro gli occhiali senza montatura, un sorriso raro, un abito rosso sabbia. "Sembra la quarta delle sue tre arance", ha detto una delle nostre attrici birichine. Con mio orrore, qualcuno lo ha trasmesso a Sergei Sergeyevich, ma aveva una tale scorta di umorismo che si è limitato a ridere ad alta voce.

La performance di Prokofiev è sorprendente. Scriveva in modo incredibilmente veloce e poteva lavorare su più composizioni contemporaneamente. Ha eseguito la sua musica come pianista e direttore d'orchestra. Ha partecipato all'Unione dei compositori. Interessato alla letteratura. Alla fine degli anni Trenta iniziò a scrivere una vivace e spiritosa Autobiografia. Era un eccellente giocatore di scacchi. Ho guidato con passione. Amava ballare, stare in mezzo alla gente.

Tutto questo Prokofiev poteva farcela non solo grazie al geniale talento della sua natura, ma anche grazie all'organizzazione e alla disciplina. Leggende raccontate della sua accuratezza. Se prometteva di scrivere la musica entro le 12 del giorno successivo, il regista o il coreografo che se l'aspettava poteva stare calmo.

Anni di guerra. Opera "Guerra e pace". L'opera principale del compositore durante la Grande Guerra Patriottica fu la grandiosa opera patriottica Guerra e Pace. Prokofiev aveva già pensato a come incarnare nella musica le immagini della grande opera di Leo Tolstoy. Nei giorni della guerra contro il fascismo, questo piano fu realizzato. Ancora una volta il compositore si è posto un compito di rara complessità. Da un enorme opera letteraria le scene più importanti dovevano essere selezionate. L'opera comprende, da un lato, sottili scene psicologiche "pacifiche" a cui partecipano Natasha Rostova, Sonya, il principe Andrei, Pierre Bezukhov; dall'altro dipinti monumentali raffiguranti la lotta del popolo contro gli invasori napoleonici. L'opera si è rivelata insolita nel suo genere. Combina il dramma lirico-psicologico e l'epopea nazionale. Innovativa nella musica e nella posizione del koi, l'opera sviluppa allo stesso tempo le tradizioni delle classi russe: Mussorgsky e Borodin. Con Mussorgsky, Prokofiev è avvicinato da un'attenzione speciale alle caratteristiche psicologiche dell'eroe, rivelate attraverso un'intonazione vocale veritiera. È interessante notare che l'opera "Guerra e pace" non è stata scritta sul testo poetico condizionale del libretto, ma sul testo originale del romanzo. Per Prokofiev era importante l'intonazione stessa del discorso di Tolstoj, che riuscì a trasmettere in musica. E questo conferisce particolare credibilità alle parti vocali degli eroi dell'opera.

"Guerra e pace" è l'opera preferita di Prokofiev. Lo ha perfezionato fino alla fine della sua vita.

Nel vittorioso 1945 furono pubblicate tre opere significative del compositore:

quinta sinfonia, dedicata alla "grandezza dello spirito umano:

il primo episodio del film "Ivan the Terrible" - una nuova collaborazione con Sergei Eisenstein;

balletto leggero da favola "Cenerentola". Questa performance, posta! uscito in autunno, è stata la prima prima del dopoguerra al Teatro Bolshoi.

Opere della fine degli anni '40 - primi anni '50. Negli anni successivi apparvero diversi nuovi lavori. Tra questi: le opere "The Tale of a Real Man", che glorificano il coraggio Popolo sovietico durante gli anni della guerra; balletto "Il racconto di fiore di pietra"(secondo P. Bazhov) - sulla gioia della creatività, rivolta alle persone; l'oratorio "In guardia per la pace" (sulle parole di S. Marshak); concerto-sinfonia per violoncello e orchestra.

Ancora una volta Prokofiev scrive per i bambini. Suite "Winter Bonfire" per recitatori, coro di ragazzi e Orchestra Sinfonica(alle parole di S. Marshak) è dedicato ai pionieri sovietici.

La Settima Sinfonia è stata originariamente concepita come una sinfonia soprattutto per i bambini, ma nel processo di lavoro ha acquisito un significato più ampio: un saggio racconto sinfonico affermando la bellezza e la gioia della vita. Questo è l'ultimo lavoro completato di Prokofiev.

Alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50, Prokofiev era gravemente malato. Per risparmiare forza per la creatività, ha dovuto rinunciare a molto, comprese le visite a teatri e concerti. Maggior parte Tempi difficiliè venuto per lui quando i medici gli hanno proibito di comporre musica o gli hanno permesso di lavorare non più di 20 minuti al giorno.

La maggior parte del tempo durante questi anni, Prokofiev trascorse nella sua dacia, a Nikolina Gora, sulle rive del fiume Moscova. Lui è molto

amava questi luoghi, faceva lunghe passeggiate (se la salute lo permetteva). I musicisti sono venuti qui per vederlo - ammiratori e interpreti della sua musica: il compositore D. Kabalevsky, il pianista S. Richter e altri. Alcuni di loro in seguito scrissero le memorie più interessanti sul grande compositore. S. S. Prokofiev morì a Mosca il 5 marzo 1953.

"Sono convinto che il compositore, come il poeta, lo scultore, il pittore, sia chiamato a servire l'uomo e il popolo. Deve decorare vita umana e proteggila. Prima di tutto, deve essere un cittadino nella sua arte, cantare la vita umana e condurre una persona verso un futuro più luminoso".
Così ha scritto Sergei Prokofiev nel suo articolo "Music and Life", e ha seguito questo codice artistico, da lui proclamato poco prima della sua morte, per tutta la vita.
Per Prokofiev vivere significava comporre musica. E comporre significava inventare sempre qualcosa di nuovo. “Il vantaggio cardinale (o, se si vuole, lo svantaggio) della mia vita”, ha scritto il compositore, “è sempre stata la ricerca di un originale linguaggio musicale. Odio l'imitazione, odio i cliché".
Prokofiev credeva che nell'arte fosse prezioso solo ciò che nasce dall'ascolto sensibile dell'artista di ritmi e intonazioni. vita circostante. Questa è la base dell'innovazione di Prokofiev.
Un dono melodico inesauribile, un'illimitata capacità di trasformazione artistica, la capacità di ricreare lo spirito stesso della vita rappresentata ha permesso a Prokofiev di coprire un ampio, mondo complesso la nostra realtà. Basti citare sue opere come le opere "Semyon Kotko" (basate sulla storia di Valentin Kataev) e "The Tale of a Real Man" (basate su opera omonima Boris Polevoy), l'oratorio "On Guard of the World" e la suite "Winter Bonfire" ai versi di S. Ya. Marshak, o l'epica Quinta Sinfonia eseguita nel 1945, l'idea e il concetto di cui lo stesso Prokofiev definì come " Sinfonia della grandezza dello spirito umano." "Sapeva ascoltare il tempo", ha detto di lui Ilya Ehrenburg. Ma anche quando il compositore si è rivolto alla storia lontana, è rimasto profondamente moderno. Pertanto, i testi patriottici di Prokofiev e il potere impavido delle scene popolari nella musica per il film "Ivan il Terribile", il dipinto "Borodino" nell'opera "Guerra e pace" basato sul romanzo di Leo Tolstoy, la chiamata "Alzati , Russian people" suona così eccitante, come oggi. e l'accattivante cantilena simile a Glinka "In Russia, il nemico non sarà nativo" nella cantata "Alexander Nevsky".
Sergei Sergeevich Prokofiev è nato nel villaggio di Sontsovka, provincia di Ekaterinoslav (ora villaggio di Krasnoe, regione di Donetsk) nella famiglia di un agronomo. Nel 1914 si diplomò al Conservatorio di San Pietroburgo, dove i suoi insegnanti erano A. Lyadov, N. Rimsky-Korsakov e altri compositori eccezionali e musicisti. Prima di questo, l'educazione musicale di Prokofiev era guidata dal famoso compositore sovietico R. M. Glier. Secondo lo stesso Prokofiev, ha ascoltato la musica a casa dalla nascita. La madre del compositore suonava il pianoforte. Inoltre, era un'insegnante nata. È stata la prima a introdurre suo figlio nel mondo delle sonate di Beethoven, risvegliando in lui l'amore per la musica classica.
I più acuti poteri di osservazione e l'amore per la natura vivente di Prokofiev si combinano felicemente con la più ricca immaginazione creativa. Era un compositore non perché componeva musica, ma perché non poteva fare a meno di comporla. Prokofiev ha viaggiato in tutta Europa e in America con i suoi concerti, suonati davanti al pubblico di Cartagine. Ma un'accogliente poltrona e una scrivania, una vista modesta dell'Oka a Polenov vicino a Mosca, dove è stata creata la musica del balletto "Romeo e Giulietta" (una delle migliori creazioni del compositore), o un angolo tranquillo della Bretagna francese sul Costa atlantica, dove il Terzo Concerto per pianoforte è stato scritto con un meraviglioso testo di temi russi, ha preferito gli applausi e il rumore delle sale da concerto.
Era un lavoratore straordinario. Due ore prima della sua morte, era ancora seduto alla sua scrivania e stava finendo le ultime pagine del suo balletto "The Tale of the Stone Flower" (secondo Racconti degli Urali P. Bazhov), in cui, con le sue stesse parole, si è posto il compito di cantare "la gioia del lavoro creativo a beneficio del popolo", per raccontare "la bellezza spirituale del popolo russo, il potere e ricchezze incalcolabili della nostra natura, che si rivelano solo davanti all'uomo che lavora".
La portata e il significato del lavoro di Prokofiev è eccezionalmente grande. Ha scritto 11 opere, 7 sinfonie, 7 balletti, circa 30 romanzi e molte altre opere.
Scopritore di nuove strade nell'arte, Prokofiev è entrato nella storia della musica russa e mondiale come uno degli artisti più importanti del XX secolo.