Cantante jazz russo. Famosi cantanti jazz russi

Oleg Lundstrem - Carovana

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Mentre il jazz si stava sviluppando attivamente negli Stati Uniti, nella Russia post-rivoluzionaria degli anni '20, iniziò solo il suo timido movimento. Non si può dire che questo genere musicale fosse categoricamente vietato, ma il fatto che lo sviluppo del jazz in Russia non sia avvenuto senza critiche da parte delle autorità. L'espressione "Oggi suona jazz, e domani venderà la sua patria" (o un'altra meno popolare, "Dal sassofono al coltello finlandese - un passo") - riflette chiaramente l'atteggiamento nei confronti del jazz in URSS.

Esiste una versione in cui il jazz in URSS è sopravvissuto perché era considerato "musica dei neri", e i neri come nazione oppressa, e quindi amica dello stato sovietico. Pertanto, il jazz nell'Unione non è stato completamente soffocato, nonostante il fatto che molti jazzisti di talento non potessero "sfondare" al grande pubblico. Non erano autorizzati a esibirsi e registrare su dischi. Il jazz in Russia era ancora considerato un'arma presumibilmente ideologica con cui gli Stati Uniti avrebbero schiavizzato l'URSS. Le menzioni del jazz nei media sono state tacitamente vietate.

La prima orchestra jazz nella Russia sovietica fu creata a Mosca nel 1922 dal poeta, traduttore, ballerino, personaggio teatrale Valentin Parnakh e fu chiamata "La prima orchestra jazz eccentrica di Valentin Parnakh nella RSFSR".

L'orchestra del pianista e compositore di Mosca Alexander Tsfasman è considerata il primo ensemble jazz professionale ad esibirsi alla radio e registrare un disco: la sua orchestra "AMA Jazz" si esibì alla radio di Mosca nel 1927 e registrò il disco "Hallelujah". Seguendolo, i primi gruppi jazz sovietici si specializzarono nell'esecuzione di balli alla moda: foxtrot a, charleston a e altri.

Tuttavia, Leonid Utesov può essere considerato il "padre" del jazz russo. Nella coscienza sovietica di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità negli anni '30, grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utyosov e dal trombettista Ya B. Skomorovsky. La popolare commedia cinematografica con la sua partecipazione "Merry Fellows" (1934, originariamente intitolata "Jazz Comedy") era dedicata alla storia di un musicista jazz e aveva una colonna sonora appropriata (scritta da Isaak Dunaevsky). Utyosov e Skomorovsky hanno formato lo stile originale del "tea-jazz" (jazz teatrale), basato su un mix di musica e teatro, l'operetta, cioè i numeri vocali e un elemento di performance hanno giocato un ruolo importante in esso.

Leonid Utyosov - Mishka Odesit

Il lavoro del compositore e leader delle orchestre, Eddie Rosner, ha influenzato in modo significativo lo sviluppo del jazz sovietico. Ha iniziato la sua carriera in Germania e Polonia e, quando è arrivato in URSS, è diventato uno dei pionieri dello swing in URSS. Un ruolo importante nella divulgazione e nello sviluppo dello stile swing è stato svolto anche dalle band di Mosca degli anni '30 e '40. sotto la direzione di Alexander Tsfasman a e Alexander Varlamov a. Anche la big band di Oleg Lundstrem è ampiamente conosciuta (è stato in tournée in Cina nel 1935-1947)

Il "disgelo" di Krusciov ha indebolito la persecuzione dei musicisti. Il VI Festival Mondiale della Gioventù, tenutosi a Mosca, ha dato vita a una nuova generazione di jazzisti sovietici. Il jazz sovietico è entrato nell'arena europea. Il 2 ° Moscow Jazz Festival è passato alla storia: la casa discografica di tutta l'Unione Melodiya ha pubblicato una raccolta dei migliori numeri musicali Festival. I nomi dei musicisti jazz Igor Bril, Boris Frumkin e altri divennero noti. I tour di Leonid Chizhik negli Stati Uniti hanno fatto scalpore tra il pubblico americano, mostrando il più alto livello di abilità dei pianisti russi.

Negli anni 50-60. A Mosca, le orchestre di Eddie Rosner e Oleg Lundstrem hanno ripreso le loro attività. Tra le nuove formazioni ci sono le orchestre di Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Mosca), così come la Riga Variety Orchestra (REO). Le grandi band hanno allevato un'intera galassia di talentuosi arrangiatori e solisti-improvvisatori. Tra loro ci sono Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin.

Durante questo periodo, il jazz da camera e da club si stava attivamente sviluppando in tutta la sua diversità di stile (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov , Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, ecc.) Molti dei suddetti maestri del jazz sovietico hanno iniziato la loro carriera sul palco del leggendario jazz club di Mosca "

Gli artisti jazz hanno inventato un linguaggio musicale distintivo basato sull'improvvisazione, schemi ritmici complessi (swing) e schemi armonici unici.

Il jazz è nato tra la fine del XIX e l'inizio del XX negli Stati Uniti d'America ed è stato unico fenomeno sociale, ovvero la fusione delle culture africane e americane. Ulteriori sviluppi e la stratificazione del jazz in vari stili e sottostili è dovuta al fatto che esecutori e compositori jazz hanno continuato a complicare continuamente la loro musica, cercare nuovi suoni e padroneggiare nuove armonie e ritmi.

Si è così accumulato un enorme patrimonio jazzistico, in cui si possono distinguere le seguenti principali scuole e stili: jazz (tradizionale) di New Orleans, bebop, hard bop, swing, cool jazz, progressive jazz, free jazz, modal jazz, fusion, ecc. e. In questo articolo vengono raccolti dieci eccezionali artisti jazz, dopo averli letti, otterrai il quadro più completo dell'era delle persone libere e della musica energica.

Miles Davis (Miles Davis)

Miles Davis è nato il 26 maggio 1926 ad Alton (USA). Conosciuto come un iconico trombettista americano la cui musica ha avuto un enorme impatto sulla scena jazz e musicale del 20° secolo nel suo complesso. Ha sperimentato molto e audacemente con gli stili, e forse è per questo che la figura di Davis è all'origine di stili come il cool jazz, la fusion e il jazz modale. Miles ha iniziato la sua carriera musicale come membro del Charlie Parker Quintet, ma in seguito è riuscito a trovare e sviluppare il proprio suono musicale. Gli album più importanti e seminali di Miles Davis sono Birth of the Cool (1949), Kind of Blue (1959), Bitches Brew (1969) e In a Silent Way (1969). La caratteristica principale di Miles Davis era che era costantemente alla ricerca creativa e mostrava al mondo nuove idee, ed è per questo che la storia della musica jazz moderna deve così tanto al suo eccezionale talento.

Louis Amstrong (Louis Amstrong)

Louis Armstrong, l'uomo il cui nome viene in mente alla maggior parte delle persone quando sentono la parola "jazz", è nato il 4 agosto 1901 a New Orleans (USA). Armstrong aveva un talento straordinario per suonare la tromba e ha fatto molto per sviluppare e rendere popolare la musica jazz in tutto il mondo. Inoltre, ha anche affascinato il pubblico con la sua voce di basso roca. Il percorso che Armstrong ha dovuto percorrere da vagabondo al titolo di Re del Jazz è stato spinoso. Ed è iniziato in una colonia per adolescenti neri, dove Louis è finito per uno scherzo innocente: sparare con una pistola Vigilia di Capodanno. A proposito, ha rubato una pistola a un poliziotto, un cliente di sua madre, rappresentante della professione più antica del mondo. Grazie a questo insieme di circostanze non troppo favorevoli, Louis Armstrong ebbe la sua prima esperienza musicale nella banda di ottoni del campo. Lì ha imparato la cornetta, il tamburello e il corno contralto. In una parola, Armstrong è passato dalle marce nella colonia e poi dalle esibizioni episodiche nei club a un musicista di livello mondiale, il cui talento e contributo al tesoro del jazz difficilmente possono essere sopravvalutati. L'influenza dei suoi album storici Ella and Louis (1956), Porgy and Bess (1957) e American Freedom (1961) può ancora essere ascoltata nel modo di suonare di artisti contemporanei di vari stili.

Duke Ellington (Duke Ellington)

Duke Ellinton nacque il 29 aprile 1899 a Washington DC. Pianista, direttore d'orchestra, arrangiatore e compositore la cui musica è diventata una vera innovazione nel mondo del jazz. Le sue opere sono state trasmesse su tutte le stazioni radio e le sue registrazioni sono giustamente incluse nel "fondo d'oro del jazz". Ellinton è stato riconosciuto in tutto il mondo, ha ricevuto molti premi, ha scritto un numero enorme di opere di genio, che include lo standard "Caravan", che ha fatto il giro del mondo. Le sue uscite più importanti includono Ellington At Newport (1956), Ellington Uptown (1953), Far East Suite (1967) e Masterpieces By Ellington (1951).

Herbie Hancock (Herbie Hancock)

Herbie Hancock è nato il 12 aprile 1940 a Chicago (USA). Hancock è noto come pianista e compositore, nonché proprietario di 14 Grammy Awards, che ha ricevuto per il suo lavoro nel campo del jazz. La sua musica è interessante perché combina elementi di rock, funk e soul, insieme al free jazz. Anche nelle sue composizioni puoi trovare elementi di musica classica moderna e motivi blues. In generale, quasi tutti gli ascoltatori sofisticati saranno in grado di trovare qualcosa per se stessi nella musica di Hancock. Se parliamo di soluzioni creative innovative, Herbie Hancock è considerato uno dei primi artisti jazz che ha combinato il sintetizzatore e il funk allo stesso modo, il musicista è in prima linea nel nuovo stile jazz: il post-bop. Nonostante la specificità della musica di alcune fasi del lavoro di Herbie, la maggior parte delle sue canzoni sono composizioni melodiche che si sono innamorate del grande pubblico.

Tra i suoi album si possono distinguere: "Head Hunters" (1971), "Future Shock" (1983), "Maiden Voyage" (1966) e "Takin' Off" (1962).

John Coltrane (John Coltrane)

John Coltrane, un eccezionale innovatore e virtuoso del jazz, è nato il 23 settembre 1926. Coltrane era un talentuoso sassofonista e compositore, bandleader e uno dei musicisti più influenti del 20° secolo. Coltrane è giustamente considerato una figura significativa nella storia dello sviluppo del jazz, che ha ispirato e influenzato gli artisti moderni, così come la scuola di improvvisazione in generale. Fino al 1955, John Coltrane rimase relativamente sconosciuto finché non si unì alla band di Miles Davis. Pochi anni dopo, Coltrane lascia il quintetto e inizia a dedicarsi da vicino al proprio lavoro. In questi anni incide album che costituiscono la parte più importante del patrimonio jazzistico.

Questi sono "Giant Steps" (1959), "Coltrane Jazz" (1960) e "A Love Supreme" (1965), che divennero icone dell'improvvisazione jazz.

Charlie Parker (Charlie Parker)

Charlie Parker è nato il 29 agosto 1920 a Kansas City (USA). L'amore per la musica si è svegliato in lui abbastanza presto: ha iniziato a padroneggiare il sassofono all'età di 11 anni. Negli anni '30, Parker iniziò a padroneggiare i principi dell'improvvisazione e sviluppò nella sua tecnica alcune delle tecniche che hanno preceduto il bebop. Successivamente divenne uno dei fondatori di questo stile (insieme a Dizzy Gillespie) e, in generale, ebbe un'influenza molto forte sulla musica jazz. Tuttavia, da adolescente, il musicista divenne dipendente dalla morfina e in futuro sorse il problema della dipendenza da eroina tra Parker e la musica. Sfortunatamente, anche dopo il trattamento in clinica e il recupero, Charlie Parker non ha potuto lavorare così attivamente e scrivere nuova musica. Alla fine, l'eroina ha fatto deragliare la sua vita e la sua carriera e ha causato la sua morte.

Gli album jazz più significativi di Charlie Parker sono Bird and Diz (1952), Birth of the Bebop: Bird on Tenor (1943) e Charlie Parker with strings (1950).

Thelonious Monk Quartetto (Thelonious Monk)

Thelonious Monk è nato il 10 ottobre 1917 a Rocky Mount (USA). È meglio conosciuto come compositore e pianista jazz, nonché uno dei fondatori del bebop. Il suo originale stile di gioco "strappato" ha assorbito vari stili, dall'avanguardia al primitivismo. Tali esperimenti hanno reso il suono della sua musica non del tutto caratteristico del jazz, il che, tuttavia, non ha impedito a molte delle sue opere di diventare dei classici di questo stile musicale. Essere molto una persona insolita, che fin dall'infanzia ha fatto tutto il possibile per non essere "normale" e come tutti gli altri, Monk è diventato famoso non solo per le sue decisioni musicali, ma anche per la sua estrema natura complessa. Molte storie aneddotiche sono associate al suo nome su come fosse in ritardo per i suoi concerti, e una volta si rifiutò del tutto di suonare in un club di Detroit, perché sua moglie non si presentò per un'esibizione. E così Monk si sedette su una sedia, le braccia conserte, finché sua moglie non fu finalmente portata nell'ingresso, in pantofole e vestaglia. Davanti agli occhi del marito, la povera donna è stata consegnata d'urgenza in aereo, se solo avesse avuto luogo il concerto.

Gli album più importanti di Monk includono Monk's Dream (1963), Monk (1954), Straight No Chaser (1967) e Misterioso (1959).

Billie Holiday (Billy Holiday)

Billie Holiday, famosa cantante jazz americana, nasce il 7 aprile 1917 a Filadelfia. Come molti musicisti jazz, Holiday ha iniziato la sua carriera musicale nei nightclub. Nel tempo ha avuto la fortuna di incontrare il produttore Benny Goodman, che ha organizzato le sue prime registrazioni in studio. La fama è arrivata al cantante dopo aver partecipato a big band di maestri del jazz come Count Basie e Artie Shaw (1937-1938). Lady Day (come la chiamavano i suoi fan) aveva uno stile di esecuzione unico, grazie al quale sembrava reinventare un suono fresco e unico per le composizioni più semplici. Era particolarmente brava nelle canzoni romantiche e lente (come "Don't Explain" e "Lover Man"). La carriera di Billie Holiday è stata brillante e brillante, ma non lunga, perché dopo trent'anni è diventata dipendente da alcol e droghe, che hanno influito negativamente sulla sua salute. La voce angelica perse la forza e la flessibilità di un tempo e Holiday stava rapidamente perdendo il favore del pubblico.

Billie Holiday ha arricchito l'arte del jazz con album eccezionali come "Lady Sings the Blues" (1956), "Body and Soul" (1957) e "Lady in Satin" (1958).

Bill Evans (Bill Evans)

Bill Evans, il leggendario pianista e compositore jazz americano, è nato il 16 agosto 1929 nel New Jersey, USA. Evans è uno degli artisti jazz più influenti del 20° secolo. Le sue opere musicali sono così sofisticate e insolite che pochi pianisti sono in grado di ereditare e prendere in prestito le sue idee. Poteva oscillare magistralmente e improvvisare come nessun altro, allo stesso tempo, la melodia e la semplicità gli erano tutt'altro che estranee: le sue interpretazioni di famose ballate guadagnarono popolarità anche tra il pubblico non jazz. Evans è stato addestrato come pianista accademico e, dopo aver prestato servizio nell'esercito, ha iniziato ad apparire in pubblico con vari musicisti oscuri come artista jazz. Il successo arrivò nel 1958 quando Evans si unì al sestetto di Miles Davis, insieme a Cannonball Oderley e John Coltrane. Evans è considerato il creatore del genere del trio jazz da camera, che è caratterizzato da un pianoforte che improvvisa il piombo, oltre a batteria solista e contrabbasso insieme ad esso. Il suo stile musicale ha portato una varietà di colori alla musica jazz - da improvvisazioni aggraziate inventive a toni colorati nei testi.

A nai migliori album Evans può essere attribuito alla sua registrazione da solista di "Alone" (1968), realizzato in modalità uomo-orchestra, "Waltz for Debby" (1961), "New Jazz Conceptions" (1956) e "Explorations" (1961).

Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Dizzy Gillespie è nato il 21 ottobre 1917 a Chirow, negli Stati Uniti. Dizzy ha molto merito nella storia dello sviluppo della musica jazz: è conosciuto come trombettista, cantante, arrangiatore, compositore e direttore d'orchestra. Gillespie ha anche co-fondato il jazz improvvisato con Charlie Parker. Come molti jazzisti, Gillespie ha iniziato a suonare nei club. Poi si è trasferito a vivere a New York ed è entrato con successo nell'orchestra locale. Era noto per il suo comportamento originale, per non dire buffonesco, che ha messo con successo le persone che hanno lavorato con lui contro di lui. Dalla prima orchestra, in cui un trombettista Dizz molto talentuoso ma peculiare è andato in tournée in Inghilterra e Francia, è stato quasi espulso. Anche i musicisti della sua seconda orchestra non hanno reagito molto cordialmente alla presa in giro di Gillespie del loro modo di suonare. Inoltre, poche persone capivano i suoi esperimenti musicali - alcuni chiamavano la sua musica "cinese". La collaborazione con la seconda orchestra si è conclusa con una rissa tra Cab Calloway (il suo leader) e Dizzy durante uno dei concerti, dopodiché Gillespie è stato espulso dalla band con il botto. Dopo Gillespie crea il suo gruppo, in cui lui e altri musicisti lavorano per diversificare il linguaggio jazz tradizionale. Nacque così lo stile noto come bebop, sullo stile su cui Dizzy lavorò attivamente.

I migliori album del brillante trombettista includono "Sonny Side Up" (1957), "Afro" (1954), "Birk's Works" (1957), "World Statesman" (1956) e "Dizzy and Strings" (1954).

Per decenni, la musica della libertà, eseguita da vertiginosi virtuosi del jazz, è stata una parte enorme della scena musicale e della vita umana. I nomi dei musicisti che puoi vedere sopra sono immortalati nella memoria di molte generazioni e, molto probabilmente, altrettante generazioni ispireranno e stupiranno con la loro abilità. Forse il segreto è che gli inventori di trombe, sassofoni, contrabbassi, pianoforti e tamburi sapevano che alcune cose non si potevano fare su questi strumenti, ma si dimenticarono di dirlo ai jazzisti.

La storia del jazz sovietico (dopo il 1991 - russo) non è priva di originalità e differisce dalla periodizzazione del jazz americano ed europeo.

Gli storici della musica dividono il jazz americano in tre periodi:

• jazz tradizionale, incluso lo stile New Orleans (incluso Dixieland), lo stile Chicago e lo swing - con fine XIX v. fino agli anni '40;
• moderno(jazz moderno), compresi gli stili di bebop, cool, progressive e hard-boys - dall'inizio degli anni '40. e fino alla fine degli anni '50. XX secolo;
• avanguardia(free jazz, stile modale, fusion e improvvisazione libera) - dall'inizio degli anni '60.

Va notato che quanto sopra sono solo confini temporanei per la trasformazione di uno stile o di una direzione particolare, sebbene tutti coesistessero e continuino ad esistere fino ad oggi.

Con tutto il rispetto per il jazz sovietico e i suoi maestri, bisogna onestamente ammettere che il jazz sovietico negli anni sovietici è sempre stato secondario, basato sulle idee originariamente nate negli Stati Uniti. E solo dopo che il jazz russo aveva fatto molta strada, alla fine del XX secolo. possiamo parlare dell'originalità del jazz, che viene eseguito da musicisti russi. Usando la ricchezza del jazz accumulata in un secolo, si muovono per la loro strada.

La nascita del jazz in Russia è avvenuta un quarto di secolo dopo rispetto alla sua controparte oltreoceano, e il periodo del jazz arcaico che hanno attraversato gli americani non è affatto presente nella storia del jazz russo. A quel tempo, quando una novità musicale era appena stata ascoltata nella giovane Russia, l'America ballava al jazz con forza e forza, e c'erano così tante orchestre che non era possibile contarne il numero. La musica jazz stava guadagnando sempre più pubblico, paesi e continenti. Pubblico europeo molto più fortunato. Già negli anni '10, e soprattutto durante la prima guerra mondiale (1914-1918), i musicisti americani stupirono il Vecchio Continente con la loro arte, e anche l'industria discografica contribuì alla diffusione della musica jazz.

Il 1 ottobre 1922 è considerato il compleanno del jazz sovietico, quando Sala Grande Istituto Statale arte teatrale ha tenuto un concerto "La prima eccentrica band jazz della RSFSR". È così che hanno scritto questa parola: jazz band. Questa orchestra è stata organizzata da un poeta, traduttore, geografo-viaggiatore e ballerino Valentin Parnach(1891-1951). Nel 1921 tornò in Russia da Parigi, dove aveva vissuto dal 1913 e conobbe artisti, scrittori e poeti eccezionali. Fu in Francia che quest'uomo eccezionale e altamente istruito, leggermente misterioso, che amava tutto l'avanguardia, incontrò i primi artisti ospiti jazz dall'America e, affascinato da questa musica, decise di far conoscere agli ascoltatori russi l'esotismo musicale. La nuova orchestra richiedeva strumenti insoliti e Parnakh portò a Mosca un banjo, set di sordina per tromba, tomtom con pedale, piatti e strumenti di rumore. Parnakh, che non era un musicista, aveva un atteggiamento utilitaristico nei confronti della musica jazz. "Era attratto da questa musica da ritmi insoliti, spezzati e danze nuove, come disse, "eccentriche"," ricordò in seguito scrittore famoso, drammaturgo, sceneggiatore Yevgeny Gabrilovich, che per qualche tempo ha lavorato come pianista nell'orchestra di Valentin Parnakh.

La musica, secondo Parnakh, doveva essere un accompagnamento ai movimenti plastici, diverso dal balletto classico. Fin dall'inizio dell'esistenza dell'orchestra, il direttore ha sostenuto che un gruppo jazz dovrebbe essere una "orchestra mimica", quindi nel senso attuale è difficile chiamare un'orchestra del genere un'orchestra jazz a tutti gli effetti. Molto probabilmente, era un'orchestra rumorosa. Forse per questo motivo, il jazz in Russia ha inizialmente messo radici nell'ambiente teatrale e per tre anni l'orchestra Parnakh si è esibita in spettacoli messi in scena dal regista teatrale Vsevolod Meyerhold. Inoltre, l'orchestra a volte partecipava alle celebrazioni del carnevale, eseguite presso la Press House, dove si riuniva l'intellighenzia di Mosca. Al concerto dedicato all'apertura del 5° Congresso del Comintern, i membri dell'orchestra hanno eseguito frammenti della musica di Darius Milhaud per il balletto "Bull on the Roof" - una composizione piuttosto difficile da eseguire. La Jazz Band of Parnakh fu il primo gruppo invitato allo State Academic Drama Theatre, tuttavia, dopo qualche tempo, il valore applicato dell'orchestra non si addiceva al leader, e Vsevolod Meyerhold era infastidito dal fatto che non appena l'orchestra iniziò a suonare, tutta l'attenzione del pubblico era rivolta ai musicisti, non all'azione scenica. Nonostante il fatto che la stampa abbia notato l'uso riuscito della musica per "manifestare un ritmo drammatico, battere il polso di un'esibizione", il regista Meyerhold ha perso interesse per l'orchestra e il leader della prima band jazz in Russia, dopo un grande e successo rumoroso, tornato alla poesia. Valentin Parnakh è stato il primo autore russo di articoli sulla nuova musica, ha persino scritto poesie sul jazz. Non ci sono registrazioni dell'ensemble Parnakh, poiché la registrazione in URSS è apparsa solo nel 1927, quando l'ensemble si era già disintegrato. A questo punto, nel paese erano sorti artisti molto più professionisti di "La prima eccentrica orchestra della RSFSR - la band jazz di Valentin Parnakh". Queste erano orchestre Teplitsky, Landsberg, Utesov, Tsfasman.

Alla fine degli anni '20 si trovarono appassionati in URSS, apparvero musicisti che suonavano ciò che era "all'orecchio", che in qualche modo proveniva dalla Mecca del jazz, dall'America, dove iniziarono ad apparire grandi orchestre swing in quel momento. Nel 1926 a Mosca, diplomato al conservatorio e brillante pianista virtuoso Alexander Tsfasman(1906-1971) organizzò "AMA Jazz" (presso la casa editrice musicale cooperativa dell'Associazione degli autori di Mosca). È stata la prima orchestra jazz professionale in Russia sovietica. I musicisti hanno eseguito le composizioni del leader stesso, i suoi arrangiamenti di spettacoli americani e le prime opere musicali di compositori sovietici che hanno scritto musica in un nuovo genere per loro. L'orchestra si è esibita con successo sui palchi dei grandi ristoranti, nei foyer dei più grandi cinema. Accanto al nome di Alexander Tsfasman, puoi ripetere ripetutamente la parola "primo". Nel 1928, l'orchestra si esibì alla radio: per la prima volta il jazz sovietico suonò in onda, e poi apparvero le prime registrazioni di musica jazz ("Hallelujah" di Vincent Youmans e "Seminola" di Harry Warren). Alexander Tsfasman è stato l'autore della prima trasmissione radiofonica jazz nel nostro paese. Nel 1937 furono effettuate registrazioni delle opere di Tsfasman: "On a Long Journey", "On the Seashore", "Unsuccessful Date" (basta ricordare le righe: "Eravamo entrambi: ero in farmacia, ed ero ti sto cercando al cinema, quindi, significa domani - nello stesso posto, alla stessa ora! L'adattamento di Tsfasman del tango polacco, colloquialmente noto come "The Burnt Sun", ha avuto un successo continuo. Nel 1936, l'orchestra di A. Tsfasman fu riconosciuta come la migliore nello spettacolo delle orchestre jazz. In sostanza, potrebbe essere definito un festival jazz organizzato dal Moscow Club of Art Masters.

Nel 1939, la Tsfasman Orchestra fu invitata a lavorare alla All-Union Radio e durante la Grande Guerra Patriottica i musicisti dell'orchestra andarono al fronte. I concerti si sono svolti in prima linea e in prima linea, nelle radure dei boschi e nelle panchine. A quel tempo venivano eseguite canzoni sovietiche: "Dark Night", "Dugout", "My Favorite". La musica ha aiutato i combattenti per un breve periodo a fuggire dalla terribile quotidianità militare, ha aiutato a ricordare la loro casa, la famiglia, i loro cari. È stato duro lavorare negli ospedali militari, ma anche qui i musicisti hanno portato la gioia di incontrare la vera arte. Ma il lavoro principale per l'orchestra rimaneva il lavoro alla radio, le esibizioni in fabbriche, fabbriche e centri di reclutamento.

La meravigliosa orchestra Tsfasman, composta da talentuosi musicisti jazz, è esistita fino al 1946.

Nel 1947-1952. Tsfasman ha diretto il jazz sinfonico dell'Hermitage Variety Theatre. In un momento difficile per il jazz (erano gli anni '50), durante la Guerra Fredda con gli Stati Uniti e l'Occidente, quando sulla stampa sovietica cominciarono ad apparire pubblicazioni che screditavano e screditavano il jazz, il leader dell'orchestra lavorava sul palco del concerto come un pianista jazz. Quindi il maestro ha assemblato un quartetto strumentale per il lavoro in studio, i cui successi sono stati inclusi nel fondo della musica sovietica:

"Serata allegra", "Aspettando", "Sempre con te". I romanzi e le canzoni popolari di Alexander Tsfasman, la musica per spettacoli e film sono conosciuti e amati.

Nel 2000, nella serie "Anthology of Jazz", è stato pubblicato l'album di Tsfasman "Burnt Sun", registrato su CD, che include i migliori brani strumentali e vocali del compositore. A proposito di Tsfasman nel libro "Stars of the Soviet stage" (1986) ha scritto G. Skorokhodov. A. N. Batashev, autore di una delle pubblicazioni più autorevoli - "Soviet Jazz" (1972) - ha parlato nel suo libro della vita e dell'opera di Alexander Tsfasman. Nel 2006, il libro "Alexander Tsfasman: Coryphaeus of Soviet Jazz" è stato pubblicato dal dottore in filosofia, scrittore e musicologo A. N. Golubev.

Contemporaneamente all'"AMA Jazz" di Tsfasman a Mosca, nel 1927 nacque anche un gruppo jazz a Leningrado. Era "Il primo concerto jazz band" pianista Leopoldo Teplitsky(1890-1965). Anche prima, nel 1926, Teplitsky visitò New York e Filadelfia, dove fu inviato dal Commissariato del popolo per l'istruzione. Lo scopo del viaggio era studiare musica per illustrazioni di film muti. Per diversi mesi il musicista ha assorbito per sé tutti i ritmi della nuova musica, studiati con jazzisti americani. Tornato in Russia, L. Teplitsky organizzò un'orchestra di musicisti professionisti (insegnanti del conservatorio, scuole di musica), che, sfortunatamente, non sentivano le specificità jazz della musica che eseguivano. I musicisti, che suonavano sempre solo dalle note, non potevano immaginare che la stessa melodia potesse essere suonata ogni volta in modo nuovo, cioè non si poteva parlare di improvvisazione. Il merito di Teplitsky può essere considerato che per la prima volta i musicisti si sono esibiti nelle sale da concerto, e sebbene il suono dell'orchestra fosse ben lungi dall'essere un vero gruppo jazz, non era più l'arte eccentrica dell'orchestra noise di Valentin Parnakh. Il repertorio dell'orchestra Leopold Teplitsky consisteva in opere di autori americani (il direttore ha riportato un bagaglio inestimabile: una pila di dischi jazz e un'intera cartella di arrangiamenti orchestrali Paolo Whiteman). La band jazz di Teplitsky non durò a lungo, solo pochi mesi, ma anche durante questo breve periodo i musicisti introdussero gli ascoltatori alla moderna musica da ballo americana, alle bellissime melodie di Broadway. Dopo il 1929, il destino di Leopold Teplitsky si sviluppò drammaticamente: arresto per falsa denuncia, condanna da parte della "troika" dell'NKVD per dieci anni nei campi, costruzione del Canale Mar Bianco-Baltico. Dopo la conclusione, Leopold Yakovlevich fu costretto a stabilirsi a Petrozavodsk (non gli fu permesso di entrare a Leningrado). Il passato musicale non è stato dimenticato. Teplitsky organizzò un'orchestra sinfonica in Carelia, insegnò al conservatorio, scrisse musica e condusse trasmissioni radiofoniche. L'International Jazz Festival "Stars and Us" (organizzato nel 1986 a Petrozavodsk) dal 2004 prende il nome dal pioniere del jazz russo Leopold Teplitsky.

Critica musicale della fine degli anni '20 non poteva apprezzare il nuovo fenomeno della cultura. Ecco un estratto di quel periodo da una caratteristica recensione del jazz: "Come mezzo di caricatura e parodia ... come un apparato ritmico e timbrico rozzo, ma pungente e piccante, adatto alla musica da ballo e per "dipinti musicali" economici in uso teatrale, - un gruppo jazz ha la sua ragione. Oltre questi limiti, il suo valore artistico non è grande.

Aggiunta benzina al fuoco e associazione russa musicisti proletari (RAPM), che affermavano la "linea proletaria" nella musica, rifiutando tutto ciò che non corrispondeva alle loro opinioni spesso dogmatiche sull'arte. Nel 1928 il quotidiano Pravda pubblicò un articolo intitolato "Sulla musica dei grassi" del famoso Scrittore sovietico Maxim Gorky. Era un opuscolo arrabbiato che denunciava il "mondo dei predatori", "il potere del grasso". Lo scrittore proletario viveva a quel tempo in Italia, sull'isola di Capri, e molto probabilmente conosceva la cosiddetta "musica da ristorante", molto lontana dal vero jazz. Alcuni meticolosi storici del jazz affermano che lo scrittore era semplicemente "stanco" dei foxtrot, che venivano suonati per tutto il tempo al primo piano della villa dallo sfortunato figliastro di Gorky. In un modo o nell'altro, ma l'affermazione dello scrittore proletario è stata subito ripresa dai dirigenti della RAPM. E per molto tempo il jazz nel nostro paese è stato chiamato "la musica del grasso", non sapendo chi fosse il vero autore della musica jazz, in quali sezioni diseredate della società americana è nata.

Nonostante la difficile atmosfera critica, il jazz ha continuato a svilupparsi nell'URSS. C'erano molte persone che trattavano il jazz come un'arte. Di loro si potrebbe dire che avevano un "senso innato del jazz" che non si può sviluppare con gli esercizi: o c'è o non c'è. Come ha detto il compositore Giya Kancheli(classe 1935), “è impossibile imporre questo sentimento, è inutile insegnarlo, perché qui c'è qualcosa di primordiale, di naturale”.

A Leningrado, nell'appartamento di uno studente dell'Istituto agrario Heinrich Terpilovsky(1908-1989) alla fine degli anni '20. c'era un jazz club casalingo dove musicisti dilettanti ascoltavano jazz, discutevano molto e appassionatamente sulla nuova musica e cercavano di comprendere la complessità del jazz come fenomeno artistico. I giovani musicisti furono così portati via dalle idee jazz che presto si formò un ensemble che creò per la prima volta il repertorio jazz. L'ensemble era chiamato la "Cappella jazz di Leningrado", i cui direttori musicali erano Georgij Landsberg(1904-1938) e Boris Krupyshev. Landsberg negli anni '20. viveva in Cecoslovacchia, dove il padre di George lavorava nella missione commerciale. Il giovane ha studiato al Politecnico di Praga, ha praticato sport, lingue straniere e musica. Fu a Praga che Landsberg ascoltò il jazz americano - "Chocolate Boys" Sam Wood. Praga è sempre stata una città musicale: le orchestre jazz, gli ensemble conoscevano già le novità d'oltremare. Quindi Georgy Landsberg, tornato in patria, era già "armato" di più di una dozzina di standard jazz e scrisse lui stesso la maggior parte degli arrangiamenti. È stato aiutato N. Minh E S.Kagan. Nella squadra regnava un'atmosfera di competizione creativa: i musicisti offrivano le proprie versioni degli arrangiamenti, ogni proposta veniva discussa animatamente. Il processo delle prove, a volte, interessava i giovani musicisti ancor più delle esibizioni stesse. "Jazz Capella" ha eseguito opere non solo compositori stranieri, ma anche opere originali di autori sovietici: "Jazz Suite" di A. Zhivotov, opera lirica di N. Minkh "I'm Alone", "Jazz Fever" di G. Terpilovsky. Anche sulla stampa di Leningrado sull'ensemble c'erano recensioni di approvazione, in cui si notavano ottimi interpreti, che suonavano in modo fluido, ritmico, deciso e dinamico. La "Leningrad Jazz Capella" è stata in tournée con successo a Mosca, Murmansk, Petrozavodsk, ha organizzato concerti di "visione", introducendo gli ascoltatori al "jazz da camera culturale". Il repertorio è stato selezionato con molta attenzione, tenendo conto delle attività concertistiche, ma l '"accademismo" non ha portato al successo commerciale, il pubblico non era pronto ad ascoltare musica difficile. Gli amministratori di teatri e club persero rapidamente interesse per l'ensemble ei musicisti iniziarono a trasferirsi in altre orchestre. Georgy Landsberg ha lavorato con diversi musicisti al ristorante Astoria, dove, agli albori del jazz russo, si tenevano jam session con jazzisti stranieri giunti in città sulle navi da crociera.

Nel 1930, molti dei musicisti di G. Landsberg si trasferirono nell'orchestra di maggior successo di Leonid Utesov, e Landsberg sciolse la sua orchestra e per qualche tempo lavorò come ingegnere (l'istruzione ricevuta al Politecnico tornò utile). La Jazz Capella come gruppo da concerto fu nuovamente ripresa con l'arrivo del talentuoso pianista e arrangiatore Simon Kagan, e quando G. Landsberg riapparve nell'ensemble nel 1934, la Capella suonò in un modo nuovo. Con geniale invenzione, il pianista fece gli arrangiamenti per Bond Leonid Andreevich Diderikhs(1907-?). Ha realizzato arrangiamenti strumentali di canzoni di compositori sovietici, arricchendo creativamente ogni partitura. Sono noti anche i brani strumentali originali di L. Diderikhs: "Puma" e "Under the Roofs of Paris". I tour della band in tutta l'Unione Sovietica, durati dieci mesi, hanno portato un grande successo alla squadra. Nel 1935 terminò il termine del contratto con la Radio di Leningrado, la cui orchestra regolare era la Jazz Capella. I musicisti si sono di nuovo dispersi in altre orchestre. Nel 1938 G. Landsberg fu arrestato, accusato di spionaggio e fucilato (riabilitato nel 1956). La cappella cessò di esistere, ma rimase nella storia della musica come uno dei primi gruppi professionali che contribuì allo sviluppo del jazz sovietico, eseguendo opere di autori russi. Georgy Landsberg è stato un insegnante meraviglioso che ha allevato ottimi musicisti che in seguito hanno lavorato in orchestre pop e jazz.

Il jazz è noto per essere musica improvvisata. In Russia negli anni 20-30. 20 ° secolo c'erano pochi musicisti che padroneggiavano l'improvvisazione solista spontanea. Le registrazioni di quegli anni sono rappresentate principalmente da grandi orchestre, i cui musicisti suonavano le loro parti dalle note, comprese le "improvvisazioni" solistiche. I pezzi strumentali erano una rarità, prevaleva l'accompagnamento ai cantanti. Ad esempio, "Tea Jazz", organizzato nel 1929. Leonid Utyosov(1895-1982) e trombettista-solista dell'orchestra del Maly Opera Theatre Yakov Skomorovsky(1889-1955), era un ottimo esempio un'orchestra del genere. Sì, e nel nome conteneva una trascrizione: jazz teatrale. Basti ricordare la commedia di Grigory Alexandrov "Merry Fellows", dove i ruoli principali erano interpretati da Lyubov Orlova, Leonid Utesov e la sua famosa orchestra. Dopo il 1934, quando la "commedia jazz" (come il regista definì per la prima volta il genere del suo film) fu vista da tutto il paese, la popolarità di Leonid Utyosov come attore cinematografico divenne incredibile. Leonid Osipovich aveva già recitato in film, ma in "Merry Fellows" il protagonista rustico - il pastore Kostya Potekhin - era comprensibile al grande pubblico: cantava bellissime canzoni ispirate al compositore I. O. Dunaevsky, scherzava sgarbatamente, eseguiva i tipici trucchi di Hollywood. Tutto ciò ha deliziato il pubblico, anche se poche persone sapevano che un tale stile di film era stato a lungo inventato a Hollywood. Il regista Grigory Alexandrov doveva solo trasferirlo sul suolo sovietico.

Negli anni '30 Il nome "Tea Jazz" divenne estremamente popolare. Gli artisti imprenditoriali spesso assegnavano questo nome alle loro orchestre per scopi puramente commerciali, ma erano lontani dalle esibizioni veramente teatrali dell'orchestra di Leonid Utyosov, che cercava di creare riviste musicali tenute insieme da un'unica azione scenica. Tale teatralizzazione distingueva favorevolmente l'orchestra di intrattenimento di Utyosov dalla natura strumentale delle orchestre di L. Teplitsky e G. Landsberg, ed era più comprensibile per il pubblico sovietico. Inoltre, per il lavoro congiunto, Leonid Utesov ha attratto famosi e talentuosi cantautori sovietici, come Isaac Dunaevskij, fratelli Dmitry E Daniil Pokrassy, ​​​​Konstantin Listov, Matvey Blanter, Evgeny Zharkovsky. Le canzoni che suonavano nei programmi dell'orchestra, splendidamente arrangiate, divennero estremamente popolari e amate dalla gente.

L'orchestra di Leonid Utyosov aveva musicisti eccellenti che dovevano padroneggiare un nuovo genere musicale. Successivamente, gli artisti di "Tea-Jazz" hanno creato il palcoscenico nazionale e il jazz. Tra loro c'era Nikolaj Minkh(1912-1982). È stato un pianista meraviglioso che ha attraversato "le sue indimenticabili università", come ha ricordato lo stesso musicista, al fianco di Isaac Dunayevsky. Questa esperienza ha poi aiutato Minkh a dirigere l'orchestra al Moscow Variety Theatre e negli anni '60. impegnarsi in attività di composizione, creare commedie musicali e operette.

Una caratteristica del jazz sovietico negli anni '30 -'40. si può ritenere che il jazz a quel tempo fosse "song jazz" ed era associato, piuttosto, al tipo di orchestra, in cui i sassofoni e la batteria erano partecipanti indispensabili, oltre agli strumenti principali. Si diceva dei musicisti di tali orchestre che "suonano jazz", e non jazz. La forma canzone, a cui è stata data grande importanza, è stata forse la forma, la strada che ha aperto la musica jazz a milioni di ascoltatori. Tuttavia, questa musica - canzone, danza, eterogenea e ibrida - era lontana dal vero jazz americano. Sì, e lei non poteva in una "forma pura" mettere radici in Russia. Persino lo stesso Leonid Osipovich Utyosov affermò che l'autentico primo jazz americano era musica aliena e incomprensibile per la maggior parte del pubblico sovietico. Leonid Utyosov - un uomo di teatro, vaudeville, un fan dell'azione sintetica - ha collegato il teatro con il jazz e il jazz - con il teatro. È così che sono apparsi "Jazz at the Turn", "Music Store" - programmi allegri in cui miracolosamente musica e umorismo combinati. Il compositore I. O. Dunayevsky a volte ha arrangiato in modo arguto non solo canzoni popolari e popolari: ad esempio, il "jazzed" "Song of the Indian Guest" dall'opera "Sadko", "Duke's Song" da "Rigoletto", jazz fantasy "Eugene Onegin.

Il noto storico del jazz A. N. Batashev scrive nel suo libro “Soviet Jazz”: “Verso la metà degli anni '30, la pratica concertistica di L. Utesov gettò le basi di un genere costruito su materiale musicale e poetico domestico, sintetizzando singoli elementi di spettacoli teatrali stranieri , varietà e jazz. Questo genere, dapprima chiamato “jazz teatrale”, e poi, dopo la guerra, semplicemente “ musica pop", nel corso degli anni, si è sviluppato sempre di più e ha vissuto secondo le proprie leggi."

Una pagina speciale nella vita dell'orchestra diretta da Utyosov sono gli anni della Grande Guerra Patriottica. Nel più breve tempo possibile è stato preparato il programma "Beat the Enemy!", Con il quale i musicisti si sono esibiti nel Giardino dell'Ermitage, nelle stazioni ferroviarie per i soldati in partenza per il fronte, nell'entroterra - negli Urali e in Siberia, poi le esibizioni degli artisti ha avuto luogo nell'esercito, nella zona del fronte. Durante la guerra, gli artisti erano sia musicisti che combattenti. Molti gruppi sono andati al fronte come parte di grandi squadre di concerti. Le famose orchestre jazz di Alexander Tsfasman, Boris Karamyshev, Claudia Shulzhenko, Boris Rensky, Alexander Varlamov, Dmitry Pokrass, Isaac Dunayevsky hanno visitato molti fronti. Spesso i musicisti al fronte dovevano lavorare alla costruzione di fortificazioni militari, partecipare direttamente alle operazioni militari e ... morire.

Il famoso compositore sovietico Vano Muradeli, tornato da un viaggio al fronte, ha testimoniato: “L'interesse dei nostri soldati e comandanti per la cultura, per l'arte, in particolare per la musica, è grandissimo. Il loro grande amore è apprezzato dall'esecuzione di gruppi che lavorano per il fronte, ensemble, jazz. Ora nessuno dei critici che in precedenza avevano espresso dubbi sul significato della musica jazz ha posto la domanda "Abbiamo bisogno del jazz?" Gli artisti non solo hanno sostenuto il morale con la loro arte, ma hanno anche raccolto fondi per la costruzione di aerei e carri armati. Al fronte era noto l'aereo Utesov "Merry Fellows". Leonid Utesov è stato un maestro eccezionale del palcoscenico sovietico, uno dei preferiti di molte generazioni di ascoltatori sovietici, che hanno saputo "fondersi" con la canzone. Così ha chiamato il suo libro autobiografico - "Con una canzone attraverso la vita", pubblicato nel 1961. E nel 1982, Yu A. Dmitriev ha scritto il libro "Leonid Utesov", che racconta del famoso leader della band, cantante e attore.

Certo, si può sostenere che le orchestre di quel tempo non possono essere considerate pienamente jazz, poiché, suonando dalle note, i musicisti erano privati ​​\u200b\u200bdell'opportunità di improvvisare, il che viola il principio più importante della musica jazz. Ma la musica jazz non può essere sempre improvvisata, perché ogni musicista dell'orchestra, trascurando la sua parte, non può improvvisare. La Duke Ellington Orchestra, ad esempio, eseguiva spesso brani in cui le parti soliste erano scritte dall'inizio alla fine dall'autore. Ma nessuno penserebbe mai che non fosse jazz! E ci sono molti di questi esempi, perché l'appartenenza al jazz è determinata anche dalla natura peculiare del linguaggio dell'esecuzione musicale, dalle sue caratteristiche intonazionali e ritmiche.

1930 in URSS furono anni di impennata senza precedenti in tutti i settori della vita del popolo sovietico. Durante gli anni dei primi piani quinquennali l'entusiasmo della gente fu grande: furono costruite nuove città, fabbriche, fabbriche, furono posate ferrovie. Questo ottimismo socialista, sconosciuto al mondo intero, richiedeva la propria "decorazione" musicale, nuovi stati d'animo, nuove canzoni. La vita artistica nell'URSS è sempre stata sotto molta attenzione direzione del partito del paese. Nel 1932 si decise di liquidare la RAPM e formare un'unica Unione dei compositori sovietici. La risoluzione del Comitato centrale del Partito comunista sindacale dei bolscevichi "Sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche" ha permesso di adottare una serie di misure organizzative relative ai generi di massa, compresa la musica jazz. 1930 in URSS ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del jazz sovietico. I musicisti hanno tentato di creare il proprio repertorio originale, ma il compito principale per loro in quel momento era padroneggiare l'abilità dell'esecuzione jazz: la capacità di costruire frasi jazz elementari che consentano di improvvisare, mantenere la continuità ritmica nel gruppo e suonare da solista - tutto ciò che costituisce il vero jazz, anche se è annotato.

Nel 1934, i manifesti di Mosca invitarono il pubblico a un concerto dell'orchestra jazz di Alexander Varlamov.

Alexander Vladimirovich Varlamovè nato nel 1904 a Simbirsk (ora Ulyanovsk). La famiglia Varlamov era famosa. Il bisnonno di Alexander Vladimirovich era un compositore, un classico del romanticismo russo ("Red Sundress", "Lungo la strada spazza una tempesta di neve", "All'alba non la svegli", "Una vela solitaria diventa bianca") . La madre del futuro leader dell'orchestra era una famosa cantante d'opera, suo padre era un avvocato. I genitori si sono occupati dell'educazione musicale del figlio, soprattutto perché il giovane era molto capace, e il desiderio di diventare un musicista professionista non ha lasciato al giovane talento tutti gli anni di studio: prima in una scuola di musica, poi al GITIS e al famoso Gnesinka. Già nei suoi anni da studente, Varlamov guardava la rivista "Chocolate Boys" di Sam Wooding, che fece un'impressione indelebile sullo studente. Varlamov, avendo ricevuto un eccellente educazione musicale, ha deciso di organizzare un ensemble simile all'ensemble "Hot Seven" familiare dai dischi di grammofono e dai programmi radiofonici Luigi Amstrong. La "stella guida" per Varlamov era l'orchestra Duca Ellington, che ammirava il musicista russo. Il giovane compositore-direttore ha selezionato con cura musicisti e repertorio per la sua orchestra. Sono passati cinque anni da quando Varlamov si è diplomato a Gnesinka ed è stata creata un'orchestra jazz presso la Central House dell'Armata Rossa. Era un'orchestra strumentale che, come molte orchestre dell'epoca, non gravitava verso il jazz teatrale. L'espressività della musica è stata raggiunta attraverso bellissime melodie e arrangiamenti. Così sono nate le commedie: "At the Carnival", "Dixie Lee", "Evening Leaves", "Life is Full of Happiness", "Blue Moon", "Sweet Su". Varlamov ha tradotto in russo alcuni standard jazz americani e ha cantato lui stesso. Il musicista non aveva capacità vocali eccezionali, ma a volte si lasciava registrare su dischi, eseguendo canzoni melodicamente accurate e convincenti nei contenuti.

Nel 1937-1939. La carriera di Varlamov si è sviluppata con successo: il musicista ha prima guidato il settetto ("Seven"), poi è stato il direttore principale dell'orchestra jazz dell'All-Union Radio Committee, in 1940-1941 gg. - direttore principale Orchestra Jazz di Stato dell'URSS. Tuttavia, quando iniziò la guerra, molti musicisti dell'orchestra furono chiamati al fronte. Varlamov non si è arreso. Ha organizzato tra i musicisti liberati da servizio militare, ed ex ferito, insolito (si potrebbe dire, strano) "Orchestra melodica": tre violini, viola, violoncello, sassofono e due pianoforti. I musicisti si sono esibiti con grande successo all'Hermitage, al Metropol, nelle unità militari e negli ospedali. Varlamov era un patriota. Il musicista ha donato i propri risparmi per la costruzione del carro armato del compositore sovietico.

Tempi difficili nella storia del nostro paese hanno fatto eco nel destino di milioni di persone di talento, di successo e famose. Il compositore-direttore Alexander Varlamov non è sfuggito al destino crudele, in 1943 Quando i musicisti stavano provando la famosa Rhapsody in Blues di George Gershwin, il leader della Melody Orchestra è stato arrestato. Il motivo è stata la denuncia del violoncellista, che ha riferito che Varlamov ascolta spesso trasmissioni radiofoniche straniere, presumibilmente in attesa dell'arrivo dei tedeschi, ecc. ha lavorato per gli otto anni premiati. Un grande sfogo per i prigionieri era l'orchestra, assemblata da musicisti e cantanti del campo, calunniati tanto quanto il capo di questo gruppo. Questa straordinaria orchestra ha portato grande gioia a tutti e nove i punti del campo. Dopo aver scontato il suo mandato, Alexander Vladimirovich sperava di tornare a Mosca. Ma c'era ancora un legame con il Kazakistan, dove il musicista lavorava in piccole città: insegnava musica per bambini e giovani, componeva opere per il teatro drammatico russo. Solo in 1956 città, dopo la riabilitazione, Varlamov poté tornare a Mosca e si unì immediatamente all'attivo vita creativa, comporre musica per il cinema (animazione: "Wonder Woman", "Puck! Puck!", "La volpe e il castoro", ecc.), Teatri, orchestre di varietà, produzioni televisive, in 1990 Non molto tempo prima della morte di Varlamov, fu pubblicato l'ultimo disco di musica jazz e jazz sinfonica del notevole compositore e direttore d'orchestra.

Ma torniamo agli anni prebellici, quando diverse orchestre jazz apparvero contemporaneamente nelle repubbliche sovietiche, in 1939 era organizzato Jazz di stato dell'URSS. Era un prototipo delle future orchestre pop-sinfoniche, il cui repertorio consisteva in trascrizioni di opere classiche per un grande jazz sinfonico. Il repertorio "serio" è stato creato dal capo dell'orchestra Victor Knushevitsky (1906-1974). Per Jazz di stato dell'URSS parlando principalmente alla radio, scrivevano i compositori I. O. Dunayevsky, Yu Milyutin, M. Blanter, A. Tsfasman ecc. Alla radio di Leningrado in 1939 Nikolai Minkh ha organizzato un'orchestra jazz.

Altre repubbliche sindacali non sono rimaste indietro. A Baku, Tofig Guliyev ha creato State Jazz Orchestra della SSR dell'Azerbaigian. Un'orchestra simile è apparsa in Armenia sotto la direzione di Artemy Ayvazyan. Le loro orchestre repubblicane sono apparse nella SSR moldava, in Ucraina. Una delle famose orchestre jazz alleate era una squadra della Bielorussia occidentale guidata da un trombettista, violinista e compositore di prima classe Eddie Rosner.

Eddie (Adolf) Ignatievich Rosner(1910-1976) è nato in Germania da una famiglia polacca, ha studiato violino al Conservatorio di Berlino. Ha imparato la pipa da solo. I suoi idoli erano famosi Louis Armstrong, Harry James, Bunny Berigen. Dopo aver ricevuto un'eccellente educazione musicale, Eddie ha suonato per qualche tempo in una delle orchestre europee, quindi ha organizzato la sua band in Polonia. Quando è nato il secondo Guerra mondiale, l'orchestra dovette sfuggire alle rappresaglie fasciste, poiché la maggior parte dei musicisti erano ebrei e il jazz nella Germania fascista fu bandito come "arte non ariana". Così i musicisti trovarono rifugio nella Bielorussia sovietica. Per i due anni successivi, la band fece tournée con successo a Mosca, Leningrado e durante la guerra, sul fronte e nelle retrovie. Eddie Rosner, che in gioventù era chiamato "Armstrong bianco", era un artista di talento che sapeva come conquistare il pubblico con la sua abilità, il suo fascino, il suo sorriso e la sua allegria. Rosner è un musicista, secondo il maestro del palcoscenico russo Yuri Saulsky,"possedeva una vera base jazz, gusto." I successi del programma hanno riscosso un grande successo tra gli ascoltatori: "Caravan" di Tizol - Ellington, "St. Louis Blues" di William Handy, "Serenade" di Toselli, "Tales of the Vienna Woods" di Johann Strauss, la canzone di Lo stesso Rosner "Quiet Water", "Cowboy Song", "Mandolin, Guitar and Bass" di Albert Harris. Durante gli anni della guerra, il repertorio delle orchestre iniziò a utilizzare più spesso le opere degli alleati: autori americani e britannici. C'erano molti dischi di grammofono con registrazioni di brani strumentali nazionali e stranieri. Molte orchestre hanno suonato musica da pellicola americana"Sun Valley Serenade", interpretato dalla famosa Glenn Miller Big Band.

Nel 1946, quando il jazz cominciò a essere perseguitato, quando i jazzisti furono accusati di cosmopolitismo e la band fu sciolta, Eddie Rosner decise di tornare in Polonia. Ma fu accusato di tradimento e mandato a Magadan. Dal 1946 al 1953 il virtuoso trombettista Eddie Rosner era nel Gulag. Le autorità locali hanno incaricato il musicista di formare un'orchestra dai prigionieri. Così passarono otto lunghi anni. Dopo il rilascio e la riabilitazione, Rosner guidò nuovamente una big band a Mosca, ma lui stesso suonava sempre meno la tromba: lo scorbuto sofferto durante gli anni del campo lo colpì. Ma la popolarità dell'orchestra è stata grande: le canzoni di Rosner hanno avuto un successo costante, i musicisti hanno recitato nel 1957 nel famoso film Carnival Night. Negli anni '60 musicisti suonavano nell'orchestra, che in seguito avrebbero costituito il colore e la gloria del jazz russo: polistrumentista David Goloschekin, trombettista Konstantin Nossov, sassofonista Gennadi Holstein. Grandi arrangiamenti per la band ha scritto Vitaly Dolgov E Alexey Mazukov,

che, secondo Rosner, non ha organizzato peggio degli americani. Lo stesso maestro era consapevole di ciò che stava accadendo nel mondo del jazz e si sforzò di includere nei programmi i migliori esempi di vero jazz, per il quale Rosner fu ripetutamente rimproverato dalla stampa per aver trascurato il repertorio sovietico. Nel 1973, Eddie Rosner tornò in patria, a Berlino Ovest. Ma la carriera di un musicista in Germania non si è sviluppata: l'artista non era più giovane, non era conosciuto da nessuno, non riusciva a trovare lavoro nella sua specialità. Per qualche tempo ha lavorato come animatore in teatro, come capocameriere in un albergo. Nel 1976, il musicista morì. In memoria del meraviglioso trombettista, band leader, compositore e talentuoso direttore dei suoi programmi nel 1993 a Mosca, nella sala da concerto "Russia", si è tenuto uno spettacolo meraviglioso "In compagnia di Eddie Rosner". Nello stesso 1993 fu pubblicato il libro di Yu Zeitlin "The Rise and Fall of the Great Trumpeter Eddie Rosner". A proposito di un virtuoso del jazz, un vero showman, un uomo con un carattere avventuroso complesso e un destino difficile, il romanzo documentario di Dmitry Dragilev, pubblicato nel 2011, racconta la storia: "Eddie Rosner: facciamo schifo jazz, il colera è chiaro!"

Una buona orchestra jazz è difficile da creare, ma è ancora più difficile mantenerla per decenni. La longevità di un'orchestra del genere dipende, prima di tutto, dall'originalità del leader, una persona e un musicista innamorato della musica. Oleg Lundstrem, il compositore, leader della band, capo dell'orchestra jazz più antica del mondo, elencato nel Guinness dei primati, può essere definito un leggendario jazzista.

Oleg Leonidovich Lundstrem(1916-2005) è nato a Chita, nella famiglia di un insegnante di fisica Leonid Frantsevich Lundstrem, uno svedese russificato. I genitori del futuro musicista lavoravano alla CER (Chinese Eastern Railway, che collega Chita e Vladivostok attraverso la Cina). Per qualche tempo la famiglia visse ad Harbin, dove si riunì una grande e diversificata diaspora russa. Qui vivevano sia cittadini sovietici che emigranti russi. La famiglia Lundstrem ha sempre amato la musica: suo padre suonava il piano e sua madre cantava. Anche i bambini sono stati introdotti alla musica, ma hanno deciso di dare ai bambini un'educazione "forte": entrambi i figli hanno studiato alla Scuola Commerciale. La prima esperienza di Oleg Lundstrem con il jazz risale al 1932, quando un adolescente acquistò un disco dell'orchestra di Duke Ellington "Dear Old South" (Caro vecchio Southland). Oleg Leonidovich in seguito ha ricordato: “Questo disco ha svolto il ruolo di un detonatore. Ha letteralmente cambiato tutta la mia vita. Ho scoperto un universo musicale precedentemente sconosciuto.

All'Harbin Polytechnic Institute, dove il futuro patriarca del jazz sovietico ha ricevuto la sua istruzione superiore, c'erano molti amici affini che volevano suonare la loro musica preferita. Così è stata creata una combinazione di nove studenti russi che hanno suonato a feste, piste da ballo, balli festivi, a volte la squadra si è esibita alla radio locale. I musicisti hanno imparato a "rimuovere" brani jazz popolari dai dischi, hanno arrangiato canzoni sovietiche, principalmente I. Dunaevsky, anche se in seguito Oleg Lundstrem ha ricordato di non aver sempre capito perché le melodie di George Gershwin fossero ideali per il jazz, ma le canzoni di I compositori sovietici non lo erano. La maggior parte dei membri della prima orchestra di Lundstrem non erano musicisti professionisti, ricevettero un'istruzione tecnica, ma erano così appassionati di jazz che decisero fermamente di occuparsi solo di questa musica. A poco a poco, la squadra è diventata famosa: hanno lavorato nelle sale da ballo di Shanghai, in tournée a Hong Kong, Indocina e Ceylon. Il capo dell'orchestra - Oleg Lundstrem - cominciò a essere chiamato il "re del jazz dell'Estremo Oriente".

Quando iniziò la Grande Guerra Patriottica, i giovani - cittadini sovietici - fecero domanda per l'Armata Rossa, ma il console annunciò che mentre i musicisti erano più necessari in Cina. Era un periodo difficile per i musicisti: c'era poco lavoro, il pubblico non voleva divertirsi e ballare, l'economia era sopraffatta dall'inflazione. Solo nel 1947 i musicisti ricevettero il permesso di tornare in URSS, ma non a Mosca, come volevano, ma a Kazan (le autorità di Mosca temevano che gli "Shanghai" potessero essere spie reclutate). All'inizio ci fu la decisione di creare un'orchestra jazz dell'ASSR tartaro, ma l'anno seguente, 1948, il decreto del Comitato centrale del Partito comunista sindacale dei bolscevichi "Sull'opera "Grande amicizia" di Muradeli" è stato emesso, condannando il formalismo nella musica. Nel Decreto, l'opera, che a Stalin non piaceva, era definita "un'opera viziosa e antiartistica", "nutrita dall'influenza della musica decadente dell'Europa occidentale e americana". E ai musicisti dell'orchestra Lundstrem è stato offerto di "aspettare con il jazz".

Ma non è mai troppo tardi per imparare! E Oleg Lundstrem è entrato al Conservatorio di Kazan nella classe di composizione e direzione. Durante i loro studi, i musicisti sono riusciti a esibirsi a Kazan, a registrare alla radio, guadagnandosi la reputazione di migliore orchestra swing. Particolarmente apprezzate sono state le dodici canzoni popolari tartare, che Lundstrem ha arrangiato brillantemente "al jazz". Hanno saputo di Lundstrem e della sua "big band cospiratoria" a Mosca. Nel 1956, i jazzisti arrivarono a Mosca nell'ex composizione "cinese" e divennero l'orchestra del Rosconcert. Nel corso degli anni, la composizione dell'orchestra è cambiata. Negli anni '50 "brillava": sassofonista tenore Igor Lundstrem, trombettisti Alexei Kotikov E Innocente Gorbuntsov, bassista Alessandro Gravis, batterista Zinovy ​​​​Khazankin. solisti negli anni '60. c'erano giovani improvvisatori: sassofonisti Georgij Garanyan E Aleksej Zubov, trombonista Costantino Bakholdin, pianista Nikolaj Kapustin. Successivamente, negli anni '70, l'orchestra fu rifornita di sassofonisti Gennady Golstein, Roman Kunsman, Stanislav Grigoriev.

L'Orchestra Oleg Lundstrem ha condotto una vita attiva in tournée e concerti, costretta a fare i conti con i gusti di un vasto pubblico, che percepiva il jazz come un'arte di intrattenimento, canto e danza. Pertanto, negli anni 1960-1970. non solo musicisti e cantanti jazz hanno lavorato nella squadra, ma anche artisti pop. L'Orchestra Oleg Lundstrem ha sempre preparato due programmi: un programma di canto popolare e intrattenimento (per gli abitanti dell'entroterra) e un programma jazz strumentale, che ha riscosso un enorme successo a Mosca, Leningrado e nelle grandi città dell'Unione, dove il pubblico era già familiarità con l'arte jazz.

Il programma strumentale dell'orchestra consisteva in brani di jazz classico (dal repertorio delle big band di Count Basie e Glenn Miller, Duke Ellington), oltre a brani scritti dai membri della band e dallo stesso maestro Lundstrem. Questi erano "Fantasy about Moscow", "Fantasy sui temi delle canzoni di Tsfasman", "Spring is coming" - una miniatura jazz basata su una canzone di Isaac Dunayevsky. Nelle suite musicali e nelle fantasie - funziona forma grande- i musicisti-solisti potrebbero mostrare le loro abilità. Era vero jazz strumentale. E i giovani jazzisti, che poi comporranno il colore del jazz russo, - Igor Yakushenko, Anatoly Kroll, Georgy Garanyan- componevano le loro opere con inventiva e con grande gusto. Oleg Lundstrem ha "scoperto" cantanti di talento che hanno eseguito canzoni pop. L'orchestra ha cantato in momenti diversi Maya Kristalinskaya, Gyuli Chokheli, Valery Obodzinsky, Irina Otieva. E sebbene il materiale della canzone fosse impeccabile, la big band ei suoi solisti strumentali erano sempre sotto i riflettori.

L '"università" musicale di Oleg Lundstrem nel corso dei diversi decenni di esistenza dell'orchestra è stata tramandata da molti musicisti russi, il cui elenco richiederebbe più di una pagina, ma la band non suonerebbe così professionale se non fosse per il lavoro di uno dei migliori arrangiatori - Vitaly Dolgov(1937-2007). Il critico G. Dolotkazin ha scritto del lavoro del maestro: “Lo stile di V. Dolgov non ripete l'interpretazione tradizionale di una grande orchestra, divisa in sezioni (trombe, tromboni, sassofoni), tra le quali ci sono continui dialoghi e appelli . V. Dolgov è caratterizzato dal principio dello sviluppo attraverso il materiale. In ogni singolo episodio della commedia trova un caratteristico tessuto orchestrale, combinazioni timbriche originali. V. Dolgov utilizza spesso le tecniche della polifonia, sovrapponendo strati di sonorità orchestrali. Tutto ciò conferisce armonia e integrità ai suoi arrangiamenti.

Alla fine degli anni '70, quando in Russia si stava sviluppando un pubblico jazz stabile, iniziarono a tenersi festival, Oleg Lundstrem abbandonò i numeri pop e si dedicò interamente al jazz. Il maestro stesso ha composto musica per l'orchestra: Mirage, Interlude, Humoresque, March Foxtrot, Impromptu, Lilac Blooms, Bukhara Ornament, In the Mountains of Georgia. Va notato che fino ad oggi la Oleg Lundstrem Memorial Orchestra esegue con grande successo brani composti dal maestro del jazz russo. Negli anni '70 i compositori che gravitano verso il jazz sono apparsi in URSS: Arno Babajanyan, Kara Karaev, Andrey Eshpay, Murad Kazhlaev, Igor Yakushenko. Le loro opere sono state eseguite anche dalla Lundstrem Orchestra. I musicisti spesso sono stati in tournée all'estero, si sono esibiti in festival jazz nazionali ed esteri: Tallinn-67, Jazz Jamboree-72 a Varsavia, Praga-78 e Praga-86, Sofia-86, Jazz in Duketown-88" nei Paesi Bassi, "Grenoble- 90" in Francia, al Duke Ellington Memorial Festival di Washington nel 1991. Nel corso dei quarant'anni della sua esistenza, l'orchestra di Oleg Lundstrem ha visitato più di trecento città del nostro Paese e decine di Paesi esteri. È gratificante notare che l'illustre gruppo è stato spesso inciso su dischi: "Oleg Lundstrem's Orchestra", due album, accomunati dall'omonimo "Memory of Musicians" (dedicato a Glenn Miller e Duke Ellington), "In Our Time", "In Rich Tones", ecc.

Batashev A.N. Jazz sovietico. Cenni storici. S. 43.

Cit. Citato da: Batashev AN Soviet Jazz. Saggio storico. S. 91.

Oleg Lundstrem. "Così abbiamo iniziato" // Ritratti jazz. Almanacco letterario e musicale. 1999. N. 5. S. 33.

Dolotkazin G. Orchestra preferita // Jazz sovietico. I problemi. Eventi. Maestri M „ 1987. S. 219.

Come una delle forme più venerate arte musicale in America, il jazz ha gettato le basi per un'intera industria, presentando al mondo numerosi nomi di brillanti compositori, strumentisti e cantanti e generando una vasta gamma di generi. I 15 musicisti jazz più influenti sono responsabili di un fenomeno globale che si è verificato nell'ultimo secolo nella storia del genere.

Il jazz si è sviluppato negli ultimi anni del XIX secolo e all'inizio del XX secolo come una combinazione di suoni classici europei e americani con motivi folk africani. Le canzoni sono state eseguite con un ritmo sincopato, dando impulso allo sviluppo, e successivamente alla formazione di grandi orchestre per eseguirlo. La musica ha fatto un grande passo avanti dal ragtime al jazz moderno.

L'influenza della cultura musicale dell'Africa occidentale è evidente nel modo in cui la musica è scritta e come viene eseguita. Poliritmo, improvvisazione e sincope sono ciò che caratterizza il jazz. Nel secolo scorso, questo stile è cambiato sotto l'influenza dei contemporanei del genere, che hanno portato la propria idea all'essenza dell'improvvisazione. Cominciarono ad apparire nuove direzioni: bebop, fusion, jazz latinoamericano, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz e così via.

15 Arte Tatum

Art Tatum è un pianista jazz e virtuoso che era praticamente cieco. È conosciuto come uno dei più grandi pianisti di tutti i tempi che ha cambiato il ruolo del pianoforte nell'ensemble jazz. Tatum si è rivolto allo stile stride per creare il suo stile unico di suonare, aggiungendo ritmi swing e fantastiche improvvisazioni al ritmo. Il suo atteggiamento nei confronti della musica jazz ha cambiato radicalmente l'importanza del pianoforte nel jazz come strumento musicale rispetto alle sue caratteristiche precedenti.

Tatum ha sperimentato le armonie della melodia, influenzando la struttura dell'accordo ed espandendola. Tutto ciò caratterizzò lo stile del bebop, che, come sapete, sarebbe diventato popolare dieci anni dopo, quando apparvero i primi dischi di questo genere. I critici hanno anche notato la sua impeccabile tecnica di esecuzione: Art Tatum è stato in grado di suonare i passaggi più difficili con tale facilità e velocità che sembrava che le sue dita toccassero a malapena i tasti bianchi e neri.

14 Telonio Monaco

Alcune delle sonorità più complesse e variegate si possono trovare nel repertorio del pianista e compositore, uno dei più importanti rappresentanti dell'era del bebop e del suo successivo sviluppo. La sua stessa personalità di musicista eccentrico ha contribuito alla divulgazione del jazz. Monk, sempre vestito con abito, cappello e occhiali da sole, ha espresso apertamente il suo atteggiamento libero nei confronti della musica improvvisata. Non ha accettato regole rigide e ha formato il proprio approccio alla creazione di composizioni. Alcuni dei suoi lavori più brillanti e famosi sono Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You e Well, You Needn't.

Lo stile di gioco di Monk era basato su un approccio innovativo all'improvvisazione. Le sue opere si distinguono per passaggi percussivi e pause taglienti. Molto spesso, proprio durante le sue esibizioni, saltava dal pianoforte e ballava mentre gli altri membri della band continuavano a suonare la melodia. Thelonious Monk rimane uno dei musicisti jazz più influenti nella storia del genere.

13 Carlo Mingus

Riconosciuto virtuoso del contrabbasso, compositore e band leader, è stato uno dei musicisti più straordinari della scena jazz. Ha sviluppato un nuovo stile musicale, combinando gospel, hard bop, free jazz e musica classica. I contemporanei chiamavano Mingus "l'erede di Duke Ellington" per la sua fantastica capacità di scrivere opere per piccoli ensemble jazz. Nelle sue composizioni, tutti i membri della squadra hanno dimostrato l'abilità di suonare, ognuno dei quali non era solo talentuoso, ma era caratterizzato stile unico Giochi.

Mingus ha selezionato con cura i musicisti che componevano la sua band. Il leggendario contrabbassista era noto per il suo temperamento, e una volta ha persino preso a pugni in faccia il trombonista Jimmy Knepper, facendogli saltare un dente. Mingus soffriva di un disturbo depressivo, ma non era pronto a sopportare il fatto che questo in qualche modo influisse sulla sua attività creativa. Nonostante questa afflizione, Charles Mingus è una delle figure più influenti nella storia del jazz.

12 Art Blakey

Art Blakey era un famoso batterista e bandleader americano che ha fatto colpo nello stile e nella tecnica di suonare la batteria. Ha combinato swing, blues, funk e hard bop, uno stile che si sente oggi in ogni composizione jazz moderna. Insieme a Max Roach e Kenny Clarke, ha inventato un nuovo modo di suonare il bebop alla batteria. Per oltre 30 anni, la sua band, The Jazz Messengers, ha dato jazz a molti artisti jazz: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett e altri.

I Jazz Messengers non creavano solo musica fenomenale, erano una specie di "banco di prova musicale" per giovani musicisti di talento, come la band di Miles Davis. Lo stile di Art Blakey ha cambiato il suono stesso del jazz, diventando una nuova pietra miliare musicale.

11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Trombettista jazz, cantante, cantautore e direttore d'orchestra divenne una figura di spicco ai tempi del bebop e del jazz moderno. Il suo stile di tromba ha influenzato Miles Davis, Clifford Brown e Fats Navarro. Dopo la sua permanenza a Cuba, al suo ritorno negli Stati Uniti, Gillespie è stato uno di quei musicisti che hanno promosso attivamente il jazz afro-cubano. Oltre alla sua inimitabile performance sulla caratteristica tromba ricurva, Gillespie era riconoscibile dai suoi occhiali cerchiati di corno e dalle guance incredibilmente grandi mentre suonava.

Il grande improvvisatore jazz Dizzy Gillespie, così come Art Tatum, ha innovato in armonia. Le composizioni di Salt Peanuts e Goovin' High erano ritmicamente completamente diverse dai lavori precedenti. Fedele al bebop per tutta la sua carriera, Gillespie è ricordato come uno dei più influenti trombettisti jazz.

10 Max Scarafaggio

I primi 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere includono Max Roach, un batterista noto come uno dei pionieri del bebop. Lui, come pochi altri, ha influenzato lo stile moderno di suonare la batteria. Roach era un attivista per i diritti civili e ha collaborato con Oscar Brown Jr. e Coleman Hawkins all'album We Insist! - Freedom Now ("Insistiamo! - Freedom now"), dedicato al 100° anniversario della firma del Proclama di emancipazione. Max Roach - Rappresentante stile impeccabile gioco, capace di eseguire un lungo assolo per tutto il concerto. Assolutamente qualsiasi pubblico era deliziato dalla sua abilità insuperabile.

9 Billie Vacanze

Lady Day è la preferita di milioni di persone. Billie Holiday ha scritto solo poche canzoni, ma quando ha cantato ha trasformato la sua voce dalle prime note. La sua performance è profonda, personale e persino intima. Il suo stile e la sua intonazione sono ispirati dal suono degli strumenti musicali che ha sentito. Come quasi tutti i musicisti sopra descritti, è diventata la creatrice di uno stile nuovo, ma già vocale, basato su lunghe frasi musicali e sul tempo di cantarle.

Il famoso Strange Fruit è il migliore non solo nella carriera di Billie Holiday, ma nell'intera storia del jazz a causa della performance piena di sentimento del cantante. È stata insignita postuma di prestigiosi premi e inserita nella Grammy Hall of Fame.

8 Giovanni Coltrane

Il nome di John Coltrane è associato alla tecnica di esecuzione virtuosa, all'eccellente talento per comporre musica e alla passione per l'apprendimento di nuove sfaccettature del genere. Alle soglie delle origini dell'hard bop, il sassofonista ottenne un enorme successo e divenne uno dei musicisti più influenti nella storia del genere. La musica di Coltrane aveva un suono tagliente e suonava con grande intensità e dedizione. Era in grado sia di suonare da solo che di improvvisare in un ensemble, creando parti soliste di durata impensabile. Suonando il sassofono tenore e soprano, Coltrane è stato anche in grado di creare composizioni melodiche di smooth jazz.

John Coltrane è l'autore di una sorta di "bebop reboot", incorporandovi armonie modali. Rimanendo la principale figura attiva nell'avanguardia, fu un compositore molto prolifico e non smise di pubblicare dischi, registrando circa 50 album come band leader nel corso della sua carriera.

7 Conte Basie

Il rivoluzionario pianista, organista, compositore e bandleader Count Basie guidò una delle band di maggior successo nella storia del jazz. Nel corso di 50 anni, la Count Basie Orchestra, che comprende musicisti incredibilmente famosi come Sweets Edison, Buck Clayton e Joe Williams, si è guadagnata la reputazione di una delle big band più richieste d'America. Il nove volte vincitore del Grammy Award Count Basie ha instillato l'amore per il suono orchestrale in generazioni di ascoltatori.

Basie ha scritto molte canzoni che sono diventate standard jazz, come April in Paris e One O'Clock Jump. I colleghi hanno parlato di lui come di una persona piena di tatto, modesta ed entusiasta. Se non fosse stato per la Count Basie Orchestra nella storia del jazz, l'era delle big band sarebbe suonata diversamente e certamente non così influente come è diventata con questo eccezionale bandleader.

6 Coleman Hawkins

Il sassofono tenore è il simbolo del bebop e di tutta la musica jazz in generale. E per questo possiamo essere grati di essere Coleman Hawkins. Le innovazioni apportate da Hawkins furono vitali per lo sviluppo del bebop a metà degli anni Quaranta. Il suo contributo alla popolarità di questo strumento potrebbe aver determinato le future carriere di John Coltrane e Dexter Gordon.

La composizione Body and Soul (1939) divenne il punto di riferimento per suonare il sassofono tenore per molti sassofonisti. Anche altri strumentisti furono influenzati da Hawkins: il pianista Thelonious Monk, il trombettista Miles Davis, il batterista Max Roach. La sua capacità di improvvisazioni straordinarie ha portato alla scoperta di nuovi lati jazz del genere che non sono stati toccati dai suoi contemporanei. Questo spiega in parte perché il sassofono tenore è diventato parte integrante del moderno ensemble jazz.

5 Benny Goodman

Si apre la top five dei 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere. Il famoso King of Swing ha guidato quasi l'orchestra più popolare dell'inizio del XX secolo. Il suo concerto alla Carnegie Hall nel 1938 è riconosciuto come uno dei più importanti concerti dal vivo nella storia della musica americana. Questo spettacolo dimostra l'avvento dell'era del jazz, il riconoscimento di questo genere come forma d'arte indipendente.

Nonostante Benny Goodman fosse il cantante principale di una grande orchestra swing, ha anche partecipato allo sviluppo del bebop. La sua orchestra è diventata una delle prime, che ha unito musicisti di razze diverse nella sua composizione. Goodman era un oppositore vocale del Jim Crow Act. Ha persino rifiutato un tour negli stati del sud a sostegno dell'uguaglianza razziale. Benny Goodman era una figura attiva e riformatrice non solo nel jazz, ma anche nella musica popolare.

4 Miles Davis

Una delle figure centrali del jazz del XX secolo, Miles Davis, è stata all'origine di molti eventi musicali e li ha osservati svilupparsi. È accreditato come pioniere dei generi di musica bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk e techno. IN ricerca costante nuovo stile di musica ha sempre avuto successo ed è stato circondato da musicisti brillanti tra cui John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter e Chica Corea. Durante la sua vita, Davis ha ricevuto 8 Grammy Awards ed è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis è stato uno dei jazzisti più attivi e influenti del secolo scorso.

3 Charlie Parker

Quando pensi al jazz, ti ricordi il nome. Conosciuto anche come Bird Parker, è stato un pioniere del sassofono contralto jazz, musicista e compositore bebop. Il suo gioco veloce, il suono chiaro e il talento di un improvvisatore hanno avuto un impatto significativo sui musicisti di quel tempo e sui nostri contemporanei. Come compositore, ha cambiato gli standard della scrittura di musica jazz. Charlie Parker è stato il musicista che ha coltivato l'idea che i jazzisti siano artisti e intellettuali, non solo uomini di spettacolo. Molti artisti hanno provato a copiare lo stile di Parker. Le sue famose tecniche di esecuzione possono anche essere rintracciate alla maniera di molti musicisti alle prime armi attuali, che prendono come base la composizione Uccello, in consonanza con il soprannome dell'alto-sakosofo.

2 Duca Ellington

Era un grandioso pianista, compositore e uno dei più importanti direttori d'orchestra. Sebbene sia conosciuto come un pioniere del jazz, eccelleva anche in altri generi, tra cui gospel, blues, musica classica e popolare. È a Ellington che viene attribuito il merito di aver stabilito il jazz come una forma d'arte distinta. Con innumerevoli premi e riconoscimenti, il primo grande compositore jazz non ha mai smesso di migliorarsi. È stato l'ispirazione per generazioni successive musicisti tra cui Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington rimane un riconosciuto genio del pianoforte jazz, strumentista e compositore.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Probabilmente il musicista jazz più influente nella storia del genere, alias Satchmo è un trombettista e cantante di New Orleans. È conosciuto come il creatore del jazz, che ha svolto un ruolo chiave nel suo sviluppo. Le straordinarie capacità di questo artista hanno permesso di trasformare una tromba in uno strumento jazz solista. È il primo musicista a cantare e rendere popolare lo stile scat. Era impossibile non riconoscere il suo timbro di voce basso e "tuonante".

L'impegno di Armstrong nei confronti dei propri ideali ha influenzato il lavoro di Frank Sinatra e Bing Crosby, Miles Davis e Dizzy Gillespie. Louis Armstrong ha influenzato non solo il jazz, ma l'intera cultura musicale, dando al mondo nuovo genere, un modo unico di cantare e uno stile di suonare la tromba.

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Sono stati i primi a suonare il jazz

Il mondo musicale jazz è stato presentato dall'incontro di due culture: europea e africana. Su un'ondata internazionale nei primi anni '20 del XX secolo, la direzione musicale irruppe nella Terra dei Soviet. Ricordiamo gli artisti che furono i primi a suonare jazz in URSS.

Valentin Parnakh con suo figlio Alexander. Foto: jazz.ru

Valentin Parnach. Foto: mkrf.ru

"Il primo nell'eccentrica orchestra di gruppi jazz della RSFSR di Valentin Parnakh" debuttò sul palco nell'ottobre 1922. Non è stata solo una prima, ma la prima di una nuova direzione musicale. Rivoluzionario per la musica dell'epoca, il gruppo è stato assemblato da un poeta, musicista e coreografo, che ha vissuto in Europa per sei anni. Parnach ha ascoltato il jazz in un caffè parigino nel 1921 ed è rimasto scioccato da questa direzione musicale innovativa. Tornò in Unione Sovietica con un set di strumenti per band jazz. Abbiamo provato solo per un mese.

Il giorno della prima, si è riunito sul palco del Central College of Theatre Arts - l'attuale GITIS futuro scrittore e lo sceneggiatore Yevgeny Gabrilovich, l'attore e artista Alexander Kostomolotsky, Mieczysław Kaprovych e Sergei Tizenhaizen. Gabrilovich era seduto al pianoforte: suonava bene a orecchio. Kostomolotsky suonava la batteria, Kaprovych suonava il sassofono, Tizengeizen suonava il contrabbasso e il tamburo. Tuttavia, i contrabbassisti battono il ritmo con i piedi - hanno deciso i musicisti.

Ai primi concerti, Valentin Parnakh ha raccontato al pubblico la direzione musicale e che il jazz è una combinazione delle tradizioni di diversi continenti e culture in una "fusione internazionale". La parte pratica della conferenza è stata accolta con entusiasmo. Compreso Vsevolod Meyerhold, che non tardò a offrire a Parnakh di mettere insieme un gruppo jazz per la sua esibizione. Famosi foxtrot e shimmy sono stati presentati in The Magnanimous Cuckold e D.E. La musica energica tornò utile anche alla manifestazione del Primo Maggio del 1923. "Per la prima volta un gruppo jazz ha partecipato a celebrazioni statali, cosa che finora non era accaduta in Occidente!" strombazzava la stampa sovietica.

Alexander Tsfasman: il jazz come professione

Alexander Tsfasman. Foto: orangesong.ru

Alexander Tsfasman. Foto: muzperekrestok.ru

Le opere di Franz Liszt, Heinrich Neuhaus e Dmitri Shostakovich coesistevano armoniosamente con le melodie jazz nell'opera di Alexander Tsfasman. Mentre era ancora uno studente al Conservatorio di Mosca, che il musicista si diplomò in seguito con una medaglia d'oro, creò il primo gruppo jazz professionale a Mosca - AMA Jazz. La prima esecuzione dell'orchestra ebbe luogo nel 1927 al Circolo Artistico. La squadra ricevette immediatamente un invito da uno dei luoghi più alla moda dell'epoca: l'Hermitage Garden. Nello stesso anno, il jazz apparve per la prima volta alla radio sovietica. Ed è stato eseguito dai musicisti Tsfasman.

"Il sole stanco disse teneramente addio al mare" suonava nel 1937 da un disco registrato dall'ensemble di Alexander Tsfasman già sotto il nome di "Moscow Guys".

Per la prima volta nell'Unione, il noto tango del compositore polacco Jerzy Petersbursky "Last Sunday" alle parole del poeta Joseph Alvek è stato ascoltato in un arrangiamento jazz. Il solista dello Tsfasman Jazz Ensemble Pavel Mikhailov è stato il primo a cantare del dolce addio del sole e del mare. Con la mano leggera dei musicisti, un altro disco dello stesso disco, su una data infruttuosa, è diventato un successo per sempre. “Allora domani, nello stesso posto, alla stessa ora”, - l'intero paese ha cantato dopo l'ensemble jazz.

“Coloro che hanno mai ascoltato l'opera di A. Tsfasman manterranno per sempre nella loro memoria l'arte di questo virtuoso pianista. Il suo pianismo abbagliante, che unisce espressione e grazia, ha agito magicamente sull'ascoltatore.

Alexander Medvedev, musicologo

Sebbene Alexander Tsfasman fosse impegnato in un ensemble jazz, non ha lasciato un programma solista, ha agito come pianista e compositore. Insieme a Dmitry Shostakovich, Tsfasman ha lavorato alla musica per il film epico "Meeting on the Elbe", e poi, su richiesta del compositore, ha eseguito la sua musica per il film "Unforgettable 1919". Divenne anche l'autore della musica jazz, che suonava nella famosa commedia "Sotto il fruscio delle tue ciglia" del teatro delle marionette di Sergei Obraztsov.

Leopoldo Teplitsky. Classici Jazz

Leopoldo Teplitsky. Foto: history.kantele.ru

Leopold Teplitsky ha diretto orchestre sinfoniche alle proiezioni di film muti all'Hermitage e al Lux ​​cinema di San Pietroburgo mentre studiava ancora al conservatorio. Nel 1926, il Commissariato del popolo inviò un giovane musicista a Filadelfia per esibirsi Esposizione internazionale. In America, Teplitsky ha ascoltato il jazz sinfonico: la musica di questa direzione è stata eseguita dall'orchestra di Paul Whiteman.

Quando Leopold Teplitsky tornò in URSS, organizzò il "First Concert Jazz Band" di musicisti professionisti. I classici suonavano in arrangiamento jazz - musica di Giuseppe Verdi, Charles Gounod. Ha suonato una band jazz e opere di autori americani contemporanei: George Gershwin, Irving Berlin. Così Leopold Teplitsky si trovò in prima linea nel jazz professionale di Leningrado negli anni '30. Leonid Utyosov lo ha definito "il primo dei musicisti domestici che hanno mostrato un gioco jazz".

La prima esibizione di jazzisti ebbe luogo nel 1927. Il concerto è stato preceduto da una conferenza "Jazz Band and Music of the Future" del musicologo e compositore Iosif Schillinger. Il pubblico era particolarmente interessato alla musica, insolita per quegli anni, e il solista - cantante pop e jazz messicano Coretti Arle-Titz si è esibito con i musicisti. Il successo della squadra non durò a lungo: nel 1930 Leopold Teplitsky fu arrestato e condannato ai sensi dell'articolo "spionaggio". Fu rilasciato due anni dopo, ma Teplitsky non rimase a Leningrado: si trasferì a Petrozavodsk.

Dal 1933, il musicista ha lavorato come direttore principale della Carelia Orchestra Sinfonica, ma non ha lasciato il jazz: ha suonato con un'orchestra accademica e un programma jazz. Teplitsky si è esibito con la sua nuova squadra a Leningrado come parte del Decennio dell'arte della Carelia. Nel 1936, con la partecipazione del musicista, apparve un nuovo gruppo, Kantele, per il quale Teplitsky scrisse il Preludio della Carelia. L'ensemble è diventato il vincitore del First All-Union Radio Festival arte popolare nel 1936. Leopold Teplitsky rimase a vivere a Petrozavodsk. Il festival di musica jazz "Stars and Us" è dedicato alla memoria del famoso jazzista.

Leonid Utesov. "Canzone Jazz"

Leonid Utesov. Foto: music-fantasy.ru

Leonid Utesov. Foto: mp3stunes.com

Una prima forte all'inizio degli anni '30 fu Tea Jazz di Leonid Utesov. La direzione musicale alla moda, con la mano leggera del famoso artista pop, che ha lasciato la scuola commerciale per amore della musica, ha acquisito le dimensioni di uno spettacolo teatrale. Utyosov si interessò al jazz durante una tournée a Parigi, dove la Ted Lewis Orchestra impressionò il musicista sovietico con la sua "teatralizzazione" nelle migliori tradizioni del music hall.

Queste impressioni sono state incarnate nella creazione di Tea Jazz. Utyosov si è rivolto al virtuoso trombettista, musicista accademico Yakov Skomorovsky, che sembrava anche interessato all'idea di un'orchestra jazz. Riunendo musicisti dei teatri di Leningrado, "Tea Jazz" nel 1929 si esibì sul palcoscenico del Teatro dell'Opera di Leningrado Maly. Questa fu la prima composizione della squadra, che non funzionò a lungo e presto si trasferì alla Radio di Leningrado nella "Concert Jazz Orchestra".

Utyosov ha segnato nuova composizione"Tea Jazz" - i musicisti hanno messo in scena intere esibizioni. Uno di loro - "Music Store" - in seguito ha costituito la base del famoso film, la prima commedia musicale sovietica. L'immagine di Grigory Alexandrov "Merry Fellows" con Lyubov Orlova nel ruolo del titolo è stata pubblicata sugli schermi nel 1934. È diventata popolare non solo in patria, ma anche all'estero. ispirato musica jazz nel 1933 quando sentii il brano "Dear Old South" di Duke Ellington. Impressionato, Lundstrem ha dipinto l'arrangiamento, ha riunito la squadra e si è seduto lui stesso al pianoforte. Due anni dopo, il musicista ha conquistato Shanghai, dove viveva in quel momento. Quindi il destino è stato determinato: all'estero, Lundstrem ha studiato contemporaneamente al Politecnico e al Music College. La sua orchestra ha suonato classici del jazz e la musica di compositori sovietici in arrangiamenti jazz. La stampa ha definito Lundstrem "il re del jazz in Estremo Oriente".

Nel 1947, i musicisti decisero di trasferirsi in Unione Sovietica, a pieno regime, con le loro famiglie. Tutti si stabilirono a Kazan, dove studiarono al Conservatorio. Tuttavia, un anno dopo, fu emessa una risoluzione del Comitato centrale del PCUS che condannava il "formalismo nella musica". La squadra è tornata in patria per diventare uno stato banda jazz Tatar ASSR, ma i musicisti sono stati distribuiti Teatro dell'opera e orchestre cinematografiche. Insieme si sono esibiti solo in rari concerti una tantum.

"La profonda penetrazione nella natura della performance jazz, nelle sue tradizioni classiche, da un lato, e il desiderio di contribuire a questo genere, utilizzando il folklore nazionale, creando ed eseguendo opere e arrangiamenti jazz originali, dall'altro - questo è il credo dell'orchestra".

Oleg Lundstrem

Solo il disgelo ha riportato in scena il jazz. Nell'anno del suo 60° anniversario, l'orchestra di Oleg Lundstrem è entrata nel Guinness dei primati come la più antica orchestra jazz esistente al mondo. Il musicista ebbe anche la possibilità di incontrare l'autore di quello stesso "Dear Old South" quando Duke Ellington venne a Mosca negli anni '70. Oleg Lundstrem ha tenuto il disco per tutta la vita, il che gli ha dato l'amore per il jazz.