Flauto: storia, video, fatti interessanti, ascolta. Flauto a croce Design del flauto con la funzione di ogni parte

Il flauto finalmente conquista il cuore dei maggiori compositori paesi diversi e stili, si susseguono capolavori del repertorio flautistico: sonate per flauto e pianoforte di Sergei Prokofiev e Paul Hindemith, concerti per flauto e orchestra di Carl Nielsen e Jacques Ibert, nonché altre opere dei compositori Bohuslav Martin, Frank Martin, Olivier Messiaen. Diverse opere per flauto sono state scritte dai compositori russi Edison Denisov e Sofia Gubaidulina.

Flauti d'Oriente

Di(dal vecchio hengchui cinese, handi - flauto traverso) - un vecchio strumento a fiato cinese, un flauto traverso con 6 fori di gioco.

Nella maggior parte dei casi, il fusto è fatto di bambù o canna, ma ci sono di fatti di altri tipi di legno e persino di pietra, molto spesso giada. Vicino all'estremità chiusa della canna c'è un foro per soffiare aria, accanto ad esso c'è un foro coperto dalla più sottile pellicola di canna o canna; Per la regolazione vengono utilizzati 4 fori aggiuntivi situati vicino all'estremità aperta della canna. La canna del flauto è solitamente legata con anelli di filo laccati di nero. Il modo di suonare è lo stesso del flauto traverso.

All'inizio si credeva che il flauto fosse stato portato in Cina da Asia centrale nel periodo compreso tra il 140 e l'87 a.C. e. Tuttavia, durante recenti scavi archeologici, sono stati rinvenuti flauti traversi in osso risalenti a circa 8000 anni fa, molto simili nel design al moderno di (sebbene senza un caratteristico foro sigillato), il che testimonia a favore dell'ipotesi di un'origine cinese di di. La leggenda narra che l'Imperatore Giallo ordinò ai suoi dignitari di realizzare il primo flauto di bambù.

Ci sono due tipi di di: qudi (nell'orchestra di drammi musicali kongqu) e bandi (nell'orchestra di drammi musicali bangzi nelle province settentrionali). Una variazione del flauto senza foro sigillato è chiamata mandi.

Shakuhachi(chi-ba cinese) - un flauto di bambù longitudinale arrivato in Giappone dalla Cina durante il periodo Nara (710-784). Esistono circa 20 varietà di shakuhachi. La lunghezza standard - 1,8 piedi giapponesi (54,5 cm) - ha determinato il nome stesso dello strumento, poiché "shaku" significa "piede" e "hachi" significa "otto". Secondo alcuni ricercatori, lo shakuhachi ha origine dallo strumento egiziano sabi, che ha compiuto un lungo viaggio in Cina attraverso il Medio Oriente e l'India. Inizialmente lo strumento aveva 6 fori (5 davanti e 1 dietro). Successivamente, apparentemente sul modello del flauto longitudinale xiao, anch'esso proveniente dalla Cina durante il periodo Muromachi, modificato in Giappone e divenuto noto come hitoyogiri (letteralmente - "un ginocchio di bambù"), assunse un aspetto moderno con 5 dita buchi. Lo shakuhachi è fatto con il calcio del bambù madake (Phyllostachys bambusoides). Il diametro medio del tubo è di 4-5 cm e l'interno del tubo è quasi cilindrico. La lunghezza varia a seconda dell'accordatura dell'ensemble di koto e shamisen. Una differenza di 3 cm dà una differenza di tono di un semitono. La lunghezza standard di 54,5 cm viene utilizzata per shakuhachi che suona composizioni soliste. Per migliorare la qualità del suono, gli artigiani rivestono accuratamente l'interno della pipa di bambù con la lacca, proprio come il flauto usato nel gagaku, nel teatro Noh. Le commedie dello stile honkyoku della setta Fuke (sono sopravvissuti 30-40 pezzi) portano le idee del buddismo Zen. L'honkyoku della scuola Kinko utilizza il repertorio del fuke shakuhachi, ma conferisce maggiore maestria al modo in cui vengono eseguiti.

P quasi contemporaneamente alla comparsa dello shakuhachi in Giappone, nasce l'idea della sacralità della musica suonata sul flauto. La tradizione collega il suo potere miracoloso al nome del principe Shotoku Taishi (548-622). Eminente statista, erede al trono, attivo predicatore del buddismo, autore di scritti storici e dei primi commentari sui sutra buddisti, divenne una delle figure più autorevoli della storia giapponese. Quindi, nelle fonti scritte dell'alto medioevo, si diceva che quando il principe Shotoku suonava lo shakuhachi sulla strada per il tempio sul fianco della montagna, le fate celesti scendevano al suono del flauto e ballavano. Shakuhachi dal Tempio Horyuji, ora in mostra permanente al Tokyo Museo Nazionale, è considerata essere strumento unico Il principe Shotoku, da cui è iniziata la via del flauto sacro in Giappone. Shakuhachi è anche menzionato in relazione al nome del sacerdote buddista Ennin (794-864), che studiò il buddismo nella Cina Tang. Introdusse l'accompagnamento dello shakuhachi durante le recitazioni dell'Amida Buddha sutra. A suo avviso, la voce del flauto non solo adornava la preghiera, ma ne esprimeva l'essenza con maggiore penetrazione e purezza. Zhukoai. Fata del flauto in rosso

Una nuova tappa nella formazione della tradizione del flauto sacro è associata a una delle personalità più importanti del periodo Muromachi, Ikkyu Sojun (1394-1481). Poeta, pittore, calligrafo, riformatore religioso, eccentrico filosofo e predicatore, alla fine della sua vita abate del più grande tempio Daitokuji della capitale, influenzò quasi tutti gli ambiti della vita culturale del suo tempo: dalla cerimonia del tè e il giardino zen al teatro No e alla musica shakuhachi. Il suono, a suo avviso, ha svolto un ruolo importante nella cerimonia del tè: il rumore dell'acqua bollente in una pentola, il battito di una frusta quando si sbatte il tè, il gorgoglio dell'acqua: tutto è stato progettato per creare una sensazione di armonia, purezza, rispetto, silenzio. La stessa atmosfera accompagnava il suono dello shakuhachi, quando il respiro umano dal profondo dell'anima, passando attraverso un semplice tubo di bambù, diventava il respiro stesso della vita. In una raccolta di poesie scritte nel classico stile cinese "Kyounshu" ("Crazy Clouds Gathering"), permeate di immagini del suono e della musica dello shakuhachi, la filosofia del suono come mezzo per risvegliare la coscienza, Ikkyu scrive dello shakuhachi come la pura voce dell'universo: "Suonando lo shakuhachi, vedi sfere invisibili, c'è solo una canzone in tutto l'universo".

Da circa inizio XVII v. circolavano varie storie sul reverendo Ikkyu e sul flauto shakuhachi. Uno di loro ha raccontato come Ikkyu, insieme ad un altro monaco, Ichiroso, lasciò Kyoto e si stabilì in una capanna a Uji. Lì tagliavano il bambù, facevano lo shakuhachi e suonavano. Secondo un'altra versione, un certo monaco di nome Roan viveva in isolamento, ma era amico e comunicava con Ikkyu. Adorando shakuhachi, estraendo il suono con un respiro, raggiunse l'illuminazione e si appropriò del nome Fukedosya o Fuketsudosha (seguendo il percorso del vento e dei buchi) e fu il primo komuso (lett. "monaco del nulla e del vuoto"). Il flauto, che, secondo la leggenda, era suonato da un maestro, è diventato una reliquia nazionale e si trova nel tempio Hosun'in a Kyoto. Le prime informazioni sui monaci erranti che suonano il flauto risalgono alla prima metà del XVI secolo. Erano chiamati i monaci di komo (komoso), cioè "i monaci della stuoia di paglia". Nell'opera poetica del XVI secolo. le melodie del vagabondo inseparabili dal flauto furono paragonate al vento tra i fiori primaverili, richiamando la fragilità della vita, e il soprannome komoso cominciò a essere scritto in geroglifici "ko" - vuoto, non esistenza, "mo" - un illusione, "co" - un monaco. XVII secolo nella storia cultura giapponese divenne una nuova tappa nella storia del flauto sacro. Le attività quotidiane dei monaci komuso erano incentrate sul suonare lo shakuhachi. Al mattino, l'abate suonava la melodia "Kakureisei". È stato uno spettacolo di risveglio che ha dato inizio alla giornata. I monaci si sono riuniti attorno all'altare e hanno cantato la melodia "Teka" ("Canto del mattino"), dopodiché sono iniziate le loro funzioni quotidiane. Durante il giorno, alternavano il suonare lo shakuhachi, la meditazione zazen seduta, le arti marziali e lo schema dell'elemosina. La sera, prima di ricominciare lo zazen, è stata suonata la commedia "Banka" ("Canto della sera"). Ogni monaco doveva andare a mendicare almeno tre giorni al mese. Durante l'ultima di queste obbedienze - vagare per l'elemosina - melodie come "Tori" ("Passaggio"), "Kadozuke" ("Crocevia") e "Hachigaeshi" ("Ritorno della ciotola" - qui si intendeva la ciotola dell'elemosina) sono stati giocati. ). Quando due komusô si incontravano lungo la strada, dovevano suonare "Yobitake". Era una specie di chiamata eseguita sullo shakuhachi, che significava "Richiamo del bambù". In risposta al saluto, si doveva suonare "Uketake", il cui significato è "accettare e raccogliere il bambù". Lungo la strada, volendo fermarsi in uno dei templi del loro ordine, sparsi per il paese, hanno suonato la commedia "Hirakimon" ("Aprire i cancelli") per farli entrare per la notte. Tutte le rappresentazioni rituali, l'elemosina eseguita sullo shakuhachi, anche quei brani che sembravano più simili all'intrattenimento dei monaci, facevano parte della pratica Zen chiamata suizen (sui - "soffiare, suonare uno strumento a fiato").

Tra i principali fenomeni della musica giapponese che hanno influenzato la formazione del sistema di toni honkyoku, si dovrebbero nominare la teoria e la pratica musicale dei canti buddisti, shomyo, la teoria e la pratica del gagaku, e successivamente le tradizioni del ji-uta, sokyoku. Secoli XVII-XVIII - il momento della crescente popolarità dello shakuhachi nell'ambiente urbano. Lo sviluppo della tecnologia di gioco ha permesso di riprodurre musica di quasi tutti i generi sullo shakuhachi. Cominciò ad essere utilizzato per l'esecuzione di canzoni popolari (minyo), nella musica d'insieme secolare, nel XIX secolo, sostituendo infine strumento ad arco kokyu dall'ensemble sankyoku più comune di quel tempo (koto, shamisen, shakuhachi). Shakuhachi ha varietà:

Gagaku shakuhachi è il primo tipo di strumento. Tempuku - dal classico shakuhachi si distingue per una forma leggermente diversa dell'apertura della bocca. Hitoyogiri shakuhachi (o semplicemente hitoyogiri) - come indica il nome, è fatto da un ginocchio di bambù (hito - uno, yo - ginocchio, giri - kiri sonoro, tagliato). Il Fuke shakuhachi è l'immediato predecessore del moderno shakuhachi. Bansuri, bansri (Bansuri) - Strumento a fiato indiano, ce ne sono 2 tipi: flauto traverso e longitudinale classico, usato nel nord dell'India. Realizzato in bambù o canna. Di solito ha sei fori, ma c'è stata la tendenza ad usarne sette - per aumentare la flessibilità e correggere l'intonazione nei registri alti. In precedenza, il bansuri si trovava solo nella musica popolare, ma oggi si è diffuso nella musica classica indiana. Uno strumento simile comune nel sud dell'India è il Venu. W
il mio flauto(Serpent Flut) - Strumento ad ancia indiano di due tubi (uno - bourdon, l'altro - con 5-6 fori di gioco) con un risonatore di legno o zucca essiccata.

Il flauto serpente è suonato in India da fachiri erranti e incantatori di serpenti. Quando si suona, viene utilizzata la respirazione continua, cosiddetta permanente (a catena).

Blairo Gambu- Flauto longitudinale indonesiano con dispositivo a fischietto. Di solito è realizzato in ebano, decorato con intagli (in questo caso a forma di drago), ha 6 fori di gioco. Utilizzato come strumento solista e d'insieme.

Flauto malese- un flauto longitudinale a forma di drago, con dispositivo a fischietto. Realizzato in legno di sequoia. È usato nelle cerimonie religiose, per pacificare lo spirito del drago, una creatura sacra venerata in Malesia.

flauto traverso- uno strumento musicale di legno. Appartiene agli ottoni e appartiene al registro soprano. è cambiato da reblowing. Inoltre, durante il gioco, si verifica l'apertura e la chiusura dei fori con le valvole.

informazioni generali

Il flauto traverso di bambù è un evento piuttosto raro oggi, poiché i moderni strumenti musicali di questo tipo sono generalmente realizzati in metallo (platino, oro, argento, nichel), a volte anche vetro, plastica o altri materiali compositi. La gamma è di oltre tre ottave. Le note per il flauto traverso sono scritte in base al suono effettivo. Il timbro è trasparente e chiaro nel registro medio, in quello inferiore - sordo, in quello superiore - alquanto acuto. Il flauto è disponibile in una varietà di tecniche. Spesso esegue un assolo orchestrale. È utilizzato nelle orchestre di fiati e sinfoniche. Utilizzato anche in ensemble da camera. Le orchestre sinfoniche usano da 1 a 5 flauti. Più spesso il loro numero va da due a tre.

Storia dello strumento

Il flauto traverso è noto all'umanità da molto tempo. La prima rappresentazione di lei è stata trovata su un rilievo etrusco. È stato creato nel 100 o 200 a.C. Quindi lo strumento è stato diretto a sinistra. Solo in un'illustrazione per un poema del XVI secolo è tenuto a destra.

Medioevo

Il flauto traverso si trova anche negli scavi archeologici. Il primo di questi ritrovamenti in Europa occidentale appartengono ai secoli XII-XIV. anno Domini. Una delle prime immagini di quel tempo è contenuta nelle pagine di un'enciclopedia chiamata Hortus Deliciarum. I ricercatori suggeriscono che lo strumento sia caduto temporaneamente in disuso in Europa, per poi tornarvi, proveniente dall'Asia, attraverso impero bizantino. Nel Medioevo la costruzione era costituita da un unico componente, a volte ce n'erano due. Lo strumento aveva una forma cilindrica, oltre a sei fori dello stesso diametro.

Rinascimento e Barocco

Il flauto traverso non ha cambiato troppo il suo design nel periodo successivo. Lo strumento aveva una gamma di 2,5 ottave. Ha permesso di prendere l'intero elenco di note della scala cromatica con una buona padronanza della diteggiatura. L'ultimo è stato molto difficile. Il registro medio suonava meglio. Strumenti noti originali di questo tipo sono conservati a Verona in un museo chiamato Castel Vecchio. I primi cambiamenti significativi nel design dello strumento furono apportati dalla famiglia Otteter. Il suo rappresentante, Jacques Martin, ha diviso il flauto in 3 parti. Successivamente ce n'erano 4. Il corpo dello strumento, di regola, era diviso a metà. La lontra ha cambiato la perforazione in conica. Pertanto, l'intonazione tra le ottave è stata migliorata.

Nel XVIII secolo allo strumento fu aggiunto un gran numero di valvole. Di norma, ce ne sono 4 - 6. Importanti innovazioni sono state apportate da Johann Joachim Quantz e Georg Tromlitz. Durante la vita di Mozart, il flauto traverso, che ha una valvola, veniva usato più spesso. All'inizio del XIX secolo, il numero di questi elementi iniziò ad aumentare rapidamente. La musica per questo strumento è più virtuosistica. Ulteriori valvole, a loro volta, hanno facilitato l'esecuzione dei passaggi più difficili.

C'erano molte opzioni di design. In Francia era popolare il flauto a cinque valvole. In Inghilterra ce n'erano 7 o 8. In Italia, Austria e Germania c'erano molti sistemi diversi. Qui il numero di valvole potrebbe arrivare a 14 o anche di più. Gli strumenti hanno ricevuto i nomi degli inventori: Ziegler, Schwedler, Meyer. C'erano sistemi di valvole realizzati appositamente per facilitare questo o quel passaggio. Nel XIX secolo furono creati anche flauti di tipo viennese, che includevano il suono di G in una piccola ottava.

Registro soprano. L'intonazione sul flauto cambia soffiando (estraendo consonanze armoniche con le labbra), nonché aprendo e chiudendo i fori con le valvole. I flauti moderni sono generalmente realizzati in metallo (nichel, argento, oro, platino), meno spesso - in legno, a volte - in vetro, plastica e altri materiali compositi.

Gamma di flauto - più di tre ottave: da H O C 1 (si ottava piccola o fino alla prima) a C 4 (fino alla quarta) e oltre. Le note sono scritte chiave di violino secondo il suono reale. Il timbro è netto e trasparente nel registro medio, sibilante nel registro inferiore e un po' acuto in quello superiore. Il flauto è disponibile in un'ampia varietà di tecniche ed è spesso affidato a un assolo orchestrale. È usato nelle bande sinfoniche e di ottoni e, insieme al clarinetto, più spesso di altri legni, negli ensemble da camera. IN Orchestra Sinfonica vengono utilizzati da uno a cinque flauti, molto spesso due o tre, e uno di essi (di solito l'ultimo in numero) può cambiare durante l'esecuzione in un flauto piccolo o contralto.

Storia dello strumento

Raffigurazione medievale di flautisti che reggono strumenti a sinistra

La prima rappresentazione di un flauto traverso è stata trovata su un rilievo etrusco, che risale a cento o duecento anni a.C. A quel tempo, il flauto traverso era tenuto sul lato sinistro, solo un'illustrazione di un poema dell'XI secolo d.C. raffigura per la prima volta il modo di tenere lo strumento sul lato destro.

Medioevo

I primi ritrovamenti archeologici di flauti traversi d'Occidente risalgono al XII-XIV secolo d.C. Una delle prime immagini di quel tempo è contenuta nell'enciclopedia Hortus Deliciarum. A parte la già citata illustrazione dell'XI secolo, tutte le raffigurazioni medievali europee e asiatiche mostrano suonatori che tengono il flauto traverso a sinistra, mentre le antiche raffigurazioni europee mostrano suonatori di flauto che tengono lo strumento a destra. Pertanto, si presume che il flauto traverso sia caduto temporaneamente in disuso in Europa, per poi ritornarvi dall'Asia attraverso l'impero bizantino.

Nel Medioevo il flauto traverso era costituito da una parte, a volte due per flauti "bassi" in sol (ora l'estensione del flauto contralto). Lo strumento aveva una forma cilindrica e 6 fori dello stesso diametro.

Rinascimento

"Five Landsknechts", Daniel Hopfer, XVI secolo, secondo da sinistra con flauto traverso

Durante il Rinascimento, il design del flauto traverso è cambiato poco. Lo strumento aveva un'estensione di due ottave e mezza o più, che superava di un'ottava l'estensione della maggior parte dei registratori dell'epoca. Lo strumento permetteva di suonare tutte le note della scala cromatica, previa buona padronanza della diteggiatura, piuttosto complessa. Il registro medio suonava meglio. Notevoli flauti traversi originali del Rinascimento sono conservati nel Museo Castel Vecchio di Verona.

Epoca barocca

Le prime grandi modifiche al design del flauto traverso furono apportate dalla famiglia Otteter. Jacques Martin Otteter divideva lo strumento in tre parti: la testa, il corpo (con fori che si chiudevano direttamente con le dita) e il ginocchio (che di solito aveva una valvola, a volte più). Successivamente, la maggior parte dei flauti traversi del XVIII secolo era composta da quattro parti: il corpo dello strumento era diviso a metà. La lontra ha anche cambiato la perforazione dello strumento in modo da renderla affusolata per migliorare l'intonazione tra le ottave.

Negli ultimi decenni del XVIII secolo, al flauto traverso furono aggiunte sempre più valvole, di solito da 4 a 6 o più. Su alcuni strumenti diventa possibile prendere C 1 (fino alla prima ottava) con l'ausilio di un ginocchio allungato e due valve aggiuntive. Importanti innovazioni nel design del flauto traverso dell'epoca furono apportate da Johann Joachim Quantz e Johann Georg Tromlitz.

Periodo classico e romantico

Ai tempi di Mozart, il flauto traverso a una valvola era ancora il design dello strumento più comune. IN inizio XIX secoli, sempre più valvole furono aggiunte al design del flauto traverso, poiché la musica per lo strumento divenne più virtuosistica e valvole aggiuntive rendevano più facile suonare passaggi difficili. C'erano un gran numero di opzioni di valvole. In Francia, il flauto traverso con 5 valvole era il più popolare, in Inghilterra - con 7 o 8 valvole, in Germania, Austria e Italia c'era il maggior numero di sistemi diversi contemporaneamente, dove il numero di valvole poteva raggiungere 14 o più, ei sistemi venivano chiamati con i nomi dei loro inventori: "Meyer", "Schwedler flauto", "Sistema Ziegler" e altri. C'erano persino sistemi di valvole appositamente realizzati per facilitare un particolare passaggio. Nella prima metà del XIX secolo c'erano i cosiddetti flauti. Tipo viennese, al suono del sale di una piccola ottava. Nell'opera La Traviata, scritta da Giuseppe Verdi nel 1853, nella scena finale, al 2° flauto è affidata una frase composta da suoni di registro grave dal al basso - si, si bemolle, la, la bemolle e sale di la piccola ottava. Questo flauto è ora sostituito dal flauto contralto

centro importante lo sviluppo della scuola di flauto di quel tempo fu Berlino, dove alla corte di Federico II, lui stesso flautista e compositore eccezionale, acquisì il flauto traverso significato speciale. Grazie all'interesse inestinguibile del monarca per il suo strumento preferito, nacquero molte opere per flauto traverso di Joachim Quantz (il compositore di corte e maestro di Friedrich), C. F. E. Bach (il clavicembalista di corte), Franz e suo figlio Friedrich Benda, Carl Friedrich Fasch e altri.

Tra i capolavori del repertorio barocco vi sono la Partita in la minore per flauto solo e 7 sonate per flauto e basso di J.S. Bach (di cui 3 forse scritte dal figlio C.F.E. Bach), 12 fantasie per flauto solo GF Telemann , Sonata per flauto solo in la minore di C. F. E. Bach .

Il repertorio per flauto del XIX secolo è dominato dalle opere da salotto virtuoso di compositori di flauto: Jean-Louis Tulu, Giulio Brichchaldi, Wilhelm Popp, Jules Demerssmann, Franz Doppler, Cesare Ciardi, Anton Furstenau, Theobald Böhm, Joachim Andersen, Ernesto Köhler e altri - scritti da autori principalmente per le proprie esecuzioni. Ci sono sempre più concerti virtuosi per flauto e orchestra: Willem Blodek, Saverio Mercadante, Bernard Romberg, Franz Danzi, Bernard Molik e altri.

Nella seconda metà del XX secolo molti compositori hanno scritto opere per flauto solo senza accompagnamento, spesso utilizzando tecnici moderni suonare lo strumento. La Sequenza di Luciano Berio è particolarmente spesso eseguita, Etudes di Isan Yun, "Voice" di Toru Takemitsu, "Debla" di K. Halfter e altre opere per flauto solo dei compositori Heinz Holliger, Robert Aitken, Elliot Carter, Gilbert Ami, Anche Kazuo Fukishima, Brian Ferneyhow sono famosi, Franco Donatoni e altri.

Jazz e altri stili

A causa del suono silenzioso, il flauto non si è radicato immediatamente musica jazz. La penetrazione del flauto come strumento solista nel jazz è associata ai nomi di musicisti come Herbie Mann, Jeremy Stig, Hubert Lowes. Uno degli innovatori nell'esecuzione del flauto jazz è stato il sassofonista e flautista Roland Kirk, che utilizza attivamente le tecniche del soffiare e suonare con la sua voce. Al flauto suonavano anche i sassofonisti Erik Dolfi e Józef Lateef.

Tra i punti di contatto tra jazz e musica classica includono suite jazz per flauto francese pianista jazz Claude Bolling, che vengono eseguiti sia accademicamente (Jean-Pierre Rampal, James Galway) che musicisti jazz.

Nella musica popolare

Un noto flautista rock e pop è Ian Anderson della band Jethro Tull.

Sviluppo della scuola di flauto in Russia

Primo periodo

I primi suonatori di flauto professionisti in Russia erano per lo più musicisti ospiti di origine straniera, molti dei quali rimasero in Russia fino alla fine della loro vita. Così alla corte di Caterina II dal 1792 al 1798 prestò servizio il famoso flautista e compositore cieco Friedrich Dulon. Successivamente, i famosi flautisti tedeschi e italiani - Heinrich Susman (dal 1822 al 1838), Ernst Wilhelm Heinemeier (dal 1847 al 1859), Cesare Ciardi (dal 1855) furono solisti del Teatro Imperiale di San Pietroburgo. Dal 1831 Joseph Guillou, professore al Conservatorio di Parigi, si stabilì a San Pietroburgo. Ci sono anche i primi riferimenti a flautisti russi - quindi dal 1827 al 1850 il solista Teatro Bolshoj Dmitry Papkov era a Mosca, un servo che ha ricevuto la sua libertà.

Seconda metà del XIX secolo

I più grandi flautisti europei vennero in Russia in tournée: nel 1880, il virtuoso del flauto ceco Adolf Tershak viaggiò in tutta la Russia con concerti, nel 1887 e nel 1889. il famoso flautista francese Paul Taffanel ha visitato Mosca e San Pietroburgo.

20 ° secolo

Il primo professore di russo al Conservatorio di San Pietroburgo fu nel 1905 il solista dei teatri imperiali Fyodor Stepanov. Nella prima metà del XX secolo, i tedeschi Max Berg e Karl Schwab, così come il ceco Julius Federgans, hanno lavorato contemporaneamente con artisti russi nei teatri imperiali di San Pietroburgo. Dopo la morte di Stepanov nel 1914, la sua classe passò al flautista e compositore Vladimir Tsybin, che diede un enorme contributo allo sviluppo dell'esecuzione domestica del flauto in Russia. Vladimir Tsybin può essere giustamente considerato il fondatore della scuola di flauto russo.

Il lavoro pedagogico di Tsybin è stato continuato dai suoi studenti, professori del Conservatorio di Mosca - Nikolai Platonov e Yuli Yagudin. All'inizio del XX secolo, P. Ya Fedotov e Robert Lambert insegnarono al Conservatorio di San Pietroburgo, e in seguito gli studenti di quest'ultimo - Boris Trizno e Joseph Janus.

Negli anni '50, i famosi flautisti sovietici Alexander Korneev e Valentin Zverev vinsero importanti premi internazionali.

Negli anni '60, Gleb Nikitin, professore al Conservatorio di Leningrado, allievo di Boris Trizno e professore al Conservatorio di Mosca, allievo di Nikolai Platonov, Yuri Dolzhikov, diede un contributo significativo allo sviluppo della scuola di flauto russa.

Tra i solisti delle principali orchestre di Mosca e Leningrado negli anni '60 e '70 c'erano Albert Hoffman, Alexander Golyshev, Albert Ratsbaum, Eduard Shcherbachev, Alexandra Vavilina e altri, e in seguito la generazione più giovane - Sergei Bubnov, Marina Vorozhtsova e altri.

Attualmente, professori e professori associati del Conservatorio di Mosca sono Alexander Golyshev, Oleg Khudyakov, Olga Ivusheykova, Leonid Lebedev; Conservatorio di San Pietroburgo - Valentin Cherenkov, Alexandra Vavilina, Olga Chernyadieva. Più di 50 giovani flautisti russi, tra cui Denis Lupachev, Nikolai Popov, Nikolai Mokhov, Denis Buryakov, Alexandra Grot, Grigory Mordashov e altri, hanno anche ricevuto o questo momento proseguire gli studi all'estero.

struttura a flauto

Il flauto traverso è un tubo cilindrico allungato con un sistema di valvole, chiuso ad un'estremità, vicino al quale è presente un apposito foro laterale per l'applicazione di labbra e l'aria soffiata. Il flauto moderno è diviso in tre parti: testa, corpo e ginocchio.

Testa

File:Testa di flauto.JPG

Spugne sulla testa del flauto

Il grande flauto ha la testa dritta, ma ci sono anche teste curve - sugli strumenti per bambini, così come sui flauti contralto e basso, in modo che lo strumento sia più comodo da tenere. La testa può essere fatta da vari materiali e le loro combinazioni: nichel, legno, argento, oro, platino. La testa di un flauto moderno, a differenza del corpo dello strumento, non è cilindrica, ma di forma conico-parabolica. All'estremità sinistra all'interno della testina è presente un tappo, la cui posizione influisce sull'azione complessiva dello strumento e deve essere controllato regolarmente (di solito utilizzando l'estremità posteriore del bastoncino per la pulizia dell'utensile - bacchetta). La forma del foro della testa, la forma e la curva delle ganasce hanno una grande influenza sul suono dell'intero strumento. Spesso gli esecutori usano pelli di un produttore diverso rispetto al produttore principale dello strumento. Alcuni flautisti - come Lafin o Faulisi - sono specializzati esclusivamente nella realizzazione di teste.

corpo del flauto

La struttura del corpo del flauto può essere di due tipi: "in linea" ("in linea") - quando tutte le valvole formano una linea, e "offset" - quando la valvola del sale sporge. Esistono anche due tipi di valvole: chiuse (senza risonatori) e aperte (con risonatori). Le valvole aperte sono le più comuni, in quanto presentano diversi vantaggi rispetto a quelle chiuse: il flautista può sentire la velocità del getto d'aria e la risonanza del suono sotto le dita, con l'aiuto delle valvole aperte è possibile correggere l'intonazione, e quando giocando musica contemporanea praticamente indispensabile senza di loro. Per le mani dei bambini o dei piccoli sono presenti dei tappi in plastica che, se necessario, possono chiudere temporaneamente tutte o alcune delle valvole dello strumento.

Ginocchio

Ginocchio flauto (Do)

Sul grande flauto si possono usare due tipi di ginocchio: il ginocchio in Do o il ginocchio in Si. Su un flauto con un ginocchio al suono più basso arriva fino alla prima ottava, su flauti con un ginocchio di si - si di una piccola ottava, rispettivamente. Il ginocchio si influisce sul suono della terza ottava dello strumento e rende anche lo strumento un po' più pesante. C'è una leva "gizmo" sul ginocchio B, che dovrebbe essere utilizzata in aggiunta nella diteggiatura fino alla quarta ottava.

mi-meccanica

Molti flauti hanno la cosiddetta mi-meccanica. La mi-meccanica è stata inventata all'inizio del XX secolo contemporaneamente, indipendentemente l'uno dall'altro, dal maestro tedesco Emil von Rittershausen e dal maestro francese Jalma Julio per facilitare la presa e migliorare l'intonazione della nota di terza ottava mi . Molti flautisti professionisti non usano la meccanica elettronica, poiché buone capacità strumentali consentono una facile raccolta di questo suono senza il suo aiuto. Esistono anche alternative alla mi-meccanica: una piastra che copre metà del foro interno della (seconda coppia) valvola del sale, sviluppata da Powell, nonché una coppia di valvole del sale di dimensioni ridotte, sviluppata da Sankyo (non molto utilizzata principalmente a causa a considerazioni estetiche).

Flauto moderno di sistema Boehm a valvole chiuse fuori linea, con mimeccanica e up-knee

Acustica del flauto

Secondo il metodo di produzione del suono, il flauto appartiene agli strumenti labiali. Il flautista soffia un getto d'aria sul bordo anteriore del foro di imboccatura. Il flusso d'aria dalle labbra del musicista attraversa il foro di imboccatura aperto e ne colpisce il bordo esterno. Pertanto, il flusso d'aria è diviso approssimativamente a metà: all'interno dello strumento e all'esterno. Parte dell'aria intrappolata all'interno dello strumento crea un'onda sonora (onda di compressione) all'interno del flauto, si propaga alla valvola aperta e ritorna parzialmente indietro, facendo risuonare il tubo. Parte dell'aria che è entrata all'esterno dello strumento provoca lievi armonici come il rumore del vento, che, quando messa in scena corretta sono udibili solo dall'esecutore stesso, ma diventano indistinguibili a una distanza di diversi metri. Il tono viene modificato modificando la velocità e la direzione dell'apporto d'aria da parte del supporto (muscoli addominali) e delle labbra, nonché mediante la diteggiatura.

Il nome "flauto" unisce un intero gruppo di strumenti a fiato derayan strumenti musicali. È vero, al giorno d'oggi i flauti sono realizzati anche con altri materiali: plastica, nichel, argento. Il nome dello strumento deriva dalla parola latina "Flatus", che nella traduzione significa "respiro". Il flauto è considerato uno degli strumenti musicali più antichi del mondo. È quasi impossibile fornire una data precisa per l'invenzione del flauto, ma a giudicare dai ritrovamenti degli archeologi, i primi flauti esistevano già nel 35-40.000 a.C.

Gamma e registri del flauto

Il registro grave ha una sonorità opaca, piena e un po' fredda

Il registro medio è caratterizzato da un suono gentile e più debole rispetto agli altri registri.

Il registro superiore ha un carattere chiaro, leggero e brillante.

Esistono molte varietà di flauti, ma differiscono principalmente in longitudinale e trasversale. A scanalature longitudinali il foro del vento è all'estremità; mentre suona, il musicista tiene il flauto longitudinale perpendicolare alla linea delle labbra.

Al traverso, il foro è laterale, quindi devi tenerlo parallelo alla linea delle labbra.
Uno dei tipi più comuni di flauto longitudinale è il flauto dolce. È simile al flauto e al fischio. La principale differenza fondamentale tra il registratore e questi strumenti è che oltre a sette fori per le dita sul davanti, ce n'è uno in più: una valvola di ottava, che si trova sul retro.
Il registratore iniziò ad essere utilizzato attivamente nelle loro opere compositori europei indietro nel 16° secolo. Bach, Vivaldi, Gendal e molti altri includevano molto spesso un flauto dolce nelle loro opere. Con l'avvento dei flauti traversi, divenne evidente un grave svantaggio del flauto dolce, non abbastanza forte. Ma, nonostante ciò, questo strumento è ancora abbastanza spesso presente nell'orchestra.
Nonostante il fatto che i flauti traversi siano apparsi molto prima della nostra era in Cina, la popolarità dei flauti longitudinali per molto tempo non ha permesso loro di diffondersi. Solo dopo che il design del flauto traverso fu migliorato nel 1832 dal maestro tedesco Theobald Behm, iniziò ad apparire nelle orchestre non meno spesso di quello longitudinale. Il flauto traverso permette di suonare suoni dalla prima alla quarta ottava.

Il flauto esiste in quattro varietà principali che formano una famiglia: il flauto vero e proprio (o flauto grande), l'ottavino (piccolo), il flauto contralto e il flauto basso. Esiste anche, ma usato molto meno frequentemente - grande flauto in mi bemolle ( musica cubana, jazz latinoamericano), il flauto ottobasso (musica moderna e orchestra di flauti) e il flauto iperbasso. Esistono anche flauti di gamma inferiore come prototipi.

Il grande flauto ha la testa dritta, ma ci sono anche teste curve - sugli strumenti per bambini, così come sui flauti contralto e basso, in modo che lo strumento sia più comodo da tenere. La testa può essere realizzata con vari materiali e le loro combinazioni: nichel, legno, argento, oro, platino. La testa di un flauto moderno, a differenza del corpo dello strumento, non è cilindrica, ma di forma conico-parabolica. All'estremità sinistra all'interno della testina è presente un tappo, la cui posizione influisce sull'azione complessiva dello strumento e deve essere controllato regolarmente (di solito utilizzando l'estremità posteriore del bastoncino per la pulizia dell'utensile - bacchetta). La forma del foro della testa, la forma e la curva delle ganasce hanno una grande influenza sul suono dell'intero strumento. Spesso gli esecutori usano pelli di un produttore diverso rispetto al produttore principale dello strumento. Alcuni flautisti - come Lafin o Faulisi - sono specializzati esclusivamente nella realizzazione di teste.

La gamma del flauto (flauto grande) è superiore a tre ottave: da H O C 1 (si ottava piccola o fino alla prima) a C 4 (fino alla quarta) e oltre. gioca di più note alte sembra difficile, ma ci sono opere in cui sono coinvolte le note "re" e "mi" della quarta ottava. Le note sono scritte nella chiave di violino in base al suono effettivo. Il timbro è netto e trasparente nel registro medio, sibilante nel registro inferiore e un po' acuto in quello superiore. Il flauto è disponibile in un'ampia varietà di tecniche ed è spesso affidato a un assolo orchestrale. È usato nelle bande sinfoniche e di ottoni e, insieme al clarinetto, più spesso di altri legni, negli ensemble da camera. In un'orchestra sinfonica vengono utilizzati da uno a cinque flauti, molto spesso due o tre, e uno di essi (di solito l'ultimo di numero) può cambiare durante l'esecuzione in un flauto piccolo o contralto.

La struttura del corpo del flauto può essere di due tipi: "in linea" ("in linea") - quando tutte le valvole formano una linea, e "offset" - quando la valvola del sale sporge. Esistono anche due tipi di valvole: chiuse (senza risonatori) e aperte (con risonatori). Le valvole aperte sono le più comuni, in quanto presentano numerosi vantaggi rispetto a quelle chiuse: un flautista può sentire la velocità del flusso d'aria e la risonanza del suono sotto le dita, con l'aiuto delle valvole aperte è possibile correggere l'intonazione e quando si suona musica moderna, sono praticamente indispensabili.

Per le mani dei bambini o dei piccoli sono presenti dei tappi in plastica che, se necessario, possono chiudere temporaneamente tutte o alcune delle valvole dello strumento.

Sul grande flauto si possono usare due tipi di ginocchio: il ginocchio in Do o il ginocchio in Si. Su un flauto con un ginocchio a, il suono più basso è fino alla prima ottava, su flauti con un ginocchio di si - si di una piccola ottava, rispettivamente. Il ginocchio si influisce sul suono della terza ottava dello strumento e rende anche lo strumento un po' più pesante. C'è una leva "gizmo" sul ginocchio B, che dovrebbe essere utilizzata in aggiunta nella diteggiatura fino alla quarta ottava.

Molti flauti hanno la cosiddetta mi-meccanica. È stato inventato all'inizio del XX secolo contemporaneamente, indipendentemente l'uno dall'altro, dal maestro tedesco Emil von Rittershausen e dal maestro francese Jalma Julio per facilitare la presa e migliorare l'intonazione della nota E della terza ottava . Molti flautisti professionisti non usano la meccanica elettronica, poiché buone capacità strumentali consentono una facile raccolta di questo suono senza il suo aiuto. Esistono anche alternative alla mi-meccanica: una piastra che copre metà del foro interno della (seconda coppia) valvola del sale, sviluppata da Powell, nonché una coppia di valvole del sale di dimensioni ridotte, sviluppata da Sankyo (non molto utilizzata principalmente a causa a considerazioni estetiche). Sui flauti del sistema tedesco, la mi-meccanica non è funzionalmente richiesta (la coppia di valvole G è inizialmente separata).

Secondo il metodo di produzione del suono, il flauto appartiene agli strumenti labiali. Il flautista soffia un getto d'aria sul bordo anteriore del foro di imboccatura. Il flusso d'aria dalle labbra del musicista attraversa il foro di imboccatura aperto e ne colpisce il bordo esterno. Pertanto, il flusso d'aria è diviso approssimativamente a metà: all'interno dello strumento e all'esterno. Parte dell'aria intrappolata all'interno dello strumento crea un'onda sonora (onda di compressione) all'interno del flauto, si propaga alla valvola aperta e ritorna parzialmente indietro, facendo risuonare il tubo. Parte dell'aria che è uscita dallo strumento provoca lievi armonici come il rumore del vento, che, se opportunamente impostati, sono udibili solo dall'esecutore stesso, ma diventano indistinguibili a una distanza di diversi metri. Il tono viene modificato modificando la velocità e la direzione dell'apporto d'aria da parte del supporto (muscoli addominali) e delle labbra, nonché mediante la diteggiatura.

A causa della natura acustica del flauto, tende ad abbassarsi quando si suona il pianoforte (soprattutto nel registro grave) e ad alzarsi quando si suona il forte (soprattutto nel registro acuto). Anche la temperatura della stanza influenza l'intonazione - più di bassa temperatura abbassa il tono dello strumento, uno più alto, rispettivamente, lo aumenta.

Lo strumento viene messo a punto spostando la testa fuori dal corpo dello strumento (più la testa viene estratta, più lungo e, di conseguenza, lo strumento diventa più basso). Questo metodo di accordatura ha i suoi svantaggi rispetto agli archi o strumenti a tastiera- quando si estrae la testina, i rapporti tra i fori dello strumento vengono sconvolti e le ottave cessano di costruirsi l'una con l'altra. Quando la testa viene estesa di oltre un centimetro (che abbassa l'intonazione dello strumento di quasi un semitono), il suono del flauto cambia timbro e diventa simile al suono degli strumenti lignei barocchi.

Il flauto è uno degli strumenti a fiato più virtuosi e tecnicamente mobili. La sua performance è tipica dei passaggi di scala in ritmo veloce, arpeggi, salti ad ampi intervalli. Meno spesso, il flauto è assegnato a lunghi episodi di cantilena, poiché il fiato su di esso si esaurisce più velocemente che su altri legni. I trilli suonano bene in tutta la gamma (con l'eccezione di alcuni trilli ai suoni più gravi). Punto debole strumento è la sua gamma dinamica relativamente piccola: la differenza tra piano e forte nella prima e nella seconda ottava è di circa 25 dB, nel registro superiore non più di 10 dB. I flautisti compensano questa mancanza cambiando il colore del timbro, oltre che con altri mezzi. espressività musicale. La gamma dello strumento è divisa in tre registri: inferiore, medio e superiore. Il pianoforte e il legato sono relativamente facili da suonare nel registro grave, ma il forte e lo staccato richiedono un'abilità matura. Il registro medio è il meno ricco di armonici, suona spesso sordo, quindi è poco utilizzato per le melodie cantilene. Nel registro acuto è facile suonare il forte, padroneggiare il pianoforte nella terza ottava richiede diversi anni di pratica sullo strumento. A partire dalla quarta ottava fino all'acuta, l'estrazione silenziosa dei suoni diventa impossibile.

Il colore del timbro e la bellezza del suono del flauto dipendono da molti fattori nella produzione e nell'abilità dell'esecutore: un ruolo importante è svolto da una gola aperta, un foro abbastanza aperto nella testa dello strumento (di solito 2/3 ), la corretta posizione della testina dello strumento rispetto alle labbra, l'esatta direzione del flusso d'aria, nonché un abile controllo della quantità e della velocità di erogazione dell'aria utilizzando il "supporto" (un insieme di muscoli addominali, parte di i muscoli intercostali e parte dei muscoli della schiena che influenzano il lavoro del diaframma).

Il flauto ha una vasta gamma di tecniche di gioco. Lo staccato doppio (sillabe tou-ku) e triplo (sillabe tou-ku-tu tou-ku-tu) è usato ovunque. Iniziando con fine XIX- inizio '900, per gli effetti speciali, si usa la tecnica del frulato - suonare lo strumento contemporaneamente alla pronuncia di un suono, tipo "trr" usando la punta della lingua o della gola. La tecnica del frulato fu usata per la prima volta da Richard Strauss nel poema sinfonico"Don Chisciotte" (1896 - 1897).

Nel 20 ° secolo sono state inventate molte tecniche e tecniche aggiuntive:

La multifonia è l'estrazione simultanea di due o più suoni con l'ausilio di speciali diteggiature. Esistono tavoli multifonici speciali per aiutare compositori e interpreti, ad esempio nei libri di Pierre Yves Artaud o Robert Dick.

Toni del fischio: ricordano un fischio sommesso. Recuperato con il cuscinetto auricolare completamente rilassato e il getto diretto sulla posizione in cui normalmente si troverebbe il suono desiderato.

"Tangram" è un breve suono che ricorda un applauso. Si rimuove con il cuscinetto auricolare dello strumento completamente chiuso dalle labbra con l'ausilio di un rapido movimento della lingua. Suona una settima maggiore sotto la diteggiatura usata dall'esecutore.

"Jet whistle" - un getto d'aria sonoro (senza suono), che cambia rapidamente tono dall'alto verso il basso o dal basso verso l'alto, a seconda delle istruzioni del compositore. Si estrae con il cuscinetto auricolare dello strumento completamente chiuso con le labbra, con forte espirazione e pronuncia di una sillaba simile a "fuit".

Esistono altri metodi delle tecniche moderne: bussare con le valvole, suonare con un picco senza suono, cantare contemporaneamente all'estrazione del suono e altri.