100 dipinti famosi. I dipinti più famosi e significativi del mondo per la storia dell'arte
Magnifiche opere d'arte per mano di grandi maestri possono sorprendere anche le persone per le quali l'arte significa poco. Ecco perché i musei di fama mondiale sono tra le attrazioni più popolari, attirando milioni di visitatori all'anno.
Per distinguersi dall'enorme numero di dipinti scritti nel corso della storia dell'arte, l'artista ha bisogno non solo del talento, ma anche della capacità di esprimere una trama unica in un modo insolito e molto rilevante per il suo tempo.
I dipinti sottostanti parlano a voce alta non solo del talento dei loro autori, ma anche delle molte tendenze culturali che sono andate e venute e dei più importanti eventi storici che da sempre trovano riscontro nell'art.
"Nascita di Venere"
Questo quadro, dipinto dal grande maestro rinascimentale Sandro Botticelli, raffigura il momento in cui la bellissima Venere appare dalla spuma del mare. Uno degli aspetti più interessanti del dipinto è la posa modesta della dea e il suo viso semplice ma bello.
"I cani giocano a poker"
Dipinta da Cassius Coolidge nel 1903, questa serie di 16 dipinti raffigura cani riuniti intorno a un caffè o a un tavolo da gioco che giocano a poker. Molti critici riconoscono questi dipinti come la rappresentazione canonica degli americani dell'epoca.
Ritratto di Madame Récamier
Dipinto da Jacques-Louis David, questo ritratto ritrae una sfarzosa persona mondana in un ambiente contrastantemente minimalista e semplice, vestita con un semplice abito bianco senza maniche. Questo è un vivido esempio di neoclassicismo nell'arte del ritratto.
№5
Questo famoso dipinto di Jackson Pollock è la sua opera più iconica, raffigurante vividamente tutto il caos che imperversava nell'anima e nella mente di Pollock. Questo è uno dei più opere costose mai venduto da un artista americano.
"Figlio di uomo"
"Il figlio dell'uomo" di René Magritte è una sorta di autoritratto che raffigura l'artista stesso in abito nero, ma con una mela al posto del volto.
"Numero 1" ("Royal rosso e blu")
Questo pezzo piuttosto recente di Mark Rothko non è altro che pennellate di tre diverse tonalità su una tela fatta a mano. Il dipinto è attualmente in mostra presso l'Art Institute di Chicago.
"La strage degli innocenti"
Basato sulla storia biblica del massacro di bambini innocenti a Betlemme, Peter Paul Rubens ha creato questo dipinto macabro e brutale che tocca le emozioni di tutti coloro che lo guardano.
"Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte"
Progettato da Georges Seurat, questo unico e molto pittura popolare raffigura l'atmosfera rilassata di un fine settimana in grande città. Tale dipinto è un eccellente esempio di puntinismo, che combina molti punti in un insieme.
"Danza"
"Dance" di Henri Matisse è un esempio di uno stile chiamato Fauvismo, caratterizzato da colori e forme brillanti, quasi innaturali e da un'elevata dinamica.
"Gotico americano"
"American Gothic" è un'opera d'arte che simboleggia perfettamente l'immagine degli americani durante la Grande Depressione. In questo dipinto, Grant Wood ha raffigurato una coppia severa, apparentemente religiosa, in piedi di fronte a una semplice casa con finestre gotiche.
"Caricatore di fiori"
Questo dipinto del pittore messicano più famoso del XX secolo, Diego Rivera, raffigura un uomo che a stento riesce a sopportare un cesto carico di vivaci fiori tropicali sulla schiena.
"La madre di Whistler"
Conosciuto anche come "Arrangiamento in grigio e nero. La madre dell'artista", questo è uno dei più dipinti famosi L'artista americano James Whistler. In questo dipinto, Whistler raffigurava sua madre seduta su una sedia contro un muro grigio. Il dipinto utilizza solo sfumature di nero e grigio.
"La persistenza della memoria"
Questa è un'opera di culto di non meno cult Salvador Dalì, il surrealista spagnolo di fama mondiale che ha portato questo movimento in prima linea nell'arte.
Ritratto di Dora Maar
Pablo Picasso è uno dei più popolari e influenti pittori spagnoli. È il fondatore dello stile sensazionale dell'epoca, chiamato cubismo, che cerca di scomporre qualsiasi oggetto e trasmetterlo con chiarezza forme geometriche. Questo dipinto è il primo ritratto in stile cubista.
"Ritratto di un artista senza barba"
Questo dipinto di Van Gogh è un autoritratto, e unico, perché raffigura il pittore senza la solita barba. Inoltre, questo è uno dei pochi dipinti di Van Gogh venduti a collezioni private.
"Terrazza del caffè notturno"
Dipinto da Vincent van Gogh, questo dipinto ritrae uno spettacolo familiare in un modo completamente nuovo, utilizzando colori incredibilmente vivaci e forme insolite.
"Composizione VIII"
Vasilij Kandinskij è riconosciuto come il fondatore arte astratta- uno stile che usa forme e simboli invece di oggetti e persone familiari. "Composizione VIII" è uno dei primi dipinti dell'artista, realizzato esclusivamente in questo stile.
"Bacio"
Una delle prime opere d'arte in stile Art Nouveau, questo dipinto è quasi interamente realizzato in tonalità oro. Il dipinto di Gustav Klimt è una delle opere di stile più sorprendenti.
"Ballo al Moulin de la Galette"
Il dipinto di Pierre Auguste Renoir è una rappresentazione vivida e dinamica della vita cittadina. Inoltre, è uno dei dipinti più costosi al mondo.
"Olimpia"
In Olympia, Édouard Manet ha creato una vera polemica, quasi uno scandalo, poiché una donna nuda con lo sguardo è chiaramente un'amante, non velata dai miti del periodo classico. Questo è uno dei primi lavori nello stile del realismo.
"Terzo maggio 1808 a Madrid"
In quest'opera, Francisco Goya ha rappresentato l'attacco di Napoleone agli spagnoli. Questo è uno dei primi dipinti spagnoli a ritrarre la guerra in una luce negativa.
"Las Meninas"
Il dipinto più famoso di Diego Velasquez raffigura l'Infanta Margherita di cinque anni davanti a un ritratto dei suoi genitori dipinto da Velasquez.
"Ritratto degli Arnolfini"
Questa foto è una di opere più antiche pittura. È stato dipinto da Jan van Eyck e raffigura l'uomo d'affari italiano Giovanni Arnolfini e sua moglie incinta nella loro casa a Bruges.
"Grido"
Un dipinto dell'artista norvegese Edvard Munch raffigura il volto di un uomo distorto dalla paura contro un cielo rosso sangue. Il paesaggio sullo sfondo aggiunge un fascino oscuro a questo dipinto. Inoltre, The Scream è uno dei primi dipinti espressionisti in cui il realismo è ridotto al minimo per consentire una maggiore libertà di emozione.
"Acque"
Water Lilies, di Claude Monet, fa parte di una serie di 250 dipinti raffiguranti elementi del giardino dell'artista. Questi dipinti sono esposti in vari musei d'arte in tutto il mondo.
"Notte stellata"
"Notte stellata" di Van Gogh è una delle immagini più famose cultura contemporanea. Attualmente è in mostra al Museo. arte contemporanea a New York.
"Caduta di Icaro"
Questo dipinto, dipinto Artista olandese Pieter Brueghel, mostra l'indifferenza dell'uomo verso la sofferenza dei suoi simili. Un forte tema sociale è mostrato qui piuttosto in modo semplice, usando l'immagine di Icaro che annega sott'acqua e le persone che ignorano la sua sofferenza.
"La creazione di Adamo"
La Creazione di Adamo è uno dei tanti magnifici affreschi di Michelangelo che adornano il soffitto della Cappella Sistina nel Palazzo Vaticano. Raffigura la creazione di Adamo. Oltre all'immagine dell'ideale forme umane, l'affresco è uno dei primi tentativi nella storia dell'arte di ritrarre Dio.
"L'ultima Cena"
Questo affresco del grande Leonardo raffigura l'ultima cena di Gesù prima del suo tradimento, arresto e morte. Oltre alla composizione, alla forma e al colore, la discussione su questo affresco è piena di teorie sui simboli nascosti e sulla presenza di Maria Maddalena accanto a Gesù.
"Guernico"
"Guernica" di Picasso raffigura l'esplosione dell'omonima città spagnola durante gli spagnoli guerra civile. Questa è un'immagine in bianco e nero, raffigurante negativamente il fascismo, il nazismo e le loro idee.
"Ragazza con l'orecchino di perla"
Questo dipinto di Johannes Vermeer viene spesso chiamato la Gioconda olandese, non solo per la sua straordinaria popolarità, ma anche perché l'espressione sul volto della ragazza è difficile da catturare e spiegare.
"Decapitazione di Giovanni Battista"
Il dipinto di Caravaggio raffigura molto realisticamente il momento dell'assassinio di Giovanni Battista in carcere. La penombra del dipinto e le espressioni facciali dei suoi personaggi ne fanno un vero capolavoro classico.
"La guardia notturna"
"La Guardia notturna"è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura ritratto di gruppo compagnia di fucilieri guidata dai suoi ufficiali. Un aspetto unico del dipinto è la penombra, che dà l'impressione di una scena notturna.
"Scuola di Atene"
Dipinto da Raffaello nel suo primo periodo romano, questo affresco raffigura famosi filosofi greci come Platone, Aristotele, Euclide, Socrate, Pitagora e altri. Molti filosofi sono raffigurati come contemporanei di Raffaello, ad esempio Platone - Leonardo da Vinci, Eraclito - Michelangelo, Euclide - Bramante.
"Monna Lisa"
Probabilmente il dipinto più famoso al mondo è la Gioconda di Leonardo da Vinci, meglio conosciuta come la Gioconda. Questa tela è un ritratto della signora Gherardini, che attira l'attenzione con un'espressione misteriosa sul viso.
Leonardo di ser Piero da Vinci (15 aprile 1452 – 2 maggio 1519) è stato un famoso pittore, architetto, filosofo, musicista, scrittore, esploratore, matematico, ingegnere, anatomista, inventore e geologo italiano. Conosciuto per i suoi dipinti, i più famosi dei quali sono " L'ultima Cena" e "Mona Lisa", oltre a numerose invenzioni che erano molto in anticipo sui tempi, ma rimasero solo sulla carta. Inoltre, Leonardo da Vinci ha dato un importante contributo allo sviluppo dell'anatomia, dell'astronomia e della tecnologia.
Raffaello Santi (28 marzo 1483 – 6 aprile 1520) fu un grande pittore e architetto italiano attivo durante il Rinascimento, coprendo il periodo che va dalla fine del XV secolo ai primi anni del XVI secolo. Raffaello è tradizionalmente considerato uno dei tre grandi maestri di questo periodo, insieme a Michelangelo e Leonardo da Vinci. Molte sue opere si trovano nel Palazzo Apostolico in Vaticano, in una stanza chiamata Stanza di Raffaello. Tra gli altri, ecco la sua opera più famosa: "La scuola di Atene".
Diego Rodríguez de Silva y Velasquez (6 giugno 1599 – 6 agosto 1660) - Pittore spagnolo, ritrattista, pittore di corte del re Filippo IV, massimo rappresentante periodo d'oro della pittura spagnola. Oltre a numerosi dipinti raffiguranti scene storiche e culturali del passato, dipinse molti ritratti della famiglia reale spagnola, così come altre famose figure europee. L'opera più famosa di Velasquez è il dipinto "La Meninas" (o "Famiglia di Filippo IV") del 1656, che si trova al Museo del Prado di Madrid.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz e Picasso (25 ottobre 1881 - 8 aprile 1973) è un artista e scultore spagnolo di fama mondiale, fondatore della direzione in fine arti - cubismo. Considerato uno dei più grandi artisti che hanno influenzato lo sviluppo delle belle arti nel XX secolo. Esperti, è stato riconosciuto come il miglior artista tra quelli vissuti negli ultimi 100 anni, nonché il più "costoso" del mondo. Durante la sua vita, Picasso ha creato circa 20mila opere (secondo altre fonti, 80mila).
Vincent Willem van Gogh (30 marzo 1853 – 29 luglio 1890) è stato un famoso pittore olandese che divenne famoso solo dopo la sua morte. Secondo molti esperti, Van Gogh è uno dei più grandi artisti della storia dell'arte europea, nonché uno dei rappresentanti più importanti del post-impressionismo. Autore di oltre 2.100 opere d'arte, tra cui 870 dipinti, 1.000 disegni e 133 schizzi. I suoi numerosi autoritratti, paesaggi e ritratti sono tra le opere d'arte più riconoscibili e costose al mondo. L'opera più famosa di Vincent van Gogh, forse, è considerata una serie di dipinti chiamati "Girasoli".
Michelangelo Buonarroti (6 marzo 1475 - 18 febbraio 1564) - lo scultore, artista, architetto, poeta e pensatore italiano famoso in tutto il mondo, che ha lasciato un'impronta indelebile nell'insieme cultura mondiale. L'opera più famosa dell'artista, forse, sono gli affreschi sul soffitto della Cappella Sistina. Tra le sue sculture, le più famose sono "Pietà" ("Compianto su Cristo") e "David". Delle opere di architettura - il progetto della cupola della Basilica di San Pietro. È interessante notare che Michelangelo divenne il primo rappresentante dell'arte dell'Europa occidentale, la cui biografia fu scritta durante la sua vita.
Al quarto posto nella classifica degli artisti più famosi al mondo c'è Masaccio (21 dicembre 1401-1428) - un grande artista italiano che ha avuto un enorme impatto su altri maestri. Masaccio ha vissuto una vita molto breve, quindi ci sono poche testimonianze biografiche su di lui. Sono sopravvissuti solo quattro dei suoi affreschi, che, senza dubbio, sono opera di Masaccio. Si ritiene che altri siano stati distrutti. L'opera più famosa di Masaccio è l'affresco della Trinità nella chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, in Italia.
Peter Paul Rubens (28 giugno 1577 – 30 maggio 1640) è stato un pittore fiammingo (olandese meridionale), uno dei più grandi artisti dell'era barocca, noto per il suo stile stravagante. Considerato l'artista più versatile del suo tempo. Nelle sue opere, Rubens ha sottolineato e incarnato vitalità e sensibilità al colore. Dipinse numerosi ritratti, paesaggi e quadri storici con soggetti mitologici, religiosi e allegorici. L'opera più famosa di Rubens è il trittico "Discesa dalla Croce" scritto nel periodo dal 1610 al 1614 e che ha portato l'artista alla fama mondiale.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 settembre 1571 – 18 luglio 1610) è stato un grande artista italiano del primo barocco, fondatore della pittura realistica europea del XVII secolo. Nelle sue opere Caravaggio ha utilizzato abilmente i contrasti di luce e ombra, concentrandosi sui dettagli. Spesso raffigurava comuni romani, gente delle strade e dei mercati nelle immagini di santi e Madonne. Esempi sono "L'evangelista Matteo", "Bacco", "Conversione di Saulo", ecc. Uno dei dipinti più famosi dell'artista è "Il suonatore di liuto" (1595), che Caravaggio definì il dipinto di maggior successo per lui .
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) - famoso pittore e incisore olandese, considerato il più grande e il più artista famoso pace. Autore di circa 600 dipinti, 300 acqueforti e 2mila disegni. La sua caratteristica è un gioco magistrale con effetti di luce e ombre profonde. L'opera più famosa di Rembrandt è il dipinto di quattro metri "Night Watch", scritto nel 1642 e ora conservato in Museo di Stato Amsterdam.
100 grandi dipinti (Parte 1)
Le grandi tele sono sempre uno specchio del tempo, in qualunque complessa forma allegorica l'artista possa rivestirle. Non tutte le immagini sono chiare allo spettatore a prima vista, alcune richiedono molta attenzione, riflessione, una certa preparazione e conoscenza.
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Jan van Eyck(1390-1441) è considerato il più grande pittore olandese del XV secolo, che pose le basi per la tradizione realistica nella pittura d'altare. Originario di una cittadina olandese sul fiume Mosa, nel 1422, già rispettato maestro, entrò al servizio del conte Giovanni di Baviera e fino al 1424 partecipò alla decorazione del palazzo del conte all'Aia. Nel 1425 Van Eyck si trasferì a Lille, dove divenne pittore di corte del duca di Borgogna, Filippo III il Buono. Alla corte del duca, che apprezzava molto l'artista, non solo dipinse, ma svolse anche numerose missioni diplomatiche, recandosi ripetutamente in Spagna e Portogallo.
Nel 1431 Van Eyck si trasferì a Bruges, dove visse fino alla fine dei suoi giorni, svolgendo lavori sia come pittore di corte che come artista della città. Il maggior numero di opere che ci sono pervenute è stato scritto dal maestro in un momento in cui era al servizio del duca di Borgogna.
Una delle più opere famose Van Eyck, Ritratto degli Arnolfini, è nella collezione della National Gallery di Londra. Nell'immagine raffigurante la cerimonia del matrimonio di due giovani benestanti, l'artista ha trovato posto per diversi simboli, ad esempio per un cane situato ai piedi degli sposi, simbolo di fedeltà. In uno specchio rotondo appeso al muro nel profondo della composizione si riflettono due persone, ovviamente i testimoni del matrimonio. In uno di essi, l'artista ha raffigurato se stesso, come dice l'iscrizione sopra lo specchio. L'artista ha eseguito gli sposi in piena crescita. Il pittore raffigura con amore le cose che circondano gli sposi. Questi oggetti raccontano molto sullo stile di vita dei loro proprietari, sottolineando le loro virtù borghesi: parsimonia, modestia, amore per l'ordine.
Il contenuto del dipinto sopra descritto è solo la versione più comune, ma per alcuni ricercatori un'altra è attraente: questo è un autoritratto dell'artista. Già nel 1934, il noto critico d'arte austriaco Erwin Panofsky suggerì che il dipinto raffigura non un matrimonio, ma un fidanzamento. Inoltre, è stato stabilito che Giovanni Arnolfini e sua moglie non esistevano, e la donna raffigurata nella foto è chiaramente in attesa dell'aggiunta della famiglia, e Margarita van Eyck (sorella dell'artista) il 30 giugno 1434 diede alla luce un figlio.
Quindi chi è l'eroe della foto? O è davvero una scena familiare e non un ritratto personalizzato? La questione è ancora aperta...
Van Eyck presenta lo spettatore a intimità persone, mostrando la bellezza della vita quotidiana. In questo modo, ha aperto nuove possibilità realistiche di belle arti, che sono state pienamente realizzate solo nel XVII secolo, quando molti dipinti simili sono stati creati in Olanda.
Questa più grande creazione dell'artista, come la sua "Primavera", per più di trecento anni è rimasta nel profondo oblio nella tranquilla villa di Castello nei pressi di Firenze. Il quadro è stato notato solo a metà del secolo scorso, quando i pittori preraffaelliti Milles e Rossetti hanno riscoperto Botticelli come uno dei talenti più rari dell'Italia del XV secolo.
La Nascita di Venere fu scritta per Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, cugino di Lorenzo il Magnifico e mecenate più importante di Botticelli. Firenze, dove l'artista trascorse la maggior parte della sua vita, fu governata dalla potente famiglia dei Medici. La trama del quadro è legata alla cultura della corte di Lorenzo Medici, intrisa della filosofia del neoplatonismo. Questa volta delle strofe del Poliziano e dei sonetti di Lorenzo il Magnifico, il tempo dei tornei e dei cortei carnevaleschi fu il periodo di massimo splendore di Botticelli.
In The Birth, Sandro Botticelli ha raffigurato l'immagine di Afrodite Urania - la Venere celeste, figlia di Urano, nata dal mare senza madre. L'immagine cattura non tanto la nascita stessa, ma il momento che seguì quando, spinta dal respiro dei geni dell'aria, Venere raggiunse la riva promessa. La bellezza della figura nuda è coronata dalla ninfa Ora, che è l'incarnazione della natura, pronta a coprirla con un mantello. Ora è una delle tre Montagne, le ninfe delle stagioni. Questa montagna, a giudicare dai fiori che ricoprono i suoi vestiti, patrocina quel periodo dell'anno in cui il potere di Venere raggiunge il suo apice. Forse questa immagine dell'artista è stata ispirata da uno degli inni omerici, che descrive come Zefiro, il dio vento di ponente, portò Venere nell'isola di Cipro, dove i Monti la accettarono.
Secondo la cerchia di Lorenzo Medici, Venere, la dea dell'amore, è anche la dea dell'umanità. È lei che insegna alle persone la ragione, il valore, è la madre dell'Armonia, nata dall'unione di materia e spirito, natura e idee, amore e anima.
Il dipinto più famoso del mondo, la Gioconda, di Leonardo da Vinci, è al Louvre.
La Gioconda fu creata tra il 1503 e il 1506 e completata nel 1510. Non è ancora chiaro chi abbia posato esattamente per il grande maestro. L'artista ricevette un ordine per il dipinto da Francesco del Giocondo, commerciante di seta fiorentino, e la maggior parte degli storici e storici dell'arte ritiene che il ritratto raffiguri Lisa Gherardini, moglie di Giocondo, che commissionò il ritratto in onore della nascita del loro secondo figlio, che nacque nel dicembre 1502. Tuttavia, per 500 anni, le controversie non si sono placate su chi sia realmente raffigurato in questo famoso dipinto.
La parola "Mona" è molto probabilmente una forma abbreviata di "monna" o "mia donna", cioè "milady" o "madame". In francese si chiama "La Joconde", e in italiano - "La Gioconda" (allegra), ma questo è solo un gioco di parole, una coincidenza con il nome di colui che fungeva da prototipo dell'immagine.
Il ritratto è un ottimo esempio della tecnica preferita di Leonard, il cosiddetto sfumato - "fumoso chiaroscuro", una delicata penombra con una gamma morbida di toni che sembrano leggermente sfumati e passano dolcemente dall'uno all'altro. Allo stesso tempo, Leonardo segna gli angoli della bocca e degli occhi con tale precisione e grazia che l'immagine acquista una qualità davvero fantastica.
Alcuni ricercatori sostengono che l'immagine sia un autoritratto dello stesso Leonardo, che ha conferito al suo aspetto tratti femminili o addirittura tratti di un ermafrodito. E infatti, se l'immagine di Mona Lisa per rimuovere i capelli, si ottiene una strana faccia asessuata. Questa ipotesi è stata confermata dal lavoro svolto da ricercatori indipendenti - Lillian Schwartz del laboratorio Bell Labs e Digby Quest della clinica Maudsley di Londra, che hanno confermato l'ipotesi che Leonardo potesse ritrarsi nell'immagine di Mona Lisa. I ricercatori hanno confrontato l'uso di special programmi per computer"Mona Lisa" e un autoritratto di Leonardo, realizzato quando era già in veneranda età. Il risultato è sorprendente. "Mona Lisa" si è rivelata quasi un'immagine speculare del volto del grande maestro. Quasi tutti i lineamenti del viso corrispondevano perfettamente, compresa la punta del naso, le labbra e gli occhi.
Nel 1911, la Gioconda fu rubata dal Louvre dall'italiano Vincenzo Perugia, che lavorava come falegname nel museo. Ha semplicemente portato il dipinto fuori dalla galleria, nascondendolo sotto i suoi vestiti. Il famoso dipinto fu ritrovato solo nel 1913, quando il rapitore cercò di venderlo a un certo collezionista. Prima di questo, il capolavoro di Leonardo era custodito in una valigia a doppio fondo. L'aggressore ha spiegato cosa aveva fatto affermando di voler restituire all'Italia un dipinto che era stato illegalmente esportato da Napoleone Bonaparte.
Dai grandi artisti di Robert Cumming:
"Comunemente noto come la 'Venere di Dresda', questo dipinto era estremamente originale, senza eguali nell'arte dell'antichità classica. L'opera dimostra l'interesse dell'artista per un nuovo ideale di bellezza, dove lo stato d'animo poetico prevale sul contenuto razionale.
Questo nudo sdraiato è diventato una delle immagini più popolari pittura europea. Giorgione raffigura una figura addormentata sotto un albero con gli occhi chiusi, immersa nei sogni e ignara di essere osservata. Quasi tutte le variazioni successive su questo tema la ritraggono sveglia. In particolare, Manet nella sua "Olympia" ha raffigurato "Venere" che offre servizi sessuali.
Le sfumature tenui e le forme arrotondate di Venere parlano dell'influenza di Leonardo da Vinci, che si nota anche nella soluzione delle pieghe dei panneggi. "Dresden Venus" è stato scritto in un decennio in "Mona Lisa" - ed entrambi hanno immediatamente dato origine a molte copie e imitazioni.
Il chiaroscuro sapientemente reso e le luci sul lussuoso drappeggio dimostrano la padronanza della tecnica di Giorgione. pittura ad olio.
I contorni lisci del corpo esaltano la sensazione di sonno profondo e, per così dire, invitano ad accarezzare la figura con lo sguardo.
La natura erotica dell'immagine indica che il dipinto è stato commissionato per una camera da letto privata.
Le radiografie e le registrazioni dei restauratori del XIX secolo indicano che Giorgione originariamente raffigurava (o stava per raffigurare) la figura di Cupido sul lato destro della tela.
Secondo alcune indiscrezioni, Giorgione non ha avuto il tempo di finire il dipinto durante la sua vita, ed è generalmente accettato che l'ordine di completare il paesaggio sia stato dato a Tiziano. Il paesaggio "stratificato" e le colline blu all'orizzonte sono caratteristici del primo stile di Tiziano. La morte prematura di un rivale ha contribuito all'ascesa della stella di Tiziano."
I. Bosch si è rivelato un artista molto difficile, anche adesso non esiste un punto di vista consolidato sull'interpretazione delle trame e delle singole immagini dei suoi dipinti.
Per gli artisti medievali (così come per i loro spettatori), tutti gli oggetti e i fenomeni avevano un significato simbolico, ogni oggetto riceveva la sua interpretazione simbolica basata sui testi della Bibbia. Quindi, ad esempio, sulla base della frase: "La Parola di Dio è forte come un leone", il leone era considerato un simbolo dell'onnipotenza della fede cristiana, perché le figure dei leoni adornano i portali di molte cattedrali romaniche in Francia , e in Italia, scultori del XIII-XIV secolo collocarono leoni ai piedi dei pulpiti delle chiese . Il lavoro di Bosch, forse, è anche difficile per la percezione diretta nel nostro tempo, perché l'artista, oltre ai tradizionali simboli medievali (conosciuti da tutti), utilizzava altri simboli, meno studiati e difficili da decifrare.
Il linguaggio artistico di Bosch non si adatta mai interamente alle interpretazioni simboliche medievali. L'artista ha spesso usato certi simboli in un significato opposto a quello generalmente accettato, e ha anche inventato nuovi simboli. Forse è per questo che è stato chiamato il "cupo scrittore di fantascienza", "professore onorario di incubi", ma i surrealisti moderni vedevano in Bosch il loro padre spirituale e precursore. Ecco una di queste scene. Una coppia di innamorati si è isolata in una bolla trasparente. Poco più in alto, un giovane abbraccia un enorme gufo, a destra della bolla al centro della pozza, nell'acqua, un altro uomo sta sulla sua testa, gambe divaricate, tra le quali gli uccelli hanno costruito un nido. Non lontano da lui, un giovane, sporgendosi con la sua amata da una rosa mela cava, dà da mangiare un mostruoso grappolo d'uva a persone che si trovano nell'acqua fino al collo. Questo è il "Giardino delle delizie terrene", uno dei dipinti più famosi di Hieronymus Bosch.
Il suo trittico "Il giardino delle delizie", o "Il giardino delle delizie" (è spesso chiamato l'opera più "Bosch"), Hieronymus Bosch creato nel 1503, e in esso si manifestò pienamente la sua peculiare visione del mondo. Il titolo del dipinto è dato in letteratura contemporanea, e nella seconda metà del XVI secolo, quando entrò in possesso del re Filippo II, fu chiamato "La diversità del mondo", nel XVII secolo ebbe il nome di "Vanità e gloria".
Il Paradiso è raffigurato sul lato sinistro di questo trittico, l'Inferno è raffigurato sulla destra e un'immagine dell'esistenza terrena è stata posta tra di loro.Il lato sinistro del Giardino delle Delizie raffigura la scena della Creazione di Eva, e il Paradiso stesso risplende e brilla di colori brillanti e scintillanti. Sullo sfondo di un fantastico paesaggio del Paradiso. pieno di una varietà di animali e piante, il maestro mostra l'Adamo che si risveglia Adamo, che si è appena risvegliato, si alza da terra e guarda con stupore Eva, che Dio gli mostra. Il noto storico dell'arte C. de Tolnay osserva che lo sguardo sorpreso che Adam lancia alla prima donna è già un passo sulla via del peccato. Ed Eva, estratta dalla costola di Adamo, non è solo donna, ma anche strumento di seduzione. La contraddizione tra un uomo calmo e senza peccato e una donna che porta in sé i semi del peccato si riproduce nella natura che li circonda. Una palma rachitica che cresce su una misteriosa roccia arancione è diagonalmente opposta a una palma in fiore. Diversi incidenti gettano un'ombra oscura sulla vita pacifica degli animali: un leone divora un cervo, un cinghiale insegue una bestia misteriosa. E sopra tutto si erge la Sorgente della Vita, un ibrido tra una pianta e una roccia marmorea, una svettante struttura gotica incastonata sulle pietre blu scuro di una piccola isola. In cima c'è ancora una falce di luna appena percettibile, ma già dall'interno fa capolino, come un verme, un gufo - un messaggero di sventura.
La parte centrale del trittico - lo stesso Giardino delle Delizie - raffigura un grandioso paesaggio coperto di figure nude di uomini e donne C figure umane animali di proporzioni innaturali, uccelli, pesci, farfalle, alghe, enormi fiori e frutti mescolati.Nella composizione del Giardino delle Delizie, spiccano tre piani: in primo piano sono rappresentate “varie gioie”, il secondo è occupato da una cavalcata di numerosi cavalieri che cavalcano vari animali, il terzo (il più lontano) è coronato da un cielo azzurro, dove le persone volano su pesci alati e con l'aiuto delle proprie ali Sembrerebbe che sullo sfondo di un tale paesaggio, niente può essere più casto dei giochi d'amore delle coppie umane per condurre un'analisi psicopatologica del lavoro di I. Bosch), i libri dei sogni di quel tempo rivelano il vero significato di questi piaceri terreni: ciliegie, fragole, fragole e uva, mangiate con tale gioia da parte delle persone, simboleggia la sessualità peccaminosa, priva della luce dell'amore divino; la barca di mele in cui si ritirano gli innamorati ha la forma di un seno di donna; gli uccelli diventano la personificazione della lussuria e della depravazione, il pesce è un simbolo di lussuria irrequieta, il guscio è il principio femminile.
Nella parte inferiore dell'immagine, un giovane abbracciava un'enorme fragola. Il significato di questa immagine ci diventerà chiaro se ricordiamo che nell'arte dell'Europa occidentale le fragole servivano come simbolo di purezza e verginità. La scena con un grappolo d'uva nella piscina è un sacramento, e un pellicano gigante, raccogliendo una ciliegia (simbolo di sensualità) sul suo lungo becco, stuzzica con essa le persone sedute su un bocciolo fiore fantastico Il pellicano stesso simboleggia l'amore per il prossimo. L'artista conferisce spesso ai simboli dell'arte cristiana un concreto suono sensuale, riducendoli al piano materico e corporeo.
Hieronymus Bosch crea un fantastico mondo di desideri effimeri e piaceri sensuali: l'aloe scava nella carne nuda, il corallo afferra saldamente i corpi, la conchiglia si richiude e si trasforma coppia d'amore nei loro prigionieri. Nella Torre dell'Adulterio, che sorge dal Lago della Lussuria e le cui pareti giallo-arancione luccicano come cristallo, tra le corna dormono mariti ingannati. La sfera di vetro color acciaio in cui gli innamorati si abbandonano alle carezze è sormontata da una corona a falce di luna e corna di marmo rosa. La sfera e la campana di vetro che ospita i tre peccatori illustrano il proverbio olandese. "Felicità e vetro: quanto sono di breve durata!" E sono anche simboli della natura eretica del peccato e dei pericoli che porta al mondo.
L'ala destra del trittico - l'Inferno - è oscura, cupa, inquietante, con lampi di luce separati che penetrano nell'oscurità della notte e con peccatori tormentati da qualche gigante strumenti musicali. Al centro dell'Inferno c'è un'enorme figura di Satana, questa è una sorta di "guida" attraverso l'Inferno - il "narratore" principale con un viso pallido come la morte e un sorriso ironico sulle labbra sottili. Le sue gambe sono tronchi d'albero cavi e poggiano su due navi. Il corpo di Satana è aperto guscio d'uovo, sulla tesa del suo cappello, demoni e streghe o camminano o danzano con anime peccaminose ... Oppure conducono intorno a un'enorme cornamusa (simbolo del principio maschile) persone colpevoli di un peccato contro natura. avviene la punizione dei peccati: un peccatore fu crocifisso, trafitto con le corde della sua arpa; accanto a lui, un demone dal corpo rosso dirige le prove di un'orchestra infernale da note scritte sulle natiche di un altro peccatore. Un demone siede su un seggiolone, punendo golosi e golosi. Ha messo i piedi nelle brocche di birra e una bombetta è stata messa sulla testa del suo uccello. E punisce i peccatori divorandoli.
La porta dell'Inferno rappresenta il terzo stadio della caduta, quando la terra stessa si trasformò in inferno. Gli oggetti che prima scontavano il peccato ora sono diventati strumenti di punizione. Queste chimere di cattiva coscienza hanno tutti i significati specifici dei simboli sessuali dei sogni. La lepre (nella foto supera le dimensioni di una persona) nel cristianesimo era simbolo dell'immortalità dell'anima. A Bosch suona il corno e abbassa la testa del peccatore nel fuoco infernale. Le orecchie giganti servono come presagio di sfortuna. Un'enorme chiave, attaccata all'asta da un monaco, tradisce il desiderio di matrimonio di quest'ultimo, vietato ai membri del clero. All'interno del mostro c'è una taverna, sulla quale sventola uno stendardo: la stessa cornamusa. A una certa distanza, un uomo siede in uno stato di malinconia, chinato sul caos. Se in esso vedi le caratteristiche dello stesso Hieronymus Bosch, allora l'intero quadro potrebbe apparire davanti allo spettatore sotto una luce diversa: l'artista stesso ha inventato questo incubo, tutta questa agonia e tormento sono commessi nella sua anima. Alcuni storici dell'arte insistono su questo, ad esempio Charles de Tolnay, già citato. Tuttavia, Bosch era una persona profondamente religiosa e non poteva nemmeno pensare di mettersi all'Inferno. Molto probabilmente l'artista va cercato tra quelle immagini che portano Luce e Bontà nei suoi quadri, non per niente apparteneva alla Confraternita della Vergine.
Per i nostri contemporanei, le azioni dei personaggi de Il giardino dei piaceri sono in gran parte incomprensibili, ma per i contemporanei di Bosch (come già menzionato sopra) erano piene di profonde significato simbolico. I suoi dipinti (tra cui Il giardino delle delizie) spesso spaventano lo spettatore con la compatibilità innaturale di umano e animale, vivo e morto in un personaggio, e allo stesso tempo possono divertire. I suoi personaggi sono simili alle immagini da incubo dell'Apocalisse e allo stesso tempo agli allegri diavoli del carnevale. Tuttavia, con tutte le molte interpretazioni del significato del Giardino delle Delizie, nessuna di loro può
coprire completamente tutte le immagini dell'immagine.
Questa pala d'altare è l'ultima delle maggiori opere di Raffaello sul suo soggetto preferito. Anche in primo periodo creatività, si è rivolto all'immagine della Madonna col Bambino, cercando ogni volta un nuovo approccio. La natura predominante del genio di Raffaello si esprimeva nel desiderio di una divinità, per la trasformazione del terreno, umano nell'eterno, divino.
Sembra che il sipario si sia appena aperto e una visione celeste si sia aperta agli occhi dei credenti: la Vergine Maria che cammina su una nuvola con Gesù bambino tra le braccia. La Madonna si tiene aggrappata fiduciosamente al suo Gesù in modo materno, attento e premuroso. Il genio di Raffaello sembrava aver racchiuso il divino bambino in un cerchio magico formato dalla mano sinistra della Madonna, dal suo velo cadente e dalla mano destra di Gesù. Il suo sguardo, diretto attraverso lo spettatore, è pieno di inquietante lungimiranza. tragico destino figlio. Il volto della Madonna è l'incarnazione dell'antico ideale di bellezza unito alla spiritualità dell'ideale cristiano.
Papa Sisto II, che accettò martirio nel 258 d.C e annoverato tra i santi, chiede intercessione a Maria per quanti la pregano davanti all'altare. La posa di Santa Barbara, il volto e gli occhi bassi esprimono umiltà e riverenza. Nelle profondità del quadro, sullo sfondo, appena distinguibili in una foschia dorata, si intuiscono vagamente i volti degli angeli, esaltando l'atmosfera sublime generale. Gli occhi ei gesti dei due angeli in primo piano sono rivolti verso la Madonna. La presenza di questi ragazzi alati, che ricordano più amorini mitologici, conferisce alla tela un calore e un'umanità speciali.
La "Madonna Sistina" fu commissionata da Raffaello nel 1512 come pala d'altare per la cappella del monastero di San Sisto a Piacenza. Papa Giulio II, a quel tempo ancora cardinale, raccolse fondi per la costruzione di una cappella dove erano custodite le reliquie di San Sisto e Santa Barbara.
In Russia, soprattutto nella prima metà del XIX secolo, la "Madonna Sistina" di Raffaello era molto venerata, a lei sono dedicati versi entusiasti di scrittori e critici così diversi come V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev. Belinsky scrisse da Dresda a V.P. Botkin, condividendo con lui le sue impressioni sulla “Madonna Sistina”: “Che nobiltà, che grazia del pennello! Non puoi guardare! Involontariamente ho ricordato Pushkin: la stessa nobiltà, la stessa grazia di espressione, con la stessa severità di contorni! Non c'è da stupirsi che Pushkin amasse così tanto Raffaello: gli è affine per natura. Due grandi scrittori russi, L. N. Tolstoy e F. M. Dostoevskij, avevano nei loro uffici riproduzioni della Madonna Sistina. La moglie di F. M. Dostoevskij ha scritto nel suo diario: "Fyodor Mikhailovich ha messo le opere di Raffaello sopra ogni altra cosa nella pittura e ha riconosciuto la Madonna Sistina come la sua opera più alta".
Carlo Maratti espresse così la sua sorpresa nei confronti di Raffaello: “Se mi mostrassero un quadro di Raffaello e non saprei nulla di lui, se mi dicessero che questa è stata la creazione di un angelo, ci crederei”.
La grande mente di Goethe non solo apprezzava Raffaello, ma trovava anche un'espressione appropriata per la sua valutazione: "Ha sempre creato ciò che gli altri sognavano solo di creare".
Questo è vero, perché Raffaello incarnava nelle sue opere non solo il desiderio di un ideale, ma proprio l'ideale a disposizione di un mortale.
Dal libro "100 Great Pictures" di Ionina N.A.:
Augsburg, dove a quel tempo si riunivano l'intera corte spagnola e molti principi tedeschi. Ad Augusta, Tiziano dipinse un enorme ritratto equestre di Carlo V la mattina prima della battaglia in cui il monarca ottenne una delle sue vittorie più brillanti. Questo ritratto colpì i contemporanei di Tiziano per la sua inaspettata: era strano vedere l'imperatore - un sottile diplomatico da poltrona e malinconico - nelle sembianze di un cavaliere e di un eroe con una lancia in mano, con la visiera alzata, galoppare solitario tra i campi . Ma tale era la volontà del monarca.
Nella battaglia di Mühlberg, questo fanatico del cattolicesimo sembrava essere guidato da una sorta di estasi: non guidava la battaglia da lontano, seduto su una barella sotto la protezione delle fortificazioni. Si precipitò davanti alle sue truppe per attaccare e attraversò persino il pericoloso guado dell'Elba, trascinando con sé i suoi colonnelli. Questo giorno memorabile e l'unico atto eroico imperatore e avrebbe dovuto perpetuare Tiziano. Il ritratto non raffigura il cupo, silenzioso e malato Carlo V, come si dice di lui nelle narrazioni dei suoi contemporanei. Questo non è Karl, che è stato raffigurato dallo stesso Tiziano in un ritratto ora nella Pinakothek di Monaco. Questa non è una miserabile rovina, non un astuto furbo, non un triste "sovrano dell'universo", non il figlio della pazza Giovanna e del magnifico Filippo ... Questo è il nipote dell '"ultimo cavaliere" - Massimiliano, e quindi Tiziano raffigurato nel ritratto un lampo separato, e non un intero carattere psicologico.
Era sorprendente e la più audace di tutte le opere di Tiziano. Nella nebbia rossastra di un mattino di primavera, solo su una vasta pianura che si estende fino alle colline dell'Elba, l'imperatore, vestito di acciaio cesellato e dorato, con un blocco rialzato sopra un volto pallido e determinato, galoppa fuori dalla foresta con un lancia rivolta in avanti. Com'è impressionante e maestoso il cavaliere! Ma com'è terribilmente solo in questo campo. E dove si è precipitato su un bellissimo cavallo rampante. Comandare i popoli, punire i recalcitranti con il fuoco e la spada, abbattere armate di truppe sui nemici, un uomo il cui gesto anche pigro potrebbe elevare o distruggere: è raffigurato nel ritratto stanco e solo.
Lo spettatore guarda il suo caratteristico volto volitivo con un mento nettamente sporgente, e improvvisamente distingue chiaramente nello sguardo dell'imperatore una tristezza diffusa, una sorta di stanchezza interiore, che si trasmettono a tutta la sua figura e sembrano anche nella corsa misurata di un cavallo. Il suo aspetto impressiona spirito maligno, e una visione che ti sorprende e ti spaventa. Anche i colori del ritratto contengono qualcosa di sinistro, di militante. Nel volto di Carlo V si vede qualcosa di terribile, di “fantasma”: uno sul campo, uno nel mondo, uno con l'anima spezzata. È così che Tiziano comprendeva e rappresentava l'imperatore. Forse lui stesso non si era ancora reso conto della sua grande fatica e l'artista gli ha mostrato la propria anima, senza abbellimenti.
Tiziano in questo ritratto non ha lasciato dispiegare la sua passione, la sua portata di solennità, ma si è incatenato entro i confini delle esigenze del committente, trattando l'incarico con una rara freddezza per se stesso. Forse è per questo che alcuni ricercatori notano sia nel ritratto che nella posa dell'imperatore una certa innaturalità, come sui manichini nell'arsenale di vecchie armi. Ma la penetrazione psicologica di Tiziano ha raggiunto il suo limite massimo in questo ritratto. Per fiducia tecniche artistiche questo ritratto è sorprendente, nell'espressione del carattere e dello spirito dell'epoca - niente può essere paragonato ad esso. Sembra che Clio stessa, la musa della Storia, guidasse la mano dell'artista in quei giorni.
Perseo - nella mitologia greca, il figlio di Danae, che soffrì di Giove quando si trasformò in un flusso di pioggia dorata. Le sue gesta eroiche includevano la decapitazione di Medusa, una delle Gorgoni dai capelli di serpente, e il salvataggio della bellissima Andromeda da un mostro marino. ultimo argomento- una leggenda comune non nativa. Perseo è raffigurato come un tipico eroe dell'antichità classica o come un guerriero in armatura. Impugna una spada arrotondata - dono di Mercurio - e uno scudo lucente donatogli da Minerva, sua protettrice.
Ovidio, nelle Metamorfosi, racconta come Andromeda, figlia del re etiope, fu incatenata a uno scoglio sulla riva come sacrificio mostro marino. Perseo, volando nel cielo, si innamorò di lei a prima vista. Si precipitò appena in tempo, uccise il mostro e liberò Andromeda. L'immagine "Perseo e Andromeda" Rubens ha creato in un momento in cui il suo lavoro era particolarmente emozionante e allegro. Per la perfezione della pittura e l'elevata abilità dell'esecuzione, quest'opera è uno dei capolavori dell'artista. E qui, per Rubens, rimane la cosa principale per cui è nata una persona: lotta, vittoria e amore.
Rubens non era interessato all'impresa stessa di Perseo, non alla lotta e alla resistenza, ma al giubilo per la vittoria già compiuta, quando dalla riva si udivano grida gioiose e tutti lodavano il potente eroe. In questa immagine, Perseo appare come un trionfante, la dea alata Victoria (Gloria) con un ramo di palma e una corona d'alloro tra le mani incorona il vincitore. L'apoteosi di Perseo diventa il trionfo della vita, non più oscurata da nulla, bella e gioiosa. E Rubens risolve questo compito artistico con una tale completezza, con un potere così accattivante, che fino ad ora non aveva quasi mai incontrato. L'intensa dinamica interna di ogni linea, ogni forma, il loro ritmo crescente raggiungono qui un'espressività eccezionale. Una forza irresistibile, irrompendo come un turbine, da qualche parte all'esterno, dà all'intera composizione e ai movimenti vorticosi, come in un vortice, un'unica direzione.
SM Sandomirsky
Robert Wallace nel libro Mondo di Leonardo, M., 1997 scrive: “Dei due problemi che gli autori dell'Ultima Cena hanno affrontato per secoli, Leonardo ha risolto con la massima facilità il problema dell'identificazione di Giuda. Ha messo Giuda dalla stessa parte del tavolo con tutti gli altri, ma lo ha separato psicologicamente dagli altri con una solitudine che è molto più schiacciante della mera separazione fisica. Cupo e concentrato, Giuda si ritrasse da Cristo. Su di esso, per così dire, un secolare sigillo di colpa e solitudine.
Giuda siede con tutti, come un apostolo nella fila degli apostoli. Cristo è solo, per questo è triste, ma chi è meno solo è Giuda. Da qui la sua forza sicura. E non è colpevole, perché la conversazione nella foto non riguarda il tradimento, ma il salvataggio delle anime delle persone che sono meno preoccupate per questo.
Considera gli apostoli, anche se dopo quanto detto non decidono più nulla.
12 11 10 9 8 7 Cristo 1 2 3 4 5 6
Bartolomeo Giovanni Tommaso Filippo Matteo
Pietro Giacobbe Simeone
Giuda
1.Foma sulla soglia su uno sfondo chiaro. La mano destra è compressa, l'indice è alzato: "Dio non permetterà un tale crimine".
2. Giacobbe guarda con orrore il sangue della nuova alleanza che sgorga dal suo polso. Le braccia e le mani largamente aperte trattengono le parole di Cristo e cercano di proteggere coloro che stanno dietro di lui.
3. Philip si preme le dita sul petto e di fronte a una supplica: "Fidati di me, è impossibile da parte mia".
4. Entrambe le mani accettano le parole di Cristo e con uno sguardo chiedono al 6°: "È possibile quello che dice".
5. Simeone accetta le parole di Cristo con la mano destra e chiede il 6.
6. Matteo, entrambi i palmi sono rivolti a Cristo, - ricambia le sue parole: "È impossibile!"
7. Giovanni. Le dita sono giunte e giacciono sul tavolo, mostrando angoscia, debolezza. Virò bruscamente a sinistra, gli occhi chiusi. La testa poggia impotente sulla spalla.
8. Pietro. La mano sinistra riceve le parole di Cristo e rassicura il 7°. Nella sua mano destra c'è un coltello: è pronto a uccidere il traditore.
9. Giuda: stabile bassa forza, ipocrisia, determinazione, energia.
10. Palmi alzati all'altezza del petto: "Chi è il traditore?" Il suo sguardo fissò il coltello.
11. Mano destra sulla spalla del 10: è d'accordo con lui. Accetta le parole di Cristo.
12. Bartolomeo si alzò risolutamente ed è pronto ad agire.
In generale, il giusto gruppo di apostoli non ammette il tradimento; quello di sinistra ammette tale possibilità ed è determinato a punire il traditore.
In quanto Giovanni ondeggiava a sinistra, liberando completamente la finestra - la luce della verità di Cristo, e Tommaso, essendo nella finestra al livello di Cristo, ma affidandosi non a se stesso, ma a Dio; come il 2 ° apostolo fu gettato a destra, come il resto dei discepoli fu confuso, confuso, meschino, tradisce il pensiero di Leonardo da Vinci che le idee di sacrificio e salvezza, i comandamenti del nuovo testamento di Cristo di gli apostoli - questi deboli - non saranno eseguiti e il suo sacrificio sarà vano. Questa è la ragione dello sconforto di Cristo. Inoltre, l'artista stesso rende omaggio all'alta aspirazione e al sacrificio del Dio terreno.
Ogni anno centinaia di dipinti vengono venduti a collezioni private. I collezionisti spendono milioni di dollari da aggiungere alle loro collezioni private. Non sempre il massimo dipinti famosi- i dipinti più costosi. I dipinti più famosi del mondo appartengono a musei di fama mondiale e, nel senso letterale della parola, non hanno prezzo. Diamo un'occhiata a diversi musei in tutto il mondo e guardiamo queste famose opere.
"Nascita di Venere"
Questo dipinto è stato dipinto dal grande artista fiorentino Sandro Botticelli nel 1485-1487. Raffigura la dea Venere (nella mitologia greca - Afrodite), che emerge dalla schiuma del mare. Oggi questo dipinto è esposto nel Museo degli Uffizi di Firenze.
"Ninfee"
Per 43 anni della sua vita, Monet ha vissuto a Giverny (una piccola città a 80 km da Parigi), ha affittato una casa da un proprietario terriero normanno e ha acquistato un appezzamento di terreno vicino su cui si trovava uno stagno. Successivamente, in questo sito, l'artista ha allestito due giardini, uno dei quali era sull'acqua. motivi giardino acquatico occupano un posto significativo nel lavoro dell'artista. Le opere di questa serie sono sparse nei musei di tutto il mondo, tuttavia un discreto gruppo di opere è presentato al Metropolitan Museum of Art di New York. Uno dei quadri più famosi al mondo.
"La guardia notturna"
Completato nel 1642, al culmine dell'età dell'oro olandese, The Night Watch è uno dei dipinti più famosi del pittore olandese Rembrandt van Rijn. Il dipinto mostra l'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenbürg. Il dipinto è esposto al Rijksmuseum di Amsterdam.
"Grido"
Questo dipinto fa parte di una serie di opere dell'artista espressionista norvegese Edvard Munch. Il dipinto raffigura una figura sofferente contro un cielo rosso sangue. Edvard Munch ha creato diverse varianti di The Scream. L'immagine presentata è stata dipinta nel 1893 ed era dentro galleria Nazionale Norvegia. Tuttavia, nel 1994 l'opera fu rubata, ma pochi mesi dopo fu ritrovata e restituita al museo.
"Ragazza con l'orecchino di perla"
A volte questa immagine si chiama "Dutch Mona Lisa". "La ragazza con l'orecchino di perla" fu dipinta intorno al 1665 dall'artista olandese Jan Vermeer.
Leggi anche i dipinti più costosi del mondo in una selezione speciale.
"Guernico"
"Guernica" è uno dei dipinti più famosi di Pablo Picasso, che mostra la tragedia della guerra, la sofferenza che provoca alle persone, soprattutto civili innocenti. L'obiettivo principale di Picasso, durante la creazione di quest'opera, era attirare l'attenzione della comunità mondiale sul bombardamento della città basca di Guernica. Il dipinto fu completato nel 1937. Guernica è ora in mostra al Museo Reina Sofia di Madrid.
"La creazione di Adamo"
Il soffitto della Cappella Sistina, dipinto da Michelangelo tra il 1508 e il 1512, è uno dei più opere famose Alto Rinascimento. La Creazione di Adamo è uno dei dipinti più famosi di tutti i tempi. Anche quest'opera è stata oggetto di innumerevoli riferimenti e parodie. Leggi altre opere più famose di Michelangelo in una selezione separata.
"L'ultima Cena"
L'Ultima Cena è stata dipinta dall'artista italiano Leonardo da Vinci. Il dipinto è dipinto sulla parete di fondo della sala da pranzo del convento di Santa Maria delle Grazie a Milano. Il dipinto raffigura una scena in cui Gesù annuncia che uno dei suoi dodici apostoli lo tradirà. Leonardo iniziò a lavorare all'Ultima Cena nel 1495 e lo completò nel 1498, anche se non lavorò sempre al dipinto.
« Notte stellata»
La notte stellata è stata dipinta dall'artista olandese Vincent van Gogh. Nonostante in tutta la sua vita l'artista abbia venduto solo una delle sue opere, il suo campo attività creativa molto ricco. Starry Night è uno dei suoi più opere famose. Raffigura il villaggio di Saint-Remy. Dal 1941 il dipinto si trova al Museum of Modern Art di New York.
"Monna Lisa"
Il dipinto più famoso del mondo è ancora considerato la Gioconda, che fu dipinta da Leonardo da Vinci durante il Rinascimento a Firenze. Iniziò a dipingere questo capolavoro nel 1503 (1504) e lo completò poco prima della sua morte nel 1519. Nel 1911, la Gioconda fu rubata dall'impiegato del Louvre Vincenzo Perugio, un patriota italiano che credeva che la Gioconda dovesse essere restituita all'Italia. Dopo aver tenuto per 2 anni il dipinto in casa, Perugio fu colto mentre tentava di venderlo al direttore della Galleria degli Uffizi di Firenze. Oggi la Gioconda è di nuovo appesa al Louvre di Parigi, dove ogni anno 6 milioni di persone vedono il dipinto.
giovedì 08 dicembre 2016 11:56 + al preventivo pad
quotidiano britannico The Times classificato I 200 migliori artisti vissuto dall'inizio del XX secolo ai giorni nostri.
Di conseguenza, secondo i lettori britannici, primo posto occupato dal grande artista spagnolo Pablo Picasso.
Secondo posto dato al post-impressionista Paolo Cézanne, il terzo - il fondatore dell'Art Nouveau austriaco Gustav Klimt. L'ultima riga è occupata da un artista giapponese contemporaneo Hiroshi Sujimoto.
Gli artisti francesi compaiono nella top ten Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp E Artista americano Jackson Pollock.
Chiude la top ten la leggenda della pop art Andy Warhole, rappresentante dell'astrattismo Willem de Kooning e famoso modernista Piet Mondrian.
Impossibile non notare la sopravvalutazione del rating di alcuni artisti e l'ignoranza di altri, non meno talentuosi. I redattori di The Times, riassumendo i risultati del sondaggio, sono perplessi: “Cosa fa Martin Kippenberger tra i primi 20? Perché ha un punteggio più alto di Rothko, Schiele e Klee? Munch (46esimo) è peggio di Frida Kahlo? Molto probabilmente, ciò è dovuto al desiderio delle donne di posizionare il gentil sesso il più in alto possibile nella classifica.
Da artisti russi compaiono in classifica Basilico Kandinsky(15°), creatore del Quadrato Nero " Casimiro Malevich(17). Il 95° ha segnato l'artista ucraino-americano Alexander Archipenko. 135 - uno dei fondatori del costruttivismo Alexander Rodchenko. Incluso anche nell'elenco Marco Chagall-71 e Vladimir Tatlin- 145esimo.
Qui 20 migliori artisti del XX secolo, secondo gli amanti dell'arte britannici
Venti migliori artisti del XX e dell'inizio del XXI secolo
1.Pablo Picasso
2. Paolo Cézanne
3.Gustav Klimt
4. Claude Monet
5. Marcello Duchamp
6. Henri Matisse
7.Jackson Pollock
8.Andy Warhol
9. Willem de Kooning
10. Piet Mondrian
11.Paolo Gauguin
12. Francesco Bacone
13. Robert Rauschenberg
14. Giorgio Braque
15. Vasilij Kandinskij
16. Costantino Brancusi
17. Kazimir Malevich
18. Jasper John
19. Frida Khalo
20.Martin Kippenberger
………………
Sì, se un simile sondaggio fosse condotto nel nostro paese, l'elenco sarebbe completamente diverso. Così come le liste dei migliori Lavori letterari- in ogni paese differiscono in modo significativo.
Ma finora abbiamo solo questo elenco, in cui non conosciamo molti artisti.
Pertanto, ecco una breve storia sui primi venti artisti.
Un elenco completo 200 migliori artisti del XX e dell'inizio del XXI secolo- alla fine del post.
...................
1.Pablo Picasso- Artista spagnolo, grafico
8.Andy Warhol(vero nome - Andrea Warola, Rusyn. Andrij Vargola; 1928-1987) è un artista e produttore americano, personaggio di rilievo nella storia della pop art e dell'arte moderna in generale. Fondatore dell'ideologia "homo universale".
Warhol ha creato diversi dipinti che sono diventati una sensazione nel mondo dell'arte. Nel 1960 crea disegni per lattine di Coca-Cola, che lo portano alla fama di artista con una straordinaria visione dell'arte. E nel 1960-1962 apparve un ciclo di opere raffiguranti lattine di zuppa Campbell. 
Warhol uno dei primi ad utilizzare la serigrafia e la serigrafia come metodo per creare dipinti.
Warhol ha creato una serie di dipinti raffiguranti idoli società moderna. Tra le stelle che Andy ha dipinto: ricorrenti Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin e altri. Questi disegni dai colori vivaci divennero il marchio di fabbrica di Warhol. ricreando l'atmosfera dell'America degli anni '60. 
Secondo i critici, questi dipinti riflettevano la volgarità della cultura del consumo di massa, la mentalità della civiltà occidentale. Warhol è considerato tra i rappresentanti della pop art e dell'arte concettuale, come Robert Rauschenberg, Jasper Johns e Roy Lichtenstein, e attualmente i prezzi dei suoi quadri raggiungono decine di milioni di dollari. Un'intera sottocultura si è raccolta attorno alla figura di Warhol.
Nel 2015, il dipinto è stato venduto alla Qatari Museum Authority per 300 milioni di dollari. 287\237\225
12. Francesco Bacone-(1909-1992) - artista inglese- espressionista. La pittura di Bacon è sempre espressiva, è una sorta di grido che trasmette la tragedia dell'esistenza. Il tema principale del suo lavoro è il corpo umano - distorto, allungato, racchiuso figure geometriche. Diverse opere sono incluse nell'elenco dei dipinti più costosi.
Il 14 maggio 2008, il trittico Landmark of the Canonical 20th Century di Francis Bacon del 1976 è stato venduto da Sotheby's per 86,3 milioni di dollari. Venduto dalla famiglia Muy, proprietaria della produzione di vino Château Pétrus, al miliardario russo Roman Abramovich. E il pittore ha ricevuto il titolo di più costoso artista del dopoguerra ed è arrivato al terzo posto nella top ten degli artisti più costosi del mondo in generale, secondo solo a Picasso e Klimt. 180\122\96
13. Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) è un artista americano. Rappresentante dell'espressionismo astratto, e poi dell'arte concettuale e della pop art, nelle sue opere gravitava verso la tecnica del collage e del readymade, spazzatura usata.
Come altri rappresentanti della pop art, ha cercato di esprimere la sua visione del mondo in forme insolite e scioccanti. Per questo sono state utilizzate tele, collage, installazioni.
All'inizio degli anni '50, Rauschenberg ha attraversato tre fasi della creazione di dipinti:
"Pittura bianca": i numeri neri e alcuni simboli sono raffigurati su uno sfondo bianco.
"Pittura nera": ritagli di giornali sono stati incollati sulla tela e tutto questo è stato ricoperto di smalto nero.
"Pittura rossa" - tele astratte nei toni del rosso, in parte con adesivi di giornali, chiodi, fotografie, ecc.
Nel 1953 Rauschenberg cancellò un disegno di Willem de Kooning e lo espose con il titolo "Erased De Kooning Drawing", sollevando la questione della natura dell'arte. 
Dalla metà degli anni '50, Rauschenberg crea oggetti spaziali che chiama "dipinti combinati", ad esempio:
"Odalisque" (cuscino in raso, pollo imbottito, fotografie e riproduzioni)
"Letto" - un letto cosparso di vernice e posizionato verticalmente ... 
Alla fine degli anni '50, padroneggia la tecnica del frottage (sfregamento introdotto nell'arte da Max Ernst) per trasferire su carta fotografie di riviste. Rauschenberg se ne servì per creare un ciclo grafico di 34 illustrazioni per l'Inferno di Dante in stile pop art. Nel 1962 padroneggia la tecnica della serigrafia e vi realizza numerose opere di grandi dimensioni. Uno dei dipinti di questa serie via per il paradiso» ( via del cielo, 1964). Su di esso, i simboli della cultura pop (ad esempio, gli astronauti americani) convivono con le immagini di Rubens.
Rauschenberg è titolare di numerosi premi, tra cui: il premio principale alla Biennale di Venezia, il Grammy, la US National Medal, il Premio Imperiale del Giappone e altri.
Negli anni '60 e '70, Rauschenberg è stato coinvolto nel campo della performance, degli happening e di altre azioni teatrali.
1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cézanne 21098
3Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7Jackson Pollock 17051
8 Andy Wharol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11Paul Gauguin 17027
12 Francesco Bacone 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 George Braque 16788
15 Vasilij Kandinskij 16055
16 Costantino Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Frida Khalo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Egon Schiele
23 Donald Judd
24Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dalì
27 August Rodin
28 Mark Rothko
29 Edward Hopper
30 LucianoFreud
31 Riccardo Serra
32 René Magritte
33 David Hockney
34 Filippo Gastone
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pietro Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38 Massimo Ernesto
39 Diana Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42 Max Beckmann
43 Barnet Newmann
44Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Edward Munch
47 Pierre August Renoir
48 Uomini Ray
49 Henry Moore
50 Cindy Sherman
51 Jeff Koons
52 Tracey Emin
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Enrico Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorki
58 Amedeo Modigliani
59 Umberto Boccioni
60 Jean Dubuffet
61 Eva Hesse
62 Edoardo Villard
63 Carlo André
64 Juan Gris
65 LucioFontana
66 Franz Kline
67 Davide Smith
68Joseph Beuys
69 Alexander Calder
70 Luisa Borghese
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Mirò
75 Ernest Ludwig Kirchner
76 Franco Stella
77 Georg Baselitz
78 Francesco Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavino
81 Alfred Stiglitz
82 Anselmo Kiefer
83 Matteo Burney
84 George Gros
85 Bernd e Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Bryce Marden
88 Maurizio Catellano
89 Saul Levitt
90 Chuck Chiudi 2915
91 Edward Weston
92 Giuseppe Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Aleksandr Archipenko
96 Antonio Caro
97RichardHamilton
98 Clifford ancora
99 Luc Tuymans
Classe 100 Oldenburg
101 Edoardo Luigi Paolozzi
102 Frank Auerbach
103 dinosauri e Jake Chapman
104 Marlene Dumas
105 Antona Tapies
106Giorgio Morandi
107 Walker Evans
108 Nan Goldin
109 Roberto Frank
110 George Rouault
111 Arp Hans
112 agosto Mittente
113 James Rosenquist
114 Andrea Gursky
115 Eugenio Atget
116 Jeff parete
117 Ellsworth Kelly
118 Bill Brandt
119 Christo e Jean Claude
120Howard Hodgkin
121 Giuseppe Albers
122PieroManzoni
123 Agnese Martin
124 Anish Kapoor
125 LS Lowry
126 Robert Motherwell
127Robert Delaunay
128Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert e Giorgio 2729
131 Stanley Spencer
132 James Ensore
133 Fernard Ledger
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Alexander Rodchenko
136 Roberto Ryman
137 Ed Reinhard
138HansBelmer
139 Isa Genzken
140 Kee van Dongen
141 Weegee
142 Paola Rego
143 Thomas Hart Benton
144Hans Hoffmann
145 Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147George Segal
148 Jörg Imendorff
149 Roberto Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed e Nancy Kienholz
152 Riccardo Principe
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Staël 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Félix Gonzalez-Torres 2228
160Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162Anthony Gormley2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paolo Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Roberto Gobert 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Laszló Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Yannis Kounellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fischli & Weiss 2203
188 Augusto Giovanni 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203 valutazioni
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