Il giardino d'acqua di Claude Monet al dipinto di Giverny. Apri il menu a sinistra di Giverny

Abbiamo ammirato le vedute che ha cantato. Con riverenza guardò la cattedrale di Rouen. Non potevamo fermarci a Giverny, dove il maestro ha vissuto per 43 anni, esattamente la metà della sua vita. La seconda metà - nato nel 1840, morto nel 1926, stabilendosi a Giverny nel 1883.
Tutta la natura si è rallegrata con noi quel giorno: dopo le giornate grigie e nuvolose in Normandia, il sole ha inondato generosamente l'intera area, come se ricordasse quali scherzi ha giocato con l'artista, lasciandogli non più di 40 minuti per lavorare su una delle serie di dipinti. Le leggi della circolazione terrestre attorno alla stella hanno cambiato l'illuminazione dopo un periodo di tempo così breve che Monet ha dovuto spostarsi da una tela all'altra, cambiando ogni volta i colori.

Per raggiungere la casa del maestro bisogna attraversare il villaggio di Giverny. Prima di tutto, un ammiratore del talento di Monet si ritrova in un vasto giardino. Fu distrutto molti anni dopo la morte del maestro, quando fu aperto un museo a Giverny. C'era una volta qui solo un prato, da esso è stata conservata una piccola area. Con quei famosissimi pagliai. Questa è la prima cosa che abbiamo visto a Giverny.

Claude Monet "Pagliaio a Giverny"

Il giardino di Giverny è suddiviso in piccole sezioni, separate l'una dall'altra da boschetti o siepi.

Le piante in ciascuno dei reparti sono selezionate tematicamente: sono in armonia tra loro sia nell'aroma che nel colore. Ci sono rami con rose, in altri si raccolgono solo fiori bianchi.

O solo blu, o solo rosso. Tutte le piante sono raggruppate in base alle stagioni. Sono cambiati a seconda dei tempi di fioritura, quindi con inizio primavera Prima tardo autunno il giardino è fiorito e profumato.

Giverny è letteralmente immersa nel verde. Camminando verso la casa-museo di Monet, ti sintonizzi involontariamente sull'ondata di unità con la natura, che il grande impressionista espresse con tutta la forza del suo talento.

Una fila impressionante alla cassa è scomparsa in pochi minuti: i gruppi organizzati hanno il loro ingresso e non ce n'erano molti "selvaggi" come noi.

Avvicinandosi alla casa, si vede innanzitutto un mare policromo di fiori su fondo verde. Vuole nuotare e fare il bagno, inalare, assorbire, assorbire, attirare la grazia della Terra. Congeli con ammirazione che tutta la varietà della flora sia collocata e collocata in un modo rigorosamente definito. È soggetto alla logica artistica dello stesso Claude Monet: sì, è proprio così che dovrebbe apparire il suo giardino e nient'altro, è vero ed è molto bello!

In un primo momento, la stessa casa padronale viene percepita come parte integrante del giardino, che vive di cicli naturali.

Ho tanta voglia di fare il pieno, “nuota fino a diventare blu in faccia” nel giardino di Monet, ma devo andare alla casa-museo - domenica mattina, a meno di 100 km da Parigi e presto potrebbe esserci una vera “ dimostrazione". Abbiamo qualche minuto per guardare la casa in cui l'artista ha trascorso tanti anni con la sua seconda moglie Alice e i figli - i figli suoi e di Camille, e i figli di Alice Oshede dal loro primo matrimonio, non hanno avuto figli congiunti, ma lì era un'unione familiare dei loro figli: il figlio maggiore dell'artista, Jean Monnet, sposò la figlia di Alice Blanche Hoschede.

Casa Museo Claude Monet

Curiosamente, questa casa era il secondo edificio rosa con persiane verdi in cui viveva Monet, il primo era ad Argenteuil (Argenteuil). Divenne un'altra residenza del padrone, dove il giardino era separato dalla casa da una ferrovia, la stessa era a Vetheuil. Il primo ministro francese Georges Clemenceau una volta ha osservato: "Ha persino una ferrovia nel suo giardino!"

All'inizio, la famiglia ha semplicemente affittato questa casa adatta a Giverny. Quando Claude (voglio davvero mettere un secondo nome 🙂) Monet l'ha acquistata, la casa sembrava diversa. La tenuta era chiamata in modo piuttosto interessante: "la casa della pressa per mele". Nelle vicinanze c'era una pressa per mele. Secondo il suo gusto, il maestro ha ampliato la casa in entrambe le direzioni, adattandola alle esigenze grande famiglia e per le tue esigenze professionali. Un piccolo fienile nelle vicinanze era collegato alla casa e divenne il primo studio dell'artista. E sebbene Monet abbia lavorato principalmente all'aria aperta, ha completato le tele in studio e le ha persino conservate. Sopra questo studio c'era la sua stanza. Il maestro occupava completamente l'intera metà sinistra della casa: qui poteva lavorare, rilassarsi, ricevere ospiti.

Una stretta terrazza si estende lungo l'intera facciata. Ora puoi entrare in casa dall'ingresso principale, proprio come ai tempi di Monet. Era usato da tutte le famiglie, amici e ospiti.

Ci sono altre due porte laterali, anch'esse si affacciano sul giardino. Se voleva entrare subito nel suo laboratorio, entrava in casa dalla porta a sinistra. La porta di destra era destinata alla servitù, conduce direttamente alla cucina.

La facciata della casa di Claude Monet è molto semplice, ma la vista inganna! Come spesso accade, dietro un'elegante facciata si nasconde un ambiente molto mediocre con una biblioteca abbandonata, miseri copriletti e quadri che non toccano l'anima. Questo non ha niente a che fare con la casa di Monet! Qui, al contrario, dietro l'aspetto modesto della casa, si rivela un'atmosfera sorprendente, difficilmente si può immaginare qualcosa di più affascinante. Saliamo le scale e mi sento togliere il fiato dall'opportunità di toccare un altro mondo: il mondo del colore e l'atmosfera invitante del semplice comfort. La sala da pranzo, il soggiorno blu ti portano in Inghilterra, poi improvvisamente senti tratti puramente francesi e il vero Giappone regna intorno a te! Questa non può che essere la casa di un artista! Alice ha portato note classiche nell'atmosfera, ma i colori sono merito di Claude Monet, la sua parola era sempre l'ultima e decisiva. A volte, quando il padrone partiva alla ricerca di nuove specie, Alice gli scriveva che aveva cambiato qualcosa nella sua camera da letto ed era molto soddisfatta del risultato. La risposta del marito era sempre piuttosto fredda: "Aspetta che torno, bisogna vedere cosa è successo".

Inizia la visita domiciliare soggiorno blu. Ai vecchi tempi, era chiamato il salotto viola (malva) o il salone blu. Il colore blu della stanza è stato scelto dal maestro stesso. L'impressionista ha aggiunto la sua composizione ai classici colori blu, per questo ha un fascino speciale. Il maestro ha scelto il colore non solo nel soggiorno di Alice, ma anche in tutte le stanze della casa.

L'interno della stanza è progettato nello stile francese del XVIII secolo. Il soggiorno è di piccole dimensioni ed era destinato alla padrona di casa, Alice. Di solito passava del tempo qui a ricamare, le piaceva sedersi con i bambini. Ma a volte capitava che numerosi ospiti si affollassero proprio nel salone azzurro. Questo accadeva quando Monet lavorava nel suo studio o meditava in camera da letto, o coglieva gli ultimi raggi del sole al tramonto, lavorando all'aria aperta. Qui gli ospiti aspettavano l'ospite, chiacchieravano, bevevano il tè. In umido giornate autunnali l'acqua per il tè veniva riscaldata in un grande samovar.

Alice riposava spesso qui con gli occhi chiusi. Quando Claude Monet partiva per gli schizzi, nelle lettere alla moglie diceva spesso che stava aspettando, non vedeva l'ora di poter finalmente disimballare le sue nuove tele ed esaminarle con sua moglie. Il blu brillante e saturo delle pareti e dei mobili è sorprendentemente combinato con le stampe giapponesi. La maggior parte delle incisioni della significativa collezione del maestro erano appese qui.

Stampe giapponesi nella casa di Monet.

Le tradizionali incisioni giapponesi sono stampe realizzate con assi di legno. I loro cliché furono inizialmente scolpiti su fette di legno di ciliegio o pero. Sono diventati estremamente popolari in Giappone grazie al loro prezzo relativamente basso e alla produzione di massa. Nel XIX secolo, anche l'incisione giapponese fu portata via in Europa.

Hiroshige Asakusa Rice Fields durante la Festa del Gallo

Monet li raccolse con passione per 50 anni e accumulò 231 incisioni. È generalmente accettato che il maestro abbia acquistato la prima incisione all'inizio degli anni 1870 in Olanda. Ma è anche noto che Monet aveva già visto tali disegni. Lui stesso lo ha ammesso una volta, a Le Havre, quando andava a scuola lezioni scolastiche, poi ho visto incisioni giapponesi portate dall'Oriente da navi mercantili in seguito in Germania, Olanda, Inghilterra e America. Fu allora che il futuro fondatore dell'impressionismo incontrò le prime immagini di bassa qualità, furono vendute nel negozio costiero di Le Havre, la città natale di Monet. Quale delle incisioni è apparsa per prima nella sua collezione, ora nessuno lo dirà.

Hokusai "Bel tempo con vento del sud" - una delle 36 vedute del Monte Fuji della collezione Claude Mont

Il Maestro non solo ha raccolto con cura la sua collezione, ma ha regalato volentieri immagini. Monet ne acquistava costantemente centinaia e si separava facilmente anche da molti. “Ti piacciono le stampe giapponesi? Scegline qualcuna per te!” - ogni tanto si sentiva nella casa di Monet. I figli e i figliastri del maestro hanno generosamente presentato incisioni giapponesi.

I temi dei disegni che ha raccolto corrispondevano ai diversi interessi dell'artista: natura, teatro, musica, vita rurale, botanica, entomologia, scene quotidiane. Amava vederli intorno a sé e lui stesso ha ammesso che questi disegni lo ispirano moltissimo.

Le incisioni adornano le pareti di tutte le stanze della casa Monet, si trovano anche nella stanza di passaggio, che fungeva da dispensa.

Dal soggiorno blu andiamo a dispensa. A volte è difficile capire la logica dell'organizzazione dello spazio. Perché, ad esempio, entrano nella dispensa dal soggiorno e non dalla cucina? È solo che la casa non ha un corridoio che collega tutte le stanze, ognuna di esse potrebbe essere un passaggio. Per comodità, era la dispensa a diventare il collegamento tra le altre stanze.

Nonostante questo ruolo, la dispensa è diventata una parte importante degli interni. Ciò è evidenziato da diverse incisioni sul muro. Raffigurano navi mercantili con bandiere che sventolano al vento, trasportano merci da Yokohama alle coste orientali e ritorno. In un'altra incisione, vediamo donne in kimono e crinoline presso le bancarelle di mercanti stranieri a Yokohama. Le incisioni nei toni del blu vanno d'accordo qui con l'armadio, il mobile principale.

L'armadio era chiuso a chiave, che veniva sempre custodito dalla padrona di casa. E solo lei ha scoperto le ricchezze dei paesi esotici: vaniglia Bourbon, noce moscata e chiodi di garofano di Caienna, cannella di Ceylon e pepe delle Indie orientali olandesi. Le spezie erano piuttosto rare e molto costose a quel tempo. Gli aromi del caffè giavanese e del tè di Ceylon si diffondevano dall'armadietto in stile bambù. Tè cinese dentro fine XIX secoli non sono ancora stati bevuti, è apparso in Europa solo all'inizio del XX secolo. Tutta questa ricchezza giaceva dentro barattoli di ferro, scatole, cofanetti dei migliori maestri parigini. Tenevano qui tè inglese, olio d'oliva di Aix e foie gras di. Ci sono cassetti nell'armadio e anche le serrature sono integrate in ognuna di esse.

La dispensa è una stanza fredda, non era particolarmente riscaldata in modo da poter conservare il cibo, principalmente uova e tè. Ai tempi di Monet si mangiavano molte più uova di adesso. Ci sono due scatole portaoggetti fissate al muro, possono contenere 116 pezzi. La famiglia Monet non comprava uova, aveva il proprio pollaio in cortile. Anche se né Alice né, soprattutto, Claude Monet hanno mai percepito la vita a Giverny come provinciale. Da abitanti del villaggio erano separati da un vasto giardino e da un alto recinto. Ma gradualmente hanno conosciuto diverse famiglie locali. Tuttavia, passò molto tempo prima che le loro galline iniziassero a deporre, la mucca iniziò a dare abbastanza latte e sui cespugli di ribes apparvero bacche.

Vai a Primo officina, e più tardi - Il soggiorno di Monet. Attraverso la finestra a sud, la luce scorre come un fiume nel soggiorno del padrone, e anche il bovindo rivolto a est aiuta con una buona illuminazione. Ma tale illuminazione non è affatto adatta, nella bottega dell'artista le finestre dovrebbero essere rivolte a nord! A causa del primo piano, era impossibile sistemare le finestre a nord in questa stanza, e fin dall'inizio Monet sapeva che il suo studio non sarebbe rimasto qui a lungo, avrebbe scelto una stanza migliore.

E così è successo, in seguito il suo primo laboratorio è diventato un soggiorno. Pur rimanendo una stanza per il lavoro, che si alternava a conversazioni familiari e amichevoli, qui Monet e Alice accolsero numerosi visitatori, amici, ospiti, mercanti d'arte, critici, collezionisti. Eccone due banchi- lui e Alice. Entrambi erano in corrispondenza attiva, entrambi scrivevano molto e tutti i giorni. Sotto la grande finestra c'è una segretaria cubana di mogano. Sedie, un tavolino da caffè, un tavolo da musica, una libreria in stile rinascimentale piena di libri, un divano, due vasi cinesi: tutto è stato conservato qui dai tempi di Monet. I grandi vasi erano solitamente riempiti con fiori della stessa varietà, erano collocati in tutto il soggiorno. I tappeti persiani aggiungevano un tocco di eleganza alla stanza.

Le riproduzioni dei quadri di Monet alle pareti riportano i visitatori all'epoca dell'artista, perché il maestro amava conservare tele che gli ricordassero ogni fase della sua carriera. È vero, gli originali, che in precedenza adornavano le pareti del soggiorno, sono ora esposti a Parigi, al Museo Monet Marmottan. In precedenza, c'erano opere dalle quali Monet non poteva separarsi. A volte, quadri già venduti, li riacquistava, poi li rivendeva e li scambiava o li comprava ancora.

Riuscì a malapena a sbarcare il lunario quando, per 50 franchi, si offrì di acquistare la tela “Veteuil nella nebbia”, scritta nel 1879, a Jean-Baptiste Faure. A Tom sembrava che l'immagine fosse troppo bianca, i colori fossero troppo scarsi e, in generale, era impossibile determinare cosa fosse ancora raffigurato sulla tela. Un giorno, molti anni dopo, Faure venne a Giverny e vide questo quadro sul muro in questo primissimo laboratorio del maestro e mostrò un genuino interesse per esso. Monet ha risposto all'ospite che questo dipinto non era più in vendita a nessun prezzo e ha ricordato a Faure le circostanze in cui aveva già visto Vetheuil nella nebbia. L'imbarazzato Faure ha trovato diversi buoni motivi per lasciare Giverny il prima possibile.

Qui, come altrove nella casa, è stata preservata l'atmosfera originaria e questo crea la sensazione della presenza di un maestro. È davvero invisibile qui. Sebbene invece di un maestro vivente, il suo busto di Paul Paulin sia stato installato nel primo studio. Il busto ricorda che Monet è diventato una leggenda durante la sua vita. È vero, ha dovuto aspettare il riconoscimento, è arrivato all'artista solo all'età di 50 anni.

Claude Monet nel suo primo soggiorno

Come previsto dal maestro, fu presto costruita una seconda bottega più confortevole, situata separatamente nella parte occidentale del giardino. Per fare questo, hanno dovuto abbattere gli edifici lì in piedi, e non appena Monet ha acquistato una casa rosa, ha demolito senza esitazione tutto ciò che era superfluo e alla fine è diventato proprietario di un vero laboratorio, dove tutto era predisposto per il lavoro, ce n'era abbastanza spazio e un'enorme finestra rivolta a nord! La seconda bottega divenne il santuario del maestro, dove nessuno lo disturbava durante il suo lavoro.

Non posso dire se questo laboratorio sia stato conservato, il libro non dice nulla al riguardo e non viene mostrato ai turisti.

Camera da letto K. Monet situato direttamente sopra il suo primo studio-soggiorno. Per raggiungere la camera da letto dell'artista, devi tornare di nuovo nella dispensa. Da lì sale una scala molto ripida: questa è l'unica via per il bagno del padrone. In giorni di disperazione, dubbio, cattivo umore e malattia, il maestro evitava qualsiasi società, anche quelle a lui più vicine. A volte non usciva dalla sua camera da letto per giorni, camminava su e giù per essa, non scendeva a cena e qui gli veniva portato il cibo. Il silenzio avvolgeva la casa in quei giorni. Anche nella sala da pranzo non c'erano voci se non c'era il proprietario.

Nella camera da letto troveremo un letto piuttosto semplice dove dormì l'artista e dove riposò in un Bose il 5 dicembre 1926. Le pareti della sua stanza sono bianche, ai tempi di Monet c'era ancora una segretaria dei tempi di Luigi XIV e due cassettiere. Il mobile aveva già un buon centinaio di anni durante la vita del maestro, fu realizzato alla fine del XVIII secolo.

Da ognuno di tre finestre Le camere offrono una magnifica vista sul giardino. Due di loro sono orientati a sud e uno a ovest.

Ma il tesoro principale della camera da letto di Monet erano i dipinti. La collezione occupava anche le pareti del bagno e proseguiva nella camera da letto di Alice. C'erano tre tele, 12 opere, nove tele, cinque - Berthe Morisot, diverse -, tre dipinti di Camille Pissarro, c'era Alfred Sisley, un paesaggio marino di Albert Marquet. Le collezioni sono state completate dai pastelli di Morisot, Edouard Manet, Paul Signac e persino da un paio di sculture di Auguste Rodin.

La camera da letto di Alice situato accanto alla stanza di Monet. Come era consuetudine nelle case della nobiltà dell'epoca, marito e moglie dormivano in camere separate. Si collegano attraverso la porta del bagno.

La stanza molto semplice della seconda moglie dell'artista è decorata con stampe giapponesi raffiguranti donne. Questa è una delle poche stanze della casa con le finestre che si affacciano sulla strada, cioè a nord. Nella sua stanza, puoi immaginare quanto sia stretta la casa. Dalla finestra della sua camera, Madame Monet poteva osservare i bambini che giocavano dall'altra parte della tenuta.

In cima alla scala principale c'è un piccolo ripostiglio per la lavanderia. E lungo di esso cadiamo in sala da pranzo. Forse questa è la stanza più eccitante della casa di Monet. Quante celebrità ha visto nella sua vita!

Ai tempi di Monet, un invito a cena significava che gli ospiti accettavano rigorosamente e incondizionatamente tutte le immutabili tradizioni della casa. Ciò significa che se l'ospite non è un buongustaio, almeno è un intenditore di alta cucina. Deve piacergli tutto ciò che è giapponese. Gli ospiti sono tenuti a conoscere la rigida routine della casa, dove tutto è vissuto secondo il ritmo lavorativo del proprietario, e con dignità a obbedire alle regole e alla disciplina, che era vicino al benedettino. La routine quotidiana era rigorosa e irremovibile. Anche passeggiare per la casa e il giardino seguiva un percorso accuratamente studiato.

Monet ampliò notevolmente la sala da pranzo a scapito dell'ex cucina, divenne ampia e luminosa, le sue portefinestre si affacciano sulla veranda. In quell'epoca vittoriana, i toni interni scuri e cupi erano in voga. Il maestro ha prestato poca attenzione alla moda e ha deciso di dare alla sala da pranzo due sfumature di giallo. Le vibranti tonalità dell'ocra accentuavano l'azzurro delle maioliche di Rouen e Delft nella credenza. Il pavimento è ricoperto di piastrelle a scacchi: il motivo è creato da pannelli bianchi e rosso scuro, questa combinazione era molto amata in quel momento. Il soffitto, le pareti e i mobili sono dipinti in due tonalità di giallo. 12 persone sedevano liberamente a un grande tavolo, ma a volte era apparecchiato anche per 16 persone.

La sala da pranzo, che a sua volta sembrava una galleria d'arte, ha riunito l'intera famiglia, i loro amici e ospiti d'onore, inclusi ospiti dal Giappone come il signor Kuroki Hayashi (Kurokis Hayashi). Sul tavolo veniva sempre stesa una tovaglia di lino giallo, di solito mettevano un servizio di maiolica giapponese, che si chiamava " ciliegio” o servizio in porcellana bianca con ampi bordi gialli con rifiniture blu. Le tende di organza, anch'esse tinte di giallo, sono state aperte per una migliore illuminazione. Due specchi sono stati posti uno di fronte all'altro. Uno era decorato con un portafiori in maiolica blu di Rouen, l'altro aveva un portafiori giapponese grigio e blu, a forma di ventaglio aperto, con un grande vaso sul fondo.

Le pareti della sala da pranzo sono piene di stampe giapponesi, che Monet ha selezionato in base al suo senso del colore. La sua collezione comprendeva opere dei migliori maestri giapponesi: Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

Per comodità, accanto alla sala da pranzo c'è cucina- l'ultima stanza visibile della casa. Monet lo ha deciso in blu. Questo colore si armonizzava bene con il tono giallo della sala da pranzo. Se la porta della stanza successiva veniva aperta, gli ospiti vedevano un colore blu adatto al giallo.

Vista della cucina dalla sala da pranzo gialla

Questa era un'altra violazione delle regole generalmente accettate dell'inizio del secolo, quando solo il cuoco ei suoi assistenti regnavano in cucina e la servitù veniva a cenare. È interessante notare che il proprietario non è mai entrato in cucina, visitandolo solo una volta quando ha pensato alla decorazione di questa stanza. Decise che il pallido blu reale era ben messo in risalto dal ricco blu, che il maestro usava ovunque all'interno delle stanze. Questa combinazione di colori ha aggiunto ancora più luce alla stanza con due finestre che si affacciano sulla veranda e una porta-finestra che, come la maggior parte delle finestre della casa, si affacciava sul giardino.

Le pareti della cucina sono rifinite con piastrelle Rouen blu. Hanno pagato un sacco di soldi per questo, perché il cobalto è stato aggiunto per dargli colore e il processo di produzione era molto costoso. Non solo le pareti, ma anche il pavimento e il soffitto della cucina, così come il tavolo, le sedie, la ghiacciaia, la saliera, gli armadi sono dipinti in un unico colore. All'epoca si pensava che il colore blu promuovesse l'igiene e respingesse anche gli insetti, in particolare le mosche. Gli arredi blu delle pareti e degli armadietti della cucina sottolineano lo splendore degli utensili in rame, una vasta collezione dei quali si trova sulle pareti.

Non sorprende che in una famiglia di 10 persone il cibo giocasse un ruolo importante e la cucina fosse considerata un santuario. Dopotutto, ogni giorno era necessario dare da mangiare a colazione, pranzo e cena non solo ai membri della famiglia, ma anche agli ospiti e alla servitù. Qui tutto era soggetto allo scopo della stanza. Ogni giorno, al caldo e al freddo, in cucina veniva alimentata un'enorme stufa a carbone oa legna. Al suo interno è incorporato un enorme calderone con un coperchio di rame e in casa c'era sempre acqua calda.

Ogni giorno un contadino bussava a una finestrella che dava sulla strada e annunciava di aver consegnato l'ordine di frutta e verdura ricevuto il giorno prima. I gradini accanto alla finestra conducevano a una vasta cantina dove veniva conservato il cibo deperibile e il ghiaccio veniva consegnato dalla vicina Vernon.

La cucina lasciava a malapena il tempo libero ai cuochi. Costantemente era necessario tagliare, sbriciolare, interferire, tritare. E poi - per lavare, pulire, lucidare numerose salsiere di rame, pentole, teiere fino alla volta successiva, che non si sono mai soffermate.

Come altrove, diversi cuochi, a volte intere dinastie, prestarono servizio nella casa di Monet. Ad esempio, Karolina e Melanie hanno dato i loro nomi alle ricette che hanno inventato. E la cuoca più famosa di Giverny era Margaret. Ha iniziato a lavorare in casa da ragazza. Quindi ha presentato Monet al suo fidanzato, Paul. E affinché Margaret non uscisse di casa, Monet portò Paul a lavorare. Margherita rimase al suo posto anche dopo la morte del maestro, fino al 1939. Nei rari momenti di relax, Margaret amava sedersi su una sedia bassa senza maniglie e sfogliare un ricettario, da cui traeva ispirazione, come il suo maestro dalle stampe giapponesi. A volte si limitava a fissare il giardino, dove due fiori di ciliegio sbocciavano in bianco e rosa tenue. Quando ha lasciato Giverny ed è tornata nella sua nativa Berry, ha ricordato: "Il lavoro a Giverny era molto duro, ma quando lavoravo, c'erano sempre due alberi giapponesi davanti a me".

Il giro della casa finisce qui. Ci spostiamo al Normandy Garden o Clos Normand e poi al Water Garden.

La fotografia è vietata nel museo. Ma notando che nel primo studio-laboratorio dell'artista tutti i visitatori scattano foto, ho fatto anche qualche scatto.
Il resto delle immagini sono tratte dal sito web del Museo della Casa di Claude Monet.
Basato sul libro di Cdaire Joyes “Claude Monet a Giverny. Itinerario e storia della casa e del giardino”, Stipa, Montreuil (Seine-Saint-Denis), 2010

Un luogo pittoresco si trova a 80 chilometri a nord di Parigi Giverny (Giverny). Centinaia di migliaia di turisti provenienti da tutto il mondo, centinaia di migliaia di persone che non sono indifferenti alla bellezza, fanno un pellegrinaggio qui. Un artista impressionista visse e lavorò qui per quarantatré anni. Claude Monet.

Nel 1883 l'artista acquistò una casa in questo villaggio, dove si stabilì con tutta la sua numerosa famiglia. Monet idolatrava la natura. Amava il giardinaggio, comprava libri e si interessava molto alla terra vicino alla sua nuova casa.

L'artista scambiava semi con altri giardinieri, intratteneva un'attiva corrispondenza con i vivai: per i contadini locali quelli “urbani” erano uno spettacolo insolito. L'artista non ha evitato il lavoro sporco in giardino, la gente del posto lo rispettava molto.

La famiglia Monet a passeggio in giardino (artista a destra)

Édouard Manet "La famiglia Monet in giardino"

Monet nella sua casa di Giverny

Inizialmente la casa e il terreno circostante non occupavano più di 1 ettaro. Ma dopo 10 anni, quando gli affari finanziari di Monet andarono bene, acquistò un altro terreno, separato dal vecchio dalla ferrovia. Successivamente fu sostituito con una massicciata per le auto, così il territorio di Monet rimase diviso.

Grazie al talento artistico e alla diligenza, quello che prima era solo un orto vicino casa si trasformò, grazie a Monet, in una vera e propria celebrazione di colore, luce e bellezza. Ha piantato tutto con vari tipi di fiori e piante.

L'artista era così appassionato di piante e fiori (il che significa abbondanza di colori durante la loro fioritura!) che quando ottenne un voluminoso catalogo di semi di fiori, non dedicò molto tempo allo studio e ordinò tutto! Rose, gigli, glicini, tulipani, margherite, girasoli, gladioli, astri: tutto questo ha incontrato gli occhi della famiglia Monet e dei suoi ospiti.

Ma la seconda parte del giardino, dietro l'autostrada, suscita particolare attenzione e soggezione tra i visitatori. Questo è il cosiddetto giardino d'acqua. Puoi arrivarci attraverso un tunnel. Chiunque venga qui si blocca involontariamente, trattenendo il respiro, vedendo il capolavoro creato dal grande artista, riconoscendo le trame dei suoi dipinti famosi in tutto il mondo.

Claude Monet "Ninfee bianche"

Claude Monet "Acque"

Claude Monet “Acque. Riflesso verde, lato sinistro"

Prosciugò le paludi, formò stagni e canali, dirigendo abilmente l'acqua del fiume Epte in essi.
Le rive dello stagno erano decorate con una varietà di piante: lamponi, agrifoglio, sakura giapponese, anemoni, peonie e molti altri. L'attrazione principale del giardino è il ponte giapponese, intrecciato di glicine, che semplicemente non può non riconoscere gli amanti del lavoro dell'artista. E, cosa più importante, Monet ordinò i semi di ninfe (ninfee) dal Giappone e con essi decorò la superficie dell'acqua dello stagno. Nello stagno furono piantati ninfei di diverse varietà, lungo le rive furono piantati salici piangenti, bambù, iris, rododendri e rose.

Il giardino per Monet divenne la sua musa ispiratrice e la sua principale occupazione. Claude Monet ha scritto sulle ninfee:

“Li ho piantati per piacere, senza nemmeno pensare che li avrei scritti. E all'improvviso, inaspettatamente, mi è venuta in mente la rivelazione del mio favoloso, meraviglioso stagno. Ho preso la tavolozza e da quel momento in poi non ho quasi mai avuto un altro modello.

La tecnica pittorica di questo artista è diversa in quanto non ha mescolato i colori. E li metteva uno accanto all'altro o li sovrapponeva uno sopra l'altro con tratti separati. Il modo preferito di Monet di lavorare in serie gli ha permesso di non ignorare le minime sfumature di colore, luce, poiché ogni sfumatura dello stato di natura poteva essere dedicata a una tela separata. ponte giapponese? - 18 opzioni. Stagno con ninfee bianche? - 13 dipinti. Ninfee? - 48 dipinti. E l'elenco potrebbe continuare all'infinito...

Claude Monet "Ninfee e ponte giapponese"

Nel 1916, quando aveva già 76 anni, costruì un ampio studio a destra della casa principale, che fu chiamato "Water Lily Studio". Qui l'artista realizzò la sua ultima grandiosa idea: creò pannelli raffiguranti ninfee, che formavano un panorama circolare di circa 70 m di circonferenza.

Questi dipinti li ha donati alla Francia e sono stati collocati in un padiglione appositamente costruito, che si trova ai margini del Giardino delle Tuileries, dove si apre su Place de la Concorde. Se guardi il padiglione dall'alto, sembra una figura otto. In due sale ovali collegate da un architrave sono appesi quadri raffiguranti uno stagno a Giverny: sei o otto tele. In sostanza, questa è un'immagine che trasmette cambiamenti nella natura nel corso della giornata che sono inaccessibili all'occhio ordinario.

I critici d'arte affermano che la pittura qui ha raggiunto una tale perfezione da offuscare il confine tra realismo e arte astratta. Claude Monet ha appena fermato l'attimo, perché tutto se ne va, ma niente scompare, e la vita è sempre un'attesa. Il giorno dopo. È stato un trionfo a vita dell'opera di Claude Monet.

Claude Monet “Ninfee (nuvole)”

Claude Monet "Stagno con ninfee e iris"

Claude Monet si è ispirato per 20 anni al giardino acquatico. Monet ha scritto:

“... mi è venuta la rivelazione del mio favoloso, meraviglioso stagno. Ho preso la tavolozza e da quel momento non ho quasi mai avuto un altro modello.

Prima ha creato dipinti in natura, hanno dato riflessi sulla superficie dell'acqua dello stagno, quindi l'artista li ha trasferiti su tele. Alzandosi ogni giorno alle cinque del mattino, veniva qui e dipingeva con qualsiasi tempo e in qualsiasi stagione. Qui ha creato più di cento dipinti. Questo è molto sorprendente per un genio, ma Claude Monet era una persona molto felice. Ha ottenuto il riconoscimento durante la sua vita, amato ed è stato amato, ha fatto ciò che amava.

"Non sono bravo a nient'altro che a dipingere e fare giardinaggio."
Claude Monet

Monet ha dedicato quasi trent'anni della sua lunga vita ai suoi soggetti preferiti. Il famoso impressionista morì a Giverny nel 1926 all'età di 86 anni. Dopo la morte dell'artista nel 1926, la figlia Blanche si prese cura della casa. Ma durante la seconda guerra mondiale cadde in rovina. Più tardi, nel 1966, il figlio di Monet consegnò la tenuta all'Accademia belle arti, che iniziò subito il restauro della casa, e poi del giardino.

Restaurato dopo un lungo periodo di abbandono grazie alla generosità dei mecenati americani e francesi, il giardino di Claude Monet era ampiamente conosciuto all'inizio del secolo. Georges Clemenceau, che conosceva l'artista dai tempi degli incontri nel caffè parigino "Gerbois" e possedeva uno dei case del villaggio non lontano da Giverny, fu così colpito da questo evento che gli dedicò persino un piccolo opuscolo, in cui scrisse:

“Il giardino di Claude Monet può essere considerato una delle sue opere, in cui l'artista ha realizzato miracolosamente l'idea di trasformare la natura secondo le leggi del light painting. La sua officina non era limitata da muri, usciva all'aria aperta, dove le tavolozze dei colori erano sparse ovunque, allenando l'occhio e soddisfacendo l'appetito insaziabile della retina, pronta a percepire il minimo palpito della vita.

Ora Giverny è visitata da più di mezzo milione di persone all'anno. I francesi stanno progettando di candidarsi per l'inclusione della Casa Museo di Claude Monet e del Giardino di Giverny nella Lista del Patrimonio Mondiale dell'UNESCO.

Indicazioni al giardino di Monet:

Francia, Giverny (80 km a nord di Parigi lungo l'autostrada A13).
Il giardino è visitabile tutti i giorni tranne il lunedì dalle 9.30 alle 18.00 (la vendita dei biglietti termina mezz'ora prima della chiusura).

Il costo dei biglietti d'ingresso:

Adulti: 9 euro
Bambini dai 7 anni e studenti: 5 euro
Bambini sotto i 7 anni: gratis
Disabili: 4 euro

Parcheggio: gratuito

Tieni presente che se vuoi vedere i dipinti dell'artista, devi andare al Museo d'Orsay, al Museo dell'Orangerie e in un centinaio di altri musei nel mondo, poiché qui non ci sono dipinti dell'artista.

Il giardino di Claude Monet a Giverny può essere giustamente definito una vera opera d'arte, che puoi ammirare all'infinito. Il tranquillo villaggio di Giverny sarebbe rimasto una tranquilla provincia pittoresca, se non fosse stato per l'artista impressionista che è passato in treno e si è innamorato della bellezza locale.

Grazie a Claude Monet, ogni anno vengono qui turisti che vogliono conoscere davvero tutti i luoghi d'interesse della tenuta del grande genio.

Claude Monet attribuiva grande importanza alla luce, alle sue sfumature e al gioco delle ombre e alla natura veramente idolatrata. Comprò una semplice casa di contadini a Giverny nel 1883. La sua numerosa famiglia avrebbe dovuto vivere lì: sua moglie Alice, i suoi figli dal suo primo matrimonio ei loro figli comuni.

Monet era così follemente innamorato dei fiori che ha piantato un'intera serra di varie varietà sul suo sito. Tutto il tripudio di colori, il gioco di luci e ombre, paesaggi unici immersi nel verde si riflettevano nei dipinti dell'artista, che dipingeva con amore speciale. Poco dopo, sul sito dietro la casa, Monet organizzò un giardino sull'acqua, la cui principale attrazione erano le ninfee che fiorivano tutto l'anno. All'artista piaceva particolarmente disegnarli.

Quasi ogni giorno, a partire dalle cinque del mattino, l'artista ha trascorso del tempo in questo giardino, trasferendo sulle sue tele tutta la bellezza circostante. Fu in quel momento che le creazioni di Claude Monet furono molto apprezzate dai fan. arte e ha guadagnato popolarità. Molti soci del grande artista vennero ad ammirare il giardino fiorito, a cui Giverny si associò grande nome Monet.

L'impressionista ha vissuto una vita lunga e felice, lasciando dietro di sé opere d'arte uniche. Oggi tutti possono entrare nella tenuta di Monet. Le rose crescono ancora lì e incantano con l'aroma divino, le ninfee bianche galleggiano nello stagno e lo spirito immortale dell'impressionismo vola nell'aria.

Dipinti viventi di Claude Monet

Elena Tyapkina

“Vedendo Claude Monet nel suo giardino, inizi a capire come un così grande giardiniere possa diventare un così grande artista”, scrive il poeta simbolista Gustave Kahn dopo il suo viaggio a Giverny, un pittoresco villaggio vicino a Parigi.
- Monet "grande giardiniere"? Il poeta si sbagliava: Monet è un grande impressionista che ha dipinto quadri per tutta la vita!
Ma no, Kahn aveva ragione: tutta la sua vita - 43 anni! Monet ha creato un giardino.

Ha sempre amato i fiori e li ha sempre dipinti. E nel 1883, stabilitosi a Giverny, divenne giardiniere. Preso dall'amore per le piante, crea prima una Normandy e poi un meraviglioso giardino acquatico. Il giardino non nasce subito: Monet prova, cerca, sperimenta costantemente. Durante i suoi viaggi trova le piante di cui ha bisogno: da Rouen manda senape di campo e due “piccoli nasturzi divertenti”, e dalla Norvegia promette ai bambini di portare “qualche pianta speciale” dal paese del nord.

Colleziona libri sull'orticoltura, e soprattutto apprezza la traduzione della celebre "Storia illustrata dell'orticoltura" di George Nichols; è abbonato a quasi tutte le riviste di fiori e giardini; raccoglie cataloghi di semi, particolarmente interessati a nuovi prodotti.
Durante i viaggi, l'artista torna costantemente a Giverny nei suoi pensieri. Chiede alla moglie Alice com'è l'orto, si preoccupa per le piante, consiglia come prendersi cura al meglio degli animali della serra. Sono rimasti dei fiori in giardino? Vorrei che i crisantemi fossero conservati lì al mio ritorno. Se ci sono gelate, tagliale in bellissimi mazzi ”(da una lettera del 1885).

Giorno dopo giorno, anno dopo anno, Monet creava pazientemente il suo giardino. Lo sguardo dell'artista e le mani del giardiniere lo hanno aiutato a trasformare una normale tenuta con alberi da frutto in un quadro vivente, in cui la bellezza e la variabilità della natura vengono trasmesse attraverso combinazioni di colori e forme. Nel giardino di Monet non c'era niente di superfluo, di accidentale, non c'era collezionismo cieco - solo armonia.

Il giardino è diventato una continuazione del suo laboratorio. Alla ricerca incessante della perfezione, Monet ha prima creato un dipinto floreale in un giardino e poi lo ha trasferito su tela. IN l'anno scorso vita, non aveva più bisogno di lasciare Giverny: ha dipinto un giardino. Muovendosi su una piccola barca lungo i “vicoli” del giardino acquatico, l'artista ha dipinto, dipinto, dipinto all'infinito... un ponte a schiena d'asino, una superficie d'acqua con alberi, glicini e ninfee che vi si riflettono.

È così che è apparsa una serie di dipinti lirici sotto il nome generico di "Ninfee". "Ci è voluto molto tempo", ha scritto Monet, "prima che potessi capire le mie ninfee. Le ho piantate per piacere, senza nemmeno pensare che le avrei scritte. E all'improvviso, inaspettatamente, mi è venuta in mente la rivelazione del mio favoloso, meraviglioso stagno. Ho preso la tavolozza e da quel momento non ho quasi mai avuto un altro modello, la percezione della natura vivente non ci arriva immediatamente.

Il meraviglioso giardino di Monet

Ma niente di tutto ciò sarebbe potuto accadere: le autorità non hanno permesso all'artista di allestire un giardino acquatico per molto tempo, temendo che le ninfe, un fiore sconosciuto a quel tempo, avrebbero avvelenato l'acqua del fiume Epte...

E, ahimè, non vedremo molto: estremamente esigente con se stesso, Monet ha bruciato senza rimpianti molti schizzi e dipinti già finiti. “Sappi che sono assorbito dal mio lavoro. I paesaggi d'acqua e di riflessi sono diventati un'ossessione. Questo va oltre la mia forza senile, ma voglio avere il tempo di catturare ciò che sento. Li distruggo e ricomincio da capo”, scrisse al biografo Gustave Geffroy nel 1908.

L'opera più significativa del maestro è stata una serie di enormi “Pannelli decorativi con ninfee”: “Il cielo e la linea dell'orizzonte appaiono solo di riflesso. In questi pannelli c'è un mondo in continua evoluzione; il mondo è incomprensibile, ma sembra penetrarci. E questo mondo in eterno rinnovamento sembrava dissolversi sulla superficie di uno stagno con ninfee.

Nei suoi anni di declino, Monet confessò a Georges Clemenceau: “Se scrivi molte volte il mondo che ci circonda, allora inizi a percepire meglio la realtà, o quel poco che siamo in grado di comprendere. Comprendo le immagini dell'universo per testimoniare ciò che vedo con il mio pennello.

Dopo la morte dell'artista, il suo giardino è stato a lungo dimenticato. La creazione, che Monet creò per metà della sua vita con tanta cura e tanto amore, divenne gradualmente selvaggia. Fortunatamente, l'Accademia francese di belle arti ha deciso di restaurare il giardino. Da piccoli frammenti sparsi per il mondo: schizzi, fotografie, moduli d'ordine che Monet ha realizzato negli asili nido, saggi di giornalisti, hanno nuovamente cercato di creare un quadro completo. Il restauro durò tre anni e nel 1980 i visitatori tornarono sui viali del giardino. Ancora una volta, perché Monet non è mai stato un recluso e si rallegrava sinceramente di ogni ospite.

Il giardino copriva una superficie di circa due ettari ed era diviso da una strada in due parti. Quello vicino alla casa - il giardino superiore o fiorito - era sistemato sul sito di un orto. Questa è una "casa padronale in Normandia", progettata nel tradizionale stile francese. Il viale centrale è decorato da archi in ferro, sui quali si arrampicano rose rampicanti. Le rose avvolgono la balaustra intorno alla casa. Lo spazio del giardino è suddiviso in aiuole, dove boschetti di fiori di diverse altezze creano volume. Le rigorose linee rette dei vicoli contrastano con il variegato tappeto di fiori profumati tutto l'anno. Ogni stagione ha una combinazione di colori speciale. In primavera - un'abbondanza di narcisi e tulipani, poi fioriscono rododendri, lillà, glicine. Successivamente, il giardino si trasforma in un vero mare di iris, particolarmente amato dall'artista. Il percorso delimitato da iris è raffigurato su dipinto famoso Il giardino dell'artista a Giverny. Le iris sono sostituite da peonie, daylilies, gigli, papaveri. In piena estate fioriscono campanule, bocche di leone, gloria mattutina, aquilegia, salvia e, naturalmente, rose di tutte le sfumature e forme. E a settembre arriva il momento delle dalie, delle malve, degli astri e dei crisantemi, i viali sono occupati dai nasturzi. Questo è un vero regno di fiori e colori!

Nel 1893, 10 anni dopo il suo arrivo a Giverny, Monet acquistò un appezzamento di terreno accanto alla sua tenuta dall'altra parte della ferrovia e lo trasformò in uno stagno "con piante acquatiche per il divertimento e lo svago degli occhi, oltre a un trama per la pittura." Durante la progettazione del giardino acquatico, Monet seguì il consiglio di un giardiniere giapponese che visitava Giverny da tempo. Qui si sentono chiaramente i motivi giapponesi, l'influenza della tradizionale filosofia orientale della contemplazione della natura. Nel 1895 Monet costruisce il famoso ponte giapponese, che sembra essere migrato nel giardino da un'incisione di Hokusai. Alberi di ginkgo cinesi e alberi da frutto giapponesi spiccavano tra la solita vegetazione del giardino, una fitta foresta di boschetti di bambù si estendeva lungo stretti vicoli. Lo stagno era fittamente fiancheggiato da felci, azalee e rigogliosi cespugli di rose. L'acqua era riscaldata in alcuni punti e lì fiorivano lussuose ninfee tropicali. “Qua e là, sulla superficie dell'acqua, fiori di ninfee dal cuore cremisi, bianchi ai bordi, arrossati come fragole... e in lontananza alcune somiglianze viole del pensiero ammassati insieme, come in un'aiuola galleggiante, e, come falene, spiegano le loro lucide ali bluastre sul pendio trasparente di questo giardino di fiori d'acqua; e anche un giardino fiorito paradisiaco…” – ha scritto Marcel Proust.

Il piccolo villaggio di Giverny è apparso sulle mappe più di mille anni fa, ma è conosciuto principalmente come il luogo in cui visse per 43 anni l'impressionista di fama mondiale Claude Monet e dove furono creati un numero enorme dei suoi dipinti. Solo 80 km separano questo luogo pittoresco da Parigi. Grazie alla presenza di un famoso maestro durante la sua vita, il villaggio poco appariscente divenne rifugio e luogo di riposo per molti artisti.

Matisse, Cézanne, Renoir, Pissarro passeggiavano per le strade di Giverny.

Come arrivare là

La cosa più romantica è correre a Giverny da solo. Il treno da Parigi Saint-Lazare va a Vernon, dove di solito c'è un autobus che ti aspetta per portarti nei restanti 6 km fino al giardino di Monet. È possibile noleggiare una bicicletta per 12 EUR al Café du Chemin de Fer, di fronte alla stazione. Questo breve sentiero può essere percorso anche a piedi: attraversiamo il fiume e poi svoltiamo a destra sulla strada D5. Fai attenzione: quando arrivi a Giverny, gira a sinistra al bivio, altrimenti dovrai fare il giro del giardino.

In auto, il viaggio da Parigi durerà circa un'ora. Prendi la A13 in direzione Vernon/Giverny fino all'uscita 14.

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Il giardino di Claude Monet

Oltre ad essere la casa e il laboratorio creativo di Monet come artista, il grazioso villaggio è la migliore illustrazione delle sue eccezionali capacità di paesaggista e orticoltore. Dopotutto, sono state le distese di Giverny a diventare una tela bianca su cui l'artista ha sperimentato varietà di rose, giacinti, iris, combinando felci rigide e peonie lussureggianti, mettendo in risalto sbiaditi nontiscordardime con succosi papaveri. E sono stati i paesaggi di questo giardino a costituire la base i migliori lavori Monet.

Ora gli ammiratori del lavoro di Monet vengono qui da tutto il mondo per vedere con i propri occhi uno stagno con ninfee e un ponte giapponese in pizzo gettato su uno stagno. L'artista ha lavorato anche su questa parte del giardino con le proprie mani, creando scrupolosamente per sé una fonte di ispirazione per i successivi 20 anni. Qui ha creato opere famose"Rock of the Aiguille e Porte d'Aval", "Mannport Gate in Etretat", "Rocks in Belle-Ile", "Rocks in Etretat", "Hack in Giverny", "Water Lilies".

Il maniero di Monet a Giverny

Dopo la morte dell'artista, il figlio Michel cedette il patrimonio all'Accademia di Belle Arti. I suoi dipendenti mantengono ancora con cura l'aspetto della casa e del giardino nella forma in cui il proprietario li ha lasciati, trasformando questo luogo nella casa-museo del pittore impressionista francese (Musée Claude Monet).

All'interno non troverai le opere di Monet, ma la casa dipinta con colori vivaci è piena di dettagli quotidiani della vita del maestro, e la sala è il famoso studio Water Lily, decorato con riproduzioni delle opere di Monet. Il periodo migliore per visitare il giardino è maggio e giugno, quando i rododendri di glicine iniziano a fiorire intorno allo stagno.

Informazioni pratiche

Indirizzo: Giverny, Rue Claude Monet, 65-75. Il sito ufficiale della tenuta (disponibile in francese, inglese e giapponese).

Orari di apertura: tutti i giorni da aprile a novembre, dalle 9:30 alle 18:00.

Ingresso: 9,50 EUR (adulti), 5,50 EUR (bambini sopra i 7 anni e studenti), i bambini sotto i 7 anni entrano gratuitamente.

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Attrazioni di Giverny

Passeggiare per i dintorni del borgo normanno è l'occasione per guardare il mondo con gli occhi di Monet, impossibile rimanere indifferenti alle morbide colline verdi, ai boschetti profumati, alle case di pietra circondate da recinti di legno ben tagliati, agli iris coraggiosi che farsi strada attraverso la polvere della strada, dove vogliono, e non dove la mano dell'uomo comanda. E subito voglio prendere una matita, una penna, un pennello, una macchina fotografica e catturare la bellezza ammaliante di un semplice paesaggio rurale.

Museo dell'Impressionismo

Oltre al nido della famiglia Monet, Giverny ha altre attrazioni, come il Museo dell'Impressionismo, creato per ospitare mostre temporanee e installazioni di artisti impressionisti. Succede che anche le opere di Monet siano esposte nelle sue sale. A proposito, di recente questo edificio è stato chiamato Museum of American Art ed è specializzato nel lavoro di artisti americani, ma si è deciso di allargare i confini geografici dell'arte che ha attraversato il mondo intero.

Il museo è aperto da inizio aprile a fine ottobre. A proposito, è prevista la vendita di biglietti combinati, che offrono uno sconto quando si visitano diverse attrazioni di Giverny. Indirizzo: Giverny, rue Claude Monet, 99. Per ulteriori informazioni su orari di apertura e sconti sui biglietti, visitare il sito Web del museo (in inglese).

bar

Puoi prendere una piacevole pausa guardando il numero civico 81 sulla strada Claude Monet, dove l'ex hotel ha riparato, e oggi il delizioso ristorante Hotel Baudy. Questo posto è una vera leggenda: Cezanne, Renoir, Sisley, Rodin una volta bevevano caffè ai tavoli di questo caffè, e alla fine dell'Ottocento solo gli artisti soggiornavano ai piani superiori, nell'hotel. L '"Hotel for American Artists" conservava persino una serie di dipinti e schizzi di maestri ormai famosi, con i quali gli ospiti pagavano l'alloggio alla padrona di casa. Ora puoi assaggiare la cucina francese pagando 25-30 EUR a pranzo.

Il caveau della famiglia di Monet

Accanto alla chiesa di St. Radegunde si trova il luogo di sepoltura della famiglia di Monet. La vecchia chiesa è un tempio rurale e senza pretese che colpisce per la sua antichità e l'atmosfera speciale. In questa chiesa, Monet si sposò una seconda volta e in seguito fu sepolto nella tomba di famiglia della famiglia. La strada più antica del paese, rue aux Juifs, nella parte medievale di Giverny, è intrisa di un fascino particolare, come testimoniano gli antichi edifici e le rovine di un monastero medievale.

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Se guidi per 80 km a nord di Parigi, puoi raggiungere il pittoresco luogo di Giverny. Questo villaggio è famoso per il fatto che Claude Monet visse e lavorò qui per quarantatré anni. Stabilitosi nel villaggio nel 1883, l'artista fu così affascinato dal giardinaggio che sulle sue tele non c'era quasi nulla tranne le vedute del suo giardino preferito e del campo di papaveri, che si trova ai margini del villaggio.

Inizialmente il giardino di Monet era costituito solo dal territorio adiacente alla casa (circa 1 ettaro). Qui, prima di tutto, l'artista ha abbattuto un cupo vicolo di abeti e cipressi. Ma rimasero ceppi alti, sui quali poi si arrampicarono le rose rampicanti. Ma presto i rampicanti divennero così grandi che si chiusero e formarono un tunnel fiorito a volta che conduceva dal cancello alla casa.

Naturalmente, nel tempo, i ceppi sono crollati e ora le rose sono sostenute da supporti metallici. Questo luogo può essere visto nei dipinti del Maestro: la prospettiva del vicolo, dove ci sono fiori rigogliosi a sinistra, a destra e in alto, e sul sentiero sotto le loro sottili ombre traforate.

L'area davanti alla casa, visibile dalle finestre, l'artista ha trasformato in una tavolozza di fiori, mescolando e abbinando i colori. Nel giardino di Monet, un variopinto tappeto di fiori profumati è diviso in percorsi rettilinei, come colori in una scatola.

Monet dipingeva fiori e dipingeva con fiori. Lui è vero persona talentuosa era sia un artista eccezionale che un eccezionale paesaggista. Ha preso molto sul serio un grande interesse per il giardinaggio, ha acquistato libri e riviste speciali, ha corrisposto con vivai, ha scambiato semi con altri coltivatori di fiori.

I colleghi artisti visitavano spesso Monet a Giverny. Matisse, Cézanne, Renoir, Pissarro e altri sono stati qui. Conoscendo la passione del proprietario per i fiori, gli amici gli hanno regalato delle piante. Così, Monet ha ottenuto, ad esempio, peonie simili ad alberi portate dal Giappone.

A questo punto, Claude Monet sta diventando famoso. La tecnica pittorica di questo artista è diversa in quanto non ha mescolato i colori.

E li metteva uno accanto all'altro o li sovrapponeva uno sopra l'altro con tratti separati. La vita di Claude Monet scorre tranquilla e piacevole, la sua famiglia e l'amata moglie sono vicine, i dipinti sono ben acquistati, l'artista fa con entusiasmo ciò che ama.

Nel 1993 Monet acquistò un appezzamento di terreno paludoso accanto al suo, ma situato dall'altra parte della ferrovia. C'era un piccolo ruscello qui. In questo luogo l'artista, con il sostegno delle autorità locali, ha realizzato uno stagno, dapprima piccolo e successivamente ampliato. Nello stagno furono piantati ninfei di diverse varietà, lungo le rive furono piantati salici piangenti, bambù, iris, rododendri e rose.

Ci sono diversi ponti attraverso lo stagno, che ha una costa molto tortuosa. Il più famoso e più grande di loro è il ponte giapponese, intrecciato con glicine.

Monet lo ha dipinto particolarmente spesso.

Il giardino acquatico di Monet è sorprendentemente diverso dall'area circostante, è nascosto dietro gli alberi. Puoi arrivare qui solo attraverso un tunnel posto sotto la strada.

Chiunque venga qui si blocca involontariamente, trattenendo il respiro, vedendo il capolavoro creato dal grande artista, riconoscendo le trame dei suoi dipinti famosi in tutto il mondo.

Claude Monet si è ispirato per 20 anni al giardino acquatico. Monet ha scritto: “... mi è venuta la rivelazione del mio favoloso, meraviglioso stagno. Ho preso la tavolozza e da quel momento non ho quasi mai avuto un altro modello.

Prima ha creato dipinti in natura, hanno dato riflessi sulla superficie dell'acqua dello stagno, quindi l'artista li ha trasferiti su tele. Alzandosi ogni giorno alle cinque del mattino, veniva qui e dipingeva con qualsiasi tempo e in qualsiasi stagione.

Qui ha creato più di cento dipinti. In quel momento Monet iniziò a perdere la vista ... Era sempre più difficile per lui distinguere e scrivere piccoli dettagli. I dipinti dell'artista stanno gradualmente cambiando. Dettagli e sfumature sono sostituiti da grandi tratti di vernice che mostrano il gioco di luci e ombre.

Ma anche nei dipinti dipinti in questo modo, indoviniamo inequivocabilmente trame familiari. Il costo dei dipinti continua a salire... Claude Monet morì nella sua casa di Giverny nel 1926.

La sua figliastra Blanche si prendeva cura del giardino. Purtroppo, durante la seconda guerra mondiale, il giardino cadde in rovina. Nel 1966 il figlio dell'artista, Michel Monet, consegnò la tenuta all'Accademia di Belle Arti, che iniziò subito il restauro della casa e poi del giardino. Ora la tenuta di Giverny è visitata ogni anno da mezzo milione di persone.

Claude Monet ha vissuto una vita molto felice. Riuscì a fare ciò che amava, unire pittura e giardinaggio, vivere in abbondanza. Era molto felice nella sua vita personale, amava ed era amato. Monet è diventato famoso durante la sua vita, il che è raro per gli artisti. E ora in tutto il mondo rimane uno degli artisti più famosi e amati. E siamo particolarmente lieti che questa persona eccezionale non solo grande pittore, ma anche nostro collega e Docente, Maestro di Arte del Paesaggio.

Giverny sulle tele di Claude Monet

Biografia di Claude Monet (1840-1926)

L'educazione di Claude Oscar Monet iniziò nella città normanna di Le Havre, dove la famiglia si trasferì da Parigi nel 1845, quando il giovane Claude aveva solo cinque anni. A Le Havre, suo padre Claude-Auguste, insieme al cognato Jacques Lecadre, aprì un negozio di attrezzature navali e generi alimentari, mentre la famiglia si stabilì a Faubourg Sainte-Adresse in riva al mare.

Avendo imparato a disegnare da solo, il quattordicenne Monet ha acquisito una notevole esperienza disegnando divertenti caricature dei personaggi più famosi di Le Havre. Queste prime opere, piene di umorismo benevolo, realizzate a matita e carboncino, attirarono molto presto su Monet l'attenzione degli abitanti della città. Il giovane artista ha una "clientela", tutti vogliono avere le loro caricature, e lui le vende a un prezzo da dieci a venti franchi. In questo periodo Monet è impegnato nel disegno sotto la guida di uno studente di David Jacques-Francois Auchard, che insegna al college dove studia, e conosce il lavoro del paesaggista Eugene Boudin, che si differenzia dai suoi contemporanei per che scrive sulla natura. All'inizio Monet, come molti altri residenti della città, era critico nei confronti del metodo di Boudin, ma avendo incontrato personalmente l'artista, si unì a lui e iniziò anche a dipingere all'aperto - di conseguenza, la natura lo affascinò come pittore per tutta la vita.

La comunicazione con Boudin conferma il giovane Monet nella sua determinazione a dedicarsi seriamente alla pittura; e per questo è meglio trasferirsi nella capitale francese, dove si concentrano le accademie d'arte più significative.

Monet aveva una zia comprensiva e lei convinse suo padre a permettere a suo figlio di lasciare il negozio di famiglia a Le Havre e trascorrere un anno di prova, 1859, a Parigi. Dopo aver raccolto i risparmi derivanti dalla vendita delle caricature, Monet si recò a Parigi, dopo essersi assicurato diverse lettere di raccomandazione da collezionisti e amanti dell'arte che frequentavano Boudin e avevano legami con l'artista Constant Troyon nella capitale.

Nel maggio 1859, Monet si trasferì nella capitale e studiò per qualche tempo all'Accademia di Svizzera e comunicò con Eugene Delacroix e Gustave Courbet. Allo stesso tempo, il giovane ha incontrato Camille Pissarro e, insieme a lui, ha visitato spesso Brassrey de Martyr ("La taverna dei martiri"), dove si riuniscono i realisti, guidati da Courbet e dove gli capita di incontrare anche Baudelaire. Monet visita i Salons di Parigi, visita il Louvre e scrive lunghe lettere a Boudin con un rapporto dettagliato. Ai Salons ha l'opportunità di conoscere e apprezzare l'opera di Troyon, rappresentante della scuola di pittura di paesaggio di Barbizon, che comprendeva anche Corot, Rousseau e Daubigny. Monet si consulta con Troyon sulla sua pittura e l'artista gli consiglia di entrare nel laboratorio di Thomas Couture per imparare a disegnare. Ma Monet era estraneo al modo accademico di dipingere Couture e, contrariamente al consiglio di Troyon, continua a lavorare nelle botteghe di artisti come Arno Gauthier, Charles Mongineau, Charles Jacques. In questa fase, Monet conosce anche la pittura dalla natura di Daubigny, il cui pronunciato naturalismo, per così dire, getta un ponte dalla scuola di Barbizon all'impressionismo.

Nell'autunno del 1860, Monet fu chiamato al servizio militare e inviato a prestare servizio in Algeria, dove trascorse due anni. Ricorda che questo periodo della sua vita ha portato con sé la scoperta di nuovi colori ed effetti di luce, che hanno influenzato in modo decisivo la formazione della sua percezione artistica. Alla fine del suo secondo anno ad Algeri, viene rimandato in Francia per malattia. A Le Havre, Monet incontra di nuovo Boudin e si incontra Artista olandese Johann Jonkind, con il quale diventano subito grandi amici. Alla fine dell'estate, quando Monet è già prossimo alla guarigione, il padre, temendo per lo stato di salute del figlio, decide di pagare colui che lo sostituirà con servizio militare, e accetta anche di aiutare in ulteriori lezioni di pittura.

Nel novembre 1862 Monet tornò a Parigi, dove, su consiglio di un parente, l'artista accademico Tulmush, lavorò per qualche tempo nella bottega di Gleyre, dove conobbe gli artisti Renoir, Basil e Sisley, che ben presto divennero suoi amici stretti.

A questo proposito, l'opera di Manet, che nel 1863 espose al Salon des Les Misérables il suo “Pranzo sull'erba”, ebbe su di lui una grande influenza. La polemica scatenata dalla stampa e dai sostenitori dell'arte accademica in relazione a questo quadro, che ritrae una giovane donna nuda sullo sfondo di una magnifica foresta in compagnia di due uomini che, per i loro vestiti, appartengono chiaramente alla moderna società borghese, ha dato cibo per vivaci discussioni tra i giovani artisti: vi ha preso parte anche Monet. Fu in questi anni, durante accesi dibattiti nei caffè di Gerbois, che Manet con i suoi quadri divenne simbolo del rinnovamento della pittura e capo spirituale di un gruppo di artisti poi conosciuti come gli "Impressionisti".

Allo stesso tempo, Monet e i suoi compagni nella bottega di Gleyre dipingevano spesso dal vero nella foresta di Fontainebleau, e nell'estate del 1864 si recò a Honfleur in compagnia di Boudin, Jonkind e Basil e si stabilì con quest'ultimo a Saint-Simeon , un luogo preferito per gli artisti.

Nel 1865 espone per la prima volta al Salon, e le sue due paesaggio marino avere un modesto successo. Monet parte per Chailly, dove si stabilisce al Golden Lion Hotel e lavora a numerosi studi per La colazione sull'erba, tutti variazioni del celebre dipinto di Manet, esposto al Salon des Les Misérables nel 1863. Basile e Camille Donsier, che in seguito divenne la sua compagna di vita, posano per la foto. Gli schizzi sono di grande interesse per Courbet, che è venuto appositamente a Chailly per seguire il processo di nascita di questo dipinto, realizzato in natura.

Gustave Courbet e il fumettista Honoré Daumier erano davvero gli idoli di artisti lontani dalla pittura ufficialmente riconosciuta. Le opere di entrambi - basti ricordare "Bottega d'artista" di Courbet e "Carrozza di terza classe" di Daumier - scioccarono gli ambienti ufficiali per il loro realismo, nonché per la scelta di soggetti considerati volgari e indegni di rappresentazione su tela. Entrambi erano all'origine del realismo, una tendenza che prevedeva non solo la fusione con la natura e la pittura di paesaggio en plein air, ma anche la ricerca di mezzi espressivi per l'incarnazione artistica della realtà, in cui ogni persona, indipendentemente dallo stato sociale, svolge un ruolo ruolo. È comprensibile che Monet ammirasse Courbet e studiasse con interesse la sua tecnica, soprattutto l'uso di sfondi scuri.

Nel dipinto "Camille in Green" - un ritratto dell'amica di Monet in a tutta altezza, scritto nel 1866 - l'artista rende senza dubbio omaggio tecnica pittorica Courbet. È quest'opera che viene esposta al Salon del 1866 e riceve recensioni favorevoli dalla critica; comincia a far parlare di sé la stampa, e gli echi del suo successo giungono a Le Havre, permettendogli di riconquistare il rispetto della sua famiglia. A quel tempo, l'artista lavorava a Ville d'Avre, dove dipinse dal vero una grande tela "Donne in giardino"; per tutte e quattro le figure femminili, una modella, Camille, posa.Questo dipinto, acquistato da Basil, fu rifiutato dalla giuria del Salon del 1867.

Questa volta è stato molto difficile per Monet, che era estremamente a corto di soldi, costantemente perseguitato dai creditori e ha persino tentato il suicidio. L'artista deve spostarsi continuamente da un luogo all'altro, a Le Havre, poi a Sainte-Adresse, poi a Parigi, dove dipinge meravigliosi paesaggi urbani. Poi si reca nuovamente in Normandia, a Etretat, dove viene aiutato dal mercante Godibert, il quale, credendo in lui, acquista diversi quadri e gli mette a disposizione nel 1869 una casa a Saint-Michel de Bougival, villaggio sulle rive del Senna a pochi chilometri a nord-ovest di Parigi.

Auguste Renoir lo visita spesso a Saint-Michel e gli artisti iniziano a lavorare insieme sugli stessi soggetti. In questa fase, la natura diventa il vero oggetto di studio. Qui, non lontano da Parigi, tra Chatou e Bougival, sulle rive di uno dei rami della Senna, gli artisti trovano l'angolo più colorato, il più adatto per studiare bagliori e riflessi sull'acqua: un piccolo ristorante e un adiacente luogo di balneazione, luogo di riposo domenicale per ricchi parigini. L'attenzione dell'artista è attratta principalmente da effetti fugaci in una natura in continua evoluzione; questo orientamento diventa esso stesso il credo creativo di Monet, al quale rimane fedele negli anni successivi.

Dalla loro attività creativa congiunta nascono panorami famosi terme e un ristorante, detto la "Rana". Questo quadro, come la Terrazza di Sainte-Adresse dipinta due anni prima, testimonia l'influenza di Monet sulla pittura. arte orientale, diffusosi in Francia nella seconda metà del secolo in concomitanza con l'inizio del collezionismo di grafica giapponese. Nell'arte giapponese, Monet ei suoi contemporanei scoprirono nuove promettenti possibilità di riprodurre il mondo circostante in armonia con il “senso dell'atmosfera”.

È sulla base della pittura di Monet che si possono esplorare in modo più fruttuoso tutte le complessità del rapporto tra impressionismo e influenza giapponese. Sono stato un fan accanito per tutta la vita Arte giapponese. Si diceva che sui muri della sua casa ad Argenteuil, quando vi abitava negli anni '70, fossero appesi ventagli giapponesi; nella sua ultima casa, a Giverny, è ancora conservata una vasta collezione di incisioni giapponesi, da lui raccolte negli anni del suo lavoro; e nel 1892, Edmond de Goncourt scrive nel suo diario che incontrava spesso Monet alla Galerie Bint, un centro per il commercio di opere orientali.

Nelle xilografie giapponesi, ha scoperto gli effetti compositivi che si ottengono con uno scorcio netto e un bordo drammatico della composizione con una cornice. Nei suoi anni di declino, disse al duca di Trevize: “Negli artisti giapponesi, noi occidentali abbiamo apprezzato soprattutto il coraggio con cui incorniciano i loro soggetti. Queste persone ci hanno insegnato una nuova composizione. Su questo non ci sono dubbi". Le sue opere appartengono davvero a un nuovo tipo di composizione. Nel 1867 dipinse La terrazza a Sainte-Adresse, che chiamò il suo " pittura cinese con le bandiere. È davvero una composizione sorprendente - con un angolo superiore e senza alcun centro. L'ampia distesa del mare è costellata di barche a vela di varie dimensioni - ce ne sono una trentina; insieme a una striscia di cielo divisa in parti nuvolose e parti serene, metà della composizione è occupata dalla terrazza stessa, sulla quale si vedono molti gladioli e nasturzi luminosi, e la varietà dei colori è esaltata da due bandiere posizionate leggermente asimmetricamente su entrambi i lati della terrazza.

Anche il processo di formazione di un nuovo linguaggio artistico dovrebbe essere considerato in relazione al progresso Scienza XIX secolo e le sue ultime realizzazioni, in particolare le ricerche di scienziati come Eugène Chevreul, nel campo dell'ottica e dei contrasti cromatici, che si diffusero in Francia nella seconda metà del secolo. Sulla base dell'osservazione del fenomeno fisico della percezione, gli scienziati hanno stabilito che la visione è il risultato dell'interazione degli elementi percepiti dall'occhio e che il colore di un oggetto dipende dal materiale di cui è composto, dalla vicinanza di altri oggetti e la qualità della luce. Questi principi, insieme alle rivelazioni dell'arte giapponese, hanno avuto una forte influenza su Monet, Renoir e su tutti gli artisti che preferiscono dipingere all'aperto. Vediamo tracce di questi principi nella tecnica pittorica impressionista: i colori puri dello spettro solare sono sovrapposti direttamente sulla tela e non mescolati sulla tavolozza.

Nel giugno 1870 ebbe luogo il matrimonio di Monet e Camille Donsier, al quale partecipò Gustave Courbet. I giovani si trasferiscono in Normandia, a Trouville, dove vengono catturati dall'inizio della guerra franco-prussiana. Monet, essendo repubblicano, non vuole combattere per l'impero e, con questo pretesto, si rifugia in Inghilterra.

A Londra incontra Daubigny e Pissarro, con i quali lavora alle vedute del Tamigi e alle nebbie di Hyde Park. Per gli effetti nebbia è stato difficile scegliere il momento giusto. L'inverno del 1870-1871 a Londra è il peggiore in un secolo. La presenza della nebbia è particolarmente sentita nelle vedute di Monet del Parlamento, aperto solo un anno prima, Green Park, Hyde Park e London Pool. Lui stesso amava la nebbia londinese, che confessò a Rene Gimpel: “Mi piace Londra più della campagna inglese. Sì, amo Londra. È come una massa, come un insieme, eppure così semplice. La mia preferita è la nebbia londinese. Come potevano gli artisti inglesi del diciannovesimo secolo dipingere le loro case mattone dopo mattone? Nei loro dipinti raffiguravano persino mattoni che non potevano nemmeno vedere. Amo Londra solo d'inverno. D'estate la città fa bene ai suoi parchi, ma questo è niente in confronto all'inverno e alle nebbie invernali: senza nebbia Londra non sarebbe una bella città. La nebbia gli conferisce una scala incredibile. Sotto la sua misteriosa copertura, i quartieri monotoni e massicci diventano grandiosi. Successivamente, sarebbe venuto ripetutamente a Londra e avrebbe scritto più paesaggi londinesi di qualsiasi artista famoso.

A Londra, sia Monet che Pissarro hanno lavorato sodo. Anni dopo (nel 1906) Pissarro scrisse al critico inglese Winford Dew-Hirst (che allora lavorava a un libro sugli impressionisti): “Monet ed io eravamo affezionati al paesaggio londinese. Monet lavorava nei parchi e io, che vivevo a Lower Norwood, a quel tempo un affascinante sobborgo, lavoravo sugli effetti della nebbia, della neve e della primavera. Abbiamo scritto dalla natura. Abbiamo anche visitato musei. Certo, siamo rimasti colpiti dagli acquerelli e dai dipinti di Turner e Constable, le tele di Old Crome. Abbiamo ammirato Gainsborough, Lawrence, Reynolds e altri, ma siamo rimasti particolarmente colpiti dai paesaggisti che hanno condiviso le nostre opinioni sul plein air, sulla luce e sugli effetti fugaci. Tra artisti contemporanei eravamo interessati a Watts e Rossetti.

Daubigny presenta Monet al mercante d'arte francese Paul Durand-Ruel. Mentre viveva a Londra, Durand-Ruel aprì una galleria in Bond Street. Questo incontro si rivelò molto importante, poiché fu Durand-Ruel a trattare con fiducia e interesse il lavoro di Monet e di altri artisti del futuro gruppo impressionista, aiutandoli a organizzare mostre e vendere dipinti. Ad eccezione della seconda mostra, nel 1871, Durand-Ruel rappresentò gli impressionisti in tutte le mostre della Società degli artisti francesi. Le opere di Pissarro e Monet venivano esposte frequentemente e i prezzi richiesti per loro indicavano come lo stesso Durand-Ruel le valutava. In una mostra nel 1872, le vedute di Pissarro di Norwood e Sydenham furono valutate 25 ghinee e l'anno successivo la "Casa del Parlamento" di Monet fu venduta per 30 ghinee.

Monet e Pissarro hanno presentato il loro lavoro alla mostra estiva della Royal Academy, ma, come ha osservato mestamente Pissarro, "Naturalmente siamo stati respinti". Deve essere stato grazie a Durand-Ruel se i loro dipinti furono esposti alla sezione francese dell'Esposizione Internazionale di South Kensington nel 1871, ma nonostante i molti commenti sulla mostra sulla stampa, passarono inosservati.

Nel 1871, Monet viene a sapere della morte del padre e parte per la Francia. Lungo la strada visita l'Olanda, dove, stupito dallo splendore del paesaggio, si ferma per un po' e dipinge diversi quadri con mulini a vento riflessi nelle acque serene dei canali.

Grazie a Manet, con il quale stringe ormai una forte amicizia, si ritrova ad Argenteuil sulle rive della Senna una casa con un giardino dove poter coltivare dei fiori, che alla fine diventeranno la vera passione dell'artista.

Renoir lo visitava spesso: in quel periodo si avvicinarono molto, l'esperienza pittorica congiunta influenzò non solo lo sviluppo del loro stile pittorico individuale, ma anche la formazione dell'impressionismo in generale. L'estate del 1873 si rivelò lussuosa. Dipingevano spesso gli stessi paesaggi, ottenendo sorprendenti effetti di luce e colore con piccoli tratti pulsanti, come applicati sulla tela da una pistola a spruzzo. Mai più il loro lavoro sarà così simile. Nel 1913, quando due delle loro opere sullo stesso soggetto - anatre che nuotano in uno stagno - furono esposte nella galleria Durand-Ruel, nessuno dei due riuscì a identificare il suo dipinto. Nel giardino della casa di Monet ad Argenteuil, si sono dipinti a vicenda al lavoro. Renoir ha raffigurato il suo amico sullo sfondo di una massa di dalie multicolori, i cui colori vivaci sono esaltati dal giallo e dal grigio delle case sullo sfondo. Le case sono anche messe in risalto dal bagliore di nuvole leggere, appena toccate dalla luce gialla del sole della sera. Questo periodo idilliaco della loro comune passione per la luce e effetti di colore Monet ha trasmesso con particolare brillantezza in un'immagine raffigurante la facciata della sua casa: Camille, in piedi sulla porta, e una piccola figura di Jean sulla piattaforma, con un cappello di paglia con un cerchio in mano. Come il dipinto di Renoir, è dipinto con tratti leggeri e tremolanti, ma c'è una netta differenza tra il fogliame dettagliato e l'interpretazione quasi superficiale di altri dettagli: la figura di Camille e i vasi di fiori blu posti davanti alla casa.

Quell'estate fu per entrambi gli artisti eccezionalmente fruttuosa, e per Monet il successivo inverno non fu meno fruttuoso. Mai prima d'ora erano stati colti da un bisogno così forte di esprimere in termini artistici ciò che vedevano in quel momento, di trasformare la realtà della loro esperienza visiva in colori luminosi e puri.

In quel periodo anche la situazione finanziaria dell'artista migliorò sensibilmente: l'eredità paterna e la dote della moglie di Camille garantiscono alla famiglia di Monet una certa prosperità. Come prima, di tanto in tanto continua a viaggiare in Normandia.

Nel 1872, a Le Havre, Monet scrive “Impressione. Sunrise ”- una veduta del porto di Le Havre, presentata successivamente alla prima mostra degli impressionisti. Qui l'artista, a quanto pare, si è finalmente liberato dall'idea generalmente accettata dell'oggetto immagine come un certo volume e si è dedicato interamente a trasmettere lo stato momentaneo dell'atmosfera nei toni del blu e del rosa-arancio. Tutto, infatti, sembra diventare immateriale: il molo e le navi di Le Havre si fondono con le macchie nel cielo e il riflesso nell'acqua, e le sagome dei pescatori e delle barche in primo piano sono solo macchie scure realizzate con più pennellate intense. Il rifiuto della tecnica accademica, la pittura all'aria aperta e la scelta di soggetti inconsueti furono percepiti con ostilità dalla critica dell'epoca. Louis Leroy, autore di un furioso articolo apparso sulla rivista Sharivari, per la prima volta, in relazione a questo particolare dipinto, usò il termine "impressionismo" come definizione di una nuova tendenza della pittura.

Ma chi sono questi "scelti e sapienti intenditori" che acquistano le opere degli impressionisti? Il primo fu il conte italiano Armand Doria (1824-1896), nei lineamenti e nei modi, secondo l'amico Degas, che ricordano Tintoretto. Alla mostra acquistò la casa dell'impiccato di Cézanne per 300 franchi. Rimase un mecenate costante di Renoir: dopo la sua morte, quando la collezione fu venduta, vi si trovarono dieci dipinti di Renoir. "Impressione. Sunrise” è stata acquistata da Georges de Bellio, medico omeopata originario della Romania; Pissarro continuava a rivolgersi a lui per chiedere consiglio quando i suoi figli erano malati, o chiedergli di comprare un quadro quando ne aveva bisogno. Anche Monet si rivolgeva costantemente a lui per chiedere aiuto, in particolare nella seguente lettera: “È impossibile immaginare quanto io sia infelice. In qualsiasi momento possono venire a descrivere le mie cose. E questo è proprio nel momento in cui avevo la speranza di migliorare i miei affari. Buttato per strada, senza alcun mezzo, sarò disposto a trovare qualsiasi lavoro mi capiti. Questo sarà un colpo terribile. Non voglio nemmeno pensarci. Sto facendo un ultimo tentativo. Se avessi avuto 500 franchi, mi sarei salvato. Mi rimangono 25 quadri. Per questo importo, sono pronto a darteli. Prendendo queste tele, le salverai”. De Bellio, inoltre, acquistò otto dipinti da Renoir, oltre a diversi dipinti da Sisley, Morisot, Pissarro e Degas.

Monet aveva anche un altro ricco mecenate: Louis-Joachim Godiber (1812-1878), un uomo d'affari di Havre e artista dilettante che viveva in un castello di nuova costruzione a Montivilliers. Nel 1868 acquistò dai creditori diversi dipinti dell'artista e nello stesso anno, e l'anno successivo, pagò la manutenzione a Monet. Gli ha anche commissionato diversi ritratti dei membri della sua famiglia. Ho comprato dipinti di Monet e di un altro magnate locale Oscar Schmitz. Originario della Svizzera, gestiva una grande azienda cotoniera a Le Havre. Ma il più significativo dei mecenati di Monet nella prima metà della sua vita fu Ernest Gauschede (1838-1890), con il quale in seguito fu strettamente legato alla linea della vita. Questo direttore di uno dei grandi magazzini sorti a Parigi durante il Secondo Impero viveva a Maugeron, in un'imponente dimora rinascimentale. Qui tenne una collezione di dipinti, che comprendeva sei opere di Manet, tredici di Sisley, nove di Pissarro, sei di Degas e almeno sedici opere di Monet, al quale nel 1876 commissionò una serie di dipinti decorativi per la sua casa.

Dopo aver nuovamente viaggiato in Olanda, Monet torna ad Argenteuil. Lì Monet incontra l'artista e collezionista Gustave Caillebotte, diventano grandi amici. Ad Argenteuil, Monet, seguendo l'esempio di Daubigny, attrezza un laboratorio galleggiante per scrivere direttamente sulla Senna. È ancora appassionato di bagliori sull'acqua e, lavorando con Renoir, Sisley e Manet, sviluppa e affina una tecnica che gli consente di cogliere gli effetti di luce più velocemente dei cambiamenti di luce. Il 24 aprile 1874 si apre nello studio del fotografo Nadar sul Boulevard des Capuchins a Parigi una mostra della Società Anonima degli Artisti di pittori, scultori, incisori; Vi sono esposti Monet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro e molti altri artisti di varie tendenze stilistiche, accomunati da un appassionato desiderio di dissociarsi dalla pittura ufficiale presentata ai Salons. La mostra è stata criticata dalla stampa e il pubblico ha reagito negativamente; le opere esposte, in particolare i dipinti di un gruppo di artisti vicini a Monet, erano troppo nuove e incomprensibili per gli estimatori della pittura accademica, che nasceva sempre in bottega e presupponeva che l'arte non fosse altro che il desiderio di idealizzare, migliorare la realtà in nome dei canoni della cultura classica.

Anche la seconda mostra del gruppo, organizzata nel laboratorio di Durand-Ruel nel 1876, non incontrò comprensione critica. Monet ha poi esposto diciotto delle sue opere, tra cui il dipinto "Donna giapponese". Emile Zola, che ha sempre simpatizzato con gli impressionisti, dopo questa mostra ha riconosciuto Monet come il leader indiscusso del gruppo. Dopo il fallimento della mostra, è stato possibile vendere i dipinti con grande difficoltà, i prezzi erano estremamente bassi e per Monet è ricominciato un periodo di difficoltà materiali. In estate, tornando ad Argenteuil, conosce il finanziere e collezionista Ernest Goshede.

Nel tardo autunno, Monet torna a Parigi con il desiderio di dipingere scorci della città invernale attraverso un velo di nebbia e decide di fare della stazione di Saint-Lazare il suo oggetto. Con il permesso del direttore linee ferroviarie si trova alla stazione e lavora tutto il giorno, per questo realizza una mezza dozzina di tele, successivamente acquisite dal mercante Paul Durand-Ruel.

Nel frattempo, le mostre di un gruppo di artisti, ora noti come gli impressionisti, si tengono abbastanza regolarmente. Il terzo ebbe luogo nel 1877, il quarto nel 1879, ma il pubblico è ancora ostile a questa direzione e la situazione finanziaria di Monet, nuovamente assediata dai creditori, sembra senza speranza. È per questo che è costretto a trasferire la sua famiglia da Argenteuil a Vetheuil, dove vive con la coppia Goshede e dipinge diversi magnifici paesaggi con vedute dei dintorni.

Nel 1879 Camilla, dopo una lunga malattia, muore a soli trentadue anni. “Questa mattina, alle dieci e mezza, dopo sofferenze insopportabili, la mia povera moglie si è calmata. Sono in uno stato terribilmente depresso, completamente solo con i miei sfortunati figli. Ti scrivo chiedendoti di farmi un altro favore: potresti riscattare dal Mont des Pitiers (banco dei pegni della città di Parigi) un medaglione, per il quale ti mando un deposito cauzionale. Questa cosa era cara a mia moglie e, salutandola, vorrei metterle questo medaglione al collo ”, scrisse Monet al suo benefattore, Georges de Bellio.

Nel 1879, Monet dipinge un bellissimo ritratto della sua amata donna. Un anno dopo, Monet invia al Salon due tele, ma solo una di esse viene accettata dalla giuria. Questa è l'ultima mostra ufficiale a cui Monet partecipa.

Nel giugno dello stesso anno si apre una mostra di diciotto dipinti di Monet nella sala della rivista "Vi Modern" ("Vita moderna"), di proprietà dell'editore e collezionista Georges Charpentier. Porta all'artista il tanto atteso successo sulla stampa. E la vendita dei dipinti di questa mostra consente a Monet di migliorare la sua situazione finanziaria.

Alla fine riuscì a fare quello che voleva senza pensare a vendere i suoi quadri. A partire dalla sua mostra personale da Georges Petit nel 1880, la cerchia dei suoi mecenati si allarga. Il suo reddito da Durand-Ruel nel 1881 era di 20.000 franchi; inoltre, ha tratto profitto dalla vendita delle sue opere privatamente e tramite altri commercianti.

Va a scrivere a Fécamp, in Normandia, dove la natura, il mare e l'atmosfera speciale di questa terra lo attraggono. Lì lavora, vivendo a Dieppe, oa Pourville, oa Etretat, e crea una serie di magnifici paesaggi.

Nel frattempo, alcuni cambiamenti stanno avvenendo nel gruppo impressionista e si sta preparando una scissione. Renoir già nel 1878 non partecipò alla quarta mostra degli impressionisti, ritenendo di dover tentare di tornare sulla via ufficiale, e quindi esporre le sue opere al Salon. Lo stesso Monet tenta di fare altrettanto nel 1880, e nel 1881 non partecipa alla sesta mostra del gruppo, ma partecipa invece alla settima, tenutasi nel 1882.

Nel 1883 Manet muore, la sua morte coincide simbolicamente con la disgregazione del gruppo. Nel 1886 ebbe luogo ufficialmente l'ottava e ultima mostra degli impressionisti, ma Renoir, Monet, Sisley non vi parteciparono; ma Georges Seurat e Paul Signac si dichiararono. rappresentanti di una nuova tendenza: il cosiddetto puntinismo. In questo periodo Monet, trasferitosi con la famiglia Gauchede nel paesino di Giverny nel lontano 1883, si reca in Italia, a Bordighera, dove ammira lo splendore della luce, e partecipa alle mostre organizzate a Parigi dal mercante Georges Petit. I suoi viaggi in Normandia, a Etretat non si fermano; lì incontra Guy de Maupassant. Nel 1888, Monet lavora ad Antibes. Grazie all'interessamento di Theo van Gogh - titolare della galleria e fratello dell'artista - riesce ad esporre in due gallerie parigine con contenuto sostegno della critica.

L'anno successivo, Monet ottiene finalmente un vero e duraturo successo: nella Petit Gallery, in contemporanea con una mostra di opere dello scultore Auguste Rodin, viene organizzata una mostra retrospettiva di Monet, che presenta centoquarantacinque sue opere dal 1864 al 1889. Monet diventa un pittore famoso e rispettato.

Dopo l'esposizione organizzata nel 1886 da Durand-Ruel a New York, gli americani si interessarono alle creazioni di Monet. Il risultato è stato eccellente. Nel 1887 il reddito totale di Monet raggiunse i 44mila, e nel 1891 Durand-Ruel e la ditta "Busso e Valadon" gli portarono circa 100mila franchi. Nel periodo dal 1898 al 1912 il suo reddito oscillò intorno alla cifra di 200mila.

La prosperità che aveva così disperatamente sognato in gioventù fu finalmente raggiunta, e ne fece buon uso, creandosi una cittadella di pace economica e mentale. Mai prima d'ora nella storia dell'arte il nome di un artista è stato associato così strettamente alla sua casa. Questa cittadella aveva anche parametri fisici. Nel 1883 iniziò ad affittare una casa a Giverny da un proprietario terriero normanno (il proprietario stesso si trasferì a vivere nel villaggio di Vernoy), e Monet visse in questa casa per quarantatré anni, fino alla sua morte nel 1926. Per il mondo dell'arte la casa e il giardino di Giverny, in quegli anni e fino ad oggi, hanno lo stesso significato di Assisi per i seguaci di San Francesco. Costantemente circondato da una folla rumorosa di figli adottivi e dalle cure di una moglie amorevole ma scontrosa, Monet mantenne rapporti con una vasta cerchia di amici: artisti e scrittori.

Il viaggiatore Monet, a differenza di altri impressionisti, era un appassionato. Ha viaggiato in Norvegia, dove viveva il figlio adottivo Jacques; fece viaggi a Venezia, ad Antibes, in Olanda, in Svizzera, più volte a Londra. In Francia ha visitato Petit-Dal sulla costa della Normandia, dove suo fratello aveva la sua casa; Belle-Ile, Noirmoutier, la valle della Creuse nel Massiccio Centrale; infine Rouen, dove trascorse diversi giorni. Da tutti questi luoghi ha portato una pila di schizzi, che ha terminato a Giverny. Ha viaggiato a Parigi abbastanza spesso - è stato bello viaggiare non lontano: a teatro o all'Opera, dove ha ascoltato con piacere Boris Godunov, e in seguito ha ammirato il balletto russo di Diaghilev, che ha molto apprezzato. Segue da vicino le mostre in corso, soprattutto quelle a cui partecipano Van Gon, Seurat, Gauguin, oltre a Vuillard e Bonnard, che vengono da lui a Giverny. Monet leggeva molto, soprattutto interessandosi molto all'enorme "Storia di Francia" di Michelet, a lui nota fin dall'infanzia e nutriente forte sentimento patriottismo in molte delle sue opere. Leggeva diligentemente autori moderni: Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarmé, Tolstoj e Ruskin e conservava una solida collezione di libri sul giardinaggio.

Monet ha dedicato molto lavoro al suo ambiente, trasformando una fatiscente casa normanna in un luogo ideale in cui vivere. Julie Manet, figlia di Berthe Morisot e Eugène Manet, che vi visitò nel 1893, poco dopo alcune modifiche intraprese da Monet, scrisse nel suo affascinante diario di impressioni: “Dal nostro ultimo viaggio a Giverny, la casa è cambiata notevolmente. Al di sopra della bottega M. Monet si predispose una camera da letto con grandi finestre e porte, con parquet di pino resinoso. Molti dipinti sono appesi in questa stanza, tra cui Isabelle Combing Her Hair, Gabriel at the Basin, Cocotte in a Hat, un pastello raffigurante maman, un pastello di zio Edward, un nudo molto attraente di Mr. Renoir, dipinti di Pissarro, ecc.

Ma il giardino sembrava ancora più sorprendente: non solo esprimeva la personalità di Monet, ma era anche un punto di riferimento in sé. Quasi tutta la sua vita Monet ha vissuto in case con giardino, ad Argenteille ea Veteil, e sicuramente li ha catturati nei suoi dipinti. Fu incoraggiato a dedicarsi al giardinaggio da Caillebotte, che aveva un meraviglioso giardino a Petit-Genville e che corrispondeva con lui su questioni speciali. Erano tempi fertili per i giardinieri. Nuove piante furono importate in Europa dall'America e dall'Estremo Oriente. Negli anni ottanta dell'Ottocento si presentò una nuova opportunità per coloro che non avevano accesso ai vivai di ordinare i semi per posta: questa nuova attività esplose. Monet raccoglieva avidamente cataloghi di semi e "sistemava" i suoi giardini come un quadro pittoresco. Nei suoi appunti fatti ad Argenteuil, ad esempio, viene data un'istantanea della distribuzione dei colori per sette file di rose: viola, bianco, rosso, viola, giallo, crema, rosa.

Arrivato per la prima volta a Giverny, vide in casa solo un comune giardino, tipico di un villaggio francese. Monet iniziò subito a rifarlo: prima di tutto gli diede geometricità piantando specifici fiori "da giardino": marshmallow, dalie, rose, nasturzi, gladioli; li piantò in tale ordine che la loro fioritura continuò quasi tutto l'anno. Il giardino copriva circa due acri e parte di esso si trovava dall'altra parte della strada. Nelle vicinanze c'era un piccolo stagno; Monet lo acquistò, insieme ai terreni circostanti, nel 1893. Dopo aver ricevuto il permesso dalle autorità locali, lo trasformò in un giardino acquatico, facendovi entrare l'acqua del vicino fiume Epte attraverso le chiuse. Attorno allo stagno piantò fiori e arbusti: alcuni di origine locale - lamponi, peonie, agrifoglio, pioppi; parte di piante esotiche - ciliegie giapponesi, anemoni rosa e bianchi. I due giardini erano volutamente opposti l'uno all'altro. Quello che era a casa conservava il tradizionale aspetto francese: con vicoli intrecciati con piante rampicanti; percorsi ad angolo retto tra loro, con gradini che conducono da una parte all'altra del giardino. Il giardino che si estendeva dall'altra parte della strada e intorno al laghetto era volutamente esotico e romantico. Nel progettarlo, Monet ha seguito il consiglio di un giardiniere giapponese che visitava Giverny da tempo: ginkgo cinese, alberi da frutto giapponesi, bambù, un ponte giapponese, come se fosse migrato qui dall'incisione di Hokusai, spiccavano tra la modesta vegetazione abituale. Le ninfee galleggiavano nello stagno e il giardino era punteggiato da un labirinto di sentieri tortuosi e intersecanti.

"Il mio lavoro più bello è il mio giardino", ha detto Monet. E i contemporanei erano d'accordo con lui. Proust ha descritto molto accuratamente questo giardino: “Questo non è il giardino di un vecchio fioraio, ma piuttosto il giardino di un colorista, se così posso chiamarlo, un giardino dove la totalità dei fiori non è una creazione della natura, poiché sono piantati in modo tale che sboccino contemporaneamente solo fiori dalle sfumature armonizzanti, creando un campo infinito di blu o rosa."

Octave Mirbeau, scrittore e critico che non ha mai lesinato sugli epiteti, attribuisce questa tenuta Descrizione completa: “In primavera, su uno sfondo di alberi da frutto in fiore, gli iris sollevano i loro petali vorticosi, ornati di balze bianche, rosa, viola, gialle e blu con strisce marroni e macchie viola. In estate, nasturzi di varie sfumature e papaveri della California color zafferano cadono in grappoli abbaglianti su entrambi i lati del sentiero sabbioso. Magicamente incredibili, favolosi papaveri crescono in ampie aiuole, intasando le iridi appassite. Una straordinaria combinazione di colori, molte sfumature pallide; una magnifica sinfonia di bianchi, rosa, gialli, lilla, con colpi di incarnati chiari, contro i quali esplodono aranci, sprazzi di fiamma ramata, macchie rosse sanguinano e scintillano, lillà infuriano, lingue di fuoco nero e viola.

Monet ha detto che ha speso la maggior parte delle sue entrate nel giardino. Ma questa è solo una modesta esagerazione. Teneva un giardiniere e cinque operai, e lui stesso era costantemente impegnato nel lavoro per migliorare ed espandere il giardino.

Rivolgendosi alla prefettura per ottenere il permesso di ricostruire lo stagno, Monet scrisse che ciò era necessario "per amore di una festa per gli occhi e motivi per dipingere". Giverny e i suoi giardini, infatti, non servirono solo come motivi per la sua pittura; gli diedero una sorta di base per realizzare il progetto che sarebbe diventato l'opera della sua vita, e di cui questo giardino si rivelò l'apice.

Nel 1892, Monet sposa finalmente Alice, di cui è innamorato da molti anni. Allo stesso tempo, Monet ha scritto "Hacks" - la prima grande serie di dipinti, in cui l'artista cerca di catturare sulla tela le sfumature dei pagliai illuminati. cambiando a seconda dell'ora del giorno e del tempo. Lavora contemporaneamente su più tele, spostandosi dall'una all'altra secondo gli effetti di luce emergenti. Questa serie ebbe un grande successo e influenzò in modo significativo molti artisti dell'epoca.

Monet ritorna all'esperienza di Haystacks in una nuova serie: Poplars, dove sono raffigurati anche alberi sulle rive del fiume Epte in diversi momenti della giornata. Mentre lavora a Poplars, Monet si reca ogni volta in cantiere con diversi cavalletti e li allinea in fila per spostarsi rapidamente dall'uno all'altro a seconda dell'illuminazione. Inoltre, questa volta vuole esprimere la propria visione nei dipinti, e lo fa in pochi minuti, gareggiando in velocità con la natura.

Prima di finire la serie, Monet viene a sapere che i pioppi verranno abbattuti e venduti. Per completare il lavoro, contatta l'acquirente e gli offre un rimborso monetario per il rinvio dell'abbattimento. Anche questa serie, esposta alla Galerie Durand-Ruel nel 1892, ebbe un grande successo, ma ancor più entusiasmò fu la grande serie "Cattedrale di Rouen", alla quale Monet lavorò dal 1892 al 1894. Mostrando costantemente il cambiamento dell'illuminazione dall'alba al crepuscolo serale, dipinse cinquanta vedute della maestosa facciata gotica, dissolvendosi, smaterializzandosi nella luce. Scrive sempre più velocemente, applicando frettolosamente tratti punteggiati alla tela.

Nel febbraio 1895 si reca in Norvegia, a Sandviken, vicino a Oslo, dove dipinge fiordi, il monte Kolsaas e vedute del villaggio in cui vive. Questo ciclo di paesaggi invernali ricorda stilisticamente opere dipinte intorno al 1870. L'anno successivo Monet compie un vero e proprio pellegrinaggio nei luoghi dove ha dipinto negli anni precedenti; e Pourville, Dieppe, Varezhenville tornano di nuovo alle sue tele.

Nel 1897 la collezione di Gustave Caillebotte, morto nel 1894, diventa proprietà dei musei nazionali e molte opere degli impressionisti finiscono finalmente nelle collezioni statali. In estate, venti dipinti di Monet vengono esposti alla seconda Biennale di Venezia.

Nell'autunno del 1899, a Giverny, inizia il ciclo delle Ninfee, al quale lavorerà fino alla morte. L'inizio del nuovo secolo trova Monet a Londra; l'artista dipinge nuovamente il Parlamento e una serie di dipinti uniti da un motivo: la nebbia. Dal 1900 al 1904 Monet viaggiò spesso in Gran Bretagna e nel 1904 espose trentasette vedute del Tamigi alla Durand-Ruel Gallery. In estate torna alle Ninfee e nel febbraio dell'anno successivo partecipa con cinquantacinque opere a una grande mostra degli impressionisti organizzata da Durand-Ruel a Londra.

Nel 1908 Monet parte per il suo penultimo viaggio: si reca con la moglie a Venezia su invito della famiglia Curtis, amico americano dell'artista John Singer Sargent, dove vive a Palazzo Barbaro sul Canal Grande. Monet decide di rimanere in città più a lungo per lavorare e si stabilisce al Britannia Hotel per due mesi. È così affascinato dall'atmosfera di Venezia, dai giochi di luce, dai riflessi dell'acqua e dai riflessi dei monumenti in essa contenuti, che vi ritorna l'anno successivo. Ad un architetto che, durante un'intervista, affermò che "Palazzo Ducale può essere definito un esempio di architettura impressionista piuttosto che architettura gotica”, - Monet ha risposto: “L'architetto che ha concepito questo palazzo è stato il primo impressionista. Lo ha creato galleggiando sull'acqua, sorgendo dall'acqua, splendendo nell'aria di Venezia, proprio come un pittore impressionista mette sulla tela pennellate lucenti per trasmettere il senso dell'atmosfera. Lavorando su questo quadro, ho voluto dipingere esattamente l'atmosfera di Venezia. Il palazzo che appariva nella mia composizione era solo un pretesto per ritrarre l'atmosfera. Del resto tutta Venezia è immersa in questa atmosfera. Galleggia in questa atmosfera. Questo è impressionismo nella pietra”. Rientrato in Francia, continua a lavorare nel laboratorio sui dipinti del periodo veneziano, che saranno esposti solo nel 1912, un anno dopo la morte della moglie Alice, nella Bernheim Jr. Gallery. La mostra è stata preceduta da un articolo di Octave Mirbeau.

Dal 1908 la visione dell'artista iniziò a deteriorarsi; ora dedica tutta la sua attenzione al giardino e continua a lavorare alla serie delle Ninfee, iniziata nel lontano 1890. Dopo aver deviato le acque di un piccolo affluente del fiume Epte, la Rue, che scorreva attraverso la sua terra, Monet realizzò un piccolo stagno a Giverny. Sulla superficie a specchio del serbatoio così ottenuto, fece crescere ninfee e piantò intorno salici e varie piante esotiche. Per completare il progetto è stato costruito un ponte di legno sullo stagno, la cui idea si è ispirata alle incisioni orientali. L'artista è sempre stato affascinato dai fiori e dai riflessi sull'acqua, ma questo progetto ne ha indubbiamente influenzato l'influenza cultura giapponese, diffusosi in Europa dalla metà del secolo e molto interessato a Monet e ai suoi contemporanei. Questo meraviglioso angolo del giardino è dedicato alle ultime grandi opere di Monet, un artista stanco i cui problemi alla vista si fanno sempre più gravi nel corso degli anni.

Nel 1914 morì il figlio maggiore Jean. Monet si sente sempre più solo. ma continua a lavorare, incoraggiato da Georges Clemenceau e Octave Mirbeau, che vengono spesso a trovare un amico.

Grazie alla presenza di Monet, Giverny si trasforma in una sorta di colonia di artisti, principalmente americani, ma lo stesso Monet preferisce guidare immagine chiusa vita, assicurando che non ha alcuna “ricetta” per i giovani, il che significa che non può insegnare niente a nessuno. Trascorre tutto il suo tempo in giardino e scrive, scrive. Il progressivo deterioramento della sua vista non gli permette più di trasmettere effetti di luce con la stessa precisione di prima. A volte, se la tela gli sembra senza successo, Monet distrugge il suo lavoro con rabbia. Eppure continua a dipingere e, a causa dei suoi problemi di vista, sviluppa un nuovo approccio alla pittura per se stesso.

In tanti anni di lavoro a Giverny, ogni angolo del giardino in ogni momento della giornata è rimasto impresso nella sua mente. E Monet ha pensato che sarebbe stato interessante scrivere una serie di impressioni dell'insieme, e non dal vero, ma in studio. A questo proposito, decise di costruire un nuovo grande laboratorio nella sua tenuta. La costruzione dei nuovi locali fu completata nel 1916: l'officina era lunga 25 metri, larga 15 e il soffitto era per due terzi di vetro. Lì Monet si mette al lavoro. Dipinge su tele che misurano quattro metri per due e crea opere straordinarie che in un complesso trasmettono le impressioni del regno che ha creato, catturando ancora e ancora sulla tela nebbie mattutine, tramonti, crepuscolo e oscurità notturna.

Nel 1918, in occasione dell'armistizio, decide di donare allo Stato una nuova serie. Il suo amico Georges Clemenceau, che era allora Primo Ministro, vuole fornire a Monet un locale prestigioso, vale a dire il Padiglione dell'Orangerie nel Giardino delle Tuileries. Ma Monet non è ancora soddisfatto del suo lavoro e, con la tenacia caratteristica della sua attitudine alla pittura, continua a lavorare fino al 1926, anno della sua morte. Oltre a una serie di otto pannelli donati allo Stato, collocati nella sala ovale dell'Orangerie nel 1927, Monet dipinse in questo periodo molte altre opere, che furono ritrovate dopo la morte dell'artista nella sua bottega di Giverny e sono ora nel Museo Marmottan di Parigi. Alcuni di loro, non datati, ma indubbiamente legati all'ultimo periodo della creatività, in un modo che si avvicina alle correnti estetiche d'avanguardia dell'inizio del secolo, in particolare all'espressionismo.

Monet porta infatti all'estremo il processo di smaterializzazione, già delineato in una serie di cattedrali. Non solo va oltre la stilistica dell'impressionismo, ma per certi versi, forse, anticipa il linguaggio artistico della pittura non figurativa del secondo dopoguerra.

La biografia si basa sul sito www.centre.smr.ru