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뭉크가 그림 비명을 그리도록 영감을 준 것은 무엇입니까? 에드바르트 뭉크의 절규의 실존적 공포

Edvard Munch "The Scream"의 유명한 그림이 오늘 처음으로 Londoners의 눈앞에 나타났습니다. 오랫동안노르웨이 표현주의 화가의 그림은 개인 소장품동포 Edvard Munch, 사업가 Petter Olsen, 그의 아버지는 예술가의 친구, 이웃 및 고객이었습니다. 흥미롭게도 서로 다른 예술적 기법, 뭉크는 썼다 네 가지 옵션라는 그림 "비명".

구별되는 특징런던에서 선보인 그림 "The Scream"은 작품이 놓인 원본 프레임입니다. 프레임은 Edvard Munch 자신이 그렸으며 그림의 음모를 설명하는 작가의 비문으로 확인되었습니다. 오슬로의 Edvard Munch Museum에는 The Scream의 두 가지 버전이 더 있습니다. 하나는 파스텔로, 다른 하나는 오일로 만들어졌습니다. 그림의 네 번째 버전은 노르웨이어로 되어 있습니다. 국립 박물관예술, 건축 및 디자인. Olsen의 "The Scream"은 시리즈의 첫 번째 그림으로 파스텔로 칠해져 있으며 다른 세 그림과 유난히 밝습니다. 색상 팔레트. Edvard Munch의 그림 "The Scream"은 사람의 고립, 절박한 외로움, 삶의 의미 상실을 구현합니다. 화면의 긴장감은 전경의 외로운 인물과 멀리서 바쁘게 지내는 낯선 사람들 사이의 극적인 대조를 제공합니다.

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그들은 왜 비명을 지르고 있습니까? 그래, 얼굴이 일그러져도 머리를 움켜쥐고 귀를 막고? 두려움에서, 절망에서, 절망에서. 이것이 뭉크가 그의 그림에서 전하고 싶었던 것입니다. 그 위의 왜곡된 모습은 고통의 화신이다. 석양은 그에게 이 그림에 영감을 주어 하늘을 핏빛으로 칠했습니다. 검은 도시 위로 불타오르는 붉은 하늘은 뭉크에게 주변의 모든 것을 꿰뚫는 비명을 느꼈습니다.

그의 작품에서 그는 비명을 한 번 이상 묘사했다는 점을 추가해야합니다 ( "Scream"의 다른 버전이 있음). 그러나 자연의 외침은 사실 그 자신의 내면의 외침을 반영한 것이었다. 그것은 모두 클리닉 치료로 끝났습니다 (Munch가 조울증 정신병을 앓았다는 증거가 있습니다).

그러나 피 묻은 하늘은 여기서 아무것도 보지 못했습니다. 이 말에는 은유가 없습니다. 천문학자들에 따르면 크라카토아 화산은 1883년에 폭발했습니다. 몇 달 동안 화산은 거대한 먼지 구름을 내뿜어 유럽에서 "피의"일몰을 일으켰습니다.

그리고 이 그림의 완전히 환상적인 버전도 있습니다. 그 지지자들은 뭉크가 외계 지능과 접촉할 기회가 있었다고 믿습니다(분명히 그림 속의 인물은 누군가 외계인을 연상시켰습니다). 이번 접촉에 대한 그의 인상은 다음과 같다고 그는 묘사했다.

19세기의 가장 중요하고 재능 있고 수수께끼 같은 예술가 중 한 명은 빈센트 반 고흐입니다. 그림 "The Scream"도 이 시기에 속합니다. 오늘날까지도 아마도 가장 잘 알려진 삽화지난 세기. 위대한 예술가와 위대한 예술 작품의 공통점은 무엇입니까? 그것을 알아 내려고합시다.

반 고흐의 전기

빈센트 반 고흐는 1853년에 태어났습니다. 그림 "The Scream"은 예술가가 이미 사망 한 1893 년에 그렸습니다. 그러나 스타일과 분위기는 그의 많은 작품과 비슷합니다. 왜 그들은 그렇게 비슷하고 누가 실제로 유명한 그림을 그렸습니까? 모든 것에 대해 순서대로.

반 고흐는 네덜란드의 작은 마을 Grot-Zundert에서 태어났습니다. 벨기에와의 국경이 바로 옆에 있었다. 그의 아버지는 개신교 목사였고 그의 어머니는 헤이그에서 온 성공적인 서점의 딸이었습니다.

미래의 예술가는 가족 중 두 번째 자녀였으며 친할아버지의 이름을 따서 명명되었습니다. 그 소년은 7살 때 마을 학교에 다녔지만 그곳에서 공부한 기간은 1년뿐이었습니다. 그는 여동생과 함께 집에서 계속 교육을 받았습니다. 11세에 그는 Zevenbergen에 있는 기숙 학교에 다녔습니다. 그리고 기관이 그의 집에서 멀지 않았지만 사랑하는 사람들과의 분리로 인해 Van Gogh는 심각한 고통을 겪었습니다.

기숙 학교에서 그는 언어와 그림에 대한 갈망을 보였는데 이는 놀라운 일이 아닙니다. 소년은 15세 때 한 학년도 중반에 기숙학교를 그만두고 집으로 돌아왔다. 이것은 그의 정규 교육의 끝이었습니다.

성인기의 첫 걸음

반 고흐는 16세부터 일했습니다. 그는 삼촌의 예술 및 무역 회사에서 시작하여 딜러 직업을 마스터했습니다. 처음에는 서비스에서 모든 것이 순조롭게 진행되었고 Vincent는 열심히 일하여 곧 더 유명한 런던 사무실로 옮겨졌습니다. 반 고흐가 매일 만난 최고의 작품그의 시대의 예술 덕분에 그는 곧 그림에 정통하기 시작했습니다.

그는 이끌었다 풍요로운 삶직장에서 정기적으로 전시회와 박물관을 방문했습니다. 하지만 불행한 사랑이 그를 가지고 놀았어 나쁜 농담. 거절 당하고 (아직 그가 누구와 사랑에 빠졌는지 정확히 알려지지 않음) Van Gogh는 점차 예배에 대한 관심을 잃고 성경을 많이 읽었습니다.

1875년에 그는 파리 사무실로 옮겨졌다. 동시에 그는 자신을 그리기 시작했습니다. 얼마 지나지 않아 그는 마침내 자신의 작업에 대한 관심을 잃었고 실제로 그가 속한 미술상을 결정했습니다. 최악의 적미술. 그 결과 그는 해고당했습니다.

예술가되기

그를 사로잡은 우울증과의 싸움에서 반 고흐는 예술적 창의성. 왕립 아카데미에서 수업을 들었다. 미술동생 테오의 도움으로 브뤼셀에서 그러나 그는 그곳에서 오랫동안 공부하지 않고 모든 것을 버리고 부모에게 떠났습니다. 그 당시 그는 스승이 교육을 받는 것이 필요하지 않고 재능과 근면만 있으면 충분하다고 믿었습니다.

그리고 다시 작가는 사랑의 충격을 경험했고 거절당했습니다. 그 후 그는 개인 생활을 정리하려는 시도에 영원히 실망했습니다.

그의 그림을 작업하면서 그는 가장 가난한 도시 블록의 삶을 연구하고 놀라운 색상과 음영을 얻었고 캔버스에 다양한 색상을 혼합하고 페인팅 기술을 결합했습니다.

반 고흐의 전성기

Van Gogh의 창의력의 전성기는 XIX 세기의 80 년대에 왔습니다. 그의 작품에서 그는 인간에게 적대적인 세력에 대한 동물의 두려움뿐만 아니라 예술적 기질을 보여주었습니다. 이 모든 것은 그의 캔버스 "The Yellow House", "Arles의 Red Vineyards", "Van Gogh 's Bedroom in Arles"에 반영되어 있습니다.

당시 그는 다른 사람과 긴밀한 연락을 취했습니다. 유명한 예술가그 시간 - 폴 고갱. 1888년 고갱은 당시 반 고흐가 살았던 아를(Arles)로 특별 여행을 떠나 남부 회화 작업장을 만드는 아이디어를 그와 논의했습니다. 그러나 그것은 모두 스캔들과 갈등으로 끝났습니다. Gauguin은 Van Gogh의 부주의에 짜증이 났지만 우리 기사의 주인공은 Gauguin이 미래의 이름으로 그림의 집단적 방향에 대한 아이디어를 받아 들일 수 없었기 때문에 손실을 입었습니다.

고갱과의 갈등

고갱과의 갈등은 1889년 새해를 일주일 앞두고 절정에 이르렀다. Van Gogh는 면도칼로 동료를 공격했고 기적에 의해서만 Gauguin은 탈출했습니다.

그 갈등의 원인과 상황은 아직 확실하지 않습니다. Van Gogh가 자고있을 때 Gauguin을 공격 한 버전이 있습니다. 후자는 그가 제 시간에 일어났다는 사실에 의해서만 구해졌습니다.

암살 시도가 실패한 후 반 고흐가 귓볼을 잘랐다는 것은 확실합니다. 그러나 여기에서도 그가 왜 그렇게 했는지에 대한 합의가 없습니다. 어떤 사람들은 이것이 후회의 발작으로 일어났다 고 믿고 다른 사람들은 그것이 압생트의 정기적 인 사용으로 인해 점점 더 예술가를 방문한 광기의 표현이라고 믿습니다.

다음날 아침 반 고흐는 정신과 진료소로 이송되었습니다.

마지막 작품

계몽 기간 동안 Van Gogh는 그림 작업을 계속하기 위해 클리닉에서 석방을 요청했지만 Arles 마을 주민들은 그의 광기 폭발을 두려워하여 그렇게하지 말라고 요청했습니다.

그 결과 작가는 Saint-Remy-de-Provence의 정신병 클리닉에 정착했습니다. 그곳에서 그는 1년 동안 새 캔버스에 부지런히 작업했습니다. 이 시기의 반 고흐의 작품은 " 별빛밤" 엄청난 긴장과 역 동성이 가장 분명하게 드러난다. 이 기간 동안 후기 인상파는 총 150 점의 캔버스를 그렸습니다.

1890년에 그는 파리 근처에 정착하여 계속 일했습니다. 여기에서 그는 그의 유명한 "까마귀가 있는 밀밭"을 썼습니다. 얼마 지나지 않아 그의 삶은 비극적으로 단축되었습니다.

페인트와 캔버스를 들고 산책을 가던 중 그는 새를 쫓아내기 위해 얼마 전에 산 리볼버로 가슴에 총을 맞았습니다. 총알이 심장 아래로 지나가고 스스로 호텔에 도착했지만 그를 구할 수 없었습니다. 빈센트 반 고흐는 1890년 7월 29일에 사망했습니다. 그는 "The Scream"이라는 그림을 본 적이 없으며 작가는 행성의 같은 부분에서 동시에 살았지만 작가를 만나지 않았습니다.

그림 "비명"의 역사

그림 "The Scream"은 1893년에서 1910년 사이에 만들어졌습니다. 사실 그것은 하나가 아니라 일련의 작품 전체였습니다. 그림 "The Scream"의 저자는 노르웨이 표현주의 자 Edvard Munch입니다. 캔버스를 한 번만 보면 미술 감정가들은 네덜란드 화가가 예술가에게 눈에 띄는 영향을 미쳤다는 것을 이해합니다.

"The Scream"은 20세기 새로운 예술의 전주곡인 표현주의의 상징이 되었습니다. 그의 작품에서 뭉크는 시간이 거의 남지 않은 모더니즘의 많은 요점을 예견했습니다. Van Gogh도 이것에서 특정 역할을했다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 그림 "The Scream"은 네덜란드 화가의 많은 작품을 연상시킵니다. 20세기에 주류가 된 주제를 다룹니다. 그것은 외로움, 절망, 소외입니다.

에드바르트 뭉크

그림 "The Scream"의 작가 Edvard Munch는 1863년 노르웨이의 Hedmark 마을에서 태어났습니다. 그는 뿐만 아니라 유명한 예술가예술이론가이기도 하다. 표현주의와 같은 방향의 첫 번째 대표자 중 하나입니다. 그의 작품은 20세기 미술에 큰 영향을 미쳤다. 저자와 가까운 주제는 삶에 대한 만족할 줄 모르는 갈증을 동반하는 죽음과 외로움입니다.

그의 첫 번째 중 하나 유명한 작품 1886년에 쓰여진 "아픈 소녀"가 되었습니다. 그는 누나 소피의 병과 죽음에 대한 자신의 기억을 바탕으로 큰 캔버스를 그렸습니다. 그는 작품에 대해 평단의 반응이 냉담한 가운데 내면의 감정을 화폭에 던지려 했다. 그 당시에는 영혼을 뒤집어 쓰는 솔직한 글을 쓰는 것이 아직 받아 들여지지 않았습니다.

그림 "비명"

Edvard Munch의 The Scream은 1893년에 그려진 것으로 여겨집니다. 캔버스에 그림 비명을 지르는 남자. 더욱이 그것은 너무 원시적이어서 골격, 정자 또는 배아의 수준으로 옮겨졌습니다.

그림 "비명"에 대한 설명은 주인공 머리의 둥근 윤곽과 그의 최대 너비를 반복하는 기복이있는 풍경을 언급하지 않고는 불가능합니다. 입을 벌리다. 여기저기서 비명소리가 들리는 것 같습니다. 밝은 부정적인 감정, 처음에는 많은 사람들이이 작품을 쓴 사람인 Munch 또는 Van Gogh를 이해할 수 없었습니다.

이 작품의 유일한 캐릭터에서 분출되는 부정적인 감정은 전체를 짓밟습니다. 세계단순한 범용 범위를 얻습니다.

그러나 일부 비평가들은 그림 "The Scream"에 대해 다른 설명을합니다. 그들은 작가 자신이 그를 불렀던 것처럼 "자연의 외침"때문에 괴로워하는 사람을 알아 차립니다. 뭉크에 대한 외침은 사방에서 들렸다.

에드바르트 뭉크의 그림은 다가올 세기를 들여다볼 수 있을 것 같았다. 이 백년 동안 인류에게 닥친 모든 전쟁, 전염병, 환경 재해 및 혁명을 예측합니다. 동시에 많은 비평가들에 따르면 저자는 문자 그대로 저항하고 역경을 극복 할 수있는 가장 작은 기회조차 거부합니다. 그것들은 불가피하며 순종해야 합니다. 저자는 이 상황에서 벗어날 방법이 없다고 본다.

"비명"의 버전

노르웨이 뭉크의 그림 "절규"에는 여러 버전이 있는 것으로 알려져 있습니다. 적어도 4개. 유명한 표현주의자는 다음을 사용하여 그렸습니다. 다른 기술그리고 쓰는 방법.

원본은 뭉크 미술관에 있는 그림 "절규" 노르웨이 수도갤러리에서 두 가지 버전으로 제공되는 오슬로. 하나는 기름에, 다른 하나는 파스텔에 있습니다.

같은 이름의 작가의 또 다른 작품은 노르웨이 국립 박물관에 보관되어 있습니다. 세계에서 가장 유명한 것으로 간주되는 것은이 버전입니다. 계정에 따르면 두 번째로 작성되었습니다. 그것을 만들기 위해 작가도 기름을 사용했습니다.

"Scream"의 다른 버전은 아직 없습니다. 주립 갤러리그러나 사적인 손에. 파스텔로 쓰여진 캔버스는 노르웨이 사업가이자 억만장자인 Petter Olsen의 소유였습니다. 2012년에 전시회를 열었습니다. 공개 경매. 그 결과 이 그림은 미국 사업가인 Leon Black에게 팔렸습니다. 비용은 거의 1억 2천만 달러에 달했습니다. 그 당시 그것은 예술 작품의 비용에 대한 기록이었습니다.

Munch의 작품에 대한 이러한 관심은 그녀를 그림을 훔치거나 위조하려는 침입자의 표적이 된 적이 한 번 이상이었습니다. 1994년 노르웨이 국립 박물관에서 유명한 The Scream 절도 사건이 발생했습니다. 그녀가 자신의 자리로 돌아갈 수 있었던 것은 불과 몇 달 후였습니다.

폴란드 평론가 St. Przybyshevsky는 그림 "The Scream"에 대해 다음과 같이 썼습니다. “이 그림에 대한 아이디어를 제공하는 것조차 불가능합니다. 불쌍한 이브의 아들의 외침에 하늘이 분노했습니다. 각각의 고통은 썩은 피의 심연이고, 각각의 확장된 고통의 울부짖음은 신흥 세계의 끓는 원자처럼 고르지 않고 대략적으로 옮겨진 밴드의 곤봉입니다... 그리고 하늘이 비명을 지르고 있습니다. 그리고 앞으로 플랫폼에는 한 남자가 비명을 지르며 양손으로 머리를 꽉 쥐고 있습니다. 그러한 비명에서 정맥이 터지고 머리카락이 회색으로 변하기 때문입니다.

에드바르트 뭉크의 절규표현주의가 널리 퍼지기 전에 그림이 그려졌지만 표현주의의 상징이자 쇼케이스입니다. 에드바르트 뭉크(반 고흐처럼) 그래픽과 컬러풀한 작품을 만들었을 뿐만 아니라, 생생한 감정으로 가득 채웠습니다. 그림의 경우 "비명"- 압도적인 감정. "비명"모더니즘과 20세기 예술의 서막이 된 이 작품은 외로움, 절망, 소외라는 모더니즘의 핵심 주제를 반영합니다.

이 사진은 가장 신비한 걸작세계 그림. 예술가의 힘 뭉크예술적 기량뿐만 아니라 주인의 특별한 철학, 주변 세계를 모호하게 보고 해석하는 능력에 있습니다. 내 자신 뭉크그는 자신이 본 것뿐만 아니라 그에게 철학적 반응을 불러일으킨 것을 묘사했다고 말했습니다. 그리고 이 그림에서 대두되는 것은 반응, 아니 오히려 재현된 감정이다.

1892년 "절망"의 그림에서 뭉크다음 항목을 작성했습니다.

“나는 두 동지와 함께 길을 걷고 있었다. 해가 지고 있었다. 갑자기 하늘이 핏빛으로 물들었고 우울함이 폭발하며 심장을 갉아먹는 고통을 느꼈습니다. 나는 멈추고 울타리에 기대어 지쳤습니다. 검푸른 피요르드와 도시 위에는 피와 불꽃이 깔려 있었다. 친구들은 계속 걸었고 나는 뒤에 남아 두려움에 떨며 자연을 꿰뚫는 끝없는 비명 소리를 들었습니다.

조금 후에 그는이 느낌을 그림으로 구현할 것입니다. "비명"또는 오히려 여러 사진에서.

결국 "비명"노르웨이 예술가의 일련의 표현주의 그림입니다. 에드바르트 뭉크, 핏빛 하늘을 배경으로 필사적 인 모습을 묘사합니다. 배경 풍경에서 "비명" Christiania의 Ekeberg 언덕에서 오슬로 피요르드의 전망을 짐작할 수 있습니다. 주어진 독일어 원래 이름 멍크그림은 "Der Schrei der Natur"("자연의 외침")였습니다.

에드바르트 뭉크, "절규". 1893

골판지, 오일, 템페라, 파스텔. 91 × 73.5cm

국립 미술관, 오슬로

“구도의 중심에는 필사적으로 비명을 지르는 남자의 모습이 시선을 끈다. 원시인의 비인격적인 얼굴에는 광기에 가까운 절망과 공포가 읽혀진다. 저자는 인색한 수단으로 가장 강력한 인간의 감정을 전달했습니다. 고통의 눈에서 입을 크게 벌리면 비명 자체가 꿰뚫고 정말 만져집니다. 귀를 덮는 손은 두려움과 절망의 공격을 막기 위해 자신에게서 도망치려는 사람의 반사적 욕구를 말합니다. 주인공의 외로움, 그의 연약함과 취약성은 전체 작업을 특별한 비극과 에너지로 채 웁니다.

뭉크네 가지 버전을 만들었습니다 "비명", 각각 다른 기술로 만들어졌습니다.

박물관에서 뭉크오일로 만든 것과 파스텔로 만든 두 가지 옵션 중 하나를 제시했습니다.

가장 유명한 두 번째 버전은 노르웨이 국립 박물관에 전시되어 있습니다. 오일로 칠해져 있습니다.

사적인 손에 남아있는 유일한 버전의 플롯은 파스텔로 만들어집니다. 노르웨이의 억만장자 Petter Olsen이 소유했으며 2012년 5월 경매에 부쳤습니다. 그 결과 이 그림은 Leon Black에게 1억 1,992만 500달러에 팔렸는데, 이는 당시 예술 작품에 대한 기록을 세웠습니다.

경매 전날 소더비 이사회의 공동 회장인 데이비드 노먼(David Norman)은 다음과 같이 말했습니다.

« "비명"집단 무의식을 말합니다. 국적, 신조, 나이가 어떻든 적어도 한 번은 같은 실존적 공포를 경험했을 것입니다. 특히 모두가 생존을 위해 싸우는 폭력과 자기 파괴의 시대에 말입니다.”

그는 또한 캔버스가 뭉크는 두 차례의 세계대전, 홀로코스트, 환경재앙, 핵무기로 20세기를 예언한 예언서가 되었다.

참고로 이 버전 "비명"반 고흐의 해바라기나 말레비치의 작품과 어깨를 나란히 하는 역사상 가장 잘 알려진 예술 작품 중 하나입니다.

비명 - 에드바르트 뭉크. 1893. 판지, 오일, 템페라, 파스텔. 91x73.5

표현주의 패턴, 그림 "비명", 수많은 변형과 마찬가지로 여전히 세계 회화의 가장 신비한 걸작 중 하나입니다. 많은 비평가들은 그림의 줄거리가 정신적으로 건강에 해로운 사람의 아픈 환상의 열매라고 믿습니다. 누군가는 작품에서 생태 재앙의 예고를보고 누군가는 어떤 종류의 미라가 저자에게이 작업을하도록 영감을 주 었는지에 대한 질문을 해결합니다. 모든 철학 뒤에는 중요한 것이 사라집니다. 이 그림이 불러 일으키는 감정, 전달하는 분위기 및 각 시청자가 독립적으로 공식화 할 수 있다는 생각입니다.

저자는 무엇을 표현했는가? 그는 모호한 작업에 어떤 의미를 부여했을까? 세상에 하고 싶었던 말은? 이 질문에 대한 답은 다를 수 있지만 모두가 하나의 공통된 의견에 동의합니다. "비명"은 시청자가 자신과 현대 생활에 대한 어려운 생각에 빠지게 만듭니다.

그림 "비명"의 분석

붉게 불타오르는 뜨거운 하늘이 차가운 피요르드를 뒤덮었고, 이는 차례로 어떤 바다 괴물. 긴장은 공간을 왜곡하고, 선이 끊어지고, 색상이 일치하지 않으며, 원근법이 파괴됩니다.

그림의 영웅들이 서 있는 다리만이 파괴할 수 없을 정도로 평평합니다. 그것은 세계가 빠져드는 혼돈에 반대합니다. 다리는 인간과 자연을 분리하는 장벽입니다. 문명의 보호를 받으며 사람들은 느끼고 보고 듣는 방법을 잊었습니다. 주변에서 일어나는 일에 어떤 식 으로든 반응하지 않는 멀리있는 두 명의 무관심한 인물은 음모의 비극만을 강조합니다.

필사적으로 비명을 지르는 남자의 모습이 구도의 중앙에 배치되어 우선 시청자의 시선을 끈다. 원시인의 비인격적인 얼굴에는 광기에 가까운 절망과 공포가 읽혀진다. 저자는 인색한 수단으로 가장 강력한 인간의 감정을 전달했습니다. 고통의 눈에서 입을 크게 벌리면 비명 자체가 꿰뚫고 정말 만져집니다. 귀를 덮는 손은 두려움과 절망의 공격을 막기 위해 자신에게서 도망치려는 사람의 반사적 욕구를 말합니다.

주인공의 외로움, 그의 연약함과 취약성은 전체 작업을 특별한 비극과 에너지로 채 웁니다.

저자는 하나의 작업에서 복잡한 기술을 사용합니다. 오일 페인트그리고 온도. 동시에 작품의 채색은 단순하고 심지어 인색합니다. 사실 이 두 가지 색상의 혼합뿐만 아니라 빨간색과 파란색의 두 가지 색상이 모든 작업을 생성합니다. 중심 인물과 자연의 이미지에서 복잡하고 비현실적인 선의 곡선이 구성을 에너지와 드라마로 채웁니다.

시청자는 스스로 질문을 결정합니다. 작업에서 가장 먼저 오는 것은 외침 또는 변형입니다. 작업의 핵심은 무엇입니까? 아마도 절망과 공포가 외침에 나타나 주위에 기형을 일으켜 인간의 감정에 반응하면 자연도 비슷한 방식으로 반응합니다. 변형에서 "외침"도 볼 수 있습니다.

그림에 대한 역사적 정보

놀랍게도 뭉크의 이 작품은 공격자들에게 여러 번 도난당했습니다. 그리고 그것은 "비명"의 엄청난 비용이 아닙니다. 요점은 이 작품이 관객에게 미치는 독특하고 설명할 수 없는 영향입니다. 그림은 감정적으로 풍부하고 강한 감정을 불러일으킬 수 있습니다. 한편 작가는 가장 알려지지 않은 방법으로 19세기 말에 그의 걸작을 창조함으로써 20세기의 비극과 재앙의 풍부함을 예측할 수 있었다.

많은 영화 감독과 시나리오 작가가 다양한 종류의 영화를 만들도록 영감을 준 것은 바로 이 작품이었습니다. 그러나 그 어떤 영화도 뭉크의 걸작에 비극과 감성에 근접한 적은 없었다.

150년 전, 오슬로에서 멀지 않은 곳에 에드바르드 뭉크가 태어났습니다. 노르웨이의 화가로 소외와 공포에 사로잡힌 작품으로 무관심한 사람은 거의 없습니다. Munch의 그림은 작가의 전기와 그의 캔버스가 거의 항상 우울한 색으로 칠해지는 상황에 대해 거의 알지 못하는 사람들 사이에서도 감정을 불러 일으 킵니다. 그러나 고독과 죽음이라는 끊임없는 모티프와 더불어 그의 그림에서는 살고 싶은 욕망도 느껴진다.

"아픈 소녀"(1885-1886)

"아픈 소녀" 초기 사진뭉크, 그리고 가을에 작가가 처음으로 발표한 것 중 하나 미술 전시회 1886. 이 그림은 침대에 누워 있는 병약해 보이는 빨간 머리 소녀와 검은색 드레스를 입은 여성이 몸을 구부린 채 그녀의 손을 잡고 있는 모습을 묘사하고 있습니다. 반 어둠이 방을 지배하고 유일한 밝은 점은 밝아진 것 같은 죽어가는 소녀의 얼굴입니다. 11세의 Betsy Nielsen이 그림을 위해 포즈를 취했지만 캔버스는 사랑하는 누나 Sophie와 관련된 예술가의 기억을 기반으로 했습니다. 미래의 화가가 14살이었을 때 그의 15살 누이가 결핵으로 사망했고, 이는 가족의 어머니인 로라 뭉크가 같은 질병으로 사망한 지 9년 후에 일어난 일입니다. 가까운 두 사람의 죽음과 아버지 사제의 과도한 경건함과 엄격함으로 가려진 어려운 어린 시절은 뭉크의 평생 동안 느껴졌고 그의 세계관과 창의성에 영향을 미쳤습니다.

"제 아버지는 성미가 매우 급하고 종교에 집착했습니다. 저는 그에게서 광기의 싹을 물려받았습니다. 태어날 때부터 두려움, 슬픔, 죽음의 영이 저를 둘러쌌습니다." 뭉크는 어린 시절을 회상했습니다.

그림에서 소녀 옆에 묘사된 여성은 화가의 숙모 Karen Bjelstad로, 그녀가 죽은 후 그녀의 여동생의 아이들을 돌봤습니다. Sophie Munch가 소비로 죽어가는 몇 주 동안 Munch의 삶에서 가장 끔찍한시기 중 하나가되었습니다. 특히 그 당시에도 그는 처음으로 종교의 의미에 대해 생각했고 나중에 거부했습니다. 작가의 회고록에 따르면 불행한 밤에 모든 문제에서 신에게로 향한 그의 아버지는 "방을 위아래로 걸어 다니며기도에 손을 모으고"어떤 식 으로든 딸을 도울 수 없었습니다. .

앞으로 Munch는 그 비극적 인 밤으로 한 번 이상 돌아 왔습니다. 40 년 동안 그는 죽어가는 여동생 Sophie를 묘사 한 6 개의 그림을 그렸습니다.

젊은 예술가의 캔버스는 경험 많은 화가들의 그림과 함께 전시되었지만 비평가들로부터 엄청난 평가를 받았습니다. 그래서 "아픈 소녀"는 예술의 패러디로 불렸고 젊은 뭉크는 감히 미완성 그림을 제시했다는 비난을 받았다. 한 기자는 "에드바르 뭉크에게 할 수 있는 최고의 서비스는 묵묵히 그의 그림 옆을 걷는 것"이라며 캔버스가 전시의 전체적인 차원을 낮췄다고 덧붙였다.

비판은 "아픈 소녀"가 그의 생애가 끝날 때까지 주요 그림 중 하나로 남아 있던 작가 자신의 의견을 바꾸지 않았습니다. 그림은 이제 다음에서 볼 수 있습니다. 국립 미술관오슬로.

"절규"(1893)

많은 예술가들의 작품에서 가장 중요하고 유명한 그림, 그러나 Munch의 경우 의심의 여지가 없습니다. 그의 "Scream"은 예술에 약점이없는 사람들에게도 알려져 있습니다. 다른 많은 캔버스와 마찬가지로 Munch는 1893년에 그림의 첫 번째 버전을 작성하고 1910년에 마지막 버전을 작성하면서 몇 년에 걸쳐 The Scream을 재현했습니다. 또한이 기간 동안 작가는 "Alarm"(1894), 오슬로 피요르드 위의 같은 다리에있는 사람들을 묘사 한 "Evening on Karl John Street"(1892)와 같이 분위기가 비슷한 그림을 작업했습니다. 일부 미술사 학자에 따르면 이런 식으로 작가는 "비명"을 없애려고 노력했고 클리닉에서 치료를받은 후에 만 이를 수행 할 수있었습니다.

Munch와 그의 그림의 관계 및 해석은 비평가와 전문가가 가장 좋아하는 주제입니다. 누군가는 공포에 휩싸인 한 남자가 모든 곳에서 오는 "자연의 외침"(그림의 원래 제목-ed.)에 반응한다고 믿습니다. 다른 사람들은 뭉크가 20세기 인류를 기다리고 있는 모든 재앙과 격변을 예견하고 미래의 공포와 동시에 그것을 극복할 수 없음을 묘사했다고 믿습니다. 그럴지라도 감정적으로 가득 찬 그림은 표현주의의 첫 작품 중 하나가되었고 많은 사람들에게 상징으로 남아 있었고 그 안에 반영된 절망과 외로움의 주제는 모더니즘 예술의 주요 주제로 밝혀졌습니다.

"Scream"의 기초가 된 것에 대해 작가 자신이 일기에 썼습니다. "Nice 01/22/1892"라는 제목의 항목은 다음과 같이 말합니다. 푸르스름한 검은 피요르드와 도시 위의 피와 불꽃에서-내 친구들은 계속 갔고 나는 자연을 꿰뚫는 끝없는 비명을 느끼며 흥분으로 떨며 서있었습니다.

뭉크의 "절규"는 20세기 예술가들에게 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 대중 문화에서도 인용되었습니다. 그림에 대한 가장 분명한 암시는 유명한 것입니다.

"마돈나"(1894)

오늘날 "마돈나"로 알려진 뭉크의 그림은 원래 " 사랑하는 여자". 1893 년 Munch Stanislav Pshibyszewski의 작가이자 친구이자 현대 예술가의 뮤즈 인 Dagny Jul이 그녀를 위해 예술가를 위해 포즈를 취했습니다. Munch 외에도 Jul-Pshibyszewska는 Wojciech Weiss, Konrad Krzhizhanovsky, 줄리아 볼프톤.

뭉크가 생각한 것처럼 캔버스는 여성의 삶의 주요 주기인 아이의 임신, 자손의 생산 및 죽음을 반영해야 했습니다. 첫 번째 단계는 1895 년에 만들어진 석판화에 반영된 두 번째 뭉크 인 마돈나의 자세 때문이라고 믿어집니다. 왼쪽 하단에는 배아 자세의 인물이 있습니다. 화가가 그림을 죽음과 연관시켰다는 사실은 그림에 대한 자신의 논평과 뭉크의 관점에서 사랑이 항상 죽음과 불가분의 관계에 있었다는 사실에 의해 입증됩니다. 또한 Schopenhauer에 동의하는 Munch는 여성의 기능이 아이를 낳은 후에 성취된다고 믿었습니다.

벌거 벗은 검은 머리의 뭉크의 마돈나와 고전적인 마돈나를 결합시키는 유일한 것은 그녀의 머리 위의 후광입니다. 나머지 그림에서와 마찬가지로 여기서 Munch는 직선을 사용하지 않았습니다. 여성은 부드러운 "물결 모양"광선으로 둘러싸여 있습니다. 전체적으로 작가는 다섯 가지 버전의 캔버스를 만들었으며 현재 뭉크 박물관, 오슬로의 국립 미술관, 건축 및 디자인 박물관, 함부르크의 쿤스트할레 및 개인 소장품에 보관되어 있습니다.

"이별"(1896)

1890년대의 거의 모든 그림에서 뭉크는 동일한 이미지를 사용하여 바다 표면의 한 줄기 빛, 해안의 금발 소녀, 검은 옷을 입은 노인 여성, 고통받는 남성. 그러한 그림에서 뭉크는 보통 주인공을 전경그리고 그에게 과거를 상기시키는 무언가가 그의 뒤에 있습니다.

"이별"에서 주인공- 과거와 단절할 수 없는 기억을 가진 버려진 남자. Munch는 이것을 보여줍니다 긴 머리남자의 머리를 개발하고 만지는 소녀들. 부드럽고 완전히 쓰여지지 않은 것처럼 소녀의 이미지는 밝은 과거를 상징하며 실루엣과 얼굴 특징이 더 세심하게 묘사 된 남자의 모습은 우울한 현재에 속합니다.

Munch는 삶을 삶 자체와의 마지막 이별을 향한 길에 사람에게 소중한 모든 것과 지속적이고 일관된 이별으로 인식했습니다. 캔버스에있는 소녀의 실루엣은 부분적으로 풍경과 합쳐집니다. 이렇게하면 주인공이 손실에서 더 쉽게 살아남을 수 있으며 그녀는 평생 동안 필연적으로 헤어질 모든 것의 일부가 될 것입니다.

"다리 위의 소녀들"(1899)

"다리 위의 소녀들"은 창작 후 명성을 얻은 몇 안 되는 뭉크의 그림 중 하나입니다. 지난 십 년예술가의 삶. 이것은 소녀와 자연의 모습이 밝은 색상으로 묘사되는 평화와 평온으로 가득 찬 Munch의 몇 안되는 그림 중 하나이기 때문에 아마도 이런 일이 일어 났을 것입니다. 그리고 Munch의 그림과 그가 숭배했던 Henrik Ibsen 및 Johan August Strindberg의 작품에서 여성은 항상 삶의 연약함과 삶과 죽음 사이의 얇은 선을 상징하지만 "다리 위의 소녀들"은 예술가에게 드문 영적 기쁨의 상태.

뭉크는 이 그림의 7개 버전을 썼는데, 그 중 첫 번째 버전은 1899년으로 현재 오슬로 국립 미술관에 보관되어 있습니다. 1903년에 작성된 또 다른 버전은 im 푸쉬킨 박물관에서 볼 수 있습니다. AS 푸쉬킨. 이 그림은 Paris Salon of Independents에서 그림을 구입 한 수집가 Ivan Morozov가 러시아로 가져 왔습니다.