포스터, 유명한 예술가들의 고품질 복제품, 클립아트 및 대형 사진을 다운로드할 수 있습니다. Pierre Auguste Renoir - 인상파 장르의 예술가의 전기 및 그림 - Art Challenge

피에르 오귀스트 르누아르 - 프랑스 인상파 화가, 1841년 2월 25일 프랑스 리모주에서 태어났습니다. 그의 아버지는 재단사였습니다. 1862년 르누아르는 학교에 입학했다. 미술. 공부하는 동안 그는 A. Sisley, F. Basil 및 C. Monet과 같은 회화의 대가를 만났습니다. Pierre가 가장 좋아하는 아티스트는 A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard, G. Courbet입니다. 그의 초기 작품은 이 작가들의 작품과 스타일이 매우 유사합니다. 이미지에 거의 조각적인 형태를 제공하는 chiaroscuro에 대한 자세한 연구이지만 미래의 위대한 예술가의 독특한 손글씨가 눈에 띄었습니다. 이것은 가볍고 거의 통풍이 잘되는 색 구성표 인 Mother Anthony 's Tavern입니다.

르누아르의 작품은 그들이 함께했던 그림에 크게 영향을 받았습니다. 우호 관계그리고 종종 함께 그렸습니다. 그들의 가장 유명한 협력은 The Frog입니다. 그 후 Renoir의 그림은 눈에 띄게 변하기 시작했습니다. 예를 들어 그는 소위 컬러 그림자를 도입하고 빛 공기 환경의 이미지에서 특정 결과를 얻습니다. , Argenteuil의 Seine, Estac.

나다르 호텔에서 열린 인상파 전시회가 고전 회화에 더 열심인 분노한 비평가들에 의해 문자 그대로 불명예를 안은 후, 르누아르와 모네는 가난한 삶을 살아야 했습니다. 이것은 현재 파리의 오르세 미술관에 걸려있는 피에르 오귀스트 - 물랭 드 라 갈레트에게 진정한 성공을 가져다 준 그림까지 계속되었습니다.

르누아르의 그림은 표현력이 풍부한 특징과, 일상 생활, 이것에 의해 그들은 완전한 휴식의 상태에 들어가는 시청자를 숙고하도록 설정합니다. 다른 누구와도 달리이 분위기는 손에 개를 안고있는 여성의 특별한 장소 인 노 젓는 사람의 아침 식사 그림으로 전달됩니다. 미래의 아내르누아르.

1880년부터 르누아르는 아내와 함께 지중해, 알제리, 이탈리아 등 세계를 여행하기 시작했습니다. 여기에서 그는 지역 예술가들의 작품을 연구하고 지속적으로 스스로 작업합니다.

1903년 오 르누아르는 프랑스 남부에 있는 자신의 별장으로 이사했습니다. 그는 지속적으로 진행되는 끔찍한 관절염을 앓고 있습니다. 그럼에도 불구하고 그는 마비에 걸렸을 때에도 끊임없이 그림을 그립니다. 손가락이 더 이상 손을 잡을 수 없기 때문에 그는 손을 손에 묶습니다. 그 후 작가는 루브르 박물관에 전시된 자신의 그림 <우산>을 보기 위해 사랑하는 파리를 딱 한 번 찾았다.

1919년 12월 3일, Pierre-Auguste Renoir는 78세의 나이로 염증으로 사망하고 Essois에 묻혔습니다.

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르누아르 그림:

노 젓는 사람의 아침 식사

우산들

사려깊음

정원 안에


봄 풍경

도시에서 춤을

Bougival에서 춤을


바다에서 자고

로메인 랑코

미용 소녀

세탁부

수영 후

첫 번째 출구

파리지앵

벌거 벗은 여자

새로운 다리

나체상

국화가 있는 정물화

테라스에서

파리의 퐁데자르

소파에 앉아 벌거 벗은 여자

직장에서 모네

퐁텐블로 숲의 청년

얕은 수영장

클레멘타인 부인

해수욕객

강가에 있는 수영장

소스에 여자

기타를 연주하는 여자

잔느 사마리

Atel의 화가 Basil

가브리엘 진과 소녀

정원의 인물

유대인 결혼식

피아노에 두 여자

다이아나 더 헌트리스

만돌린을 가진 소녀

1.5세 아동의 초기 지적 발달. 책임에서 벗어나지 마십시오. 이 일에 참여해야 합니다! 저자의 Bereslavsky 방법은 자녀의 재능과 능력을 발견하는 데 도움이 될 것입니다.

물뿌리개를 든 소녀

물랭 드 라 갈레트의 무도회

머리에 파란 리본을 단 아가씨 그림펠

르누아르 피에르 오귀스트 프랑스 화가, 그래픽 아티스트 및 조각가. 젊었을 때 그는 도자기 화가로 일하면서 커튼과 부채를 그렸습니다. 1862-1864년에 Renoir는 파리의 Ecole des Beaux-Arts에서 공부했으며 그곳에서 미래의 인상주의 동료인 Claude Monet과 Alfred Sisley와 가까워졌습니다. Renoir는 파리에서 일했고 알제리, 이탈리아, 스페인, 네덜란드, 영국, 독일을 방문했습니다. 안에 초기 작업르누아르는 귀스타브 쿠르베와 젊은 에두아르 마네의 작품(1866, "어머니 안토니의 선술집", 국립 박물관, 스톡홀름).

1860년대와 1870년대로 접어들면서 르누아르는 야외 회화로 전환했습니다. 인물변화하는 빛과 공기 환경에서 ( "Bathing in the Seine", 1869, Pushkin Museum, Moscow). Renoir의 팔레트가 밝아지고 가벼운 다이나믹 스트로크가 투명하고 진동하며 색상이 은색 진주 반사로 포화됩니다 ( "The Lodge", 1874, Cortold Institute, London). 삶의 흐름, 임의의 삶의 상황에서 빼앗긴 에피소드를 묘사하는 Renoir는 마치 관능적 충만 함과 존재의 기쁨을 구현하려는 것처럼 무도회, 춤, 산책과 같은 도시 생활의 축제 장면을 선호했습니다 (Moulin de la Galette, 1876, 파리 오르세 미술관).

Renoir의 작품에서 특별한 장소는 시적이고 매력적입니다. 여성 이미지: 내부적으로는 다르지만 겉으로는 서로 약간 유사하며, 그 시대의 공통 스탬프로 표시되는 것 같습니다. 여배우 Jeanne Samary, 1878, Hermitage, Saint Petersburg). 누드 묘사에서 Renoir는 따뜻한 살색과 미끄러지는 밝은 녹색 및 회청색 반사 신경의 조합을 기반으로 카네이션의 보기 드문 정교함을 달성하여 캔버스에 부드럽고 둔한 표면을 제공합니다(“Nude Woman Seated on a Couch ", 1876). 훌륭한 컬러리스트 인 Renoir는 종종 색상에 가까운 최고의 톤 조합의 도움으로 흑백 그림의 인상을 얻습니다 ( "Girls in Black", 1883, Museum of Fine Arts, Moscow).

1880년대부터 르누아르는 점점 더 고전적인 명료성과 형태의 일반화에 끌렸고, 그의 그림에서 장식성과 고요한 전원성의 특징이 커지고 있습니다("Great Bathers", 1884-1887, 필라델피아 타이슨 컬렉션). Renoir의 수많은 그림과 에칭 ( "Bathers", 1895)은 간결함, 가벼움 및 획의 경쾌함으로 구별됩니다.

프랑스 화가 피에르 오귀스트 르누아르(1841-1919)- 인상주의의 기원에 서 있는 핵심 인물 중 한 명. 이미 그의 생애 동안 그는 동포들 사이에서 상당한 성공과 인정을 받았습니다. 이제 그의 이름은 다른 창립자들과 동등합니다.

미래 위대한 화가단순한 재단사 가족에서 왔습니다. 그는 일곱 자녀 중 여섯 번째 자녀였습니다. 이것이 아마도 Renoir가 어린 시절부터 부모와 동등하게 일한 이유 일 것입니다. 그는 13 살 때 접시 그림 작업장에 정착하여 첫 수입을 집으로 가져 왔습니다.

작가는 초상화, 정물, 도시 및 바다 경치, 장르 스케치 및 누드까지. 르누아르의 1400점 이상의 그림이 오늘날까지 살아 남았고 그 중 1377점은 인상주의적인 방식으로 쓰여졌습니다. 그림 외에도 그는 한동안 일했습니다.

Renoir의 노래 재능도 주목해야합니다. 가족이 Limoges에서 Paris로 이사 한 후 교회 합창단에 들어간 것은 미래입니다. 화성그의 섭정에게 큰 인상을 남겼습니다. 같은 시기에 그의 그림에 대한 재능이 드러나지 않았다면 그의 운명이 어떻게 되었을지 누가 ​​알겠는가?

그의 방향의 다른 대표자들과 달리 Renoir는 외식에 거의 관심이 없었습니다. 그는 실제로 빛의 놀이에 관심이 없었고 다른 작품에서 인상파의 모든 기술을 구현했습니다. 대부분 그 당시 상당히 부유 한 사람들과 그들의 사랑하는 사람들의 초상화였습니다. Pierre Auguste Renoir는 자신이 그림에 대해 아무것도 모른다고 자주 반복했습니다. 그는 여성, 어린이, 장미에만 관심이 있었습니다. 더욱이 예술에 대한 모든 이야기는 그를 슬프게 만들었고 때로는 완전히 격분했습니다.

그러나 그가 세속 초상화의 거장으로 평가받는 것은 우연이 아니다. 작가는 이미지에 약간의 감성을 부여하여 관객의 강압적 성향을 불러일으켰다. 그의 그림에서 르누아르는 예기치 않은 한 남자를 보여주었습니다. 생활 상황, 친척 및 친구와 의사 소통 할 때 자연의 아름다움과 하나가됩니다. 주인은 마을 사람들의 축제적인 삶을 보여주고자 했습니다. 그의 작품에서 우리는 고요한 휴식의 장면, 다채로운 영웅, 역동적인 걷기, 춤이 있는 공을 봅니다.

그의 작업의 다른시기에 Renoir는 그의 많은 기술을 근본적으로 수정했지만 그의 글의 특징은 항상 감정적이며 약간의 일시적이었습니다. 그는 첫인상부터 잽싸게 화보를 스케치했다. 이것은 인상파 화가들이 항상 추구했던 것입니다.

르누아르의 초기 작품은 장르와 스타일에 대한 부지런한 탐색과 관련이 있습니다. 요리 그림 그리기 워크숍이 끝난 후 청년이 온 미술 학교의 선생님은 Marc Gabriel Charles Gleyre였습니다. 젊은 예술가그는 많은 실험을 했고 결국 회화의 새로운 방향인 인상주의에 사로잡혔습니다.

이미 이 기간 동안 그는 한 장르에 국한되지 않고 The Artist's Mother(1860)의 초상화, The Return of the Boating Party(1862) 그림, 꽃 정물인 Crown of Roses(Crown of Roses, 1858)를 만들었습니다. ). 그들은 전송의 경쾌함과 감성으로 구별되지만 여전히 화신의 불확실성입니다. 그림은 강요된 학문적 학교의 손길과 수용된 것의 경계를 넘어서고자 하는 저항할 수 없는 욕망을 느낍니다.

첫 번째 성공적인 작업살롱에서 높은 평가를 받은 르누아르는 그의 사랑하는 "우산을 든 리즈"(Lise with Umbrella, 1867)의 초상화였습니다. 하얀 드레스를 입은 소녀의 근엄한 이미지가 잠시 전화 카드화가. 이때 Renoir는 Barbizon 학교의 예술가들뿐만 아니라 영향을 받았습니다.

1874년부터 1882년까지 르누아르는 익명의 협력 파트너십 동료들과 함께 들을 권리를 위해 싸웠고 결국 이로 인해 보편적인 인정을 받았습니다. 사실, 젊은 인상파의 첫 전시회는 실패했고 "인상파"라는 이름 자체가 공격적으로 보였습니다. 그럼에도 불구하고 파트너십의 모든 구성원은 어떻게 든 성공했습니다.

아마도 그의 가장 강력한 작품이 예술가의 손 아래에서 나온 것은 이 시기였습니다. Camille Monet And Her Son Jean In The Garden At Argenteuil, 1874, Pink and Blue(Pink and Blue, 1881) 및 "Ball at the Moulin de la" Galette"(물랑 드 라 갈레트에서의 춤, 1876). 그건 그렇고, 후자의 작은 사본은 Renoir의 가장 비싼 그림이되었습니다. 1990년 뉴욕 소더비 경매에서 7800만 달러에 팔렸다.

그 뒤를 이어 1890년대 초까지 르누아르 작품의 이른바 '앵그르 시대'가 지속된다. 예술가 자신은 그것을 "신맛"이라고 불렀습니다. 르네상스 고전 작품의 영향으로 화가의 취향이 변하고 있습니다. 르누아르는 인상주의를 단호히 버리고 사실주의로 회귀한다.

이 기간 동안 그는 세 명의 나체 소녀를 묘사하는 "The Great Bathers"(The Great Bathers, 1884-1887)라는 또 다른 유명한 사진을 만듭니다. 그림의 선이 훨씬 더 선명해지고 색상이 밝기를 잃었으며 다른 그림은 "차가워진" 것 같습니다.

르누아르 작품의 다음 10년은 일반적으로 "진주 시대"라고 불립니다. 작가의 화보 방식에 무지개 빛깔의 경향이 나타나서이 이름을 받았다. 이 시기의 가장 대표적인 작품은 “사과와 꽃”(1895-1896)과 “기타를 치는 여인”(기타를 치는 여인, 1896)이다. 이 단계에서 작가는 특히 캔버스에 관심이 많았습니다.

Renoir 작업의 마지막 기간은 일반적으로 "빨간색"이라고합니다. 이 경우 찾지 마십시오. 숨겨진 의미: 아티스트가 따뜻한 빨간색과 분홍색 음영을 선호하기 시작했습니다. 이때 그는 한 질병에 걸렸다가 다른 질병에 시달렸고 그 결과 그는 침대에 누워 약해진 손가락으로 붓을 꽉 쥐고 큰 어려움을 겪을 수밖에 없었습니다.

평생 동안 Pierre-Auguste Renoir는 자신이 그림에 대해 아무것도 모른다고 농담했습니다. 죽기 몇 시간 전에 그는 자신을 위해 모은 꽃다발에서 정물화를 그리기 위해 붓, 물감, 새 팔레트를 요청했습니다. 그의 마지막 말였다:

"나는 이것에 대해 뭔가 이해하기 시작한 것 같아요."

프랑스 화가 피에르 오귀스트 르누아르는 인상주의의 창시자로서 뿐만 아니라 햇빛으로 가득 찬 세상과 자연의 소동, 여인의 미소, 가치관의 조화를 노래하는 가수로 세계 회화의 역사에 입문했다. 인생의. 그의 그림은 존재의 기쁨, 행복감으로 가득 차 있습니다. 작가 자신이 말했듯이 :“나에게 사진은 ... 항상 즐겁고 즐겁고 아름다워야합니다. 예-아름답습니다! 인생에는 지루한 것이 충분합니다. 더 이상 새로운 것을 조작하지 맙시다. 2월 25일, 화가 탄생 173주년을 맞아 나는 그의 걸작 10점을 고찰할 것을 제안합니다.

르누아르의 진정한 첫 번째 걸작은 우산을 든 리사(1867)였습니다.

젊은 화가는 겨우 26세입니다. 이 그림은 오귀스트가 24세 때부터 알고 지낸 여자 친구를 묘사한 것입니다. Lisa Treo는 Renoir보다 6 살 어 렸습니다. 소녀는 그녀의 자발성, 신선함, 요정이나 인어와 같은 신비한 눈 표현으로 예술가를 매료 시켰습니다. 하얀 드레스를 입은 소녀의 매력적인 이미지가 변화무쌍한 화면 배경과 대조를 이룬다. 빛과 그림자의 유희는 예술가의 감정과 모델의 분위기를 더 깊이 이해할 수 있게 해줍니다. Lisa는 투각 우산 아래에서 신중하게 머리를 숙여 햇빛으로부터 자신을 보호했거나 소녀가 화가에게 자신의 감정을 공개적으로 보여주고 싶지 않았을 수도 있습니다. Lisa Treo와 Pierre Auguste Renoir가 묶인 것은 역사에서 알려져 있습니다. 낭만적인 관계, 그러나 예술가는 그녀와 결혼하기를 거부했습니다. Renoir에게는 예술이라는 하나의 열정이있었습니다. 비평가들은 초상화 기술의 혁신에 주목했습니다. 그 전에는 아무도 프랑스 인을 그렸습니다. 전체 높이비 왕족이며 그림의 배경에 특별한 중요성을 부여하지 않았습니다.
"우산을 든 라이자"는 1968년 전시회에서 성공을 거두었습니다. 1972년까지 피에르 오귀스트는 소녀를 그의 그림의 모델로 두 번 더 사용했습니다. 그리하여 "Odalisque"(1870), "Woman with a Parrot"(1871)이 탄생했습니다.

다음 걸작은 The Lodge (1874)였습니다.

그림은 공연을 기다리는 커플을 보여줍니다. 여성의 얼굴은 보는 사람을 향하고 있고, 그녀의 동반자는 쌍안경을 통해 다른 여성을 바라보고 있습니다. 여자의 살짝 동요한 얼굴은 오므린 입술과 살짝 슬픈 눈빛으로 전해진다. 그녀는 잠시 어떤 공연이 그들을 기다리고 있는지, 또는 신사의 이러한 행동이 그녀에게 불쾌하지 않은지 생각했습니다. 아니면 그녀는 자신을 보여주기 위해 오페라에 왔고 그녀의 감정은 동시에 자연 스럽습니다. 그녀의 신선한 얼굴에 요염한 그림자가 아니라 차분한 표정입니다. 이 그림은 인상주의의 상징 중 하나가 되었습니다.

유명인의 초상화 시리즈 프랑스 여배우예술가의 작품에서 XVIII 세기 말에는 특별한 관심이 필요합니다. Renoir Jeanne Samary - 여배우를 반복적으로 묘사했습니다. 프랑스 연극"코미디 프랑세즈". 주인은 그녀의 피부의 아름다움, 눈의 반짝임, 빛나는 미소에 감탄했고 기쁨으로 이러한 삶을 긍정하는 색상을 르누아르의 캔버스로 옮겼습니다. Jeanne 자신은 Pierre가 모든 감각을 전달하는 브러시를 통해서만 여성과 연결되어 있음을 반복해서 강조했습니다. 예술가의 초상화 4점은 사마리에게 헌정되었습니다. 이 중 두 개의 캔버스에 집중하고 싶습니다. "Portrait of Jeanne Samary"(1877), 주립 박물관 미술 A. S. Pushkin의 이름을 따서 명명되었으며 "배우 Jeanne Samary의 초상화"(1878)는 State Hermitage에 보관되었습니다.

첫 번째 인물 사진을 보면 보는 이는 젊은 여성의 웃는 얼굴, 발랄한 표정을 보고 설렘을 느낀다. 생명의 힘그리고 에너지. 1 ~ 2 분 정도 지나면 우리의여 주인공이 웃거나 시청자를 웃게 만들 것입니다.

"여배우 Jeanne Samary의 초상"은 1년 후에 작성되었으며 그녀의 전체 키를 보여줍니다. 그녀는 자개 피부를 돋보이게하는 가벼운 볼 가운을 입고 일본 병풍, 카펫 및 야자수를 배경으로 묘사되어 아름다운 얼굴푹신한 황금 헤어 스타일로 둘러싸여 있습니다. 여배우는 시청자를 바라보고 그녀의 모습은 약간 기울어 져 접근하는 느낌을줍니다. 그녀의 손은 꼭 쥐고 있지만 꽉 쥐지는 않았지만 언제든지 포옹을 할 수있는 것 같습니다. 초상화에서 친밀함과 정적의 부재는 르누아르의 혁신 중 하나입니다.

위대한 예술가의 풍경도 인상적입니다. Renoir는 평화로운 자연뿐만 아니라 시골 노동자, 어부, 자연적으로 휴식하는 사람들의 삶의 장르 장면을 묘사하는 것을 선호했습니다. 유명한 "Big Bathers"(1884-1887)입니다.


각각의 운디네를 그리기 위해 작가는 많은 스케치를 만들고 소녀들의 포즈를 다양화했습니다. 전경에 배치된 세 명의 주요 인물에 그의 관심이 집중됩니다. 엉덩이까지 닿는 물 속에 서있는 어린 소녀는 해안에 남아있는 두 명의 벌거 벗은 친구에게 물을 튀기려는 순간에 포착됩니다. 웅장한 형태의 연인, 르누아르 쇼 자연미 여성의 몸, 예술가 자신이 반복하기를 좋아했듯이 "나는 캔버스를 꼬집고 싶을 때까지 누드 작업을 계속합니다."


Renoir의 그림 "Nude"(1876)는 예술가의 이해에서 여성 신체의 아름다움에 대한 진정한 찬송가입니다. 그 목표는 외모의 아름다움을 보여주는 것입니다 현대 여성아무것도 변경하거나 수정하지 않고. 그녀의 아름다움은 비율과 형태의 이상화가 아니라 그림이 말 그대로 숨 쉬는 신선함, 건강 및 젊음에 있습니다. "누드"의 매력은 따뜻한 몸매의 탄력있는 형태, 둥근 얼굴의 부드러운 이목구비, 피부의 아름다움에서 비롯됩니다.

르누아르의 캔버스에는 많은 아름다운 여자들건강하고 뺨이 밝은 아기들과 함께. 모성에 대한 진정한 찬가는 1886년 초부터 같은 이름의 그림에 표현되어 있습니다. 그것은 정원의 친밀한 장면을 묘사합니다. 벤치에서 편안하게 앉은 젊은 여성이 아기에게 젖을 먹이고 있습니다. 그녀의 얼굴에는 얼마나 차분하고 고귀한 위엄이 있습니까!


80년대 후반~90년대 초반. 18세기에 르누아르는 정부 관리를 포함하여 대중의 인정을 받았습니다. 그의 그림 "피아노의 소녀들"(1892)은 룩셈부르크 박물관을 위해 구입되었습니다. 캔버스가 주문 제작되었고 작가가 여러 번 작업을 시작했음에도 불구하고 줄거리는 가볍고 제한되지 않았으며 부유 한 아파트에서 음악 수업의 감동적인 장면은 대중이나 비평가를 짜증나게하지 않았습니다.

Renoir의 작품에 대해 말하면 그의 아이들에게 헌정 된 캔버스를 언급 할 가치가 있습니다. 르누아르의 아내와 그녀의 첫 아들 피에르를 묘사한 앞서 언급한 그림 "Motherhood" 외에도 "Pierre Renoir"(1890) 및 "Playing Claude Renoir"(1905)도 있습니다.

그림 "Playing Claude Renoir"(1905)는 집에서 모두 Coco라고 부르는 예술가의 막내 아들이 군인들과 노는 모습을 묘사합니다. 무한한 어린 시절의 세계, 환상의 게임, 움직임과 생각의 일시적인 것.

Pierre Auguste Renoir(1841 - 1919) - 프랑스 인상파 화가, 그래픽 아티스트, 조각가. | 1부: 경로와 풍속화의 단계.

Pierre Auguste Renoir (프랑스 Pierre-Auguste Renoir, 1841 년 2 월 25 일, Limoges-1919 년 12 월 2 일, Cagnes-sur-Mer)-인상주의의 주요 대표자 중 한 명인 프랑스 화가, 그래픽 아티스트 및 조각가. Renoir는 주로 감상적이지 않은 세속 초상화의 대가로 알려져 있습니다. 그는 부유한 파리지앵들과 함께 성공을 거둔 최초의 인상파 화가였습니다. 1880년대 중반. 실제로 인상주의와 결별하여 고전주의의 선형성, engrism으로 돌아갑니다. 유명한 감독의 아버지.

오귀스트 르누아르는 1841년 2월 25일 프랑스 중부 남부에 위치한 도시 리모주에서 태어났습니다. Renoir는 Léonard라는 가난한 재단사와 그의 아내 Marguerite의 여섯 번째 자녀였습니다.
1844년 르누아르 부부는 파리로 이주했고, 이곳에서 오귀스트는 생외스타슈 대성당의 성가대에 들어갔다. 그는 합창단 지휘자 Charles Gounod가 소년의 부모를 설득하여 그를 음악 공부에 보내도록 설득하려고 시도한 그런 목소리를 가졌습니다. 그러나 이것 외에도 Auguste는 예술가의 재능을 보여 주었고 13 살 때 도자기 접시와 기타 요리를 그리는 법을 배운 주인에게 일자리를 얻어 가족을 돕기 시작했습니다. 저녁에 Auguste는 회화 학교에 다녔습니다.

"Dance at Bougival"(1883), 보스턴 미술관

1865년 친구인 예술가 Jules Le Coeur의 집에서 그는 곧 Renoir의 연인이자 그가 가장 좋아하는 모델이 된 16세 소녀 Lisa Treo를 만났습니다. 1870년에 르누아르가 그의 친자 관계를 공식적으로 인정하기를 거부했지만 그들의 딸 Jeanne Marguerite가 태어났습니다. 그들의 관계는 Lisa가 Renoir를 떠나 다른 사람과 결혼한 1872년까지 계속되었습니다.
르누아르의 창작 경력은 1870-1871년에 그가 군대에 징집되었을 때 중단되었습니다. 프랑스-프로이센 전쟁프랑스의 참패로 끝났다.

피에르 오귀스트 르누아르, 알리나 샤리고, 1885, 예술 박물관, 필라델피아

1890년 르누아르는 10년 전 21세의 재봉사였을 때 만난 알리나 샤리고와 결혼했습니다. 그들은 이미 1885 년에 태어난 아들 Pierre가 있었고 결혼식 후 1894 년에 태어난 Jean과 1901 년에 태어난 Claude ( "Coco"로 알려짐)의 두 아들이 더 생겼습니다. .

그의 가족이 마침내 형성되었을 때 Renoir는 성공과 명성을 얻었고 프랑스의 주요 예술가 중 한 명으로 인정 받았으며 국가로부터 Legion of Honor의 기사라는 칭호를 받았습니다.

Renoir의 개인적인 행복과 직업적 성공은 질병으로 가려졌습니다. 1897년 르누아르는 자전거에서 떨어져 오른팔이 부러졌다. 그 결과 그는 류머티즘에 걸려 평생을 고생했습니다. 류머티즘 때문에 르누아르는 파리에서 살기가 어려웠고, 1903년 르누아르 가족은 작은 마을 카뉴 쉬르 메르에 있는 "콜레트"라는 저택으로 이사했습니다.
1912년 발생한 마비 발작 이후 두 번의 수술에도 불구하고 르누아르는 바퀴 달린 의자, 그러나 그는 간호사가 손가락 사이에 넣은 붓으로 계속 썼습니다.

안에 지난 몇 년인생 Renoir는 명성과 보편적 인지도를 얻었습니다. 1917년 런던에서 그의 "우산"이 전시되었을 때 국립 미술관, 수백 명의 영국 예술가들과 예술 애호가들이 그에게 축하를 보냈습니다. 유럽 ​​회화". 르누아르의 그림도 루브르 박물관에 전시되었고, 1919년 8월에 예술가는 마지막으로그녀를 만나러 파리를 찾았다.

1919년 12월 3일, Pierre-Auguste Renoir는 78세의 나이로 Cagnes-sur-Mer에서 폐렴으로 사망했습니다. 에수아에 묻혔습니다.

Marie-Félix Hippolyte-Lucas (1854-1925) - 르누아르의 초상화 1919

1862-1873 장르 선택

"봄 부케"(1866). 하버드 대학교 박물관.

1862년 초, 르누아르는 예술 아카데미의 미술 학교 시험에 합격하고 글레르의 작업실에 등록했습니다. 그곳에서 그는 Fantin-Latour, Sisley, Basil 및 Claude Monet을 만났습니다. 곧 그들은 Cezanne 및 Pizarro와 친구가 되었기 때문에 미래 인상파 그룹의 중추가 형성되었습니다.
안에 초기 Renoir는 Barbizons, Corot, Prudhon, Delacroix 및 Courbet의 작품에 영향을 받았습니다.
1864년 Gleyre는 작업장을 닫고 교육도 종료했습니다. Renoir는 그의 첫 번째 캔버스를 그리기 시작했고 처음으로 Salon에 "부랑자 사이에서 춤추는 Esmeralda"그림을 발표했습니다. 그녀는 받아 들여졌지만 캔버스가 그에게 반환되었을 때 작가는 그것을 파괴했습니다.
그해에 작품의 장르를 선택한 그는 인생이 끝날 때까지 장르를 바꾸지 않았습니다. 이것은 풍경입니다- "Fontainebleau 숲의 Jules le Coeur"(1866), 일상 장면- "The Frog"(1869), "Pont Neuf"(1872), 정물- "Spring Bouquet"(1866), " 부케와 부채가 있는 정물"(1871), 초상화 - "우산을 든 리사"(1867), "오달리스크"(1870), 누드 - "사냥꾼 디아나"(1867).
1872년에 르누아르와 그의 친구들은 익명 협력 파트너십을 만들었습니다.

1874-1882 인정투쟁

"물랑 드 라 갈레트의 무도회"(1876). 오르세 미술관.

파트너십의 첫 전시회는 1874년 4월 15일에 열렸습니다. Renoir는 파스텔과 6 개의 그림을 선보였으며 그중에는 "Dancer"와 "Lodge"(둘 다-1874)가 있습니다. 전시회는 실패로 끝났고 파트너십 회원들은 "인상파"라는 모욕적 인 별명을 받았습니다.
빈곤에도 불구하고 작가는 Grands Boulevards (1875), Walk (1875), Ball at the Moulin de la Galette (1876), Nude (1876), Nude in the Sunlight "(1876) 등 그의 주요 걸작을 만들었습니다. ), "그네"(1876), "첫 출발"(1876/1877), "높은 풀밭의 길"(1877).
Renoir는 점차 인상파 전시회에 참여하는 것을 중단했습니다. 1879년에 그는 1879년에 살롱에 〈여배우 잔느 사마리의 초상화〉(1878)와 샤르팡티에 부인의 초상(1878)을 출품하여 보편적인 인정을 받았고 그 후 재정적 독립을 달성했습니다. 그는 특히 유명해진 유명한 "Clichy Boulevard"(1880), "Breakfast of the Rowers"(1881), "On the Terrace"(1881) 등 새로운 캔버스를 계속 썼습니다.

1883-1890 "엔그로프 시대"

"대욕탕"(1884-1887). 미술관, 필라델피아.

Renoir는 알제리를 여행한 다음 이탈리아로 여행하여 르네상스 고전 작품에 대해 알게 된 후 그의 예술적 취향이 바뀌었습니다. Renoir는 일련의 그림 "Dance in the Village"(1882/1883), "Dance in the City"(1883), "Dance in Bougival"(1883) 및 "In the Garden"(1885)과 같은 캔버스를 그렸습니다. ) 및 "우산"(1881/1886)에는 인상파 과거가 여전히 보이지만 그림에 대한 르누아르의 새로운 접근 방식이 나타납니다.
소위 "Ingres 기간"이 열립니다. 최대 유명한 작품이 기간의 - "Big Bathers"(1884/1887). 구성 구성을 위해 저자는 먼저 스케치와 스케치를 사용했습니다. 그림의 선이 명확해지고 명확해졌습니다. 색상은 이전의 밝기와 채도를 잃었고 그림 전체가 더 절제되고 차갑게 보이기 시작했습니다.

1891-1902 "진주 시대"

"피아노에서 소녀"(1892). 오르세 미술관.

1892년 Durand-Ruel이 문을 열었습니다. 큰 전시회르누아르의 그림은 큰 성공을 거두었습니다. 정부 관리들로부터도 인정을 받았습니다. 그림 "피아노의 소녀들"(1892)은 룩셈부르크 박물관을 위해 구입했습니다.
Renoir는 스페인으로 여행하여 Velasquez와 Goya의 작업에 대해 알게되었습니다.
90년대 초반, 르누아르 미술에 새로운 변화가 일어났다. 그림 같은 방식으로 무지개 빛깔의 색이 나타 났는데, 이것이이 기간을 때때로 "자개"라고 부르는 이유입니다.
이때 Renoir는 "Apples and Flowers"(1895/1896), "Spring"(1897), "Son Jean"(1900), "Portrait of Mrs. Gaston Bernheim"(1901)과 같은 그림을 그렸습니다. 그는 Vermeer와 Rembrandt의 그림에 관심이 있었던 네덜란드로 여행했습니다.

1903-1919 "적색기"

"빨간 블라우스를 입은 가브리엘"(1910). M. Wertem, 뉴욕 컬렉션.

"진주" 기간은 "빨간색"으로 대체되었으며, 붉은 색과 분홍색 꽃의 음영을 선호하기 때문에 이름이 붙여졌습니다.
Renoir는 계속해서 밝은 풍경, 밝은 색상의 정물화, 자녀의 초상화, 나체 여성, A Walk (1906), Ambroise Vollard의 초상화 (1908), 빨간 블라우스를 입은 가브리엘 (1910), 장미 꽃다발 "( 1909/1913), "만돌린을 든 여인"(1919).

영화 '아멜리에' 속 이웃 주인공 Ramon Dufael은 10년 동안 Renoir의 노 젓는 사람들의 아침 식사를 복사해 왔습니다.
Auguste Renoir의 절친한 친구는 거의 28세 연하인 Henri Matisse였습니다. O. Renoir가 질병으로 인해 본질적으로 침대에 누워있을 때 A. Matisse는 매일 그를 방문했습니다. 관절염으로 마비될 뻔한 르누아르는 고통을 이겨내고 화실에서 그림을 계속 그렸습니다. 한 번은 붓질을 할 때마다 느끼는 고통을 지켜보던 마티스가 참지 못하고 이렇게 물었습니다. Renoir는 "La douleur passe, la beauté reste"(고통은 지나가지만 아름다움은 남는다)이라는 답으로만 자신을 제한했습니다. 그리고 이것은 마지막 숨을 쉴 때까지 일한 르누아르 전체였습니다.