예술 운동으로서의 인상주의. 이야기

인상주의(인상주의, 프렌치 인상 - 인상)은 1860년대 프랑스에서 시작된 회화의 한 방향이다. 19세기 예술의 발전을 크게 결정했습니다. 이 경향의 중심 인물은 Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir 및 Sisley였으며 각각의 발전에 대한 기여는 독특합니다. 인상파는 고전주의, 낭만주의, 학계주의의 관습에 반대하고 일상 현실의 아름다움, 단순하고 민주적 인 동기를 주장하고 이미지의 생생한 진정성을 달성했으며 특정 순간에 눈이 보는 것의 "인상"을 포착하려고 노력했습니다.

인상파의 가장 전형적인 주제는 풍경이지만, 그들은 또한 그들의 작업에서 다른 많은 주제를 다루었습니다. 예를 들어 드가는 인종, 발레리나, 빨래방을 묘사한 반면 르누아르는 매력적인 여성과 어린이를 묘사했습니다. 야외에서 만들어진 인상주의적 풍경에서 단순하고 일상적인 모티프는 종종 그림에 축제의 느낌을 가져다주는 모든 곳에 스며드는 무빙 라이트에 의해 변형됩니다. 구성과 공간을 구성하는 인상파의 일부 방법에서는 일본 판화와 부분적으로 사진의 영향이 눈에 띕니다. 인상파는 풍경의 독창성과 그곳에 거주하는 사람들의 모습, 삶의 방식, 일 및 오락을 포착하여 현대 도시의 일상 생활에 대한 다면적 그림을 처음으로 만들었습니다.

인상파 화가들은 그들의 작품에서 첨예한 사회 문제나 철학, 충격을 건드리려 하지 않고 주변의 일상에 대한 인상을 다양한 방식으로 표현하는 데에만 집중했다. "순간을 보고" 기분을 반영하기 위한 노력으로.

이름 " 인상주의"는 모네의 그림 "인상. The Rising Sun"(1872; 이 그림은 1985년 파리의 마르모탕 박물관에서 도난당했으며 현재 인터폴 목록에 있습니다.)

1876년에서 1886년 사이에 7회 이상의 인상파 전시회가 열렸습니다. 후자의 끝에서 Monet만이 인상주의의 이상을 계속 엄격하게 따랐습니다. "인상파"는 프랑스 인상주의의 영향을 받아 그림을 그린 프랑스 이외 지역의 예술가(예: 영국인 F. W. Steer)라고도 불립니다.

인상파 예술가

유명한 인상파 그림:

에드가 드가

클로드 모네

XIX 세기의 마지막 1/3에. 프랑스 예술은 여전히 ​​유효하다 주연서유럽 국가의 예술 생활에서. 이때 그림에는 많은 새로운 경향이 나타 났으며 그 대표자들은 자신의 방식과 창의적 표현 형식을 찾고있었습니다.

이 시기 프랑스 예술의 가장 두드러지고 중요한 현상은 인상주의였다.

인상파는 1874년 4월 15일 파리 전시회에서 자신을 선언했습니다. 열린 하늘 Boulevard des Capucines에서. 이곳에서는 살롱에서 작품을 거절당한 30명의 젊은 작가들이 그들의 그림을 전시했습니다. 박람회의 중심 장소는 Claude Monet“Impression의 그림에 주어졌습니다. 해돋이". 이 구성은 회화 역사상 처음으로 작가가 현실의 대상이 아닌 캔버스에 자신의 인상을 전달하려고 시도했기 때문에 흥미 롭습니다.

이번 전시에는 샤리바리 에디션 대표 루이 르로이 기자가 방문했다. Monet과 그의 동료들을 처음으로 "인상파"(프랑스 인상-인상에서)라고 불렀고, 따라서 그들의 그림에 대한 부정적인 평가를 표현했습니다. 곧이 아이러니 한 이름은 원래의 부정적인 의미를 잃고 영원히 예술사에 들어갔습니다.

Boulevard des Capucines 전시회는 회화의 새로운 경향의 출현을 선언하는 일종의 선언문이되었습니다. O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin 및 구세대의 거장인 E. Boudin, C. Daubigny, I가 참석했습니다. .존카인드.

인상파에게 가장 중요한 것은 그들이 본 것의 인상을 전달하는 것, 삶의 짧은 순간을 캔버스에 포착하는 것이었습니다. 이런 면에서 인상파는 사진가를 닮았다. 줄거리는 그들에게 별로 중요하지 않았다. 예술가들은 주변의 일상 생활에서 그림의 주제를 가져왔습니다. 그들은 조용한 거리, 저녁 카페, 시골 풍경, 도시 건물, 일하는 장인을 그렸습니다. 그들의 그림에서 중요한 역할은 빛과 그림자의 놀이, 물체 위로 점프하는 햇빛이 약간 독특하고 놀랍도록 생생한 모습을 제공하는 것입니다. 자연광에서 물체를 보고 하루 중 다른 시간에 자연에서 발생하는 변화를 전달하기 위해 인상파 예술가들은 작업장을 떠나 야외로 들어갔습니다.

인상파는 새로운 그림 기법을 사용했습니다. 그들은 이젤에 페인트를 섞지 않고 별도의 스트로크로 즉시 캔버스에 적용했습니다. 이 기술을 통해 역동감, 공기의 약간의 변동, 나무의 잎사귀 움직임, 강의 물을 전달할 수 있었습니다.

일반적으로이 방향의 대표자의 그림에는 명확한 구성이 없었습니다. 작가는 삶에서 강탈한 순간을 캔버스로 옮기기에, 그의 작업은 우연히 찍힌 액자와도 같았다. 인상파는 장르의 명확한 경계를 고수하지 않았습니다. 예를 들어 초상화는 종종 국내 장면처럼 보였습니다.

1874년부터 1886년까지 인상파는 8번의 전시회를 조직한 후 그룹이 해체되었습니다. 대중은 대부분의 비평가와 마찬가지로 적대감으로 새로운 예술을 인식했습니다 (예를 들어 C. Monet의 그림은 "daub"라고 불림). 그들은 그림을 시작했습니다. 그리고 XIX 말까지만 - XX 세기 초. 상황이 급격하게 변했습니다.

그들의 작품에서 인상파는 낭만적 인 예술가 (E. Delacroix, T. Gericault), 현실 주의자 (C. Corot, G. Courbet)와 같은 전임자의 경험을 사용했습니다. J. Constable의 풍경은 그들에게 큰 영향을 미쳤습니다.

E. Manet은 새로운 트렌드의 출현에 중요한 역할을 했습니다.

에두아르 마네

1832년 파리에서 태어난 에두아르 마네는 인상주의의 기초를 닦은 세계 회화사에서 가장 중요한 인물 중 한 명입니다.

그의 예술적 세계관의 형성은 1848년 프랑스 부르주아 혁명의 패배에 크게 영향을 받았습니다. 필사적인 발걸음가출하여 바다 범선의 선원이 되었다. 그러나 앞으로 그는 여행을 많이 하지 않고 모든 영성과 물리적 힘일하다.

교양 있고 부유 한 마네의 부모는 아들의 행정 경력을 꿈꿨지만 그들의 희망은 이루어질 운명이 아니 었습니다. 그림 - 그것이 청년의 관심이었고 1850 년에 그는 학교에 입학했습니다. 미술, 그가 훌륭한 전문 교육을 받은 Couture의 작업장으로. 초보 예술가는 자신의 개별적인 글쓰기 스타일로 실제 마스터에게만 적용되는 것을 완전히 반영 할 수없는 예술의 학술 및 살롱 우표에 대해 혐오감을 느꼈습니다.

따라서 Couture 워크숍에서 얼마 동안 공부하고 경험을 쌓은 Manet은 1856 년에 그것을 떠나 루브르 박물관에 전시 된 위대한 전임자의 캔버스로 돌아가 복사하고 신중하게 연구합니다. Titian, D. Velazquez, F. Goya 및 E. Delacroix와 같은 거장의 작품은 그의 창의적인 견해에 큰 영향을 미쳤습니다. 젊은 예술가는 후자에게 절을 했다. 1857년 마네는 위대한 마에스트로를 방문하여 오늘날까지 리옹의 메트로폴리탄 미술관에 남아 있는 그의 "단테의 배"를 여러 장 복사할 수 있도록 허가를 요청했습니다.

1860년대 후반. 화가는 스페인, 영국, 이탈리아, 네덜란드의 박물관 연구에 전념하여 렘브란트, 티치아노 등의 그림을 모사했으며, 1861년 그의 작품인 "부모의 초상"과 "기타리스트"가 비평가들의 찬사를 받으며 상을 받았습니다. "선외 가작".

옛 주인 (주로 베네치아 인, 17 세기 스페인 인, 나중에 F. Goya)의 작업에 대한 연구와 재검토는 1860 년대까지라는 사실로 이어집니다. Manet의 예술에는 모순이 있는데, 그의 초기 그림 중 일부에 박물관 각인을 부과하는 것으로 나타났습니다. The Spanish Singer (1860), 부분적으로 The Boy with the Dog (1860), The Old Musician (1862).

영웅에 관해서는 작가는 19 세기 중반의 현실 주의자처럼 튈르리 정원을 걷는 사람들과 일반 카페 방문객들 사이에서 끓어 오르는 파리 군중 속에서 그들을 찾습니다. 기본적으로 이것은 시인, 배우, 예술가, 모델, 스페인 투우 참가자 인 "Tuileries의 음악"(1860), "Street Singer"(1862), "Valencia의 Lola"( 1862), "Breakfast at grass"(1863), "Flutist"(1866), "Portrait of E. Zsl"(1868).

초기 캔버스 중 매우 정확한 사실적인 스케치 인 "부모의 초상"(1861)이 특별한 장소를 차지합니다. 모습그리고 노부부의 기질. 그림의 미적 의미는 캐릭터의 영적 세계에 대한 상세한 침투뿐만 아니라 E. Delacroix의 예술적 전통에 대한 지식을 나타내는 그림 전개의 관찰과 풍부함의 조합이 얼마나 정확하게 전달되는지에 있습니다.

화가의 프로그램 작업이며 그의 초기 작업의 매우 전형적인 또 다른 캔버스는 "풀밭에서의 아침 식사"(1863)입니다. 이 그림에서 Manet은 의미가 전혀없는 특정 플롯 구성을 취했습니다.

이 사진은 여성 모델들(사실 작가의 동생 유진 마네, F. 렌코프, 여성 모델 퀴즈 메란)에 둘러싸여 자연의 품에서 아침 식사를 하는 두 예술가의 이미지라고 봐도 무방하다. Manet이 자주 사용하는 서비스의 사진). 그들 중 한 명은 시냇물에 들어갔고, 다른 한 명은 알몸으로 예술적 패션을 입은 두 남자와 함께 앉아 있습니다. 아시다시피 옷 입은 남자와 벗은 남자를 비교하는 동기는 여성의 몸루브르 박물관에 있는 Giorgione의 그림 "Country Concert"로 거슬러 올라갑니다.

그림의 구성 배열은 Raphael의 그림에서 Marcantonio Raimondi의 유명한 르네상스 판화를 부분적으로 재현합니다. 말하자면 이 캔버스는 서로 관련된 두 가지 입장을 논쟁적으로 주장합니다. 하나는 대기업과의 진정한 연결을 잃어버린 살롱 아트의 진부함을 극복해야 할 필요성입니다. 예술적 전통, 르네상스와 17세기의 사실주의, 즉 새로운 시대의 사실주의 예술의 진정한 기원에 대한 직접적인 호소. 또 다른 조항은 일상 생활에서 주변 인물을 묘사하는 예술가의 권리와 의무를 확인합니다. 당시 이 조합에는 어떤 모순이 있었다. 대부분은 낡은 구성 체계를 새로운 유형과 문자로 채우는 것으로는 사실주의 발전의 새로운 단계를 달성할 수 없다고 믿었습니다. 그러나 에두아르 마네는 창작 초기에 회화 원리의 이중성을 극복했다.

그러나 음모와 구성의 전통적인 특성과 솔직한 매혹적인 포즈로 벌거 벗은 신화적인 아름다움을 묘사하는 살롱 마스터의 그림이 있음에도 불구하고 Manet의 그림은 현대 부르주아 사이에서 큰 스캔들을 일으켰습니다. 여성의 벌거벗은 몸과 일상적이고 현대적인 남성복의 병치에 청중은 충격을 받았습니다.

그림의 규범에 관해서는 잔디 위의 점심은 1860년대의 특징인 절충안으로 작성되었습니다. 방식은 어두운 색상, 검은 그림자에 대한 경향이 있을 뿐만 아니라 플레인 공기 조명 및 열린 색상에 항상 일관된 호소력이 있는 것은 아닙니다. 수채화로 만든 예비 스케치를 보면 (그림 자체보다) 새로운 그림 문제에 대한 주인의 관심이 얼마나 큰지 알 수 있습니다.

누워있는 나체 여성의 윤곽이 그려진 그림 "올림피아"(1863)는 일반적으로 받아 들여지는 구성 전통을 가리키는 것으로 보입니다. 비슷한 이미지가 Giorgione, Titian, Rembrandt 및 D. Velasquez에서 발견됩니다. 그러나 그의 작품에서 Manet은 F. Goya ( "Naked Maha")를 따르고 줄거리의 신화 적 동기, Venetians가 도입하고 D. Velasquez ( "Venus"가 부분적으로 보존 한 이미지 해석을 거부하는 다른 경로를 따릅니다. 거울로”).

"올림피아"는 시적으로 다시 생각한 이미지가 아닙니다. 여성의 아름다움, 그러나 표현력 있고 훌륭하게 실행 된 초상화는 정확하고 Manet의 변함없는 모델 인 Quiz Meran과 다소 차갑게 닮았다고 말할 수도 있습니다. 화가는 몸의 자연스러운 창백함을 확실하게 보여줍니다. 현대 여성태양을 두려워합니다. 옛 거장들이 벌거벗은 몸의 시적 아름다움, 그 리듬의 음악성과 조화를 강조했다면 마네는 전임자들이 내재한 시적 이상화에서 완전히 벗어나 삶의 특수성의 동기를 전달하는 데 중점을 둡니다. 예를 들어, 올림피아에서 왼손을 들고 있는 조지의 비너스의 몸짓은 그 무관심 속에서 거의 천박한 의미를 내포하고 있습니다. 극도로 특징적인 것은 무관심하지만 동시에 Giorgione Venus의 자기 흡수와 Titian의 Venus of Urbino의 민감한 몽환성에 반대하여 모델에 대한 시청자의 시선을 세 심하게 고정시키는 것입니다.

이 그림에는 화가의 창의적인 방식의 발전에서 다음 단계로의 전환 징후가 있습니다. 평범한 관찰과 세계의 그림 및 예술적 비전으로 구성된 일반적인 구성 체계에 대한 재고가 있습니다. 순간적으로 포착된 날카로운 대비의 병치는 옛 거장들의 균형 잡힌 구성 조화를 파괴하는 데 기여합니다. 따라서 포즈를 취하는 모델의 정적과 흑인 여성과 검은 고양이가 등을 구부리는 이미지의 역학이 충돌합니다. 이러한 변화는 회화 기법에도 영향을 미쳐 예술적 언어의 비 유적 작업에 대한 새로운 이해를 제공합니다. Edouard Manet은 다른 많은 인상파, 특히 Claude Monet 및 Camille Pissarro와 마찬가지로 17세기에 발전한 구식 회화 체계를 버립니다. (밑칠, 쓰기, 글레이징). 그 이후로 캔버스는 "a la prima"라는 기법으로 칠해지기 시작했는데, 이는 에튜드 및 스케치에 가까운 더 큰 직접성, 감성으로 구별됩니다.

Manet의 1860 년대 후반 거의 전체를 차지하는 초기에서 성숙한 창의성으로의 전환 기간은 Flutist (1866), Balcony (c. 1868-1869) 등과 같은 그림으로 표현됩니다.

첫 번째 캔버스에는 중립적 인 올리브 회색 배경을 배경으로 소년 음악가가 묘사되어 플루트를 입술에 대고 있습니다. 간신히 감지 할 수있는 움직임의 표현력, 플루트 구멍을 따라 손가락이 가볍고 빠르게 미끄러지는 파란색 유니폼의 무지개 빛깔의 금색 버튼의 리드미컬 한 메아리는 마스터의 타고난 예술성과 미묘한 관찰력을 말합니다. 여기의 그림 스타일은 상당히 조밀하고 색상이 무겁고 작가는 아직 야외로 향하지 않았음에도 불구하고 이 캔버스다른 모든 것보다 훨씬 더 마네 작업의 성숙기를 예상합니다. 발코니는 1870년대 작품보다 올림피아에 더 가깝다.

1870-1880년. 마네는 당대 최고의 화가가 됩니다. 그리고 인상파는 그를 그들의 이데올로기적 지도자이자 영감자로 여겼지만, 그는 예술에 대한 근본적인 견해를 해석하는 데 항상 그들과 동의했지만 그의 작품은 훨씬 더 광범위하고 어떤 한 방향의 틀에 맞지 않습니다. 소위 마네의 인상주의는 사실 일본 거장들의 예술에 더 가깝다. 그는 동기를 단순화하고 장식과 실제의 균형을 맞추고 그가 본 것에 대한 일반화 된 아이디어를 만듭니다. 산만한 세부 사항이없는 순수한 인상, 감각의 기쁨 표현 ( "On the Seashore", 1873).

또한 지배적 인 장르로서 그는 사람의 이미지에 주된 장소를 부여하는 구성 적으로 완전한 그림을 보존하려고합니다. 마네의 예술은 르네상스 시대에 시작된 수세기에 걸친 사실적인 이야기 그림의 전통 발전의 마지막 단계입니다.

마네의 후기 작품에서는 묘사된 영웅을 둘러싼 환경의 세부적인 해석에서 벗어나는 경향이 있다. 따라서 긴장된 역학으로 가득 찬 Mallarme의 초상화에서 작가는 꿈꾸는 방식으로 탁자 위에 담배를 피우는 시가로 손을 얹은 시인의 몸짓에 집중합니다. 모든 스케치와 함께 Mallarme의 성격과 정신 창고의 주요 내용은 매우 설득력있게 놀랍도록 정확하게 포착됩니다. J. L. David와 J. O. D. Ingres의 초상화의 특징 인 개인의 내면 세계에 대한 심층적 특성화는 여기에서 더 선명하고 직접적인 특성화로 대체됩니다. 부채가 있는 Berthe Morisot의 부드러운 시적 초상화(1872)와 George Moore의 우아한 파스텔 이미지(1879)입니다.

화가의 작품에는 역사적 주제 및 주요 사건과 관련된 작품이 포함됩니다. 공공 생활. 그러나 이러한 종류의 문제는 그의 예술적 재능, 아이디어의 범위 및 삶에 대한 아이디어와는 거리가 멀기 때문에 이러한 캔버스는 덜 성공적이라는 점에 유의해야 합니다.

예를 들어, 미국의 남북 전쟁 사건에 대한 호소는 북부 사람들이 남부 해적선을 침몰시키는 이미지를 낳았습니다 ( "Kirsezh 전투"와 " Alabama”, 1864), 그리고 에피소드는 군함이 직원 역할을 하는 풍경에 더 기인할 수 있습니다. 본질적으로 Maximilian의 처형 (1867)은 고군분투하는 멕시코 인의 갈등에 대한 관심뿐만 아니라 사건의 드라마 자체도없는 장르 스케치의 성격을 가지고 있습니다.

현대사의 주제는 파리 코뮌 시대에 마네가 다루었습니다(The Execution of the Communards, 1871). Communards에 대한 동정적인 태도는 이전에 그러한 사건에 관심이 없었던 그림의 저자 덕분입니다. 그러나 그럼에도 불구하고 예술적 가치는 다른 캔버스보다 낮습니다. 실제로 "막시밀리안의 처형"의 구성 체계가 여기에서 반복되고 저자는 잔인한 충돌의 의미를 전혀 반영하지 않는 스케치로만 제한되기 때문입니다. 두 개의 상반된 세계.

그 후 Manet은 더 이상 그에게 외계인의 역사적 장르로 향하지 않고 에피소드의 예술적이고 표현적인 시작을 드러내고 일상 생활의 흐름에서 찾는 것을 선호했습니다. 동시에 그는 특히 특징적인 순간을 신중하게 선택하고 가장 표현력이 풍부한 관점을 찾은 다음 그의 그림에서 뛰어난 기술로 재현했습니다.

이 시기 대부분의 창작물의 매력은 묘사된 사건의 중요성이 아니라 작가의 역동성과 재치 있는 관찰력 때문입니다.

야외 그룹 구성의 주목할만한 예는 "In a Boat"(1874) 그림으로, 범선 선미의 윤곽, 조타수 움직임의 절제된 에너지, 앉아있는 여인의 꿈꾸는 듯한 우아함의 조합입니다. , 공기의 투명함, 산들 바람의 상쾌함, 보트의 미끄러지는 움직임이 형언 할 수없는 그림을 만들어 가벼운 기쁨과 신선함으로 가득 차 있습니다. .

Manet 작업의 특별한 틈새 시장은 그의 작업 기간에 따라 다른 정물화로 가득 차 있습니다. 따라서 초기 정물 "Peonies"(1864-1865)는 피는 붉은 색과 흰색 분홍색 꽃 봉오리뿐만 아니라 이미 피고 퇴색하기 시작하여 테이블을 덮고있는 식탁보에 꽃잎을 떨어 뜨리는 꽃을 묘사합니다. 후기 작품은 손쉬운 스케치로 유명합니다. 그 안에서 화가는 빛이 스며드는 분위기에 가려진 꽃의 광채를 전달하려고 노력한다. "크리스탈 유리 속의 장미"(1882-1883) 그림입니다.

그의 인생이 끝날 무렵 Manet은 분명히 자신이 성취한 것에 만족하지 못했고 다른 수준의 기술로 완성된 대규모 플롯 구성으로 돌아가려고 했습니다. 이때 그는 가장 중요한 캔버스 중 하나 인 "The Bar at the Folies Bergère"(1881-1882)에서 작업을 시작합니다. 여기서 그는 자신의 예술 발전의 새로운 단계 인 새로운 수준에 접근했습니다. 사망 (알려진 바와 같이 Manet은 일하는 동안 심각하게 아팠습니다). 구성의 중심에는 젊은 여성 판매원의 모습이 시청자에게 향하고 있습니다. 짙은 눈부심이 있는 어두운 드레스를 입은 약간 피곤하고 매력적인 금발이 벽 전체를 차지하는 거대한 거울을 배경으로 서 있습니다. 카페의 테이블. 여자는 시청자 자신이있는 홀을 향하게됩니다. 이 독특한 기법은 언뜻보기에 전통적인 그림에 약간의 불안정성을 부여하여 실제 세계와 반영된 세계의 병치를 암시합니다. 동시에 그림의 중심 축은 1870 년대의 전형적인 것에 따라 오른쪽 모서리로 이동하는 것으로 밝혀졌습니다. 리셉션, 그림의 프레임은 거울에 비친 모자를 쓴 남자의 모습을 약간 가리고 젊은 판매원과 이야기합니다.

따라서 이 작업에서는 대칭과 안정성의 고전적 원리가 측면으로의 동적 이동과 결합되며, 단일한 삶의 흐름에서 특정 순간(파편)을 빼앗을 때 파편화와 결합됩니다.

The Bar at the Folies Bergère의 줄거리가 본질적인 내용이 없고 무의미한 것의 일종의 기념비화라고 생각하는 것은 잘못된 것입니다. 젊지 만 이미 내부적으로 피곤하고 여성의 주변 가장 무도회에 무관심한 그녀의 방황하는 시선은 아무데도 향하지 않고 그녀 뒤에있는 삶의 환상적 광채에서 소외되어 작품에 중요한 의미 론적 그늘을 가져와 시청자를 강타합니다. 그것의 의외성.

시청자는 반짝이는 가장자리가있는 크리스탈 유리 바에 서있는 두 장미의 독특한 신선함에 감탄합니다. 그런 다음 무의식적으로이 호화로운 꽃을 판매원 드레스의 목선에 고정 된 홀 가까이에서 반쯤 시든 장미와 비교합니다. 사진을 보면 반쯤 벌린 가슴의 풋풋함과 인파 속을 헤매는 무심한 표정이 묘한 대비를 이룬다. 이 일초상화, 정물, 다양한 조명 효과, 군중의 움직임 등 그가 가장 좋아하는 모든 테마와 장르의 요소를 포함하고 있기 때문에 아티스트 작업의 프로그램으로 간주됩니다.

일반적으로 마네가 남긴 유산은 두 가지 측면으로 표현되는데, 특히 그의 최신작. 첫째, 그의 작품을 통해 그는 19세기 프랑스 미술의 고전적 사실주의 전통의 발전을 완성하고 고갈시켰고, 둘째, 그는 새로운 사실주의를 추구하는 사람들이 선택하고 발전시킬 그러한 경향의 첫 번째 싹을 예술에 놓았다. 20세기에.

화가는 에서 완전하고 공식적인 인정을 받았습니다. 지난 몇 년인생, 즉 1882 년에 그는 Legion of Honor (프랑스의 주요 상) 훈장을 받았습니다. 마네는 1883년 파리에서 세상을 떠났다.

클로드 모네

인상주의의 창시자 중 한 명인 프랑스 화가 클로드 모네는 1840년 파리에서 태어났습니다.

파리에서 루앙으로 이사한 겸손한 식료품상의 아들로서 젊은 모네는 창의적인 방법우스꽝스러운 캐리커처를 그렸고, 외광 사실적인 풍경의 창시자 중 한 명인 루앙의 풍경화가 Eugene Boudin과 함께 공부했습니다. Boudin은 미래의 화가에게 야외에서 작업해야 할 필요성을 확신시켰을 뿐만 아니라 자연에 대한 사랑, 주의 깊은 관찰 및 그가 본 것에 대한 진실한 전달을 그에게 심어주었습니다.

1859년 모네는 진정한 예술가가 되겠다는 목표를 가지고 파리로 떠납니다. 그의 부모는 그가 미술 학교에 입학하기를 꿈꿨지만 청년은 희망을 정당화하지 않고 보헤미안 생활에 뛰어 들고 예술적 환경에서 수많은 지인을 얻습니다. 부모의 물질적 지원을 완전히 박탈당했기 때문에 생계 수단도 없이 모네는 군대에 입대해야 했습니다. 하지만 알제리에서 험난한 복무를 마치고 돌아온 뒤에도 여전히 같은 삶을 살고 있다. 조금 후에 그는 자연 연구에 매료 된 I. Ionkind를 만났습니다. 그런 다음 그는 Suisse의 스튜디오를 방문하여 당시 유명한 학업 방향 화가 M. Gleyre의 스튜디오에서 공부하고 젊은 예술가 그룹 (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley 등)은 Monet 자신과 마찬가지로 예술의 새로운 발전 방식을 찾고있었습니다.

초보자 화가에게 가장 큰 영향을 준 것은 M. Gleyre의 학교가 아니라 같은 생각을 가진 사람들과의 우정, 살롱 아카데미즘에 대한 열렬한 비평가였습니다. 이 우정, 상호 지원, 경험을 교환하고 성과를 공유 할 수있는 기회 덕분에 나중에 "인상파"라는 이름을 얻은 새로운 그림 시스템이 탄생했습니다.

개혁의 기초는 작업이 열린 하늘 아래 자연에서 일어났다는 것입니다. 동시에 예술가들은 야외에서 스케치뿐만 아니라 전체 그림을 그렸습니다. 자연과 직접 접촉하면서 그들은 조명의 변화, 대기 상태, 색상 반사를 던지는 다른 물체의 근접성 및 기타 여러 요인에 따라 물체의 색상이 지속적으로 변하고 있음을 점점 더 확신하게 되었습니다. 그들이 작품을 통해 전달하고자 했던 것은 바로 이러한 변화였다.

1865년에 모네는 "마네의 정신으로 그러나 야외에서" 큰 캔버스를 그리기로 결정했습니다. 풀밭 위의 오찬(1866)이었다. 중요한 작업, 도시를 떠나 땅에 깔린 식탁보 주위의 나무 그늘에 앉아있는 멋지게 옷을 입은 파리지앵을 묘사합니다. 이 작품은 폐쇄적이고 균형 잡힌 구성의 전통적인 성격이 특징입니다. 그러나 작가의 관심은 인간의 캐릭터를 보여 주거나 표현적인 플롯 구성을 만드는 것이 아니라 인간의 모습을 주변 풍경에 맞추고 그들 사이에 편만하고 편안한 분위기를 전달하는 데 있습니다. 이 효과를 내기 위해 작가는 중앙에 앉아있는 젊은 여성의 식탁보와 드레스에서 노는 잎사귀를 뚫고 들어오는 태양 빛의 전달에 큰 관심을 기울입니다. Monet은 식탁보의 색상 반사와 가벼운 여성용 드레스의 반투명성을 정확하게 포착하고 전달합니다. 이러한 발견으로 어두운 그림자와 밀도 높은 물질적 실행 방식을 강조하는 오래된 회화 시스템의 붕괴가 시작됩니다.

그 이후로 세계에 대한 모네의 접근 방식은 풍경화되었습니다. 인간의 성격, 사람들의 관계는 그에게 덜 관심이 있습니다. 이벤트 1870-1871 Monet은 그가 네덜란드로 여행하는 곳에서 런던으로 이주하도록 강요했습니다. 돌아온 후 그는 자신의 작업에서 프로그래밍 방식이 된 여러 그림을 그립니다. 여기에는 "인상. Sunrise'(1872), 'Lilacs in the Sun'(1873), 'Boulevard des Capucines'(1873), 'Field of Poppies at Argenteuil'(1873) 등

1874년 모네 자신이 이끄는 "익명의 화가, 예술가, 조각가 협회"가 주최한 유명한 전시회에 그들 중 일부가 전시되었습니다. 전시회가 끝난 후 Monet과 그의 같은 생각을 가진 사람들은 인상파 (프랑스 인상-인상에서)라고 불리기 시작했습니다. 이때까지 그의 작업의 첫 번째 단계의 특징 인 Monet의 예술적 원칙은 마침내 특정 시스템으로 형성되었습니다.

야외 풍경 Lilacs in the Sun (1873)에서 꽃이 만발한 라일락의 큰 덤불 그늘에 앉아있는 두 명의 여성을 묘사하며 그들의 모습은 덤불 자체와 잔디와 같은 방식으로 동일한 의도로 취급됩니다. 그들은 앉아있다. 사람들의 모습은 일반적인 풍경의 일부일 뿐이며 초여름의 부드러운 따뜻함, 어린 잎의 신선함, 화창한 날의 아지랑이는 당시의 특징이 아닌 비범 한 생동감과 직접적인 설득력으로 전달됩니다.

또 다른 그림 인 "Boulevard des Capucines"는 인상파 방법의 모든 주요 모순, 장점 및 단점을 반영합니다. 여기에 대도시의 삶의 흐름에서 빼앗긴 순간이 매우 정확하게 전달됩니다. 청각 장애인의 단조로운 교통 소음, 습한 공기의 투명성, 맨손으로 나무 가지를 따라 미끄러지는 2 월 태양 광선, 푸른 하늘을 덮는 잿빛 구름의 필름 ... 그림은 덧 없지만 그럼에도 불구하고 덜 경계하고 예술가의 모습을 알아 차리고 예술가는 민감하며 삶의 모든 현상에 반응합니다. 시선이 정말 우연히 던져진 것이라는 사실은 사려 깊은 구성으로 강조됩니다.
수신: 오른쪽 그림의 프레임은 그대로 발코니에 서있는 남자의 모습을 잘라냅니다.

이 시기의 캔버스는 보는 사람으로 하여금 자신이 배우햇빛과 우아한 군중의 끊임없는 소란으로 가득 찬 삶의 축제.

Argenteuil에 정착 한 Monet은 센 강, 다리, 수면을 미끄러지는 가벼운 범선에 큰 관심을 가지고 글을 씁니다 ...

풍경이 그를 너무 사로 잡아 저항 할 수없는 매력에 굴복하여 작은 배를 만들어 고향 루앙에 도착하고 그곳에서 그가 본 그림에 놀란 그는 주변을 묘사하는 스케치로 자신의 감정을 뿜어냅니다. 도시와 강 어귀로 들어가는 큰 바닷물 배송 ( "Argenteuil", 1872; "Sailboat in Argenteuil", 1873-1874).

1877년은 Saint-Lazare 기차역을 묘사한 일련의 그림 제작으로 표시됩니다. 그들은 도표를 만들었다 새로운 무대모네의 작품에서

그 이후로 완전성으로 구별되는 스케치는 묘사 된 것에 대한 분석적 접근이 가장 중요한 작품에 자리를 내주었습니다 ( "Gare Saint-Lazare", 1877). 그림 스타일의 변화는 작가의 개인 생활의 변화와 관련이 있습니다. 그의 아내 카밀라는 중병에 걸리고 두 번째 아이의 탄생으로 인해 가족이 빈곤에 빠집니다.

그의 아내가 죽은 후 Alice Goshede는 가족이 Vetheuil에서 Monet과 같은 집을 빌린 아이들을 돌 보았습니다. 이 여자는 나중에 그의 두 번째 부인이 되었습니다. 얼마 후 Monet의 재정 상황이 너무 좋아 지베르니에서 자신의 집을 살 수 있었고 나머지 시간 동안 일했습니다.

화가는 새로운 경향을 미묘하게 감지하여 놀라운 통찰력으로 많은 것을 예상할 수 있게 한다.
XIX 후반에서 XX ​​세기 초반의 예술가들이 달성할 것으로부터. 색상과 플롯에 대한 태도를 변경합니다.
그림. 이제 그의 관심은 장식적 효과를 높이는 주제 상관성에서 분리된 붓놀림의 색 구성표의 표현력에 집중됩니다. 궁극적으로 그는 패널 페인팅을 만듭니다. 간단한 플롯 1860-1870 다양한 연관 링크로 가득 찬 복잡한 모티프를 제공합니다. 서사시 이미지바위, elegiac 포플러 등급 ( "Rocks in Belle-Ile", 1866; "Poplars", 1891).

이 기간은 "Hacks"( "Haystack in the snow. Gloomy day", 1891; "Hacks. End of the day. Autumn", 1891)의 구성, Rouen 대성당의 이미지 ( " 루앙 대성당정오에”, 1894 등), 런던의 전망(“Fog in London”, 1903 등). 여전히 인상주의적인 방식으로 작업하고 팔레트의 다양한 색조를 사용하는 마스터는 동일한 물체의 조명이 낮 동안 다른 날씨에서 어떻게 변할 수 있는지를 가장 정확하고 안정적으로 전달하는 것을 목표로 합니다.

루앙 대성당에 관한 일련의 그림을 자세히 살펴보면 여기 대성당이 루앙의 화신이 아니라는 것이 분명해집니다. 복잡한 세계중세 프랑스 사람들의 생각, 감정, 이상, 심지어 예술과 건축의 기념비가 아니라 작가가 빛과 분위기의 삶의 상태를 전달하는 일종의 배경입니다. 시청자는 이 시리즈의 진정한 영웅인 아침 바람의 상쾌함, 한낮의 더위, 임박한 저녁의 부드러운 그림자를 느낍니다.

그러나이 외에도 그러한 그림은 비정상적인 장식 구성으로 무의식적으로 발생하는 연관 연결 덕분에 시청자에게 시간과 공간의 역학에 대한 인상을줍니다.

가족과 함께 지베르니로 이사한 모네는 정원에서 그림을 그리며 많은 시간을 보냈습니다. 이 직업은 예술가의 견해에 많은 영향을 미쳐 사람이 사는 평범한 세계 대신 물과 식물의 신비한 장식 세계를 캔버스에 묘사하기 시작했습니다 ( "Irises at Giverny", 1923; "Weeping Willows", 1923 ). 따라서 그의 후기 패널 중 가장 유명한 시리즈("White Water Lilies. Harmony of Blue", 1918-1921)에서 볼 수 있는 수련이 떠 있는 연못의 전망을 볼 수 있습니다.

지베르니는 1926년 그가 세상을 떠난 예술가의 마지막 피난처가 되었습니다.

인상주의자들의 글쓰기 방식은 학자들의 글쓰기 방식과 매우 달랐다는 점에 유의해야 합니다. 인상파, 특히 모네와 그와 같은 생각을 가진 사람들은 주제 상관관계와는 별개로 붓놀림의 색 구성표의 표현력에 관심을 가졌습니다. 즉, 그들은 팔레트에 섞이지 않은 순수한 페인트만을 사용하여 별도의 획으로 썼고 원하는 톤은 이미 시청자의 인식에 형성되었습니다. 따라서 나무와 풀의 잎사귀에는 녹색과 함께 파란색과 노란색이 사용되어 멀리서 녹색의 적절한 그늘을 제공합니다. 이 방법은 인상파 거장들의 작품에 그들에게만 내재된 특별한 순수함과 신선함을 부여했습니다. 별도로 놓인 스트로크는 릴리프의 인상과 그대로 진동하는 표면을 만들었습니다.

피에르 오귀스트 르누아르

인상파 그룹의 지도자 중 한 명인 프랑스 화가, 그래픽 아티스트 및 조각가 인 Pierre Auguste Renoir는 1841 년 2 월 25 일 Limoges에서 1845 년 파리로 이주한 지방 재단사의 가난한 가정에서 태어났습니다. 젊은 르누아르의 재능은 그의 부모가 아주 일찍 알아차렸고, 1854년에 그들은 그를 도자기 그림 작업장에 배정했습니다. 워크샵을 방문하는 동안 Renoir는 드로잉 및 응용 미술 학교에서 동시에 공부했으며 1862 년에 돈을 모아 (문장, 커튼 및 부채를 칠하여 돈을 벌고) 미술 학교에 입학했습니다. 조금 후에 그는 A. Sisley, F. Basil 및 C. Monet과 친한 친구가 된 C. Gleyre의 작업장을 방문하기 시작했습니다. 그는 종종 루브르 박물관을 방문하여 A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard와 같은 거장들의 작품을 연구했습니다.

인상파 그룹과의 커뮤니케이션을 통해 르누아르는 자신만의 시각 스타일을 발전시켰습니다. 예를 들어, 그들과 달리 그는 전체 작업에서 사람의 이미지를 그림의 주요 동기로 삼았습니다. 또한 그의 작품은 외광이었지만 결코 녹지 않았다.
반짝이는 빛의 매체에서 물질 세계의 플라스틱 무게.

화가가 명암법을 사용하여 이미지에 거의 조각적인 형태를 부여함으로써 그의 초기 작품은 일부 사실주의 예술가, 특히 G. Courbet의 작품처럼 보입니다. 그러나 Renoir에만 내재 된 더 가볍고 밝은 색 구성표는이 마스터를 그의 전임자와 구별합니다 ( "Mother Anthony 's Tavern", 1866). 야외에서 인물의 움직임의 자연스러운 가소성을 전달하려는 시도는 작가의 많은 작품에서 눈에 띕니다. "아내와 함께 있는 알프레드 시슬리의 초상"(1868)에서 르누아르는 팔짱을 끼고 걷는 부부를 연결하는 느낌을 보여주려고 합니다. 시슬리는 잠시 멈추고 부드럽게 아내에게 몸을 기울였습니다. 사진의 액자를 연상시키는 구도의 이 사진에서 움직임의 모티브는 여전히 우연적이고 실질적으로 무의식적이다. 그러나 "선술집"에 비해 "아내와 함께한 알프레드 시슬리의 초상화"의 인물은 더 편안하고 생생 해 보입니다. 또 다른 중요한 점은 중요합니다. 배우자는 자연 (정원에서)으로 묘사되지만 Renoir는 여전히 야외에서 인간의 모습을 묘사 한 경험이 없습니다.

"아내와 함께한 Alfred Sisley의 초상화"- 새로운 예술을 향한 예술가의 첫 걸음. 작가 작업의 다음 단계는 센 강의 목욕 (c. 1869) 그림으로, 해안을 따라 걷는 사람들, 목욕하는 사람, 보트와 나무 덩어리가 가벼운 공기 분위기로 모입니다. 아름다운 여름날. 화가는 이미 유색 그림자와 밝은 색 반사를 자유롭게 사용하고 있습니다. 그의 번짐은 살아 있고 활력이 넘칩니다.

C. Monet과 마찬가지로 Renoir는 환경 세계에 인간의 모습을 포함시키는 문제를 좋아합니다. 작가는 그림 "Swing"(1876)에서이 문제를 해결하지만 사람의 모습이 풍경에 녹아 내리는 C. Monet과는 약간 다른 방식으로 해결합니다. Renoir는 그의 구성에 몇 가지 주요 인물을 소개합니다. 이 화폭이 아주 자연스럽게 만들어지는 그림 같은 방식은 무더운 여름날 그늘이 부드러워지는 분위기를 전달한다. 그림은 행복과 기쁨으로 스며든다.

1870년대 중반. Renoir는 가볍고 생생한 움직임과 밝은 빛 반사 "Moulin de la Galette"(1876)의 애매한 플레이로 가득 찬 햇볕에 흠뻑 젖은 풍경 "Path in the Meadows"(1875)와 "Umbrellas"( 1883), "Lodge"(1874) 및 The End of Breakfast(1879). 이 아름다운 캔버스는 작가가 어려운 환경에서 작업해야 한다는 사실에도 불구하고 만들어졌습니다. 소위 예술 감정가의 공격. 그러나이 어려운시기에 Renoir는 그와 가까운 두 사람, 즉 Edmond 형제 (La Vie Moderne 잡지 발행인)와 Georges Charpentier (주간 소유자)의 지원을 느꼈습니다. 그들은 예술가가 약간의 돈을 받고 작업장을 빌릴 수 있도록 도왔습니다.

구성 측면에서 풍경 "Path in the Meadows"는 C. Monet의 "Poppies"(1873)와 매우 가깝지만 Renoir 캔버스의 그림 같은 질감은 더 조밀하고 물질적입니다. 구도 솔루션의 또 다른 차이점은 하늘입니다. 자연 세계의 물질성이 중요했던 르누아르에게 하늘은 그림의 작은 부분만을 차지한 반면, 회색 은색 또는 백설 공주 구름이 하늘을 가로지르는 모네의 하늘은 양귀비 꽃이 만발한 경사면 위로 솟아 햇살이 내리쬐는 여름날의 느낌을 더해줍니다.

"Moulin de la Galette"(아티스트에게 진정한 성공을 거두었습니다) 작곡에서 "Umbrellas", "Lodge"및 "The End of Breakfast"는 (Manet 및 Degas에서와 같이) 우연히 겉보기에 관심을 분명히 보여줍니다. 엿보는 삶의 상황; 또한 특징은 E. Degas와 부분적으로 E. Manet의 특징이기도 한 구성 공간의 프레임을 절단하는 방법에 대한 호소입니다. 그러나 후자의 작품과 달리 르누아르의 그림은 큰 평온함과 묵상으로 구별됩니다.

캔버스 "The Lodge"는 마치 쌍안경으로 의자 줄을 들여다 보는 것처럼 무심코 무관심한 표정의 미녀가있는 상자를 우연히 발견합니다. 반대로 그녀의 동반자는 큰 관심을 가지고 청중을 바라 봅니다. 그의 그림의 일부는 액자에 의해 잘립니다.

작품 "The End of Breakfast"는 초보적인 에피소드를 보여줍니다. 흰색과 검은 색 옷을 입은 두 명의 여성과 그들의 신사가 정원의 그늘진 구석에서 완전한 아침 식사를합니다. 테이블은 이미 커피를 위해 준비되어 있으며, 옅은 파란색의 고급 자기로 만든 컵에 제공됩니다. 여자들은 남자가 담배에 불을 붙이기 위해 중단 한 이야기의 계속을 기다리고 있습니다. 이 그림은 극적이거나 깊은 심리학이 아니며 가장 작은 분위기의 미묘한 전달로 시청자의 관심을 끌고 있습니다.

가볍고 활기찬 움직임으로 가득 찬 "노 젓는 사람의 아침 식사"(1881)에도 비슷한 차분한 쾌활함이 스며 듭니다. 강아지를 품에 안고 앉아있는 예쁜 아가씨의 모습에서 열정과 매력이 뿜어져 나옵니다. 화가는 자신의 모습을 미래의 아내. 캔버스 "Nude"(1876)는 약간 다른 굴절에서만 똑같은 즐거운 분위기로 가득 차 있습니다. 젊은 여성의 몸의 신선함과 따뜻함은 일종의 배경을 형성하는 시트와 리넨의 푸르스름한 차가운 천과 대조됩니다.

Renoir 작품의 특징은 사람이 거의 모든 사실주의 예술가의 그림의 특징 인 복잡한 심리적, 도덕적 충만 함을 박탈 당한다는 것입니다. 이 기능은 "Nude"(플롯 모티프의 특성상 그러한 특성이 없음을 허용하는 경우)와 같은 작품뿐만 아니라 Renoir의 초상화에도 내재되어 있습니다. 그러나 이것은 캐릭터의 쾌활함에있는 그의 캔버스의 매력을 박탈하지 않습니다.

대부분 이러한 자질은 Renoir "Girl with a Fan"(c. 1881)의 유명한 초상화에서 느껴집니다. 캔버스는 연결 고리입니다 초기 작업차갑고 세련된 것이 특징인 후기 르느와르 그림 물감. 이 시기 작가는 이전보다 선명한 선, 선명한 드로잉, 색의 국지성에 관심을 갖는다. 작가는 리드미컬한 반복(부채의 반원형 - 빨간 의자의 반원형 등받이 - 소녀다운 경 사진 어깨)에 큰 역할을 부여한다.

그러나 Renoir 그림의 이러한 모든 경향은 1880 년대 후반에 그의 작품과 일반적으로 인상주의에 대한 실망이 시작되었을 때 가장 완벽하게 나타났습니다. 작가가 "말린"것으로 간주 한 그의 작품 중 일부를 파괴 한 그는 N. Poussin의 작품을 연구하기 시작하고 J. O. D. Ingres의 그림으로 바뀝니다. 결과적으로 그의 팔레트는 특별한 광도를 얻습니다. 소위. "피아노의 소녀"(1892), "잠자는 목욕하는 사람"(1897)과 같은 작품에서 우리에게 알려진 "진주 시대"와 아들의 초상화-Pierre, Jean 및 Claude- "Gabriel and Jean"( 1895), "코코"(1901).

또한 1884년부터 1887년까지 르누아르는 일련의 변종을 연구하고 있다. 큰 그림"목욕탕". 그 안에서 그는 명확한 구성 완성도를 달성했습니다. 그러나 위대한 전임자들의 전통을 되살리고 재고하려는 모든 시도는 우리 시대의 큰 문제와는 거리가 먼 음모로 돌아섰지만 실패로 끝났습니다. "Bathers"는 이전의 직접적이고 신선한 삶의 인식에서 예술가를 소외시킬뿐입니다. 이 모든 것은 1890년대 이후의 사실을 크게 설명합니다. Renoir의 작업은 약해집니다. 주황색-빨간색 톤이 그의 작업 색상에서 우세하기 시작하고 통풍이 잘되는 깊이가없는 배경은 장식적이고 평평 해집니다.

1903년부터 르누아르는 자기 집 Cagnes-sur-Mer에서 그는 풍경, 인물과 정물이 있는 구성 작업을 계속하고 있으며, 대부분 위에서 이미 언급한 붉은 색조가 우세합니다. 중병에 걸린 작가는 더 이상 스스로 붓을 잡을 수 없으며 손에 묶여 있습니다. 그러나 어느 정도 시간이 지나면 그림은 완전히 버려야 한다. 그런 다음 주인은 조각으로 변합니다. Guino의 조수와 함께 그는 실루엣의 아름다움과 조화, 기쁨 및 삶을 긍정하는 힘으로 구별되는 몇 가지 놀라운 조각품을 만듭니다 (Venus, 1913; The Great Laundress, 1917; Motherhood, 1916). Renoir는 1919년 Alpes-Maritimes에 있는 자신의 영지에서 사망했습니다.

에드가 드가

인상주의의 가장 큰 대표자 인 프랑스 화가, 그래픽 아티스트 및 조각가 인 Edgar Hilaire Germain Degas는 1834 년 파리에서 부유 한 은행가의 가족으로 태어났습니다. 부유한 그는 루이 대왕(1845-1852)의 이름을 딴 명문 라이시움에서 훌륭한 교육을 받았습니다. 한동안 그는 파리 대학교 (1853)의 법학부 학생 이었지만 예술에 대한 갈망을 느끼고 대학을 떠나 예술가 L. Lamotte (학생이자 추종자)의 스튜디오에 참석하기 시작했습니다. Ingres의) 그리고 동시에 (1855 이후) 학교
미술. 그러나 1856 년에 Degas는 예기치 않게 파리를 떠나 2 년 동안 이탈리아로 가서 큰 관심을 가지고 공부했으며 많은 화가와 마찬가지로 르네상스 거장의 작품을 복사했습니다. 그의 가장 큰 관심은 A. Mantegna와 P. Veronese의 작품으로, 젊은 예술가에게 영감을 주고 다채로운 그림을 높이 평가했습니다.

Degas의 초기 작품(주로 초상화)은 명확하고 정확한 그림과 미묘한 관찰이 특징이며, 절묘하게 절제된 글쓰기 방식(그의 형제 스케치, 1856-1857, Baroness Belleli의 머리 그림, 1859) 또는 놀라운 처형의 진실성 (이탈리아 거지의 초상, 1857).

고국으로 돌아온 Degas는 역사적 주제로 돌아섰지만 그 당시에는 독특하지 않은 해석을했습니다. 따라서 "Spartan Girls Challenge Young Men to a Competition"(1860) 구성에서 마스터는 고대 음모의 조건부 이상화를 무시하고 현실에서 가능한 한 구현하려고합니다. 역사적 주제에 대한 그의 다른 캔버스에서와 같이 여기의 고대는 마치 현대성의 프리즘을 통과한 것 같습니다. 산문적인 풍경은 고전적 개념과는 거리가 멀고 이상화된 스파르타인들보다 파리 교외의 평범한 십대들과 더 비슷합니다.

1860년대에는 초보 화가의 창작 방식이 점차 형성되었다. 이 10년 동안 덜 중요한 역사적 캔버스("바빌론 건설을 지켜보는 세미라미드", 1861)와 함께 작가는 관찰과 사실적인 기술이 연마된 여러 초상화 작품을 만들었습니다. 이와 관련하여 가장 대표적인 것은 "젊은 여성의 머리"라는 그림입니다.
1867년

1861 년 Degas는 E. Manet을 만났고 곧 당시의 젊은 혁신가 인 C. Monet, O. Renoir, A. Sisley 등이 모이는 Gerbois 카페에서 단골이되었습니다. 그러나 그들이 주로 풍경과 일에 관심이 있다면 야외에서 , Degas는 도시, 파리 유형의 주제에 더 중점을 둡니다. 그는 움직이는 모든 것에 매력을 느낍니다. 정적은 그를 무관심하게 만듭니다.

Degas는 생명 현상의 끝없는 변화에서 특징적으로 표현되는 모든 것을 미묘하게 포착하는 매우 세심한 관찰자였습니다. 따라서 대도시의 미친 리듬을 전달하면서 그는 자본주의 도시에 전념하는 일상적인 장르의 변종 중 하나를 창조하게 됩니다.

이 시기의 작품에서는 초상화가 두드러지며, 그 중에는 세계화의 진주로 분류되는 작품이 많다. 그중에는 Belleli 가족의 초상화 (c. 1860-1862), 여성의 초상화 (1867), 기타리스트 Pagan의 말을 듣고있는 예술가 아버지의 초상화 (c. 1872)가 있습니다.

1870년대의 일부 그림은 인물 묘사에서 사진과 같은 냉정함이 특징입니다. 예를 들어 차가운 푸른 색조로 만든 "Dancing Lesson"(c. 1874)이라는 캔버스가 있습니다. 작가는 옛 무용 대가에게 레슨을 받는 발레리나의 움직임을 놀랍도록 정확하게 포착한다. 그러나 예를 들어 1873년으로 거슬러 올라가는 콩코르드 광장에서 딸과 함께 있는 레픽 자작의 초상화와 같은 다른 성격의 그림이 있습니다. Lepic의 성격 전달의 구성과 놀라운 선명도; 한마디로 이것은 특징적으로 표현되는 삶의 시작이 예술적으로 예리하고 예리하게 공개되기 때문에 발생합니다.

이 시기의 작품들은 그가 묘사한 사건에 대한 작가의 시각을 반영하고 있음을 주목해야 한다. 그의 그림은 일반적인 학문적 규범을 파괴합니다. Degas의 그림 The Musicians of the Orchestra(1872)는 음악가들의 머리(클로즈업으로 그린)와 관객에게 절을 하는 작은 무용수의 모습을 비교함으로써 만들어지는 날카로운 대조를 기반으로 합니다. 표현적인 움직임에 대한 관심과 캔버스에 대한 정확한 복사는 움직임의 본질, 그 논리를 정확하게 포착하기 위해 마스터가 만든 댄서의 수많은 스케치 인형 (Degas도 조각가임을 잊지 말아야 함)에서도 관찰됩니다. 가능한 한.

작가는 시화가 결여된 움직임, 자세, 몸짓의 전문적 특이성에 관심을 가졌다. 이것은 특히 경마에 관한 작품에서 두드러집니다("Young Jockey", 1866-1868; "Horse Racing in the Province. Crew at the Races", ca. 1872; "Jockeys in front of the stand", ca. 1879, 등.). The Ride of Racehorses(1870년대)에서는 문제의 전문적인 측면에 대한 분석이 거의 기자의 정확도로 제공됩니다. 이 캔버스를 T. Géricault의 그림 "The Races at Epsom"과 비교하면 명백한 분석성으로 인해 Degas의 작업이 T. Géricault의 감정적 구성에 많은 것을 잃는다는 것이 즉시 분명해집니다. 그의 걸작 수에 속하지 않는 Degas의 파스텔 "Ballerina on Stage"(1876-1878)에도 동일한 특성이 내재되어 있습니다.

그러나 그러한 일면성에도 불구하고 아마도 그 덕분에 Degas의 예술은 설득력과 내용으로 구별됩니다. 그의 프로그래밍 작업에서 그는 작가 자신을 포함하여 현대 사회가 살고있는 소외와 외로움의 분위기뿐만 아니라 묘사 된 사람의 내면 상태의 깊이와 복잡성을 매우 정확하고 뛰어난 기술로 드러냅니다.

처음으로 이러한 분위기는 작은 캔버스 "사진가 앞의 댄서"(1870s)에 기록되었으며, 작가는 앞에서 배운 포즈로 우울하고 우울한 분위기에 얼어 붙은 댄서의 외로운 모습을 그렸습니다. 부피가 큰 사진 장치. 앞으로 "Absinthe"(1876), "Singer from the Cafe"(1878), "Ironers"(1884) 등의 캔버스에 쓴맛과 외로움이 스며 듭니다. Degas는 두 남자의 모습을 보여 주었고 외롭고 서로에게 그리고 전 세계에 무관심한 여자. 압생트가 담긴 유리잔의 희미한 녹색 깜박임은 여성의 눈과 자세에서 보이는 슬픔과 절망을 강조합니다. 푹신한 얼굴을 가진 창백한 수염을 가진 남자는 우울하고 사려 깊습니다.

독창성 Degas는 사람들의 성격, 행동의 독특한 특징, 전통적인 것을 대체하는 잘 만들어진 동적 구성에 대한 진정한 관심을 내재하고 있습니다. 그 주요 원칙은 현실 자체에서 가장 표현적인 각도를 찾는 것입니다. 이것은 Degas의 작품을 주변 세계에 대한 관조적 접근 방식으로 다른 인상파 (특히 C. Monet, A. Sisley 및 부분적으로 O. Renoir)의 예술과 구별합니다. 작가는 그의 초기 작품인 뉴올리언스의 목화 접수처(1873)에서 이미 이 원칙을 사용했으며, E. Goncourt는 그 진정성과 사실성에 대한 감탄을 불러일으켰습니다. 그의 후기 작품 "Miss Lala in the Fernando Circus"(1879)와 "Dancers in the Foyer"(1879)는 동일한 동기 내에서 다양한 움직임의 변화에 ​​대한 미묘한 분석이 제공됩니다.

때때로 이 기술일부 연구자들은 Degas와 A. Watteau의 근접성을 나타내기 위해 사용합니다. 두 아티스트가 실제로 어떤 점에서는 비슷하지만(A. Watteau도 같은 악장의 다양한 음영에 중점을 둡니다), A. Watteau의 드로잉을 앞서 언급한 Degas 구성의 바이올리니스트 동작 이미지와 비교하는 것으로 충분합니다. , 그들의 예술적 기법의 반대가 즉시 느껴집니다.

A. Watteau가 한 악장의 애매한 전환을 다른 악장, 말하자면 반음으로 전달하려고 시도한다면 반대로 Degas에게는 운동 동기의 활기차고 대조되는 변화가 특징적입니다. 그는 비교와 날카로운 충돌을 위해 더 많이 노력하며 종종 그림을 각지게 만듭니다. 이런 식으로 작가는 동시대 삶의 발전의 역동성을 포착하려고 한다.

1880년대 말~1890년대 초. Degas의 작품에는 장식적인 모티프가 우세한데, 이는 아마도 그의 경계심이 둔하기 때문일 것입니다. 예술적 인식. 누드에 전념하는 1880 년대 초의 캔버스 ( "화장실을 떠나는 여자", 1883)에서 움직임의 생생한 표현에 더 큰 관심이 있다면 10 년이 끝날 무렵 예술가의 관심은 눈에 띄게 묘사로 옮겨졌습니다. 여성의 아름다움의. 이것은 특히 뛰어난 기술을 가진 화가가 골반에 기대어 젊은 여성의 유연하고 우아한 몸매의 매력을 전달하는 그림 "Bathing"(1886)에서 두드러집니다.

예술가들은 전에도 비슷한 그림을 그렸지만 Degas는 약간 다른 길을 택합니다. 다른 주인의여 주인공이 항상 시청자의 존재를 느꼈다면 여기에서 화가는 그녀가 외부에서 어떻게 보이는지에 대해 완전히 무관심한 것처럼 여성을 묘사합니다. 그리고 그러한 상황이 아름답고 아주 자연스러워 보이지만, 유사한 작품종종 그로테스크에 접근합니다. 결국, 가장 친밀한 포즈와 제스처조차도 여기에서 매우 적절하며 기능적 필요성에 의해 완전히 정당화됩니다. 세탁 할 때 올바른 위치로 손을 뻗고 뒷면의 걸쇠를 풀고 미끄러지고 무언가를 잡습니다.

말년에 드가는 회화보다는 조각에 더 몰두했습니다. 이것은 부분적으로 안구 질환과 시각 장애 때문입니다. 그는 자신의 그림에 있는 것과 동일한 이미지를 만듭니다. 그는 발레리나, 무용수, 말의 조각상을 조각합니다. 동시에 작가는 움직임의 역학을 최대한 정확하게 전달하려고 노력합니다. Degas는 그림을 남기지 않으며 배경으로 사라지지만 그의 작업에서 완전히 사라지지는 않습니다.

1880년대 후반과 1890년대에 제작된 드가의 그림 이미지에 대한 장식적 평면 해석에 대한 열망은 형식적으로 표현적이고 리드미컬한 구성 구성으로 인해 발생했습니다. 사실적인 신빙성이 결여되고 장식용 판넬처럼 되어 버린다.

드가는 여생을 고향인 파리에서 보냈고 1917년 그곳에서 사망했습니다.

카미유 피사로

프랑스 화가이자 그래픽 아티스트인 Camille Pissarro는 1830년경 태어났습니다. 상인 가족의 St. Thomas (Antilles). 그는 파리에서 교육을 받았고 그곳에서 1842년부터 1847년까지 공부했습니다. 학업을 마친 후 Pissarro는 St. Thomas로 돌아와 가게에서 아버지를 돕기 시작했습니다. 그러나 이것은 청년이 꿈꾸던 것이 아닙니다. 그의 관심은 카운터 너머에 있었다. 그림은 그에게 가장 중요했지만 그의 아버지는 아들의 관심을 지원하지 않았고 그가 가업을 떠나는 것을 반대했습니다. 가족의 완전한 오해와 중간에 만나기를 꺼리는 것은 완전히 절망적 인 청년이 베네수엘라 (1853)로 도망 쳤다는 사실로 이어졌습니다. 이 행동은 여전히 ​​단호한 부모에게 영향을 미쳤으며 그는 아들이 그림을 공부하기 위해 파리에 가도록 허용했습니다.

파리에서 피사로는 스위스의 화실에 들어가 그곳에서 6년(1855~1861) 동안 공부했다. 1855 년 세계 회화 전시회에서 미래의 예술가는 J. O. D. Ingres, G. Courbet을 발견했지만 C. Corot의 작품은 그에게 가장 큰 인상을 남겼습니다. 후자의 조언에 따라 Suisse의 스튜디오를 계속 방문하면서 젊은 화가는 A. Melbi의 미술 학교에 입학했습니다. 이때 그는 파리 외곽의 풍경을 그린 C. Monet을 만났습니다.

1859년 피사로는 살롱에서 처음으로 자신의 그림을 전시했습니다. 그의 초기 작품은 C. Corot과 G. Courbet의 영향을 받아 작성되었지만 점차 Pissarro는 자신만의 스타일을 발전시키게 됩니다. 초보자 화가는 야외 작업에 많은 시간을 할애합니다. 그는 다른 인상파와 마찬가지로 움직이는 자연의 삶에 관심이 있습니다. 피사로는 형태뿐만 아니라 물체의 물질적 본질을 전달할 수 있는 색상에 많은 관심을 기울입니다. 자연의 고유한 매력과 아름다움을 드러내기 위해 그는 순수한 색상의 가벼운 스트로크를 사용하여 서로 상호 작용하여 진동하는 색조 범위를 만듭니다. 십자형, 평행선 및 대각선으로 그려져 전체 이미지에 놀라운 깊이감과 리드미컬한 사운드를 제공합니다("The Seine at Marly", 1871).

회화는 피사로를 데려오지 않는다 큰돈그리고 그는 간신히 생계를 유지합니다. 절망의 순간에 작가는 예술과 영원히 결별을 시도하지만 곧 다시 창작으로 돌아온다.

몇 년 동안 프랑스-프로이센 전쟁피사로는 런던에 산다. C. Monet과 함께 그는 자연에서 런던 풍경을 그립니다. 당시 Louveciennes에 있는 예술가의 집은 프로이센 침략자들에게 약탈당했습니다. 집에 남아 있던 대부분의 그림이 파괴되었습니다. 군인들은 비가 내리는 동안 마당에 캔버스를 발 아래 깔았습니다.

파리로 돌아온 피사로는 여전히 재정적 어려움을 겪고 있습니다. 대체하기 위해 온 공화국
제국은 프랑스에서 거의 아무것도 바꾸지 않았습니다. 코뮌과 관련된 사건 이후 빈곤해진 부르주아지는 그림을 살 수 없습니다. 현재 Pissarro는 젊은 예술가 P. Cezanne의 후원을 받고 있습니다. 그들은 함께 퐁투아즈에서 작업하는데, 그곳에서 피사로는 예술가가 1884년까지 살았던 퐁투아즈 주변을 묘사하는 캔버스를 만듭니다("퐁투아즈의 Oise", 1873). 조용한 마을, 멀리 뻗어있는 도로 ( "눈 아래 Gisors에서 Pontoise까지의 길", 1873; "Red Roofs", 1877; "Landscape in Pontoise", 1877).

피사로는 1874년부터 1886년까지 조직된 8개의 인상파 전시회에 모두 적극적으로 참여했습니다. 상호 언어거의 모든 초보자 아티스트와 함께 조언을 도왔습니다. 동시대 사람들은 그에 대해 "그는 돌을 그리는 방법도 가르칠 수 있다"고 말했습니다. 주인의 재능은 너무 커서 다른 사람들이 회색, 갈색, 녹색만 보는 미묘한 색조도 구별할 수 있었습니다.

Pissarro의 작업에서 특별한 장소는 빛과 계절에 따라 끊임없이 변화하는 살아있는 유기체로 표시되는 도시 전용 캔버스로 가득 차 있습니다. 작가는 많은 것을 보고 다른 사람들이 눈치채지 못한 것을 포착하는 놀라운 능력을 가졌습니다. 예를 들어, 그는 같은 창 밖을 내다보며 몽마르뜨를 묘사한 30개의 작품을 썼습니다("파리의 몽마르뜨 대로", 1897). 주인은 열정적으로 파리를 사랑했기 때문에 대부분의 그림을 그에게 바쳤습니다. 작가는 그의 작품에서 파리를 세계에서 가장 위대한 도시 중 하나로 만든 독특한 마법을 전달했습니다. 작업을 위해 화가는 Saint-Lazare Street, Grands Boulevards 등에 있는 방을 빌렸습니다. , 봄”, 1898; “파리의 오페라 통로).

그의 도시 풍경 중에는 다른 도시를 묘사한 작품도 있다. 그래서 1890년대. 주인은 Dieppe에서 오랫동안 살았고 그 다음에는 Rouen에서 살았습니다. 프랑스의 여러 지역에 헌정된 그림에서 그는 고대 광장의 아름다움, 지나간 시대의 정신이 숨 쉬는 차선과 고대 건물의 시를 드러냈습니다(“The Great Bridge in Rouen”, 1896; “The Boildieu Bridge in Rouen at Sunset”, 1896, “루앙의 전망”, 1898, “디에프의 생 자크 교회”, 1901).

Pissarro의 풍경은 화려하지는 않지만 그림의 질감은 다양한 음영으로 유난히 풍부합니다. 예를 들어 조약돌 포장의 회색 톤은 순수한 분홍색, 파란색, 파란색, 황금색 황토색, 영국식 빨간색 등의 획으로 형성됩니다. 결과적으로 회색은 자개처럼 보이고 반짝거리고 빛나서 그림이 보석처럼 보입니다.

Pissarro는 풍경뿐만 아니라 창조했습니다. 그의 작품에는 풍속화사람에 대한 관심이 구체화되었습니다.

가장 중요한 것 중에는 "우유가 든 커피"(1881), "가지가있는 소녀"(1881), "우물에 아이를 둔 여자"(1882), "시장 : 고기 상인"(1883)에 주목할 가치가 있습니다. ). 이 작품을 작업하면서 화가는 획을 간소화하고 기념비적 요소를 구성에 도입하려고 했습니다.

1880년대 중반, 이미 성숙한 화가인 피사로는 쇠라와 시냐크의 영향을 받아 분단주의에 관심을 갖게 되었고 작은 색깔의 점들로 그림을 그리기 시작했습니다. 이런 식으로 그의 작품 "Lacroix Island, Rouen." 안개"(1888). 그러나 취미는 오래 가지 않았고 곧 (1890) 주인은 이전 스타일로 돌아 왔습니다.

그림 외에도 Pissarro는 수채화로 작업하고 에칭, 석판화 및 그림을 만들었습니다.
화가는 1903년 파리에서 세상을 떠났다.

19세기 후반의 유럽 미술은 모더니즘 미술의 등장으로 풍요로워졌고, 그 영향은 음악과 문학으로까지 확대되었습니다. 그것은 예술가의 미묘한 인상, 이미지 및 분위기를 기반으로 했기 때문에 "인상주의"라고 불렸습니다.

기원과 발생의 역사

19세기 후반에 몇몇 젊은 예술가들이 그룹을 결성했습니다. 그들은 공통의 목표와 일치된 관심사를 가졌습니다. 이 회사에서 가장 중요한 것은 작업장의 벽과 다양한 제한 요소 없이 자연 속에서 일하는 것이었습니다. 그들의 그림에서 그들은 모든 관능미, 빛과 그림자의 놀이에 대한 인상을 전달하려고 노력했습니다. 풍경과 초상화는 주변 세계와 함께 우주와 영혼의 일치를 반영했습니다. 그들의 그림은 색상의 진정한 시입니다.

1874년에 이 예술가 그룹의 전시회가 있었습니다. 클로드 모네의 풍경 “인상. Sunrise”는 그의 리뷰에서 처음으로 이러한 제작자를 인상파라고 불렀던 비평가의 시선을 사로 잡았습니다 (프랑스 인상- "인상"에서 유래).

인상파 스타일의 탄생을위한 전제 조건은 곧 놀라운 성공을 거둘 대표자의 그림이 르네상스 작품이었습니다. 스페인 Velazquez, El Greco, 영국 Turner, Constable의 작품은 인상주의의 창시자 인 프랑스에 무조건 영향을 미쳤습니다.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir 등은 프랑스 스타일의 저명한 대표자가되었습니다.

회화의 인상주의 철학

이 스타일로 그림을 그린 예술가들은 문제에 대한 대중의 관심을 끄는 작업을 스스로 설정하지 않았습니다. 그들의 작품에서 오늘의 주제에 대한 플롯을 찾을 수 없으며 도덕화를 받거나 인간의 모순을 알 수 없습니다.

인상주의 스타일의 그림은 순간적인 분위기를 전달하고 신비한 자연의 색 구성표를 개발하는 것을 목표로 합니다. 작품에는 긍정적 인 시작을위한 장소 만 있으며 인상파를 우회하는 우울함이 있습니다.

사실 인상파 화가들은 줄거리와 세부 사항에 대해 고민하지 않았습니다. 무엇을 그리느냐가 아니라 어떻게 그 기분을 표현하고 전달하느냐가 관건이었다.

회화 기법

학문적 드로잉 스타일과 인상파의 기법 사이에는 엄청난 차이가 있습니다. 그들은 단순히 많은 방법을 포기했고 일부는 알아볼 수 없을 정도로 변경되었습니다. 그들이 만든 혁신은 다음과 같습니다.

1. 버려진 윤곽. 작고 대조되는 스트로크로 대체되었습니다.
2. 우리는 서로를 보완하고 특정 효과를 얻기 위해 병합할 필요가 없는 색상을 선택했습니다. 예를 들어 노란색은 보라색입니다.
3. 검은색 페인팅을 중지합니다.
4. 워크샵에서 완전히 버려진 작업. 그들은 자연에 대해서만 글을 썼기 때문에 순간, 이미지, 느낌을 더 쉽게 포착할 수 있습니다.
5. 불투명도가 좋은 페인트만 사용했습니다.
6. 다음 층이 마를 때까지 기다리지 마십시오. 신선한 도말을 즉시 적용했습니다.
7. 그들은 빛과 그림자의 변화를 따라가는 작업의 순환을 만들었습니다. 예를 들어, Claude Monet의 "Haystacks".

물론 모든 예술가가 인상주의 스타일의 특징을 정확히 표현한 것은 아닙니다. 예를 들어 Edouard Manet의 그림은 공동 전시회에 참가한 적이 없으며 자신을 별도의 예술가로 자리 매김했습니다. Edgar Degas는 작업장에서만 일했지만 이것이 그의 작업 품질에 해를 끼치지는 않았습니다.

프랑스 인상파 대표

인상파 작품의 첫 전시회는 1874년에 열렸습니다. 12년 후, 그들의 마지막 박람회가 열렸습니다. 이 스타일의 첫 번째 작품은 E. Manet의 "Breakfast on the Grass"라고 할 수 있습니다. 이 사진은 거절의 살롱에서 발표되었습니다. 그것은 학계의 규범과 매우 다르기 때문에 적의에 부딪혔습니다. 그렇기 때문에 Manet은이 문체 방향의 추종자들이 모이는 인물이됩니다.

불행히도 동시대 사람들은 인상주의와 같은 스타일을 인정하지 않았습니다. 그림과 예술가는 공식 예술과 불일치하여 존재했습니다.

점차적으로 Claude Monet은 나중에 그들의 리더이자 인상주의의 주요 이데올로기가 된 화가 팀의 선두에 섭니다.

클로드 모네(1840-1926)

이 작가의 작품은 인상주의에 대한 찬가라고 할 수 있다. 그림자와 밤에도 다른 색조가 있다고 주장하면서 그림에서 처음으로 검은색 사용을 거부한 사람은 바로 그 사람이었습니다.

Monet의 그림 속 세계는 모호한 윤곽선, 방대한 획으로 낮과 밤의 색 놀이, 계절, 달 아래 세계의 조화의 전체 스펙트럼을 느낄 수 있습니다. 모네의 이해에서 삶의 흐름에서 빼앗긴 한 순간만이 인상주의다. 그의 그림은 물질성이 없어 보이며 모두 빛과 기류로 가득 차 있습니다.

Claude Monet은 "Station Saint-Lazare", "Rouen Cathedral", 사이클 "Charing Cross Bridge"등의 놀라운 작품을 만들었습니다.

오귀스트 르누아르(1841-1919)

Renoir의 작품은 놀라운 가벼움, 경쾌함, 미묘함의 인상을줍니다. 줄거리는 우연처럼 탄생했지만, 작가는 작업의 모든 단계를 세심하게 고민하고 아침부터 밤까지 작업한 것으로 알려졌다.

O. Renoir 작품의 특징은 작가의 작품에 인상주의를 쓸 때만 가능한 유약의 사용입니다. 그는 사람을 자연 자체의 일부로 인식하기 때문에 누드 그림이 많이 있습니다.

Renoir가 가장 좋아하는 취미는 매력적이고 매력적인 아름다움을 지닌 여성의 이미지였습니다. 초상화는 예술가의 창의적인 삶에서 특별한 위치를 차지합니다. "Umbrellas", "Girl with a Fan", "Breakfast of the Rowers"는 Auguste Renoir의 놀라운 그림 컬렉션 중 일부에 불과합니다.

조르주 쇠라(1859-1891)

Seurat는 그림을 그리는 과정을 색채 이론의 과학적 입증과 연관시켰습니다. 가벼운 공기 환경은 기본 톤과 추가 톤의 의존성을 기반으로 그려졌습니다.

J. Seurat가 인상주의의 마지막 단계를 대표하고 그의 기법이 창시자들과 여러 면에서 다르다는 사실에도 불구하고 그는 같은 방식으로 획의 도움으로 객관적인 형태의 환상적 표현을 만듭니다. 멀리서 만보고 볼 수 있습니다.

창의성의 걸작은 그림 "일요일", "Cancan", "Models"라고 할 수 있습니다.

러시아 인상주의 대표

러시아 인상주의는 많은 현상과 방법을 혼합하여 거의 자발적으로 발생했습니다. 그러나 프랑스와 마찬가지로 기본은 프로세스의 본격적인 비전이었습니다.

러시아 인상주의에서는 프랑스어의 특징이 보존되었지만 민족적 성격과 정신 상태의 특징이 크게 변경되었습니다. 예를 들어 눈이 내리는 풍경이나 북녘의 풍경 등을 특이한 기법으로 표현했다.

러시아에서는 인상주의 스타일로 작업 한 예술가가 거의 없었으며 그들의 그림은 오늘날까지 눈을 끕니다.

인상주의 시대는 Valentin Serov의 작업에서 구별할 수 있습니다. 그의 "복숭아 소녀"는 러시아에서이 스타일의 가장 명확한 예이자 표준입니다.

그림은 신선함과 순수한 색상의 조화로 정복합니다. 이 작가의 작업의 주된 주제는 자연 속의 사람의 이미지이다. "Northern Idyll", "In the Boat", "Fyodor Chaliapin"은 K. Korovin 활동의 밝은 이정표입니다.

현대의 인상주의

현재 예술의이 방향은 새로운 삶. 이 스타일로 여러 예술가가 그림을 그립니다. 현대 인상주의는 러시아(André Cohn), 프랑스(Laurent Parcelier), 미국(Diana Leonard)에 존재합니다.

안드레 콘이 가장 저명한 대표새로운 인상주의 그의 유화는 단순함이 인상적입니다. 작가는 평범한 것에서 아름다움을 본다. 창조주는 움직임의 프리즘을 통해 많은 대상을 해석합니다.

Laurent Parcelier의 수채화 작품은 전 세계적으로 알려져 있습니다. 그의 작품 '이상한 세계' 시리즈가 엽서 형태로 출시됐다. 화려하고 활기차고 감각적이며 숨이 멎을 것입니다.

19세기와 마찬가지로 플레인 에어 페인팅은 현재 예술가들에게 남아 있습니다. 그녀 덕분에 인상주의는 영원히 살 것입니다. 예술가들은 계속해서 영감을 주고 감동을 주고 영감을 줍니다.

인상주의는 70년대에 등장한 예술 운동입니다. XIX 세기 프랑스 회화, 그런 다음 음악, 문학, 연극에서 나타납니다.

회화에서의 인상주의는 1874년 유명한 전시회가 열리기 오래 전에 형성되기 시작했습니다. Edouard Manet은 전통적으로 인상파의 창시자로 간주됩니다. 그는 Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez의 고전 작품에서 큰 영감을 받았습니다. Manet은 불완전함의 효과를 만드는 "진동" 스트로크를 추가하여 이미지에 대한 비전을 캔버스에 표현했습니다. 1863년 마네는 문화계에 큰 스캔들을 일으킨 "올림피아"를 만들었습니다.

언뜻보기에 그림은 전통적인 캐논에 맞춰 만들어졌지만 동시에 이미 혁신적인 트렌드를 담고 있습니다. 약 87개의 리뷰가 다양한 파리 출판물에서 올림피아에 대해 작성되었습니다. 많은 부정적인 비판이 그녀에게 떨어졌습니다. 예술가는 저속함으로 비난 받았습니다. 그리고 호의적이라고 할 수있는 기사는 몇 개뿐입니다.

그의 작품에서 Manet은 얼룩의 효과를 만드는 단일 페인트 레이어를 오버레이하는 기술을 사용했습니다. 그 후 인상파 화가들은 이 물감을 덧씌우는 방법을 그림의 이미지의 기초로 채택했습니다.

인상주의의 독특한 특징은 순수한 색상의 복잡한 모자이크, 피상적 인 장식 획의 도움으로 가벼운 환경을 재현하는 특별한 방식으로 덧없는 인상을 가장 미묘하게 고정시키는 것입니다.

검색을 시작할 때 예술가들이 하늘의 파란색을 결정하는 도구인 청록색 측정기를 사용했다는 것이 궁금합니다. 검은 색은 팔레트에서 제외되었고 다른 색조로 대체되어 그림의 맑은 분위기를 망치지 않았습니다.

인상파는 최신에 집중했다 과학적 발견그의 시간. Chevrel과 Helmholtz의 색 이론은 다음과 같이 요약됩니다. 태양 광선은 구성 색상으로 나뉘고 그에 따라 캔버스에 배치 된 두 개의 페인트는 회화 적 효과를 높이고 페인트가 혼합되면 강도를 잃습니다.

인상주의의 미학은 부분적으로 예술의 고전주의 관습과 후기 낭만주의 그림의 끈질긴 상징주의와 사려 깊음에서 결정적으로 벗어나려는 시도로 구체화되었습니다. . 인상주의는 일상적 현실의 아름다움뿐만 아니라 세상을 시시각각 변하는 광학적 현상으로 묘사하면서 세부 묘사나 해석 없이 다채로운 분위기를 고착화한다고 주장했습니다.

인상파 예술가들은 완전한 외부 공기 시스템을 개발했습니다. 이 양식적 특징의 선구자는 Barbizon 학교 출신의 풍경화가였으며, 주요 대표자는 Camille Corot과 John Constable이었습니다.

그 일을 수행하다 열린 공간미세한 색상 변화까지 포착할 수 있도록 다른 시간날.

Claude Monet은 루앙 대성당(50개의 그림 시리즈), Haystacks(15개의 그림 시리즈), 수련이 있는 연못 등과 같은 동일한 주제에 대해 여러 시리즈의 그림을 만들었습니다. 이 시리즈의 주요 지표는 하루 중 다른 시간에 쓰여진 동일한 물체의 이미지에서 빛과 색상의 변화.

인상파의 또 다른 업적은 복잡한 색조가 별도의 획에 의해 전달되는 순수한 색상으로 분해되는 독창적인 회화 시스템의 개발입니다. 아티스트는 팔레트에서 색상을 혼합하지 않았지만 캔버스에 직접 획을 적용하는 것을 선호했습니다. 이 기술은 그림에 특별한 떨림, 가변성 및 안도감을 부여했습니다. 예술가들의 작품은 색과 빛으로 가득 차 있었다.

1874년 4월 15일 파리에서 열린 전시회는 새로운 경향을 일반 대중에게 제시하고 형성한 시기의 결과였다. 박람회는 Boulevard des Capucines에 있는 사진작가 Felix Nadar의 스튜디오에서 진행되었습니다.

인상주의라는 이름은 모네의 그림 '인상'이 전시된 이후에 생겨났습니다. 해돋이". 비평가 L. Leroy는 Sharivari의 리뷰에서 Monet의 작품을 예로 들어 1874년 전시회를 장난스럽게 설명했습니다. 또 다른 비평가 모리스 드니(Maurice Denis)는 인상파 화가들의 개성, 감정, 시가 부족하다고 비난했습니다.

약 30명의 작가들이 첫 전시회에 작품을 선보였습니다. 이는 1886년까지 이어진 전시회와 비교했을 때 가장 많은 숫자였다.

에 대해서는 말할 수 없다 긍정적 인 피드백러시아 사회에서. 러시아 예술가와 민주 비평가, 항상 예리한 관심 예술적인 삶프랑스 - I. V. Kramskoy, I. E. Repin 및 V. V. Stasov - 첫 번째 전시회에서 인상파의 업적을 높이 평가했습니다.

1874년 전시회와 함께 시작된 예술사의 새로운 단계는 혁명적 경향의 갑작스러운 폭발이 아니라 느리고 일관된 발전의 정점이었습니다.

과거의 모든 거장들이 인상주의 원리의 발전에 기여했다는 사실에도 불구하고 현재의 직접적인 뿌리는 역사적 전시회 이전 20년에서 가장 쉽게 찾을 수 있습니다.

살롱 전시회와 병행하여 인상파 전시회가 추진력을 얻고 있습니다. 그들의 작품은 회화의 새로운 경향을 보여주었다. 이것은 살롱 문화와 전시 전통에 대한 비난이었습니다. 미래에 인상파 예술가들은 예술의 새로운 경향을 좋아하는 사람들을 그들의 편으로 끌어들였습니다.

인상주의에 대한 이론적 지식과 공식화는 꽤 늦게 형성되기 시작했습니다. 예술가들은 더 많은 연습과 빛과 색상에 대한 자신의 실험을 선호했습니다. 주로 회화적인 인상주의는 사실주의의 유산을 추적하며 당시 주변 현실 이미지의 반 학문적, 반 살롱 지향 및 설치를 명확하게 표현합니다. 일부 연구자들은 인상주의가 사실주의의 특별한 파생물이 되었다고 지적합니다.

의심 할 여지없이 인상주의 예술에서 오래된 전통의 전환점과 위기의시기에 발생하는 모든 예술 운동에서와 같이 모든 외적 완전성 때문에 다양하고 모순적인 경향이 얽혀있었습니다.

주요 특징은 예술적 표현의 수단에서 예술가 작품의 주제였습니다. 인상파에 관한 Irina Vladimirova의 책에는 "풍경, 자연, 인상", "도시, 만남과 이별의 장소", "생활 방식으로서의 취미", "사람과 인물", "초상화와 자화상" 등 여러 장으로 구성되어 있습니다. , "정물". 또한 창작의 역사와 각 작품의 위치를 ​​설명합니다.

인상주의의 전성기 동안 예술가들은 객관적인 현실과 인식 사이의 조화로운 균형을 찾았습니다. 예술가들은 모든 빛의 광선, 바람의 움직임, 자연의 변화 가능성을 포착하려고 노력했습니다. 그림의 신선함을 보존하기 위해 인상파는 독창적인 그림 체계를 만들었고, 이는 나중에 예술 발전에 매우 중요한 것으로 밝혀졌습니다. 회화의 일반적인 경향에도 불구하고 각 예술가는 자신의 창작 경로와 회화의 주요 장르를 찾았습니다.

고전 인상주의는 Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas와 같은 예술가들로 대표됩니다.

인상주의 형성에 대한 일부 예술가의 기여를 고려하십시오.

에두아르 마네(1832-1883)

Manet은 미래의 예술가가 필요한 많은 전문 기술을 습득 한 덕분에 T. Couture에서 첫 번째 그림 수업을 받았습니다. 선생님의 학생들에 대한 적절한 관심 부족으로 Manet은 주인의 아틀리에를 떠나 독학에 종사합니다. 그는 박물관 전시회를 방문하고 그의 창의적인 형성은 옛 거장, 특히 스페인 거장의 영향을 많이 받았습니다.

1860년대에 마네는 그의 예술 스타일의 기본 원리를 보여주는 두 작품을 썼습니다. Valencia의 Lola(1862)와 The Flutist(1866)는 Manet을 색상의 렌더링을 통해 모델의 성격을 드러내는 예술가로 보여줍니다.

붓놀림 기법과 색채에 대한 태도에 대한 그의 생각은 다른 인상파 화가들에게도 받아들여졌다. 1870년대에 마네는 그의 추종자들과 가까워졌고 팔레트에 검은색이 없는 야외에서 작업했습니다. 인상주의의 도래는 마네 자신의 창조적 진화의 결과였습니다. Manet의 가장 인상적인 그림은 In a Boat(1874)와 Claude Monet in a Boat(1874)입니다.

Manet은 또한 다양한 세속 여성, 여배우, 모델, 아름다운 여성의 초상화를 많이 그렸습니다. 각각의 초상화에서 모델의 독특함과 개성이 전달되었습니다.

그의 죽음 직전에 Manet은 그의 걸작 중 하나 인 "Bar Folies-Bergere"(1881-1882)를 씁니다. 이 그림은 초상화, 정물, 국내 장면 등 여러 장르를 한 번에 결합합니다.

N. N. Kalitina는 다음과 같이 썼습니다. 파랑-검정, 푸르스름한 흰색, 노란색 톤으로도 해결됩니다.

클로드 모네(1840-1926)

클로드 모네는 반박의 여지가 없는 고전 인상주의의 창시자이자 지도자였습니다. 그의 그림의 주된 장르는 풍경화였다.

젊었을 때 Monet은 캐리커처와 캐리커처를 좋아했습니다. 그의 작업의 첫 번째 모델은 그의 교사, 동지였습니다. 샘플로 그는 신문과 잡지의 만화를 사용했습니다. 그는 Gustave Coubret의 친구이자 시인이자 캐리커처 작가인 E. Karzh가 Golois의 그림을 복사했습니다.

대학에서 Monet은 Jacques-Francois Hauchard에게 가르쳤습니다. 그러나 예술가를 지원하고 조언을 제공하고 작업을 계속하도록 동기를 부여한 Boudin의 Monet에 대한 영향에 주목하는 것은 공정합니다.

1862년 11월 파리에서 Monet은 Gleyre와 함께 파리에서 공부를 계속했습니다. 덕분에 Monet은 그의 스튜디오에서 Basil, Renoir, Sisley를 만났습니다. 젊은 예술가들은 수업을 거의 듣지 않고 부드러운 조언을 해주는 스승을 존경하며 미술 학교 입학을 준비하고있었습니다.

모네는 이야기가 아닌 아이디어나 주제의 삽화가 아닌 그의 그림을 만들었습니다. 그의 그림은 삶과 마찬가지로 뚜렷한 목표가 없었다. 그는 세부 사항에 초점을 맞추지 않고 세상을 보았고 일부 원칙에 따라 "풍경 비전"(미술사 학자 A. A. Fedorov-Davydov의 용어)에갔습니다. Monet은 캔버스에 장르의 융합 인 플롯리스를 위해 노력했습니다. 그의 혁신을 구현하는 수단은 완성된 그림이 될 스케치였습니다. 모든 스케치는 자연에서 그렸습니다.

그는 초원, 언덕, 꽃, 바위, 정원, 마을 거리, 바다, 해변 등을 그렸고 하루 중 다른 시간에 자연의 이미지로 향했습니다. 종종 그는 같은 장소를 다른 시간에 그렸기 때문에 그의 작품에서 전체 주기를 만들었습니다. 그의 작품의 원리는 그림 속 사물의 이미지가 아니라 정확한 빛의 전달이었다.

다음은 "Argenteuil의 양귀비 필드"(1873), "개구리"(1869), "수련이있는 연못"(1899), "밀 더미"(1891) 등 작가 작품의 몇 가지 예입니다.

피에르 오귀스트 르누아르(1841-1919)

Renoir는 세속 초상화의 뛰어난 거장 중 한 명이며 풍경, 국내 장면, 정물 장르에서 작업했습니다.

그의 작품의 특징은 사람의 성격에 대한 관심, 그의 성격과 영혼의 공개입니다. 그의 캔버스에서 Renoir는 존재의 충만함을 강조하려고 합니다. 예술가는 오락과 휴일에 매료되어 공을 칠하고 움직임과 함께 다양한 캐릭터와 춤을 춥니 다.

작가의 가장 유명한 작품은 "배우 Jeanne Samary의 초상화", "Umbrellas", "Bathing in the Seine"등입니다.

Renoir가 그의 음악성으로 구별되었고 어렸을 때 Saint-Eustache 대성당에서 파리의 뛰어난 작곡가이자 교사 Charles Gounod의지도 아래 교회 합창단에서 노래를 불렀다는 것은 흥미 롭습니다. C. Gounod는 소년에게 음악 공부를 강력히 권장했습니다. 그러나 동시에 Renoir는 그의 예술적 재능을 발견했습니다. 13 세부터 그는 이미 도자기 접시를 그리는 방법을 배웠습니다.

음악 수업은 예술가의 성격 형성에 영향을 미쳤습니다. 그의 작품 중 다수는 음악적 주제와 관련이 있습니다. 그들은 피아노, 기타, 만돌린 연주를 반영했습니다. "기타 레슨", "기타를 든 젊은 스페인 여성", "피아노의 젊은 아가씨", "기타를 연주하는 여성", "피아노 레슨"등의 그림입니다.

장 프레데릭 바질(1841-1870)

그의 예술가 친구들에 따르면 Basil은 가장 유망하고 뛰어난 인상파였습니다.

그의 작품은 밝은 색상과 이미지의 영성이 특징입니다. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley 및 Claude Monet은 그의 창작 경로에 큰 영향을 미쳤습니다. 초보 화가를 위한 장 프레데릭의 아파트는 일종의 작업실이자 주택이었다.

바질은 주로 야외에서 그렸습니다. 그의 작품의 주된 아이디어는 자연을 배경으로 한 인간의 이미지였습니다. 그림에서 그의 첫 번째 영웅은 그의 예술가 친구였습니다. 많은 인상파 화가들은 그들의 작품에서 서로를 그리는 것을 매우 좋아했습니다.

Frédéric Bazille은 그의 작품에서 사실적인 인상주의의 과정을 표시했습니다. 그의 가장 유명한 그림인 Family Reunion(1867)은 자서전입니다. 작가는 가족 구성원을 묘사합니다. 이 작품은 살롱에 출품되어 대중의 호평을 받았습니다.

1870년에 작가는 프로이센-프랑스 전쟁에서 사망했습니다. 작가가 죽은 후 그의 예술가 친구들은 그의 캔버스도 전시된 세 번째 인상파 전시회를 조직했습니다.

카미유 피사로(1830-1903)

Camille Pissarro는 C. Monet 다음으로 풍경화가의 가장 큰 대표자 중 한 명입니다. 그의 작품은 인상파 전시회에 지속적으로 전시되었습니다. 그의 작품에서 Pissarro는 경작지, 농민 생활 및 작업을 묘사하는 것을 선호했습니다. 그의 그림은 형태의 구조와 구성의 명확성으로 구별됩니다.

나중에 작가는 도시 주제에 대한 그림과 그림을 그리기 시작했습니다. N. N. Kalitina는 그녀의 저서에서 다음과 같이 말합니다.

Georges-Pierre Seurat의 영향으로 예술가는 점묘법을 채택했습니다. 이 기술은 마치 점을 찍는 것처럼 각 획을 개별적으로 부과하는 것과 관련이 있습니다. 그러나이 분야의 창의적인 전망은 실현되지 않았고 Pissarro는 인상주의로 돌아갔습니다.

Pissarro의 가장 유명한 그림은 Boulevard Montmartre입니다. 오후, 맑음”, “파리의 오페라 패시지”, “파리의 프랑스 극장이 있는 곳”, “퐁투아즈의 정원”, “추수”, “건초 만들기” 등

알프레드 시슬리(1839-1899)

Alfred Sisley의 그림의 주요 장르는 풍경이었습니다. 그의 초기 작품에서는 주로 K. Corot의 영향을 볼 수 있다. 점차 C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir와의 공동 작업 과정에서 그의 작품에 밝은 색상이 나타나기 시작합니다.

작가는 빛의 유희, 대기 상태의 변화에 ​​매료된다. Sisley는 하루 중 다른 시간에 캡처하여 같은 풍경을 여러 번 언급했습니다. 작가는 작품에서 시시각각 변하는 물과 하늘의 이미지를 우선시했다. 작가는 색상의 도움으로 완벽을 달성했으며 그의 작품의 각 음영에는 일종의 상징이 있습니다.

그의 작품 중 가장 유명한 작품 : "Country Alley"(1864), "Frost in Louveciennes"(1873), "View of Montmartre from the Flower Island"(1869), "Early Snow in Louveciennes"(1872), "The Bridge" Argenteuil에서"(1872).

에드가 드가(1834-1917)

Edgar Degas는 School of Fine Arts에서 공부하면서 창작 활동을 시작한 아티스트입니다. 그는 일반적으로 그의 작업에 영향을 준 이탈리아 르네상스 예술가들로부터 영감을 받았습니다. 처음에 Degas는 “Spartan girls는 Spartan 청소년에게 경쟁에 도전합니다. (1860). 그의 그림의 주요 장르는 초상화입니다. 그의 작품에서 작가는 고전적인 전통에 의존합니다. 그는 시대에 대한 예리한 감각이 돋보이는 작품을 만듭니다.

그의 동료들과 달리 Degas는 인상주의에 내재된 삶과 사물에 대한 즐겁고 개방적인 견해를 공유하지 않습니다. 예술가는 평민의 운명에 대한 연민, 사람들의 영혼을 보는 능력, 내면 세계, 불일치, 비극.

드가에게 인물을 둘러싼 사물과 내부는 초상화를 만드는 데 중요한 역할을 한다. 다음은 "오케스트라와 함께하는 Desiree Dio"(1868-1869), " 여성 초상화"(1868),"모빌리 커플 "(1867) 및 기타.

Degas의 작품에서 초상화의 원리는 그의 전체 경력을 통해 추적할 수 있습니다. 1870년대에 작가는 그의 작품에서 프랑스, ​​특히 파리의 사회를 전면에 내세운다. 예술가의 이익을 위해 - 움직이는 도시 생활. "운동은 그에게 삶의 가장 중요한 표현 중 하나였으며 그것을 전달하는 예술의 능력은 현대 회화의 가장 중요한 업적이었습니다." 칼리티나.

이 기간 동안 "스타"(1878), "페르난도 서커스의 미스 롤라", "엡솜 경주" 등과 같은 그림이 만들어졌습니다.

Degas의 새로운 창의력은 발레에 대한 그의 관심입니다. 발레리나들의 무대 뒤의 삶을 보여주고 그들의 노력과 훈련에 대해 이야기합니다. 그러나 그럼에도 불구하고 작가는 이미지 전송에서 경쾌함과 가벼움을 찾습니다.

Degas의 발레 그림 시리즈에서는 각광에서 인공 조명을 전송하는 분야의 업적을 볼 수 있으며 예술가의 색채 재능에 대해 이야기합니다. 가장 유명한 그림은 "Blue Dancers"(1897), "Dance Class"(1874), "Dancer with a Bouquet"(1877), "Dancers in Pink"(1885) 등입니다.

시력이 나빠져 말년에 드가는 조각에 손을 댄다. 같은 발레리나, 여성, 말이 그의 대상이됩니다. 조각에서 드가는 움직임을 전달하려 하고, 조각을 감상하기 위해서는 다양한 각도에서 고찰해야 한다.

정말로. 인상-인상)-19 세기의 마지막 3 분의 1 예술 방향-초기. 태양의 섬광, 바람의 숨결, 풀의 바스락 거리는 소리, 도시 군중의 움직임을 매우 깨끗하고 강렬한 색상으로 전달하려고 노력하면서 대표자들이 삶에서 직접 풍경과 장르 장면을 그리기 시작한 20 세기의. 인상파 화가들은 덧없는 인상을 전달하기 위해 가장 자연스럽고 편견 없는 방식으로 현실 세계의 이동성과 가변성을 포착하려고 노력했습니다.

훌륭한 정의

불완전한 정의 ↓

인상주의

프랑스 국민 인상주의, 인상-인상에서), 사기 예술의 방향. 1860 - 초기. 1880년대 그림에서 가장 분명하게 나타납니다. 주요 대표자: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte 및 J. F. Basil. 그들과 함께 E. Manet과 E. Degas는 작품의 스타일을 완전히 인상파라고 할 수는 없지만 그림을 전시했습니다. "인상파"라는 이름은 파리에서 첫 공동 전시회 (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley 등) 이후 젊은 예술가 그룹에 지정되어 대중과 비평가의 분노를 불러 일으켰습니다. C. Monet (1872)이 제시 한 그림 중 하나는 "인상"입니다. Sunrise”(“L'impression. Soleil levant”)와 리뷰어는 예술가를 "인상파"- "인상파"라고 조롱했습니다. 화가들은 ​​1877년 제3회 합동전에서 이 이름으로 공연을 했다. 동시에 그들은 그룹 구성원 중 한 사람의 작업에 전념하는 인상파 잡지를 출판하기 시작했습니다.

인상파가 포착하고자 했던 세계끊임없는 가변성, 유동성으로 즉각적인 인상을 공정하게 표현합니다. 인상주의는 광학 및 색채 이론(태양 광선을 무지개의 일곱 가지 색상으로 분광 분해)의 최신 발견에 기반을 두고 있습니다. 이것에서 그는 정신과 일치합니다 과학적 분석, 사기의 특성. 19 세기 그러나 인상주의자들 자신은 정의하려고 시도하지 않았다. 이론적 근거예술가의 창의성의 자발성과 직관성을 주장하는 그의 예술. 인상파의 예술적 원칙은 획일적이지 않았습니다. 모네는 야외(en plein air)에서 자연과 직접 접촉하는 풍경만을 그렸고 심지어 보트에 작업장을 지었습니다. Degas는 기억이나 사진을 사용하여 작업장에서 작업했습니다. 후기 급진적 운동의 대표자들과 달리 예술가들은 직접적인 원근법을 기반으로 한 르네상스의 환상적인 공간 시스템을 넘어서지 않았습니다. 그들은 자연에서 일하는 방식을 굳건히 고수했으며, 주요 원리창의성. 예술가들은 "보이는 대로 그리기"와 "보이는 대로"를 추구했습니다. 이 방법의 일관된 적용은 기존 회화 시스템의 모든 기반인 색상, 구성, 공간 구성의 변형을 수반했습니다. 순수한 색상은 작은 별도의 획으로 캔버스에 적용되었습니다. 여러 색상의 "점"이 나란히 놓여 팔레트가 아닌 캔버스가 아니라 보는 사람의 눈에 화려한 광경으로 혼합되었습니다. 인상파는 유례없는 색채의 울림, 유례없는 풍부한 색조를 달성했습니다. 스미어는 독립적인 표현 수단이 되어 그림의 표면을 생생하게 반짝이는 색 입자의 진동으로 채웠다. 캔버스는 귀중한 색상으로 반짝이는 모자이크에 비유되었습니다. 검정, 회색, 갈색 음영이 이전 그림에서 우세했습니다. 인상파의 캔버스에서 색상이 밝게 빛났습니다. 인상파는 볼륨을 전달하기 위해 chiaroscuro를 사용하지 않았고 어두운 그림자를 버렸으며 그림의 그림자도 채색되었습니다. 예술가들은 추가 톤(빨간색과 녹색, 노란색과 보라색)을 널리 사용했으며 그 대비는 색상의 강도를 높였습니다. Monet의 그림에서 색상은 햇빛의 빛에 밝아지고 용해되었으며 로컬 색상은 많은 음영을 얻었습니다.

인상파는 주변 세계를 한 상태에서 다른 상태로 전환하는 끊임없는 움직임으로 묘사했습니다. 그들은 동일한 모티프가 시간, 조명, 날씨 조건 등에 따라 어떻게 변하는지 보여주고자 일련의 그림을 그리기 시작했습니다. "런던 의회", 1903-04, C. 모네). 예술가들은 구름의 움직임(A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), 햇빛의 눈부심(O. Renoir. "Swing", 1876), 돌풍을 그림에 반영하는 방법을 찾았습니다. (C. Monet. "Terrace in Sainte-Adresse", 1866), 제트기 비 (G. Caillebotte. "Jer. Effect of rain", 1875), 떨어지는 눈 (C. Pissarro. "Opera passage. Snow effect", 1898), 말의 빠른 달리기 (E. Manet "Races at Longchamp", 1865).

인상파는 구성을 구성하는 새로운 원칙을 개발했습니다. 이전에는 사진의 공간을 무대에 비유했다면 지금은 캡처한 장면이 스냅샷, 액자와 비슷합니다. 19세기에 발명된 사진은 인상파 그림의 구성, 특히 자신이 열정적 인 사진 작가였던 E. Degas의 작업에서 상당한 영향을 미쳤으며 자신의 말로 놀라움으로 묘사 된 발레리나를 "마치"처럼 보려고했습니다. 열쇠 구멍을 통해” 포즈, 바디 라인이 자연스럽고 표현력이 풍부하며 사실적일 때. 야외에서 그림을 그리면서 빠르게 변화하는 조명을 포착하려는 욕구로 인해 아티스트는 작업 속도를 높이고 예비 스케치없이 "alla prima"(한 단계로)를 작성했습니다. 조각화, 구성의 "무작위 성", 역동적 인 화보 방식은 인상파의 그림에서 특별한 신선함을 만들어 냈습니다.

가장 좋아하는 인상주의 장르는 풍경화였습니다. 초상화는 또한 일종의 "얼굴의 풍경"이었습니다 (O. Renoir, "Portrait of the Actress J. Samary", 1877). 또한 예술가들은 민속 축제, 경마, 예술적 보헤미아의 피크닉, 극장의 무대 뒤 생활 등 이전에는 주목할 가치가 없다고 생각했던 주제로 그림 주제의 범위를 크게 확장했습니다. 자세한 줄거리, 자세한 내러티브; 인간의 삶은 자연 속에, 혹은 도시의 분위기 속에 녹아 있다. 인상파는 사건이 아니라 기분, 감정의 음영을 썼습니다. 예술가들은 근본적으로 역사와 문학적 주제, 삶의 극적이고 어두운 면(전쟁, 재난 등)을 묘사하는 것을 피했습니다. 그들은 묘사된 현상을 평가해야 하는 의무로부터 사회적, 정치적, 도덕적 과제의 성취로부터 예술을 해방시키려고 노력했습니다. 예술가들은 가장 일상적인 모티프(방 개조, 회색 런던 안개, 증기 기관차 연기 등)를 매혹적인 광경으로 바꿀 수 있는 세상의 아름다움을 노래했습니다(G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C . 모네 "생 라자르 역", 1877).

1886년 인상파의 마지막 전시회가 열렸습니다(O. Renoir와 K. Monet은 참가하지 않았습니다). 이때까지 그룹 구성원 간의 상당한 불일치가 드러났습니다. 인상파 방법의 가능성은 소진되었고 각 예술가는 예술에서 자신의 길을 찾기 시작했습니다.

전체론적 창작 방법으로서의 인상주의는 주로 프랑스 예술의 현상이었지만 인상파의 작품은 모든 유럽 회화에 영향을 미쳤습니다. 다채로운 팔레트를 강조하는 예술적 언어를 업데이트하려는 욕구, 노출 회화 기법이제 예술가의 무기고에 확고하게 들어갔습니다. 다른 나라에서는 J. Whistler(영국과 미국), M. Lieberman, L. Corinth(독일), J. Sorolla(스페인)가 인상주의에 가까웠습니다. 인상주의의 영향은 많은 러시아 예술가들(V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar 등)이 경험했습니다.

그림 외에도 인상주의는 일부 조각가 (프랑스의 E. Degas 및 O. Rodin, 이탈리아의 M. Rosso, 러시아의 P. P. Trubetskoy)의 작품에서 활기차고 자유로운 유체 모델링으로 구현되었습니다. 부드러운 모양, 생성 어려운 게임재료 표면의 빛과 작품의 불완전한 느낌; 포즈에서 움직임의 순간, 개발이 포착됩니다. 음악에서는 C. Debussy ( "Sails", "Mists", "Reflections in the Water"등)의 작품에서 인상주의에 가깝습니다.

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