르네상스 예술가들과 그들의 그림. 위대한 르네상스 예술가

이탈리아는 항상 예술가들로 유명한 나라입니다. 한때 이탈리아에 살았던 거장들은 전 세계적으로 예술을 찬양했습니다. 이탈리아 예술가, 조각가, 건축가가 없었다면 오늘날 세상은 매우 달라졌을 것입니다. 물론 이탈리아 예술에서 가장 중요한 것은 고려됩니다. 르네상스 또는 르네상스의 이탈리아는 전례없는 부상과 번영에 도달했습니다. 재능있는 예술가, 조각가, 발명가, 당시 등장한 진정한 천재는 여전히 모든 학생에게 알려져 있습니다. 오늘날 그들의 예술, 독창성, 아이디어, 개발은 고전으로 간주되며 그 기반이 되는 핵심입니다. 세계 예술그리고 문화.

가장 많은 것 중 하나 유명한 천재들이탈리아 르네상스는 물론 위대한 레오나르도 다빈치(1452-1519). 다빈치는 시각 예술과 과학을 포함한 많은 활동 영역에서 큰 성공을 거둘 정도로 재능이 뛰어났습니다. 인정받는 또 다른 유명한 예술가는 산드로 보티첼리(1445-1510). Botticelli의 그림은 인류에게 진정한 선물입니다. 오늘날 그의 밀도는 세계에서 가장 유명한 박물관에 있으며 정말 귀중합니다. Leonardo da Vinci와 Botticelli보다 덜 유명하지 않습니다. 라파엘 산티(1483-1520), 그는 38년 동안 살았고 이 기간 동안 초기 르네상스의 가장 밝은 예 중 하나가 된 놀라운 그림의 전체 레이어를 만들 수 있었습니다. 이탈리아 르네상스의 또 다른 위대한 천재는 의심의 여지가 없습니다. 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564). 그림 외에도 미켈란젤로는 조각, 건축 및 시에 종사했으며 이러한 예술에서 큰 성과를 거두었습니다. "David"라고 불리는 미켈란젤로의 동상은 조각 예술의 최고 업적의 예인 탁월한 걸작으로 간주됩니다.

위에서 언급한 예술가 외에도 르네상스 이탈리아의 가장 위대한 예술가는 Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi 및 기타.. 그들 모두는 대표적인 예매우 기쁜 베네치아 학교그림. 피렌체 이탈리아 회화 학교에는 Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea와 같은 예술가가 포함됩니다. 델 사르토.

르네상스 시대와 르네상스 시대에 활동한 모든 예술가를 나열하려면 후기 르네상스, 그리고 전 세계에 알려지고 회화 예술을 영광스럽게 한 수세기가 지난 후 모든 유형과 장르의 순수 예술의 기초가 되는 기본 원칙과 법칙을 개발했습니다. 위대한 이탈리아 예술가들은 우리가 알고 사랑하고 영원히 감사할 바로 그 예술이라는 것을 이해하십시오!

위대한 이탈리아 예술가들의 그림

안드레아 만테냐 - 카메라 속의 프레스코 델리 스포지

조르조네 - 세 명의 철학자

레오나르도 다빈치 - 모나리자

니콜라 푸생 - 스키피오의 관대함

파올로 베로네세 - 레판토 해전

르네상스 이탈리아 회화는 정말 장대 한 현상입니다. 그렇게 많은 찬란한 이름은 다음 시대를 알지 못했습니다. 국립학교. 다음 세기에 예술가들이 변함없이 이탈리아 르네상스 미술에서 경험과 영감을 얻은 것은 우연이 아닙니다.

르네상스 관점 체계에서 특별한 역할은 순수 예술에 속했습니다. 르네상스 시대의 인간은 자신이 세상을 알 수 있다고 느꼈지만, 처음에는 세상 자체가 중세 시대처럼 그에게 거대한 예술 작품, 창조물처럼 보였습니다. 가장 위대한 예술가- 하나님.

마사치오 "트리니티" 1426-1428 Santa Maria Novella 교회 명암법의 능숙한 사용과 원근법에 대한 지식 덕분에 Masaccio는 이미지에 신뢰성 있는 삶을 부여했습니다. "삼위 일체"(1425-1428).

따라서 세계의 이미지는 지식의 한 방식으로 간주되었습니다. 직접 원근법의 발달은 그림을 가장 "인간화된" 종류의 예술로 만들었습니다. 보는 사람의 눈은 그림의 "공간"에서 "기준점"이 되었습니다. 유성 페인트의 출현과 확산은 색조와 빛의 원리를 발전시키는 유망한 길을 열었습니다.

산 로마노 전투(1440-1450), Uccello의 매우 구성이 복잡하고 혁신적인 그림은 종종 동시대 사람들 사이에서 이해를 찾지 못했습니다.

피렌체, 시에나, 페루자 그림.

이탈리아의 발전에 매우 중요한 시각 예술초기 르네상스의 피렌체 그림이 연주되어 공간적 관점 분야에서 적극적으로 실험했습니다. 평면에서 실제 공간의 관계를 전달하는 능력은 예술가의 사회적 지위를 높여 겸손한 장식 장인의 위치에서 세계 구조의 법칙을 이해하는 과학자 기하학자의 범주로 옮겼습니다.

Angelico는 가장 깊은 믿음의 예술가입니다. 그의 마돈나는 영적 아름다움과 경건의 이상입니다.

1420년대 초 브루넬레스키 환상의 정확성으로 동시대 사람들을 기쁘게 한 피렌체의 전망을 담은 두 개의 그림을 만들었지 만 독창적 인 거울과 창문 시스템을 통해서만 볼 수있었습니다. 이미지의 시각적 통일성을 유지하면서 어떤 보드나 벽에 실제 보는 사람을 위한 공간의 깊이를 재현하려면 지식뿐만 아니라 고도로 전문적인 화가의 경험과 직관이 필요합니다. 이러한 모든 특성은 Masaccio(1401-1428)가 소유했습니다. 1427-1428년에 그가 그렸다. Santa Maria del Carmine 피렌체 교회의 Brancacci Chapel은 즉시 일종의 예술가 학교가되었습니다.

Piero della Francesca는 놀라운 색채 기술로 유명해졌습니다.

Masaccio의 열정적 인 찬사는 세부 사항의 진정한 가수 인 Uccello (1397-1475)였습니다. 예술가는 날아다니는 새의 깃털 구조와 같은 복잡한 관점에서 작은 세부 사항을 스케치하는 데 밤을 보냈습니다. 가혹한 석조 양식의 거장인 마사치오의 또 다른 추종자인 안드레아 델 카스타뇨(1421-1457년경)는 빌라 카르두치의 홀을 그린 것으로 가장 유명해졌습니다. 그의 생애 말기에 크로아티아의 통치자.

Mantegna의 스타일은 입체적 형태의 전달에서 조각성으로 구별됩니다. "주디스"(1490년경).

강철 칼날을 거침없이 구부릴 수 있는 전사의 조형적으로 강력한 모습이 당당하게 홀의 공간을 침범한다. Castagno는 프레스코의 장식 프레임 너머로 캐릭터의 오른손과 왼발을 움직여서 이러한 인상을 얻었습니다.

그러나 15세기 전반의 모든 피렌체 화가가 그런 것은 아닙니다. 관점을 전달하는 것을 좋아했습니다. 따라서 예술가이자 수도사인 베아토 안젤리코(1400-1455년경)는 주로 14세기의 미니어처에서 영감을 받았습니다.

Giorgione에서 풍경은 전례 없는 의미를 갖습니다. "뇌우"(1507-1508).

세기 중반의 피렌체 그림은 이전 기간에 비해 더 차분하지만 덜 심각합니다. Masaccio는 그의 프레스코화에서 지상의 존재를 신성화했습니다. 가장 신성한 이야기는 세속적인 산문: 예쁘고 쾌활하지만 결코 숭고한 마돈나와 천사가 아닌 Fra Filippo Lippi의 그림 전체 세계입니다. 1459년 예술가 Benozzo Gozzoli가 메디치 가문 예배당 벽에 선보인 동방박사 행렬의 복잡하고 호화로운 광경입니다. 피렌체 초기 르네상스의 화려하고 비극적인 피날레는 보티첼리의 그림에 구현되었습니다.

Titian의 그림은 Venetian 학교의 정점이되었습니다. "비너스 도시"(1538).

시에나의 그림은 "동방 박사의 행렬"이라는 그림의 작가인 사세타가 가장 먼저 표현한 것입니다. 밝은 동화가 있습니다. 예술적 언어대담한 그림 같은 발견을 방해하지 않습니다. 전경의 두꺼운 에나멜 페인트와 수평선 근처의 부드럽게 밝아지는 톤 사이의 대비는 순전히 회화적인 수단으로 공간을 묘사하려는 최초의 시도 중 하나입니다.

이 작업은 아마도 Quattrocento 화가 중 가장 위대한 Piero della Francesca(c. 1420-1462)에게만 가능했습니다. 그러나 피렌체에서 훈련을 받은 그는 자신만의 창의적인 방식. 피렌체 사람들이 묘사된 우주의 중심에 인간을 둔다면 피에로는 인간이 단지 유기적인 연결 고리일 뿐이라고 믿었습니다 큰 세상자연, 후자는 모든 다양성과 함께 수의 법칙을 따릅니다. 인체의 비율, 자연의 형태, 후자는 모든 다양성과 함께 수의 법칙을 따릅니다. 인체의 비율, 자연의 형태, 그림 평면의 실제 기하학은 예술가에 의해 관련됩니다. 감사하며 "성장하는"머리를 가진 그리스도의 모습은 나무 줄기의 수직과 일치합니다. 나무의 무성한 구형 면류관은 구성 완성의 반원에 자연스럽게 새겨집니다.

피에로 델라 프란체스카 작품의 정점은 아레초(1452-1466)에 있는 산 프란체스코 교회 제단의 프레스코화였습니다. 그들은 다소 드문 주제, 즉 최초의 사람들이 에덴에서 지구로 가져와 그리스도의 처형 도구가 될 운명을 가진 생명주는 나무의 역사와 기독교 세계의 가장 위대한 유물에 전념합니다. . 그림을 시각적 속임수로 생각하는 것은 예술가에게 낯설다. 주인은 자신이 글을 쓰는 벽의 표면까지 자연을 높이 평가하여 그 평면을 그의 장엄하고 엄격한 구성을 위한 지지대로 바꿉니다. 그는 복잡한 개인적 특성을 피합니다. 그의 캐릭터는 동일한 유형입니다. 왜냐하면 그들은 보편적인 공연의 배우일 뿐이기 때문입니다. 많은 창의적인 예에서 Piero della Francesca는 Giotto의 경험으로 돌아 왔지만 색상을 이해하는 데 있어서 그는 동시대 사람들보다 수세기 앞서있었습니다. 화가들은 ​​완성된 선이나 모양의 기계적인 "채색"으로 색상을 사용하는 데 익숙합니다. 피에로의 형태는 미묘한 컬러 그라데이션에서 탄생했습니다. 그의 팔레트는 끝없이 풍부합니다. 작가의 눈은 물체의 자연스러운 색상뿐만 아니라 햇빛에 의한 공기의 색상도 알아차립니다. 약간 눈에 띄는 은빛 색조는 Pierrot의 팔레트에 놀라운 충실도, 형태의 가벼움, 공간 깊이를 제공합니다.

페루자의 화가 학교는 최근 몇십 년 15세기 지역 예술가들은 주로 장식 그림의 대가로 유명했습니다. 매우 특징적인 것은 로마의 교황 궁전에 있는 소위 보르지아 아파트의 프레스코화(1493)입니다. 저자 Pinturicchio(약 1454-1513)는 컬러 바닥 타일에서 밝은 파란색 금박 천장에 이르기까지 모든 세부 사항을 고려한 밝고 복잡한 장식을 만듭니다. 페루지노(1445/1452-1523)는 보다 엄격하고 차분한 방식으로 작업했습니다. 보는 사람의 주의를 분산시키려는 노력의 일환으로 이 거장은 훌륭하지만 같은 유형의 모티프를 기꺼이 복제했습니다. 몽환적인 온순한 얼굴, 밝은 아치형 건축물, 얇은 나무가 있는 "부활절" 풍경.

북부 이탈리아와 베니스의 회화

북부 이탈리아 거장의 그림은 다른 학교와 달리 자체 단계를 거쳤습니다. 일반적으로 피렌체 그림이 마음으로 바뀌고 주로 입체적인 몸을 묘사하고 중부 이탈리아의 거장들이 감정에 초점을 맞추고 주로 공간 문제를 해결했다면 북부 이탈리아 학교의 예술가들에게 미적 영향의 주요 영역은 상상력, 그것의 주요 주제는 물체, 공기 및 빛의 플라스틱 질감과 같은 실체입니다. 15세기 초 1/3 동안 이탈리아 북부의 봉건 중심지(페라라, 베로나, 만토바)는 소위 "국제" 고딕 양식의 궤도에 포함되었습니다. 이 추세의 주요 문체 문제-자연 현상에 대한 민감성, 라인의 거장 소유-는 Pisanello (1395-1455)의 작업에서 표현되었습니다. Ferrara house d' Este (1430s)의 공주 초상화에서 주인은 소녀 얼굴의 부드러운 평온함을 돋보이게하여 꽃과 나비의 떨리는 밝은 반점이 점재하는 어둡고 딱딱한 잎사귀의 대조를 배경으로 배치했습니다.

벨리니는 당대 가장 주목할만한 초상화가 중 한 명입니다. "Doge Leonardo Loredan의 초상화"(1501-1505).

1430년대 르네상스 문화의 중심 역할. 1406년에는 베네치아 소유에 속해 있는 풍부한 고대 역사를 가진 도시인 파도바를 인수했습니다. 고대 대학과 함께 Padua는 독학 화가이자 고대 기념물에 대한 깊은 감정가 인 Francesca Squarcione의 작업장으로 유명해졌습니다. 그는 최대 100 명의 청년이 동시에 그림을 공부하는 실제 아카데미를 만들었습니다. 그들은 북부 이탈리아 Quattrocento의 가장 큰 거장인 Squarcione Andrea Mantegna(1431-1506)의 양자로 그의 작품에서 생생한 환상과 생생한 환상을 결합했습니다.

베니스의 그림에서 남부 이탈리아 예술가 안토넬로 다 메시나(1430-1479년경)가 이곳에 도착하면서 급진적인 변화가 일어났습니다. 조반니 벨리니(Giovanni Bellini, 1430-1516)는 베네치아 유파의 원래 스타일을 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다. 그는 그의 매너 색채 원칙의 기초를 놓았습니다. 작가의 빛이 가득한 색의 부드러운 조화는 시골의 저녁 풍경이 중요한 역할을 하는 그가 가장 좋아하는 단순한 목가적 풍경과 비슷합니다.

베네치아 회화 학교의 전성기는 첫 번째에 떨어졌습니다. XVI의 절반위대한 조르조네(1477-1510)와 티치아노(1488/1490-1576)가 일했던 세기. Giorgione은 "시"라는 자신의 그림 장르를 만들었습니다. 이 그림은 개인의 주문에 따라 그에 의해 작성되었으며 현대에서 구독을 취소했습니다. 유럽 ​​예술그것의 저음으로. 그들의 기초 비유적 체계- 작가의 기발한 판타지이며, 역사적 또는 역사적 사건이 아닌 문학적 출처. 조르조네의 서정성을 물려받은 티치아노는 그것을 건강한 관능미와 존재에 대한 능동적인 인식과 결합했습니다. 이 거장의 작품에서 베네치아의 전성기 르네상스가 표현되었습니다.

이탈리아 르네상스 회화 - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian 및 Giorgione업데이트: 2017년 7월 2일 작성자: 웹사이트

르네상스 시대에는 많은 변화와 발견이 일어납니다. 새로운 대륙이 탐험되고, 무역이 발전하고, 종이, 해양 나침반, 화약 등과 같은 중요한 것들이 발명됩니다. 그림의 변화도 매우 중요했습니다. 르네상스 그림은 엄청난 인기를 얻었습니다.

마스터 작품의 주요 스타일과 트렌드

이 시기는 예술사에서 가장 결실을 맺은 시기 중 하나였습니다. 수많은 뛰어난 거장의 걸작을 오늘날 다양한 곳에서 찾을 수 있습니다. 아트 센터. 혁신가들은 15세기 전반에 피렌체에 나타났습니다. 그들의 르네상스 그림은 미술사의 새로운 시대의 시작을 알렸습니다.

이때 과학과 예술은 매우 밀접하게 연결됩니다. 아티스트 과학자들은 물리적 세계를 마스터하려고 노력했습니다. 화가들은 ​​더 정확한 아이디어를 사용하려고 노력했습니다. 인간의 몸. 많은 예술가들이 사실주의를 추구했습니다. 스타일은 Leonardo da Vinci의 The Last Supper에서 시작하여 거의 4년에 걸쳐 그렸습니다.

가장 유명한 작품 중 하나

밀라노의 산타 마리아 델레 그라치에 수도원 식당을 위해 1490년에 그렸습니다. 캔버스는 예수님이 체포되어 죽기 전에 제자들과 함께한 마지막 식사를 나타냅니다. 이 기간 동안 작가의 작품을 본 동시대인들은 그가 아침부터 저녁까지 식사를 멈추지 않고 어떻게 그림을 그릴 수 있었는지에 주목했습니다. 그런 다음 그는 며칠 동안 그림을 포기하고 전혀 접근하지 않을 수 있습니다.

예술가는 그리스도 자신과 배신자 유다의 이미지에 대해 매우 걱정했습니다. 그림이 완성되었을 때 걸작으로 정당하게 인정 받았습니다. " 마지막 식사"그리고 오늘날까지 가장 인기 있는 것 중 하나입니다. 르네상스 복제품은 항상 큰 수요가 있었지만 이 걸작은 수많은 사본으로 표시됩니다.

인정받는 명작, 혹은 여인의 신비로운 미소

16세기 레오나르도가 만든 작품 중에는 "모나리자" 또는 "라 조콘다"라는 초상화가 있습니다. 현대에 이것은 아마도 세계에서 가장 유명한 그림일 것입니다. 그녀는 주로 캔버스에 묘사된 여성의 얼굴에 나타난 애매한 미소 때문에 인기를 얻었습니다. 무엇이 그러한 미스터리를 가져왔습니까? 능숙한 일달인, 눈가와 입가를 이렇게 능숙하게 음영 처리하는 능력? 이 미소의 정확한 특성은 지금까지 확인할 수 없습니다.

이 그림의 경쟁 및 기타 세부 사항에서 벗어났습니다. 여성의 손과 눈에 주목할 가치가 있습니다. 작가가 캔버스를 쓸 때 캔버스의 가장 작은 세부 사항에 얼마나 정확하게 반응했는지. 그다지 흥미롭지 않은 것은 모든 것이 유동적 인 것처럼 보이는 세계인 그림 배경의 극적인 풍경입니다.

회화의 또 다른 유명한 대표

적어도 유명한 대표르네상스 - 산드로 보티첼리. 이것은 위대한 이탈리아 화가입니다. 그의 르네상스 그림은 넓은 범위관중. "동방 박사의 숭배", "왕좌의 마돈나와 아이", "수태 고지"-종교적 주제에 전념하는 보티첼리의 작품은 예술가의 위대한 업적이되었습니다.

다른 것 주목할만한 작품마스터 - "Madonna Magnificat". 그녀는 수많은 복제품에서 알 수 있듯이 Sandro의 생애 동안 유명해졌습니다. 원 형태의 유사한 그림은 15세기 피렌체에서 상당한 수요가 있었습니다.

화가 작품의 새로운 전환

1490년부터 산드로는 스타일을 바꾸었습니다. 더 금욕적이되고 색상 조합이 훨씬 더 제한되고 어두운 톤이 종종 우세합니다. 그의 작품을 쓰는 창작자의 새로운 접근 방식은 "마리아의 대관식", "그리스도의 애가"및 마돈나와 어린이를 묘사하는 다른 캔버스에서 완벽하게 눈에 띕니다.

예를 들어 Dante의 초상화와 같이 당시 Sandro Botticelli가 그린 걸작에는 풍경과 내부 배경이 없습니다. 작가의 그다지 중요한 작품 중 하나는 "신비한 크리스마스"입니다. 이 그림은 1500년 말 이탈리아에서 발생한 문제의 영향으로 그렸습니다. 르네상스 예술가들의 많은 그림은 인기를 얻었을 뿐만 아니라 차세대 화가의 모범이 되었습니다.

캔버스가 감탄의 아우라로 둘러싸인 예술가

Rafael Santi da Urbino는 건축가일 뿐만 아니라 건축가이기도 했습니다. 그의 르네상스 그림은 형태의 명확성, 구성의 단순성, 인간의 위대함이라는 이상에 대한 시각적 성취로 찬사를 받았습니다. 미켈란젤로, 레오나르도 다빈치와 함께 그는 이 시대의 가장 위대한 거장의 전통적인 삼위일체 중 한 명입니다.

그는 불과 37세의 비교적 짧은 생애를 살았다. 그러나이 기간 동안 그는 수많은 걸작을 만들었습니다. 그의 작품 중 일부는 로마의 바티칸 궁전에 있습니다. 모든 관객이 르네상스 예술가들의 그림을 직접 눈으로 볼 수 있는 것은 아닙니다. 이 걸작의 사진은 모든 사람이 사용할 수 있습니다(일부는 이 기사에 나와 있습니다).

라파엘로의 가장 유명한 작품

1504년부터 1507년까지 라파엘은 마돈나 전체 시리즈를 만들었습니다. 그림은 요염한 아름다움, 지혜, 동시에 일종의 깨달은 슬픔으로 구별됩니다. 그의 가장 유명한 그림은 " 시스틴 마돈나". 그녀는 아기를 품에 안고 하늘로 치솟았다가 사람들에게 순조롭게 내려 오는 모습이 그려져있다. 작가가 매우 능숙하게 묘사 할 수 있었던 것은 바로이 움직임이었다.

이 작품은 많은 사람들에게 극찬을 받았습니다 유명한 비평가, 그리고 그들은 그것이 참으로 드물고 이례적이라는 동일한 결론에 도달했습니다. 모든 르네상스 그림은 오랜 역사를 가지고 있습니다. 하지만 처음부터 끝없는 방황으로 가장 인기를 얻었습니다. 수많은 시련을 겪은 후 그녀는 마침내 드레스덴 박물관의 박람회에서 정당한 자리를 차지했습니다.

르네상스 회화. 유명한 그림의 사진

그리고 또 다른 유명한 이탈리아 화가이자 조각가이자 서양 예술의 발전에 큰 영향을 미친 건축가는 미켈란젤로 디 시모니입니다. 그가 주로 조각가로 알려져 있음에도 불구하고, 아름다운 작품그의 그림. 그리고 그 중 가장 중요한 것은 시스티나 예배당의 천장입니다.

이 작업은 4년 동안 수행되었다. 공간은 약 500제곱미터에 달하며 300개 이상의 인물을 포함합니다. 바로 중앙에는 창세기의 9개 에피소드가 여러 그룹으로 나뉩니다. 땅의 창조, 인간의 창조와 그의 타락. 천장에 있는 가장 유명한 그림 중에는 "아담의 창조"와 "아담과 이브"가 있습니다.

그의 가장 유명한 작품은 최후의 심판입니다. 시스티나 예배당의 제단 벽에 만들어졌다. 프레스코는 예수 그리스도의 재림을 묘사합니다. 여기서 미켈란젤로는 표준을 무시합니다. 예술적 관습예수님의 글에서. 그는 젊고 수염이없는 거대한 근육질 신체 구조로 그를 묘사했습니다.

종교의 의미, 또는 르네상스 예술

이탈리아 르네상스 회화는 서양 미술 발전의 기초가 되었다. 이 세대 크리에이터의 많은 인기 작품은 오늘날까지 계속되는 아티스트에게 큰 영향을 미칩니다. 그 시대의 위대한 예술가들은 종교적 주제, 종종 교황 자신을 포함하여 부유한 후원자의 명령에 따라 일했습니다.

종교는 말 그대로 스며들었다 일상 생활예술가의 마음에 깊이 박힌 이 시대의 사람들. 거의 모든 종교적 캔버스는 박물관과 미술 저장소에 있지만 이 주제와 관련된 르네상스 그림의 복제품은 많은 기관과 일반 가정에서도 찾을 수 있습니다. 사람들은 끝없이 작품에 감탄할 것입니다. 유명한 거장그 기간의.

르네상스 미술의 첫 선구자는 14세기 이탈리아에서 나타났습니다. 이 시대의 예술가, Pietro Cavallini(1259-1344), Simone Martini(1284-1344) 및 (주로) 지오토 (1267-1337) 전통적인 종교 주제의 그림을 만들 때 그들은 새로운 것을 사용하기 시작했습니다. 예술적 기법: 배경의 풍경을 사용하여 3차원 구성을 구축하여 이미지를 보다 사실적이고 생동감 있게 만들 수 있습니다. 이것은 이미지의 관습으로 가득 찬 이전의 도상학 전통과 그들의 작업을 뚜렷하게 구별했습니다.
이 용어는 그들의 작업을 나타내는 데 사용됩니다. 프로토 르네상스(1300년대 - "Trecento") .

지오토 디 본도네 (c. 1267-1337) - 프로토 르네상스 시대의 이탈리아 화가이자 건축가. 서양 미술사에서 중요한 인물 중 한 명. 비잔틴 아이콘 페인팅 전통을 극복한 그는 이탈리아 회화 학교의 진정한 창시자가 되어 공간 묘사에 대한 완전히 새로운 접근 방식을 개발했습니다. Giotto의 작품은 Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo에서 영감을 받았습니다.


초기 르네상스(1400년대 - "Quattrocento").

15세기 초 필리포 브루넬레스키 (1377-1446), 피렌체 학자이자 건축가.
브루넬레스키는 자신이 재구성한 용어와 연극에 대한 인식을 보다 시각적으로 만들고자 했고, 일정한 시점에 대한 계획에서 기하학적 원근법의 그림을 만들고자 했다. 이러한 검색에서 직접적인 관점.

이를 통해 작가들은 그림의 평면 캔버스에 3차원 공간의 완벽한 이미지를 얻을 수 있었습니다.

_________

르네상스를 향한 또 다른 중요한 단계는 비종교적이고 세속적인 예술의 출현이었습니다. 초상화와 풍경은 독립 장르. 종교적 주제조차도 다른 해석을 얻었습니다. 르네상스 예술가들은 자신의 캐릭터를 뚜렷한 개별 특성과 인간의 행동 동기를 가진 영웅으로 간주하기 시작했습니다.

이 시대의 가장 유명한 예술가들은 마사치오 (1401-1428), 마솔리노 (1383-1440), 베노초 고졸리 (1420-1497), 피에로 델라 프란체스코 (1420-1492), 안드레아 만테냐 (1431-1506), 조반니 벨리니 (1430-1516), 안토넬로 다 메시나 (1430-1479), 도메니코 기를란다이오 (1449-1494), 산드로 보티첼리 (1447-1515).

마사치오 (1401-1428)-유명한 이탈리아 화가, 피렌체 학교의 가장 큰 거장, Quattrocento 시대의 회화 개혁가.

프레스코. 스테이터와의 기적.

그림. 큰 시련.

피에로 델라 프란체스코 (1420-1492). 주인의 작품은 장엄한 엄숙함, 이미지의 고귀함과 조화, 형태의 일반화, 구성 균형, 비례, 원근법 구성의 정확성, 빛으로 가득 찬 부드러운 감마로 구별됩니다.

프레스코. 시바 여왕의 역사. Arezzo의 산 프란체스코 교회

산드로 보티첼리(1445-1510) - 피렌체 회화 학교를 대표하는 위대한 이탈리아 화가.

봄.

비너스의 탄생.

전성기 르네상스 ( "Cinquecento").
르네상스 예술의 가장 높은 개화기가 왔습니다. 16세기 1/4분기 동안.
공장 산소비노 (1486-1570), 레오나르도 다빈치 (1452-1519), 라파엘 산티 (1483-1520), 미켈란젤로 부오나로티 (1475-1564), 조르지오네 (1476-1510), 티치아노 (1477-1576), 안토니오 코레지오 (1489-1534)는 유럽 예술의 황금 기금을 구성합니다.

레오나르도 디 세르 피에로 다빈치 (Florence) (1452-1519) - 이탈리아 예술가(화가, 조각가, 건축가) 및 과학자(해부학자, 자연주의자), 발명가, 작가.

자화상

ermine을 가진 숙녀. 1490. 차르토리스키 박물관, 크라쿠프

모나리자 (1503-1505/1506)

레오나르도 다빈치 달성 높은 기술사람의 얼굴과 몸의 표정 전달, 공간 전달 방법, 구성 구축. 동시에 그의 작품은 인본주의적 이상에 부합하는 인간의 조화로운 이미지를 만들어낸다.

마돈나 리타. 1490-1491. 에르미타주 박물관.

마돈나 베누아(꽃을 든 마돈나). 1478-1480년

카네이션을 든 마돈나. 1478

Leonardo da Vinci는 일생 동안 해부학에 대한 수천 개의 메모와 그림을 만들었지만 그의 작품을 출판하지는 않았습니다. 사람과 동물의 몸을 부검하면서 골격의 구조를 정확하게 전달하고 내장, 포함 작은 부품. 임상 해부학 교수인 Peter Abrams에 따르면, 과학적 작업 da Vinci는 그녀의 시대보다 300년 앞서 있었고 많은 면에서 유명한 Grey's Anatomy를 능가했습니다.

실제 및 그에게 귀속된 발명품 목록:

낙하산올레스코보 성,자전거, t앙크, 리터군대를위한 가벼운 휴대용 교량, p프로젝터투석기, r오봇, 디볼렌츠 망원경.

나중에 이러한 혁신이 개발되었습니다. 라파엘 산티 (1483-1520) - 위대한 화가, 그래픽 아티스트 및 건축가, Umbrian 학교 대표.

자화상. 1483

미켈란젤로 디 로도비코 디 레오나르도 디 부오나로티 시모니(1475-1564) - 이탈리아 조각가, 화가, 건축가, 시인, 사상가.

미켈란젤로 부오나로티의 회화와 조각은 영웅적인 파토스와 동시에 인본주의의 위기에 대한 비극적 감각으로 가득 차 있다. 그의 그림은 인간의 힘과 힘, 육체의 아름다움을 찬미하는 동시에 세상에서의 외로움을 강조합니다.

미켈란젤로의 천재성은 르네상스 예술뿐만 아니라 모든 세계 문화에도 각인을 남겼습니다. 그의 활동은 주로 두 가지와 관련이 있습니다. 이탈리아 도시- 피렌체와 로마.

그러나 작가는 색과 형태의 진정한 혁신가 역할을 한 회화에서 가장 장대 한 계획을 정확하게 실현할 수있었습니다.
교황 율리우스 2세의 명령에 따라 그는 시스티나 예배당(1508-1512)의 천장을 그렸는데, 이는 세상의 창조부터 홍수까지의 성서적 이야기를 나타내며 300명 이상의 인물을 포함하고 있습니다. 1534-1541년에 교황 바오로 3세를 위해 같은 시스티나 예배당에서 그는 웅장하고 극적인 프레스코화인 최후의 심판을 공연했습니다.
시스티나 예배당 3D.

Giorgione과 Titian의 작품은 풍경에 대한 관심, 줄거리의 시화로 구별됩니다. 두 예술가 모두 초상화 예술에서 뛰어난 기술을 발휘하여 개성과 풍부함을 전달했습니다. 내면 세계그들의 캐릭터.

조르지오 바르바렐리 다 카스텔프랑코( 조르조네) (1476 / 147-1510) - 베네치아 회화 학교 대표 이탈리아 예술가.

잠자는 비너스. 1510년

주디스. 1504년

티치아노 베첼리오 (1488/1490-1576) - 이탈리아 화가, 최대 대표자전성기 및 후기 르네상스의 베네치아 학교.

Titian은 성서와 신화 주제에 대한 그림을 그렸고 초상화 화가로 유명해졌습니다. 그는 왕과 교황, 추기경, 공작, 왕자들의 위임을 받았습니다. 티치아노가 베니스 최고의 화가로 인정받았을 때 그는 서른 살도 되지 않았습니다.

자화상. 1567년

비너스 우르빈스카야. 1538년

Tommaso Mosti의 초상화. 1520년

후기 르네상스.
1527년 제국군이 로마를 약탈한 후 이탈리아 르네상스위기의 시대에 접어든다. 후기 라파엘로의 작품에서 이미 새로운 예술적 라인이 설명되어 있습니다. 매너리즘.
이 시대는 과도하게 늘어나거나 끊어진 선, 길거나 변형된 인물, 종종 나체, 긴장 및 부자연스러운 포즈, 크기, 조명 또는 원근과 관련된 비정상적이거나 기괴한 효과, 부식성 반음계 사용, 과도한 구성 등으로 특징지어집니다. 매너리즘을 처음으로 마스터하다 파르미자니노 , 폰토르모 , 브론치노- 피렌체의 메디치 가문 공작의 궁정에서 살면서 일했습니다. 나중에 매너리즘 패션은 이탈리아 전역과 그 너머로 퍼졌습니다.

지롤라모 프란체스코 마리아 마졸라 (파르미자니노 - "파르마 주민") (1503-1540,) 매너리즘을 대표하는 이탈리아 예술가이자 조각가.

자화상. 1540년

여자의 초상화입니다. 1530.

폰토르모 (1494-1557) - 매너리즘의 창시자 중 한 명인 피렌체 학교를 대표하는 이탈리아 화가.


매너리즘은 1590년대에 예술로 대체되었습니다. 바로크 (전환 수치 - 틴토레토 그리고 엘 그레코 ).

더 잘 알려진 자코포 로부스티 틴토레토 (1518 또는 1519-1594) - 르네상스 후기 베네치아 학교의 화가.

마지막 식사. 1592-1594. 베니스의 산 조르조 마조레 교회.

엘 그레코 ("그리스 어" 도메니코스 테오토코풀로스 ) (1541—1614) - 스페인 예술가. 원산지-크레타 섬 출신의 그리스인.
엘 그레코는 당대의 추종자가 없었고 그의 천재성은 그가 죽은 지 거의 300년 후에 재발견되었습니다.
El Greco는 Titian의 작업장에서 공부했지만 그의 그림 기법은 그의 스승과 크게 다릅니다. El Greco의 작품은 실행의 속도와 표현력이 특징이며 현대 회화에 더 가깝습니다.

십자가에 달리신 그리스도. 좋아요. 1577. 개인 소장품.

삼위 일체. 1579년 프라도.

사진을 볼 때 르네상스, 선의 선명도, 아름다운 색상 팔레트그리고 가장 중요한 것은 전송된 이미지의 놀라운 현실감입니다. 현대 과학자들은 공연 기술의 복잡성과 비밀에 대한 서면 증거가 없기 때문에 당시의 거장들이 어떻게 그러한 걸작을 만들 수 있었는지 오랫동안 의아해했습니다. 영국 예술가사진작가 데이비드 호크니(David Hockney)는 "살아있는" 그림을 그리는 방법을 알고 있던 르네상스 화가들의 수수께끼를 풀었다고 주장합니다.

회화의 역사에서 서로 다른 시기를 비교해 보면 르네상스 시대(14-15세기의 전환기)에 그림이 "갑자기" 이전보다 훨씬 더 사실적이었음이 분명해집니다. 그들을 보면 캐릭터가 한숨을 쉬려는 것 같고 햇살이 사물에서 놀 것입니다.

르네상스 예술가들이 갑자기 더 잘 그리는 법을 배웠고 그림이 더 방대해지기 시작 했습니까? 이 질문에 답하려고 노력했습니다 유명한 예술가그래픽 아티스트이자 사진작가 데이비드 호크니(David Hockney) 데이비드 호크니).

이 연구에서 그는 Jan van Eyck의 그림에 도움을 받았습니다. "아르놀피니스의 초상". 캔버스에서 많은 흥미로운 세부 사항을 찾을 수 있지만 1434년에 작성되었습니다. 벽의 거울과 천장 아래의 촛대는 놀라 울 정도로 사실적으로 보입니다. David Hockney는 비슷한 촛대를 구하고 그것을 그리려고했습니다. 예술가는 놀랍게도 이 물체를 원근법으로 묘사하는 것이 상당히 어려웠고, 빛의 섬광조차도 이것이 금속의 광채라는 것이 분명한 방식으로 전달되어야 한다는 것이 밝혀졌습니다. 그건 그렇고, 르네상스 이전에는 아무도 금속 표면에 눈부신 이미지를 취하지 않았습니다.

촛대의 3D 모델이 다시 만들어졌을 때 Hockney는 Van Eyck의 그림이 하나의 소실점이 있는 원근법으로 촛대를 보여주도록 했습니다. 그러나 문제는 15세기에는 렌즈(프로젝션을 생성할 수 있는 광학 장치)가 있는 카메라 옵스큐라가 없었다는 것입니다.

David Hockney는 Van Eyck이 그의 캔버스에서 어떻게 그러한 사실주의를 달성할 수 있었는지에 대해 의아해했습니다. 그러나 어느 날 그는 그림 속 거울의 이미지에 주목했다. 볼록했습니다. 그 당시에는 주인이 아직 유리의 평평한 표면에 주석 라이닝을 "접착"할 수 없었기 때문에 거울이 오목하다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 15세기에 거울을 얻기 위해 녹은 주석을 유리 플라스크에 부은 다음 윗부분을 잘라 오목하고 반짝이는 바닥을 남겼습니다. David Hockney는 Van Eyck이 대상을 가능한 한 사실적으로 그리기 위해 오목거울을 사용한다는 사실을 깨달았습니다.

1500년대에 장인들은 고품질의 대형 렌즈를 만드는 방법을 배웠습니다. 카메라 옵스큐라에 삽입되어 어떤 크기의 프로젝션도 얻을 수 있었습니다. 이것은 기술의 진정한 혁명이었습니다. 사실적인 이미지. 그것은 사진에 나오는 대부분의 사람들이 왼손잡이가 된 것입니다. 문제는 카메라 옵스큐라를 사용할 때 렌즈의 직접 투영이 미러링된다는 것입니다. 1665-1670년경에 쓰여진 Pieter Gerritsz van Roestraten의 "사랑의 선언(The Violent Cook)" 그림에서 모든 캐릭터는 왼손잡이입니다. 남자와 여자가 ​​왼손에 유리잔과 병을 들고 있고, 배경에 있는 노인도 그들에게 왼손 손가락을 흔들고 있습니다. 원숭이도 왼발을 사용하여 여자의 옷 밑을 들여다본다.

정확하고 비례적인 이미지를 얻으려면 렌즈가 향하는 거울을 정확하게 설정해야 했습니다. 그러나 모든 아티스트가 완벽하게 처리하는 것은 아니었고 고품질 거울도 거의 없었습니다. 이 때문에 일부 그림에서는 작은 머리, 큰 어깨 또는 다리와 같은 비율이 어떻게 존중되지 않았는지 볼 수 있습니다.

예술가들이 광학 장치를 사용한다고 해서 그들의 재능이 손상되지는 않습니다. 르네상스 회화의 사실주의 덕분에 현대인들은 이제 당시 사람들과 가정용품이 어떻게 생겼는지 알고 있습니다.

중세 예술가들은 그림에서 사실주의를 달성하려고 노력했을 뿐만 아니라 그림에 특수 기호를 암호화하려고 했습니다. 그래서 Titian의 웅장한 걸작