Shamisen - muzikos instrumentas - istorija, nuotrauka, vaizdo įrašas. Trumpa ekskursija po rytietiškų muzikos instrumentų pasaulį ir duduko kilmę

Kurių pagalba pasirodymo metu save lydėjo japonų pasakotojai ar dainininkai. Artimiausias europietiškas shamisen analogas yra . Shamisen kartu su hayashi ir shakuhachi fleitomis, tsuzumi būgnu ir . Nurodo tradicinius japonų muzikos instrumentus.

Pavadinimas kontrastuoja su muzikos žanru bunraku ir kabuki - nagauta (ilgoji daina). Geriausiai žinomas ir sudėtingiausias atlikimo stilius yra gidayu, pavadintas Takemoto Gidayu (1651-1714) vardu. lėlių teatras bunraku iš Osakos. Instrumentai ir plektrai – didžiausi, o pats gidas – ir dainininkas, ir scenoje vykstančių komentatorių. Pasakotojos darbas toks sudėtingas, kad spektaklio viduryje keičiasi vadovas. Pasakotojas turi visiškai žinoti tekstą ir melodiją. Nuo XIX amžiaus atsirado ir onna-gidayu – moteriškos lyties pasakotojos.

Kilmė

Šamisenas savo pradine forma atsirado Vakarų Azijos gilumoje, iš ten atkeliavo į Kiniją (XIII a.), kur buvo vadinamas „sanxian“, vėliau persikėlė į Ryukyu salas (šiuolaikinė Okinava) ir tik iš ten atkeliavo į Japoniją. Šis įvykis labai aiškiai pažymėtas istorijoje – priešingai nei kitų atsiradimo laikas muzikos instrumentai– ir datuojamas 1562 m.

Šamiseno pirmtakas sanšinas buvo žaidžiamas Ryukyu karalystėje, kuri tuo metu tapo prefektūra. Sanshin, savo ruožtu, kilęs iš kinų instrumento sanjian, kuris išsivystė iš Vidurinės Azijos instrumentų.

Šamisenas taip pat buvo svarbiausias instrumentas keliaujantiems akliesiems goze muzikantams, atsiradusiems Tokugavos šogunato pradžioje.

Skirtingai nei Europoje, kur tradiciniai/antikvariniai instrumentai nesulaukia didelio dėmesio, shamisen ir kiti nacionaliniai instrumentai Japonijoje yra plačiai žinomi ir mėgstami. Populiarumą nulėmė ne tik pagarba japonams jų kultūrai ir istorijai, bet ir nacionalinių instrumentų, ypač šamiseno, naudojimas tradiciniame japonų teatre – pirmiausia Kabuki ir Bunraku teatruose.

Shamisen buvo labiausiai paplitęs Tokugawa eroje, o įgūdžiai jį groti buvo privalomos Maiko – geišų mokinių mokymo programos dalis. Štai kodėl „linksmieji kvartalai“ dažnai buvo vadinami „kvartalais, kuriuose Shamisen nesustoja“.

Veislės ir pritaikymas

Yra keletas instrumentų tipų, kurie skiriasi vienas nuo kito kaklo storiu.

Įrankiai su siauras kaklas paskambino hosozao ir daugiausia naudojami muzikoje nagauta.

Įrankiai su grifas terpė storiai vadinami chuzao ir yra naudojami tokiuose muzikos žanruose kaip kiyomoto, tokiwazu, jiuta ir tt

Japonijos šiaurėje, ypač Tsugaru srityje (vakarinėje Aomori prefektūros dalyje), atskiras storakaklis šamiseno variantas — tsugarujamisen, kurio žaidimas reikalauja ypatingo virtuoziškumo. Tsugarujamisenas su storiausiu kaklu vadinamas futozao ir naudojamas joruri.

Įrenginys

Shamiseno korpusas yra medinis rėmas, sandariai padengtas oda. Pavyzdžiui, Ryukyu salose buvo naudojama gyvatės oda, o pačioje Japonijoje – kačių ar šunų oda. Korpusas iš abiejų pusių padengtas oda, be to, prie priekinės membranos priklijuotas nedidelis odos gabalėlis, apsaugantis nuo plektro (bati) smūgių.

Tarp kaiščių ir apatinio kaklo galo, išsikišusio iš kūno apačios centro, suvertos trys įvairaus storio virvelės. Stygos pagamintos iš šilko, nailono ir tetlono. Šamiseno ilgis apie 100 cm.

Šamisenas žaidžiamas su dideliu bachi plektru, kuris pagamintas iš tokių medžiagų kaip mediena, dramblio kaulas, vėžlio kiautas, buivolo ragas ir plastikas. Bati nagaut ir jiuta yra beveik taisyklingi trikampiai su labai aštriais kraštais.

„Tsugarujamisen“ siūlo mažesnį plektrumą, panašesnį į ginkmedžio lapą.

Shamisen grojimo technika

Buvo suformuoti trys žaidimo shamisen stiliai:

Uta-mono – dainos stilius. Vienas iš pagrindinių žanrų muzikinis akompanimentas teatro spektakliai kabuki. Šį žanrą reprezentuoja ilgi muzikiniai intarpai, grojami hayashi ansamblio (šis kolektyvas dažniausiai akomponuoja teatro spektakliuose, susideda iš fleitos ir trijų tipų būgnų).

Katari-mono yra fantastinis stilius. Jis labiausiai būdingas tradicinei japonų muzikai ir yra atstovaujamas tam tikros rūšies dainavimo.

Minyo yra liaudies daina.

Japonijoje pirmą kartą pasirodžius shamisenui, stygos buvo plėšomos mažu plektrumu (yubikake) ir tik laikui bėgant muzikantai pradėjo naudoti plektrumą, kuris labai išplėtė instrumento tembrines galimybes. Kaskart, kai nuplėšiama apatinė styga, be jos garso, pasigirsta obertonai ir nedidelis triukšmas, šis reiškinys vadinamas „savari“ („lietimas“). Savarijos atsiranda ir tada, kai kitos stygos rezonuoja su apatine styga, ypač kai tono intervalas tarp stygų yra oktava (dvi oktavos, trys, kvintos ir kt.). Galimybė naudoti šį papildomą garsą yra aukšto atlikėjo meistriškumo ženklas, o patį akustinį efektą griežtai kontroliuoja shamisen kūrėjai.

Plektras laikomas dešinėje rankoje, o reikiamu momentu stygų garsą sustabdo trys kairės rankos pirštai ant beraus kaklo. Nykštis ir mažasis pirštas žaidime nenaudojami. Būdingiausias šamiseno grojimo būdas yra vienu metu plektro smūgis į membraną ir į stygą. Be to, yra daug kitų svarbių faktorių, lemiančių garso specifiką, pavyzdžiui, stygų storis, kaklelis, plėvelės, vieta, kur plektras atsitrenkia į stygas ir kt. Taip pat ant shamiseno stygas galite plėšyti kaire ranka, taip išgaudami elegantiškesnį tembrą. Šis gebėjimas pakeisti toną yra vienas iš shamiseno bruožų.

Be grojimo būdo, keičiant stygos, kaklo ar plektro ilgį galima keisti ir instrumento tembrą, taip pat jų matmenis, storį, svorį, medžiagą – masės rodiklius! Yra beveik dvi dešimtys shamisen, kurie skiriasi vienas nuo kito aukštu ir tembru, o muzikantai parenka instrumentą, kuris labiausiai atitinka jų muzikos žanrą, arba perderina jį prieš pat pasirodymą.

Shamisen muzikoje balso linija beveik sutampa su grojama instrumentu: balsas tik šiek tiek lenkia melodiją, todėl galima išgirsti ir suprasti tekstą, be to, pabrėžiamas kontrastas tarp balso skambesio ir šamisenas.

Shamisen šiuolaikinėje muzikoje

„Shamisen“ dėl savo specifinio garso dažnai naudojamas „nacionaliniam“ garsui sustiprinti Japonijos filmai ir anime (kaip Rusijoje). Taigi, šamisenas skamba Naruto anime serijos Puni Puni Poemi garso takelyje.

Agatsuma Hiromitsu groja New Age stiliumi.

Jį naudoja Europos muzikinio avangardo atstovai (pavyzdžiui, Henri Pousseur).

Brolių Yoshida atliekamos kompozicijos gana populiarios, skamba jų šamisenas.

Michiro Sato atlieka improvizacijas ant shamisen, ir džiazo pianistas Glennas Horiuchi į savo kompozicijas įterpė grojimo šamisenu fragmentus.

Gitaristas Kevinas Kmetzas vadovauja Kalifornijoje įsikūrusiai grupei God of the Shamisen, kurioje groja tsugarujamisen.

Vaizdo įrašas: „Shamisen“ vaizdo įrašas + garsas

Šių vaizdo įrašų dėka galite susipažinti su įrankiu, žr tikras žaidimas ant jo, klausykite jo garso, pajuskite technikos specifiką:

Išpardavimas: kur nusipirkti/užsisakyti?

Enciklopedijoje kol kas nėra informacijos, kur įsigyti ar užsisakyti šį instrumentą. Jūs galite jį pakeisti!

Muzikos instrumentas: liutnia

Viršgarsinių greičių ir nanotechnologijų amžiuje kartais labai norisi atsipalaiduoti, išsižadėti viso pasaulio šurmulio ir atsidurti kitame pasaulyje, kuriame nėra šiuolaikinių neramumų, pavyzdžiui, romantiškoje Renesanso epochoje. Šiuo metu tam nereikia išradinėti laiko mašinos, o tiesiog apsilankyti autentiškos muzikos koncerte kur nors Izmailovskio Kremliuje ar Šeremetjevo rūmuose. Ten ne tik išgirsite gražias melodijas, mintyse persikeliančias į praėjusius laikus, bet ir susipažinsite su įdomiais muzikos instrumentais, kuriais prieš kelis šimtmečius muzikavo tolimi mūsų protėviai. Susidomėjimas senovės muzika šiandien auga, šiuolaikiniai atlikėjai entuziastingai įvaldo praeities epochų instrumentus, tarp kurių yra ir traversinė fleita, viola da gamba, aukštas altas, barokinis kontrabosinis smuikas, klavesinas ir, be jokios abejonės, liutnia yra privilegijuotųjų klasių instrumentas ir nusipelno ypatingo dėmesio. Viduramžiais arabai ją teisėtai vadino muzikos instrumentų karaliene.

Garsas

Litnia priklauso styginių šeimai plėšyti instrumentai, pagal savo skambesį šiek tiek primena gitarą, tačiau balsas daug švelnesnis ir švelnesnis, o tembras aksominis ir virpantis, nes labiau prisotintas obertonų. Litnios garso šaltinis yra porinės ir pavienės stygos, kurias atlikėjas traukia dešine ranka, o kaire prispaudžia strypus, keisdamas jų ilgį, taip keisdamas aukštį.

Muzikinis tekstas instrumentui buvo parašytas naudojant raides šešių eilučių eilutėje, o garsų trukmę rodė virš raidžių dedamos natos. diapazonas instrumentas apie 3 oktavas. Įrankis neturi specifinio standartinio nustatymo.

Nuotrauka:

Įdomūs faktai

• Daugeliui tautų liutnios įvaizdis tarnavo kaip harmonijos, jaunystės ir meilės simbolis. Kinams tai reiškė išmintį, taip pat nuoseklumą šeimoje ir visuomenėje. Budistams – harmonija dievų pasaulyje, krikščionims – liutnia angelų rankose žymėjo dangaus grožį ir gamtos jėgų susitaikymą. Renesanso mene ji simbolizavo Muziką, o instrumentas su nutrūkusiomis stygomis rodė nesutarimą ir nesantaiką.
• Liūta buvo emblema – simbolinis įsimylėjėlių atvaizdas.
• Liūta Renesanso laikais labai dažnai buvo demonstruojama ant paveikslų, net Orfėją ir Apoloną to meto menininkai nutapė ne lyra, o liutnia. Ir neįmanoma įsivaizduoti harmoningesnės kompozicijos nei mergina ar jaunuolis su šiuo romantišku instrumentu.
• Kadaise liutnia, kuri buvo labai populiari, buvo laikoma privilegijuotu pasaulietinių ratų, bajorų ir karališkųjų asmenų instrumentu. Rytuose jis buvo vadinamas instrumentų sultonu, o Europos šalyse buvo posakis, kad vargonai yra „visų instrumentų karalius“, o liutnia – „visų karalių instrumentas“.
• Puikus anglų poetas ir dramaturgas W. Shakespeare'as savo kūriniuose dažnai minėjo liutnią. Jis žavėjosi jos skambesiu, priskirdamas jai gebėjimą priversti klausytojus į ekstazės būseną.
• Didžiausias italų skulptorius, menininkas, poetas ir mąstytojas Michelangelo Buonarroti, žavėdamasis garsiojo liutnininko Francesco da Milano pasirodymu, sakė, kad jį dieviškai įkvėpė muzika ir visos jo mintys tuo metu buvo nukreiptos į dangų.
• Atlikėjas ant liutnios vadinamas liutniu, o meistras, kuris gamina instrumentus, vadinamas liutnia.
• Bolonijos meistrų - liutnios L. Mahlerio ir G. Frey, taip pat Tieffenbrucker šeimos atstovų iš Venecijos ir Padujos instrumentai, sukurti XVII-XVIII a., pagal tuos standartus kainuoja astronominius pinigus.
• Išmokti groti liutnia nebuvo taip sunku, tačiau sudėtinga buvo derinti instrumentą, kuriame daug stygų buvo pagaminta iš natūralių medžiagų, tačiau dėl temperatūros ir drėgmės pokyčių jis buvo prastai suderintas. Buvo labai žinomas pokštas: liutnitojas du trečdalius laiko praleidžia derindamas instrumentą, o trečdalis groja muziką nederintu instrumentu.

Dizainas

Labai elegantiškas liutnios dizainas apima korpusą ir kaklą, baigiant kaiščiu. Kriaušės formos korpusą sudaro denis ir korpusas, kuris veikia kaip rezonatorius.

• Korpusas pagamintas iš lenktų, pusrutulio formos, segmentų iš kietmedžio: juodmedžio, raudonmedžio, vyšnios ar klevo.
• Denis yra priekinė kūno dalis, dengianti kūną. Jis plokščias, ovalo formos ir dažniausiai pagamintas iš rezonatoriaus eglės. Apatinėje dalyje ant denio yra stovas, o viduryje – elegantiško įmantraus rašto ar gražios gėlės pavidalo garso skylutė.

Palyginti platus, bet trumpas liutnios kaklelis pritvirtintas prie kūno tame pačiame lygyje kaip ir garso plokštė. Prie jo priklijuota juodmedžio perdanga, taip pat užrišamos ketguto freto skyrikliai. Kaklo viršuje yra veržlė, kuri kontroliuoja stygų įtempimą.

Savo turi ir liutnios kaiščių blokas, ant kurio yra reguliavimo kaiščiai stygos įtempimui skiriamasis bruožas. Tai slypi tame, kad blokas yra kaklo kaklo atžvilgiu gana dideliu, beveik stačiu kampu.

Suporuotų stygų skaičius įvairiose liutniose labai skiriasi: nuo 5 iki 16, o kartais ir 24.

Svorisįrankis yra labai mažas ir sveria apie 400 gr., ilgioįrankis - apie 80 cm.

Veislės

Liūta vienu metu, kuri buvo labai populiari, vystėsi labai intensyviai. Muzikos meistrai nuolat eksperimentavo su savo forma, stygų skaičiumi ir derinimu. Dėl to atsirado gana daug instrumentų veislių. Pavyzdžiui, Renesanso liutnios, išskyrus tradiciniai instrumentai, įskaitant instrumentus su skirtingu suporuotų stygų skaičiumi – chorus, turėjo įvairaus dydžio tipus, panašius į žmogaus balso registrus: mažą oktavą, mažą aukštą, aukštą, altą, tenorą, bosą ir oktavą bosą. Be to, liutnios šeimai priklauso barokinė liutnia, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kitaron, citra, bandora, cantabile liutnia, orfarion, wandervogel liutnia, mandora, mandola.

Taikymas

Dailės istorikai liutnią laiko ne tik vienu įdomiausių, bet ir iš esmės svarbiu instrumentu XVI–XVII amžių Europos muzikos istorijoje. Jis sulaukė įvairių visuomenės sluoksnių – nuo ​​paprastų iki karališkųjų – atstovų pripažinimo, buvo naudojamas kaip akompanuojantis, solinis ir ansamblinis instrumentas. Sparčiai augantis liutnios populiarumas nuolat reikalavo papildyti ir atnaujinti repertuarą. Labai dažnai kūrinių kūrėjai tuo pat metu būdavo ir atlikėjai, todėl Europos šalyse atsirasdavo visa galaktika nuostabių liutnios kūrėjų. Italijoje – F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Ispanijoje – L. Milanas, M. Fuenlyana. Vokietijoje – H. Neusiedleris, M. Neusiedleris, I. Kapsbergeris, S. Veisas, W. Lauffensteineris. Anglijoje – D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Lenkijoje - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Prancūzijoje – E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Taip pat reikia pažymėti, kad net tokie puikūs meistrai kaip I.S. Bachas, A. Vivaldi, G. Hendelis, J. Haidnas atkreipė dėmesį į liutnią, praturtindama jos repertuarą savo kūriniais.

Šiuo metu susidomėjimas senąja muzika, o tuo pačiu ir liutnia, nesilpnėja. Jos garsas vis dažniau girdimas scenose koncertų salės. Tarp šiuolaikiniai kompozitoriai kurie šiuo metu kuria instrumentui, daug įdomių kūrinių turėtų pažymėti I. Davidas, V. Vavilovas, S. Kalloshas, ​​S. Lundgrenas, T. Sato, R. MacFarlenas, P. Galvao, R. MacKillopas, J. Wissemsas, A. Danilevskis, R. Turovskis-Savčiukas, M. Zvonarevas.

Žymūs menininkai

Renesanso ir baroko epochoje neįprastai madinga, tačiau kitų instrumentų išstumta ir nesąžiningai pamiršta liutnia šiandien vėl kelia didelį susidomėjimą ir ne tik tarp autentiškų muzikantų. Jos garsą dabar galima išgirsti vis daugiau skirtingų koncertų vietos, ir ne tik solo, bet ir ansamblyje su kitais gražiais senoviniais muzikos instrumentais. XXI amžiuje garsiausi atlikėjai virtuozai, daug nuveikę instrumento populiarinimui – V. Kaminikas (Rusija), P. O „Dettas (JAV), O. Timofejevas (Rusija), A. Krylovas (Rusija, Kanada) , A Suetin (Rusija), B. Yan (Kinija), J. Imamura (Japonija), R. Lislevand (Norvegija), E. Karamazov (Kroatija), J. Held (Vokietija), L. Kirchhoff (Vokietija), E. Eguezas (Argentina), H. Smithas (JAV), J. Lindberghas (Švedija), R. Barto (JAV), M. Lowe (Anglija), N. Northas (Anglija), J. van Lennepas (Nyderlandai) ir daugelis kitų. kiti .

Istorija

Visa liutnios atsiradimo istorija, kuri in Rytų šalys buvo laikomas vienu pažangiausių instrumentų, atsekti neįmanoma. Tokios priemonės jau prieš keturis tūkstantmečius buvo paplitusios daugelyje pasaulio šalių. Jie grojo muziką Egipte, Mesopotamijoje, Kinijoje, Indijoje, Persijoje, Asirijoje, Senovės Graikija ir Roma. Tačiau menotyrininkai teigia, kad liutnia turėjo tiesioginį pirmtaką – oudą – instrumentą, su kuriuo Artimuosiuose Rytuose vis dar žiūrima ypač pagarbiai, teigdami, kad tai pranašo anūko sukūrimo rezultatas. Oudas turėjo kriaušės formos korpusą, kuris buvo pagamintas iš riešutmedžio arba kriaušės medienos, pušinę garso lentą, trumpą kaklą ir į nugarą išlenktą galvą. Garsas buvo išgaunamas plektrumu.

Europos užkariavimas liutnia prasidėjo VIII amžiuje iš Ispanijos ir Katalonijos, maurams užkariavus Pirėnų pusiasalį. Priemonė ne tik labai greitai įsiliejo į šių šalių kultūras, bet ir dėl kryžiaus žygiai, pradėjo sparčiai plisti į kitus Europos šalys: Italija. Prancūzija, Vokietija, išstumdami kitus tuo metu egzistavusius instrumentus, tokius kaip cisterna ir pandura. Populiarėjanti liutnia buvo nuolat tobulinama. Meistrai pakeitė instrumento dizainą, modifikavo korpusą ir kaklą, pridėjo stygų. Jei iš pradžių jis turėjo nuo 4 - 5 porinių stygų - chorų, tai vėliau jų skaičius palaipsniui didėjo. Iki XIV amžiaus liutnia Europoje ne tik visiškai susiformavo, bet ir tapo vienu populiariausių instrumentų ne tik teismo, bet ir namų muzikavime. Jis buvo naudojamas ne tik kaip akompanimentas, bet ir kaip solo instrumentas. Liūtai kūrė daug įvairios muzikos, perrašinėjo ne tik populiarias dainas ir šokius, bet ir sakralinę muziką. XV amžiuje instrumento populiarumas dar labiau išaugo, dailininkai dažnai jį vaizduoja savo meno drobėse. Kompozitoriai ir toliau intensyviai pildo repertuarą. Atlikėjai atsisako plektro, pirmenybę teikdami pirštų ištraukimo metodui, kuris gerokai išplėtė technines galimybes, leidžia atlikti tiek harmoninį akompanimentą, tiek polifoninę muziką. Liūtos ir toliau tobulėjo, o šešių porinių stygų instrumentai tapo paklausiausi.

XVI amžiuje liutnios populiarumas pasiekė aukščiausią tašką. Ji dominavo ir tarp profesionalių muzikantų, ir tarp mėgėjų. Instrumentas skambėjo karalių ir aukščiausios aukštuomenės rūmuose, taip pat paprastų piliečių namuose. Atliko solinius ir ansamblinius kūrinius, akompanavo vokalistams ir chorams, be to, supažindino juos su orkestrais. IN skirtingos salys buvo sukurtos liutnios instrumentų gamybos mokyklos, žinomiausia iš jų buvo Italijoje Bolonijos mieste. Instrumentai buvo nuolat modifikuojami, daugėjo porinių stygų: iš pradžių dešimt, vėliau keturiolika, o vėliau jų skaičius siekė 36, todėl atitinkamai reikėjo keisti instrumento dizainą. Buvo daug liutnios atmainų, tarp jų buvo septynios, kurios atitiko žmogaus balso tesitūrą – nuo ​​disko iki boso.

XVII amžiaus pabaigoje liutnios populiarumas pradėjo pastebimai mažėti, nes ją palaipsniui išstūmė tokie instrumentai kaip gitara, klavesinas, o vėliau ir fortepijoną. XVIII amžiuje jis iš tikrųjų nebebuvo naudojamas, išskyrus keletą veislių, kurios egzistavo Švedijoje, Ukrainoje ir Vokietijoje. Ir tik XIX – XX amžių sandūroje, vėl atsinaujinus anglų entuziastų, vadovaujamų instrumentų meistro, profesionalaus muzikanto ir muzikologo Arnoldo Dolmicho, susidomėjimo senoviniais instrumentais, dėmesys liutniui vėl labai išaugo.

Liūta yra senovinis elegantiškas muzikos instrumentas su nuostabiu švelniu balsu, kuris vienu metu buvo priverstas nebenaudoti ir nesąžiningai pamirštas. Laikas bėgo, muzikantai jį prisiminė, susidomėjo ir vėl atvedė į koncertų sceną, kad klausytojų užkariuotų įmantriu skambesiu. Šiandien liutnia dažnai dalyvauja autentiškos muzikos koncertuose, koncertuoja ir kaip solinis, ir kaip ansamblinis instrumentas.

Vaizdo įrašas: klausykite liutnios

Kažkada žadėjau pakalbėti apie japoniškus muzikos instrumentus. Šis laikas atėjo. Biva man į rankas pakliuvo visai netyčia, bet atsiverti temą teko jai :)

Šiandien mūsų dėmesį patrauks magiški – nors ir ne švelnūs, ir ne erdvūs, o gana atšiaurūs, metaliniai ir ritmiški – tradicinio japonų muzikos instrumento, vadinamo biwa (biwa), garsai.
Biwa – japoniška liutnios arba mandolinos atmaina, ji į Japoniją atkeliavo iš Kinijos VII amžiuje, Kinijoje panašus instrumentas vadinamas pipa (pipa), tačiau į Kiniją iš Persijos ji atkeliavo IV mūsų eros amžiuje.
O europinės liutnios šaknys taip pat eina į Vidurinę Aziją.
Japonijoje per tūkstantį biwa kūrimo metų atsirado daug modelių, daugybė grojimo ir dainavimo mokyklų.

(Tai savotiškas biwa koncertas su orkestru. Gion shoja. Kompozitorė Hirohisa Akigishi
Heikės prologo „Pasaka“ įraše (Heikės istorija, kuri dar vadinama „Taira monogatari“) Tai yra pagrindinė šiuolaikinis darbas kuri atliekama biwa. Šis įrašas buvo padarytas Seule, 2004 m. Sejong centre)

Įrankis savo forma panaši į migdolų riešutą, nukreiptą į viršų. Priekinė kūno sienelė šiek tiek išlenkta į priekį, nugara plokščia. Sienos – tai dvi medinės lentos – nėra toli viena nuo kitos, instrumentas gana plokščias. Priekinėje sienelėje yra trys skylės.
Biwa turi keturias ar penkias stygas, pagamintas iš geriausių šilko siūlų, suklijuotų ryžių klijais. Grifas turi penkis labai aukštus griovelius.

Stygos įtemptos gana laisvai, tai yra nelabai įtemptos. Muzikantas, stipriau spausdamas stygą, pakeičia jos įtampą, tai yra pakelia aukštį. Galima sakyti, kad instrumentas visai nesuderintas Vakarų Europos šio žodžio prasme, tačiau muzikantas gali groti tam tikras natas, keisdamas stygų spaudimo jėgą.
Tačiau žaidimo esmė visai nėra pataikyti į teisingą natą. Todėl ant stygos nėra mirties gniaužtų, pirštas visą laiką keičia spaudimą, todėl garsas plūduriuoja. Be to, pirštu galite judinti virvelę išilgai plačių briaunų, nuo to styga pradeda zvimbėti, kaip ant tokio indiško styginiai instrumentai kaip sitara ar vynas.

„Biwa“ laikomas vertikaliai, o žaidžiant naudojamas trikampis medinis plektras, suformuotas kaip mažas ventiliatorius. Viena iš jo kraštų siekia 30 centimetrų ilgio, tai savotiška mentė. Šių ašmenų gamyba - puikus menas, jie turi būti tvirti ir elastingi tuo pačiu metu. Medis tarpininkui džiovinamas dešimt metų. Žinoma, naudojama reta medžių rūšis.
Su kirtikliu galima pataikyti ne tik į stygas, bet ir į korpusą, taip pat subraižyti stygas, tiesa, meistrai sako, kad tai moderni technika, anksčiau to nebuvo.
Tačiau aišku, kad yra ne vienas būdas numušti stygą tokiu dideliu plektrumu – ir tai, žinoma, puikiai girdima.

BIWA („King Records“, 1990 m.)
Kompaktiniame diske yra du instrumentiniai takeliai ir keturi vokaliniai-instrumentiniai takeliai. Įspūdingiausia – Enomoto Shisui atliekama epinė daina „Kawanakajima“ („Island Between Two Rivers“).
Enomoto Shizui mirė 1978 m. ir gimė XIX a. Jis priklausė garsiems epochos biwa meistrams prieš Antrąjį pasaulinį karą.
XIX amžiuje ir XX a. pirmoje pusėje bivos menas atgijo, vien Tokijuje buvo 30 muzikos instrumentus gaminančių meistrų, po karo visoje Japonijoje – ir visame pasaulyje – liko tik vienas. . Šis menas turėjo galimybę išnykti amžiams, nes dainų tekstai buvo persmelkti dabar politiškai nekorektiška samurajų dvasia.
Lyginant su naujos kartos dainininkais, Enomoto Shizuya balsas skamba tragiškiau, isteriškiau ir, sakyčiau, negailestingiau.
Sala, kuriai skirta ši daina, yra žemės juosta tarp dviejų upių. Šioje vietoje XVI amžiuje įvyko keli mūšiai tarp dviejų karinių vadų armijų.
Negaliu patikėti, kad tai pramoginė muzika, kurios žmonės klausosi vakare, pavargę nuo svarbių dalykų. Ne, ne, ši muzika aiškiai primena samurajams jų pareigą ir uždega kovos dvasią.

Kitas gerai žinomas daiktas yra Atsumori, kuris taip pat yra biwa paveikslėlyje.

Aštrūs metaliniai smūgiai – panašūs į kardo kirtį – kontrastuoja su lėtai besiskleidžiančiu dainininko balsu. Balsiai užsitęsia ilgai, ritmas laisvas, muzikoje daug pauzių, bet jokiu būdu to negalima pavadinti vangiu. Ji labai įsitempusi ir susikaupusi.
Beje, pauzės, tuštuma, tylos akimirkos japonų tradicijoje taip pat laikomos akustiniu elementu, tai yra garsu. Jis vadinamas žodžiu „ma“. Tyla gali būti trumpa arba ilga, įtempta arba rami, netikėta arba logiška. Tyla pabrėžia kai kuriuos garsus ir perkelia muzikinės frazės akcentus.

Bivos istorijoje buvo dvi lygiagrečios srovės: pirma, biwa buvo teismo orkestro dalis. Senovinis biva gulėjo horizontaliai ant grindų ir buvo žaidžiamas su mažu plektrumu. Ji buvo mušamieji instrumentai.
Viduramžiais biwa grojo aristokratai ir jų vasalai.Manoma, kad ši muzika buvo grynai instrumentinė. IN klasikinė literatūra išliko daug iš Kinijos atkeliavusių viduramžių solo bivos, grakštaus ir rafinuoto skambesio bei didingų melodijų aprašymų, tačiau solo biva rūmų muzikos tradicijoje neišliko iki šių dienų. Gagaku orkestre biwa partija tokia paprasta, kad neįmanoma atsikratyti įspūdžio, jog kažkas svarbaus buvo prarasta per amžius.
Biwa, kaip solinio instrumento, tradicija buvo nutraukta XIII amžiuje ir atgimė tik XX amžiuje.

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmentas). Europietiška versija, kaip matote

Tačiau pagrindinė biwa funkcija yra palydėti ilgas dainas ir istorijas.
Iki XX amžiaus biwa grojo beveik vien aklieji muzikantai, jie buvo vadinami biwahoshi. Kai kurie iš jų buvo budistų vienuoliai ir deklamavo sutras bei giesmes, bet vis tiek dauguma dainininkų pasakojo apie karus ir legendinių herojų kovas.
Garsiausios herojiškas epas iš biwahoshi repertuaro – „Heike Monogatari“ (Heike Monogatari).
Tai didžiulis ir gana kruvinas eilėraštis apie tai, kaip Heike klaną (dar žinomą kaip Taire) po trumpo klestėjimo XII amžiaus antroje pusėje nugalėjo Genji klanas (Genji, dar žinomas kaip Minamoto).
Eilėraštis turi 200 epizodų, iš kurių 176 yra įprasti, 19 yra slapti, o likę 5 yra visiškai slapti.

(atsiprašau už vaizdo ir garso kokybę. Grojo Yukihiro Goto)
Visos istorijos vienaip ar kitaip iliustruoja budistines priežasties ir pasekmės idėjas, taip pat likimo nepastovumą.
Šiandien „Heike Monogatari“ atlieka tik keli muzikantai, grojantys biwa. Visi kiti turi kur kas modernesnį repertuarą.
Tačiau yra nuomonė, kad viduramžiais aklųjų vienuolių atliekamos herojiškos dainos išnyko, taip pat instrumentinio teismo bivos tradicija. Herojiško dainavimo tradicija buvo atgaivinta ne kartą ir, greičiausiai, visai ne tokia, kokia egzistavo prieš 700 metų.
Nors instrumento istorija siekia VII amžių, tačiau iki šių dienų išlikusi muzika, matyt, nebeturi nieko bendro su viduramžiais, stilius, kuris šiandien vadinamas antikiniu ir klasikiniu, susiformavo ne taip seniai.
Svarbus bivos istorijos momentas – XVI a.
Tada buvo sukurta naujas įrankis Satsuma biwa: Satsuma klano lyderis davė įsakymą patobulinti mažos galios ir kuklią aklųjų vienuolių liutnią, kad ji taptų įspūdingu ir aštriu garsu. Biwa tapo didesnė, jo korpusas buvo pagamintas iš kietesnės medienos. Jos garsas tapo vyriškesnis, jei ne agresyvesnis.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(geresnis garsas, bet įterpti neleidžiama)
Taip pat buvo parašytos naujos dainos. Šios akcijos tikslas buvo švietėjiškas ir propagandinis: karinius mokymus išklausę jaunuoliai – tai yra būsimieji samurajai, pagal šias dainas turėjo augti dvasioje ir išmokti riteriško meistriškumo pagrindų.
Tada nebuvo jokio grojimo ir dainavimo kanono – bet kuris samurajus galėjo išrėkti herojišką tekstą ir, siekdamas didesnio išraiškingumo, karts nuo karto pamušti stygas. Dainos jau ne tik ragino jaunimą į žygdarbius, apie savo žygius pasakojo karą išgyvenę samurajus, skambant biwa garsams.
Laikui bėgant gana taikūs gyventojai pradėjo domėtis šia militaristine muzika. Atitinkamai atsirado stilius civiliams: machi fu (miesto stilius) ir kariškiams: shi fu (samurajų stilius).
Atsirado naujų tipų instrumentų. Tarkime, chikuzen biwa (chikuzen-biwa) atsirado XIX amžiuje, jis turi vieną papildomą – aukštą stygą. Todėl ši biwa laikoma moteriška, švelnesne. Žaisk, atitinkamai, moterys.

Visose epinėse dainose, atliekamose akompanuojant bivai, tekstas yra ritminga proza, perpinta trumpomis poetinėmis ištraukomis. Kai kurios frazės dainuojamos pagal kanonines melodijas, po kurių daromos trumpos instrumentinės pertraukėlės. Tačiau, kaip taisyklė, kiekvienos frazės ar posmo pabaigoje nuskamba vienas ar du smūgiai į biwa stygas. Šie ritmai skiriasi tembru – biwa turi daug daugiau galimybių nei būgnas.
Jei bivos garsai iliustruoja tai, apie ką dainuoja pasakotojas, tai tik tembru – plonas garsas ar kurčias, skamba metališkai ar šnypščiantis... Tekstas dainuojamas klasikine japonų kalba, klausytojai turi suprasti, kas yra sakoma: intonacija, ritmas ir kolorito garsai yra susiję su dramos turiniu.
Tai muzika, skirta tiesioginiam klausymuisi, tiems, kurie įsijaučia į veiksmą, visiškai jo pagauti.
Mes, nemokėdami kalbos, matyt, šioje muzikoje tiesiog nelabai ką suvokiame, bet ji, stebuklingai, nuo to netampa egzotiška, keista ar fantastiška. Ne, ne, ji išlaiko savo prasmę ir įtaigumą.
Įdomu ir tai, kad tai labai emocinga muzika, labai intensyvi, atvira. O japonai – kaip ir visi kiti budistai – tarsi vengia rodyti savo jausmus.

Japonijoje jėga, kuri judina visatą, vadinama ki. Tai dvasinė jėga, panaši į graikų pneumą.
Išraiška ki turi aukščiausią pirmumą iš visų Japonijos menai. Makrokosme ki atitinka vėjus, mikrokosmose – žmogaus kvėpavimą. Japonų kalboje yra daug žodžių, susijusių su ki: ki-shФ (oras), ki-haku (dvasia).
Dainavimo balso pagrindas yra kvėpavimas, todėl dainavimas yra viena iš ki apraiškų.
Senovės japonai tikėjo, kad ištardami arba, geriau sakant, iškvėpdami, išpūsdami žodį, jie atlieka dvasinį veiksmą. O rusų kalboje žodžiai „kvėpavimas“ ir „dvasia“ vienas kitam visai nesvetimi.
Japonijos dainavimo tradicija yra tiesiogiai susijusi su tokiu požiūriu į žodį kaip į prasmės pripildytą kvėpavimą.

Ir šis trumpas įrašas nėra tik muzikos kūrinys, tai Gagaku – Japonijos imperatoriškųjų rūmų apeiginė muzika.

Europietiškas dainavimas – kaip ir visa kita muzika – remiasi garsų aukštumu ir trukme. IN senovės japonija dainavimas į vieną garso hieroglifą suliejo tokius akustinius elementus kaip garso spalva, jo energija, garsumas ir kokybė.
Tai kažkas neišmatuojamai daugiau nei teisinga nata.
Ir biwa muzika daugeliu atžvilgių skiriasi nuo Vakarų Europos muzikos. Japoniškas instrumentas prisiima visiškai kitokį požiūrį į garsą, į ritmą.
Japonų kompozitorius modernistas Toru Takemitsu parašė keletą kompozicijų, kuriose naudojamas biwa kartu su simfoniniu orkestru. Yra tradicinis biwa muzikos įrašymo būdas – lyginant su Vakarų Europos tai atrodo labai apytiksliai.

Kwaidan muzika, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964 m

Tai skirta Toru Takemitsu

Kai biwa atlikėjas vienoje iš savo kompozicijų pasisiūlė studijuoti Vakarų Europos notaciją, Takemitsu jai uždraudė tai daryti. „Tai paskutinis dalykas, kurio tikiuosi iš jūsų“, – sakė kompozitorius. „Pati studijuosiu tradicinį biwa muzikos įrašą ir išmoksiu juo naudotis, vakarietiškų natų nereikės. Šiandien tradicinis garso pojūtis miršta dėl vakarietiškos sistemos tikslus derinimas muzikos instrumentai ir muzikos įrašymas su natomis.

Kadaise iš imperatoriaus Tenno rūmų dingo senovinė biva. Jos vardas buvo Genjo. Ji neturėjo kainos, ji buvo labai brangi. Imperatorius negalėjo rasti sau vietos. Jei pavogė, tai vagis turėjo sulaužyti – parduoti buvo neįmanoma. Imperatorius buvo tikras, kad jo biva buvo pavogta tam, kad aptemdytų jo sielą.
Minamoto no Hiromasa buvo aristokratas ir puikus muzikantas. Jis taip pat labai nuliūdo dėl netekties.
Vieną naktį jis išgirdo stygos garsą – nebuvo jokių abejonių: tai buvo Genjo biwa. Hiromasa pažadino tarną ir jie nuėjo gaudyti vagies. Jie artėjo prie garso, bet jis vis tolsta. Kažkokia dvasia grojo ant bivos – tik Hiromasa girdėjo stygų garsus.
Jis sekė garsą, kol pasiekė patį pietinis taškas Kioto – iki grėsmingų Rashomon vartų. Hiromasa ir jo tarnas stovėjo po vartais, iš viršaus pasigirdo liutnios garsas. – Tai ne žmogus, – sušnibždėjo Hiromasa, – tai demonas.
Jis pakėlė balsą: „Ei, kas vaidina Genjo! Tenno imperatorius ieškojo įrankio nuo tada, kai jis dingo. Aš žinau, kad tu čia, aš sekiau tave visą kelią nuo rūmų!
Muzika nutilo, kažkas nukrito iš viršaus ir pakibo koridoriuje. Hiromasa atsitraukė – manė, kad tai demonas. Bet Genjou liutnia kabojo ant virvės.
Imperatorius labai džiaugėsi Genjo sugrįžimu, niekam nekilo abejonių, kad lobį pavogė, o paskui atidavė demonas. Hiromasa buvo dosniai apdovanota.
Genjo vis dar yra imperatoriškieji rūmai. Tai ne tik liutnia, tai kažkas gyvo, turinčio savo charakterį. Jei jį paima nemandagus muzikantas, jis neskleidžia garso.
Vieną dieną rūmuose kilo gaisras. Visi išbėgo ir niekas negalvojo išgelbėti Genjo. Tačiau paslaptingai ji buvo rasta pievelėje priešais rūmus, kur, matyt, ir atsidūrė!

Andrejus Gorokhovas © 2001 Deutsche Welle

Xi Jinpingas, Kinijos pirmininkas liaudies respublika, kalbėdamas simpoziume, skirtame 69-osioms pergalės prieš japonų okupantus per pasaulinį karą metinėms, ragindamas Japoniją atsakingiau vertinti ...

pridėta: 2014 m. kovo 04 d

Nacionalinė japonų muzika ir instrumentai

Tekančios saulės žemė Japonija turi savitą ir unikalią kultūrą. Didžiosios tautos palikimas glaudžiai susijęs su muzika. Nacionalinė japonų muzika yra tas pats originalus reiškinys, kurį lėmė šalies izoliacija.

Japonijos žmonės visada atsargiai ir pagarbiai elgiasi su savo tėvynės kultūros paminklais. Bet kokia muzika neįmanoma be muzikos instrumentų. Japonijos muzikinė kultūra turi savo unikalų žanrą. Tai paaiškina instrumentų, kurie naudojami kuriant muzikos šedevrus, įvairovę.

Žymūs muzikos instrumentai

Vienas garsiausių japonų muzikos instrumentų yra šamisenas, kuri yra analogiška liutniui. Jis priklauso tristygių plėšiamųjų instrumentų kategorijai. Jis kilęs iš sanšina, kuris savo ruožtu yra kilęs iš sanxian kurios gimtinė yra Kinija.

Japoniška muzika ir šokiai neapsieina be shamiseno, kuris ir šiandien yra gerbiamas Japonijos salos ir dažnai naudojamas japonų teatre Bunraku ir Kabuki. Taip pat svarbu, kad žaidimas ant shamisen būtų įtrauktas į geišų – maiko treniruočių programą.

Nacionalinė japonų muzika taip pat neatsiejamai susijusi su fleitomis. Muzikinis instrumentas degalus priklauso fleitų šeimai, kuri garsėja aukštu tonu. Jie pagaminti iš bambuko. Ši fleita kilo iš kiniškos fleitos - " paixiao«.

Garsiausia fleita iš fue šeimos yra shakuhachi, kurį kaip muzikos instrumentą naudoja dzenbudistų vienuoliai. Pasak legendos, shakuhachi išrado paprastas valstietis. Veždamas bambuką, jis išgirdo nuostabią melodiją, kuri iš bambuko sklinda vėjui papūtus į jį.

Fue fleita, kaip ir šamisenas, dažnai naudojama kaip akompanimentas Banraku ir Kabuki teatruose bei įvairiuose ansambliuose. Kai kuriuos kūrinius galima suderinti vakarietiškai ir taip tapti solistais. Įdomu tai, kad anksčiau groti fue buvo būdinga tik japonų klajojantiems vienuoliams.

Suikinkutsu

Kitas įrankis, kuris atstovauja Japonijos kultūra yra suikinkutsu. Jis yra apversto ąsočio formos, per kurį teka vanduo. Patekęs į vidų per tam tikras skylutes, instrumentas skleidžia garsą, labai panašų į varpo skambėjimą. Šiuo instrumentu grojama prieš arbatos ceremoniją, taip pat naudojamas kaip tradicinio japoniško sodo atributas.

Beje, dėl patogumo arbatos ceremonija gali vykti ir sode. Instrumento garsas panardina žmogų į nepaaiškinamą atsipalaidavimo jausmą, sukuria kontempliatyvią nuotaiką. Tokia būsena labai tinka pasinerti į dzeną, nes poilsis sode per arbatos ceremoniją yra Zen tradicijos dalis.

Mūsų suvokimui labiau suprantamas įrankis taiko,kuris išvertus į rusų kalbą reiškia „būgnas“. Taiko, beje, išgarsėjo kariniais reikalais, kaip ir jo kolegos kitose šalyse. Kaip sakoma, Gunji Yeshu kronikose devyni iš devynių smūgių reiškė kvietimą į mūšį, o savo ruožtu devyni iš trijų reiškė, kad priešą reikia persekioti.

Reikėtų nepamiršti, kad būgnininko pasirodymo metu dėmesys kreipiamas į jo siūlomo atlikimo estetiką, nes svarbu ne tik atlikimo melodija ir ritmas, bet ir instrumento, ant kurio skamba melodija, išvaizda. yra žaidžiamas.

Japonijos muzikos žanrai

Japonijos liaudies muzika nuėjo ilgą savo raidos kelią. Jos ištakos buvo magiškos dainos, vėliau vystėsi ir formuojasi muzikinis žanras paveiktas konfucianizmo ir budizmo. Taigi japonų muzika vienaip ar kitaip siejama su ritualais, tradicinėmis šventėmis, teatro pasirodymais ir kita veikla. japonų etninė muzika, klausytis internetu, kuris šiuolaikiniame pasaulyje gali būti bet kuriuo paros metu ir bet kur tapo svarbi dalis kultūros paveldasšalyse.

Yra du pagrindiniai populiarios rūšys nacionalinė japonų muzika.

• Pirmasis yra shomyo, kuri yra budistų giesmės.
• Antra - gagaku, kuri yra orkestro rūmų muzika.

Tačiau taip pat yra ir tokių žanrų, kurie neturi senovinių šaknų. Jie priklauso yasugi bushi ir enka.

Populiariausias japonų liaudies dainų žanras yra yasugi bushi, kuris pavadintas Yasugi miesto vardu. Žanro tema siejama su senovės istorija ir mito-poetinėmis pasakomis. Tačiau yasugi bushi yra ne tik dainos, bet ir šokis sukui dojo taip pat žongliravimo pagal muziką menas zeni daiko, kuriame kaip muzikos instrumentas naudojami bambuko stiebeliai, kurie pripildyti monetų.

Enka, kaip žanras, atsirado palyginti neseniai, pokario laikotarpiu. Jame japonų liaudies motyvai susipina su džiazo ir bliuzo muzika. Taigi japonų muzika turi savo nacionalinės ypatybės, todėl skiriasi nuo kitų muzikos žanrų kitose šalyse. Taigi, yra muzikos instrumentų, vadinamų dainuojančiais šuliniais, kurių niekur žemėje nepamatysi, išskyrus galbūt Tibetą.

Japoniška muzika pasižymi nuolat besikeičiančiu tempu ir ritmu. Dažnai jame nėra dydžio. Japoniška muzika yra artima gamtos garsams, todėl ji tampa dar paslaptingesnė ir neįprastesnė.

Vaizdo įrašas: japoniška muzika internete

Dutaras. Du - du. Derva – styga. Instrumentas su kaltiniais raiščiais ir dviem venų stygomis. Ar manote, kad kuo mažiau stygų, tuo lengviau groti?

Na, tada klausykite vieno iš geriausi amatininkai groja dutaru – Abdurakhim Khaita, uigūras iš Sindziango, Kinija.
Taip pat yra turkmėnų dutaras. Turkmėniško dutaro stygos ir fretai metaliniai, korpusas iškaltas iš vientiso medžio gabalo, garsas labai ryškus, skambus. Turkmėniškas dutaras pastaruosius trejus metus buvo vienas mėgstamiausių mano instrumentų, o nuotraukoje matomas dutaras man buvo atvežtas iš Taškento visai neseniai. Nuostabus įrankis!

Azerbaidžaniečių saz. Devynios stygos yra suskirstytos į tris grupes, kurių kiekviena suderinama. Panašus instrumentas Turkijoje vadinamas baglama.

Būtinai pasiklausykite, kaip šis instrumentas skamba meistro rankose. Jei turite mažai laiko, žiūrėkite bent jau nuo 2:30.
Iš saz ir baglama atsirado graikiškas instrumentas bouzouki ir jo airiška versija.

Oud arba al-ud, jei vadinsite šį instrumentą arabiškai. Būtent iš arabiško šio instrumento pavadinimo kilo europietiškos liutnios pavadinimas. Al-ud – liutnia, liutnia – ar girdi? Įprastas oud neturi įbrėžimų – ant šio mano kolekcijos egzemplioriaus raišteliai atsirado mano iniciatyva.

Klausykite, kaip meistras iš Maroko groja oud.

Iš kiniško dvistygio erhu smuiko su paprastu rezonatoriaus korpusu ir nedidele odine membrana kilo Vidurinės Azijos gidjakas, kuris Kaukaze ir Turkijoje buvo vadinamas kemancha.

Klausykite, kaip skamba kemanča, kai ją groja Imamyar Khasanov.

Rubabas turi penkias stygas. Pirmosios keturios iš jų yra padvigubintos, kiekviena pora derinama unisonu, o bosinė styga yra viena. Ilgame kakle yra chromatinę skalę atitinkantys raiščiai beveik dviem oktavoms ir mažas rezonatorius su odine membrana. Kaip manote, ką reiškia žemyn lenkti ragai, kylantys nuo kaklo link instrumento? Ar jo forma primena avies galvą? Bet forma gerai – koks garsas! Jūs turėjote išgirsti šio instrumento garsą! Jis vibruoja ir dreba net savo masyviu kaklu, savo garsu užpildo visą erdvę aplinkui.

Klausykite Kašgaro rubabo garso. Bet mano rubabas skamba geriau, sąžiningai.

Irano derva turi dvigubą tuščiavidurį korpusą, pagamintą iš vieno medžio gabalo, ir membraną, pagamintą iš plonos žuvies odos. Šešios suporuotos stygos: dvi plieninės stygos, po kurių seka plieno ir plono vario derinys, o kita pora suderinama iki oktavos – stora varinė styga sureguliuojama oktava žemiau plono plieno. Irano derva turi priverstinių gyslų, pagamintų iš gyslų.

Klausykite, kaip skamba Irano derva.
Irano derva yra kelių instrumentų protėvis. Vienas iš jų yra indiškas setaras (se - trys, tar - styga), o apie kitus du pakalbėsiu žemiau.

Azerbaidžano derva turi ne šešias, o vienuolika stygų. Šešios tokios pat kaip Irano tar, papildoma bosinė styga ir keturios negrotos stygos, kurios grojamos rezonuoja, prideda garsui aido ir garsas išlieka ilgiau. Derva ir kemanča yra bene du pagrindiniai azerbaidžaniečių muzikos instrumentai.

Klausykitės keletą minučių, pradedant 10:30 arba bent jau nuo 13:50. Jūs niekada negirdėjote tokio dalyko ir negalėjote įsivaizduoti, kad toks atlikimas šiuo instrumentu yra įmanomas. Tai vaidina Imamyaro Khasanovo brolis Rufatas.

Yra hipotezė, kad derva yra šiuolaikinės Europos gitaros protėvis.

Neseniai, kai kalbėjau apie elektrinį katilą, man priekaištavo – sako, aš ištraukiu sielą iš katilo. Tikriausiai apie tą patį buvo pasakyta žmogui, kuris prieš 90 metų spėjo ant akustinės gitaros uždėti pikapą. Maždaug po trisdešimties metų buvo sukurti geriausi elektrinių gitarų pavyzdžiai, kurie išlieka standartu iki šių dienų. Po dešimtmečio pasirodė „The Beatles“, Riedantys akmenys po jo sekė Pink Floyd.
Ir visa ši pažanga gamintojams netrukdė. akustinės gitaros ir klasikinės gitaros grotuvai.

Tačiau muzikos instrumentai ne visada plito iš rytų į vakarus. Pavyzdžiui, akordeonas tapo neįprastas populiarus instrumentas Azerbaidžane XIX amžiuje, kai ten pasirodė pirmieji naujakuriai vokiečiai.

Mano akordeoną gamino tas pats meistras, kuris gamino instrumentus Aftandilui Israfilovui. Išgirskite, kaip skamba šis instrumentas.

Rytietiškų muzikos instrumentų pasaulis yra didelis ir įvairus. Aš jums net neparodžiau dalies savo kolekcijos, kuri toli gražu nėra baigta. Bet turiu papasakoti apie dar du instrumentus.
Vamzdis su varpeliu viršuje vadinamas zurna. O instrumentas po juo vadinamas duduk arba balaban.

Šventės ir vestuvės prasideda nuo zurnos garsų Kaukaze, Turkijoje ir Irane.

Štai kaip panašus instrumentas atrodo Uzbekistane.

Uzbekistane ir Tadžikistane zurna vadinama surnay. IN Centrine Azija ir Iranas – kito instrumento – karnay – tvyrantys garsai būtinai pridedami prie surnos ir tamburinų garsų. Karnay-surnay yra stabili frazė, reiškianti atostogų pradžią.

Įdomu tai, kad Karpatuose egzistuoja instrumentas, susijęs su karnay, o jo pavadinimas daugeliui žinomas – trembita.

O antra pypkė, parodyta mano nuotraukoje, vadinasi balaban arba duduk. Turkijoje ir Irane šis instrumentas dar vadinamas mey.

Klausykite, kaip Alikhanas Samedovas vaidina balabaną.

Prie balabano grįšime, bet kol kas noriu pakalbėti apie tai, ką mačiau Pekine.
Kiek supranti, kolekcionuoju muzikos instrumentus. O kai tik kelionės į Pekiną metu turėjau laisvą akimirką, iškart užsukau į muzikos instrumentų parduotuvę. Ką pati pirkau šioje parduotuvėje, papasakosiu kitą kartą. O dabar, kad nepirkau ir dėl ko žiauriai gailiuosi.
Lange buvo vamzdis su varpeliu, dizainas tiksliai panašus į zurną.
- Kaip vadinasi? – paklausiau per vertėją.
- Sona, - jie man atsakė.
- Kaip panašu į "sorna - surnay - zurna" - pagalvojau garsiai. Ir vertėjas patvirtino mano spėjimą:
– Kinai netaria r raidės viduryje žodžio.

Galite perskaityti daugiau apie kinišką zurna veislę
Bet, žinote, zurna ir balabanas eina kartu. Jų dizainas turi daug bendro – galbūt todėl. Ir ką tu galvoji? Šalia sonos instrumento buvo dar vienas instrumentas – guanas arba guanji. Štai kaip tai atrodė:

Štai kaip tai atrodo. Vaikinai, bendražygiai, ponai, bet tai dudukas!
Ir kada jis ten pateko? Aštuntame amžiuje. Todėl galima daryti prielaidą, kad jis atkeliavo iš Kinijos – laikas ir geografija sutampa.
Kol kas dokumentuota tik tai, kad šis įrankis išplito į rytus nuo Sindziango. Na, kaip jie groja šiuo instrumentu šiuolaikiniame Sindziange?

Žiūrėkite ir klausykite nuo 18 sekundės! Tik pasiklausykite, koks prabangus uigūrų balamano skambesys – taip, čia jis vadinamas lygiai taip pat, kaip ir azerbaidžaniečių kalba (ten toks vardo tarimas).

Ir valgykime Papildoma informacija nepriklausomuose šaltiniuose, pavyzdžiui, Irano enciklopedijoje:
BALABANAS
CH. ALBRIGHT
apie 35 cm ilgio cilindrinis, dvigubas nendrinis pučiamasis instrumentas su septyniomis skylutėmis pirštams ir viena skylute nykščiui, grojamas rytų Azerbaidžane Irane ir Azerbaidžano Respublikoje.

O gal Iranika simpatizuoja azerbaidžaniečiams? Na, TSB taip pat sako, kad žodis dudukas yra tiurkų kilmės.
Azerbaidžaniečiai ir uzbekai papirko rengėjus?
Na, gerai, jūs tikrai neįtarsite bulgarų simpatijų turkams!
labai rimtoje bulgarų svetainėje žodžiui duduk:
dudukas, dudyuk; dudukas, dudyuk (iš turkiško düdük), squeaker, svorche, glasnik, papildomas - Naroden darven yra aerofonito tipo muzikos instrumentas, pusiau užsidarantys vamzdžiai.
Jie vėl nurodo turkišką žodžio kilmę ir vadina jį savo liaudies instrumentu.
Šis įrankis yra plačiai paplitęs, kaip paaiškėjo, daugiausia tarp tiurkų tautų arba tarp tautų, kurios turėjo kontaktą su turkais. Ir kiekviena tauta pagrįstai laiko tai savo liaudies, tautiniu instrumentu. Tačiau tik vienas prisiima nuopelnus už jo sukūrimą.

Juk tik tinginiai negirdėjo, kad „dudukas – senovinis armėniškas instrumentas". Kartu jie užsimena, kad dudukas buvo sukurtas prieš tris tūkstančius metų – tai yra neįrodomoje praeityje. Tačiau faktai ir elementari logika rodo, kad taip nėra.

Grįžkite į šio straipsnio pradžią ir dar kartą pažvelkite į muzikos instrumentus. Beveik visais šiais instrumentais grojama ir Armėnijoje. Tačiau visiškai aišku, kad visos šios priemonės pasirodė kur kas daugiau daugybė tautų su aiškia ir suprantama istorija, tarp kurių gyveno armėnai. Įsivaizduokite mažą tautą, gyvenančią išsibarstę tarp kitų tautų, turinčių savo valstybes ir imperijas. Ar tokie žmonės sukurs visą muzikos instrumentų komplektą visam orkestrui?
Atvirai pasakius, aš taip pat pagalvojau: „Gerai, tai buvo dideli ir sudėtingi instrumentai, palikime juos nuošalyje. Bet armėnai bent jau galėjo sugalvoti vamzdį? Ir pasirodo, kad ne, jie to nepadarė. Jei jie tai sugalvotų, tada ši pypkė turėtų grynai armėnišką pavadinimą, o ne poetišką ir metaforišką tsiranopokh (abrikoso medžio siela), o kažką paprastesnio, populiaresnio, turinčio vieną šaknį arba visiškai onomatopoetinį. Iki šiol visi šaltiniai nurodo tiurkišką šio muzikos instrumento pavadinimo etimologiją, o iš geografijos ir paplitimo datų matyti, kad dudukas pradėjo platinti iš Vidurinės Azijos.
Na, darykime dar vieną prielaidą ir pasakykime, kad dudukas į Sindziangą atkeliavo iš senovės Armėnijos. Bet kaip? Kas jį ten atvedė? Kokios tautos pirmojo tūkstantmečio sandūroje migravo iš Kaukazo į Vidurinę Aziją? Tokių tautų nėra! Tačiau turkai nuolat judėjo iš Vidurinės Azijos į vakarus. Kaip rodo dokumentai, jie galėjo platinti šį įrankį Kaukaze ir šiuolaikinės Turkijos teritorijoje ir net Bulgarijoje.

Aš numatau dar vieną argumentą, kurį palaikys duduko armėniškos kilmės versijos gynėjai. Tikras dudukas gaminamas tik iš abrikoso medžio, kuris lotyniškai vadinamas Prúnus armeniáca. Tačiau, pirma, abrikosai Vidurinėje Azijoje yra ne mažiau paplitę nei Kaukaze. Lotyniškas pavadinimas nerodo, kad šis medis išplito visame pasaulyje iš Armėnijos geografiniu pavadinimu pažymėtos vietovės teritorijos. Kaip tik iš ten jis prasiskverbė į Europą ir buvo aprašytas botanikų maždaug prieš tris šimtus metų. Priešingai, yra versija, kad abrikosas išplito iš Tien Šanio, kurio dalis yra Kinijoje, o dalis - Vidurinėje Azijoje. Antra, labai talentingų žmonių patirtis rodo, kad šis instrumentas gali būti pagamintas net iš bambuko. O mano mėgstamiausias balabanas pagamintas iš šilkmedžio ir skamba daug geriau nei abrikosiniai, kuriuos taip pat turiu ir gaminami tiesiog Armėnijoje.

Paklausykite, kaip per porą metų išmokau groti šiuo instrumentu. Dalyvavo įraše Nacionalinis menininkas Turkmėnas Gasanas Mammadovas (smuikas) ir Ukrainos liaudies artistas, mano kraštietis iš Ferganos Enveris Izmailovas (gitara).

Visu tuo noriu pagerbti puikų armėnų duduko atlikėją Jivaną Gasparyaną. Būtent šis žmogus padarė duduką visame pasaulyje žinomu instrumentu, jo darbo dėka Armėnijoje iškilo nuostabi grojimo duduk mokykla.
bet kalbėti Armėniškas dudukas“ galioja tik apie konkrečius instrumentus, jei jie pagaminti Armėnijoje, arba apie muzikos rūšį, kuri atsirado J. Gasparyano dėka. armėnų kilmės duduk gali tik tie žmonės, kurie leidžia sau nepagrįstus tvirtinimus.

Atkreipkite dėmesį, kad aš pats nenurodau nei tikslios duduko pasirodymo vietos, nei tikslaus laiko. Tikriausiai jau neįmanoma nustatyti, o duduko prototipas yra senesnis nei bet kuri iš gyvų tautų. Bet aš statau savo hipotezę apie duduko plitimą, remdamasis faktais ir elementaria logika. Jei kas nors nori man prieštarauti, tai iš anksto noriu paklausti: prašau, kurdami hipotezes, lygiai taip pat remkitės įrodomais ir patikrintais faktais iš nepriklausomų šaltinių, nevenkite logikos ir stenkitės rasti kitą suprantamą paaiškinimą. už išvardytus faktus.