Kaip vadinasi japonų menas. Japonijos vaidybiniai filmai

Arbatos ceremonija (chanoyu), kaip vienas didžiausių japonų kultūros reiškinių, susiformavo labai sunkiu, neramiu šaliai metu, kai dėl kruvinų karų ir feodalinių klanų tarpusavio nesantaika žmonių gyvenimas tapo nepakeliamas. Arbatos ceremonija iškilo veikiama dzenbudizmo estetikos ir filosofijos ir siekė atsverti beviltiškumo nuotaiką Grožio garbinimu.

Tais laikais karinės klasės valdovai ir turtingi pirkliai, susirinkę į politines ir komercines diskusijas, dažnai pasinaudodavo galimybe pavaišinti arbata. Laisvalaikiu sėdėti ramioje arbatinėje, atsiribojus nuo gyvenimiškų rūpesčių ir rūpesčių, buvo laikomas rafinuotu malonumu ir klausytis ant krosnelės verdančio vandens garsų. Puikus mokytojas Sen-no-Rikyu arbatos gėrimą pavertė menu. Jis sugebėjo išplėtoti arbatos ceremonijos meną, kaip tai padarė, iš dalies dėl anksčiau minėtos socialinės kilmės.

Sen no Rikyu pastatytas arbatos kambarys iš pirmo žvilgsnio atrodė labai paprastas ir net per mažas. Tačiau jis buvo suplanuotas pačiu kruopščiausiu būdu, puikiai įskaitomas iki smulkmenų. Ją puošė stumdomos durys, dengtos sniego baltumo permatomu japonišku popieriumi. Lubos buvo apdailintos bambukais arba šiaudais, o atvira sienų faktūra buvo labai vertinama. Atramos dažniausiai buvo medinės, išlaikiusios natūralią žievę. Siekiant sukurti atsiskyrėlio efektą arbatos kambario dizaine, buvo atsisakyta visų nenaudingų dekoracijų ir pernelyg didelių dekoracijų.

Šiandien arbatos ceremonija yra pati išskirtiniausia, unikalus menas. Ji vaidina svarbų vaidmenį dvasinėje ir viešasis gyvenimas Japonai kelis šimtmečius. Laikui bėgant arbatos ceremonijos ritualas buvo kanonizuotas, veiksmų ir elgesio seka tapo duota. Jau įžengę pro paprastus medinius vartus, svečiai pasinėrė į ypatingą pasaulį, palikę už savęs viską žemiška ir tyliai susikaupę paklusdami tik veiksmo dėsniams.

Klasikinis chanoyu – tai griežtai suplanuotas ritualas, kuriame dalyvauja arbatos meistras (žmogus, kuris verda ir pila arbatą) ir kiti ceremonijos dalyviai. Iš esmės arbatos meistras yra kunigas, kuris atlieka arbatos veiksmą, likusieji yra tie, kurie prisijungia prie jo. Kiekvienas turi savo specifinį elgesio stilių, įskaitant laikyseną sėdint ir kiekvieną judesį, iki veido išraiškos ir kalbos būdo.

Arbatos gėrimo metu sakomos išmintingos kalbos, skaitomi eilėraščiai, svarstomi meno kūriniai. Gėlių puokštės ir specialūs indai gėrimui ruošti parenkami ypatingai kiekvienai progai.

Pati atmosfera sukuria atitinkamą nuotaiką, kuri stebėtinai paprasta ir kukli: varinis arbatinukas, puodeliai, bambukinė maišyklė, arbatos laikymo dėžutė ir t.t.. Japonai nemėgsta ryškių blizgančių daiktų, jiems imponuoja blankumas. D. Tanizaki apie tai rašo: „Europiečiai naudoja indus iš sidabro, plieno ar nikelio, poliruoja iki akinančio blizgesio, bet mes negalime pakęsti tokio blizgesio. Naudojame ir sidabrinius dirbinius... bet niekada jų nepoliruojame iki blizgesio. Atvirkščiai, džiaugiamės, kai šis blizgesys nusileidžia nuo daiktų paviršiaus, kai jie įgauna recepto atspalvį, kai su laiku patamsėja... Mums patinka daiktai, kuriuose yra žmogaus kūno pėdsakų, aliejaus suodžių, oro sąlygų ir lietaus patinimų. Visi arbatos ceremonijos gaminiai turi laiko įspaudą, tačiau visi yra nepriekaištingai švarūs. Prieblanda, tyla, paprasčiausias arbatinukas, medinis šaukštas arbatai pilti, grubus keraminis puodelis – visa tai žavi susirinkusiuosius.

Svarbiausias arbatos namų interjero elementas yra niša – tokonoma. Jame dažniausiai būna ritinys su paveikslu ar kaligrafiniu užrašu ir gėlių puokštė, smilkalas su smilkalais. Tokonoma yra priešais įėjimą ir iškart patraukia svečių dėmesį. Tokonamos ritinys parenkamas labai kruopščiai ir yra nepamainomas diskusijų objektas ceremonijos metu. Parašyta dzenbudistiniu stiliumi ir tokia archajiška kaligrafija, kad tik nedaugelis gali suprasti ir suprasti to, kas parašyta, prasmę, pavyzdžiui: „Bambukas žalias, gėlės raudonos“, „Daiktai yra daiktai, o tai gražu. !" arba „Vanduo yra vanduo“. Susirinkusiems paaiškinama šių posakių prasmė išoriškai paprastai, bet kartu ir labai giliai filosofiškai. Kartais šios mintys išreiškiamos poetine haiku forma, kartais jos atsispindi senojo meistro paveiksle, kaip taisyklė, laikantis „wabi“ principo.

Japonijoje yra daug arbatos ceremonijos formų, tačiau tik kelios yra griežtai nustatytos: naktinė arbata, saulėtekio arbata, rytinė arbata, popietė, vakarinė arbata, speciali arbata.

Naktinė arbata prasideda nuo mėnulio. Svečiai atvyksta apie pusę vienuoliktos, o išvyksta apie ketvirtą ryto. Dažniausiai verdama arbatos milteliai, kurie ruošiami svečių akivaizdoje: lapai išlaisvinami iš gyslų ir grūstuve sumalami į miltelius. Ši arbata labai stipri, nevalgoma tuščiu skrandžiu. Todėl iš pradžių svečiai vaišinami kiek kitokiu maistu. Arbata geriama saulei tekant apie trečią ar ketvirtą ryto. Svečiai tuo pačiu metu būna iki šeštos valandos. Karštu oru geriama rytinė arbata, svečiai renkasi šeštą ryto. Popietinė arbata dažniausiai patiekiama tik su pyragais apie 13 val. Vakaro arbata prasideda apie 18 val. Specialus arbatos vakarėlis (rinjitya-noyu) rengiamas bet kokiomis ypatingomis progomis: susitikimas su draugais, šventės, keičiantis sezonams ir pan.

Anot japonų, arbatos ceremonija išugdo paprastumą, natūralumą, tvarkingumą. Žinoma, tai tiesa, tačiau arbatos ceremonijoje yra daugiau. Supažindindamas žmones su nusistovėjusiu ritualu, jis pripratina prie griežtos tvarkos ir besąlygiško socialinių taisyklių vykdymo. Arbatos ceremonija yra vienas svarbiausių tautinių jausmų ugdymo pamatų.

Himeji yra viena iš seniausių Japonijos pilių.

Japonijos senovės menas
Japonijos kultūra formavosi ir vystėsi ypatingomis gamtinėmis ir istorinėmis sąlygomis. Japonija yra keturiose didelėse ir daugelyje mažų salų, kurias skalauja jūros. Būdama pačiame rytų pakraštyje, ji patyrė periodiškai didėjančią, paskui vėl blėstančią tokių žemyninių kultūrų kaip Kinija ir Korėja įtaką. Sąveikos laikotarpiai su išorinis pasaulis Japonijos istorijoje jas pakeitė ilgus šimtmečius trukusi kultūrinė izoliacija (laikotarpiai nuo 10 iki 14 a. ir nuo XVII iki XIX a. vidurio). Pastaroji aplinkybė prisidėjo prie daugelio unikalių Japonijos kultūros apskritai ir ypač meno bruožų vystymosi ir įtvirtinimo. Pažintis su Vakarų kultūra vyko XVI amžiuje, kai jau buvo susiformavę pagrindiniai pirminės Japonijos civilizacijos bruožai. Iki 1854 m. Japonija prekiavo su Kinija ir Olandija tik per vieną uostą.

Iš seniausių Japonijos salų gyventojų – medžiotojų ir žvejų – buvo atrasti archeologinių kasinėjimų metu. akmeniniai kirviai, ant jų įspausti harpūnai, strėlių antgaliai ir rankomis išdrožti keraminiai indai, pavadinti pagal „Jomon“ raštą, kuris reiškia „virvės pėdsakas“. Todėl neolito kultūra Japonijoje dar vadinama Džomonu. Iš Sibiro, Polinezijos, vėliau iš Korėjos ir Kinijos atvykę naujakuriai stovėjo skirtinguose lygmenyse kultūrinis vystymasis. Tai paaiškina, kad kai kuriuose kultūriniuose sluoksniuose randama ir neolito, ir bronzos amžiaus paminklų. Japonų kalba yra artima Altajaus grupės kalboms. Kai dėl kontaktų su kinų kultūra Kadangi japonai susipažino su kinų hieroglifų raštu, pasirodė, kad kinų hieroglifus pritaikyti žodinei japonų kalbai perteikti buvo labai sunku.

Pradinis japonų kultūros laikotarpis, apie kurį išliko patikimų duomenų, vadinamas kofunų (piliakalnių) - kapinynų, kurių antžeminė dalis buvo būdingos formos molinis piliakalnis - apskritimo ir trapecijos derinys, epocha. primenanti rakto skylutę, kuri simbolizavo žemės ir vandens sąjungą. Jie buvo nemažo dydžio, juos supo dvigubas griovys su vandeniu, virš piliakalnio augo žolė, o vidiniu piliakalnio perimetru buvo tuščiavidurės molinės žmonių, gyvūnų figūros, valčių ir namų maketai nuo 30 cm iki vieno pusantro metro aukščio. Jie buvo vadinami „haniwa“. Laidojimo kameros viduje buvo karstai su mirusiais bajorų atstovais, kur buvo dedami ritualiniai daiktai: veidrodis, dotaku varpas, kurio skambesys turėjo atbaidyti piktąsias dvasias ir pritraukti dievus – žemės dirbtuvių globėjus. Jamato karalių laidotuvėse visada buvo tokie ritualiniai galios simboliai kaip nefrito pakabukai ir kardai. Jamato klano karaliams išaukštinti buvo nustatyta istorijos pradžia, nustatyta dievų hierarchija, išskirta dievybė Amaterasu („Švyti iš dangaus“), kuri perdavė valdžią. Japonijos salos Yamato klano karaliai. Pavadinimas „Nippon“ arba „Nihon“, reiškiantis „tekančios saulės žemę“, atsirado VII a. 608 metais prasidėjo kelionės mokytis į Kiniją, kurios tęsėsi daugiau nei du šimtmečius.

Dotaku – ritualiniai bronziniai varpai – į viršų susiaurinti cilindrai, kurių viršuje yra plačios kilpos su garbanotomis briaunomis, kurių sienos suskirstytos į kvadratus, užpildytus grafiniais vaizdais

Įvairūs japonų įsitikinimai, turintys daug primityvaus animizmo ir fetišizmo bruožų, atsispindi šintoizme. Šintoizmas („dievų kelias“) savo esme atspindi japonų idėjas apie visuotinį gamtos dvasingumą. Begalė vadinamųjų „kami“ (dvasių) egzistuoja tiek stebuklinguose kraštovaizdžio objektuose, kaip Bivos ežeras ir Fudžio kalnas, ir žmonių sukurtuose objektuose – karduose, veidrodžiuose, dėl to apdovanotuose magiškomis savybėmis. Šintoizmo šventovė išsiskyrė medinės konstrukcijos paprastumu: ant polių buvo įrengtas vienos salės kambarys, iš visų pusių apsuptas veranda. Šintoizmo šventovės vidus buvo blankus ir tuščias. Tikintieji į šventyklą neįėjo.

Paraiškas laikotarpis (645–794 m. po Kr.)

Nara – pirmosios sostinės ir tuo metu vienintelio Japonijos miesto pavadinimas. Tai buvo Japonijos valstybingumo įsitvirtinimo, budizmo įvedimo ir budizmo meno paminklų – šventyklų, pagodų, įvairių budistų dievybių statulos – kūrimo metas. Budizmas šiuo laikotarpiu buvo ne tiek žmonių tikėjimas, kiek teismo politikos tąsa. Didžiulį vaidmenį rūmuose suvaidino įvairios budizmo sektos, didėjo budistų vienuolynų žemės valdos, didelę įtaką dvare turėjo vienuoliai. Atsiranda budistų vienuolynai, tai medinių pastatų grupės, išsidėsčiusios stačiakampėje sienomis apjuostoje teritorijoje. Ypač svarbi buvo plati alėja, vedanti į priekinius vartus, aikštė priešais šventyklą ir iš tolo matoma daugiapakopė pagoda. Medinės šventyklos buvo nudažytos raudonu laku, iškeltos ant akmeninių pamatų, turėjo plačius lenktus dvigubus stogus – irimoya.

Tarp ankstyvųjų budistų šventyklų yra Asukadera, Horyuji, pastaroji buvo pradėta statyti 607 m., tuo metu valdančiojo sosto įpėdinio princo Shotoku Taishi nurodymu. Vienuolyną sudarė 53 pastatai, išsidėstę 90 tūkstančių kvadratinių metrų plote. Šventyklos fasadas atsuktas į pietus, pagrindiniai pastatai išsidėstę šiaurės – pietų ašyje, sakralinė zona – šiaurinėje, buvo salė pamokslams – kodo, kondo ir penkių pakopų pagoda. Horyuji buvo 265 statulos, pagrindinis skulptūrinis vaizdas buvo Šakjamunio trejybė, kurią reprezentavo tikėjimo pradininko skulptūra, kurią lydėjo dvi bodhisatvos. 8 amžiuje prie didelių vienuolynų jau veikė skulptorių dirbtuvės. Išplito bodhisatvos Kanono kultas, kurio pavadinimas buvo sanskrito vardo Avalokitešvara (Dėmesio pasaulio garsams) vertimas. Užuojauta gyvoms būtybėms pripildyta bodhisatva gali klausytis kenčiančiųjų garsų, kad ir kur jie būtų. Avalokitešvaros kultas atsirado šiaurės vakarų Indijoje ir išplito į Kiniją. Lotoso Sutroje buvo pasakyta, kad bodhisatva įgavo tų būtybių, kurios jį šaukiasi, pavidalą. Japonijoje paplitus Kanonos kultui atsirado daugybė jos atvaizdų – šventoji Kanonas padeda pragare, Kanonas su arklio galva skleidžia gailestingumą galvijams, piktosios dvasios – asurai išgelbėjami tūkstančiais. -ginkluotas Kannonas, Kannonas su žvejybos mišku gelbsti žmones.

Heiano laikotarpis (794–1185 m.)

794 m. valstybės sostinė buvo perkelta į Heiano miestą (dabar Kiotas). Heiano laikotarpiu klestėjo sudėtinga teismo kultūra. Buvo sukurtas japoniškas skiemens – kana (jap. – pasiskolintas hieroglifas). Iš pradžių šį raštą naudojo tik moterys, o oficialus raštas ir toliau buvo kiniškas. Per X a. moterų raštas pradėtas naudoti privačioje praktikoje. XI amžiuje. prasidėjo japonų klasikinės literatūros klestėjimas, ryškus to pavyzdys – dvaro damos Murasaki Shikibu sukurtas romanas „Genji Monogatari“.

Heiano mene pagrindinę vietą užima budistiniai iš Kinijos atkeliavusių ezoterinių sektų Tendai ir Shingon atvaizdai, mokę, kad visos gyvos būtybės turi Budos esmę. Lavindamas dvasią ir kūną, vykdydamas įžadus, kiekvienas gali kelių atgimimų procese įgyti Budos esmę. Šių sektų šventyklos buvo pastatytos ant kalnų viršūnių ir uolėtų atbrailų, koplyčios jose buvo padalintos į dvi dalis. Viduje, kur buvo šventasis paveikslas, paprasti tikintieji nebuvo įleidžiami.

Heiano era – tai prabangos metas valdantiesiems ratams. Šiuo metu susiformavo shindeno būstų tipas. Sienos ir šilto klimato sąlygos nebuvo kapitalis ir neturėjo pamatinės vertės. Juos būtų galima labai nesunkiai išardyti, pakeisti patvaresniais šaltam orui arba iš viso nuimti šiltu oru. Langų taip pat nebuvo. Vietoj stiklo jis buvo ištemptas ant grotelių rėmo Baltas popierius kuri į kambarį patenka išsklaidyta šviesa. Platus stogo karnizas apsaugojo sienas nuo drėgmės ir saulės spindulių. Interjere, be nuolatinių baldų, buvo stumdomos pertvaros, kurių dėka pagal norą buvo galima sukurti arba salę, arba keletą nedidelių izoliuotų kambarių, grindys išklotos tokio pat dydžio šiaudiniais kilimėliais - tatamiais (180 90 cm).

Heiano laikotarpiu iš Kinijos buvo atvežti konfucianizmo ir budizmo tekstai. Dažnai juos puošdavo vaizdais. Iš pradžių japonų menininkai kopijuodavo kinų „įžymias vietas“, tačiau pradedant nuo 10 a. atsigręžti į peizažų ir papročių įvaizdį Gimtoji šalis. Sukurta „Yamato-e“ tapyba, kuri skyrėsi nuo kinų tapybos temomis iš japonų poezijos, apsakymų, romanų ar liaudies legendos. Paveikslas gavo savo pavadinimą iš Jamato regiono – pietvakarinės Honšiu salos dalies, kurioje susiformavo Japonijos valstybingumas, pavadinimo.
Vaizdas dažnai vaizdavo iliustracijų slinktį su atitinkamu tekstu, kuris buvo paimtas ranka ir sukamas iš dešinės į kairę, skaitant atitinkamą skyrių, buvo svarstoma po jos esanti iliustracija.

Yamato-e tapyba pasiekė aukščiausią tašką vėlyvuoju Heiano laikotarpiu. Tuo metu pasirodė profesionalūs menininkai, kurie piešė paveikslus pasaulietinėmis temomis ekranuose, slankiojančias pertvaras (shoji) ir ritinius - emakimono. Seniausias iš ritinių yra Genji Monogatari. Emakimano ritiniai buvo paveikslėliai-pasakos. Iki šių dienų išliko garsiojo Murasaki Shikibu romano „Genji-monogatari-emaki“ ritinys, kuriame ryškiomis spalvomis vaizduojamas dykinėjantis aristokratijos gyvenimas, tai kaligrafijos, literatūros ir tapybos sintezė. Išlikusiuose 19-oje iš 54 romano skyrių iliustracijose nėra vieno siužeto ir per veiksmą. Dauguma vaizduojamų scenų vyksta interjeruose, viskas, kas matoma, rodoma iš viršaus, nėra vieno nykstančio linijų taško, didelio masto figūrų ir architektūros atitikimas, visų veikėjų veidai vienodi, skiriasi tik šukuosenos ir drabužiai. . Pagrindinis menininko dėmesio objektas – visiems gerai žinomų romane vykstančių įvykių emocinio turinio perteikimas. Pagrindinės technikos yra erdvės konstravimas ir spalvų galimybių panaudojimas. Norint perteikti vidinę veikėjų būseną ir kiekvienos scenos atmosferą, menininkui svarbu, kokiu kampu apatinio slinkties krašto atžvilgiu yra nukreiptos įstrižinės linijos, žyminčios arba konstrukcijų sijas, arba karnizus. užuolaidų arba verandos krašto. Priklausomai nuo emocinės įtampos laipsnio, šis kampas svyruoja nuo 30 iki 54 laipsnių.

Bodhisattva – Kanonas Kinijoje, Korėjoje ir Japonijoje pasirodo daugiausia moteriškos formos, rankose su ąsočiu, gluosnio šakele ir laso.

Aristokratų namuose nebuvo pertvarų, geriausi menininkai piešė yamato-e paveikslus ant ekranų ir užuolaidų. Yamato-e paveikslai buvo vieningi su literatūros kūriniai, kurie taip pat buvo dedami ant ekranų ir užuolaidų. X-XIII amžių poezijos antologijose. 9–10 amžių ekranuose parašytos eilutės nėra neįprastos. Daugiausia tokių eilėraščių yra antologijoje „Sui-shu“. Kaip poezija buvo apie keturis metų laikus, taip buvo ir tapyba ekranams. Kartu su liaudies dainomis susiformavo tam tikra poetinių formulių sistema, kuri vėliau tapo japonų klasikinės poetikos pagrindu. Taigi, pavasario ženklas buvo miglota migla, gluosnis, vasaros ženklas - gegutė, cikados, rudens - raudoni klevo lapai, elnias, mėnulis, žiemos - sniegas ir slyvų žiedai.

Kiotas yra senovės Japonijos perlas.

Homonimų gausa kalboje leido eilėms suteikti daug reikšmių. Temos ir siužetai leido per detalę ar užuominą itin glausta poetine forma (31 skiemuo tankoje) išreikšti visų emocinių būsenų atspalvių įvairovę. Vyko laipsniškas perėjimas nuo ekranų su tekstais prie ekranų be teksto. Taip susiformavo tikrieji vaizdinio žanro poskyriai - shiki-e („keturių metų laikų nuotraukos“) ir mei-se-e („žymių vietų nuotraukos“).
Tokių paveikslų kompozicija neatitiko nė vienos kategorijos Kinų tapyba. Didžiausia gamtos ir žmogaus sintezė taps būdinga įvairiems japonų meno žanrams.

Kamakuros laikotarpis (1185-1333) ir Muromachi laikotarpis (1333-1568)

XII amžiaus pabaigoje sostinė vėl buvo perkelta, valdžią šalyje dėl kruvinos pilietinės nesantaikos užgrobė Minamoto klanas, kurio galva perkėlė sostinę į savo gyvenvietę Kamakura, kurios pavadinimas tapo kitas Japonijos istorijos etapas. Šalyje į valdžią atėjo samurajų karinė klasė, iš kurios kilo ir šogunai – tikrieji kariniai Japonijos valdovai, Naroje likęs imperatorius išlaikė tik vardinius valdžios atributus. Rafinuota samurajų teismo kultūra pirmenybę teikė paprastumui. Dzen sektos vienuolynuose pagodų nebebuvo, šventyklos priminė kaimo trobesius. Nuo XIII amžiaus pabaigos. veikiamas panteistinių Zen sektos idėjų, kraštovaizdis pradėjo įkūnyti budistų dievybių buvimo bet kuriuose kraštovaizdžio objektuose idėją. Kamakuros vienuolynuose susiformavo Minsko patriarcho portretų ikonografija: sėdima ir rami poza su pabrėžta veido savybe, hipnotizuojančia žvilgsnio galia. Dzen sektos įtakoje skulptūra nustumiama į antrą planą, tapyba, ypač peizažo tapyba, išreiškia šio laikmečio žmonių požiūrį.

Muromachi laikotarpis prasideda nuo 1333 m. įvykių, kai Honšiu salos pietryčių regionų feodalai užėmė ir sudegino Kamakura, grąžindami sostinę Heianui. Tai buvo vidinių nesutarimų ir feodalinių klanų karų metas. Į bėdų laiką vedė dzen sektos šalininkų mokymas, kad pasiekus vienybę su gamta galima susitaikyti su gyvenimo sunkumais ir pasiekti vienybę su pasauliu. Pirmoje vietoje japonų mene, veikiant zen mokymui, kad Budos „kūnas“ yra gamta, iškeliama peizažo tapyba. XII amžiaus antroje pusėje. tapyba juodu rašalu į Japoniją prasiskverbė iš Kinijos. Japonai, kurie daugiausia praktikavo tokį tapybą, buvo zen sektos nariai. Jie sukūrė naujas stilius, kuris paaiškino naująjį tikėjimą (shigaku – tapybos ir poezijos derinys). XV ir XVI a - didžiausio tapybos tušu klestėjimo metas, kurio pagrindinis meistras buvo Sesshu Toyo (1420-1506). Lygiagrečiai su šiuo stiliumi egzistavo ir yamato-e stilius.

Pokyčiai socialiniuose politiniuose santykiuose, kurie iškėlė karinę klasę, lėmė ir atsiradimą XVI a. Sein architektūrinis stilius. Anksčiau buvęs vienas namo tūris dabar padalintas stumdomų durų (shoji), stumdomų pertvarų (fusuma) pagalba. Patalpose atsirado speciali vieta užsiėmimams - lentyna knygoms ir langas su plačia palange ir niša (tokonoma), kurioje buvo statoma įnoringos formos puokštė ar akmuo ir pakabintas vertikalus ritinys.

XVI amžiuje. Japonijos architektūros istorijoje arbatos paviljonai atsiranda dėl būtinybės teisingai atlikti arbatos ceremoniją. Arbatą į Japoniją Kamakuros laikotarpiu kaip gėrimą atvežė budistų vienuoliai. Arbatos ritualas (cha-no-yu) buvo įvestas dzen vienuolio Muratos Shuko iniciatyva ir jam įgyvendinti reikėjo specialaus metodo. Taip susiformavo naujo tipo architektūrinė struktūra – chashitsu (arbatos ceremonijos paviljonas), savo konstruktyviu pagrindu jis buvo arti gyvenamojo pastato, o pagal savo funkciją – prie budistų šventyklos. Arbatos paviljono atramos buvo medinės, lubos apdailintos bambuku arba nendrėmis. Namelio viduje, išklotos kilimėliais, 1,5 ar 2 tatamiais adobe sienomis, nedideliais įvairaus lygio langeliais, tokonoma niša su kabančiu vienspalviu peizažu ir gėle vazoje, buvo židinys, lentyna indams.

Muromachi laikotarpiu klestėjo sodininkystės menas. Japoniški sodai yra skirtingi. Maži sodai dažniausiai yra prie šventyklų arba siejami su tradiciniais namais, jie skirti apžiūrėti. Didelis sutvarkyti sodai sukurtas suvokti iš vidaus.

Kondo – (jap. auksinė salė) – pagrindinė budizmo komplekso šventykla, kurioje yra ikonų, statulos, sienų tapybos darbai

Zen šventyklos sodas buvo pastatytas pagal vienspalvio kraštovaizdžio slinkties principą. Vietoj popieriaus lapo menininkas panaudojo ežero platybes ar akmenukais nuklotą pakylą, o vietoj dėmių ir tirščių nuoplovų – akmenų, samanų, medžių ir krūmų lapijos. Pamažu iš sodo dingo gėlės, jas pakeitė samanos ir krūmai, vietoj tiltelių pradėti naudoti akmenys. Kai kurie sodai buvo kraštovaizdžio, kalvoti (tsukiyama). Tsukiyama sodai buvo natūralių elementų, tokių kaip uolos, samanos, medžiai, tvenkiniai, derinys su privalomu paviljonu ant kranto. Seniausias kraštovaizdžio sodas yra Kiote ir priklauso Sohoji vienuolynui. Sausi sodai buvo vadinami „hiraniva“, t.y. butas. Hiraniva yra „filosofinis“ sodas, nes jis reikalavo iš žiūrovo išvystytos vaizduotės. Hiranivos sodas „buvo paliktas iš akmenų, smėlio, akmenukų. Iš trijų pusių jį juosiančia siena uždarytas sodas buvo skirtas tik apmąstymams. XV amžiaus pabaigoje. sukūrė vieną garsiausių Ryoanji vienuolyno sausų sodų. Jį sudaro 15 akmenų, esančių ant stačiakampio žvyro ploto. Daitokujų vienuolyno hiranivos sode, sukurtame 1509 m., gamtą reprezentuoja akmenų ir akmenukų kompozicijos. Viena iš sodo dalių buvo vadinama „tuštumos vandenynu“ ir susideda iš dviejų žemų akmenukų kalvų stačiakampio ploto viduryje. Sodai galėtų vienas kitą papildyti.

XV amžiaus pabaigoje. susikūrė dekoratyvinės tapybos Kano teismo mokykla. Mokyklos įkūrėjas Kano Masanobu (1434-1530) kilęs iš karinės klasės, tapo pripažintu teismo profesionaliu menininku. Jo peizažai turėjo tik priekinio plano, visa kita buvo padengta miglota migla. Vieno konkretaus įvaizdžio dalyko pabrėžimas taptų būdingas Kano mokyklai. Pagrindinę vietą Kano mokyklos menininkų kūryboje užėmė dekoratyvinė sienų tapyba ir ekranai su žanro tapyba. Sienų tapyba tapo pagrindiniu sintezės su architektūrine forma komponentu ir priemone, įtakojančia vaizdinę architektūrinės erdvės prasmę. Savo ruožtu architektūrinės formos bruožai reikalavo tam tikrų paveikslų stilistinių savybių, todėl pamažu formavosi naujas stilistinis kanonas, kuris buvo išsaugotas m. Japonų tapyba iki pat XIX a.

Shinden yra gyvenamojo namo tipas. Stačiakampio plano, vienos salės pagrindinis pastatas, pietiniu fasadu nukreiptas į aikštę ir įrėmintas galerijomis iš rytų ir vakarų

Momoyama laikotarpis (1X73-1614)

Ir šį kartą baigėsi feodalinių karų era, valdžia šalyje atiteko nuosekliems kariniams diktatoriams – Odai Nobunagai, Toyotomi Hideyoshi ir Iyaesu Tokugawai. Tai buvo miestų augimo, kultūros sekuliarizacijos ir demokratėjimo, naujų vertybinių orientacijų skverbimosi laikas. Kultinė architektūra prarado savo ankstesnę reikšmę. Naujieji Japonijos valdovai paskelbė savo valdžią statydami grandiozines pilis, kurių statybą lėmė šaunamųjų ginklų atsiradimas Japonijoje ir atitinkamai pasikeitusi kovos ir gynybos taktika. Pilis tapo iš esmės nauju Japonijos architektūros tipu. Asimetriškai išsidėsčiusi pilies teritorija, apsupta griovio ir sargybos bei kampinių bokštų, apėmė centrinę aikštę ir daugybę kiemų bei kambarių, požeminių pastogių ir perėjų. Gyvenamosios patalpos buvo pilies teritorijoje esančiame mediniame pastate su griežta vidinės erdvės hierarchija, atspindinčia socialinę hierarchiją. Pilių interjeruose, paskendusiuose prieblandoje, labiausiai tiko dekoratyvinė sienų tapyba, grandiozinio dydžio, alsuojanti ryškiomis spalvomis auksiniame fone.

Kano Eitoku (1543-1590). Naujo stiliaus freskomis, skirtos kariniams diktatoriams šlovinti, kūrėjas. Pirmiausia jis sukūrė vientisos kompozicijos principą ant didelių horizontalių paviršių, didindamas formas, atsisakydamas smulkios dalys perteikti ne tik siluetus, bet ir jų formų dinamiką. Eitoku pasižymi noru padidinti paveikslo plokštumą, sustiprinti jo dekoratyvines savybes. Taigi tuščią erdvę simbolizuojančiose vietose yra dėmių su aukso miltelių priemaiša. Kompozicijos erdvė atsiskleidė ne gilumoje, o išilgai žvilgsnio.
1576 m. ant Bivos ežero kranto iškilo iki šiol nežinoma pilis su milžinišku septynių aukštų bokštu, turėjusiu pademonstruoti diktatoriaus Odos Nobunagos galią. Pilies bruožas buvo ne tik oficialių, bet ir privačių rūmų buvimas. Pagrindinės kambarių dekoracijos buvo sienų tapyba, kurią užsakė Kano Eitoku, trejus metus dirbęs su gausiu asistentų būriu. Kano Eitoku, kurį diktatorius skubino vykdyti įsakymą, storu šepečiu iš ryžių šiaudų ėmė didinti formas, pasitelkdamas lakonišką meninę kalbą. Pagrindinę vietą užėmė medžių, gėlių, paukščių ir gyvūnų vaizdas. Spalvų gama buvo ryški, nebuvo spalvinių niuansų.

Į valdžią atėjus Tokugavos šogunams pasikeitus socialinei situacijai šalyje buvo uždrausta statyti pilis.
XVII amžiaus pirmojo trečdalio menininkų kūryboje. pradeda imti nauji bruožai. Tapyboje labiau išryškėjo subalansuotų, ramių kompozicijų troškimas, ornamentinių formų augimas, domėjimasis Heiano epochos kultūra ir yamato-e kūryba. Išskirtinis bruožasŠių laikų Kano mokyklos – ornamentalumas ir padidintas dekoratyvumas. Kai XVII amžiaus antrajame ketvirtyje. buvo uždrausta statyti pilis, širma tapo pagrindine dekoratyvinės tapybos forma. Kano Eitoku monumentalumas paliko dekoratyvinę tapybą. Menas įgavo asmeninį koloritą, kuris turėjo įtakos jo stilistinėms savybėms. dekoratyvinė tapyba XVII a dažniausiai įkvėptas klasikinės literatūros herojų ir temų, atspindinčių gentinės aristokratijos interesų spektrą ir besiformuojančio buržuazinio elito taksą. Dekoratyvinė tapyba sukurta senojoje sostinėje – Kiote.

Ogata Korin tapo naujų meno vartotojų – miesto gyventojų, pirklių ir amatininkų – skonio atstove. naujas atstovas Kano mokyklos.

Emakimano yra horizontalus ritinys, pagamintas iš popieriaus arba šilko, įklijuotas ant pagrindo, įrėminto brokato apvadu, kurio gale yra medinis volelis.

Ogata Korin (1658-1716) gyveno kaip turtingas grėblys, nuolat lankydamas „linksmuosius rajonus“. Tik po griuvėsių, susidūręs su didžiuliu poreikiu užsidirbti pragyvenimui, jis pradėjo dažyti audinius ir tapyti. Ogata Korin užsiėmė ir keramika, ir laku, dažė kimono ir vėduokles. Kaip
meistras, jis pradėjo pažindamas tradicinė tapyba ir jos metodai. Korinas visada siekė kompaktiškumo, formų balanso, būdingo bruožo kūrybinis būdas- sutelkti dėmesį į kelių siužetinių motyvų plėtojimą, jų kartojimą ir variaciją. Ogatos Korin kūryboje pirmą kartą pasirodė darbas iš gamtos. Ekrano paveiksle „Raudonbalta slyvų medis“ Korino perimtas siužetinis motyvas grįžta į klasikinę poeziją su ankstyvo pavasario ir bundančios gamtos vaizdais. Abiejose upelio pusėse auksiniame fone užrašyti žydintys medžiai: stambus, storu lenktu kamienu ir beveik vertikaliai kylančiomis šakomis, raudona slyva ir kita, kurią rodo tik kamieno papėdė ir smarkiai išlenktas, tarsi nukritęs į vandenį, todėl staiga šovė į šaką, išmargintą baltomis gėlėmis.

Kano Eitoku vanagas ant pušies. Ekranas. Detalė iš XVI amžiaus pabaigos.

Ogata Kenzan (1663-1743), priešingai nei jo vyresnysis brolis Ogata Korinas, nuo jaunystės traukė į dvasines vertybes, buvo dzenbudizmo pasekėjas, išmanė kinų ir japonų klasikinę literatūrą, be teatro, arbatos ritualą. Ninnaji šventyklai priklausančioje teritorijoje Kenzanas gavo leidimą statyti savo keramikos krosnį, gaminusią 13 metų iki 1712 m. Jis nesiekė pelningumo, vadovavosi idėja kurti itin meniškus gaminius. . Pirmą kartą tūrinėje tapyboje jis panaudojo tradicines tapybos tušu technikas. Kenzanas pradėjo naudoti spalvas, rašė ant drėgnos skeveldros, akytas molis sugėrė dažus, kaip popierius dažant tušu. Kaip ir jo didysis šiuolaikinis poetas Basho, populiarų žemąjį haiku žanrą pavertęs apreiškimu, Ogata Kenzan parodė, kad paprastos keraminės lėkštės, puodeliai, vazos gali būti ir utilitariniai objektai, ir kartu poetiniai meno šedevrai.

Edo laikotarpis (1614–1868)

1615 m. samurajus buvo perkeltas iš Kioto į Edą. Didėjo pirklių, pirklių ir lupikininkų klasės, susitelkusios Maroje, Kiote ir Osakoje, svarba. Šių atstovams socialines grupes pasižymėjo pasaulietiniu gyvenimo suvokimu, siekiu išsivaduoti iš feodalinės moralės įtakos. Pirmą kartą menas kreipiasi į kasdienio gyvenimo temas, įskaitant vadinamųjų gyvenimą. smagios apylinkės – arbatos namų pasaulis, Kabuki teatras, sumo imtynininkai. Medžio raižinių atsiradimas buvo siejamas su kultūros demokratizavimu, nes raižiniams būdinga apyvarta, pigumas ir prieinamumas. Po to buitinė tapyba graviūra tapo žinoma kaip ukiyo-e (pažodžiui – mirtingasis kintantis pasaulis).

Graviruočių gamyba įgavo platų spektrą. Ankstyvasis ukiyo-e grafikos vystymosi laikotarpis siejamas su Hasikawa Moronobu (1618-1694) vardu, kuris vaizdavo nesudėtingas scenas iš arbatos namų gyventojų, amatininkų gyvenimo, derindamas skirtingu laiku įvykius, nesusijusius su kiekvienu. kita, ant vienos graviūros. Raivų fonas liko baltas, linijos aiškios. Pamažu plėtėsi graviūrų temų spektras, gilėjo domėjimasis ne tik išoriniu, bet ir vidiniu veikėjų pasauliu. Japoniška graviūra 1780-1790 m. įžengia į klestėjimo laiką. Suzuki Haranobu (1725-1770) herojų vidinį pasaulį pirmiausia pradėjo atskleisti tokiose graviūrose kaip „Gražuolės, skinančios slyvos šakelę“, „Įsimylėjėliai apsnigtame sode“. Jis pirmasis panaudojo ridenimo techniką, kuri sukuria perėjimą nuo tamsaus prie šviesaus tono, varijuoja linijų storį ir tekstūrą. Jam niekada nerūpėjo tikros spalvos, jūra jo graviūrose rausva, dangus smėlingas, žolė mėlyna, viskas priklauso nuo bendro emocinė nuotaika scenos. Vienas iš jo geriausi darbai„Lovers Playing the Same Shamisen“ buvo sukurtas japonų patarlės tema – „Jei muzika skatina meilę, žaisk“.

Tokonoma - niša arbatos namų interjere

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - puikus ukiyo-e meistras. Jo kūryba prasidėjo nuo albumų „Vabzdžių knyga“, „Kriauklių dainos“. Savo pusilgiuose, iki biusto vaizduojamuose moterų portretuose Utamaro pirmą kartą panaudojo žėručio pudrą, kuri sukuria žvilgantį foną. Tobulo grožio Utamaro su grakščia forma ir prigludusi galva,
plonas kaklas, maža burna, trumpi juodi antakiai. Seriale „Dešimt moteriški personažai"ir" Moterų dienos ir valandos ", jis siekė nustatyti skirtingus moterų išvaizdos ir charakterio tipus. 90-ųjų pabaigoje. Utamaro jis nagrinėja motinystės temą tokiose graviūrose kaip „Mama su vaiku“ ir „Kamuolio žaidimas“, tuo pat metu kuria triptiku ir poliptikus istorine tema, pasitelkdamas netiesioginį įvardijimą (vaizduojami šalies herojai kaip gražuolės). Teshusai Shyaraku sukūrė kabuki teatro aktorių ir sumo imtynininkų portretų seriją. Jis atsisakė visuotinai priimtų tradicijų, groteską pavertęs pagrindine technika. Trečiasis ukiyo-e spaudinių kūrimo laikotarpis patenka į 1800–1868 m. Šiuo metu įtaka japonų menas Olandiški ir vokiški ofortai. Menininkų dinastijos Utagavos kūrybai, individualumo paieškų atmetimas, formalios elegancijos troškimas tapo personažais. Kraštovaizdžio žanro suklestėjimas graviūroje siejamas su Katsushika Hokusai (1760-1849) vardu. Hokusai studijavo senovės ir šiuolaikinės tendencijos Japonijos meną, pažinojo Kinijos meną ir susipažino su europietiška graviūra. Iki beveik 50 metų Hokusai dirbo tradicine ukiyo-e menininkų maniera. Tik Mangos albumuose (eskizų knygoje), kurių pirmasis tomas buvo išleistas 1812 m., Hokusai rado savo meno sritį. Dabar jis piešė kasdienes scenas, peizažus, minias.

Japonijos kraštovaizdžio sodai

Būdamas 70 metų Hokusai sukūrė savo seriją „36 Fudžio kalno vaizdai“, ant kiekvienos graviūros menininkas vaizduoja Fudžio kalną. Žanro temos derinimas su kraštovaizdžiu – Hokusų bruožas. Kitaip nei senovės peizažistai, Hokusai žemę rodo iš apačios. Tuo pačiu metu jis kuria serialus „Kelionė per šalies krioklius“, „Tiltai“, „Didelės gėlės“, „100 Fudži vaizdų“. Hokusai galėjo perduoti daiktus iš netikėta pusė. 100 Fuji vaizdų graviūrose kalnai arba išnyra iš nakties tamsos, kaip regėjimas, arba matomi už bambuko stiebų, arba atsispindi ežere. Hokusai pasekėjas Ando Hiroshige (1797-1858) gamtą piešė daug tikroviškiau. Pagal profesiją upių agentas daug keliavo po šalį, kurdamas savo serialus „53 Tokaido stotys“, „8 Omi ežero vaizdai“, „69 Kishikaido vaizdai“. Hiroshige menas artėja prie Europos tapybos, užbaigdamas du šimtus metų trukusį ukiyo-e graviravimo klestėjimą.

Japonija? Kaip tai išsivystė? Į šiuos ir kitus klausimus atsakysime straipsnyje. Japonijos kultūrą formavo istorinis judėjimas, kuris prasidėjo japonams persikėlus iš žemyno į archipelagą ir gimus Džomono laikotarpio civilizacijai.

Dabartiniam šios tautos šviesumui didelę įtaką padarė Europa, Azija (ypač Korėja ir Kinija) ir Šiaurės Amerika. Vienas iš Japonijos kultūros požymių – ilga jos raida visiškos valstybės izoliacijos (sakoku politikos) eroje nuo visų kitų šalių valdant Tokugavos šogunatui, kuri tęsėsi iki XIX amžiaus vidurio – pradžios. Meiji era.

Įtaka

Kaip vystėsi Japonijos meninė kultūra? Civilizacijai didelę įtaką darė izoliuota regioninė šalies padėtis, klimato ir geografines ypatybes, taip pat gamtos reiškiniai (taifūnai ir dažni žemės drebėjimai). Tai išreiškė nepaprastas gyventojų požiūris į gamtą kaip į gyvą būtybę. Japonų nacionalinio charakterio bruožas yra gebėjimas grožėtis dabartiniu visatos grožiu, kuris išreiškiamas daugelyje meno rūšių mažoje šalyje.

Japonijos meninė kultūra buvo sukurta budizmo, šintoizmo ir konfucianizmo įtakoje. Tos pačios tendencijos turėjo įtakos tolesnei jos raidai.

senovės laikai

Sutikite, Japonijos meninė kultūra yra nuostabi. Šintoizmo šaknys siekia senovės. Budizmas, nors ir atsirado prieš mūsų erą, pradėjo plisti tik nuo V a. Heiano laikotarpis (VIII–XII a.) laikomas auksine Japonijos valstybingumo era. Tuo pačiu laikotarpiu vaizdinga šios šalies kultūra pasiekė aukščiausią tašką.

Konfucianizmas atsirado XIII a. Šiame etape Konfucijaus ir budizmo filosofija buvo atskirta.

Hieroglifai

Japonijos meninės kultūros įvaizdis įkūnytas unikalioje versijoje, kuri vadinama Šioje šalyje taip pat labai išvystytas kaligrafijos menas, kuris, pasak legendos, kilo iš dangiškų dieviškų vaizdų. Būtent jie įkvėpė raštui gyvybės, todėl gyventojai yra malonūs kiekvienam rašybos ženklui.

Sklando gandai, kad japonų kultūrą davė hieroglifai, nes iš jų atsirado užrašus supantys vaizdai. Kiek vėliau pradėtas pastebėti stiprus tapybos ir poezijos elementų derinys viename kūrinyje.

Išstudijavę japonišką ritinį pamatysite, kad kūrinyje yra dviejų rūšių simbolių. Tai rašto ženklai – antspaudai, eilėraščiai, kolofenas, taip pat vaizdingi. Tuo pačiu metu Kabuki teatras įgijo didelį populiarumą. Kitoks teatro tipas - Bet - daugiausia renkasi kariškiai. jų griežtumas ir žiaurumas turėjo didelę įtaką Nr.

Tapyba

Meninę kultūrą tyrinėjo daug specialistų. Didžiulį vaidmenį jo formavime suvaidino kaiga tapyba, kuri japoniškai reiškia piešimą arba tapybą. Šis menas laikomas seniausia valstybės tapybos rūšimi, kurią lemia daugybė sprendimų ir formų.

Joje ypatingą vietą užima gamta, kuri lemia sakralinį principą. Tapybos skirstymas į sumi-e ir yamato-e egzistuoja nuo X amžiaus. Pirmasis stilius išsivystė arčiau XIV a. Tai savotiška monochrominė akvarelė. Yamato-e yra horizontaliai sulankstyti ritinėliai, kurie dažniausiai naudojami literatūros kūrinių dekoravimui.

Kiek vėliau, XVII amžiuje, šalyje atsirado spauda ant planšetinių kompiuterių – ukiyo-e. Meistrai vaizdavo peizažus, geišas, žinomų aktorių kabuki teatras. Šis tapybos tipas XVIII amžiuje padarė didelę įtaką Europos menui. Atsirandanti tendencija buvo pavadinta „japonizmu“. Viduramžiais Japonijos kultūra peržengė šalies sienas – ji pradėta naudoti kuriant stilingus ir madingus interjerus visame pasaulyje.

Kaligrafija

Oi, kokia graži Japonijos meninė kultūra! Harmonijos su gamta suvokimas matomas kiekviename jos segmente. Kas yra šiuolaikinė japonų kaligrafija? Jis vadinamas shodo („pranešimų būdas“). Kaligrafija, kaip ir rašymas, yra privaloma disciplina. Mokslininkai nustatė, kad šis menas atsirado kartu su kinų raštu.

Beje, senovėje apie žmogaus kultūrą buvo sprendžiama pagal jo kaligrafijos lygį. Šiandien yra daugybė rašymo stilių, kuriuos plėtoja budistų vienuoliai.

Skulptūra

Kaip atsirado japonų kultūra? Mes kiek įmanoma išsamiau išnagrinėsime šios žmogaus gyvenimo srities raidą ir tipus. Skulptūra yra seniausia meno rūšis Japonijoje. Senovėje šios šalies žmonės iš keramikos gamino stabų figūrėles, indus. Tada žmonės ant kapų pradėjo montuoti chanivo statulas, sukurtas iš kepto molio.

Skulptūrinio amato raida šiuolaikinėje Japonijos kultūroje siejama su budizmo plitimu valstybėje. Vienu seniausių Japonijos paminklų atstovų laikoma Budos Amitabhos statula, pagaminta iš medžio, pastatyta Zenko-ji šventykloje.

Skulptūros labai dažnai būdavo daromos iš sijų, tačiau atrodė itin sodriai: meistrai jas padengdavo laku, auksu, ryškiomis spalvomis.

Origami

Ar jums patinka Japonijos meninė kultūra? Supratimas apie harmoniją su gamta suteiks nepamirštamų įspūdžių. būdingas bruožas Japonijos kultūra tapo nuostabiais origami („sulankstyto popieriaus“) gaminiais. Šis įgūdis kilęs iš Kinijos, kur iš tikrųjų buvo išrastas pergamentas.

Iš pradžių „lankstytas popierius“ buvo naudojamas religinėse apeigose. Šio meno galėjo mokytis tik aukštesnioji klasė. Tačiau po Antrojo pasaulinio karo origami paliko didikų namus ir rado savo gerbėjų visoje Žemėje.

Ikebana

Kiekvienas turėtų žinoti, kokia yra Rytų šalių meninė kultūra. Japonija į jos plėtrą investavo daug darbo. Kitas šios kultūros komponentas nuostabi šalis yra ikebana („gyvos gėlės“, „ naujas gyvenimas spalvos“). Japonai yra estetikos ir paprastumo gerbėjai. Būtent šios dvi savybės yra investuojamos į darbus. Vaizdų rafinuotumas pasiekiamas naudingai naudojant natūralų augmenijos grožį. Ikebana, kaip ir origami, taip pat buvo religinės ceremonijos dalis.

Miniatiūros

Tikriausiai daugelis jau suprato tą meninę kultūrą Senovės Kinija ir Japonija yra glaudžiai susipynę. O kas yra bonsai? Tai unikalus japonų įgūdis išauginti beveik tikslią miniatiūrinę tikro medžio kopiją.

Japonijoje taip pat įprasta gaminti netsuke – mažas skulptūrėles, kurios yra savotiškas raktų pakabukas. Dažnai tokios figūrėlės tokios talpos būdavo tvirtinamos prie japonų drabužių, kurie neturėjo kišenių. Jie ne tik papuošė jį, bet ir tarnavo kaip originali atsvara. Raktų pakabukai buvo gaminami rakto, maišelio, pinto krepšelio pavidalu.

Tapybos istorija

Meno kultūra senovės japonija domisi daugybe žmonių. Tapyba šioje šalyje atsirado Japonijos paleolito laikotarpiu ir vystėsi taip:

• Yamato laikotarpis. Asukos ir Kofuno laikais (IV–VII a.), kartu su hieroglifų įvedimu, kiniško stiliaus valstybės režimo sukūrimu ir budizmo populiarėjimu, į Japoniją iš Kinijos buvo atvežta daug meno kūrinių. Po to Tekančios saulės šalyje pradėti atgaminti kiniško stiliaus paveikslai.
• Naros laikas. VI ir VII a. Budizmas Japonijoje toliau vystėsi. Šiuo atžvilgiu pradėjo klestėti religinė tapyba, kuria buvo puošiama daugybė aristokratijos statytų šventyklų. Apskritai Naros epochoje indėlis į skulptūros ir meno raidą buvo didesnis nei tapyboje. pradžios paveikslaiĮ šį ciklą įeina Naros prefektūros Horyu-ji šventyklos vidinių sienų freskos, pasakojančios apie Budos Šakjamunio gyvenimą.
• Heiano era. Japonų tapyboje, pradedant nuo 10 amžiaus, išskiriama yamato-e tendencija, apie kurią rašėme aukščiau. Tokie paveikslai yra horizontalūs ritinėliai, naudojami knygoms iliustruoti.
• Muromachi era. XIV amžiuje pasirodė Supi-e stilius (vienspalvė akvarelė), o XVII amžiaus pirmoje pusėje. dailininkai ant lentų pradėjo spausdinti graviūras – ukiyo-e.
• Azuchi-Momoyama eros tapyba ryškiai kontrastuoja su Muromachi laikotarpio tapyba. Jis turi polichrominį stilių, kuriame plačiai naudojamas sidabras, ir šiuo laikotarpiu Kano švietimo įstaiga turėjo didelį prestižą ir šlovę. Jos įkūrėjas buvo Kano Eitoku, kuris nudažė lubas ir stumdomas duris į atskirus kambarius. Tokie piešiniai puošė karinės aukštuomenės pilis ir rūmus.
• Maiji era. Nuo XIX amžiaus antrosios pusės menas skirstomas į konkuruojančius tradicinius ir Europos stiliai. Maiji eros metu Japonija patyrė didelių socialinių ir politinių pokyčių per valdžios organizuotą modernizacijos ir europeizacijos procesą. Jauni, perspektyvūs menininkai buvo išsiųsti studijuoti į užsienį, o užsienio menininkai atvyko į Japoniją kurti mokyklinių meno programų. Kad ir kaip būtų, po pirminio smalsumo bangavimo apie meninis stilius Vakaruose švytuoklė pakrypo atgal ir atgimė tradicinis japonų stilius. 1880 m. Vakarų meno praktika buvo uždrausta oficialiose parodose ir buvo smarkiai kritikuojama.

Poezija

Senovės Japonijos meninė kultūra vis dar tiriama. Jo bruožas – universalumas, šiek tiek sintetika, nes susiformavo veikiant įvairioms religijoms. Yra žinoma, kad japonų klasikinė poezija atsirado iš kasdienio gyvenimo, veikė jame ir šis jos žemiškumas tam tikru mastu buvo išsaugotas tradicinėse šių dienų poezijos formose – trijų eilučių haiku ir penkių eilučių tankoje, kurios išsiskiria ryškiu masinis charakteris. Beje, kaip tik ši savybė išskiria juos nuo „laisvosios eilės“, traukiančios į elitizmą, atsiradusios Japonijoje XX amžiaus pradžioje Europos poezijos įtakoje.

Ar pastebėjote, kad Japonijos meninės kultūros raidos etapai yra daugialypiai? Ypatingą vaidmenį šios šalies visuomenėje atliko poezija. Vienas žinomiausių žanrų yra haiku, jį suprasti galima tik susipažinus su jo istorija.

Pirmą kartą jis pasirodė Heiano eroje, buvo panašus į renga stilių, kuris buvo savotiška išeitis poetams, norintiems pailsėti nuo apgalvotų wah eilių. Haikai tapo savarankišku žanru XVI amžiuje, kai renga tapo pernelyg rimta, o haiku rėmėsi šnekamąja kalba ir vis dar buvo humoristinis.

Žinoma, Japonijos meninė kultūra trumpai aprašyta daugelyje kūrinių, tačiau pabandysime apie tai pakalbėti plačiau. Yra žinoma, kad viduramžiais vienas garsiausių japonų literatūros žanrų buvo tanka („lakoniška daina“). Daugeliu atvejų tai yra penkių eilučių, susidedanti iš strofų poros su fiksuotu skiemenų skaičiumi: 5-7-5 skiemenys trijose pirmojo posmo eilutėse ir 7-7 dviejose antrojo posmo eilutėse. Kalbant apie turinį, tankoje naudojama tokia schema: pirmasis posmas atspindi konkretų natūralų vaizdą, o antrasis atspindi žmogaus jausmą, kuris atkartoja šį vaizdą:

• Tolimuose kalnuose
  Ilgauodegių fazanų snūduriavimas -
  Šią ilgą, ilgą naktį
  Ar galiu miegoti vienas? ( Kakinomoto no Hitovaro, VIII amžiaus pradžia, išvertė Sanovičius.)

Japonų dramaturgija

Daugelis teigia, kad Kinijos ir Japonijos meninė kultūra užburia. Ar tau patinka scenos menai? Tradicinė Tekančios saulės šalies dramaturgija skirstoma į joruri (lėlių teatras), Noh teatro dramaturgiją (kyogen ir yokyoku), kabuki teatrą ir shingeki. Šio meno papročiai apima penkis pagrindinius teatro žanrus: kyogen no, bugaku, kabuki ir bunraku. Visos šios penkios tradicijos gyvuoja ir šiandien. Nepaisant didžiulių skirtumų, juos sieja bendri estetiniai principai, kuriais grindžiamas japonų menas. Beje, Japonijos dramaturgija atsirado scenoje Nr.

Kabuki teatras pasirodė XVII amžiuje ir pasiekė savo apogėjų XVIII amžiaus pabaigoje. Šiuolaikinėje Kabuki scenoje išsaugoma per nurodytą laikotarpį susiformavusi spektaklių forma. Šio teatro pastatymai, priešingai nei No scenos, orientuotos į siaurą antikinio meno gerbėjų ratą, yra skirti masinei publikai. Kabuki įgūdžių šaknys kyla iš komikų pasirodymų – mažų farsų atlikėjų, scenų, kurias sudarė šokiai ir dainavimas. Teatriniai Kabuki įgūdžiai absorbavo joruri elementus ir Nr.

Kabuki teatro atsiradimas siejamas su budistų šventovės O-Kuni darbuotojo Kiote (1603 m.) vardu. O-Kuni scenoje koncertavo su religiniais šokiais, tarp kurių buvo ir Nembutsu-odori liaudies šokių judesiai. Jos pasirodymai buvo įsiterpę į komiškas pjeses. Šiame etape kūriniai buvo vadinami yujo-kabuki (kurtizanių kabuki), o-kuni-kabuki arba onna-kabuki (damų kabuki).

graviūros

Praėjusiame amžiuje europiečiai, o vėliau ir rusai, susidūrė su japonų meno reiškiniu per graviūrą. Tuo tarpu Tekančios saulės šalyje piešti ant medžio iš pradžių apskritai nebuvo laikomas įgūdžiu, nors turėjo visas masinės kultūros savybes – pigumą, prieinamumą, tiražą. Ukiyo-e žinovai sugebėjo pasiekti aukščiausią suprantamumą ir paprastumą tiek įkūnydami siužetus, tiek pasirinkdami.

Ukiyo-e buvo speciali meno mokykla, todėl ji sugebėjo iškelti daugybę puikių meistrų. Taigi Hisikawa Moronobu (1618-1694) vardas siejamas su pradine siužetinės graviūros raidos faze. XVIII amžiaus viduryje sukūrė Suzuki Harunobu, pirmasis daugiaspalvės graviūros žinovas. Pagrindiniai jo kūrybos motyvai buvo lyrinės scenos, kuriose dėmesys buvo skiriamas ne veiksmui, o nuotaikų ir jausmų perteikimui: meilei, švelnumui, liūdesiui. Kaip išskirtinis senovės menas Heiano eroje ukiyo-e virtuozai atgaivino nepaprastą rafinuoto moters grožio kultą atnaujintoje miesto aplinkoje.

Skirtumas tik tas, kad vietoj išdidžių Heiano aristokratų spaudiniuose buvo pavaizduotos grakščios geišos iš Edo pramogų rajonų. Dailininkas Utamaro (1753-1806) – ko gero, unikalus tapybos istorijoje profesionalo pavyzdys, savo kūrybą visiškai atsidavęs damų vaizdavimui įvairiomis pozomis ir suknelėmis, įvairiomis gyvenimo aplinkybėmis. Vienas geriausių jo darbų – graviūra „Geiša Osama“, saugoma Maskvoje, Puškino tapybos muziejuje. Menininkė neįprastai subtiliai perteikė gesto ir nuotaikos vienovę, veido išraiškas.

Manga ir anime

Daugelis menininkų bando studijuoti Japonijos tapybą. Kas yra anime (japoniška animacija)? Ji skiriasi nuo kitų animacijos žanrų tuo, kad yra labiau pritaikyta suaugusiam žiūrovui. Čia yra dvigubas skirstymas į stilius, kad būtų galima vienareikšmiškai tikslinė auditorija. Sugniuždymo matas yra filmo žiūrovo lytis, amžius ar psichologinis portretas. Labai dažnai anime yra japoniškų manga komiksų ekranizacija, kuri taip pat sulaukė didžiulės šlovės.

Pagrindinė mangos dalis skirta suaugusiam žiūrovui. 2002 metų duomenimis, apie 20% visos Japonijos knygų rinkos buvo užėmę manga komiksai.

Japonija mums artima geografiškai, tačiau, nepaisant to, ilgą laiką išliko nesuprantama ir neprieinama visam pasauliui. Šiandien apie šią šalį žinome daug. Ilga savanoriška izoliacija lėmė tai, kad jos kultūra visiškai skiriasi nuo kitų valstybių kultūrų.

Išsamios informacijos Kategorija: XIX amžiaus vaizduojamoji dailė ir architektūra Paskelbta 2017-08-14 18:30 Peržiūrų: 1604

Pirmoje XIX amžiaus pusėje. Ukiyo-e vis dar dominavo japonų tapyboje. 1868 m., po Meidži revoliucijos ir atsivėrus sienoms, Vakarų civilizacijos pasiekimai Japonijoje tapo labiau prieinami, o ukiyo-e pamažu iškrito iš mados, jį pakeitė fotografija.
Bet pirmiausia pirmiausia.

Ukiyo-e stilius

Ukiyo-e(Japonijos kintančio pasaulio paveikslai (vaizdai)) – Japonijos vaizduojamojo meno tendencija. Iš pradžių šis budistinis terminas buvo vartojamas kaip „mirtingasis pasaulis, liūdesio slėnis“. Tačiau Edo laikotarpiu, atsiradus specialiai tam skirtiems miesto kvartalams, kuriuose klestėjo kabuki teatras ir buvo geišų bei kurtizanių namai, terminas buvo permąstytas ir pradėtas suprasti kaip „prabėgančių malonumų pasaulis, meilės pasaulis“.
Ukiyo-e spaudiniai yra pagrindinė medžio raižinių rūšis Japonijoje. Ši meno forma miesto kultūroje išpopuliarėjo XVII amžiaus antroje pusėje. Ukiyo-e įkūrėjas yra japonų tapytojas ir grafikas. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu „Ruduo Asakusoje. Vyšnių žiedai Ueno parke. Ekrano tapyba. Freer galerija (Vašingtonas)
Iš pradžių graviūros buvo nespalvotos, daromos tušu. Nuo XVIII amžiaus pradžios. kai kurie darbai nutapyti rankomis teptuku.
Ukiyo-e spaudiniai buvo skirti daugiausia miesto gyventojams, kurie negalėjo sau leisti brangesnių tapybinių paveikslų.
Ukiyo-e temos yra kasdienio gyvenimo nuotraukos: gražios geišos, sumo imtynininkai, populiarūs kabuki teatro aktoriai ir vėliau peizažo paveikslai.

Katsushika Hokusai "Didžioji banga prie Kanagavos" (1823-1831)
Per XVIII-XIX a. žymūs menininkai buvo Utamaro, Hokusai, Hiroshige ir Toshusai Syaraku.
Tuo metu, kai ukiyo-e stilius Japonijoje pradėjo išeiti iš mados, jis išpopuliarėjo Vakarų Europoje ir Amerikoje, meno istorikai pradėjo masiškai pirkti graviūras.
Japoniškos graviūros įkvėpė daugelį Europos menininkų, dirbusių kubizmo, impresionizmo, postimpresionizmo stiliais: Vincentą van Gogą, Claude'ą Monet ir kt.. Ši įtaka buvo vadinama „japonizmu“.

Vincentas van Goghas „Tėčio Tanguy portretas“ (1887-1888). Drobė, aliejus. Rodino muziejus (Paryžius)

Žymūs ukiyo-e menininkai:

Hisikawa Moronobu (XVII a.)
Kitagawa Utamaro (XVIII a.)
Kawanabe Kyosai (XIX a.)
Katsushika Hokusai (XVIII–XIX a.)
Utagawa Hiroshige (XIX a.)
Utagavos Kunisada (XIX a.)
Utagawa Kuniyoshi (XIX a.)
Keisai Eisenas (XIX a.)
Suzuki Harunobu (XIX a.)
Toyohara Kunitika (XIX a.)
Tsukioka Yoshitoshi (XIX a.)
Ogata Gekko (XIX–XX a.)
Hasui Kawase (XX a.)

Apsvarstykite kai kurių iš jų darbą.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Katsushika Hokusai. autoportretas
Garsus japonų ukiyo-e menininkas, iliustratorius, graveris. Dirbo su daugybe slapyvardžių (mažiausiai 30). Gimęs amatininko šeimoje, tapyti pradėjo būdamas 6 metų. Dirbdamas knygyne išmoko skaityti ir rašyti. Paskui dirbo graverio dirbtuvėje – graviravimas tuo metu Japonijoje buvo labai populiarus.
1793-1794 metais. prasideda savarankiškas gyvenimas menininkas, gana sunkus materialiai, bet prisotintas meno - studijuoja įvairias tapybos mokyklas: Kano mokyklas (peizažai, paukščių ir gyvūnų atvaizdai, kasdienės scenos; jos puošė stumdomų ekranų duris raštu); Sotatsu mokykla (nuotrauka Kasdienybė Japonijos ir japonų peizažai ant stumdomų durų). Menininkas pamažu pradeda kurti savo stilių.
1796 m. menininkas pradėjo naudoti tai, kas vėliau tapo plačiai paplitusi garsus slapyvardis Hokusai. 1800 m., būdamas 41 metų, menininkas pradėjo vadintis Gakejin Hokusai ("Painting Hokusai").
Menininkas pasaulio paveikslą suvokia suvokdamas žmonių kasdienybės, jų darbų ir rūpesčių reikšmę, ypatingą vertę. Gamtos gyvenimas, jos prasmė ir grožis Hokusų peizažuose išryškėja tik dėl to, kad juose yra žmonių, užsiimančių savo įprastais reikalais. Didžiąją savo gyvenimo dalį Hokusai praleido keliaudamas po šalį, eskizuodamas viską, ką pamatė. Hokusai buvo žinomas ne tik kaip graveris, bet ir kaip rašytojas, poetas, dailininkas.
Jis buvo pirmasis iš japonų graviūrų dailininkų, kurio kūryboje kraštovaizdis įgavo svarbą. nepriklausomas žanras. Hokusai kraštovaizdžiai užfiksavo gyvą ir didingą Japonijos gamtą.
Mano ilgam menine veikla jis sukūrė apie 30 000 piešinių ir graviūrų bei iliustravo apie 500 knygų.
Hokusai kūrybos klestėjimo laikotarpis siekia 1820-uosius ir 1830-ųjų pradžią. Šiuo metu jis sukūrė savo geriausią peizažų seriją. Šios serijos stebina Hokusai meninės vizijos gyliu ir turtingumu – iš plataus filosofinio pasaulėžiūros supratimo serijoje „36 Fudžio kalno vaizdai“ (1823–1829), parodoje epinę gamtos didybę serijoje „Tiltai“ ( 1823-1829), žavėdamasis jos elementaria galia „Kriokliuose“ (1827–1830) iki subtilaus lyrinio gamtos potyrio serijoje „Kinijos ir Japonijos poetai“ (1830).

Katsushika Hokusai pietų vėjas. Giedri diena“. Spalvotas medžio raižinys (1823-1831) iš serijos „Trisdešimt šeši Fudži vaizdai“
Vienas is labiausiai reikšmingas darbas Hokusai, kuriame labiausiai atsiskleidžia jo, kaip menininko-mąstytojo, kūrybos originalumas, yra serija „36 Fudži vaizdai“. Dauguma šios serijos lapų vaizduoja įvairaus žanro scenas: tinklus mėtantį žveją; pjovėjai, dirbantys medienos sandėlyje; kubilą gaminantis kuperis ir tt Visos šios scenos vyksta peizaže su Fudžio kalnu fone.
Kūrybiškumas Hokusai sukėlė daugybę imitacijų, jo mokinių skaičius buvo labai didelis. Tačiau beveik visiems menininko pasekėjams būdingas tik išorinės jo kūrybos metodo pusės įsisavinimas.

Surimono

Surimono yra tradicinio japonų meno rūšis, spalvotas medžio raižinys, kuris buvo dovana tarp Japonijos miesto inteligentijos. Tokios dovanos priežastis gali būti jubiliejai, sūnaus gimimas, prasidėjęs vyšnių žydėjimo sezonas, artėjantys Naujieji metai ir pan. Surimono žanrai buvo įvairūs: figūrų įvaizdis, gyvūnų, gėlių ir paukščių įvaizdis, peizažas.
Vaizdinėmis, poetinėmis ir techninėmis priemonėmis kuriamas vaizdas turėjo būti vientisas. Surimono yra ir menas, ir žaidimas, ir pramogos būdas, miestiečių kasdienybės dalis.

Katsushika Hokusai „Karpiai“ (surimono)
Hokusai nuopelnas populiarėjant surimono yra didžiulis: jis daro jį svarbiausiu iš japonų medžio raižinių rūšių.
Žmonės ant Hokusai surimono yra „gyvi“. Vaizduojami peizažo fone, jie aktyviai su juo bendrauja: rankomis užsidengia akis nuo saulės, rodo į debesis, žvilgčioja į begalines platybes, kartais net atgręžia žiūrovui nugaras.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

„Manga“ (jap. „Hokusų piešiniai“) – vienas svarbiausių kūrinių menininko kūrybiniame pavelde, jo sukurtas šlovės zenite. „Manga“ – tai Hokusai požiūrio į kūrybą išraiška, jo filosofija, atskleidžianti meistro paslaptis; ji vertinga ne tik kaip Hokusai gyvenimo etapas, bet ir svarbus informacijos apie Japonijos kultūrą ir meną šaltinis vėlyvojo feodalizmo epochoje. Hokusai „Manga“ dažnai vadinama „Japonijos žmonių enciklopedija“. Daugumoje piešinių buvo vaizduojamos miesto gyvenimo scenos, buvo daug žmonių eskizų. Kolekcija buvo dienoraštis, kuriame meistras piešinių (ne teksto) pavidalu įrašė viską, ką matė gyvenime.

Katsushika Hokusai „Fudžio kalno apmąstymas“ (1814) Manga
Hokusai, kaip ir japonų menas apskritai, padarė didelę įtaką europiečiui XIX menas amžiaus, įskaitant prancūzų impresionizmą. Hokusai graviūrų tema yra Claude'o Monet, Pierre'o-Auguste'o Renoiro ir kitų kūriniuose.
Paskutinis reikšmingas japonų graviūros atstovas XIX amžiaus pirmoje pusėje. peizažistas Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797–1858)

Utagawa Hiroshige – japonų grafikas, ukiyo-e krypties atstovas, spalvotų medžio raižinių meistras. Ne mažiau kaip 5400 graviūrų autorius. Lyriniuose peizažuose su žanriniais motyvais jis perteikė nepastovias gamtos būsenas, atmosferinius sniego ir rūko efektus. Dirbo Ando Hiroshige pseudonimu.
Anksti neteko tėvo ir motinos. vaizduojamieji menai Studijuoti pradėjau po to, kai pamačiau Hokusų kūrybą.
Hiroshige buvo graverio Utagawa Toyohiro (1763-1828) mokinys. Pirmasis kūrinys, atnešęs Hirošigai šlovę, buvo spaudinių serija „53 Tokaido stotys“, išspausdinta 1834 m. Tęsdamas Hokusai peizažo žanrą, Hiroshige jį plėtoja savaip.
Tokaido buvo vienas iš penkių kelių, jungusių Edą su kitomis Japonijos dalimis. Jis ėjo palei rytinę Honšiu pakrantę. Šalia jo buvo įrengtos 53 pašto stotys, kuriose keliautojams buvo siūlomas apgyvendinimas, maistas ir arklidės.
1832 m. Hiroshige keliavo per Tokaidą kaip oficialios delegacijos, gabenančios arklius į imperatoriškąjį dvarą, dalis. Peizažai padarė menininkui didelį įspūdį, jis padarė daug eskizų. Grįžęs namo sukūrė 53 kūrinių ciklą. Dėl šios serijos sėkmės Hiroshige tapo vienu reikšmingiausių ir pripažintų spaudos kūrėjų.

A. Hiroshige. 1-oji stotis: Shinogawa

A. Hiroshige. 30-oji stotis: Maisaka

A. Hiroshige. 32-oji stotis: Širasuka
IN Natūralus grožis Hiroshige prigimtis pritraukia išraiškingumą.
Hiroshige'o kūryba užbaigia puikų XVIII ir XIX amžiaus pirmosios pusės japoniškų spalvų medžio raižinių žydėjimo laikotarpį. Graviravimas 1850-1860 m neiškėlė nė vieno pagrindinio menininko, jame vis labiau išryškėja stilizacija ir eklektika.
1868 metais Japonijoje įvyko buržuazinė revoliucija, o 1880-aisiais ji tapo monarchija. Šie įvykiai pažymėjo naujo etapo Japonijos meno istorijoje pradžią, nes. Japonija įstojo į pasaulinę kapitalistinių šalių sistemą. Šio laikotarpio Japonijos mene susikūrė daugybė mokyklų ir grupių. Vieni pasuko europietiško meno įvaldymo keliu, kiti japonų menininkai (pavyzdžiui, Kuroda Kiyoteri (1866-1924) išvyko studijuoti į Europą. Tačiau buvo ir tokių, kurie siekė išsaugoti tautinių tradicijų grynumą).
19 amžiaus pabaiga – XX amžiaus pradžia Japonijos mene buvo senosios meno tradicijos peržiūros, Europos meno raidos, naujo ieškojimo, taip pat savo vystymosi būdo laikas.

Japonijos taikomoji dailė

Japonijos taikomosios dailės klestėjimas prasidėjo XVI amžiaus pabaigoje. XIX amžiuje buvo plačiai naudojami medžio drožyba, kaulų drožyba, keramika ir porcelianas.
Taip pat reikėtų pasakyti apie netsuke- miniatiūrinė skulptūra, japonų meno ir amatų kūrinys. Netsuke yra mažas raižytas raktų pakabukas, kuris buvo naudojamas ant tradicinių japonų drabužių, kimono ir kosode.

Netsuke vaizduoja Hotei (bendravimo, linksmybių ir klestėjimo dievą). Dramblio kaulas, šiuolaikinis darbas
Pirmasis netsuke pasirodė Japonijoje XVI amžiaus antroje pusėje ir XVII amžiaus pradžioje. Nuo XIX amžiaus pabaigos ir per visą XX a. netsuke buvo pagaminti eksportui. Jie gaminami ir šiandien. Tai suvenyriniai gaminiai, pagaminti konvejerio metodu, nelabai Aukštos kokybės. Tačiau netsuke menas neišnyko. Ir šiandien yra meistrų, kurių specialybė yra netsuke drožyba.

Netsuke su paslaptimi

Japonija yra nuostabi rytų šalis, esanti salose. Kitas Japonijos pavadinimas yra šalis kylanti saulė. Švelnus šiltas ir drėgnas klimatas, ugnikalnių kalnų grandinės ir jūros vandenys sukuria nuostabius kraštovaizdžius, tarp kurių auga jaunieji japonai, o tai neabejotinai palieka pėdsaką šios mažos valstybės mene. Čia žmonės su Ankstyvieji metai jie pripranta prie grožio, o šviežios gėlės, dekoratyviniai augalai ir nedideli sodai su ežeru yra jų būsto atributas. Kiekvienas bando susiorganizuoti sau dalelę laukinės gamtos. Kaip ir visos rytų tautybės, japonai išlaikė ryšį su gamta, kuri yra gerbiama ir gerbiama per visus jų civilizacijos gyvavimo šimtmečius.

Oro drėkinimas: WINIX WSC-500 oro ploviklis generuoja smulkias vandens daleles. Winix WSC-500 kriauklės darbo režimai: Oro kriauklė "WINIX WSC-500" turi patogų automatinį darbo režimą. Tuo pačiu metu palaikoma optimaliausia ir komfortiškiausia drėgmė patalpoje - 50-60%, o plazminis oro valymo ir jonizacijos režimas („Plasma Wave™“) įjungtas pagal numatytuosius nustatymus.

Japonijos architektūra

Ilgam laikui Japonija buvo laikoma uždara šalimi, kontaktai buvo tik su Kinija ir Korėja. Todėl jų vystymasis vyko savo ypatingu keliu. Vėliau, kai į salų teritoriją pradėjo skverbtis įvairios naujovės, japonai greitai jas pritaikė ir savaip perdarė. Japoniškas architektūros stilius – tai namai su masyviais lenktais stogais, kurie leidžia apsisaugoti nuo nuolatinių stiprių liūčių. Tikrasis meno kūrinys yra imperatoriškieji rūmai su sodais ir paviljonais.

Iš Japonijoje rastų kulto vietų galima išskirti iki šių dienų išlikusias medines šintoizmo šventyklas, budistų pagodas ir budistų šventyklų kompleksus, atsiradusius daugiau. vėlyvas laikotarpis istoriją, kai iš žemyno į šalį atėjo budizmas ir buvo paskelbtas valstybine religija. Mediniai pastatai, kaip žinia, nėra ilgaamžiai ir pažeidžiami, tačiau Japonijoje įprasta atkurti pastatus originaliu pavidalu, todėl net ir po gaisrų jie atstatomi tokia forma, kokia buvo statoma vienu metu.

Japonijos skulptūra

Budizmas turėjo didelę įtaką Japonijos meno raidai. Daugelis darbų reprezentuoja Budos atvaizdą, todėl šventyklose buvo sukurta daugybė Budos statulų ir skulptūrų. Jie buvo pagaminti iš metalo, medžio ir akmens. Tik po kurio laiko atsirado meistrų, kurie pradėjo daryti pasaulietines portretines skulptūras, tačiau laikui bėgant jų poreikis išnyko, todėl vis dažniau pastatams puošti imta naudoti skulptūrinius reljefus su giliais raižiniais.

Miniatiūrinė netsuke skulptūra Japonijoje laikoma nacionaline meno forma. Iš pradžių tokios figūrėlės atliko raktų pakabuko vaidmenį, kuris buvo pritvirtintas prie diržo. Kiekviena figūrėlė turėjo skylutę virvelei, ant kurios buvo pakabinti reikalingi daiktai, nes drabužiai tuo metu neturėjo kišenių. Netsuke figūrėlėse buvo vaizduojami pasaulietiniai personažai, dievai, demonai ar įvairių daiktų kurie turėjo ypatingą slaptą reikšmę, pavyzdžiui, šeimos laimės palinkėjimą. Netsuke gaminami iš medžio, dramblio kaulo, keramikos arba metalo.

Japonijos menai ir amatai

Asmeninių ginklų gamyba Japonijoje buvo pakelta į meno lygį, todėl samurajų kardo gamyba buvo tobula. Kardai, durklai, kardų rėmai, kovinės amunicijos elementai tarnavo kaip vyriški papuošalai, nurodantys priklausymą klasei, todėl jie buvo pagaminti. kvalifikuoti meistrai, papuoštas brangakmeniais ir raižiniais. Tarp Japonijos liaudies amatų taip pat yra keramikos, lako dirbinių, audimo ir medžio raižinių gamyba. Japonų keramikai tradicinę keramiką dažo įvairiais raštais ir glazūromis.

Japonijos tapyba

Iš pradžių japonų tapyboje dominavo monochrominio tipo paveikslai, glaudžiai susipynę su kaligrafijos menu. Abu buvo sukurti pagal tuos pačius principus. Dažų, rašalo ir popieriaus gamybos menas į Japoniją atkeliavo iš žemyno. Šiuo atžvilgiu prasidėjo naujas tapybos meno raidos etapas. Tuo metu viena iš japonų tapybos rūšių buvo ilgi horizontalūs emakinomo ritiniai, kuriuose buvo vaizduojamos Budos gyvenimo scenos. Kraštovaizdžio tapyba Japonijoje pradėjo vystytis daug vėliau, po to atsirado menininkų, kurie specializuojasi scenose iš pasaulietinis gyvenimas, rašyti portretus ir karines scenas.

Japonijoje jie dažniausiai piešė ant sulankstomų širmų, shoji, namų sienų ir drabužių. Širma japonams – ne tik funkcinis namų elementas, bet ir meno kūrinys apmąstymams, lemiantis bendrą kambario nuotaiką. Nacionaliniai kimono drabužiai taip pat priklauso japonų meno objektams, turintiems ypatingą rytietišką skonį. Dekoratyvinės plokštės ant auksinės folijos, naudojant ryškias spalvas, taip pat gali būti priskiriamos japonų tapybos darbams. Japonai pasiekė puikių įgūdžių kurdami ukiyo-e, vadinamąjį medžio raižinį. Tokių paveikslų siužetas buvo paprastų piliečių, menininkų ir geišų gyvenimo epizodai, taip pat nuostabūs kraštovaizdžiai, tapę tapybos meno raidos Japonijoje rezultatu.