Japonijos kultūra. Japonijos menas - Istorija - Įvadas - Įdomi Japonija - LiveJournal Kaip vadinasi japonų menas

Japonų tapyba yra viena gražiausių pasaulyje.

Japonų tapyba yra viena iš seniausių ir nuostabiausių kūrybiškumo formų. Kaip ir bet kuri kita, ji turi savo ilgą istoriją, kurią pagal techniką ir ypatybes galima suskirstyti į kelis laikotarpius. Visiems laikotarpiams būdinga gamta, kuriai paveiksluose buvo skirta pagrindinė vieta. Antroje populiarumo vietoje Japonijos vaizduojamajame mene yra kasdienės gyvenimo scenos.

Yamato

Yamato(VI–VII a.) – pirmasis japonų meno laikotarpis, padėjęs pagrindus raštui. Meno raidą paskatino Kinijos pasiekimai religijos ir rašymo srityse. Japonija stengėsi pakilti iki jo lygio, keisdama savo struktūrą ir kurdama viską pagal Kinijos įvaizdį. Plėtoti tapybą į Japoniją buvo atvežta daugybė kinų meistrų darbų, kurie įkvėpė japonus, kurie drąsiai puolė kurti panašius paveikslus.

Paveikslas Takamatsuzukos kape

Šis laikotarpis susideda iš dviejų vaikų laikotarpių:

• Kofunas- japonų meno laikotarpis, užėmęs pirmąją Yamato pusę. Laikotarpio pavadinimas verčiamas kaip „piliakalnių laikotarpis“. Tais laikais piliakalniams išties buvo skiriamas didelis vaidmuo, juos kurdamas visur.
• Asuka- antroji Yamato eros dalis. Laikotarpis buvo pavadintas tais metais veikusio šalies politinio centro vardu. Tai siejama su budizmo atėjimu į Japoniją, o vėliau su aktyvia visų kultūros sričių plėtra.

Nara

Japonijoje aktyviai plito iš Kinijos atkeliavęs budizmas, prisidėjęs prie religinių temų atsiradimo mene. Japonijos menininkai, susižavėję šia tema, piešė šventyklų sienas, kurias kūrė įtakingos asmenybės. Šiandien Horyu-ji šventykloje išliko tų laikų sienų tapyba.

Azuchi-Momoyama

Šis laikotarpis yra visiškai priešingas savo pirmtakui. Darbus palieka tamsa ir monochromija, kurią keičia ryškios spalvos, paveiksluose naudojamas auksas ir sidabras.

Kiparisas. Ekranas. Kano Eitoku.

Meiji

XIX amžiuje prasidėjo japonų tapybos skirstymas į tradicinį ir europietišką stilių, kurie energingai konkuravo tarpusavyje. Per šį laikotarpį Japonijoje įvyko didžiuliai politiniai pokyčiai. Europos įtaka tais metais paveikė beveik kiekvieną planetos kampelį, kiekvienai valstybei suteikdama savo ypatybes. Europietišką meno stilių aktyviai palaikė valdžia, atmetusi senąsias tradicijas. Tačiau netrukus jaudulys apie Vakarų tapybą greitai atslūgo ir susidomėjimas tradiciniu menu staigiai sugrįžo.

Japonijos tapybos raida atnaujinta: 2017 m. rugsėjo 15 d.: Valentina

Nuo seniausių laikų japonų menas pasižymėjo aktyvia kūryba. Nepaisant jų priklausomybės nuo Kinijos, kur nuolat atsirasdavo naujų meno ir estetinių tendencijų, japonų menininkai visada įvesdavo naujų bruožų ir keisdavo savo mokytojų meną, suteikdami japonišką išvaizdą.

Japonijos istorija kaip tokia pradeda įgauti tam tikras formas tik V amžiaus pabaigoje. Ankstesniais šimtmečiais (archajiniu laikotarpiu) menančių objektų aptikta palyginti nedaug, nors kai kurie kasinėjimų ar statybos darbų metu rasti radiniai rodo puikų meninį talentą.

Archajiškas laikotarpis.

Seniausi japonų meno kūriniai – jomon tipo (laido įspaudas) moliniai puodai. Pavadinimas kilęs nuo paviršiaus puošybos spiraliniais virvelės atspaudais, apvyniotais aplink lazdeles, kurias meistras naudojo gamindamas indą. Galbūt iš pradžių meistrai netyčia atrado pintus atspaudus, bet vėliau pradėjo juos naudoti sąmoningai. Kartais ant paviršiaus buvo klijuojamos į virvelę panašios molio garbanos, sukurdamos sudėtingesnį dekoratyvinį efektą, beveik reljefą. Pirmoji japonų skulptūra atsirado Džomonų kultūroje. Asmens ar gyvūno dogas (liet. „molinis atvaizdas“) tikriausiai turėjo kokią nors religinę reikšmę. Žmonių, dažniausiai moterų, atvaizdai labai panašūs į kitų primityvių kultūrų molio deivius.

Radioaktyviosios anglies datavimas rodo, kad kai kurie radiniai iš Džomono kultūros gali būti datuojami 6–5 tūkst. pr. Kr., tačiau toks ankstyvas datavimas nėra visuotinai priimtas. Žinoma, tokie patiekalai buvo gaminami ilgą laiką, ir nors tikslios datos kol kas nustatyti nepavyksta, galima išskirti tris laikotarpius. Seniausi pavyzdžiai smailiu pagrindu ir beveik neornamentuoti, išskyrus puodžiaus įrankio pėdsakus. Vidurinio laikotarpio indai yra gausiau ornamentuoti, kartais su lipdiniais elementais, sukuriančiais apimties įspūdį. Trečiojo laikotarpio indų formos labai įvairios, tačiau puošyba vėl išsilygina ir tampa santūresnė.

Maždaug II a. pr. Kr. Jomon keramika užleido vietą Yayoi keramikai, kuri pasižymi grakščiomis formomis, dizaino paprastumu ir aukšta technine kokybe. Indo šukė tapo plonesnė, o ornamentas ne toks puošnus. Šis tipas vyravo iki III a. REKLAMA

Meniniu požiūriu galbūt geriausi darbai Ankstyvasis laikotarpis yra haniwa, molio cilindrai, datuojami III–V a. REKLAMA Būdingi šios eros paminklai – didžiulės kalvos, arba piliakalniai, imperatorių ir galingų bajorų laidojimo statiniai. Dažnai labai didelis dydis, jie yra imperatoriškosios šeimos ir dvariškių galios ir turtų įrodymas. Tokio statinio statyba imperatoriui Nintoku-tenno (apie 395-427 m. po Kr.) truko 40 metų. Ryškiausias šių piliakalnių bruožas buvo juos tarsi tvora juosiantys moliniai cilindrai, haniva. Dažniausiai šie cilindrai būdavo visiškai paprasti, bet kartais būdavo puošiami žmonių, rečiau – arklių, namų ar gaidžių figūromis. Jų tikslas buvo dvejopas: užkirsti kelią didžiulių žemės masyvų erozijai ir aprūpinti velionį būtiniausiais daiktais, kuriuos jis naudojo žemiškame gyvenime. Natūralu, kad cilindrai iš karto buvo gaminami dideliais kiekiais. Temų, veido išraiškų ir jas puošiančių figūrų gestų įvairovė daugiausia yra meistro improvizacijos rezultatas. Nepaisant to, kad tai yra amatininkų, o ne dailininkų ir skulptorių kūriniai, jie yra labai svarbūs kaip japonų meno forma. Pastatai, apkloti žirgai, pirmos moterys ir kariai pateikia įdomų ankstyvosios feodalinės Japonijos karinio gyvenimo vaizdą. Gali būti, kad šių cilindrų prototipai atsirado Kinijoje, kur įvairūs objektai buvo dedami tiesiai į palaidojimus, tačiau hanivos atlikimas ir panaudojimo būdas priklauso vietinei tradicijai.

Archajinis laikotarpis dažnai vertinamas kaip aukšto meninio lygio kūrinių nebuvimas, daugiausia archeologinės ir etnologinės vertės dalykų dominavimo metas. Tačiau reikia atsiminti, kad veikia š ankstyvoji kultūra paprastai turėjo didelį gyvybingumą, nes jų formos išliko ir vėlesniais laikotarpiais išliko kaip specifiniai nacionaliniai japonų meno bruožai.

Asuka laikotarpis

(552–710 m. po Kr.). Budizmo įvedimas VI amžiaus viduryje. padarė reikšmingų pokyčių japonų gyvensenoje ir mąstyme bei tapo postūmiu šio ir vėlesnių laikotarpių meno raidai. Budizmo atėjimas iš Kinijos per Korėją tradiciškai datuojamas 552 m. po Kr., bet tikriausiai buvo žinomas anksčiau. Pirmaisiais metais budizmas susidūrė su politine opozicija, kuriai pasipriešino nacionalinė šintoizmo religija, tačiau vos po kelių dešimtmečių naujasis tikėjimas gavo oficialų patvirtinimą ir galiausiai buvo įtvirtintas. Pirmaisiais savo įvedimo į Japoniją metais budizmas buvo gana paprasta religija su nedideliu skaičiumi dievybių, kurioms reikėjo atvaizdų, tačiau maždaug po šimto metų jis sustiprėjo ir panteonas labai išaugo.
Šiuo laikotarpiu buvo įkurtos šventyklos, kurios tarnavo ne tik tikėjimo sklaidai, bet ir buvo meno ir švietimo centrai. Horyuji vienuolynas-šventykla yra viena svarbiausių ankstyvojo budizmo meno studijoms. Tarp kitų lobių yra ir didžiosios triados Syaka-Nerai (623 m. po Kr.) statula. Šis pirmojo mums žinomo didžiojo japonų skulptoriaus Tori Bussi kūrinys yra stilizuotas bronzinis atvaizdas, panašus į panašias grupes didžiosiose Kinijos urvų šventyklose. Sėdinčio Shaky (japoniška žodžio „Shakyamuni“, istorinis Buda transkripcija) ir dviejų figūrų, stovinčių abiejose jo pusėse, poza yra griežtai priekinė. Žmogaus figūros formas slepia sunkios simetriškos schematiškai perteiktų drabužių klostės, o lygiuose pailgintuose veiduose jaučiamas svajingas savęs įsisavinimas ir kontempliacija. Šio pirmojo budizmo laikotarpio skulptūra paremta penkiasdešimties metų senumo žemyno stiliumi ir prototipais; ji ištikimai laikosi kinų tradicijos, kuri atkeliavo į Japoniją per Korėją.

Kai kurios svarbiausios šių laikų skulptūros buvo pagamintos iš bronzos, tačiau naudotas ir medis. Dvi garsiausios medinės skulptūros yra deivės Kannon: Yumedono Kannon ir Kudara Kannon, abi yra Horyuji. Jie yra patrauklesnis garbinimo objektas nei Shaki triada, savo archajiškomis šypsenomis ir svajingomis išraiškomis. Nors Kannon figūrėlės taip pat turi schematišką ir simetrišką drabužių klosčių išdėstymą, jos yra lengvesnės ir kupinos judesio. Aukštos, lieknos figūros pabrėžia veidų dvasingumą, abstraktų gerumą, nutolusios nuo visų pasaulietiškų rūpesčių, bet jautrios kenčiančiųjų maldoms. Skulptorius šiek tiek atkreipė dėmesį į Kudaros Kannono figūros kontūrus, paslėptus drabužių klostėmis, o priešingai nei dantytam Yumedono siluetui, tiek figūros, tiek audinio judėjimas nukreiptas į gylį. Profilyje Kudara Kannon turi grakščius S formos kontūrus.

Vienintelis išlikęs tapybos pavyzdys, suteikiantis idėją apie VII amžiaus pradžios stilių, yra Tamamushi Zushi, „sparnuotos šventovės“ paveikslas. Ši miniatiūrinė šventovė pavadinta nuo vaivorykštių vabalo sparnų, įtaisytų perforuotame metaliniame rėme; vėliau papuošta religinėmis kompozicijomis ir spalvotu laku padarytomis atskirų personažų figūromis. Kaip ir šio laikotarpio skulptūra, kai kurie vaizdai rodo didelę dizaino laisvę.

Naros laikotarpis

(710-784). 710 m. sostinė buvo perkelta į Narą, naujas miestas, sukurtas pagal Kinijos sostinės Čangano modelį. Čia buvo plačios gatvės, dideli rūmai ir daugybė budistų šventyklų. Ne tik budizmas visais jo aspektais, bet ir visa Kinijos kultūrinė ir politinis gyvenimas buvo suvokiamas kaip sektinas pavyzdys. Jokia kita šalis tikriausiai nesijautė netinkamesnė savo kultūroje ar buvo tokia jautri išorės įtakoms. Mokslininkai ir piligrimai laisvai judėjo tarp Japonijos ir žemyno, o vyriausybės ir rūmų gyvenimas buvo modeliuojamas pagal Tangų dinastijos Kiniją. Tačiau turime prisiminti, kad, nors ir mėgdžiodami Tang China pavyzdžius, ypač mene, suvokdami jo įtaką ir stilių, japonai beveik visada pritaikydavo svetimas formas prie savųjų.

Skulptūroje ankstesnio Asukos laikotarpio griežtas frontalumas ir simetrija užleido vietą laisvesnėms formoms. Idėjų apie dievus plėtojimas, išaugę techniniai įgūdžiai ir medžiagos naudojimo laisvė leido menininkams kurti intymesnius ir prieinamesnius kulto įvaizdžius. Naujų budistų sektų įkūrimas išplėtė panteoną, įtraukiant net šventuosius ir budizmo įkūrėjus. Be bronzinės skulptūros, žinoma nemažai kūrinių iš medžio, molio ir lako. Akmuo buvo retas ir beveik niekada nenaudotas skulptūrai. Sausas lakas buvo ypač populiarus galbūt dėl ​​to, kad, nepaisant kompozicijos paruošimo proceso sudėtingumo, iš jo pagaminti darbai atrodė įspūdingiau nei mediniai ir buvo tvirtesni už lengviau pagaminamus molio gaminius. Lako figūrėlės buvo formuojamos ant medinio ar molio pagrindo, kuris vėliau buvo nuimamas, arba ant medinės ar vielos armatūros; jie buvo lengvi ir patvarūs. Nepaisant to, kad ši technika padiktavo tam tikrą pozų nelankstumą, vaizduojant veidus buvo suteikta didelė laisvė, o tai iš dalies prisidėjo prie to, ką galima pavadinti portretine skulptūra. Dievybės veidas vaizduojamas laikantis griežtų budizmo kanonų reikalavimų, tačiau kai kurių tikėjimo pradininkų ir skelbėjų populiarumas ir net sudievinimas suteikė puikių galimybių portretiniam panašumui perteikti. Šį panašumą galima įžvelgti Japonijoje gerbiamo Kinijos patriarcho Genjino skulptūroje, pagamintoje iš sauso lako, esančioje Toshodaiji šventykloje. Genjinas buvo aklas, kai atvyko į Japoniją 753 m., o jo neregėtas akis ir apšviestą vidinę kontempliaciją nuostabiai užfiksavo nežinomas skulptorius. Šią realistinę tendenciją ryškiausiai išreiškė medinė pamokslininko Kujos skulptūra, kurią XIII–XIV a. sukūrė skulptorius Kosho. Pamokslininkas apsirengęs kaip klajojantis elgeta su lazda, gongu ir plaktuku, o iš pusiau atviros burnos išnyra mažos Budos figūrėlės. Nepatenkintas dainuojančio vienuolio įvaizdžiu, skulptorius bandė išreikšti slapčiausią savo žodžių prasmę.
Naros laikotarpio Budos atvaizdai taip pat išsiskiria dideliu tikroviškumu. Sukurtos vis didėjančiam šventyklų skaičiui, jos nėra tokios nepakartojamai šaltos ir santūrios kaip jų pirmtakai, grakštesnio grožio ir kilnumo, o jas garbinantiems žmonėms kreipiamasi su didesniu malonumu.

Iš šių laikų paveikslų išliko labai mažai. Įvairiaspalvis dizainas ant popieriaus vaizduoja praeities ir dabarties Budos gyvenimą. Tai vienas iš nedaugelio senovinių emakimono arba slinkties tapybos pavyzdžių. Slinktys lėtai išsivyniojo iš dešinės į kairę, o žiūrovas galėjo mėgautis tik ta paveikslo dalimi, kuri buvo tarp slinktį išvyniojančių rankų. Iliustracijos buvo dedamos tiesiai virš teksto, kitaip nei vėlesniuose slinktyse, kur teksto dalis kaitaliodavosi su aiškinamuoju vaizdu. Šiuose seniausiuose išlikusiuose slinkties tapybos pavyzdžiuose kontūrinės figūros yra pastatytos prieš vos išryškintą kraštovaizdį, o centrinis veikėjas, šiuo atveju Šaka, pasirodo įvairiose scenose.

Ankstyvas Heianas

(784-897). 784 m. sostinė buvo laikinai perkelta į Nagaoką, iš dalies siekiant išvengti Naros budistų dvasininkijos dominavimo. 794 m. ji persikėlė į Heianą (dabar Kiotas) ilgesniam laikui. VIII ir IX amžiaus pabaiga buvo laikotarpis, kai Japonija sėkmingai asimiliavosi, prisitaikydama prie savo ypatybių, daug užsienio naujovių. Budistų religija taip pat patyrė pokyčių laiką, naujų ezoterinio budizmo sektų atsiradimą su išvystytu ritualu ir etiketu. Iš jų įtakingiausios buvo Tendai ir Shingon sektos, kilusios iš Indijos, pasiekusios Kiniją ir iš ten atvežtos į Japoniją dviejų mokslininkų, grįžusių į tėvynę po ilgos pameistrystės. Shingon („Tikrieji žodžiai“) sekta buvo ypač populiari teisme ir greitai užėmė dominuojančią padėtį. Pagrindiniai jos vienuolynai buvo Kojos kalne netoli Kioto; kaip ir kiti svarbūs budizmo centrai, jie tapo didžiulių meno kolekcijų saugyklomis.

9 amžiaus skulptūra daugiausia buvo medinis. Dievybių atvaizdai išsiskyrė griežtumu ir neprieinama didybe, kurią pabrėžė jų išvaizdos iškilmingumas ir masyvumas. Draperijos buvo meistriškai iškirptos pagal standartinius raštus, o šalikai gulėjo bangomis. Šio stiliaus pavyzdys yra stovinti Shaki figūra iš Muroji šventyklos. Už šį ir panašius vaizdus IX a. pasižymi standžiais raižiniais su gilesnėmis, traškesnėmis klostėmis ir kitomis detalėmis.

Didėjantis dievų skaičius menininkams sukėlė didelių sunkumų. Sudėtingose, į žemėlapį panašiose mandalose (geometriniai piešiniai su magiškomis reikšmėmis) dievybės buvo išdėstytos hierarchija aplink centrinį Budą, kuris pats buvo tik viena absoliuto apraiška. Šiuo metu atsirado nauja liepsnų apsuptų dievybių sargėjų figūrų, baisios išvaizdos, bet geranoriškos prigimties, vaizdavimo maniera. Šios dievybės buvo išsidėsčiusios asimetriškai ir buvo vaizduojamos judančiomis pozomis, su didžiuliais veido bruožais, įnirtingai ginant tikėjimą nuo galimų pavojų.

Vidurinis ir vėlyvasis Heiano, arba Fujiwara laikotarpis

(898-1185). Sostinės perdavimas Heianui, kuriuo buvo siekiama išvengti sunkių dvasininkijos reikalavimų, sukėlė pokyčius ir politinėje sistemoje. Bajorija buvo dominuojanti jėga, o jos atstovai buvo Fujiwara šeima. Laikotarpis 10-12 amžių. dažnai siejamas su šiuo vardu. Prasidėjo ypatingos galios laikotarpis, kai tikriems imperatoriams buvo „primygtinai patarta“ palikti nuošalyje valstybės reikalus malonesniems poezijos ir tapybos užsiėmimams. Iki pilnametystės imperatoriui vadovavo griežtas regentas – dažniausiai iš Fujiwara šeimos. Tai buvo prabangos ir nuostabių literatūros, kaligrafijos ir meno pasiekimų amžius; Visur tvyrojo nuovargis ir emocionalumas, kuris retai pasiekdavo gilumą, bet apskritai buvo žavus. Elegantiškas rafinuotumas ir pabėgimas atsispindėjo šių laikų mene. Net budizmo šalininkai ieškojo lengvesnių kelių, ypač išpopuliarėjo dangiškojo Budos Amidos garbinimas. Idėjos apie Amidos Budos užuojautą ir gelbstinčią malonę giliai atsispindėjo šio laikotarpio tapyboje ir skulptūroje. IX amžiaus statulų masyvumas ir santūrumas. 10-11 amžiuje. užleido vietą palaimai ir žavesiui. Dievybės vaizduojamos svajingos, apgalvotai ramios, raižinys ne toks gilus, paviršius spalvingesnis, gausiai išvystyta faktūra. Svarbiausi šio laikotarpio paminklai priklauso skulptoriui Jocho.
Dailininkų darbai įgavo ir švelnesnių bruožų, primenančių piešinius ant audinio, o net baisiosios dievybės – tikėjimo gynėjos – tapo mažiau gąsdinančios. Sutros (budistiniai tekstai) buvo parašytos auksu ir sidabru ant giliai mėlynos spalvos popieriaus, prieš gražią teksto kaligrafiją dažnai buvo pateikta nedidelė iliustracija. Dauguma populiarios paskirties vietos Budizmas ir su juo susijusios dievybės atspindi aristokratijos pirmenybę ir laipsnišką perėjimą nuo griežtų ankstyvojo budizmo idealų.

Šių laikų atmosfera ir jo darbai iš dalies susiję su formalių santykių su Kinija nutrūkimu 894 m. Budizmas Kinijoje tuo metu buvo persekiojamas, o korumpuotas Tango teismas – nuosmukio būsenoje. Nuošali salos egzistavimas po šio nutraukimo paskatino japonus atsigręžti į savo kultūrą ir sukurti naują, grynesnį japonų stilių. Išties pasaulietinė tapyba 10–12 a. buvo beveik vien japoniškas – ir technika, ir kompozicija, ir dalykais. Šių japoniškų ritinių, vadinamų yamato-e, išskirtinis bruožas buvo engi (kilmės, istorijos) dalykų vyravimas. Nors kiniškuose ritiniuose dažniausiai buvo vaizduojama didžiulė, nuostabi gamta, kalnų, upelių, uolų ir medžių panoramos, o žmonės atrodė gana nereikšmingi, japoniškuose naratyviniuose ritiniuose piešinyje ir tekste pagrindinis dalykas buvo žmogus. Peizažas vaidino tik fono vaidmenį pasakojamai istorijai, pavaldus pagrindinei veikiantis asmuo arba asmenys. Daugelis ritinių buvo ranka pieštos kronikos apie garsių budistų pamokslininkų ar istorinių asmenybių gyvenimą, jų keliones ir karines kampanijas. Kiti pasakojo apie romantiškus epizodus iš didikų ir dvariškių gyvenimo.

Akivaizdžiai išskirtinis ankstyvųjų ritinių stilius atsirado dėl paprastų rašalo eskizų budistinių sąsiuvinių puslapiuose. Tai meistriški piešiniai, karikatūruojantys žmonių elgesį per gyvūnų atvaizdus: vienuoliniais drabužiais vilki beždžionė, garbinanti pripūstą varlę, kiškių, beždžionių ir varlių varžybos. Šie ir kiti vėlyvieji Heiano ritiniai buvo pagrindas sudėtingesniems XIII ir XIV amžių išplėtoto stiliaus naratyviniams ritiniams.

Kamakuros laikotarpis

(1185-1392). XII amžiaus pabaiga atnešė didelių pokyčių Japonijos politiniame ir religiniame gyvenime ir, žinoma, jos mene. Kioto teismo elegancija ir estetiškumas buvo pakeistas arba, vadovaujantis „ypatingo“ valdymo tradicija, „gavo papildymą“ naujos, griežtos ir drąsios taisyklės – Kamakuros šogunato – forma. Nors sostinė išliko nominaliai Kioto, Shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) įkūrė savo būstinę Kamakura mieste ir vos per 25 metus sukūrė griežtą karinės diktatūros ir feodalizmo sistemą. Budizmas, kuris tapo toks sudėtingas ir ritualizuotas, kad jį menkai suprato paprasti pasauliečiai, taip pat patyrė didelių pokyčių, kurie nežadėjo meno globos. Yodo (Gryna žemė) sekta, Amida Budos garbinimo forma, vadovaujama Honen Shonin (1133-1212), reformavo Budų ir dievybių hierarchiją ir suteikė viltį išsigelbėti visiems, kurie tiesiog tikėjo Amida. Šią lengvai pasiekiamo rojaus doktriną vėliau supaprastino kitas vienuolis Shinran (1173–1262), Shin sektos įkūrėjas, pripažinęs, kad Amidos nuolaidžiavimas buvo toks didelis, kad nereikia atlikti religinių veiksmų, tiesiog kartoti užkeikimą. Namu Amida Butsu“ (pirmasis žodis reiškia „paklusti“; antrieji du – „Buddha Amida“). Šis paprastas sielos gelbėjimo būdas buvo nepaprastai patrauklus ir dabar juo naudojasi milijonai. Po kartos karingas pamokslininkas Nichirenas (1222–1282), kurio vardu ir pavadinta sekta, atsisakė šios supaprastintos religijos formos. Jo pasekėjai gerbė Lotoso Sutrą, kuri nežadėjo momentinio ir besąlygiško išsigelbėjimo. Jo pamokslai dažnai lietė politines temas, o jo įsitikinimai ir siūlomos bažnyčios bei valstybės reformos patiko naujajai karinei klasei Kamakuroje. Galiausiai dzeno filosofija, atsiradusi dar VIII amžiuje, šiuo laikotarpiu pradėjo vaidinti vis svarbesnį vaidmenį budizmo mąstyme. Dzenas pabrėžė meditacijos svarbą ir panieką bet kokiems vaizdiniams, kurie gali trukdyti žmogui siekti susijungti su Dievu.

Taigi tai buvo laikas, kai religinė mintis ribojo anksčiau kultui reikalingų tapybos ir skulptūros kūrinių skaičių. Nepaisant to, vieni geriausių japonų meno kūrinių buvo sukurti Kamakura laikotarpiu. Paskata buvo būdinga japonų meilė menui, tačiau raktas į sprendimą slypi žmonių požiūryje į naujus tikėjimus, o ne dogmas kaip tokias. Iš tiesų, patys kūriniai rodo jų sukūrimo priežastį, nes daugelis šių gyvybės ir energijos kupinų skulptūrų ir paveikslų yra portretai. Nors dzen filosofija įprastus religinius objektus galėjo laikyti kliūtimi nušvitimui, mokytojų pagerbimo tradicija buvo gana priimtina. Portretas pats savaime negalėjo būti garbinimo objektas. Toks požiūris į portretą buvo būdingas ne tik dzenbudizmui: daugelis Grynos žemės sektos tarnų buvo gerbiami beveik kaip budistų dievybės. Portreto dėka netgi atsirado nauja architektūrinė forma – mieido, arba portretinė koplyčia. Spartus realizmo vystymasis visiškai atitiko laikmečio dvasią.
Nepaisant to, kad vaizdingi kunigų portretai akivaizdžiai buvo vaizdai konkretūs žmonės, jie dažnai buvo paveikslų, vaizduojančių Kinijos budizmo įkūrėjus, perdirbiniai. Jie buvo vaizduojami pamokslaujantys, atmerktomis burnomis, gestikuliuojančiomis rankomis; kartais buvo vaizduojami piktadariai vienuoliai, leidžiantys sunkią kelionę tikėjimo garbei.

Viena iš populiariausių temų buvo raigo (geidžiamas atvykimas), kuriame buvo vaizduojamas Buda Amida su savo palydovais, nusileidžiantis ant debesies, kad išgelbėtų tikinčiojo sielą mirties patale ir perkeltų ją į dangų. Tokių vaizdų spalvas dažnai paryškindavo aplikuotas auksas, o banguotos linijos, tekantys pelerinos ir besisukantys debesys Budos nusileidimui suteikdavo judėjimo pojūtį.

Unkei, veikęs XII a. antroje pusėje ir 13 amžiaus pradžioje, buvo naujovės, palengvinusios medžio raižymą, kuris išliko mėgstamiausia skulptorių medžiaga Kamakuro laikotarpiu, autorius. Anksčiau meistrą ribodavo rąsto ar rąsto, iš kurio buvo išpjauta figūra, dydis ir forma. Rankos ir drabužių elementai buvo pritaikyti atskirai, tačiau gatavas gabalas dažnai priminė originalią cilindro formą. Taikant naują techniką, dešimtys mažų gabalėlių buvo kruopščiai sujungti ir suformuota tuščiavidurė piramidė, iš kurios mokiniai galėjo apytiksliai iškirpti formą. Skulptorius disponavo lankstesnė medžiaga ir sugebėjimu kurti sudėtingesnes formas. Raumeningi šventyklų sargybiniai ir dievybės tekančiais apsiaustais ir apsiaustais atrodė gyvesnės ir dėl to, kad į jų akiduobes buvo pradėta kišti krištolą ar stiklą; statulos pradėtos puošti paauksuota bronza. Jos tapo lengvesnės ir rečiau skilinėjo medienai džiūstant. Jau minėta medinė Kuya Shonin statula, sukurta Unkei sūnaus Kosho, demonstruoja aukščiausią Kamakura eros realizmo pasiekimą portretinėje skulptūroje. Iš tiesų, skulptūra tuo metu pasiekė savo vystymosi apogėjų, o vėliau ji nebeužėmė tokios svarbios vietos mene.

Pasaulietinė tapyba taip pat atspindėjo laikmečio dvasią. Vėlyvojo Heiano laikotarpio naratyviniai ritiniai santūriomis spalvomis ir grakščiomis linijomis bylojo apie romantiškus princo Genji išsišokimus ar atsiskyrėliškų dvaro damų pramogas. Dabar ryškiomis spalvomis ir energingais teptuko potėpiais Kamakuros epochos menininkai vaizdavo kariaujančių klanų mūšius, liepsnų apimtus rūmus ir išgąsdintus žmones, bėgančius nuo puolančių karių. Net tada, kai ritinyje buvo atskleista religinė istorija, vaizdas buvo ne tiek ikona, kiek istorinis šventųjų žmonių kelionių ir jų atliktų stebuklų įrašas. Kuriant šias scenas galima aptikti augančią meilę gamtai ir susižavėjimą vietiniais kraštovaizdžiais.

Muromachi arba Ašikagos laikotarpis

(1392-1568). 1392 m., po daugiau nei 50 metų trukusių nesutarimų, trečiasis Ašikagų šeimos šogunas Yoshimitsu (1358-1408) vėl suvienijo šalį. Vyriausybės būstinė vėl tapo nominalia Kioto sostine, kur Ašikagos šogunai pastatė savo rūmus Muromachi kvartale. (Šis laikotarpis kartais vadinamas Muromachi arba Ašikaga.) Karas nepagailėjo daug šventyklų – japonų meno saugyklų, kurios buvo sudegintos kartu su ten esančiais lobiais. Šalis buvo žiauriai sugriauta, ir net taika neatnešė daug palengvėjimo, nes kariaujantys klanai, pasiekę sėkmę, dalino malones pagal savo užgaidą. Atrodytų, situacija buvo itin nepalanki meno raidai, tačiau iš tikrųjų Ašikagos šogunai jį globojo, ypač XV–XVI a., kai klestėjo tapyba.

Reikšmingiausias šių laikų meninis reiškinys buvo vienspalviai poetinio rašalo paveikslai, paskatinti dzenbudizmo ir paveikti Kinijos Songų ir Juanių dinastijų pavyzdžių. Mingų dinastijos laikais (1368-1644) ryšiai su Kinija buvo atnaujinti, o meno kolekcionierius ir mecenatas Yoshimitsu skatino rinkti ir studijuoti kinų paveikslus. Tai tapo modeliu ir atspirties tašku gabiems menininkams, kurie lengvais ir sklandžiais teptuko potėpiais piešė peizažus, paukščius, gėles, dvasininkų ir išminčių atvaizdus. Šių laikų japonų tapybai būdingas linijos ekonomiškumas; menininkas tarsi išgauna vaizduojamo siužeto kvintesenciją, leisdamas žiūrovui jį užpildyti detalėmis. Pilko ir blizgančio juodo rašalo perėjimai šiuose paveiksluose labai artimi dzen filosofijai, kuri neabejotinai įkvėpė jų autorius. Nors šis tikėjimas padarė didelę įtaką valdant Kamakurai, jis sparčiai plito XV–XVI a., kai iškilo daug dzen vienuolynų. Skelbdama daugiausia „išsigelbėjimo“ idėją, ji nesusiejo išsigelbėjimo su Buda, o labiau rėmėsi griežta žmogaus savidisciplina, kad pasiektų staigų intuityvų „nušvitimą“, jungiantį jį su absoliutu. Ekonomiškas, bet drąsus tušo naudojimas ir asimetrinė kompozicija, kai netapytos popieriaus dalys vaidino svarbų vaidmenį vaizduojant idealizuotus kraštovaizdžius, išminčius ir mokslininkus, atitiko šią filosofiją.

Vienas žinomiausių sumi-e, monochrominės tapybos tušu stiliaus, atstovų buvo Sesshu (1420-1506), dzen kunigas, kurio ilgas ir vaisingas gyvenimas pelnė jam ilgalaikę pagarbą. Gyvenimo pabaigoje jis pradėjo taikyti haboku (greito rašalo) stilių, kuris, priešingai nei brandus stilius, reikalaujantis aiškių, ekonomiškų potėpių, monochrominės tapybos tradiciją atvedė beveik iki abstrakcijos.
Tas pats laikotarpis žymi Kano menininkų šeimos veiklą ir jų stiliaus raidą. Pagal temų pasirinkimą ir rašalo panaudojimą jis buvo artimas kinų kalbai, tačiau išraiškingomis priemonėmis išliko japoniškas. Kano, remiamas šogunato, tapo „oficialia“ tapybos mokykla arba meniniu stiliumi ir klestėjo iki pat XIX a.

Naivioji Yamato-e tradicija ir toliau gyvavo Tosos mokyklos, antrojo svarbaus japonų tapybos judėjimo, darbuose. Tiesą sakant, tuo metu abi mokyklos, Kano ir Tosa, buvo glaudžiai susijusios, jas vienijo domėjimasis šiuolaikiniu gyvenimu. Motonobu Kano (1476-1559), vienas iš iškilių menininkųšio laikotarpio jis ne tik vedė savo dukrą už garsaus dailininko Tos, bet ir tapė jo maniera.

XV-XVI a. Atsirado vos keli dėmesio verti skulptūros kūriniai. Tačiau reikia pastebėti, kad noo dramos raida su savo nuotaikų ir emocijų įvairove atvėrė skulptoriams naują veiklos lauką - jie drožė aktoriams kaukes. Klasikinėje japonų dramoje, kurią vaidina aristokratija, aktoriai (vienas ar keli) dėvėjo kaukes. Jie perteikė įvairius jausmus nuo baimės, nerimo ir sumaišties iki santūraus džiaugsmo. Kai kurios kaukės buvo taip gražiai išraižytos, kad menkiausias aktoriaus galvos pasukimas sukėlė subtilius jausmų raiškos pokyčius. Įspūdingi šių kaukių pavyzdžiai daugelį metų buvo saugomi šeimose, kurių nariams jos buvo pagamintos.

Momoyama laikotarpis

(1568-1615). 1593 m. didysis karinis diktatorius Hideyoshi pastatė savo pilį ant Momoyama, „Persikų kalno“, ir šiuo pavadinimu 47 metų laikotarpis nuo Ašikagos šogunato žlugimo iki Tokugavos, arba Edo, įkūrimo 1615 m. Tai buvo visiškai naujos karinės klasės, kurios dideli turtai prisidėjo prie meno klestėjimo, viešpatavimo metas. Įspūdingos pilys su didžiulėmis publikos salėmis ir ilgais koridoriais atėjo į madą XVI amžiaus pabaigoje. ir reikalavo jų didybę atitinkančių dekoracijų. Tai buvo griežtų ir drąsių žmonių metas, o naujieji mecenatai, skirtingai nei ankstesnė aristokratija, ne itin domėjosi intelektualiniais ieškojimais ar amato subtilybėmis. Laimei, naujoji menininkų karta buvo gana nuosekli su savo mecenatais. Per šį laikotarpį pasirodė nuostabūs ekranai ir kilnojamos plokštės ryškiai raudonos, smaragdo, žalios, violetinės ir mėlynos spalvos. Tokios ryškios spalvos ir dekoratyvinės formos, dažnai aukso ar sidabro fone, buvo labai populiarios šimtą metų, o jų kūrėjai buvo teisingai vadinami „didžiaisiais dekoratoriais“. Dėl subtilaus japoniško skonio ištaigingas stilius neperaugo į vulgarumą, o net santūrumui ir neįvertinimui užleidus vietą prabangai ir dekoratyviems pertekliams, japonai sugebėjo išlaikyti eleganciją.

Eitoku Kano (1543-1590), vienas pirmųjų šio laikotarpio didžiųjų menininkų, dirbo Kano ir Tosos stiliumi, praplėsdamas pirmojo piešimo idėjas ir derindamas jas su pastarųjų spalvų turtingumu. Nors išlikę tik keli darbai, kuriuos galima drąsiai priskirti Eitokui, jis laikomas vienu iš Momoyama stiliaus pradininkų, o dauguma šio laikotarpio menininkų buvo jo mokiniai arba buvo jo paveikti.

Edo arba Tokugawa laikotarpis

(1615-1867). Ilgas taikos laikotarpis, atėjęs po naujai suvienytos Japonijos, vadinamas arba Tokugavos laiku, valdovo pavardės, arba Edo (šiuolaikinis Tokijas), nes 1603 m. šis miestas tapo naujuoju valdžios centru. Du garsūs trumpojo Momoyama laikotarpio generolai Oda Nobunaga (1534-1582) ir Toyotomi Hideyoshi (1536-1598) kariniais veiksmais ir diplomatija pagaliau sugebėjo sutaikyti galingus klanus ir karingus dvasininkus. 1598 m. mirus Hideyoshi valdžiai perėjo Ieyasu Tokugawa (1542-1616), kuris užbaigė bendrai pradėtą ​​veiklą. Lemiamas Sekigaharos mūšis 1600 m. sustiprino Ieyasu pozicijas; Oskos pilies griūtis 1615 m. lydėjo galutinis Hideyoshi namų žlugimas ir nedaloma Tokugavos šogunato valdžia.

Taikus Tokugavos viešpatavimas truko 15 kartų ir baigėsi tik XIX a. Tai daugiausia buvo „uždarų durų“ politikos laikotarpis. 1640 m. dekretas uždraudė užsieniečiams atvykti į Japoniją, o japonai negalėjo keliauti į užsienį. Vienintelis komercinis ir kultūrinis ryšys buvo su olandais ir kinais per Nagasakio uostą. Kaip ir kitais izoliacijos laikotarpiais, čia sustiprėjo tautiniai jausmai ir XVII amžiaus pabaigoje atsirado XVII a. vadinamoji žanrinės tapybos ir graviūros mokykla.
Sparčiai auganti Edo sostinė tapo ne tik salos imperijos politinio ir verslo gyvenimo, bet ir meno bei amatų centru. Reikalavimas, kad provincijos feodalai daimijai būtų sostinėje tam tikrą kiekvienų metų dalį, sukėlė naujų pastatų, įskaitant rūmus, poreikį, taigi ir menininkams, kurie juos puoštų. Tuo pačiu metu besiformuojanti turtingų, bet ne aristokratiškų pirklių klasė suteikė menininkams naują ir dažnai neprofesionalią globą.

Ankstyvojo Edo laikotarpio menas iš dalies tęsia ir plėtoja Momoyama stilių, stiprindamas jo tendencijas į prabangą ir puošnumą. Iš ankstesnio laikotarpio paveldėtas keistų vaizdų ir polichromijos turtingumas toliau vystosi. Šis dekoratyvinis stilius savo viršūnę pasiekė paskutiniame XVII amžiaus ketvirtyje. vadinamojoje Tokugavos laikotarpio Genroku era (1688-1703). Japonijos dekoratyviniame mene ji neturi paralelės ekstravagantiškumu ir spalvų turtingumu bei dekoratyviniais motyvais tapyboje, audiniuose, lakuose ir meninėse detalėse – prabangaus gyvenimo būdo atributuose.

Kadangi kalbame apie gana vėlyvą istorijos laikotarpį, nenuostabu, kad išliko daugybės menininkų pavardės ir jų kūriniai; Čia galima įvardyti tik keletą iškiliausių. Dekoratyvinės mokyklos atstovai, gyvenę ir dirbę Momoyama ir Edo laikotarpiais, yra Honnami Koetsu (1558-1637) ir Nonomura Sotatsu (m. 1643). Jų darbai demonstruoja nepaprastą dizaino, kompozicijos ir spalvų pojūtį. Koetsu, talentingas keramikas ir lakuotojas, garsėjo savo kaligrafijos grožiu. Kartu su Sotatsu jie kūrė eilėraščius ant ritinių, kurie tuo metu buvo madingi. Šiame literatūros, kaligrafijos ir tapybos derinyje vaizdai nebuvo paprastos iliustracijos: jie kūrė arba siūlė teksto suvokimą atitinkančią nuotaiką. Ogata Korin (1658-1716) buvo vienas iš dekoratyvinio stiliaus paveldėtojų ir kartu su savo jaunesniuoju broliu Ogata Kenzan (1663-1743) ištobulino jo techniką. Kenzanas, geriau žinomas kaip keramikas, o ne kaip menininkas, šaudė indus su savo garsaus vyresniojo brolio piešiniais. Šios mokyklos atgimimas XIX amžiaus pradžioje. poetas ir dailininkas Sakai Hoitsu (1761-1828) buvo paskutinis dekoratyvinio stiliaus bangavimas. Gražūs Horitsu ritinėliai ir ekranai sujungė Korino dizaino pojūtį su domėjimusi gamta, būdingu Maruyama mokyklos natūralizmui, išreikštu ankstesniam laikotarpiui būdingu spalvų ir dekoratyvinių motyvų turtingumu, kurį sušvelnino teptuko puošnumas ir grakštumas.

Kartu su polichrominiu dekoratyviniu stiliumi ir toliau buvo populiarus tradicinis Kano mokyklos piešinys tušu. 1622 m. Kanō Tan'yu (1602-1674) buvo paskirtas šoguno teismo dailininku ir pakviestas į Edo. Jį paskyrus į šias pareigas ir įkūrus Kano tapybos mokyklą Edo mieste, Kobikito mieste, prasidėjo pusę amžiaus trukęs šios tradicijos meninės lyderystės laikotarpis, sugrąžinęs Kano šeimą į iškilią vietą ir pavertęs kūrinius Edo laikotarpis reikšmingiausias Kano tapyboje. Nepaisant auksu ir ryškiomis spalvomis nudažytų ekranų populiarumo, sukurtų „didžiųjų dekoratorių“ ir varžovų, Tanyu dėl savo talento tvirtumo ir oficialios padėties sugebėjo atgaivintos Kano mokyklos paveikslą išpopuliarinti tarp aukštuomenės. Prie tradicinių Kano mokyklos bruožų Tanyu pridėjo jėgos ir paprastumo, paremto griežta laužta linija ir apgalvotu kompozicinių elementų išdėstymu dideliame laisvame paviršiuje.

Nauja kryptis, kurios pagrindinis bruožas buvo domėjimasis gamta, pradėjo vyrauti XVIII amžiaus pabaigoje. Maruyama Okyo (1733-1795), naujosios mokyklos vadovas, buvo valstietis, vėliau tapo dvasininku ir galiausiai menininku. Pirmosios dvi studijos jam neatnešė nei laimės, nei sėkmės, tačiau kaip menininkas pasiekė didelių aukštumų ir yra laikomas realistinės Maruyamos mokyklos įkūrėju. Mokėsi pas Kano mokyklos meistrę Ishida Yutei (m. apie 1785 m.); Remdamasis importinėmis olandų graviūromis, išmoko vakarietiškos perspektyvinio vaizdavimo technikos, o kartais šias graviūras tiesiog nukopijuodavo. Jis taip pat studijavo kinų stilius iš Song ir Yuan dinastijų, įskaitant subtilų ir tikrovišką Chen Xuan (1235-1290) ir Shen Nanping stilių; pastarasis XVIII amžiaus pradžioje gyveno Nagasakyje. Ōkyo padarė daug darbų iš gyvenimo, o jo moksliniai stebėjimai buvo gamtos suvokimo pagrindas, kuriuo buvo grindžiama Maruyama mokykla.

Be domėjimosi natūralizmu XVIII a. atnaujinta kinų meno tradicijos įtaka. Šios krypties atstovai patraukė į Ming (1368–1644) ir Čing (1644–1912) epochų menininkų-mokslininkų tapybinę mokyklą, nors, ko gero, jų idėjos apie šiuolaikinę Kinijos meno būklę buvo ribotos. Šios japonų mokyklos menas buvo vadinamas bujinga (išsilavinusių žmonių menas). Vienas įtakingiausių bujingos stilių dirbusių meistrų buvo Ikeno Taiga (1723-1776), garsus menininkas ir kaligrafas. Jo brandžiam stiliui būdingos storos kontūrinės linijos, užpildytos lengvais plunksniškais šviesių tonų ir rašalo potėpiais; Taip pat tapė plačiais, laisvais juodo rašalo potėpiais, vaizduodamas vėjo ir lietaus sulenktus bambuko kamienus. Trumpomis, lenktomis linijomis jis pasiekė graviūrinį efektą, vaizduodamas miglotus kalnus virš ežero, apsupto miško.
XVII a pagimdė dar vieną nuostabų Edo laikotarpio meno judėjimą. Tai vadinamosios ukiyo-e (kintančio pasaulio nuotraukos) – paprastų žmonių ir jiems sukurtos žanrinės scenos. Ankstyvieji ukiyo-e pasirodė senojoje Kioto sostinėje ir daugiausia buvo vaizdingi. Tačiau netrukus jų gamybos centras persikėlė į Edą, o meistrų dėmesys sutelktas į medžio raižinį. Glaudus medžio blokelių atspaudų ryšys su ukiyo-e lėmė klaidingą nuomonę, kad medžio blokelių atspaudai buvo šio laikotarpio atradimas; iš tikrųjų ji atsirado dar XI amžiuje. Tokie ankstyvieji vaizdai buvo votyvinio pobūdžio, vaizduojantys budizmo pradininkus ir dievybes, o Kamakuros laikotarpiu kai kurie pasakojimo ritiniai buvo atkuriami iš raižytų luitų. Tačiau graviūros menas ypač išpopuliarėjo XVII–XIX amžiaus viduryje.

Ukiyo-e spaudinių objektai buvo gražios linksmų rajonų kurtizanės, mėgstami aktoriai ir dramų scenos. Ankstyvas, vadinamasis Primityvios graviūros buvo atliktos juodos spalvos, su stipriomis ritmingomis banguotomis linijomis ir pasižymėjo paprastu dizainu. Kartais jie buvo dažomi rankomis oranžinės raudonos spalvos, vadinamos tan-e (ryškiai raudoni paveikslai), su garstyčių geltonos ir žalios spalvos ženklais. Kai kurie „primityvūs“ menininkai naudojo tapybą rankomis, vadinamą urushu-e (laku), kai tamsios vietos buvo sustiprintos ir pašviesintos pridedant klijų. Ankstyvas kelių spalvų spaudinys, pasirodęs 1741 arba 1742 m., buvo vadinamas benizuri-e (aviečių spauda) ir dažniausiai naudojo tris spalvas – rožinę-raudoną, žalią ir kartais geltoną. Tikrai kelių spalvų spaudiniai, naudojantys visą paletę ir vadinami nishiki-e (brokatiniai vaizdai), pasirodė 1765 m.

Daugelis graviruotojų ne tik kūrė atskirus spaudinius, bet ir iliustravo knygas ir užsidirbo pinigų gamyboje erotines iliustracijas knygose ir ritiniuose. Reikėtų nepamiršti, kad ukiyo-e graviūrą sudarė trys veiklos rūšys: tai buvo braižytojo, kurio vardas yra spaudinys, drožėjas ir spausdintuvas, darbas.

Hishikawa Moronobu (apie 1625-1694) laikomas ukiyo-e spaudinių kūrimo tradicijos pradininku. Kiti „primityvūs“ šio judėjimo menininkai yra Kiyomasu (1694-1716) ir Kaigetsudo grupė (keista menininkų bendruomenė, kurios egzistavimas lieka neaiškus), taip pat Okumura Masanobu (1686-1764).

Pereinamojo laikotarpio menininkai, kūrę benizuri-e spaudinius, buvo Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktyvus apie 1751-1760) ir Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Suzuki Harunobu (1725-1770) darbai pradėjo polichrominės graviūros erą. Švelniomis, beveik neutraliomis spalvomis pripildyti, grakščių damų ir galantiškų meilužių apgyvendinti Harunobu piešiniai sulaukė didžiulės sėkmės. Maždaug tuo pačiu metu su juo dirbo Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) ir Kitagawa Utamaro (1753–1806). Kiekvienas iš jų prisidėjo prie šio žanro plėtros; meistrai baigė graviūras, vaizduojančias grakščias gražuoles ir žinomų aktorių iki tobulumo. Per kelis mėnesius 1794–1795 m. paslaptingasis Tosusai Saraku sukūrė stulbinančiai galingus ir atvirai žiaurius to meto aktorių portretus.

Pirmaisiais XIX a. žanras buvo pasiekęs brandą ir ėmė nykti. Katsushika Hokusai (1760-1849) ir Ando Hiroshige (1797-1858) – didžiausi epochos meistrai, kurių kūryba sieja graviūros meno nuosmukį XIX a. pradžioje ir naujas jos atgimimas. Abu pirmiausia buvo peizažistai, kurie savo graviūrose užfiksavo šiuolaikinio gyvenimo įvykius. Puikus drožėjų ir spaustuvininkų technikos įvaldymas leido graviruojant perteikti įnoringas linijas ir menkiausius besileidžiančios saulės ar auštant kylančio rūko atspalvius.

Meiji restauracija ir modernusis laikotarpis.

Dažnai atsitinka, kad tam tikros tautos senovės menas yra skurdus vardų, datų ir išlikusių kūrinių, todėl bet kokius sprendimus galima priimti tik labai atsargiai ir sąlygiškai. Tačiau ne mažiau sunku spręsti apie šiuolaikinį meną, nes iš mūsų atimama istorinė perspektyva teisingai įvertinti bet kurio judėjimo ar menininko ir jo kūrybos mastą. Japonijos meno studijos nėra išimtis, o daugiausia, ką galima padaryti, tai pateikti šiuolaikinio meno panoramą ir padaryti preliminarias išvadas.

antroje pusėje XIX a. Japonijos uostai vėl buvo atidaryti prekybai, o politinėje arenoje įvyko didelių pokyčių. 1868 m. buvo panaikintas šogunatas ir atkurta imperatoriaus Meiji valdžia. Oficiali imperatoriaus sostinė ir rezidencija buvo perkelta į Edą, o pats miestas tapo žinomas kaip Tokijas (rytų sostinė).

Kaip ir praeityje, tautinės izoliacijos pabaiga sukėlė didelį susidomėjimą kitų tautų pasiekimais. Tuo metu japonai padarė didžiulį šuolį mokslo ir technologijų srityje. Menine prasme Meiji eros pradžia (1868–1912) rodo, kad priimta viskas, kas vakarietiška, įskaitant technologijas. Tačiau šis uolumas truko neilgai, o po jo sekė asimiliacijos laikotarpis, naujų formų atsiradimas, derinantis grįžimą prie savų tradicijų ir naujų vakarietiškų tendencijų.

Žymūs menininkai buvo Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) ir Tomioka Tessai (1836-1942). Pirmieji trys laikėsi tradicinio japoniško stiliaus ir temos, nors ir stengėsi būti originalūs savo nuotaika ir technika. Pavyzdžiui, Seiho dirbo ramioje ir konservatyvioje Kioto atmosferoje. Jo ankstyvieji darbai sukurtas natūralistine Maruyamos maniera, tačiau vėliau daug keliavo po Kiniją ir buvo stipriai paveiktas kinų tapybos tušu. Jo kelionės į muziejus ir vedėjus meno centrai Europa taip pat paliko pėdsaką jo kūryboje. Iš visų iškilių šių laikų menininkų tik vienas Tomioka Tessai priartėjo prie naujo stiliaus sukūrimo. Energinguose ir galinguose jo darbuose derinamos šiurkščios, vingiuotos, dantytos linijos ir juodo rašalo dėmės su smulkiai perteiktais spalvų ploteliais. Vėlesniais metais kai kuriems jauniems aliejiniais tapytojais pasisekė ten, kur nepasisekė jų seneliai. Pirmieji bandymai dirbti su šia neįprasta medžiaga priminė paryžietiškas drobes ir nepasižymėjo nei ypatinga verte, nei konkrečiai japoniškais bruožais. Tačiau dabar kuriami išskirtinio patrauklumo kūriniai, kuriuose per abstrakčias temas suspindi būdingas japonų spalvų ir nuotaikos pojūtis. Kiti menininkai, dirbdami su natūralesniu ir tradiciniu rašalu, o kartais kaip pradinį motyvą naudodami kaligrafiją, kuria energingus abstrakčius darbus ryškiomis juodomis spalvomis su pilkais atspalviais.

Kaip ir Edo laikotarpiu, XIX–XX a. skulptūra nebuvo populiari. Tačiau net ir šioje srityje atstovai šiuolaikinė karta, studijavęs Amerikoje ir Europoje, labai sėkmingai eksperimentavo. Nedidelės bronzinės skulptūros, abstrakčios formos ir keistais pavadinimais, rodo japonišką linijos ir spalvų pojūtį, ryškų naudojant švelniai žalią ar šiltą rudą patiną; Medžio drožyba liudija japonų meilę medžiagos tekstūrai.

Sosaku hanga, japonų „kūrybinis spaudinys“, atsirado tik pirmajame XX amžiaus dešimtmetyje, tačiau kaip ypatingas meno judėjimas užtemdė visas kitas modernaus meno sritis. Šis modernus medžio blokelių spaudinys, griežtai tariant, nėra senesnio ukiyo-e medžio blokelių spaudinio įpėdinis; jie skiriasi stiliumi, temomis ir kūrimo metodais. Menininkai, kurių daugelis buvo stipriai paveikti Vakarų tapybos, suprato savo svarbą meno paveldas ir rado medienoje tinkamą medžiagą savo kūrybiniams idealams išreikšti. Hangų meistrai ne tik piešia, bet ir drožia atvaizdus ant medinių kaladėlių, patys juos margina. Nors aukščiausi pasiekimai šioje meno formoje siejami su medžio dirbiniais, naudojamos visos šiuolaikinės vakarietiškos graviūros technikos. Eksperimentuodami su lapais, virvelėmis ir „rasti objektais“ kartais galima sukurti unikalius paviršiaus tekstūros efektus. Iš pradžių šio judėjimo meistrai buvo priversti siekti pripažinimo: juk net geriausi ukiyo-e mokyklos pasiekimai intelektualiems menininkams buvo siejami su neraštinga minia ir laikė plebėjų menu. Tokie menininkai kaip Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi ir Maekawa Senpan daug nuveikė, kad sugrąžintų pagarbą spaudai ir taptų verta vaizduojamojo meno šaka. Į savo grupę jie pritraukė daug jaunų menininkų, o graverių dabar – šimtai. Tarp šios kartos meistrų, pelniusių pripažinimą Japonijoje ir Vakaruose, yra Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen ir Saito Kiyoshi. Tai meistrai, kurių naujovės ir neabejotinas talentas pelnė jiems deramą vietą tarp pirmaujančių Japonijos menininkų. Daugelis jų bendraamžių ir kitų jaunesnių hangos menininkų taip pat kūrė nuostabius spaudinius; Tai, kad čia neminome jų pavardžių, nereiškia žemo jų darbo įvertinimo.

DEKORATYVINIAI MENAI, ARCHITEKTŪRA IR SODAI

Ankstesniuose skyriuose daugiausia kalbėjome apie tapybą ir skulptūrą, kurios daugumoje šalių laikomos pagrindinėmis rūšimis vaizdiniai menai. Gali būti nesąžininga straipsnio pabaigoje įtraukti dekoratyvinį meną ir liaudies amatus, sodo meną ir architektūrą – formas, kurios buvo svarbi ir neatsiejama japonų meno dalis. Tačiau, išskyrus galbūt architektūrą, jiems reikia ypatingo dėmesio bendroji periodizacija Japonijos menas ir su stiliaus pokyčiais.

Keramika ir porcelianas.

Svarbiausi menai ir amatai Japonijoje yra keramika ir porcelianas. Keramikos menas natūraliai skirstomas į dvi kategorijas. Puikus polichrominis Imari, Nabeshima ir Kakiemon porcelianas gavo savo pavadinimą iš gamybos vietų, o jo turtinga tapyba ant kreminio ar melsvai balto paviršiaus buvo skirta aukštuomenei ir dvaro sluoksniams. Tikro porceliano gamybos procesas Japonijoje tapo žinomas XVI amžiaus pabaigoje arba XVII amžiaus pradžioje; lėkštės ir dubenys su lygia glazūra, su asimetrišku ar brokato raštu, yra vertinami tiek namuose, tiek Vakaruose.

Skirtingai nuo porceliano, šiurkščiuose induose, pagamintuose iš žemos kokybės molio ar akmens masės, būdingų Shino, Oribe ir Bizen, dėmesys sutelkiamas į medžiagą, iš pažiūros neatsargų, bet apgalvotą dekoratyvinių elementų išdėstymą. Įtakoti dzenbudizmo koncepcijos, tokie indai buvo labai populiarūs intelektualų sluoksniuose ir buvo plačiai naudojami, ypač arbatos ceremonijose. Daugybė puodelių, arbatinukų ir arbatinukų, arbatos ceremonijos meno atributų, įkūnijo pačią dzenbudizmo esmę: griežtą savidiscipliną ir griežtą paprastumą. Japonijos dekoratyvinio meno klestėjimo laikais talentingi menininkai Korinas ir Kenzanas užsiėmė keramikos gaminių dekoravimu. Reikia atsiminti, kad Kenzano šlovė labiau siejama su keramiko, o ne tapytojo talentu. Kai kurie iš paprasčiausių indų tipų ir technikų kilę iš liaudies amatų tradicijų. Šiuolaikinės dirbtuvės, tęsdamos senas tradicijas, gamina gražius gaminius, kurie džiugina elegantišku paprastumu.

Lako gaminiai.

Jau VII-VIII a. lakas buvo žinomas Japonijoje. Nuo šių laikų buvo išsaugoti dėžučių dangteliai, puošti žmonių atvaizdais ir plonomis aukso linijomis užteptais geometriniais motyvais. Jau kalbėjome apie sauso lakavimo technikos svarbą skulptūrai VIII ir IX amžiuje; tuo pat metu ir vėliau buvo gaminami dekoratyviniai daiktai, tokie kaip dėžutės laiškams ar dėžutės smilkalams. Edo laikotarpiu šie gaminiai buvo gaminami dideliais kiekiais ir su prabangiausia apdaila. Prabangiai dekoruotos pietų, pyragų, smilkalų ir vaistų dėžutės, vadinamos inro, atspindėjo šiam laikui būdingą turtą ir meilę prabangai. Daiktų paviršius puoštas aukso ir sidabro miltelių raštais, aukso folijos gabalėliais, atskirai arba kartu su įdėklais su kriauklelėmis, perlamutru, alavo ir švino lydiniu ir kt.; šie raštai kontrastavo su lakuotu raudonu, juodu ar rudu paviršiumi. Kartais piešinius lakams darė menininkai, pavyzdžiui, Korinas ir Koetsu, tačiau mažai tikėtina, kad jie asmeniškai dalyvavo šiuose darbuose.

Kardai.

Japonai, kaip jau buvo sakyta, ilgą savo istorijos laikotarpį buvo karių tauta; ginklai ir šarvai buvo laikomi būtinybe didelei daliai gyventojų. Kardas buvo vyro pasididžiavimas; tiek pati geležtė, tiek visos kitos kardo dalys, ypač kotas (tsuba), buvo dekoruotos įvairia technika. Tsuba, pagaminta iš geležies arba bronzos, buvo puošiama aukso ir sidabro įdėklais, padengta raižiniais arba apipjaustyta abiem. Juose buvo vaizduojami peizažai arba žmonių figūros, gėlės ar šeimos herbai (mon). Visa tai papildė kardų kūrėjų darbą.

Audiniai.

Gausiai marginti šilkai ir kiti audiniai, rūmų ir dvasininkų mėgstami gausybės ir gausos laikais, taip pat paprasti audiniai su beveik primityviu liaudies menui būdingu dizainu taip pat yra nacionalinio japonų talento išraiška. Prabangioje Genroku eroje pasiekęs piką tekstilės menas vėl suklestėjo šiuolaikinėje Japonijoje. Joje sėkmingai derinamos Vakarų idėjos ir dirbtiniai pluoštai su tradicinėmis spalvomis ir dekoratyviniais motyvais.

Sodai.

Pastaraisiais dešimtmečiais susidomėjimas japoniškais sodais ir architektūra išaugo dėl padidėjusio Vakarų visuomenės susidomėjimo šiomis meno formomis. Sodai Japonijoje užima ypatingą vietą; jie yra aukštų religinių ir filosofinių tiesų išraiška ir simbolis, o šie neaiškūs, simboliniai atspalviai kartu su akivaizdžiu sodų grožiu patraukia Vakarų pasaulio susidomėjimą. Negalima sakyti, kad buvo religinės ar filosofinės idėjos Pagrindinė priežastis kurdama sodus, tačiau planuodama ir kurdama sodą menininkė planuotoja laikė tokius elementus, kurių apmąstymas paskatintų žiūrovą susimąstyti apie įvairias filosofines tiesas. Čia kontempliatyvusis dzenbudizmo aspektas įkūnytas neįprastų akmenų, grėbto smėlio ir žvyro bangose, sujungtose su velėna, arba augalais, išdėstytais taip, kad už jų išnyksta upelis, o paskui vėl atsiranda – visa tai skatina žiūrovą užbaigti statybos planus. sodo idėjos. Pirmenybė neaiškioms užuominoms, o ne aiškiems paaiškinimams, būdinga dzen filosofijai. Šių idėjų tęsinys yra nykštukiniai bonsai medžiai ir maži sodai vazonuose, dabar populiarūs Vakaruose.

Architektūra.

Pagrindinis architektūros paminklai Japonija – tai šventyklos, vienuolynų kompleksai, feodalinės pilys ir rūmai. Nuo seniausių laikų iki šių dienų mediena buvo pagrindinė statybinė medžiaga ir daugiausia lemia dizaino ypatybes. Seniausi religiniai pastatai yra nacionalinės japonų religijos šintoizmo šventovės; sprendžiant iš tekstų ir brėžinių, tai buvo gana paprasti statiniai su šiaudiniu stogu, tarsi senoviniai būstai. Šventyklų pastatai, pastatyti po budizmo plitimo ir su juo susiję, buvo paremti kinų prototipais savo stiliumi ir išdėstymu. Budistų šventyklų architektūra laikui bėgant skyrėsi, o pastatų apdaila ir išdėstymas įvairiose sektose skyrėsi. Japonijos pastatai išsiskiria didžiulėmis salėmis su aukštais stogais ir sudėtingomis konsolių sistemomis, o jų dekoras atspindėjo savo laikmečio skonį. Paprasta ir didinga Horyuji komplekso, pastatyto netoli Naros 7 amžiaus pradžioje, architektūra yra tokia pat būdinga Asuka laikotarpiui, kaip ir Hudo, Udži „Fenikso salės“ proporcijų grožis ir elegancija, atsispindintys Lotoso ežere. , yra Heiano laikotarpio. Įmantresni Edo laikotarpio pastatai įgavo papildomą puošybą – gausiai nudažytų stumdomų durų ir širmų pavidalu, pagamintų tų pačių „didžiųjų dekoratorių“, kurie puošė pilių su grioviais ir feodalų rūmų interjerus.

Japonijos architektūra ir sodai yra taip glaudžiai susiję, kad gali būti laikomi vienas kito dalimis. Tai ypač pasakytina apie pastatus ir sodo namelius, skirtus arbatos ceremonijai. Didelę įtaką daro jų atvirumas, paprastumas ir kruopščiai apgalvotas santykis su kraštovaizdžiu bei perspektyva moderni architektūra Vakarai.

JAPONIŠKO MENO ĮTAKA VAKARUOSE

Vos per vieną šimtmetį Japonijos menas tapo žinomas Vakaruose ir padarė jam didelę įtaką. Buvo ir anksčiau kontaktų (pavyzdžiui, olandai su Japonija prekiavo per Nagasakio uostą), tačiau XVII amžiuje Europą pasiekę objektai daugiausia buvo taikomosios dailės kūriniai – porcelianas ir lako dirbiniai. Jie buvo noriai renkami kaip įdomybės ir įvairiais būdais kopijuojami, tačiau šis dekoratyvinis eksportas neatspindėjo japonų meno esmės ir kokybės ir netgi suteikė japonams nepakartojamą vakarietiško skonio idėją.

Pirmą kartą Vakarų tapyba buvo tiesiogiai paveikta japonų meno Europoje 1862 m. per didžiulę tarptautinę parodą Londone. Po penkerių metų Paryžiaus parodoje pristatyti japoniški medžio blokelių spaudiniai vėl sukėlė didelį susidomėjimą. Iš karto atsirado keletas privačių graviūrų kolekcijų. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh ir kiti japonų spalvotus spaudinius suvokė kaip apreiškimą; Dažnai pastebima menka, bet visada atpažįstama japonų spaudinių įtaka impresionistams. Amerikietes Whistler ir Mary Cassatt patraukė santūrios linijos ir ryškios ukiyo-e spaudinių ir paveikslų spalvų dėmės.

Japonijos atvėrimas užsieniečiams 1868 m. sukėlė pamišimą dėl visko, kas vakarietiška, ir paskatino japonus nusigręžti nuo savo turtingos kultūros ir meno paveldo. Tuo metu daug gražių paveikslų ir skulptūrų buvo parduota ir pateko į Vakarų muziejus bei privačias kolekcijas. Šių objektų parodos supažindino Vakarus su Japonija ir paskatino domėtis kelionėmis į Tolimuosius Rytus. Žinoma, Japoniją okupavus amerikiečių kariams Antrojo pasaulinio karo pabaigoje, atsirado daugiau galimybių nei anksčiau tyrinėti ir sužinoti daugiau apie Japonijos šventyklas ir jų lobius. Šis susidomėjimas atsispindėjo lankant Amerikos muziejus. Susidomėjimas Rytais apskritai sužadino Japonijos meno kūrinių, atrinktų iš Japonijos viešųjų ir privačių kolekcijų ir atvežtų į Ameriką bei Europą, parodų organizavimą.

Moksliniai tyrimai paskutiniais dešimtmečiais daug nuveikė, kad paneigtų nuomonę, kad japonų menas yra tik kinų kalbos atspindys, ir daugybė Japonijos publikacijų Anglų kalba supažindino Vakarus su Rytų idealais.

Atrodo, kad šiuolaikinė Japonijos meno scena yra visiškai globalizuota. Menininkai juda tarp Tokijo ir Niujorko, beveik visi įgijo europietišką ar amerikietišką išsilavinimą, apie savo kūrybą kalba tarptautine meno anglų kalba. Tačiau šis vaizdas toli gražu nėra baigtas.

Tautinės formos ir tendencijos pasirodo kaip viena paklausiausių prekių, kurias Japonija gali pasiūlyti pasaulinei meninių idėjų ir kūrinių rinkai.

Lėktuvo veikimas. Kaip superflat judėjimas sujungia Amerikos geek kultūrą ir tradicinę japonų tapybą

Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"

Jei Vakarų pasaulyje beveik visiems (išskyrus bene aršiausius postmodernizmo teoretikus) riba tarp aukštosios ir masinės kultūros vis dar išlieka aktuali, nors ir problemiška, tai Japonijoje šie pasauliai yra visiškai susimaišę.

To pavyzdys yra Takashi Murakami, kuris sėkmingai derina parodas geriausiose pasaulio galerijose ir transliuojamą produkciją.

Ekskursijos po Murakami parodą „Bus švelnus lietus“ įrašas

Tačiau Murakami santykis su populiariąja kultūra – o Japonijai tai visų pirma manga ir anime gerbėjų kultūra (otaku) – yra sudėtingesnis. Filosofas Hiroki Azuma kritikuoja otaku kaip autentiško japoniško reiškinio supratimą. Otaku laiko save tiesiogiai susijusiais su XVII–XIX amžiaus Edo laikotarpio tradicijomis - izoliacionizmo ir atsisakymo modernizuotis eros. Azuma teigia, kad otaku judėjimas – susietas su manga, animacija, grafiniais romanais, kompiuteriniais žaidimais – galėjo atsirasti tik pokario Amerikos okupacijos kontekste dėl Amerikos kultūros importo. Murakami ir jo pasekėjų menas iš naujo išranda otaku naudojant pop meno metodus ir paneigia nacionalistinį mitą apie šios tradicijos autentiškumą. Tai reiškia „japonizuotos Amerikos kultūros reamerikanizaciją“.

Meno istoriniu požiūriu superflat yra artimiausias ankstyvajai japonų tapybai ukiyo-e. Garsiausias šios tradicijos kūrinys yra Katsushika Hokusai (1823–1831) spaudinys „Didžioji banga prie Kanagavos“.

Vakarų modernizmui japonų tapybos atradimas buvo proveržis. Tai leido pamatyti paveikslą kaip plokštumą ir stengiasi ne įveikti šią jo savybę, o dirbti su juo.

Katsushiki Hokusai. „Didžioji banga prie Kanagavos“

Performanso meno pradininkai. Ką šiandien reiškia šeštojo dešimtmečio japonų menas

Akiros Kanayamos ir Kazuo Shiragos kūrybinio proceso dokumentavimas

Superflat susiformavo tik 2000-aisiais. Tačiau pasauliniam menui reikšmingi meniniai įvykiai Japonijoje prasidėjo daug anksčiau – ir net anksčiau nei Vakaruose.

Performatyvus posūkis mene įvyko praėjusio amžiaus 60-70-ųjų sandūroje. Japonijoje performanso menas atsirado šeštajame dešimtmetyje.

Pirmą kartą „Gutai“ grupė savo dėmesį nuo savarankiškų objektų kūrimo perkėlė į jų gamybos procesą. Nuo čia yra vienas žingsnis nuo meno objekto apleidimo trumpalaikio įvykio labui.

Nors pavieniai gutai menininkai (iš viso per dvidešimt metų jų buvo 59) aktyviai gyvavo tarptautiniame kontekste, Vakaruose Japonijos pokario menas kaip kolektyvinė veikla apskritai pradėtas suprasti visai neseniai. Bumas atėjo 2013 m.: kelios parodos nedidelėse Niujorko ir Los Andželo galerijose, „Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde“ MoMA ir didelės apimties istorinė retrospektyva „Gutai: Splendid Playground“ Guggenheimo muziejuje. Atrodo, kad Maskvos japonų meno importas yra beveik pavėluotas šios tendencijos tęsinys.

Sadamasa Motonaga. Darbas (vanduo) Guggenheimo muziejuje

Nuostabu, kaip šiuolaikiškai atrodo šios retrospektyvinės parodos. Pavyzdžiui, pagrindinis Guggenheimo muziejaus parodos objektas – Sadamasa Motonaga „Darbas (vanduo)“ rekonstrukcija, kurioje muziejaus rotondos lygiai sujungiami polietileno vamzdeliais su spalvotu vandeniu. Jie primena nuo drobės nuplėštus teptuko potėpius ir parodo pagrindinį Gutai dėmesį į „konkretumą“ (kaip grupės pavadinimas verčia iš japonų kalbos), objektų, su kuriais menininkas dirba, medžiagiškumą.

Daugelis Gutai dalyvių įgijo išsilavinimą, susijusį su klasikine nihonga tapyba, daugelis yra biografiškai susieti su religiniu dzenbudizmo kontekstu, jam būdinga japonų kaligrafija. Visi jie rado naują, procedūrinį ar dalyvaujamąjį požiūrį į senąsias tradicijas. Kazuo Shiraga įrašė vaizdo įrašus, kaip savo monochromines nuotraukas, numatydamas Rauschenbergą, piešė kojomis, ir netgi kūrė paveikslus viešai.

Minoru Yoshida gėles iš japoniškų spaudinių pavertė psichodeliniais objektais – to pavyzdys yra Biseksuali gėlė, viena pirmųjų kinetinių (judančių) skulptūrų pasaulyje.

Parodos Gugenheimo muziejuje kuratoriai pasakoja apie šių darbų politinę reikšmę:

„Gutai pademonstravo laisvo individualaus veiksmo, žiūrovų lūkesčių griovimo ir net kvailumo svarbą kaip būdus atremti socialinį pasyvumą ir konformiškumą, kurie kelis dešimtmečius leido militaristinei vyriausybei įgyti kritinę įtakos masę, įsiveržti į Kiniją ir tada prisijunk prie Antrojo pasaulinio karo“.

Geras ir protingas. Kodėl menininkai septintajame dešimtmetyje išvyko iš Japonijos į Ameriką?

Gutai buvo taisyklės išimtis pokario Japonijoje. Avangardinės grupės liko marginalios, meno pasaulis buvo griežtai hierarchinis. Pagrindinis kelias į pripažinimą buvo dalyvavimas pripažintų klasikinių menininkų asociacijų konkursuose. Todėl daugelis teikė pirmenybę išvykti į Vakarus ir integruotis į anglų kalbos meno sistemą.

Ypač sunku buvo moterims. Netgi pažangiuose Gutuose jų buvimo dalis nesiekė net penktadalio. Ką jau kalbėti apie tradicines institucijas, prie kurių reikėjo patekti Specialusis ugdymas. Iki šeštojo dešimtmečio merginos jau buvo įgijusios teisę į tai, bet mokėsi meno (jei nekalbėtume apie dekoratyvinį meną, kuris buvo įgūdžių rinkinio dalis) ryosai kenbo- gera žmona ir išmintinga motina) buvo socialiai nepriimtina veikla.

Yoko Ono. Iškirpti gabaliuką

Istorija apie penkių galingų japonų menininkų emigraciją iš Tokijo į Valstijas tapo Midori Yoshimoto studijos „Į pasirodymą: japonų menininkės Niujorke“ tema. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ir Shigeko Kubota savo karjeros pradžioje nusprendė persikelti į Niujorką ir dirbo ten, įskaitant japonų meno tradicijų modernizavimą. Tik Yoko Ono užaugo Jungtinėse Valstijose, tačiau ji taip pat sąmoningai atsisakė grįžti į Japoniją, nusivylusi menine Tokijo hierarchija per trumpą viešnagę 1962–1964 m.

Ono tapo garsiausia iš šių penketukų – ne tik kaip Johno Lennono žmona, bet ir kaip proto-feministinių performansų, skirtų moters kūno objektyvavimui, autorė. Yra akivaizdžių paralelių tarp Ono „Cut Piece“, kuriame žiūrovai galėjo nukirpti menininko drabužių gabalus, ir „performanso močiutės“ Marinos Abramovič „Ritmas 0“.

Ant trumpų kojų. Kaip išmokti Tadashi Suzuki originalų vaidybos mokymą

Ono ir Gutų atveju jų darbo metodai ir temos, atskirtos nuo autorių, tapo tarptautiniu mastu reikšmingu. Yra ir kitų eksporto formų – kai menininko darbai su susidomėjimu priimami tarptautinėje arenoje, tačiau pats metodas dėl savo specifikos nėra pasiskolintas. Ryškiausias atvejis – Tadashi Suzuki aktorinio mokymo sistema.

Suzuki teatras mėgstamas net Rusijoje – ir tai nenuostabu. Paskutinį kartą jis mus aplankė 2016 metais su spektakliu „Trojos moterys“ pagal Euripido tekstus, o 2000-aisiais kelis kartus atvyko su Šekspyro ir Čechovo pastatymais. Suzuki pjesių veiksmą perkėlė į dabartinį Japonijos kontekstą ir pasiūlė neakivaizdžių tekstų interpretacijų: Ivanove atrado antisemitizmą ir palygino jį su niekinančiu japonų požiūriu į kinus bei perkėlė karaliaus Lyro veiksmą. į japonų beprotnamį.

Suzuki sukūrė savo sistemą prieštaraudamas rusų teatro mokyklai. IN pabaigos XIX amžiuje, vadinamuoju Meiji laikotarpiu, modernėjanti imperinė Japonija patyrė opozicinių judėjimų kilimą. Rezultatas buvo didelio masto anksčiau buvusios itin uždaros kultūros vesternizacija. Tarp importuotų formų buvo Stanislavskio sistema, kuri iki šiol išlieka vienu iš pagrindinių režisūrinių metodų Japonijoje (ir Rusijoje).

Suzuki pratimai

Šeštajame dešimtmetyje, kai Suzuki pradėjo savo karjerą, vis labiau plito tezė, kad japonų aktoriai dėl savo fizinių savybių negali priprasti prie vaidmenų iš vakarietiškų tekstų, kurie užpildė tuometinį repertuarą. Jaunam režisieriui pavyko pasiūlyti įtikinamiausią alternatyvą.

Suzuki pratimų sistema, vadinama kojų gramatika, apima dešimtis būdų sėdėti, dar daugiau stovėti ir vaikščioti.

Jo aktoriai dažniausiai vaidina basi ir dėl pažeminto svorio centro atrodo kiek įmanoma sunkesni, pririšti prie žemės. Suzuki juos ir užsienio atlikėjus moko savo technikos Togos kaime, senoviniuose japonų namuose, užpildytuose modernia įranga. Jo trupė per metus surengia tik apie 70 spektaklių, o likusį laiką gyvena, beveik neišvykdama iš kaimo ir neturėdama laiko asmeniniams reikalams – tik darbui.

Centras Togoje atsirado aštuntajame dešimtmetyje, jį direktoriaus užsakymu suprojektavo pasaulinio garso architektas Arata Isozaka. Suzuki sistema gali atrodyti patriarchališka ir konservatyvi, tačiau jis pats apie Togą kalba šiuolaikinėmis decentralizavimo sąlygomis. Dar 2000-ųjų viduryje Suzuki suprato meno eksporto iš sostinės į regionus ir vietinių gamybos punktų organizavimo svarbą. Pasak režisieriaus, Japonijos teatrinis žemėlapis daugeliu atžvilgių panašus į Rusijos – menai sutelkti Tokijuje ir keliuose mažesniuose centruose. Rusų teatras taip pat galėtų pasinaudoti kompanija, kuri reguliariai vyksta į gastroles į mažus miestelius ir yra įsikūrusi toli nuo sostinės.

SCOT įmonių centras Togoje

Gėlių takai. Kokius išteklius šiuolaikinis teatras atrado noh ir kabuki sistemose?

Suzuki metodas išauga iš dviejų senovės japonų tradicijų – Kabuki. Tai ne tik tai, kad šios teatro rūšys dažnai apibūdinamos kaip vaikščiojimo menas, bet ir akivaizdesnės detalės. Suzuki dažnai vadovaujasi taisykle, kad visus vaidmenis atlieka vyrai, ir naudoja būdingus erdvinius sprendimus, pavyzdžiui, Kabuki pavyzdžio hanamichi („gėlių kelias“) – platformą, besitęsiančią nuo scenos į salės gilumą. Jis taip pat naudoja labai atpažįstamus simbolius, tokius kaip gėlės ir ritiniai.

Žinoma, į globalus pasaulis Nekalbama apie japonų privilegiją naudoti savo nacionalines formas.

Vieno reikšmingiausių mūsų laikų režisierių, amerikiečio Roberto Wilsono, teatras buvo pastatytas iš jo pasiskolinimų.

Jis naudoja ne tik Japoniją masinei publikai primenančias kaukes ir makiažą, bet ir skolinasi maksimaliu sulėtintu judesiu bei savarankišku gesto išraiškingumu paremtus vaidybos metodus. Derindamas tradicines ir ritualines formas su pažangiausiomis apšvietimo partitūromis ir minimalistine muzika (vienas žinomiausių Wilsono darbų yra Philipo Glasso „Einšteinas paplūdimyje“ pastatymas), Wilsonas iš esmės sukuria kilmės ir aktualumo sintezę, kurios siekia daugelis šiuolaikinio meno.

Robertas Wilsonas. "Einšteinas paplūdimyje"

Iš noh ir kabuki išaugo vienas iš šiuolaikinio šokio ramsčių – butoh, pažodžiui išvertus – tamsos šokis. Sukurtas 1959 m. choreografų Kazuo Ono ir Tatsumi Hijikata, kurie taip pat rėmėsi žemu svorio centru ir susikaupimu ant kojų, butoh reprezentavo apmąstymų apie traumuojančius karo išgyvenimus vertimą į fizinę dimensiją.

„Jie parodė kūną, kuris buvo ligotas, irstantis, net siaubingas, siaubingas.<…>Judesiai kartais lėti, kartais sąmoningai aštrūs, sprogstantys. Tam naudojama speciali technika, kai judesys atliekamas tarsi nenaudojant pagrindinių raumenų, dėl skeleto kaulinių svirčių“, – į kūno išlaisvinimo istoriją butoh rašo šokio istorikė Irina Sirotkina, jungianti. tai su nukrypimu nuo baleto normatyvumo. Ji lygina buto su XX amžiaus pradžios šokėjų ir choreografų – Isadoros Duncan, Martha Graham, Mary Wigman – praktikomis, pasakoja apie įtaką vėlesniam „postmoderniam“ šokiui.

Katsuros Kan, šiuolaikinės buto tradicijos tęsėjos, šokio fragmentas

Šiandien buto pradine forma nebėra avangardinė praktika, o istorinė rekonstrukcija.

Tačiau Ono, Hijikata ir jų pasekėjų sukurtas judėjimų žodynas išlieka vertingu šaltiniu šiuolaikiniai choreografai. Vakaruose jį naudoja Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ir netgi „The Weekend“ vaizdo įraše „Belong To The World“. Japonijoje buto tradicijos tęsėjas yra, pavyzdžiui, Saburo Teshigawara, kuris į Rusiją atvyks spalį. Nors jis pats neigia bet kokias paraleles su tamsos šokiu, kritikai randa gana atpažįstamų ženklų: iš pažiūros be kaulo kūnas, trapumas, tylūs žingsniai. Tiesa, jie jau patalpinti į postmodernios choreografijos kontekstą – su dideliu tempu, bėgiojimu, darbu su postindustrine noise muzika.

Saburo Teshigawara. Metamorfozė

Vietinis pasaulinis. Kuo šiuolaikinis japonų menas panašus į Vakarų meną?

Teshigawara ir daugelio jo kolegų darbai sklandžiai įsilieja į geriausių Vakarų šiuolaikinio šokio festivalių programas. Greitai pasižiūrėjus į festivalio/Tokijo – didžiausio kasmetinio Japonijos teatro pasirodymo – spektaklių ir spektaklių aprašymus, bus sunku pastebėti esminius skirtumus nuo Europos tendencijų.

Viena iš pagrindinių temų yra vietos specifika – japonų menininkai tyrinėja Tokijo erdves nuo kapitalizmo gniužulų dangoraižių pavidalu iki ribinių otaku koncentracijos sričių.

Kita tema – kartų nesusipratimo plėtojimas, teatras kaip įvairaus amžiaus žmonių gyvo susitikimo ir organizuoto bendravimo vieta. Jai skirti Toshiki Okados ir Akiros Tanayamos projektai kelerius metus iš eilės buvo atvežti į Vieną viename svarbiausių Europos performatyvaus meno festivalių. Iki 2000-ųjų pabaigos dokumentinės medžiagos ir asmeninių istorijų iškėlimas į sceną nebuvo nieko naujo, tačiau Vienos festivalio kuratorius šiuos projektus pristatė visuomenei kaip galimybę gyvam, tikslingam kontaktui su kita kultūra.

Kita pagrindinė kryptis – darbas per trauminius išgyvenimus. Japonams tai asocijuojasi ne su Gulagu ar Holokaustu, o su Hirosimos ir Nagasakio bombardavimu. Teatras apie tai nuolat mini, tačiau galingiausias teiginys apie atominius sprogimus kaip visos šiuolaikinės japonų kultūros atsiradimo momentą vis dar priklauso Takashi Murakami.

parodai „Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“

„Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture“ – taip pavadintas jo kuratorinis projektas, parodytas Niujorke 2005 m. „Little Boy“ – rusiškai „kūdikis“ – taip vadinasi viena iš 1945 m. Japonijoje numestų bombų. Surinkęs šimtus manga komiksų iš garsiausių iliustratorių, išskirtinių senovinių žaislų ir suvenyrų, sukurtų pagal garsiąją anime – nuo ​​Godzilos iki Hello Kitty, Murakami išpūtė mielų kawaii koncentraciją muziejaus erdvėje iki ribos. Tuo pačiu metu jis pradėjo animacinių filmų rinkinį, kuriame pagrindiniai vaizdai buvo sprogimų, plikos žemės ir sunaikintų miestų nuotraukos.

Šis kontrastas tapo pirmuoju plataus masto teiginiu apie japonų kultūros infantilizavimą kaip būdą susidoroti su potrauminio streso sutrikimu.

Dabar ši išvada atrodo akivaizdi. Tuo remiasi Inuhiko Yomota akademiniai kawaii tyrimai.

Yra ir vėlesnių trauminių veiksnių. Svarbiausi yra 2011 metų kovo 11-osios įvykiai – žemės drebėjimas ir cunamis, dėl kurių Fukušimos atominėje elektrinėje įvyko didelė avarija. Festivalyje / Tokijas 2018 visa šešių pasirodymų programa buvo skirta stichinės ir technologinės nelaimės padariniams suprasti; jie taip pat tapo vieno iš Solyankoje pristatytų darbų tema. Šis pavyzdys aiškiai parodo, kad Vakarų ir Japonijos meno kritinių metodų arsenalas iš esmės nesiskiria. Haruyuki Ishii sukuria trijų televizorių instaliaciją, kuri atkuria didelio tempo, ciklo filmuotą medžiagą iš televizijos programų apie žemės drebėjimą.

„Kūrinį sudaro 111 vaizdo įrašų, kuriuos menininkas kasdien žiūrėjo per žinias, kol viskas, ką jis pamatė, buvo pradėta suvokti kaip fikcija“, – aiškina kuratoriai. „Naujoji Japonija“ – ryškus pavyzdys, kaip menas neatsispiria tautiniais mitais paremtai interpretacijai, tačiau kartu kritiškas žvilgsnis atskleidžia, kad ta pati interpretacija gali būti aktuali bet kokios kilmės menui. Kuratoriai aptaria kontempliaciją kaip japonų tradicijos pagrindą, remdamiesi Lao Tzu citatomis. Tuo pačiu metu, tarsi paliekant skliaustus, beveik visas šiuolaikinis menas yra orientuotas į „stebėtojo efektą“ (taip parodos pavadinimas) – ar tai būtų naujų kontekstų kūrimas pažįstamų reiškinių suvokimui, ar iškėlimas. adekvataus suvokimo kaip tokio galimybės klausimas.

„Imagined Communities“ yra dar vienas vaizdo menininko Haruyuki Ishii darbas

Žaidimas

Tačiau nereikėtų manyti, kad 2010 m. Japonija reprezentuoja progresyvumo koncentraciją.

Seno gero tradicionalizmo įpročiai ir meilė orientalistinei egzotikai dar neįveikti. „Mergelių teatras“ – taip pavadintas gana žavingas straipsnis apie Japonijos Takarazuka teatrą Rusijos konservatyviame žurnale PTZh. Takarazuka atsirado XIX amžiaus pabaigoje kaip verslo projektas, skirtas pritraukti turistus į atokų to paties pavadinimo miestą, kuris atsitiktinai tapo privataus geležinkelio stotele. Teatre vaidina tik netekėjusios merginos, kurios, pagal geležinkelio savininko planą, turėjo pritraukti į miestą žiūrovus vyrus. Šiandien Takarazuka veikia kaip pramonė – turi savo televizijos kanalą, įtemptą koncertų programą, net vietinį pramogų parką. Tačiau trupėje teisę būti dar turi tik netekėjusios merginos – tikėkimės, jos bent jau netikrins savo nekaltybės.

Tačiau Takarazuka nublanksta prieš Kioto klubą „Toji Deluxe“, kurį japonai dar vadina teatru. Jie rodo absoliučiai laukinius dalykus, sprendžiant iš apibūdinimas„New Yorker“ apžvalgininkas Ianas Buruma, striptizo šou: kelios nenusirengusios merginos scenoje genitalijų demonstravimą paverčia viešu ritualu.

Kaip ir daugelis meninės praktikos, šis pasirodymas paremtas senovės legendomis (žvakės ir padidinamuoju stiklu vyrai iš žiūrovų galėjo pakaitomis tyrinėti „motinos deivės Amaterasu paslaptis“), o pačiam autoriui buvo priminta No tradicija.

Vakarietiškų analogų Takarazukai ir Toji paieškas paliksime skaitytojui – juos rasti nesunku. Tik atkreipkime dėmesį, kad būtent kovoti su tokiomis priespaudos praktikomis yra skirta nemaža dalis šiuolaikinio meno – tiek vakarietiško, tiek japoniško, nuo superflat iki buto šokio.

Japonija – labai įdomi valstybė, žinoma dėl įvairiausių tradicijų ir papročių. Dėl Tekančios saulės žemės geografinės padėties ji buvo šiek tiek izoliuota nuo kitų valstybių, todėl ji vystėsi neatsižvelgiant į Europos šalis. Japonijos kultūra yra nepaprastai turtinga ir įvairi. Istorijos įtakoje susiformavo savitos japonų tradicijos svarbius įvykius. Japonija pamažu virto galinga, vieninga valstybe su būdingais bruožais ir tam tikru gyventojų mentalitetu.

Pagrindiniai japonų kultūros aspektai

Šalies kultūra pasireiškia daugelyje visuomenės sferų. Japonijoje jos aspektai yra;

Arbatos gėrimo procesas japonams yra ne paprastas fiziologinių organizmo poreikių tenkinimas, o tikras kultas. Arbatos ceremoniją Japonijoje lydi ypatinga atributika ir gausu tradicijų. Atrodytų, toks pagarbus požiūris į kasdienį procesą kilo iš budistų vienuolių meditacijos. Jie yra tie, kurie suteikė tiek daug reikšmės arbatos gėrimo procesui.

Europiečiams „kimono“ sąvoka apibūdina nacionalinius Japonijos drabužius. Tačiau pačioje tekančios saulės šalyje yra dvi šio žodžio reikšmės – siaurąja ir plačiąja prasme. Žodis „kimono“ Japonijoje reiškia ne tik tautinį kostiumą, bet ir apskritai visus drabužius. Po kimono, kaip taisyklė, dėvimas specialus chalatas ir septyni diržai. Vasarą dėvimas kimono vadinamas yukata. Priklausomai nuo moters amžiaus, drabužių modelis gali skirtis.

Japonijoje vienu metu sėkmingai skelbiami du religiniai judėjimai – šintoizmas ir budizmas. Šintoizmas atsirado senovės Japonijoje, jis pagrįstas įvairių būtybių garbinimu. Savo ruožtu budizmas yra padalintas į keletą atmainų. Japonijoje yra daug mokyklų, propaguojančių vieną ar kitą budizmo judėjimą.

Alpinariumai yra ypač svarbūs japonų kultūrai. Jie – ne tik turistų dėmesį patraukiantis architektūrinis kūrinys, bet ir vieta dvasinis augimas. Čia japonai randa nušvitimą, apmąstydami akmenines konstrukcijas, išdėstytas specialia tvarka. Alpinariumai apima specifinį dizainą, kurį gali išnarplioti tik apsišvietęs žmogus.

Tango no sekku – berniukų šventė. Ji skirta ne tik visiems mažiems vyriškos lyties atstovams, bet ir visos Japonijos žmonių vyriškumui ir stiprybei. Įprasta šventę švęsti pavasarį, kai gamta bunda ir džiugina savo grožiu. Tango no Sekku dieną berniukais rūpinasi jų tėvai. Tėvas turi papasakoti savo sūnui apie visus japonų karius ir jų žygdarbius. O stalą jam gardžiais valgiais padengia mama.

Vyšnių žiedai laikomi gražiausiu gamtos reiškiniu. Daugelis turistų čia atvyksta būtent norėdami pasimėgauti žydinčio augalo apmąstymu. Pavasarį Japonijos parkuose galima pamatyti dideles minias žmonių. Daugelis šeimų vyksta iškylose ir stebi japoniškų vyšnių grožį.

Viena iš unikalių šalies tradicijų – nusilenkimas. Jie įkūnija gero elgesio taisykles. Japonams nėra įprasta atsisveikinti, jie nusilenkia tiek kartų, kiek pašnekovas.

Samurajus atstovauja tam tikrai visuomenės klasei, kuri susiformavo tradicijų ir papročių įtakoje. Jis turi tiesioginį ryšį su šalies kultūra. Samurajus yra kariai, atliekantys tam tikrą tarnybą, kuri gali būti karinė, saugumo ar buitinė. Bet kuriuo iš šių atvejų samurajus įkūnija Japonijos žmonių drąsą, vyriškumą ir kilnumą.

Senovės Japonijos kultūros formavimosi procesas

Senovės Japonijos kultūra pradėjo vystytis gimus japonų kalbai ir raštui. Tekančios saulės žemė tam pagrindą pasiskolino iš Kinijos. Japonų raštuose taip pat yra hieroglifų, kurių užsienio pilietis negalės suprasti. Laikui bėgant į japonų kalbą pradėjo atsirasti naujų žodžių, garsų ir frazių. Taigi jis buvo visiškai transformuotas bendrų bruožų su Kinija vis dar galima atsekti.

Šalies religingumas taip pat siekia senovės laikus. Šintoizmas buvo įvairių mitologijų raidos pasekmė. Įjungta Šis momentasši doktrina propaguoja lyderių ir mirusių žmonių kultą. Budizmas turi tokias gilias šaknis, kad mokslininkų ir istorikų nuomonės apie tokio tipo religijos atsiradimą labai skiriasi.

Japonijos menas

Beveik visos Japonijoje praktikuojamos meno rūšys turi vieną pagrindinę idėją – ramybę ir atsipalaidavimą. Būtent žmogaus harmonijoje su savimi yra menas, nepriklausomai nuo informacijos pateikimo būdo. Daugelis visame pasaulyje žinomų meno rūšių pradėjo vystytis Japonijoje. Tarp jų galime išskirti origami – galimybę iš popieriaus lankstyti įvairias formas.

Kitas populiari dalis Japonijos menas tapo ikebana. Tai įgūdis formuoti gėlių puokštes naudojant specialias technologijas. Iš čia atsirado ne mažiau populiari veikla, vadinama bonsai. Tai įvairių kompozicijų kūrimas iš žemaūgių medžių. Omijoje, netoli nuo Tokijo, yra visas Bonsai parkas. Kiekvienas čia pateiktas nykštukas yra unikalus ir savaip gražus.

Japonų tapyba nusipelno ypatingos reikšmės, nes kiekvienas paveikslas turi paslėptą prasmę. Paprastai kaip dizainas naudojamos ryškios spalvos, kontrastingi perėjimai ir aiškios linijos. Japonijoje taip pat yra kaligrafijos menas. Tai estetiškai gražaus hieroglifų rašymo įgūdis. Taikomoji dailė taip pat plačiai paplitusi Japonijoje. Tokijuje yra visas muziejus, skirtas šiam amatui. Čia galite pamatyti gaminius iš popieriaus, stiklo ar metalo. Ir tai nėra visas šiam tikslui naudojamų medžiagų sąrašas.

Japoniškas interjero dizaino stilius taip pat nusipelno ypatingo dėmesio. Tai apima funkcionalumą ir paprastumą bei vykdymo originalumą. Be to, interjero dizainas turi religinę filosofiją, kaip ir bet kuri kita japonų meno forma.

Japonijos architektūra

Japonijos architektūros statiniai vienaip ar kitaip siejami su religija. Iš pradžių šventyklų pastatuose dažniausiai nebuvo gėlių. Tai lėmė nedažytos medienos naudojimas statybose. Vėliau jie pradėjo naudoti raudonus ir mėlynus atspalvius.

Mediena Japonijoje laikoma pagrindine architektūrinių pastatų medžiaga. Taip yra dėl to, kad atsargos šio ištekliaus gana didelis šalyje. Be to, kad mediena gerai praleidžia šilumą ir sugeria drėgmę, ji taip pat yra praktiška įvykus žemės drebėjimams, kurie Japonijoje vyksta gana dažnai. Jei akmeninį namą sugriuvus atkurti labai sunku, tai medinį daug lengviau.

Pagrindinis japonų architektūros bruožas yra lygių geometrinių formų buvimas. Dažniausiai tai yra trikampiai ir stačiakampiai. Beveik neįmanoma rasti lygių ir apvalių linijų bet kurioje struktūroje. Pagrindinis principas, kuriuo japonai įrengia savo namus, yra neatsiejamas namo vidaus ir išorės egzistavimas. Tai taikoma japoniškiems sodams. Jie turėtų būti dekoruoti lygiai tokiu pat stiliumi, kaip ir pats namas. Priešingu atveju jis laikomas bloga forma ir visiškai blogu skoniu. Japonai ypatingą dėmesį skiria savo sodams.

Japonijos muzika

Kalbant apie muzikinį vystymąsi, Japonija pažvelgė į kitas šalis, naudodama kai kurias muzikos instrumentai. Tačiau vėliau ji jas modernizavo, veikiama vietinių skonių ir tradicijų. Pirmasis Japonijos klasikinės muzikos formavimąsi paveikė vietinis Dengaku folkloras, susimaišęs su užsienio įtakomis ir pagimdęs šiuo metu Japonijai pažįstamą muziką.

Religinė klausimo pusė taip pat prisidėjo prie muzikos ištakų. Krikščionybės dėka pradėjo plisti vargonavimas. O budizmas skatino groti fleita.

Šiuo metu Japonijoje išpopuliarėjo klasikinė muzika. Daugelis šios kūrybinės ląstelės atstovų keliauja į užsienį Japonijoje. Tai Goto Midori, Ozawa Seiji ir Uchida Mitsuko. Palyginti neseniai Japonijoje buvo atidarytos salės, skirtos patogiai klausytis klasikinės muzikos. Tai Kiyo salė, Osakos simfoninė salė, Orchard ir kt.

Japonijos buities tradicijos

Japonai yra gero būdo tauta, kuri laikosi savo tradicijų ir papročių. Gerbti save ir kitus Japonijoje laikoma norma. Nuo vaikystės vaikai mokomi gerų manierų, jiems aiškinamos pagrindinės japonų vertybės, ugdomi visais įmanomais būdais. Ir visa tai naudinga visuomenei. Kiekvienas turistas, atvykęs į tekančios saulės šalį iš kitos šalies, nustemba, kokie draugiški, draugiški ir išauklėti japonai.

Skirtingai nei Europos šalyse, Japonijoje jau seniai galioja draudimas rūkyti viešose vietose. Tai taikoma ir privačiai nuosavybei. Rūkyti šalia kitų žmonių leidžiama tik jiems davus sutikimą.

Be kita ko, japonai griežtai laikosi visų visuomenės jiems diktuojamų higienos taisyklių. Pavyzdžiui, bet kurioje patalpoje, įskaitant religinius pastatus, yra specialūs šiaudiniai kilimėliai. Jūs negalite vaikščioti ant jų batų, jie laikomi ne tik interjero puošmena, bet ir tikra šventvagyste. Taip pat japonai nusprendė apsisaugoti nuo galimų bakterijų, kurios patenka iš tualeto ant kojų. Bet kurioje viešoje vietoje ir butuose yra specialios tualeto šlepetės, kurios neleidžia kenksmingiems mikrobams patekti į kitas patalpas.

Japonams valgymas laikomas ne gyvenimo procesu, o tikru kultu. Prieš valgydami japonai visada nusišluosto rankas specialiu vandeniu suvilgytu rankšluosčiu, kuris vadinamas oshibori. Lentelės išdėstymas vyksta ne kokia nors atsitiktine tvarka, o pagal specialų modelį. Net kiekvienas įrenginys turi savo vietą. Japonai juos skirsto į vyriškus ir moteriškus, ir tai jiems labai svarbu. Japonijoje šaukštais valgoma tik o-zoni sriuba, ruošiama Naujiesiems metams, likusius pirmuosius patiekalus japonai mieliau geria tik iš specialių dubenėlių. Be to, daužymas lūpomis valgio metu nėra laikomas blogu manieru. Manoma, kad taip geriau atsiskleidžia patiekalo skonis.

Gerų manierų svarbą Japonijoje įrodo šios taisyklės:

• Susitikimo vietą ir laiką būtina tartis iš anksto. Japonijoje vėlavimas laikomas įžūlumu, peržengiančiu padorumo ribas.
• Negalite pertraukti pašnekovo, reikia kantriai palaukti, kol žmogus pasisakys, tada pradėti reikšti savo nuomonę.
• Jei skambinate neteisingu numeriu, turite atsiprašyti.
• Jei kas nors atėjo jums į pagalbą, jūs tikrai turite jam padėkoti.
• Kai kurie japonų svečiai gali būti laikomi garbingais. Jiems netgi skiriama speciali vieta prie stalo, kuris, kaip taisyklė, yra toliausiai nuo įėjimo į kambarį.
• Dovanodami japonams turėtumėte atsiprašyti už kuklumą, nepaisant to, ką tai reiškia. Tai yra taisyklės, jų laužyti nevalia.
• Sėdėdami prie pietų stalo vyrai gali sukryžiuoti kojas, tačiau moterims tai daryti griežtai draudžiama. Kojos turi būti sulenktos ir nukreiptos viena kryptimi.

Taip pat tarp Japonijos kasdienio gyvenimo tradicijų yra pagyvenusių žmonių garbinimas. Nesvarbu, kokia yra žmogaus profesija, pajamos, išvaizda ar charakterio bruožai, jei jis vyresnis, su juo reikia elgtis pagarbiai. Senatvė Japonijoje kelia pagarbą ir pasididžiavimą. Tai reiškia, kad žmogus nuėjo ilgą kelią ir dabar nusipelno garbės.

Pagalba svetainei: paspauskite mygtukus

Sveiki, mieli skaitytojai– pažinimo ir tiesos ieškotojai!

Šiandien kviečiame prisiliesti prie gražaus ir pakalbėti apie Senovės Japonijos meną. Žemiau esančiame straipsnyje trumpai apžvelgsime istorijos etapus, kurie turėjo įtakos japonų meno formavimuisi, o tada išsamiau pakalbėsime apie kiekvieną jo komponentą. Sužinosite ne tik apie tradicinių tipų ypatybes, pavyzdžiui, architektūrą, tapybą, bet ir apie kovų meną, miniatiūras, teatrą, parkus ir daug daugiau.

Taigi, straipsnis žada būti įdomus, o svarbiausia – edukacinis!

Istoriniai laikotarpiai

Tekančios saulės žemė turi unikalią kultūrą, kurią įkūnija tradiciniai originalūs pastatai ir šventyklos, paveikslai, skulptūros, papuošalai, sodai ir literatūros kūriniai. Pastaraisiais šimtmečiais populiarėja tokios nebanalios kryptys kaip medžio raižiniai, poezija, origami, bonsai, ikebana ir net manga bei anime. Visi jie ilgai vystėsi, grįžta į senovę.

Apie šį laiką iki praėjusio amžiaus pradžios buvo žinoma labai mažai, nes Japonija buvo gana uždara šalis visam likusiam pasauliui. Tačiau nuo to laiko buvo atlikta daugybė tyrimų, kurių archeologiniai radiniai yra nuostabūs. Jie rodo, kad jau antrajame tūkstantmetyje prieš Kristų egzistavo kultūrinė japonų visuomenė, o salose prieš 15-12 tūkstančių metų gyveno primityvios gentys.

Japonijos kultūra pradėjo formuotis apie IV tūkstantmetį prieš Kristų, tačiau savo vystymosi viršūnę pasiekė viduramžiais – nuo ​​VI iki XVIII a.

Senovės Japonijos istorija prasideda priešistoriniais laikais ir baigiasi Heiano tarpsniu 8–9 amžiais, nors daugelis tyrinėtojų čia įtraukia ir vėlesnius laikotarpius. Šiuo atžvilgiu išskiriami trys dideli etapai, kurie savo ruožtu skirstomi į mažesnius laikotarpius arba Jidai. Kiekvienas iš jų pasižymi naujų gaminių, struktūrų ir stilių atsiradimu.

1. Primityvi bendruomeninė sistema

Primityvi visuomenė Japonijoje egzistavo neolito epochoje, kai žmonės sukūrė pirmuosius akmeninius įrankius, taip pat Jomon ir Yayoi laikotarpiais. Manoma, kad Džomonas gyvavo nuo 10 tūkstantmečio iki IV amžiaus prieš Kristų. Tada pradėjo pasirodyti pirmieji keramikos gaminiai, kurie turėjo tą patį pavadinimą kaip ir visa era - Jomon.

Molio indas iš Jomon eros

Šie laivai buvo asimetriškos formos ir turėjo tradicinį susuktų lynų dizainą. Manoma, kad jie buvo naudojami įvairiuose ritualuose ir ceremonijose. Tuo pačiu metu atsirado įvairių rūšių papuošalų – auskarai, apyrankės ir karoliai iš molio, gyvūnų dantų, kriauklių, akmenėlių, krištolo.

Jomon laikų moliniai auskarai ir apyrankės

3 amžiuje prieš Kristų prasidėjo Yayoi era, kuri truko šešis šimtmečius. Tada vietos gyventojai Jie išmoko auginti ryžius, ėmėsi žemės ūkio, toliau įvaldė keramikos amatą, taip pat pradėjo lydyti metalus, tarp kurių svarbiausia buvo geležis, gamino ginklus iš vario, varpus iš bronzos.

Bronzinis dotaku varpas, Yayoi eros pabaiga

• Valstybės formavimasis.Japonijos valstybingumas pradėjo formuotis IV–VIII a. Šis laikas žinomas kaip Kofun ir Yamato laikotarpiai. Tada šalyje atsirado visas pilkapių tinklas, o pati Japonija pradėjo artėti prie Dangaus imperijos, neišvengiamai perimdama religiją – o kartu su ja – architektūrą ir skulptūrą.Svarbiausias epochos statinys – Horyu-ji, atstovaujama penkių pakopų pagoda. Prie piliakalnių pradėtos statyti specialios molio skulptūros, vadinamos „haniwa“.

Horyu-ji, Japonija

• Įstatymų kūrimas Šis etapas patenka į Naros (VIII a.) ir Heiano (VIII a. pabaiga-XII a.) laikotarpius. Tuo metu japonai dar labiau suartėjo su savo kaimynais – kinais ir korėjiečiais, kartu su budizmo samprata pasiskolino ir konfucianizmo bei daoizmo, perėmė metalo apdirbimo būdus, pastatų statybos ir projektavimo būdus, naujas tapybos tendencijas. ypač pasikeitė – paprastos šintoizmo šventovės buvo pakeistos daugiapakopėmis budistinėmis stupomis kaip indiškos. Paprastų žmonių namuose vietoj plikos žemės ant grindų atsirado medinės lentos, o viršuje – kiparisiniai stogeliai.

Naros laikotarpio vaizdavimas Japonijoje

Jei kalbėsime apie vėlesnius laikus, galime išskirti dar kelis laikotarpius ir pagrindinius jų kultūros bruožus:

• Karakumas (XII-XIV a.) – samurajų ir kovos menų atsiradimas;
• Sengoku ir Jidai (XV-XVI a.) – Europos ekspansijos į Rytų pasaulį laikas, per kurį krikščionybė ir Vakarų kultūros tendencijos prasiskverbė net į Tekančios saulės šalį;
• Edo (XVII-XIX a.) – garsios Tokugawa šeimos valdžia, kuriai būdinga Japonijos izoliacija ir kultūrinio tapatumo raida.

Viskas, kas įvyko vėliau, jau yra modernumas ir modernumas, o dabar, be jokios abejonės, net gana uždaroje Japonijoje egzistuoja tam tikra kultūrinė globalizacija– perimama Vakarų meistrų patirtis, o Vakaruose savo ruožtu madingi tampa japoniški motyvai. Tačiau japonų menas visada turėjo ypatingą skonį ir jam būdingų bruožų.

Paprastumas, proporcingumas žmogui, glaustumas, natūralios medžiagos, vienybė su gamta – taip galima apibūdinti japonų šedevrus, tiek senovinius, tiek šiuolaikinius.

Tapyba

Japonija, kaip žinote, ilgą laiką stovėjo atskirai, jos sienos buvo uždarytos kitoms šalims. Kai, atėjus VII amžiui, japonai pradėjo vis dažniau bendrauti su kaimynais ir užmegzti ryšius su žemyniniu pasauliu, jie atrado dažus, pergamentą, rašalą, o kartu su jais ir vaizduojamąjį meną.

Iš pradžių jis išsiskyrė ypatingu paprastumu ir glaustumu: paprasti vaizdai buvo daromi ant juodo arba balto popieriaus, dažniausiai vienos iš trijų spalvų – geltonos, žalios arba raudonos. Tačiau pamažu vietinių tapytojų įgūdžiai augo ir daugiausia dėl Budos mokymo plitimo, nes iš Mokytojo ir jo mokinių gyvenimo buvo kuriama vis daugiau naujų paveikslų.

Nuotraukos su budizmo temomis senovės Japonijoje

IX amžiuje Japonija jau buvo sukūrusi savo tapybos šaką, kuri buvo nepriklausoma nuo kinų. Kartu ėmė silpti budizmo vaidmuo, religinius motyvus pakeitė vadinamieji pasaulietiniai, tai yra pasaulietiniai, kurie buvo ypač populiarūs valdant Tokugavų šeimai.

Tokugawa dinastijos šogunai

Kaiga, kaip japonai vadino tapybą, įgavo visai kitokias formas ir stilius, o gamta joje užėmė svarbią vietą. Nuo tada tapyba atsirado naujomis formomis:

• Yamato-e yra pagrindinė tapytojų mokykla. Ji iškilo IX-X amžiuje ir buvo remiama imperatoriaus valdomos Dailės akademijos. Darbai buvo suvynioti ritinėliai, vaizduojantys literatūros dalykų su meistriška kaligrafija. Buvo du pagrindiniai ritinėlių tipai: emakimono – daugelio metrų ilgio, sulankstytas horizontaliai ir dažnai žiūrimas ant stalo, ir kakimono – sulenktas vertikaliai ir pakabintas ant sienos. Paprastai šilkas ar popierius buvo ryškiai dažomas Yamato-e stiliumi, tačiau vėliau kaip drobė vis dažniau buvo naudojami keraminiai indai, tautiniai drabužiai, vėduoklės, sienos, širmos. Ypatingas dėmesys buvo skiriamas dvasios būsenos perteikimui.
• Sumi-e – kaip savarankiškas stilius, susiformavo apie XIV a. Jo ypatybės yra akvarelės ir juodos ir baltos spalvų naudojimas.
• Portretai išpopuliarėjo XIII–XIV a.
• Kraštovaizdis - išpopuliarėjo XIV–XV a., daugiausia dėl zen budizmo plitimo visoje šalyje, kuris grindžiamas kontempliacijos ir vienybės su gamta idėja.
• Ukiyo-e yra būdingas ryškus paveikslas ant planšetinių kompiuterių. Jis pasirodė XVII amžiuje ir jame buvo gamtos, garsių japonų geišų ar Kabuki teatro menininkų vaizdai. Praėjus šimtmečiui ši tendencija taip išpopuliarėjo, kad net užkariavo europiečių širdis – šį stilių jie pradėjo taikyti savo darbuose.

Tradicinis Ukiyo-e graviravimas

Architektūrinė kryptis

Iš pradžių japonų architektūra apsiribojo senovinių tradicinių namų statyba – haniwa. Jie sukurti iki IV amžiaus, o apie jų išvaizdą galima spręsti tik iš išlikusių miniatiūrinių molio maketų ir piešinių, nes iki šių dienų neišliko.

Čia vyko paprastų žmonių gyvenimas ir kasdienybė. Tai buvo savotiški iškasukai, viršuje uždengti šiaudiniu stogeliu. Jis buvo paremtas specialiais mediniais rėmais.

Vėliau atsirado takayuka – klėčių analogas. Jas taip pat sudarė specialios atraminės sijos, kurios leido išgelbėti derlių nuo stichinių nelaimių ir kenkėjų.

Maždaug tuo pačiu metu, I-III amžiais, gamtos jėgas globojančių dievybių garbei pradėjo atsirasti senovės šintoizmo religijos šventyklos. Jie dažniausiai buvo statomi iš neapdoroto ir nedažyto kipariso ir buvo lakoniškos stačiakampės formos.

Šiaudinis arba pušinis stogas buvo dvišlaitis, o pačios konstrukcijos buvo statomos ant stulpų, apsuptų paviljonų. Dar vienas būdingas šintoizmo šventovių bruožas – U formos vartai prie įėjimo.

Šintoizmo kalboje galioja atsinaujinimo dėsnis: kas dvidešimt metų šventykla buvo griaunama, toje pačioje vietoje buvo statoma beveik lygiai tokia pati, bet nauja.

Garsiausia tokia šventykla vadinama Ise. Pirmą kartą jis buvo pastatytas I tūkstantmečio pradžioje ir, pagal tradiciją, buvo nuolat perstatomas. Ise susideda iš dviejų panašių kompleksų, išsidėsčiusių šiek tiek vienas nuo kito: pirmasis skirtas saulės jėgoms, antrasis vaisingumo dievybei.

Nuo VI amžiaus Tekančios saulės šalyje ėmė plisti iš Kinijos ir Korėjos atkeliavę budizmo mokymai, o kartu ir budistų šventyklų statybos principai. Iš pradžių jie pristatė kiniškas kopijas, tačiau vėliau šventyklų architektūroje pradėtas atsekti ypatingas, tikrai japoniškas stilius.

Konstrukcijos buvo statomos asimetriškai, tarsi susiliejančios su gamta. Lakoniškumas ir formų aiškumas, medinis karkasas sujungtas su akmeniniais pamatais, kelių pakopų pagodos, ne per ryškios spalvos – tuo išsiskiria to meto šventovės.

Daugelis jų išliko iki šių dienų. Architektūros paminklai yra 7 amžiaus pradžios Horyu-ji su garsiąja Auksine šventykla ir 40 kitų pastatų, 8 amžiaus vidurio Todai-ji Naros mieste, kuris vis dar laikomas didžiausia medine konstrukcija planetoje. Kartu budistinė architektūra glaudžiai susipynusi su skulptūra ir tapyba, vaizduojančia dievybes ir Mokytojo gyvenimo motyvus.

Todai-ji šventykla

XII-XIII amžių sandūroje valstybėje prasidėjo feodalizmas, todėl išpopuliarėjo pompastika išsiskiriantis Shinden stilius. Jį pakeitė sein stilius, kuriame vyrauja paprastumas ir tam tikras intymumas: vietoje sienų – beveik nesvarūs širmos, ant grindų – kilimėliai ir tatami.

Tuo pačiu metu pradėjo atsirasti vietos feodalų rūmai ir šventyklos. Tokio tipo statinių šedevrai yra garsusis XIV amžiaus Kinkaku-ji arba Auksinis paviljonas, taip pat XV amžiaus Ginkaku-ji, dar žinomas kaip Sidabrinė šventykla.

Ginkaku-ji šventykla (auksinis paviljonas)

Kartu su rūmais ir šventyklomis kraštovaizdžio sodininkystės menas pradėjo ryškėti XIV–XV a. Jo atsiradimas daugiausia susijęs su kontempliatyvaus dzen mokymo įsiskverbimu į Japoniją. Aplink šventyklas ir didelius būstus pradėjo kurtis sodai, kuriuose pagrindiniai komponentai buvo ne tik augalai ir gėlės, bet ir akmenys, vanduo, taip pat smėlio ir akmenukų piliakalniai, simbolizuojantys vandens stichiją.

Unikalus Kioto miestas yra žinomas visame pasaulyje.

Kitas sodo tipas yra arbatos sodas, vadinamas "tyaniva". Jis supa arbatos namelį, kuriame vyksta ypatinga, neskubanti ceremonija, o per visą sodą iki namų eina specialus takas. Tyaniva, atsiradusi viduramžiais, šiandien randama visur.

Skulptūrinė kryptis

Skulptūra Senovės Japonijoje dažniausiai siejama su religinėmis ir ritualinėmis tradicijomis. Taip pat į III-V amžiusžmonės išmoko gaminti mažas figūrėles, vadinamas dogu.

Dogu vaizdavo žmones ir gyvūnus, o atsižvelgiant į tai, kad jie buvo rasti pilkapiuose, galime daryti išvadą, kad jie buvo dedami į kapą kartu su mirusiuoju – tai buvo jų tarnai, kurie gali būti naudingi kitame pasaulyje. Dogu buvo molio, bronzos, medinės ir lakinės figūros. Vėliau prie pilkapių ir šintoizmo šventovių buvo kuriamos ir didesnės dievybių statulos.

Dogu figūrėlė

Budizmo atėjimas į šalį natūraliai paveikė vietos skulptūrą. VI–VII amžiuje pradėjo atsirasti daugybė paminklų Budai. Po Kinijos ir Korėjos meistrų savo kelionę pradėjo vietiniai skulptoriai.

IX amžiuje skulptūrinė kryptis pradėjo vystytis dar labiau, tačiau pasikeitė Budų išvaizda ir jie pradėjo turėti kelis, iki tūkstančio, veidus ir rankas. Dažniausiai jie buvo gaminami iš tvirtos medienos, lako, bronzos, molio.

Iki šių dienų išliko daug gražių paminklų. Pavyzdžiui, Haryu-ji šventykloje ant lotoso žiedo sėdi didinga Budos figūra, o Todai-ji yra visas dievybių ansamblis, kuriam vadovauja 16 metrų ūgio Buda, sukurta skulptorių Kaikei ir Unkei.

Kiti tipai

Japonijos menas yra daugialypis, apie jį galima kalbėti valandų valandas. Pakalbėkime apie dar keletą meno rūšių, atsiradusių senovėje.

• Kaligrafija

Jis vadinamas sedo, o tai reiškia „pranešimų kelias“. Kaligrafija Japonijoje atsirado dėl gražių hieroglifų, kurie buvo pasiskolinti iš kinų. Daugelyje šiuolaikinių mokyklų tai laikoma privalomu dalyku.

• Haiku arba haiku

Haiku – ypatinga japonų lyrika, pasirodžiusi XIV amžiuje. Poetas vadinamas „haijin“.

• Origami

Šis pavadinimas verčiamas kaip „popierius, kuris buvo sulankstytas“. Iš Vidurinės Karalystės kilęs origami iš pradžių buvo naudojamas ritualams ir buvo bajorų veikla, tačiau pastaruoju metu išplito visame pasaulyje.

Senovės menas origami japonijoje

• Ikebana

Išvertus žodis reiškia „gyvos gėlės“. Kaip ir origami, jis iš pradžių buvo naudojamas ritualams.

• Miniatiūros

Du dažniausiai pasitaikantys miniatiūrų tipai yra bonsai ir netsuke. Bonsai yra tikrų medžių kopijos labai sumažinta forma. Netsuke yra mažos figūrėlės, pavyzdžiui, talismaniniai raktų pakabukai, atsiradę XVIII–XIX a.

• Kovų menai

Pirmiausia jie siejami su samurajais – savotiška riteryste, nindzėmis – samdiniais žudikais, bušido – kariais.

• Teatro menas

Garsiausias teatras, visų japonų pasididžiavimas, yra klasikinis Kabuki teatras. Išsamiai galite perskaityti apie teatro meną Japonijoje.

Kabuki teatras Japonijoje

Išvada

Kaip matome iš straipsnio, Japonija yra visas ne tik nacionalinių, bet ir pasaulinių meno šedevrų lobynas. Nuo seniausių laikų, prasidėjusių gerokai prieš mūsų erą, japonai pradėjo kurti ir kurti aplinkui gražius dalykus: paveikslus, pastatus, skulptūras, eilėraščius, parkus, miniatiūras – ir tai dar ne visas sąrašas.

Įdomu tai, kad savybės, būdingos Japonijos kultūra senovės, galima atsekti modernumo kūriniuose – paprastumas, lakoniškumas, natūralumas, harmonijos su gamta troškimas.

Labai ačiū už dėmesį, mieli skaitytojai! Tikimės, kad šiandien daug sužinojote apie tokią paslaptingą ir tolimą šalį kaip Japonija. Prisijunkite prie mūsų - palikite komentarus, dalinkitės nuorodomis į straipsnius su draugais - mums bus labai malonu ištirti paslaptingas pasaulis Rytai su tavimi!

Greitai pasimatysime!