hjem › Anmeldelser › Overlagring av ett malingslag på et annet kalles. Tegningssekvens fra størst til minste, fra generelt til spesielt

Overlagring av ett malingslag på et annet kalles. Tegningssekvens fra størst til minste, fra generelt til spesielt

|| Kapittel 3 || Kapittel 4 || Kapittel 5 || Kapittel 6 || Kapittel 7 || Kapittel 8 || Kapittel 9 || Kapittel 10 || Kapittel 11 || Kapittel 12

Når du utfører et maleri, må du følge en viss sekvens. Vanligvis begynner en kunstner arbeidet med et maleri eller veggmaleri ved å lage flere små skisser, der han konkretiserer ideen sin. Til samme formål kan han utføre skisser fra naturen.

Så tegner kunstneren fremtidsbildet. Han kan bruke en blyant, kull eller flytende fortynnet maling og en tynn børste til dette. Det er mulig å produsere det såkalte "sporpapiret" eller "pappet" i tilfellet når tegningen må overføres til en overflate. Noen ganger hopper kunstnere over dette stadiet av arbeidet og begynner umiddelbart å male med maling uten en foreløpig tegning.

Det er mange måter å påføre maling på et fly. Noen kunstnere foretrekker å bruke glassteknikken: påfør tynne gjennomsiktige lag over det tørkede malingslaget. Andre oppnår ønsket fargeløsning i ett strøk, mens andre bruker separate strøk.

En kunstner kan samtidig jobbe med tegning, komposisjon, skulpturere former, overføring av rom og fargelegging. Så P. Cezanne likte å jobbe, spesielt når han malte landskapene sine eller stilleben fra naturen.

Denne veien er imidlertid ikke tilgjengelig for alle. Du må ha et utmerket visuelt minne, nøyaktig tegning, komposisjonstenkning, en upåklagelig fargesans.

De fleste kunstnere foretrekker å jobbe fra det generelle til det spesielle, gradvis bruke hovedfargen på objektene og følge volumets modellering. Deretter avgrenser de nyansene av farge, fargerefleksjoner, den generelle fargen på bildet. På siste steg tilbake til generalisering. For å oppnå integriteten til arbeidet, kan du fjerne unødvendige detaljer, svekke kontraster, fremheve det viktigste. Slik elsket den fantastiske kunstneren A. A. Ivanov å jobbe. Han brukte mye forberedende arbeid før han laget maleriet «Kristi tilsynekomst for folket». Tallrike billedstudier stilt ut ved siden av dette maleriet i Tretyakov-galleriet, bidra til å spore forfatterens kreative søken.

For pedagogiske formål er det bedre å jobbe med en billedkomposisjon sekvensielt. For å lære noen av maleriets hemmeligheter og mysterier, vil uttalelsene til mestrene plassert på slutten av denne boken hjelpe deg.

Kunstnere-malere formidler skjønnheten i verden rundt dem ved hjelp av maling. Du kan velge hvilken som helst base: lerret, papir, papp, brett, vegg, etc. Basen er vanligvis grunnet med spesielle forbindelser. Malere bruker en rekke malinger: gouache, akvarell, oljetempera osv. Påføres malingene på basene? runde og flate børster forskjellig tykkelse. Noen ganger brukes en palettkniv, en fille til dette, de påfører til og med maling med en finger, men det er fortsatt bedre å lage malerier ved hjelp av spesialverktøy, og ikke med improviserte midler. Teknikken for å skrive, dens funksjoner avhenger i stor grad av egenskapene til maling, løsemidler, verktøy.

Hvor skal jeg begynne å tegne? Dette spørsmålet stilles ofte av nybegynnere når de begynner å jobbe. Imidlertid har erfarne tegnere lenge visst svaret på det, fordi i det klassiske kunstskole det er et fantastisk prinsipp for å gjøre arbeid. Du bør tegne eller skrive fra det generelle til det spesielle, fra det største til det minste.

For å forstå dette tydelig, er det nok å huske hvordan små barn tegner. Ofte fokuserer barnet på detaljert tegning enhver gjenstand, uten å tenke på størrelsen og hvordan den passer inn i miljøet. Barn kan tegne en liten figur på stort ark. Det hender at det tegnede objektet er et sted i hjørnet av arket, og det er tomt rundt. Barn, på grunn av sin alder, oppfatter ikke hele arket som en helhet, så de tegner alt separat.

Noe lignende skjer når aspirerende kunstnere begynner å tegne eller male. Jeg vil gjerne formidle all skjønnheten til en enkelt detalj, tegne den i detalj, uten å tenke på bildets enhet, om hvordan denne detaljen skal underordnes miljøet. Men når du ser på det "samvittighetsfullt" utarbeidede fragmentet langveis fra, og beveger deg bort fra staffeliet, ser du at alt ikke er så bra som det virket på nært hold. Selve detaljen kan ha vært en suksess, men den passet ikke inn i resten av tegningen, så generelt ble alt skjevt. La oss se på dette med et eksempel.

Anta at en kunstner maler et portrett. Og han begynner å jobbe umiddelbart med å tegne øyet, glemme alt annet. Deretter tegner nesen, leppene, hele ansiktet og konturene av hodet. Så fullfører han hele portrettet. Det vil si at jeg startet tegningen med øyet, og avsluttet med hele silhuetten av hodet (se illustrasjon). Som et resultat viste øyet seg selv, men forskjøv seg til siden. Det samme skjedde med nesen og leppene. Derfor kom portrettet ikke bare ulikt ut, men også skjevt.

Men hvorfor skjedde dette? Fordi kunstneren først begynte å tegne små gjenstander, og deretter avsluttet med store former. Det vil si at han jobbet fra minste til største. Men hvis han hadde begynt å jobbe med konturene av hodet, det ovale i ansiktet (dvs. fra et stort), og deretter gått videre til nesen, leppene, øynene (mindre) - ville feilen ovenfor ikke ha skjedd ( mer presist, sannsynligheten for dette ville vært mindre). Tross alt, etter å ha skissert grunnlaget store former, er det mye lettere å passe små detaljer inn i den. Det er lettere å sammenligne avstander og proporsjoner. Og hvis du starter med små ting, uten å definere store silhuetter, vil det senere være veldig vanskelig å passe den ene til den andre. Derfor bruker kunstnere tegningssekvensen fra størst til minste. Og selv om denne metoden i seg selv ikke garanterer suksess, hjelper den veldig i arbeidet. Men er det ikke mulig å tegne slik du vil? I hvilken som helst rekkefølge? Store mestere med stor erfaring kan begynne å tegne fra punkt "A" og avslutte ved punkt "B" uten å tenke på rekkefølgen. Alt fungerer allerede for dem på et intuitivt nivå, siden de har stor erfaring bak seg. Men i de fleste tilfeller anbefales det å begynne å jobbe ikke med bagateller, men med generelle, store masser, og ser på hele bildet. Tross alt, store mestere, selv om de bryter klassiske etapper tegning, i sinnet ser de fortsatt hele bildet, ikke fragmentarisk.

Se helheten små deler svært viktig av flere grunner. En av dem er evnen til å generalisere. Uten generalisering er det umulig å forestille seg tegning eller maling. Generalisering er ikke bare en måte å gjøre ting enklere på. Gjennom generalisering skaper kunstnere en illusjon om at et maleri eller tegning kan komme til live. Ta for eksempel en bukett blomster. Hvis du begynner å skrive det fra separate kronblad og fortsetter å jobbe med et så detaljert brev til slutten, kan maleriet ikke bare inneholde feil, men også være mindre uttrykksfullt, "tørt". Men hvis kunstneren begynner å jobbe med store masser, generaliserer og kombinerer blomster i grupper, og deretter maler individuelle blomster i detalj, vil en slik sekvens hjelpe til å ikke bli forvirret i nyanser, for å se det viktigste, for å livne opp maleriet. Liv opp med effekten av utvalg, når kunstneren generaliserer det sekundære og fremhever det viktigste. Nærheten til det detaljerte og det generaliserte skaper en illusjon der det avbildede synet ser ut til å komme til live.

Et slikt utvalg krever fra en person evnen til å se det store bildet, evnen til å ta hensyn til det viktigste, ikke fokusere på bagateller. Når en kunstner har et øye i denne forbindelse, vil han være bedre i stand til å bestemme hva som må generaliseres og hvordan det skal gjøres. Ser man på bildet fra denne vinkelen, vil kunstneren kunne bestemme proporsjonene mer nøyaktig, bedre se farge- og toneforhold.

Når du lager et maleri, er det nødvendig å følge en viss sekvens. Vanligvis begynner kunstneren arbeidet med et maleri eller veggmaleri med flere små komposisjonsskisser, der han konkretiserer ideen sin. Til samme formål kan han utføre skisser fra naturen.

For å lage et interessant maleri, må du lære å se inn livet rundt interessante hendelser, karakterer, motiver, vinklinger og tilstander. Den stadige utførelsen av skisser, skisser og skisser fra naturen utvikler ikke bare øyet og hånden, men også kompositorisk tenkning.

Det er ikke så lett å se et interessant komposisjonsmotiv i livet. En søkerramme, som er enkel å lage selv, kan hjelpe med dette. Det viktigste er at de motsatte sidene forblir bevegelige, da vil det være enkelt å endre formatet, øke eller redusere sirkelen av objekter som kommer inn i synsfeltet. Hvis det ikke er noen ramme, kan du ganske enkelt brette håndflatene på denne måten, som vist på figuren.

Å velge det mest uttrykksfulle plottet for komposisjonen er heller ikke en lett oppgave. Hundrevis av mennesker oppfatter og tolker det samme plottet på forskjellige måter, det vil si at de lager sin egen versjon. Handlingen skal forstås som det kunstneren direkte skildrer på lerretet, og innholdet eller temaet kan være mye bredere, det vil si at det kan lages verk med ulike plott om samme tema.

Det er viktig allerede før begynnelsen av bildet å prøve å forestille seg det fremtidige bildet. Som regel utfører kunstneren først flere små skisser for å finne den mest uttrykksfulle komposisjonen. På dette stadiet bestemmes bildets format (forlenget vertikalt, rektangulært, kvadratisk, langstrakt horisontalt, etc.) og størrelsen.

Det langstrakte formatet gir bildet en følelse av harmoni og høyhet. Formatet i form av et rektangel plassert horisontalt er praktisk for å skildre episk handling. Vi har allerede sagt at formatet basert på det gylne snitt egner seg godt til å skildre et bredt landskapsmotiv. Formatet, oppnådd ved å forstørre en firkant med en hel diagonal, er like praktisk for å skildre et landskap, stilleben og tematisk komposisjon.

En overdreven økning i det vertikale formatet gjør bildet til en rulling, og en overdreven økning i det horisontale formatet tilsier bruken av en panorama- eller frisekomposisjon. Når du velger et format, bør du ta hensyn til plasseringen av hovedobjektene i komposisjonen - horisontalt eller vertikalt, utviklingen av plottet - fra venstre til høyre, i dybden av bildet, etc.

Det kvadratiske formatet brukes best til å lage balanserte, statiske komposisjoner fordi de er mentalt relatert til like sentrale akser og like sider av bildekantene.

Komposisjonen i en oval og en sirkel er bygget i forhold til imaginære innbyrdes vinkelrette sentrale akser. Toppen og bunnen av bildet skal være tydelig definert her. Ovalen brukes ofte som et portrettformat da denne konfigurasjonen lett kan korreleres med ovalen. menneskelig ansikt eller omrisset av brystbildet.

Artister bruker også komplekse konfigurasjonsformater, bestående av en kombinasjon av to geometriske former, for eksempel halvsirkel og rektangel.

I skissen er et generelt komposisjonsskjema tegnet, plasseringen av TT er forholdet til hovedet skuespillere uten detaljtegning. Kanskje tone og fargeskjema på skissen. Deretter går de videre til tegningen av komposisjonen, deretter til dens billedlige utførelse.

En av interessante stadier verk - samling av naturmateriale: observasjoner av livet rundt, skisser og skisser hjemme og på gaten, avhengig av den valgte tomten. Du kan samle naturlig materiale umiddelbart etter å ha valgt et plott, eller gjøre det etter den første skissen av komposisjonen.

Deretter tegner kunstneren det fremtidige bildet ved hjelp av en blyant, kull eller flytende fortynnet maling og en tynn børste. Det er mulig å produsere såkalt kalkerpapir eller papp, dersom tegningen må overføres til en eller annen overflate. Hvis noe ikke fungerer på tegningen, kan du igjen gå til skissene, regne ut detaljene som forårsaket vanskeligheter, og deretter avgrense tegningen ved å bruke det innsamlede naturmaterialet. Du kan til og med lage en ny kompositorisk dom.», ta i betraktning de ferdige skissene og skissene fra livet, for å klargjøre ideen.

Etter det går de videre til den pittoreske løsningen av lerretet. For det første utføres undermaling med flytende fortynnet maling, der de generelle farge- og toneforholdene til gjenstander, deres lokale farge bestemmes. Deretter går de videre til hovedscenen - selve billedløsningen av lerretet. Det er bedre å gjøre alt fra det generelle til det spesielle, gradvis å bruke hovedfargen på objekter og olje for volummodellering. Det er nødvendig å klargjøre kontrastene og nyansene av farge, fargerefleksjoner, den generelle fargen på bildet. På det siste stadiet fortsetter de igjen til generalisering. For å oppnå integriteten til arbeidet, er det nødvendig å fjerne unødvendige flyers, svekke kontraster, fremheve det viktigste.

De oppførte stadiene av utførelsen av et maleri er svært viktige, spesielt for pedagogiske formål. Imidlertid hender det at artister nekter en scene. Alle jobber forskjellig. Noen utfører en detaljert skisse, mens andre skriver med en gang, uten en foreløpig blyanttegning. Noen søker iherdig etter alt i naturen for et bilde, lager skisser i ulike naturtilstander, tegner sittere i passende kostymer og poserer, studerer det nødvendige historiske eller kunsthistoriske materialet. En annen kunstner stoler mer på hans visuelle hukommelse og fantasi og nekter generelt å studere naturen.

En kunstner kan samtidig jobbe med tegning, komposisjon, skulpturform, gjengivelse av rom og farger. Slik likte P. Cezanne å jobbe, spesielt når han malte landskapene sine eller stilleben fra naturen. Denne veien er imidlertid ikke tilgjengelig for alle. Du må ha et utmerket visuelt minne, nøyaktig tegning, komposisjonstenkning, en upåklagelig fargesans.

De fleste kunstnere foretrekker å følge alle nødvendige trinn for å lage et maleri. Slik elsket L.A. Ivanov å jobbe. Han gjorde et stort forarbeid til maleriet «Kristi tilsynekomst for folket». Tallrike billedskisser utstilt i State Tretyakov Gallery hjelper til med å spore forfatterens kreative søk.

Alt som er sagt om arbeidet med et maleri skal ikke forstås som en permanent, obligatorisk og uforanderlig ordre. Å følge reglene hjelper imidlertid å oppnå gode resultater, mestre ferdigheten.

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.

Bevegelsesoverføringsregel. En gjenstand i et maleri vil se ut til å bevege seg under følgende forhold:

* hvis en eller flere diagonale linjer, brukes bevegelsesretninger på cardin; *hvis du lar ledig plass foran et objekt i bevegelse;

*hvis du velger et bestemt øyeblikk av bevegelsen, som tydeligst gjenspeiler dens karakter, er kulminasjonen.

I tillegg vil bildet se ut til å bevege seg hvis det ikke gjenskaper ett øyeblikk av bevegelse, men dets påfølgende faser. For eksempel på det gamle egyptiske relieffet. Hver av figurene frøs i en bestemt posisjon, men med tanke på komposisjonen i en sirkel, kan man se sekvensen i bevegelse.

Bevegelse er forståelig bare når man vurderer verket som en helhet, og ikke individuelle bevegelsesmomenter. Fri plass foran et objekt i bevegelse gjør det mulig å mentalt fortsette bevegelsen, som om vi inviterer oss til å bevege oss sammen med den.

I et annet tilfelle, når objektet vises for nær kanten av arket, ser det ut til at bevegelsen ikke kan fortsettes.

Du kan understreke bevegelsen ved hjelp av retningen til linjene i bildet. For eksempel hvis alle linjene er rettet dypt inn i arket. Bevegelsesuttrykk oppnås hvis du skildrer helten i øyeblikket høyeste spenning hans styrke. Dessuten gir en uskarp bakgrunn en følelse av bevegelse. uklare, utydelige konturer av objekter. Et stort antall vertikale eller horisontale linjer bakgrunnen kan bremse bevegelsen.

Endring av retning øker eller bremser av og til. Det særegne ved vår visjon er at vi leser teksten fra venstre mot høyre, og bevegelsen fra venstre mot høyre er lettere å oppfatte, det virker raskere.

Statisk overføringsregel. En sammensetning anses statisk under følgende forhold;

*hvis det ikke er noen diagonale retninger i bildet;

hvis gjenstandene er avbildet i rolig (statisk) i henhold til sax, er det ingen klimaks av handlingen;

hvis komposisjonen er symmetrisk, balansert eller bygget på grunnlag av enkle geometriske mønstre (trekant, sirkel, oval, firkant, rektangel).

En følelse av fred kan oppstå i et kunstverk under andre forhold.

For eksempel, i K. Korovins maleri "Om vinteren", til tross for tilstedeværelsen av diagonale retninger, står hesten med sleden rolig, det er ingen følelse av bevegelse av følgende grunner: de geometriske og komposisjonelle sentrene til maleriet faller sammen, komposisjonen er balansert, og den ledige plassen foran hesten er blokkert av et tre.

Valg av plott-komposisjonssenter: Når du lager en komposisjon, er det nødvendig å bestemme hva som skal være det viktigste i bildet, og ta vare på hvordan du fremhever denne hovedsaken, det vil si plottet og komposisjonssenteret, som ofte kalles det "semantiske senteret" eller "visuelt sentrum" av bildet.

Selvfølgelig er ikke alt i handlingen like viktig, og de sekundære delene er underordnet hoveddelen. Sentrum av komposisjonen inkluderer plottet, hovedhandlingen og hovedpersonene.

Komposisjonssenteret bør først og fremst tiltrekke seg oppmerksomhet. Senteret er preget av belysning, farge, forstørrelse av bildet, kontraster og andre midler.

Ikke bare i malerier, men også i grafikk, skulptur, dekorativ kunst, er arkitektur tildelt et komposisjonssenter. For eksempel foretrakk renessansens mestere at komposisjonssenteret falt sammen med midten av lerretet.

Ved å plassere hovedpersonene på denne måten ønsket kunstnerne å understreke deres viktige rolle, deres betydning for handlingen.

Kunstnere har kommet opp med mange alternativer for å bygge et bilde når de plasserer midten av komposisjonen hvor som helst på lerretet. Denne teknikken ble vellykket brukt til å formidle bevegelse, dynamikken i hendelser, den raske utviklingen av plottet i V. Surikovs maleri "Boyar Morozova".

Rembrandts maleri "The Return fortapte sønn"- et klassisk eksempel på en komposisjon der hovedsaken er sterkt forskjøvet fra sentrum for den mest nøyaktige avsløringen av hovedideen til verket.

Handlingen i dette bildet er inspirert av evangeliets lignelse. På terskelen til hjemmet deres møttes en far og sønn, som kom tilbake etter å ha vandret rundt i verden. Maler vandrerens filler. Rembrandt ser ut til å formidle en historie om den vanskelige veien sønnen hans gikk.

Du kan se på dette i lang tid og sympatisere med lidelsene til de tapte. Romdybden oppstår på grunn av den konsekvente svekkelsen av lys og skygge og fargekontraster, fra forgrunnen. Faktisk er det bygget av figurene til vitnene til begjæringens siena, som gradvis oppløses i skumringen.

Den blinde faren la hendene på sønnens skuldre som et tegn på tilgivelse. I denne gesten - visdom, smerte og lengsel, akkumulert gjennom årene levde i angst og tilgivelse. Rembrandt fremhever det viktigste i bildet med lys, og fokuserer vår oppmerksomhet på det.

Det kompositoriske senteret er plassert nesten på kanten av bildet. Kunstneren balanserer komposisjonen med figuren til den eldste sønnen som står til høyre. Plasseringen av det semantiske hovedsenteret på en tredjedel av avstanden i høyden tilsvarer loven om det gylne snitt.

Siden antikken har det blitt brukt av kunstnere for å oppnå den største uttrykksevnen til kreasjonene deres.

Regelen for det gylne snitt i komposisjonen(en tredjedel). For å identifisere komposisjonssenteret, er det viktigste elementet i bildet plassert i samsvar med andelen av det gylne snitt, det vil si omtrent i en avstand på "Prikk av helheten. De proporsjonale forholdene til sidene til de avbildede objektene og selve lerretet, for å oppnå harmoni, må bygges på grunnlag av det gylne snitt.

Malerier med to eller flere komposisjonssentre lar deg vise flere hendelser som skjer samtidig og er like i deres betydning.

Tenk på bildet av Velasquez "Las Meninas" og dets opplegg. Et komposisjonssenter i bildet er den unge infantaen. Kvinnedamene lente seg mot henne fra begge sider. I det geometriske midten av lerretet er det to kontrasterende flekker av samme form og samme størrelse. De er motsatt, som dag og natt, den ene er hvit, den andre er svart - dette er to utganger inn ytre verden- nok et komposisjonssenter i bildet.

Den ene utgangen er en dør som er opplyst av solen. Den andre er et speil der kongeparet reflekteres. Den andre utgangen kan oppfattes som en utgang til et sekulært samfunn. Kontrasten mellom lys og mørk begynnelse i bildet kan forstås som en tvist mellom kunstneren og herskeren.

Karakterene som er skildret av kunstneren er mange nok til at den fantasifulle betrakteren kan tegne portretter som er relatert til eller står i kontrast til hverandre (kunstner og konge, hoffmenn og elite, skjønnhet og stygghet, barn og foreldre, mennesker og dyr).

På ett bilde kan du bruke flere metoder samtidig for å fremheve det viktigste.

For eksempel kan teknikken "isolasjon" (bildet av hovedsaken isolert fra andre objekter) brukes ved å fremheve hovedsaken i størrelse og farge.

Det er viktig å bruke metodene for å fremheve plott-komposisjonssenteret ikke formelt, men på denne måten. til den beste måten avdekke formålet og innholdet i arbeidet.

Overføringen av symmetri og asymmetri i komposisjonen. Kunstnere forskjellige tidsepoker brukte en symmetrisk konstruksjon av bildet. Mange gamle mosaikker var symmetriske. Renessansemalere bygde ofte komposisjonene sine i henhold til symmetrilovene. Denne konstruksjonen lar deg oppnå inntrykk av fred, majestet, spesiell høytidelighet og betydningen av hendelser. I en symmetrisk komposisjon blir mennesker eller objekter nærmest speilvendt i forhold til bildets sentrale akse.

Symmetri i kunst er basert på virkeligheten, fylt med symmetriske former.

For eksempel er en menneskelig figur, en sommerfugl, et snøfnugg, etc. symmetriske. Symmetriske komposisjoner er statiske (stabile), venstre og høyre halvdel er balansert.

I en asymmetrisk komposisjon kan arrangementet av objekter være det mest mangfoldige, avhengig av plottet og intensjonen med arbeidet, er venstre og høyre halvdel ikke balansert.

Overføring av balanse i sammensetningen. I en symmetrisk komposisjon er alle deler balansert, en asymmetrisk komposisjon kan være balansert og ubalansert. En stor lys flekk balanseres av en liten mørk.

Mange små flekker kan balanseres av en stor. Det er mange alternativer: deler er balansert etter vekt, brunst og farge. Likevekt angår både figurene i seg selv og gapene mellom dem.

Spesielle øvelser utvikler en følelse av balanse i komposisjonen. Det er nødvendig å lære å balansere store og små verdier, lyse og mørke, ulike silhuetter og fargeflekker. Her vil det være nyttig å huske din opplevelse av å finne balanse på en huske.

Alle kan lett finne ut at en tenåring kan bli balansert hvis to barn settes i den andre enden av husken. Og babyen kan svinge selv med en voksen som ikke sitter på kanten av husken, men nærmere midten.

Det samme eksperimentet kan gjøres med vekter. Slike sammenligninger bidrar til å balansere ulike deler av bildet i størrelse, tone og farge for å oppnå harmoni, det vil si å finne balanse i komposisjonen.

I en asymmetrisk komposisjon er balanse noen ganger helt fraværende hvis det semantiske senteret er nærmere kanten av bildet. Inntrykket av bildet endres hvis du ser på speilbildet. Denne egenskapen til vår visjon må også tas i betraktning i prosessen med å finne balanse i sammensetningen.

Komposisjonsregler, teknikker og midler er basert på den rike kreative erfaringen til kunstnere fra mange generasjoner, men komposisjonsteknikken står ikke stille, den utvikler seg hele tiden, beriket av den kreative praksisen til nye mestere. Noen komposisjonsmetoder blir klassiske, men nye dukker opp, ettersom livet setter andre oppgaver for kunsten.

3 . Gouache som et av malingsmaterialene og teknikkene

3.1 Maling av kunstmaterialer og arbeidsteknikker

Malere formidler skjønnheten i verden rundt seg ved hjelp av maling: gouache, akvarell, tempera, olje osv. Du kan velge hvilken som helst base: lerret, papir, papp, brett, vegg osv. Basen er vanligvis grunnet med spesielle forbindelser. Maling påføres basen med runde og flate børster i forskjellige tykkelser. Noen ganger brukes en palettkniv til dette. kniv. en fille, til og med en finger, men det er bedre å bruke spesialverktøy i stedet for improviserte midler.

Maling legges ut på en palett og blandes for å få ønsket fargenyanse. En palett er et lite tynt brett med rektangulær, oval eller annen form. oljepalett maleri er laget hovedsakelig av tre, og for arbeid akvarell og gouache- av hvit plast, noen ganger med utsparinger for maling. Noen ganger bruker jeg den som en palett! hvit tallerken, flis eller stykke papir. Listen over farger brukt av en kunstner kalles også en palett. I denne forstand er begrepet "palett" nær begrepet "farge".

Teknikken for å skrive, dens funksjoner avhenger i stor grad av egenskapene til maling, løsemidler, verktøy. Før sent XVII- tidlig på 1700-tallet kunstnere og lærlinger laget maling på egenhånd, det ble vanligvis betrodd elever. De malte steinene til et pulver og blandet det med lim, olje eller et egg. Industriell produksjon av maling laget farge palett mer variert.

Maling for maling har spesielle navn. Svært ofte er disse navnene assosiert med kjemiske eller naturlige elementer (mineraler, planter) som de er laget av. Grunnlaget for alle malinger - pigment - disse er forskjellige fargestoffer, eller fargestoffer. De er mineral, kjemisk, organisk(dyr eller plante) opprinnelse. For fremstilling av maling blir pigmenter finmalt til pulver og blandet med bindemidler (olje, lim, etc.). Organiske pigmenter er dårligere i styrke enn mineralske. Nå brukes hovedsakelig kunstige pigmenter, som de mest vedvarende.

Ofte kommer navnet på maling fra bindemiddelet som ble brukt til å lage dem. For eksempel basen oljemaling- linfrø eller annen olje. Limmaling er akvarell, gouache, tempera. Vi vil fortelle deg mer om limmaling, siden de oftest brukes i praksisen med å undervise i kunst i lærerskoler og i grunnskolen.

Gouache- ugjennomsiktig (kasse, dekker) maling, som fortynnes med vann. Et kunstverk laget med slike malinger kalles også "gouache". Gouache maling er laget av pigmenter og lim med tillegg av hvitt. I motsetning til akvarell, er malingslaget på papir ikke gjennomsiktig, men matt, tett, med en fløyelsmyk overflate, som er gitt av en blanding av hvitt. Ved tørking blir gouachefargene noe bleket (lysnet), noe kunstneren må ta hensyn til i tegningsprosessen. Gouache-maling er lyse, korrigeringer er mulige under arbeid, suiter kan bare settes på toppen av et mislykket sted i en annen farge. Mørke toner kan dekkes med lyse. Hvitt tilsettes gouache for å få en lysere tone.

3. 2 Sekvensen for utførelse av et maleri

For å lage et interessant billedlerret, er det nødvendig å lære å se interessante hendelser, karakterer, motiver, vinkler og tilstander i livet rundt. Den stadige utførelsen av skisser, skisser og skisser fra naturen utvikler ikke bare øyet og hånden, men også kompositorisk tenkning.

Det kvadratiske formatet brukes best til å lage balanserte, statiske komposisjoner fordi de er mentalt relatert til like sentrale akser og like sider av bildekantene.

Komposisjonen i en oval og en sirkel er bygget i forhold til imaginære innbyrdes vinkelrette sentrale akser. Toppen og bunnen av bildet skal være tydelig definert her. Ovalen brukes ofte som et format for portretter, da denne konfigurasjonen lett matcher ovalen til et menneskeansikt eller omrisset av en byste.

Kunstnere bruker også komplekse konfigurasjonsformater, bestående av en kombinasjon av to geometriske former, for eksempel en halvsirkel og et rektangel.

I skissen er det tegnet opp et generelt komposisjonsskjema, plasseringen og forholdet til hovedaktørene uten detaljert tegning. Kanskje tone og fargeskjema på skissen. Deretter går de videre til tegningen av komposisjonen, deretter til dens billedlige utførelse.

En av de interessante stadiene i arbeidet er innsamlingen av naturlig materiale: observasjoner av livet rundt, skisser og skisser av huset og på gaten, avhengig av den valgte tomten. Du kan samle naturlig materiale umiddelbart etter å ha valgt et plott, eller gjøre det etter den første skissen av komposisjonen.

Alt som er sagt om arbeidet med et maleri skal ikke forstås som en permanent, obligatorisk og uforanderlig ordre. Å følge reglene bidrar imidlertid til å oppnå gode resultater, for å mestre ferdigheten.

3. 3 Stilleben maleteknikk

maleri gouache fargesammensetning

Stillebenmaling er grunnleggende for læringsprosessen. Dette er et nødvendig stadium i innstillingen av hånden, øyet, utviklingen av en følelse av farge, integriteten til synet. Kjent gjennom stilleben virkelige verden i alt dets mangfold. Stilleben er ikke en tilfeldig samling av gjenstander. En aktiv holdning til naturen, en følelse av skjønnhet bør manifesteres på hvert trinn

Sekvensen av bilder av et stilleben fra husholdningsartikler: Første etappe. Utføre en detaljert tegning av et stilleben med tynne linjer, identifisere hovedforhold og utforming av objekter.

Andre fase. Utførelse av undermaling. Den første leggingen av lokale farger på gjenstander og draperier. Fargen på objekter er satt sammen på en palett ved bruk av hvit silt.

Tredje trinn. Identifisering av farge- og toneforhold. Utdyping og foredling av detaljer lys på mørkt og mørkt på lys. Gouache lar deg gjøre endringer i arbeidet; hvis noe ikke fungerer, overlapp en farge med en annen. Generalisering og fullføring av arbeidet.

Landskap bildesekvens Gouache: Første etappe.Å lage en tegning av en landskapskomposisjon. Penseltegningen er lett og fri, med varm eller kald maling, avhengig av fargen på bildet.

Andre fase. Legge hovedfargen på himmelen, kroner av trær, vann. Overføring av ekte tone- og fargeforhold.

Tredje trinn. Tegne detaljer, oppsummere og fullføre arbeidet. Oppnå fargeenheten i landskapet.

3. 4 Teknikk for å jobbe med et pittoresk bilde av et menneskehode

Maleriet av menneskets hode er bygget på felles plattform lage pittoreske bilder. La oss dvele ved noen metodiske trekk utfører hodestudier. Oppgavene med å skildre hodet er redusert til å formidle dets struktur, skulpturere formen med farger og avsløre naturens individuelle kvaliteter. Det er nødvendig å formidle fargerikdommen til de levende Menneskekroppen, forbindelse av menneskets hode med miljøet.

Tegning for maling kan gjøres med en blyant, kull, men du kan tegne umiddelbart med en pensel. Det er nødvendig å formidle med tynne linjer den konstruktive strukturen til hodet, dets plassering i rommet, for å skissere grensene til chiaroscuro.

Arbeidet, som alltid, utføres fra det generelle til det spesielle: først, i undermaleriet, bestemmes de generelle tone- og fargeforholdene til store plan, deretter støpes formen i små strøk, detaljene tegnes, og kl. den siste fasen, er alt generalisert for å oppnå integritet.

Det er bedre å starte arbeidet fra det mørkeste stedet i naturen. Skyggene i ansiktet er veldig gjennomsiktige Oni. nesten ikke skjule den levende hudfarge. Ved å sammenligne de opplyste delene av dynen med dem, vil det være lettere å finne mellomtonene. Den hvite fargen på papiret erstatter midlertidig de opplyste overflatene. Ikke skynd deg å skrive ut hver øyevippe hvis andre deler av ansiktet ennå ikke er løst i det minste generelt. Arbeid gjennom alle deler av naturen samtidig, arbeid med relasjonsmetoden. I prosessen med å overføre volumet av hodet, hold øye med det. slik at slagene legger seg i formen. Subtil fargevariasjon avhenger av mange refleksjoner. Fargen på ansiktet og klærne får alltid en nyanse som er komplementær til bakgrunnsfargen.

På det siste stadiet av arbeidet, vurder nøye uttrykksevnen til silhuetten av hodet, dens kontakt med ([ung. Et sted er det nødvendig å oppløse konturlinjene, og andre steder, tvert imot, gjøre dem klarere. Hvis maleren har en helhetlig syn på naturen, vil han fullføre arbeidet på riktig måte.

Sekvens for å utføre en billedstudie av hodet til en levende modell: Første etappe. Tegning med pensel. Skisser den generelle formen på hodet og dets plassering i rommet. Tegn deler av linden, formen på frisyren uten unødvendige detaljer.

Andre fase. Legge hovedfargen på ansiktet, håret, bakgrunnen, observere de riktige tone- og fargeforholdene.

Tredje trinn. Foreskrive detaljer, oppsummere og fullføre arbeidet, oppnå portrettliknelse, formidle karakteren og bildet til modellen.

3. 5 Metoder for å jobbe med et pittoresk bilde av en menneskelig figur

Figuren av en mann for pedagogiske formål er avbildet, men beltet og inn full høyde. Å male en figur krever kunnskap om plastisk anatomi, perspektiv og fargevitenskapens lover. Før du arbeider med et billedlig bilde av en menneskelig figur, er det nyttig å utføre flere studier av dette objektet med en maling (grisaille).

Helt i begynnelsen av arbeidet er det viktig ikke bare å plante eller sette naturen i en bestemt posisjon, men å studere den. kjennetegn og bevegelse, tenk over valg av kostyme. Derfor anbefales det å utføre pittoreske skisser av naturen. I prosessen med å søke etter den mest vellykkede komposisjonsløsningen i skissene, bør man bestemme plastplasseringen av figuren i det valgte formatet, den generelle fargen. Modellens natur bestemmer hele konstruksjonen av komposisjonen.

I undermalingen bestemmes det grunnleggende om tone- og fargeløsninger. Videre, for å formidle de volumetriske, materielle og romlige kvalitetene til modellen, er det nødvendig å skulpturere formen med streker og arbeide med relasjoner.

Ved skildring av en menneskeskikkelse er det viktig å finne fargerelasjoner i forbindelse med omkringliggende objekter og bakgrunnen. Det samme draperiet ved siden av den opplyste delen av naturen vil fremstå noe mørkere, og i nærheten av sine mørke steder - noe lysere.

På det siste stadiet bør oppmerksomhet rettes mot materialet og teksturegenskapene til ansikt, hår, klær. Ansiktet og hendene er alltid utarbeidet mer nøye enn tilbehøret og bakgrunnen. Det er viktig å fullføre arbeidet i tide, for å unngå fragmentering, overdreven utdyping av detaljer og skisseufullstendighet. Ulike kreative tilnærminger til bildet av den menneskelige figuren er mulige.

Sekvens for å utføre en billedstudie av en menneskelig figur: Første etappe. Tegning med pensel. Skisser den generelle bevegelsen til figuren, dens proporsjoner og plassering i rommet. Tegn hodet, nakken. rev, armer, ben uten unødvendige detaljer.

Andre fase. Legge hovedfargen på kroppen, håret, klærne, bakgrunnen, overføre de riktige tone- og fargeforholdene.

Tredje trinn. Tegne detaljer, oppsummere og fullføre arbeidet, overføre karakteren og bildet til modellen.

Vert på Allbest.ru

Lignende dokumenter

Metoder for å lage en komposisjon på et fly ved hjelp av en datamaskin. Kjennetegn og figurative virkemidler komposisjoner. Formverdi for forsterkning følelsesmessig påvirkning virker. Grunnleggende prinsipper for konstruksjonen, midler for å oppnå harmoni.

test, lagt til 14.02.2011

Grafisk komposisjon som et strukturelt prinsipp for et verk, grunnleggende visuelle virkemidler, organisasjonstrekk. Klassifisering og typer, samt funksjonalitet flekker, prinsipper og hovedstadier for å bygge en komposisjon med dens hjelp.

semesteroppgave, lagt til 16.06.2015

Verdien av farge i dekorativ komposisjon som en billedlig og uttrykksmidler. Hovedegenskapene til farger, deres psykologiske oppfatning. Historisk utvikling fargetrender, trekk ved harmoniske fargekombinasjoner i en dress.

semesteroppgave, lagt til 05.03.2011

Funksjoner ved å bygge en komposisjon i dekorativt maleri. Hovedstadiene i arbeidet med den tematiske produksjonen "Mote". Metoder og teknikker for å utføre kunstverk. Kunnskap om teknikken og materialene til maleri, bruken av det i utformingen av miljøet.

semesteroppgave, lagt til 03.01.2014

Analyse historiske aspekter fremveksten og utviklingen av lakk miniatyrmaleri i Russland. Hovedtemaene i jaktsjangeren. Stadier av arbeidet med å lage en komposisjon om temaet " andejakt Utvikling av en teknologisk sekvens for å male en boks.

avhandling, lagt til 29.07.2012

Problemer med komposisjon, dens mønstre, teknikker, uttrykksmidler og harmonisering. Eksempler på asymmetrisk komposisjonskonstruksjon. Asymmetri som en måte å oppnå balanse på. Underordningen av deler er et middel for å kombinere en asymmetrisk sammensetning.

abstrakt, lagt til 14.10.2014

Abstrakt ekspresjonisme fra andre halvdel av 1900-tallet. Arbeidet til Jean-Michel Basquiat, G. Baselitz, N. Olivier. Muligheter for blandede medier i billedkomposisjon: collage, maling med akryl og oljemaling ved bruk av grafiske materialer.

avhandling, lagt til 07.10.2015

Formelle tegn på komposisjonen av bildet. Integritet, underordning av det sekundære til det viktigste. Balanse (statisk og dynamisk). Typer og former, teknikker og virkemidler for komposisjon og deres egenskaper. Estetisk aspekt ved formell komposisjon.

sammendrag, lagt til 20.11.2012

Verdien av rytme som det organiserende prinsippet for komposisjonen, funksjonene i dens konstruksjon i kunsten til forskjellige historiske perioder. Romlige effekter og typer kontrasterende manifestasjoner av farge. konsept kunstnerisk bilde, dens etablering i grafisk design.

semesteroppgave, lagt til 16.04.2012

Uttrykksmiddel i den billedlige komposisjonen av landskapet. Metodisk grunnlag for organisering av tematisk tegning om temaet "Landskapsstemning" i klasserommet visuell kunst V allmennpedagogisk skole. Fra erfaringen med å jobbe med komposisjonen av bildet.

Så tegner kunstneren fremtidsbildet. Han kan bruke en blyant, kull eller flytende fortynnet maling og en tynn børste til dette. Det er mulig å lage det såkalte "sporpapiret" eller "pappet" i tilfellet når tegningen må overføres til en overflate. Noen ganger hopper kunstnere over dette stadiet av arbeidet og begynner umiddelbart å male med maling uten en foreløpig tegning.

104. P. CESANNE. I skogen

Denne veien er imidlertid ikke tilgjengelig for alle. Du må ha et utmerket visuelt minne, nøyaktig tegning, komposisjonstenkning, en upåklagelig fargesans.

De fleste kunstnere foretrekker å jobbe fra det generelle til det spesielle, gradvis bruke hovedfargen på objektene og følge volumets modellering. Deretter avgrenser de nyansene av farge, fargerefleksjoner, den generelle fargen på bildet. På det siste stadiet fortsetter de igjen til generalisering. For å oppnå integriteten til arbeidet, kan du fjerne unødvendige detaljer, svekke kontraster, fremheve det viktigste. Slik elsket den fantastiske kunstneren A. A. Ivanov å jobbe. Han gjorde mye forarbeid før han laget maleriet «Kristi tilsynekomst for folket». Tallrike billedskisser utstilt ved siden av dette maleriet i Tretyakov-galleriet hjelper til med å spore forfatterens kreative søk.

105. A. A. IVANOV Kristi tilsynekomst for folket

106. A. A. IVANOV Hodet til døperen Johannes. Studie for maleriet "Kristi tilsynekomst for folket"

Kunstnere-malere formidler skjønnheten i verden rundt dem ved hjelp av maling. Du kan velge hvilken som helst base: lerret, papir, papp, brett, vegg, etc. Basen er vanligvis grunnet med spesielle forbindelser. Malere bruker en rekke malinger: gouache, akvarell, tempera, olje, etc. Maling påføres basen med runde og flate børster av forskjellige tykkelser. Noen ganger brukes en palettkniv, en kniv, en fille til dette, de påfører til og med maling med en finger, men det er fortsatt bedre å lage malerier ved hjelp av spesialverktøy, og ikke med improviserte midler. Teknikken for å skrive, dens funksjoner avhenger i stor grad av egenskapene til maling, løsemidler, verktøy.

107. Akvarell, gouache og oljemaling

108 a. akvarell b. gouache c. Olje

Fram til slutten av 1600-tallet - begynnelsen av 1700-tallet forberedte kunstnere og lærlinger maling på egen hånd, vanligvis overlatt til studenter, som knuste steiner til pulver og blandet det med lim, olje eller et egg. Med industriell produksjon av maling har fargepaletten blitt mer mangfoldig.

Maling for maling har spesielle navn. Svært ofte forteller disse navnene oss hvilke kjemiske eller naturlige elementer (mineraler, planter) de er laget av. Grunnlaget for all maling er pigment (finmalt farget pulver). Ofte kommer navnet på maling fra hva slags bindemiddel som brukes til å forberede dem. For eksempel er oljemaling basert på linfrø eller annen olje. Selvklebende maling er akvarell, gouache, tempera. I gamle dager ble eggtempera laget av eggeplommen fra et kyllingegg.

Populær i kategorien: