Japansk kunst. Japansk kunst
Himeji er et av de eldste slottene i Japan.
Japansk kunst fra den eldgamle perioden
Japansk kultur tok form og utviklet seg under spesielle naturlige og historiske forhold. Japan ligger på fire store og mange små øyer vasket av havet. Siden hun var på ytterkanten av øst, opplevde hun den periodiske økende, så igjen falmende innflytelsen fra fastlandskulturer som Kina og Korea. Perioder med interaksjon med omverdenen ble i japansk historie erstattet av lange århundrer med kulturell isolasjon (perioder fra 10. til 14. og fra 1600- til midten av 1800-tallet). Sistnevnte omstendighet bidro til utviklingen og konsolideringen av mange unike trekk ved japansk kultur generelt og kunst spesielt. Bekjentskap med kulturen i Vesten fant sted på 1500-tallet, da hovedtrekkene i den opprinnelige japanske sivilisasjonen allerede var dannet. Fram til 1854 handlet Japan med Kina og Holland gjennom bare én havn.
Fra de gamle innbyggerne på de japanske øyene - jegere og fiskere - kom steinøkser, harpuner, pilspisser og håndskulpturerte keramiske fartøyer oppdaget som et resultat av arkeologiske utgravninger, som fikk navnet på grunn av "Jomon"-mønsteret påtrykt dem, som betyr "spor av tauet". Derfor kalles også den neolittiske kulturen i Japan Jomon. Nybyggere som ankom fra Sibir, Polynesia og senere fra Korea og Kina sto på forskjellige nivåer kulturell utvikling. Dette forklarer det faktum at monumenter fra både yngre steinalder og bronsealder finnes i enkelte kulturlag. Det japanske språket er nært språkene til den altaiske gruppen. Da japanerne, som et resultat av kontakt med kinesisk kultur, ble kjent med kinesisk hieroglyfskrift, viste det seg å være svært vanskelig å tilpasse kinesiske hieroglyfer til å formidle muntlig japansk tale.
Den første perioden av japansk kultur, som pålitelige data er bevart om, kalles kofuns (hauger) epoke - begravelser, hvis bakkedel var en jordhaug med karakteristisk form - en kombinasjon av en sirkel og en trapes, som lignet et nøkkelhull, som symboliserte foreningen av jord og vann. De var av betydelig størrelse, de var omgitt av en dobbel grøft med vann, gress vokste over haugen, og langs den indre omkretsen av haugen var det hule leirfigurer av mennesker, dyr, modeller av båter og hus fra 30 cm til ett. og en halv meter høy. De ble kalt "haniwa". Inne i gravkammeret var det kister med døde representanter for adelen, hvor rituelle gjenstander ble plassert: et speil, en dotaku-klokke, hvis lyd var ment å skremme bort onde ånder og tiltrekke gudene - beskytterne til rorkultene. Yamato-kongenes begravelser inneholdt alltid slike rituelle symboler på makt som jade-anheng og sverd. For å opphøye kongene av Yamato-klanen, ble historiens begynnelse etablert, gudenes hierarki ble bestemt, guddommen Amaterasu ("Skinner fra himmelen") ble skilt ut, som overførte makten over de japanske øyene til kongene i Yamato-klanen. Navnet "Nippon" eller "Nihon", som betyr "land med den stigende solen", dukket opp på 700-tallet. I 608 begynte studiereiser i Kina, som fortsatte i mer enn to århundrer.
Dotaku - rituelle bronseklokker - sylindre innsnevret til toppen, toppet med brede løkker med krøllete avsatser, hvis vegger er delt inn i firkanter fylt med grafiske bilder
Japanernes heterogene tro, som har mange trekk ved primitiv animisme og fetisjisme, gjenspeiles i shinto. Shinto ("gudenes vei") gjenspeiler i sin essens de japanske ideene om naturens universelle spiritualitet. Utallige såkalte "kami" (ånder) eksisterer både i mirakuløse landskapsobjekter, som Lake Biwa og Mount Fuji, og i gjenstander skapt av mennesker - sverd, speil, utstyrt med magiske egenskaper på grunn av dette. Shinto-helligdommen ble preget av enkelheten i trestrukturen: et rom med en gang ble plassert på stylter, omgitt på alle sider av en veranda. Innsiden av Shinto-helligdommen var svak og tom. Troende gikk ikke inn i templet.
Para-periode (645–794 e.Kr.)
Nara er navnet på den første hovedstaden og den eneste byen i Japan på den tiden. Dette var tidspunktet for etableringen av japansk statsskap, innføringen av buddhismen og opprettelsen av monumenter av buddhistisk kunst - templer, pagoder, forskjellige statuer av buddhistiske guder. Buddhismen i denne perioden var ikke så mye folkets tro som en fortsettelse av domstolens politikk. Ulike sekter av buddhismen spilte en svært betydelig rolle ved hoffet, landbeholdningen til buddhistiske klostre vokste, munkene hadde stor innflytelse ved hoffet. Buddhistiske klostre dukker opp, som er grupper av trebygninger som ligger på et rektangulært veggområde. Spesielt viktig var det brede smuget som førte til porten foran, plassen foran tempelet og den flerlagede pagoden som var synlig på avstand. Trestenger ble malt med rød lakk, reist på steinfundamenter, og hadde brede buede doble tak - irimoya.
Blant de tidlige buddhistiske templene er Asukadera, Horyuji, byggingen av sistnevnte ble startet i 607 etter ordre fra den da regjerende kronprins Shotoku Taishi. Klosteret besto av 53 bygninger plassert på et område på 90 tusen kvadratmeter. Fasaden til tempelet vender mot sør, hovedbygningene ligger på nord-sør-aksen, den hellige sonen er nord, det var en sal for prekener - kodo, kondo og en fem-lags pagode. I Horyuji var det 265 statuer, det viktigste skulpturelle bildet var treenigheten til Shakyamuni, representert av en skulptur av grunnleggeren av trosbekjennelsen, ledsaget av to bodhisattvaer. På 800-tallet ved store klostre var det allerede verksteder for skulptører. Kulten til bodhisattvaen Kannon spredte seg, hvis navn var en oversettelse av sanskritnavnet Avalokiteshvara (Oppmerksomhet på lydene i verden). Fylt med medfølelse for levende vesener, er en bodhisattva i stand til å lytte til lydene til de som lider, uansett hvor de er. Kulten av Avalokiteshvara oppsto i det nordvestlige India og spredte seg til Kina. I Lotus Sutraen ble det sagt at bodhisattvaen tok på seg formen til de vesenene som kaller på ham. I Japan førte spredningen av Kannon-kulten til at et stort antall av bildene hennes dukket opp - helgenen Kannon hjelper i helvete, Kannon med hestehode sprer barmhjertighet mot storfe, onde ånder - asuraer blir reddet i tusenvis -bevæpnet Kannon, Kannon med en fiskeskog redder folk.
Heian-perioden (794–1185)
I 794 ble hovedstaden i staten flyttet til byen Heian (nå Kyoto). Under Heian-perioden blomstret en sofistikert hoffkultur. Et japansk pensum ble laget - kana (jap. - en lånt hieroglyf). Til å begynne med var det bare kvinner som brukte dette manuset, mens det offisielle manuset fortsatte å være kinesisk. I løpet av X århundre. kvinners forfatterskap begynte å bli brukt i privat praksis. I XI århundre. den japanske klassiske litteraturens storhetstid begynte, et strålende eksempel på det er romanen «Genji Monogatari», skapt av hoffdamen Murasaki Shikibu.
I kunsten til Heian er hovedplassen okkupert av buddhistiske bilder av de esoteriske sektene Tendai og Shingon som kom fra Kina på den tiden, som lærte at alle levende vesener har Buddhas essens. Ved å trene ånden og kroppen, ved å oppfylle løftene, er alle i stand til å tilegne seg Buddhas essens i prosessen med flere gjenfødsler. Templene til disse sektene ble bygget på toppen av fjell og steinete avsatser, kapellene i dem ble delt inn i to deler. Inne, der det hellige bildet var plassert, var vanlige troende ikke tillatt.
Heian-tiden er en tid med luksus for de regjerende sirkler. På dette tidspunktet ble typen boliger shinde dannet. Veggene og forholdene i et varmt klima var ikke kapital og hadde ikke en referanseverdi. De kan lett flyttes fra hverandre, erstattes av mer holdbare for kaldt vær, eller fjernes helt i varmt vær. Det var heller ingen vinduer. I stedet for glass ble det strukket opp på en gitterramme hvitt papir som slipper diffust lys inn i rommet. Den brede gesimsen på taket beskyttet veggene mot fuktighet og sollys. Interiøret, blottet for permanente møbler, hadde skyve skillevegger, takket være hvilke det var mulig, etter ønske, å lage enten en hall eller flere små isolerte rom, gulvet var dekket med stråmatter - tatami, av samme størrelse (180 med 90 cm).
Konfucianske og buddhistiske tekster ble hentet fra Kina under Heian-perioden. Ofte var de dekorert med bilder. Opprinnelig kopierte japanske kunstnere kinesiske "kjente steder", men fra 1000-tallet. vend deg til bildet av landskap og skikker hjemland. "Yamato-e" maleri er designet, som skilte seg fra kinesisk maleri ved å bruke temaer fra japansk poesi, noveller, romaner eller fra folkelegender. Maleriet fikk navnet sitt fra navnet på Yamato-regionen - den sørvestlige delen av øya Honshu, der staten Japan ble dannet.
Bildet representerte ofte en rulle av illustrasjoner med tilhørende tekst, som ble tatt for hånd og spunnet fra høyre til venstre, mens du leste den tilsvarende delen, ble illustrasjonen etter den vurdert.
Yamato-e-maleriet toppet seg i slutten av Heian-perioden. På dette tidspunktet dukket det opp profesjonelle kunstnere som malte bilder om sekulære emner på skjermer, skyvepartisjoner (shoji) og ruller - emakimono. Den eldste av rullene er Genji Monogatari. Emakimano-ruller var bildefortellinger. Rullen til "Genji-monogatari-emaki", den berømte romanen av Murasaki Shikibu, har overlevd til i dag, og skildrer aristokratiets ledige liv i levende farger, det er en syntese av kalligrafi, litteratur og maleri. I de overlevende 19 av de 54 kapitlene i romanen har ikke illustrasjonene et eneste plot og gjennom handling. De fleste av de avbildede scenene finner sted i interiører, alt synlig vises ovenfra, det er ikke noe enkelt forsvinningspunkt for linjer, storstilt korrespondanse av figurer og arkitektur, ansiktene til alle karakterer er like, bare frisyrer og klær er forskjellige . Hovedemnet for kunstnerens oppmerksomhet er overføringen av det følelsesmessige innholdet i hendelsene som fant sted i romanen, som var godt kjent for alle. Hovedteknikkene er konstruksjon av rom og bruk av fargemuligheter. For overføring indre tilstand karakterer og atmosfæren i hver scene, er det viktig for kunstneren i hvilken vinkel i forhold til den nedre kanten av rullen de diagonale linjene er rettet, noe som indikerer enten bjelkene til strukturene, eller takskjegget på gardinene, eller kanten av verandaen. Avhengig av graden av følelsesmessig spenning varierer denne vinkelen fra 30 til 54 grader.
Bodhisattva - Kannon vises i Kina, Korea og Japan hovedsakelig i kvinnelig form, i hender med en kanne, en pilegren og en lasso
Det var ingen skillevegger i husene til aristokrater; de beste kunstnerne malte yamato-e-bilder på skjermer og gardiner. Yamato-e-malerier ble forent med litterære verk, som også ble plassert på skjermer og gardiner. I antologier av poesi fra X-XIII århundrer. vers skrevet på skjermer fra det 9.-10. århundre er ikke uvanlig. Det største antallet slike dikt er inneholdt i antologien "Sui-shu". Akkurat som poesi handlet om de fire årstidene, var det også maling for skjermer. I tråd med folkesanger utviklet det seg et visst system av poetiske formler, og ble deretter grunnlaget for japansk klassisk poetikk. Så vårens tegn var en tåkete dis, et piletre, et tegn på sommer - en gjøk, sikader, høst - skarlagens lønneblader, en hjort, en måne, vintre - snø og plommeblomster.
Kyoto er en gammel perle i Japan.
Overfloden av homonymer i språket gjorde det mulig å gi versene mange betydninger. Temaer og plott gjorde det mulig, gjennom en detalj eller et hint, i en ekstremt kortfattet poetisk form (31 stavelser per tanka), å uttrykke mangfoldet av alle nyanser av følelsesmessige tilstander. Det skjedde en gradvis overgang fra skjermer med tekst til skjermer uten tekst. Slik ble de faktiske billedlige sjangerunderavdelingene dannet - shiki-e («bilder av de fire årstidene») og mei-se-e («bilder av kjente steder»).
Sammensetningen av slike malerier samsvarte ikke med noen av kategoriene av kinesisk maleri. Den største sammensmeltingen av natur og menneske vil bli karakteristisk for ulike sjangere av japansk kunst.
Kamakura-perioden (1185-1333) og Muromachi-perioden (1333-1568)
På slutten av 1100-tallet ble hovedstaden flyttet igjen, makten i landet som et resultat av en blodig sivil strid ble grepet av Minamoto-klanen, hvis hode flyttet hovedstaden til hans bosetning Kamakura, hvis navn ble navnet på neste trinn i Japans historie. Den militære klassen til samuraiene kom til makten i landet, blant dem kom shogunene - de faktiske militære herskerne i Japan, keiseren, som forble i Nara, beholdt bare nominelle maktattributter. Det sofistikerte til samuraiens hoffkultur foretrakk enkelhet. Klostrene til Zen-sekten inkluderte ikke lenger pagoder, templene lignet landlige hytter. Fra slutten av XIII århundre. under påvirkning av de panteistiske ideene til Zen-sekten begynte landskapet å legemliggjøre ideen om tilstedeværelsen av buddhistiske guder i alle landskapsobjekter. I klostrene i Kamakura har ikonografien til portretter av Minsk-patriarken utviklet seg: en sittende og rolig positur med en fremhevet karakteristikk av ansiktet, den hypnotiske kraften i blikket. Under påvirkning av Zen-sekten blir skulptur henvist til bakgrunnen, maleri, spesielt landskapsmaleri, uttrykker holdningen til menneskene i denne epoken.
Muromachi-perioden begynner med hendelsene i 1333, da føydalherrene i de sørøstlige regionene på øya Honshu fanget og brente Kamakura, og returnerte hovedstaden til Heian. Det var en tid med interne stridigheter og kriger mellom føydale klaner. Førende for vanskelighetens tid var læren fra tilhengerne av Zen-sekten om at man, etter å ha oppnådd enhet med naturen, kan komme overens med livets vanskeligheter og oppnå enhet med verden. For det første i japansk kunst, under påvirkning av Zen-læren om at "kroppen" til Buddha er naturen, er avansert landskapsmaleri. I andre halvdel av XII århundre. maleri med svart blekk trengte inn i Japan fra Kina. Japanerne som overveiende praktiserte slikt maleri var medlemmer av Zen-sekten. De skapte en ny stil som forklarte den nye trosbekjennelsen (shigaku - en kombinasjon av maleri og poesi). 1400- og 1500-tallet - tiden for den maksimale blomstringen av blekkmaleri, den ledende mesteren av dette var Sesshu Toyo (1420-1506). Parallelt med denne stilen eksisterte også yamato-e-stilen.
Endringer i sosio-politiske forhold, som brakte militærklassen i forgrunnen, førte også til opptredenen på 1500-tallet. Sein arkitektonisk stil. Det tidligere enkeltvolumet av huset er nå delt ved hjelp av skyvedører (shoji), skyveskillevegger (fusuma). Et spesielt sted for klasser dukket opp i rommene - en hylle for bøker og et vindu med en bred vinduskarm og en nisje (tokonoma) hvor en bukett eller en stein med lunefull form ble plassert og en vertikal rulle ble hengt.
I det XVI århundre. I japansk arkitekturs historie dukker tepaviljonger opp i forbindelse med behovet for riktig gjennomføring av teseremonien. Te ble brakt til Japan i Kamakura-perioden av buddhistiske munker som en trylledrikk. Te-ritualet (cha-no-yu) ble introdusert på initiativ av Zen-munken Murata Shuko og krevde en spesiell metode for implementeringen. Dermed ble en ny type arkitektonisk struktur dannet - chashitsu (paviljong for teseremonien), i sin konstruktive basis var den nær en boligbygning, og i sin funksjon - til et buddhistisk tempel. Støttene til tepaviljongen var av tre, taket var ferdig med bambus eller siv. Inne i en hytte foret med matter, 1,5 eller 2 tatami med adobevegger, små vinduer i forskjellige nivåer, en tokonoma-nisje med et hengende monokromt landskap og en blomst i en vase, var det en ildsted, en hylle for redskaper.
I løpet av Muromachi-perioden blomstret hagekunsten. Japanske hager er forskjellige. Små hager er oftest plassert ved templer eller assosiert med et tradisjonelt hjem, de er designet for å bli sett. Stor anlagte hager designet for å bli oppfattet fra innsiden.
Kondo - (jap. gylden hall) - hovedtempelet til det buddhistiske komplekset, som inneholder ikoner, statuer, veggmalerier
Zen-tempelhagen ble bygget i henhold til prinsippet om en monokrom landskapsrulle. I stedet for et papirark brukte kunstneren vidden av en innsjø eller en plattform dekket med småstein, i stedet for flekker og utvaskinger av det tykke - steiner, moser, løvverk av trær og busker. Gradvis forsvant blomster fra hagen, de ble erstattet av moser og busker, steiner begynte å bli brukt i stedet for broer. Noen hager var landskap, kupert (tsukiyama). Tsukiyama-hagene var en kombinasjon av naturlige elementer som steiner, moser, trær, dammer, med en obligatorisk paviljong på kysten. Den eldste landskapshagen ligger i Kyoto og tilhører Sohoji-klosteret. Tørre hager ble kalt "hiraniva", dvs. flat. Hiraniva er en "filosofisk" hage, da han krevde en utviklet fantasi fra betrakteren. Hiraniwa-hagen «var igjen av steiner, sand, småstein. Hagen var lukket på tre sider av en mur som omringet den, og var kun ment for kontemplasjon. På slutten av XV århundre. opprettet en av de mest kjente tørre hagene i Ryoanji-klosteret. Den inkluderer 15 steiner som ligger på et rektangulært grusområde. I hiraniwa-hagen til Daitokuji-klosteret, opprettet i 1509, er naturen representert av sammensetninger av steiner og småstein. En av delene av hagen ble kalt «tomrommets hav» og består av to lave rullesteinbakker midt i et rektangulært område. Hager kan utfylle hverandre.
På slutten av XV århundre. hoffskolen for dekorativt maleri Kano ble dannet. Grunnleggeren av skolen Kano Masanobu (1434-1530) kom fra en militærklasse, og ble en anerkjent hoffkunstner. Hans landskap hadde bare forgrunnen, alt annet var dekket av en tåkete dis. Vektleggingen av ett bestemt emne i bildet ville bli karakteristisk for Kano-skolen. Hovedplassen i arbeidet til kunstnerne på Kano-skolen var okkupert av dekorative veggmalerier og skjermer med sjangermaleri. Veggmalerier har blitt hovedkomponenten i syntesen med den arkitektoniske formen og et middel til å påvirke den figurative betydningen av det arkitektoniske rommet. På sin side krevde trekkene til den arkitektoniske formen visse stilistiske kvaliteter ved maleriene, og derfor ble det gradvis dannet en ny stilistisk kanon, som ble bevart i Japansk maleri frem til 1800-tallet.
Shinden er en type boligbygg. Rektangulær i plan, en-halls hovedbygning, vendt mot torget med sin sørlige fasade, og innrammet av gallerier fra øst og vest
Momoyama-perioden (1X73-1614)
Og denne gangen tok æraen med føydale kriger slutt, makten i landet gikk over til påfølgende militærdiktatorer - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi og Iyaesu Tokugawa. Det var en tid med byvekst, sekularisering og demokratisering av kultur, inntrengning av nye verdiorienteringer. Kultarkitektur har mistet sin tidligere betydning. De nye herskerne i Japan erklærte sin makt ved å bygge grandiose slott, hvis konstruksjon ble forårsaket av utseendet til skytevåpen i Japan og en tilsvarende endring i kamp- og forsvarstaktikk. Slottet har blitt en fundamentalt ny type japansk arkitektur. Det asymmetrisk plasserte territoriet til slottet, omgitt av en vollgrav og vakt- og hjørnetårn, inkluderte et sentralt torg og mange gårdsrom og rom, underjordiske tilfluktsrom og passasjer. Boligkvarteret var lokalisert i en trebygning som ligger på slottets territorium med et strengt hierarki av det indre rommet, noe som gjenspeiler det sosiale hierarkiet. Interiøret i slottene, nedsenket i skumring, var best egnet for dekorative veggmalerier, grandiose i størrelse, fylt med lyse farger på en gylden bakgrunn.
Kano Eitoku (1543-1590). Skaperen av en ny stil med veggmalerier, designet for å glorifisere militære diktatorer. Han var den første som utviklet prinsippet om en enkelt komposisjon på store horisontale overflater, forstørret formene, forlot små detaljer for å formidle ikke bare silhuetter, men også dynamikken i formene deres. Eitoku er preget av ønsket om å øke flatheten til bildet, for å forbedre dets dekorative kvaliteter. Så, på steder som symboliserer tom plass, er det flekker med en blanding av gullpulver. Rommet i komposisjonen utfoldet seg ikke i dybden, men langs blikket.
I 1576, ved bredden av innsjøen Biwa, ble det reist et hittil ukjent slott med et kolossalt syv-etasjers tårn, som skulle demonstrere makten til diktatoren Oda Nobunaga. Et trekk ved slottet var tilstedeværelsen av ikke bare offisielle, men også private kamre. Hoveddekorasjonene i rommene var veggmalerier, som ble utført på oppdrag av Kano Eitoku, som arbeidet med dem i tre år fra kl. stor gruppe assistenter. Kano Eitoku, som ble forhastet av diktatoren med utførelsen av ordren, begynte å forstørre skjemaene ved å bruke en tykk børste laget av rishalm, og ty til en lakonisk kunstnerisk språk. Hovedplassen var okkupert av bildet av trær, blomster, fugler og dyr. Fargevalget var lyst, det var ingen fargenyanse.
Endringen i den sosiale situasjonen i landet etter at Tokugawa-shogunene kom til makten førte til et forbud mot bygging av slott.
I arbeidet til kunstnere fra den første tredjedelen av XVII århundre. nye egenskaper begynner å ta over. I maleri ble ønsket om balanserte, rolige komposisjoner, veksten av dekorative former, interessen for kulturen i Heian-tiden og verkene til yamato-e mer merkbar. Et særtrekk ved Kano-skolen på denne tiden er ornamentalitet og økt dekorativitet. Når i andre kvartal av XVII århundre. bygging av slott var forbudt, skjermen ble hovedformen for dekorativt maleri. Monumentaliteten til Kano Eitoku etterlot dekorativt maleri. Kunsten fikk en personlig farge som påvirket dens stilistiske kvaliteter. dekorativt maleri 17. århundre oftest inspirert av heltene og temaene i klassisk litteratur, som gjenspeiler spekteret av interesser til stammearistokratiet og dachshunden til den fremvoksende borgerlige eliten. Dekorativt maleri utviklet i den gamle hovedstaden - Kyoto.
Ogata Korin ble talsmann for smaken til nye kunstforbrukere - byboere, kjøpmenn og håndverkere. ny representant Kano skoler.
Emakimano er en horisontal rulle laget av papir eller silke limt på en base innrammet med en brokadekant med en trerull i enden.
Ogata Korin (1658-1716) levde som en rik rake, og besøkte stadig de "morsomme distriktene". Først etter ruinen, møtt med det alvorlige behovet for å tjene til livets opphold, begynte han å male stoffer og male. Ogata Korin tok for seg både keramikk og lakk, malte kimonoer og vifter. Hvordan
mester, begynte han med et bekjentskap med tradisjonelt maleri og dets teknikker. Korin strebet alltid etter kompakthet, balanse mellom former, et karakteristisk trekk ved hans kreative måte - fokus på utviklingen av flere plotmotiver, deres gjentatte repetisjon og variasjon. I arbeidet til Ogata Korin dukket det for første gang opp arbeid fra naturen. I maleriet av skjermen "Rødt og hvitt plommetre" går plottmotivet tatt av Korin tilbake til klassisk poesi med sine bilder av tidlig vår og våknende natur. På begge sider av bekken, på en gylden bakgrunn, er blomstrende trær skrevet: en tettsittende, med en tykk buet stamme og nesten vertikalt stigende grener, et rødt plommetre og et annet, kun indikert ved foten av stammen og skarpt buet, som om han falt til vannet, og derfor plutselig skjøt opp en gren, strødd med hvite blomster.
Kano Eitoku-hauk på et furutre. Skjerm. Detalj fra slutten av 1500-tallet.
Ogata Kenzan (1663-1743), i motsetning til sin eldre bror Ogata Korin, gravitert mot åndelige verdier fra ungdommen, var en tilhenger av Zen-buddhismen, kjente kinesisk og japansk klassisk litteratur, Ingen teater, te-ritualer. På territoriet som tilhørte Ninnaji-tempelet fikk Kenzan tillatelse til å bygge sin egen keramikkovn, som produserte produkter i 13 år frem til 1712. Han strebet ikke etter lønnsomhet, han ble ledet av ideen om å lage svært kunstneriske produkter . For første gang brukte han tradisjonelle blekkmaleteknikker i volumetrisk maling. Kenzan begynte å bruke farger, han skrev på et fuktig skår, den porøse leiren absorberte malingen, som papir i blekkmaling. I likhet med sin store samtidige poet Basho, som gjorde den populære lavsjangeren haiku til en åpenbaring, viste Ogata Kenzan at vanlige keramiske tallerkener, kopper, vaser kan være både bruksgjenstander og samtidig poetiske kunstmesterverk.
Edo-perioden (1614–1868)
I 1615 ble samuraier gjenbosatt fra Kyoto til Edo. Betydningen av klassen av kjøpmenn, kjøpmenn og ågerbrukere, konsentrert i Mara, Kyoto og Osaka, økte. Representantene for disse sosiale gruppene var preget av en verdslig oppfatning av livet, ønsket om å frigjøre seg fra påvirkningen av føydal moral. For første gang tar kunsten opp temaene i hverdagen, inkludert livet til de såkalte. morsomme nabolag - en verden av tehus, Kabuki-teater, sumobrytere. Utseendet til tresnitt var assosiert med demokratisering av kultur, siden graveringer er preget av sirkulasjon, billighet og tilgjengelighet. Etter daglig maling begynte gravering å bli kalt ukiyo-e (bokstavelig talt - den dødelige foranderlige verden).
Produksjonen av graveringer har fått et stort omfang. Den tidlige perioden i utviklingen av ukiyo-e-grafikk er assosiert med navnet Hasikawa Moronobu (1618-1694), som skildret ukompliserte scener fra livet til innbyggerne i tehus, håndverkere, som kombinerer hendelser til forskjellige tider, uten tilknytning til hver andre, på en gravering. Bakgrunnen til graveringene forble hvit, linjene var klare. Gradvis utvidet utvalget av emner for graveringer, interessen ikke bare for det ytre, men også for karakterenes indre verden ble dypere. Japansk gravering i 1780-1790. går inn i sin storhetstid. Suzuki Haranobu (1725-1770) begynte først å avsløre indre verden helter i slike graveringer som "Skjønnheter som plukker en plommegren", "Elskere i en snødekt hage". Han var den første som brukte rulleteknikken, som skaper en overgang fra mørk til lys tone, varierte tykkelsen og teksturen på linjene. Han brydde seg aldri om de ekte fargene, havet i graveringene hans er rosa, himmelen er sand, gresset er blått, alt avhenger av den generelle følelsesmessige stemningen i scenen. Et av hans beste verk, «Lovers Playing the Same Shamisen», var inspirert av det japanske ordtaket «Hvis musikk fremmer kjærlighet, spill».
Tokonoma - en nisje i det indre av et tehus
Kitagawa Utamaro (1753-1806) - en fremragende ukiyo-e-mester. Arbeidet hans begynte med albumene "The Book of Insects", "Songs of Shells". I sine halvlange, bystelange portretter av kvinner, bruker Utamaro for første gang glimmerpulver, som skaper en glitrende bakgrunn. Perfekt skjønnhet Utamaro med en grasiøs form og passform på hodet,
tynn hals, liten munn, korte svarte øyenbryn. I seriene "Ten Women's Characters" og "Days and Hours of Women" forsøkte han å identifisere forskjellige typer utseende og karakter hos kvinner. På slutten av 90-tallet. i Utamaro tar han opp temaet morskap i graveringer som "Mother with a Child" og "Ball Game", samtidig som han lager triptyker og polyptyker om historiske temaer, og tyr til indirekte betegnelse (heltene i landet er avbildet som skjønnheter). Teshusai Shyaraku laget en serie portretter av kabuki-teaterskuespillere og sumobrytere. Han forlot de allment aksepterte tradisjonene, og gjorde det groteske til hans hovedteknikk. Den tredje perioden i utviklingen av ukiyo-e-trykk faller på 1800-1868. På denne tiden økte innflytelsen fra nederlandske og tyske etsninger på japansk kunst. For kreativiteten til det kunstneriske dynastiet Utagawa ble avvisningen av søket etter individualitet, ønsket om formell eleganse karakterene. Storhetstiden til landskapssjangeren i gravering er assosiert med navnet Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai studerte gammel og moderne japansk kunst, kjente kunsten til Kina og ble kjent med europeisk gravering. Inntil nesten 50 år gammel jobbet Hokusai på den tradisjonelle måten som ukiyo-e-artister. Bare i Manga-albumene (en skissebok), hvor det første bindet ble utgitt i 1812, fant Hokusai sitt kunstfelt. Nå malte han hverdagsscener, landskap, folkemengder.
japan landskapshager
I en alder av 70 skapte Hokusai sin serie "36 Views of Mount Fuji", på hver av graveringene kunstneren skildrer Mount Fuji. Kombinasjonen av sjangertemaet med landskapet er et trekk ved Hokusai. I motsetning til de gamle landskapsmalerne, viser Hokusai jorden nedenfra. Samtidig lager han serien «Reise gjennom landets fossefall», «Broer», «Store blomster», «100 utsikt over Fuji». Hokusai kunne overføre ting fra uventet side. I 100 Views of Fuji-graveringene dukker fjellene enten opp fra nattens mørke, som et syn, eller er synlige bak bambusstilkene, eller reflekteres i innsjøen. Hokusais tilhenger Ando Hiroshige (1797-1858) malte naturen mye mer realistisk. Som elveagent av yrke, reiste han mye rundt i landet, og skapte serien "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Hiroshiges kunst nærmer seg europeisk maleri, og fullfører den to hundre år lange storhetstiden til ukiyo-e-gravering.
Han skapte maleriene sine i Taise-perioden (1912-26) og tidlig Showa. Han ble født i 1891
år i Tokyo, var sønn av journalisten Kishida Ginko. I 1908 ble han uteksaminert fra skolen, i en alder av
I en alder av 15 ble han kristen og viet seg til kirkelige aktiviteter, deretter Kishida
Ryūsei studerte vestlige kunststiler ved Hakubakai-studioet under
Seiki Kuroda (1866-1924), som var en av grunnleggerne av Kunstakademiet i Japan.
Allerede i 1910 begynte den unge kunstneren å stille ut verkene sine på det årlige
Banten statsutstilling. Hans tidlige arbeider, spesielt landskap, ble malt
sterkt påvirket og gjenspeiler stilen til læreren hans Kuroda Seiki.
Reiko-portrett
Senere møtte artisten og ble venn med Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
som introduserte kunstneren for Shirakaba-samfunnet ( Hvit bjørk) og introduserte europeisk
Fauvisme og kubisme. Dannelsen av Kishida Ryūsei som kunstner skjedde i den første
tiåret av det tjuende århundre, da mange japanske unge kunstnere dro for å studere
maling i utlandet, først og fremst til Paris. Kishida Ryūsei har aldri vært i Europa og
studerte ikke med europeiske mestere, men innflytelsen fra europeisk postimpresjonisme på ham
var enorm, spesielt arbeidet til Van Gogh og Cezanne. Fra slutten av 1911 til begynnelsen
1912 ble han inspirert av samtidens verk franske kunstnere, med verkene som
Han møttes i Shirakaba magazine og gjennom illustrerte bøker. Hans tidlige arbeid er tydelig
opprettet under påvirkning av Henri Matisse og fauvistene.
Selvportrett med hatt, 1912
stil: fauvisme
I 1912, i en alder av tjueen, debuterte Kishida Ryūsei som
profesjonell kunstner, fant hans første separatutstilling sted i
Rokando kunstgalleri. Samme år organiserte artisten sin
Fyizankai Art Circle for å studere og fremme
postimpresjonisme.
Hage til presidenten for South Manchurian Railway Company 1929
Snart brøt kretsen opp på grunn av interne konflikter etter å ha holdt to utstillinger.
Fra omtrent 1914 forlot kunstneren fauvismen, hans tidlige stil. I 1915
år, opprettet Kishida Reisai Shodosa-gruppen, der hans hovedkamerat, student
og kunstneren Michisai Kono var en tilhenger.
Sti på forsommeren 1917
stil: yoga-ka
Siden den gang har han utviklet sin egen unike stil av en stor mester, på japansk
på språket kalles det "shajitsu" eller "shasei", vanligvis oversatt til russisk som realisme.
Kunstneren forenkler former, finner en unik farge, alt dette kommer fra kunst
Cezanne. Selv om Kishida Reisai satte stor pris på Frankrikes kunst, men i den senere perioden
ansett som orientalsk kunst langt overlegen vestlig kunst.
Road Cut Through a Hill, 1915
stil: yoga-ka
Portrett av Bernard Leach, 1913
stil: fauvisme
Selvportrett, 1915,
stil: yoga-ka
Selvportrett, 1913,
stil: yoga-ka
Selvportrett, 1917,
stil: yoga-ka
Portrett av en mann
stil: yoga-ka
Fra rundt 1917 flyttet kunstneren til Kugenuma Fujisawa i Kanagawa-området. Han startet
studere stilene og teknikkene til nordeuropeiske renessansekunstnere som f.eks
Dürer og Van Dyck. I løpet av denne perioden malte han sin berømte serie med malerier av Reikos datter,
som kombinerer nærmest fotografisk realisme med surrealistisk
dekorative elementer. På begynnelsen av 1920-tallet interesserte Kishida Ryūsei seg for
elementer av orientalsk kunst, spesielt, til kinesiske malerier"Sanger" og
"Yuan-dynastiet".
"Portrett av Sanada Hisakichi"
Under det store Kanto-jordskjelvet i 1923 var kunstnerens hjem i Kugenum
ødelagt, flyttet Kishida Ryūsei til Kyoto for en kort periode, deretter i februar
1926 kom tilbake for å bo i Kamakura. På 1920-tallet malte kunstneren mange
artikler om japansk maleris estetikk og historie.
Tekopp Tebolle og tre grønne epler, 1917
stil: sezannisme
Stilleben, 1918,
stil: sezannisme
To røde epler, tekopp, teskål og en flaske, 1918
stil: sezannisme
I 1929, med bistand fra South Manchurian Railway, laget Kishida Ryūsei
den eneste utenlandsreisen i mitt liv, besøker Dalian, Harbin og Fengtian
i Manchuria. På vei hjem tok han et stopp i byen Tokuyama, et distrikt
Yamaguchi, hvor han plutselig døde av akutt selvforgiftning av kroppen. Kishida Ryusei
skapte sine portretter, landskap og stilleben frem til sin tidlige død i en alder av
38 år. Kunstnerens grav ligger på Tama Reien-kirkegården i Tokyo. Etter døden
Kishida Ryūsei til to av maleriene hans Japanese Government Agency for Cultural Affairs
tildelt tittelen "Nasjonal kultureiendom". I desember 2000 ble en av
hans portrett av datteren Reiko med et lommetørkle på skuldrene ble solgt for 360 millioner yen, som
ble den høyeste prisen på japanske maleriauksjoner.
Innholdet i artikkelen
JAPANSK KUNST. Siden antikken har japansk kunst vært preget av aktiv kreativitet. Til tross for avhengigheten av Kina, hvor nye kunstneriske og estetiske trender stadig dukket opp, introduserte japanske kunstnere alltid nye funksjoner og endret kunsten til lærerne sine, og ga den et japansk utseende.
Japans historie som sådan begynner å ta bestemte former først på slutten av 500-tallet. Relativt få gjenstander som dateres tilbake til tidligere århundrer (den arkaiske perioden) er funnet, selv om noen funn gjort under utgravninger eller under byggearbeid taler om bemerkelsesverdig kunstnerisk talent.
arkaisk periode.
De eldste verkene av japansk kunst er leirpotter av typen Jomon (snoravtrykk). Navnet kommer fra dekorasjonen av overflaten med spiralavtrykk av en snor viklet rundt stokkene som skipsføreren brukte til å lage fartøyet. Kanskje til å begynne med oppdaget mesterne ved et uhell utskrifter av fletteverk, men så begynte de å bruke dem bevisst. Noen ganger satt snorlignende leirkrøller fast på overflaten, noe som skapte en mer kompleks dekorativ effekt, nesten en lettelse. Den første japanske skulpturen oppsto i Jomon-kulturen. Dogu (lett. "leirebilde") av en person eller et dyr hadde sannsynligvis en slags religiøs betydning. Bilder av mennesker, for det meste kvinner, ligner veldig på leirgudinnene til andre primitive kulturer.
Radiokarbonanalyse viser at noen funn fra Jomon-kulturen kan dateres tilbake til 6000–5000 f.Kr., men en så tidlig dato er ikke generelt akseptert. Selvfølgelig ble slike retter laget i lang tid, og selv om nøyaktige datoer ennå ikke kan fastslås, skilles tre perioder. De eldste prøvene har en spiss base og er nesten usmykkede, bortsett fra sporene etter et keramikerredskap. Fartøyer fra middelperioden er rikere ornamentert, noen ganger med støpte elementer som skaper inntrykk av volum. Formene til karene i den tredje perioden er svært forskjellige, men dekoren flater ut igjen og blir mer tilbakeholden.
Omtrent på 200-tallet. f.Kr. Jōmon-keramikk ga plass for Yayoi-keramikk, preget av eleganse i form, enkel design og høy teknisk kvalitet. Skåret av karet ble tynnere, ornamentet mindre snodig. Denne typen hersket frem til det 3. århundre. AD
Fra et kunstnerisk synspunkt, kanskje de beste fungerer av den tidlige perioden er khaniva, leiresylindere som dateres tilbake til det 3.–5. århundre. AD Karakteristiske monumenter fra denne epoken er enorme åser, eller gravhauger, gravstrukturer av keisere og mektig adel. Ofte svært store i størrelse, er de bevis på makten og rikdommen til den keiserlige familien og hoffmenn. Byggingen av en slik struktur for keiser Nintoku-tenno (ca. 395–427 e.Kr.) tok 40 år. Det mest bemerkelsesverdige ved disse gravene var leiresylindere som omringet dem som et gjerde, khaniva. Vanligvis var disse sylindrene ganske enkle, men noen ganger var de dekorert med menneskelige figurer, sjeldnere med figurer av hester, hus eller haner. Deres formål var todelt: å forhindre erosjon av enorme jordmasser og å forsyne den avdøde med alt nødvendig som han brukte i jordelivet. Naturligvis ble sylindrene laget umiddelbart i store mengder. Variasjonen av temaer, ansiktsuttrykk og gester til figurene som dekorerer dem, er i stor grad et resultat av mesterens improvisasjon. Til tross for at dette er mer verk av håndverkere, snarere enn kunstnere og skulptører, er de av stor betydning som en skikkelig japaner kunstform. Bygninger, hester pakket inn i tepper, prime damer og krigere presenterer et interessant bilde av militærlivet i det tidlige føydale Japan. Det er mulig at prototypene til disse sylindrene dukket opp i Kina, hvor forskjellige gjenstander ble plassert direkte i begravelser, men utførelsen og bruken av haniwa tilhører den lokale tradisjonen.
Den arkaiske perioden blir ofte sett på som en tid blottet for verk av høyt kunstnerisk nivå, en tid med dominans av ting som hovedsakelig har arkeologisk og etnologisk verdi. Imidlertid bør det huskes at verkene til denne tidlige kulturen hadde en stor vitalitet som helhet, siden formene deres overlevde og fortsatte å eksistere som spesifikke nasjonale trekk ved japansk kunst i senere perioder.
Asuka-perioden
(552–710 e.Kr.). Introduksjon av buddhismen i midten av det 6. århundre. gjorde betydelige endringer i japanernes livsstil og tenkning og ble drivkraften for utviklingen av kunsten i denne og påfølgende perioder. Buddhismens ankomst fra Kina gjennom Korea er tradisjonelt datert til 552 e.Kr., men det var sannsynligvis kjent tidligere. I de første årene møtte buddhismen politisk motstand, motstand mot den nasjonale religionen Shinto, men etter bare noen tiår fikk den nye troen offisiell godkjenning og ble endelig etablert. I de første årene av sin penetrasjon i Japan var buddhismen en relativt enkel religion med et lite antall guddommer som trengte bilder, men etter omtrent hundre år fikk den styrke og pantheonet vokste enormt.
I løpet av denne perioden ble templer grunnlagt, som ikke bare tjente formålet med å fremme troen, men var sentre for kunst og utdanning. Klostertempelet ved Horyu-ji er et av de viktigste for studiet av tidlig buddhistisk kunst. Blant andre skatter er det en statue av den store triaden Syaka-Nerai (623 e.Kr.). Dette verket av Tori Busshi, den første store japanske billedhuggeren vi kjenner til, er et stilisert bronsebilde, som ligner på lignende grupper i de store huletempelene i Kina. Strenge frontalitet er observert i posituren til den sittende Shaki (japansk transkripsjon av ordet "shakyamuni", den historiske Buddha) og to figurer som står på siden av ham. Menneskefigurens former er skjult av tunge symmetriske folder av skjematisk gjengitte klær, og i glatte langstrakte ansikter kan man føle en drømmende selvopptatthet og ettertanke. Skulpturen fra denne første buddhistiske perioden er basert på stilen og prototypene fra fastlandet for femti år siden; den følger trofast den kinesiske tradisjonen som kom til Japan gjennom Korea.
Noen av de viktigste skulpturene på denne tiden var laget av bronse, men det ble også brukt tre. De to mest kjente treskulpturene er statuer av gudinnen Kannon: Yumedono Kannon og Kudara Kannon, begge i Horyuji. De er et mer attraktivt objekt for tilbedelse enn Shaki-triaden, med sine arkaiske smil og drømmende uttrykk. Selv om arrangementet av brettene til kappene i Kannon-figurene også er skjematisk og symmetrisk, er de lettere og fulle av bevegelse. Høye, slanke skikkelser understreker åndeligheten til ansiktene, deres abstrakte vennlighet, fjernt fra alle verdslige bekymringer, men følsomme for bønn fra de rammede. Skulptøren ga litt oppmerksomhet til konturene av figuren til Kudara Kannon, skjult av brettene på klærne, og i motsetning til den taggete silhuetten til Yumedono, er bevegelsen til både figuren og stoffet rettet i dybden. I Kudars profil har Kannon en grasiøs S-form.
Det eneste overlevende eksemplet på maleri som gir en ide om stilen på begynnelsen av 700-tallet er Tamamushi Zushi, den "bevingede helligdommen". Denne miniatyrhelligdommen har fått navnet sitt fra de iriserende billevingene satt inn i en perforert metallramme; senere ble den dekorert med religiøse komposisjoner og figurer av individuelle karakterer, laget med farget lakk. I likhet med denne periodens skulptur viser noen av bildene stor designfrihet.
Nara-perioden
(710–784). I 710 ble hovedstaden flyttet til Nara, en ny by etter modell av den kinesiske hovedstaden Chang'an. Det var brede gater, store palasser, mange buddhistiske templer. Ikke bare buddhismen i alle dens aspekter, men hele det kinesiske kulturelle og politiske livet ble sett på som et forbilde. Ingen andre land har kanskje følt sin egen kulturs utilstrekkelighet i så stor grad og har ikke vært så utsatt for påvirkning utenfra. Forskere og pilegrimer beveget seg fritt mellom Japan og fastlandet, og administrasjon og palassliv ble modellert etter Kina under Tang-dynastiet. Imidlertid må det huskes at, til tross for å imitere modellene til Tang Kina, spesielt innen kunst, og oppfattet dens innflytelse og stil, tilpasset japanerne nesten alltid utenlandske former til sine egne.
I skulpturen ga den strenge frontaliteten og symmetrien fra forrige Asuka-periode plass til friere former. Utviklingen av ideer om gudene, økt teknisk dyktighet og frihet til å eie materialet tillot kunstnere å skape tettere og mer tilgjengelige ikoniske bilder. Grunnleggelsen av nye buddhistiske sekter utvidet pantheonet til å omfatte til og med helgenene og grunnleggerne av buddhismen. I tillegg til bronseskulptur er det kjent et stort antall verk laget av tre, leire og lakk. Steinen var sjelden og nesten aldri brukt til skulptur. Tørr lakk var spesielt populær, kanskje fordi, til tross for kompleksiteten i prosessen med å forberede komposisjonen, verk laget av den så mer spektakulært ut enn tre og var sterkere enn leireprodukter som var lettere å produsere. Lakkfigurer ble dannet på en tre- eller leirbunn, som så ble fjernet, eller på tre- eller trådbeslag; de var lette og sterke. Selv om denne teknikken dikterte en viss stivhet i positurene, ble det tillatt en stor del av friheten i avbildningen av ansikter, noe som delvis bidro til utviklingen av det som kan kalles en egentlig portrettskulptur. Bildet av guddommens ansikt ble utført i samsvar med de strenge forskriftene fra de buddhistiske kanonene, men populariteten og til og med guddommeliggjøringen av noen av troens grunnleggere og forkynnere ga utmerkede muligheter for å formidle portrettlikhet. En slik likhet kan spores i den tørre lakkskulpturen til den kinesiske patriarken Genjin, æret i Japan, som ligger i Toshodaiji-tempelet. Genjin var blind da han ankom Japan i 753, og hans synløse øyne og opplyste tilstand av indre kontemplasjon er vakkert gjengitt av en ukjent billedhugger. Denne realistiske trenden kom tydeligst til uttrykk i treskulpturen til predikanten Kui, skapt av billedhuggeren Kosho på 1200-1300-tallet. Predikanten er kledd som en vandrende tigger med en stav, en gong og en klubbe, og små figurer av Buddha kommer ut av den halvåpne munnen hans. Ikke fornøyd med bildet av den syngende munken, forsøkte billedhuggeren å uttrykke den innerste betydningen av ordene hans.
Bildene av Buddha fra Nara-perioden er også preget av stor realisme. De er skapt for et stadig økende antall templer, de er ikke like uforstyrret kalde og reserverte som sine forgjengere, har en mer grasiøs skjønnhet og adel, og henvender seg til menneskene som tilber dem med større gunst.
Svært få malerier fra denne perioden har overlevd. Flerfargetegningen på papir skildrer Buddhas tidligere og nåværende liv. Dette er et av de få eldgamle eksemplene på emakimono, eller rullemaleri. Rullene ble sakte rullet ut fra høyre til venstre, og seeren kunne bare nyte den delen av bildet som var mellom hendene som rullet ut rullen. Illustrasjonene var rett over teksten, i motsetning til senere ruller, der en tekstdel vekslet med et forklarende bilde. I disse eldste bevarte eksemplene på rullemaleri er skisserte figurer satt mot bakgrunnen av et knapt skissert landskap, og den sentrale karakteren, i dette tilfellet Syaka, dukker opp i ulike episoder.
Tidlig Heian
(784–897). I 784 ble hovedstaden midlertidig flyttet til Nagaoka, delvis for å unngå dominansen til Naras buddhistiske presteskap. I 794 flyttet hun til Heian (nå Kyoto) for en lengre periode. Sent på 800- og 900-tallet var en periode da Japan vellykket assimilert, tilpasset sine egne egenskaper, mange utenlandske innovasjoner. Den buddhistiske religionen opplevde også en tid med forandring, fremveksten av nye sekter av esoterisk buddhisme, med dets utviklete ritualer og etikette. Av disse var de mest innflytelsesrike sektene Tendai og Shingon, som oppsto i India, nådde Kina, og derfra ble brakt til Japan av to lærde som vendte tilbake til hjemlandet etter en lang læretid. Shingon ("True Words")-sekten var spesielt likt ved hoffet og inntok raskt en dominerende posisjon. Dens viktigste klostre lå på Koya-fjellet nær Kyoto; som andre viktige buddhistiske sentre, ble de et oppbevaringssted for enorme samlinger av kunstmonumenter.
Skulptur fra 900-tallet. var for det meste tre. Bildene av guddommer ble preget av alvorlighetsgrad og utilgjengelig storhet, noe som ble understreket av høytideligheten i deres utseende og massivitet. Draperier ble dyktig kuttet i henhold til standardmønstre, skjerf lå i bølger. Den stående Shaki-figuren fra templet ved Muroji er et eksempel på denne stilen. For dette og lignende bilder fra 900-tallet. preget av stiv utskjæring med dypere, tydelige folder og andre detaljer.
Økningen i antall guder skapte store vanskeligheter for kunstnere. I komplekse, kartlignende mandalaer (en geometrisk utforming med magisk betydning) var gudene hierarkisk ordnet rundt en sentralt plassert Buddha, som selv bare var en manifestasjon av det absolutte. På dette tidspunktet dukket det opp en ny måte å skildre figurene til vergeguder omgitt av flammer, forferdelige i utseende, men velgjørende i naturen. Disse gudene ble arrangert asymmetrisk og avbildet i bevegelige positurer, med formidable ansiktstrekk, og beskyttet troen hardt mot mulige farer.
Midt og sen Heian, eller Fujiwara-periode
(898–1185). Overføringen av hovedstaden til Heian, som var ment å unndra presteskapets vanskelige krav, forårsaket endringer i politisk system. Adelen var den dominerende kraften, og Fujiwara-familien ble dens mest karakteristiske representanter. Periode 10-1200-tallet ofte assosiert med dette navnet. En periode med spesiell makt begynte, da ekte keisere ble "på det sterkeste rådet" til å legge statens anliggender til side av hensyn til mer behagelige sysler med poesi og maleri. Inntil han ble myndig, ble keiseren ledet av en streng regent, vanligvis fra Fujiwara-familien. Det var en tid med luksus og bemerkelsesverdige prestasjoner innen litteratur, kalligrafi og kunst; alt føltes sløvt og emosjonelt, som sjelden nådde dybden, men i det hele tatt var sjarmerende. Elegant raffinement og eskapisme ble reflektert i denne tidens kunst. Selv buddhismens tilhengere lette etter enklere måter, og tilbedelsen av den himmelske Buddha, Amida, ble spesielt populær. Forestillingene om medfølelse og frelsende nåde til Buddha Amida ble dypt reflektert i maleriet og skulpturen fra denne perioden. Massiviteten og tilbakeholdenheten til statuene fra 900-tallet. på 10-1100-tallet. ga vei for lykke og sjarm. Guddommene er avbildet som drømmende, gjennomtenkt rolige, utskjæringen blir mindre dyp, overflaten blir mer fargerik, med en rikt utviklet tekstur. De viktigste monumentene i denne perioden tilhører billedhuggeren Jocho.
Kunstnernes verk fikk også mykere trekk, som minner om tegninger på stoff, og til og med de forferdelige gudene - troens forsvarere - ble mindre skremmende. Sutraer (buddhistiske tekster) ble skrevet i gull og sølv på dypt blåtonet papir, den fine kalligrafien til teksten ble ofte innledet av en liten illustrasjon. De mest populære grenene av buddhismen og gudene knyttet til dem reflekterer aristokratiets preferanser og den gradvise avgangen fra de harde idealene fra tidlig buddhisme.
Atmosfæren på denne tiden og verkene hans er delvis knyttet til avslutningen av det formelle forholdet til Kina i 894. Buddhismen i Kina på den tiden ble forfulgt, og den korrupte Tang-domstolen var i tilbakegang. Den bortgjemte øytilværelsen som fulgte etter denne frakoblingen, fikk japanerne til å vende seg til sin egen kultur og utvikle en ny, renere japansk stil. Faktisk sekulært maleri fra det 10.-12. århundre. var nesten utelukkende japansk - både i teknikk og i komposisjon og plott. Et særtrekk ved disse japanske rullene, kalt yamato-e, var overvekten av engi-plott (opprinnelse, historie). Mens de kinesiske rullene oftest avbildet enorm fantastisk natur, panoramaer av fjell, bekker, steiner og trær, og folk virket relativt ubetydelige, var det personen som var hovedsaken på japanskens narrative ruller i tegningen og teksten. Landskapet spilte kun rollen som bakgrunn for historien som ble fortalt, underordnet hovedpersonen eller personene. Mange ruller var malte kronikker om livet til kjente buddhistiske predikanter eller historiske skikkelser, deres reiser og militære kampanjer. Andre fortalte om romantiske episoder fra adelens og hoffmennes liv.
Den tilsynelatende idiosynkratiske stilen til de tidlige rullene kom fra enkle blekkskisser på sidene til buddhistiske notatbøker. Dette er dyktige tegninger som karikerer menneskelig atferd gjennom bilder av dyr: en ape i klosterklær som tilber en oppblåst frosk, konkurranser mellom harer, aper og frosker. Disse og andre sene Heian-ruller ga grunnlaget for mer komplekse narrative ruller i utviklet stil på 1200- og 1300-tallet.
Kamakura-perioden
(1185–1392). Sent på 1100-tallet brakte alvorlige endringer i det politiske og religiøse livet i Japan og, selvfølgelig, i dets kunst. Elegansen og estetikken til Kyoto-domstolen ble erstattet eller, i tradisjonen med "spesiell" regel, "fikk et tillegg" i form av en ny, hard og modig regel - Kamakura-shogunatet. Selv om Kyoto nominelt forble hovedstaden, etablerte shogunen Minamoto no Yoritomo (1147–1199) sitt hovedkvarter i byen Kamakura og etablerte på bare 25 år et rigid system av militærdiktatur og føydalisme. Buddhismen, som var blitt så kompleks og ritualisert at den var uforståelig for vanlige lekfolk, gjennomgikk også en stor endring som ikke lovet formynderi av kunsten. Yodo («Rent land»)-sekten, en form for tilbedelse av Buddha Amida, under ledelse av Honen Shonin (1133–1212), reformerte hierarkiet av buddhaer og guddommer og ga håp om frelse til alle som bare trodde på Amida . Denne doktrinen om et lett tilgjengelig paradis ble senere forenklet av en annen munk, Shinran (1173-1262), grunnleggeren av Shin-sekten, som innså at Amidas overbærenhet var så stor at det ikke var behov for å utføre religiøse handlinger, bare gjenta besvergelsen. "Namu Amida Butsu" (det første ordet betyr "submit"; de to andre er "Buddha Amida"). En så enkel måte å redde en sjel på var ekstremt attraktiv, og nå bruker millioner den. En generasjon senere forlot den militante predikanten Nichiren (1222-1282), som sekten er oppkalt etter, denne forenklede formen for religion. Hans tilhengere æret Lotus Sutraen, som ikke lovet øyeblikkelig og ubetinget frelse. Hans prekener berørte ofte politiske temaer, og hans tro og foreslåtte reformer av kirke og stat appellerte til den nye krigerklassen i Kamakura. Endelig begynte Zen-filosofien, som oppsto allerede på 800-tallet, å spille en stadig større rolle i den buddhistiske tanken fra den perioden. Zen understreket viktigheten av meditasjon og forakt for bilder som kan hindre mennesket i hans søken etter å få kontakt med Gud.
Så det var en tid da religiøs tanke begrenset antall malerier og skulpturer som tidligere var nødvendig for tilbedelse. Likevel ble noen av de fineste japanske kunstverkene skapt under Kamakura-perioden. Stimulansen var den iboende japanske kjærligheten til kunst, men nøkkelen til puslespillet ligger i folkets holdning til nye trosbekjennelser, og ikke i dogmer som sådan. Faktisk antyder verkene selv årsaken til opprettelsen, fordi mange av disse skulpturene og maleriene fulle av liv og energi er portretter. Selv om zen-filosofien kan ha betraktet vanlige gjenstander for religiøs tilbedelse som en barriere for opplysning, var tradisjonen med å ære lærere ganske akseptabel. Selve portrettet kunne ikke være et objekt for tilbedelse. Denne holdningen til portrettet var ikke unik for zen-buddhismen: mange ministre fra Pure Land-sekten ble æret nesten som buddhistiske guder. Takket være portrettet dukket til og med en ny arkitektonisk form opp - mieido, eller portrettkapellet. Den raske utviklingen av realismen var helt i tidsånden.
Selv om de pittoreske portrettene av prestene åpenbart var bilder av bestemte mennesker, var de ofte omarbeidinger av malerier som skildrer de kinesiske grunnleggerne av buddhismen. De ble malt mens de forkynte, åpne munner, gestikulerende hender; noen ganger ble tjuvmunker avbildet på en vanskelig reise til troens ære.
En av de mest populære plottene var raigo (ønsket ankomst), som avbildet Buddha Amida med hans følgesvenner, som stiger ned på en sky for å redde sjelen til en troende på dødsleiet og overføre den til paradis. Fargene på slike bilder ble ofte forsterket av påført gull, og bølgete linjer, flagrende kapper, virvlende skyer ga en følelse av bevegelse til Buddhas nedstigning.
Unkei, som arbeidet i andre halvdel av 1100- og begynnelsen av 1200-tallet, var forfatteren av en innovasjon som gjorde det lettere å skjære tre, som forble favorittmaterialet til skulptører under Kamakura-perioden. Tidligere var mesteren begrenset av størrelsen og formen på dekket eller stokken som figuren ble kuttet fra. Armene og kleselementene ble lagt over hverandre, men det ferdige stykket lignet ofte den opprinnelige sylindriske formen. I den nye teknikken ble dusinvis av små biter forsiktig tilpasset hverandre, og dannet en hul pyramide, som lærlingene deretter kunne grovskjære ut figuren fra. Billedhuggeren hadde til rådighet et mer formbart materiale og evnen til å skape mer komplekse former. Muskuløse tempelvakter og guder i flagrende kapper og kapper virket mer levende også fordi krystall eller glass begynte å bli satt inn i øyehulene deres; statuer begynte å bli dekorert med forgylt bronse. De ble lettere og mindre tilbøyelige til å sprekke etter hvert som treverket tørket. Den nevnte trestatuen av Kuya Shonin, verket til Unkeis sønn Kosho, demonstrerer Kamakura-tidens høyeste realisme innen portrettskulptur. Faktisk nådde skulptur på den tiden sitt høydepunkt i sin utvikling, og deretter inntok den ikke lenger en så fremtredende plass i kunsten.
Sekulært maleri reflekterte også tidsånden. De narrative rullene fra den sene Heian-perioden, i beherskede farger og grasiøse linjer, fortalte om de romantiske eskapadene til prins Genji eller underholdningen til de tilbaketrukne hoffdamene. Nå, med lyse farger og energiske strøk, skildret kunstnerne fra Kamakura-tiden kampene til stridende klaner, palasser oppslukt av flammer og skremte mennesker som flyktet fra angripende tropper. Selv når en religiøs historie utspilte seg på rullen, var ikke bildet så mye et ikon som et historisk bevis på hellige menneskers reiser og miraklene de utførte. I utformingen av disse tomtene kan man finne en økende kjærlighet til naturen og beundring for innfødte landskap.
Muromachi, eller Ashikaga-perioden
(1392–1568). I 1392, etter mer enn 50 år med stridigheter, gjenforent den tredje shogunen til Ashikaga-familien, Yoshimitsu (1358–1408), landet. Regjeringssetet ble igjen den nominelle hovedstaden i Kyoto, der Ashikaga-shogunene bygde sine palasser i Muromachi-kvarteret. (Denne perioden kalles noen ganger Muromachi, noen ganger Ashikaga.) Krigstid sparte ikke på mange templer – depoter av japansk kunst, som ble brent sammen med skattene som var der. Landet ble alvorlig ødelagt, og til og med fred brakte liten lettelse, da de stridende klanene, i sin suksess, delte ut tjenester etter deres innfall. Det ser ut til at situasjonen var ekstremt ugunstig for utviklingen av kunst, men i virkeligheten beskyttet Ashikaga-shogunene den, spesielt på 1400- og 1500-tallet, da maleriet blomstret.
Den viktigste kunsten på denne tiden var de monokrome poetiske blekktegningene oppmuntret av Zen-buddhismen og påvirket av de kinesiske designene til Song- og Yuan-dynastiene. Under Ming-dynastiet (1368–1644) ble kontaktene med Kina fornyet, og Yoshimitsu, en samler og beskytter av kunst, oppmuntret til samling og studier av kinesisk maleri. Hun ble modell og utgangspunkt for begavede kunstnere som malte landskap, fugler, blomster, bilder av prester og vismenn med lette og flytende penselstrøk. Japansk maleri av denne tiden er preget av linjeøkonomi; kunstneren ser ut til å trekke ut kvintessensen av det avbildede plottet, og lar betrakterens blikk fylle det med detaljer. Overgangene av grått og skinnende svart blekk i disse maleriene er veldig nær filosofien til Zen, som selvfølgelig inspirerte forfatterne deres. Selv om denne trosbekjennelsen nådde betydelig innflytelse selv under den militære makten til Kamakura, fortsatte den å spre seg raskt på 1400- og 1500-tallet, da mange Zen-klostre oppsto. Den forkynte hovedsakelig ideen om "selvfrelse", og assosierte ikke frelse med Buddha, men stolte heller på menneskets alvorlige selvdisiplin for å oppnå en plutselig intuitiv "opplysning" som forener ham med det absolutte. Den sparsomme, men dristige bruken av blekk og den asymmetriske komposisjonen, der de umalte delene av papiret spilte en betydelig rolle i å skildre idealiserte landskap, vismenn og vitenskapsmenn, var i tråd med denne filosofien.
En av de mest kjente eksponentene for sumi-e, en stil med monokromt blekkmaleri, var Sesshu (1420–1506), en Zen-prest hvis lange og produktive liv sikret ham fortsatt ære. På slutten av livet begynte han å bruke haboku-stilen (quick ink), som, i motsetning til den modne stilen, som krevde klare, økonomiske strøk, brakte tradisjonen med monokrom maleri nesten til abstraksjon.
Aktiviteten til Kano-kunstnerfamilien og utviklingen av stilen deres faller på samme periode. Når det gjelder valg av emner og bruk av blekk, var den nær kinesisk, men forble japansk i form av uttrykksmidler. Kano, med støtte fra shogunatet, ble den "offisielle" skolen eller kunstneriske malestilen og blomstret langt inn på 1800-tallet.
Den naive tradisjonen til yamato-e fortsatte å leve i verkene til Tosa-skolen, den andre viktige retningen for japansk maleri. Faktisk, på denne tiden var begge skolene, Kano og Tosa, nært beslektet, de var forent av en interesse for det moderne liv. Motonobu Kano (1476–1559), en av fremragende artister av denne perioden giftet han seg ikke bare med datteren sin med den berømte kunstneren Tosa, men malte også på sin måte.
I det 15.-16. århundre. det var bare noen få bemerkelsesverdige skulpturverk. Det skal imidlertid bemerkes at utviklingen av noo-dramaet, med dets variasjon av stemninger og følelser, åpnet et nytt aktivitetsfelt for billedhuggere – de skar ut masker for skuespillere. I klassisk japansk drama fremført av og for aristokratiet, bar skuespillerne (en eller flere) masker. De formidlet en rekke følelser fra frykt, angst og forvirring til behersket glede. Noen av maskene var så flott utskåret at den minste vending på skuespillerens hode forårsaket subtile endringer i uttrykket. Bemerkelsesverdige eksempler på disse maskene har blitt holdt i årevis av familiene hvis medlemmer de ble laget for.
Momoyama-perioden
(1568–1615). I 1593 bygde den store militærdiktatoren Hideyoshi sitt slott på Momoyama, "Peach Hill", og med dette navnet er det vanlig å betegne perioden på 47 år fra Ashikaga-shogunatets fall til etableringen av Tokugawa- eller Edo-perioden , i 1615. Dette var tiden for dominansen til en helt ny militærklasse, hvis store rikdom bidro til kunstens oppblomstring. Imponerende slott med store publikumssaler og lange korridorer kom på mote på slutten av 1500-tallet. og krevde utsmykninger tilpasset deres storhet. Det var en tid med strenge og modige mennesker, og de nye lånetakerne, i motsetning til det tidligere aristokratiet, var ikke spesielt interessert i intellektuelle sysler eller håndverkets finesser. Heldigvis levde den nye generasjonen kunstnere opp til sine lånetakere. I løpet av denne perioden dukket det opp fantastiske skjermer og bevegelige paneler i lyse crimson, smaragd, grønne, lilla og blå farger. Slike sprudlende farger og dekorative former, ofte på bakgrunn av gull eller sølv, var veldig populære i hundre år, og deres skapere ble med rette kalt "store dekoratører". Takket være den subtile japanske smaken, utartet ikke den pompøse stilen til vulgaritet, og selv når tilbakeholdenhet og underdrivelse ga plass til luksus og dekorative utskeielser, klarte japanerne å opprettholde eleganse.
Eitoku Kano (1543–1590), en av de første store malerne i denne perioden, arbeidet i stil med Kano og Tosa, og utvidet førstnevntes konsept for tegning og kombinerte dem med fargerikdommen til sistnevnte. Selv om bare noen få verk som Eitoku trygt kan identifiseres som forfatteren har overlevd, regnes han som en av grunnleggerne av Momoyama-stilen, og de fleste av kunstnerne i denne perioden var hans studenter eller ble påvirket av ham.
Edo- eller Tokugawa-perioden
(1615–1867). Den lange fredsperioden som kom til det nylig forente Japan kalles enten Tokugawa-tiden, etter herskerens navn, eller Edo (moderne Tokyo), siden denne byen i 1603 ble det nye maktsenteret. To kjente generaler fra den korte Momoyama-perioden, Oda Nobunaga (1534–1582) og Toyotomi Hideyoshi (1536–1598), klarte til slutt å forene mektige klaner og militante presteskap. Med Hideyoshis død i 1598, gikk makten over til Ieyasu Tokugawa (1542–1616), som fullførte tiltakene som ble startet i fellesskap. Det avgjørende slaget ved Sekigahara i 1600 styrket Ieyasus posisjon, Oska-slottets fall i 1615 ble ledsaget av den endelige kollapsen av Hideyoshi-huset og etableringen av Tokugawa-shogunatets udelte styre.
Tokugawas fredelige styre varte i 15 generasjoner og tok slutt først på 1800-tallet. Det var i utgangspunktet en periode med "lukkede dører"-politikk. Ved et dekret av 1640 ble utlendinger forbudt adgang til Japan, og japanerne kunne ikke reise utenlands. Den eneste kommersielle og kulturelle forbindelsen var med nederlendere og kinesere gjennom havnen i Nagasaki. Som i andre perioder med isolasjon var det et oppsving av nasjonale følelser og fremveksten på slutten av 1600-tallet. den såkalte skolen for sjangermaling og gravering.
Den raskt voksende hovedstaden Edo ble sentrum for ikke bare det politiske og forretningslivet i øyimperiet, men også sentrum for kunst og håndverk. Kravet om at daimyo, provinsføydalherrene, skulle være i hovedstaden en viss del av hvert år skapte et behov for nye bygninger, inkludert palassbygninger, og derav for kunstnere til å dekorere dem. En samtidig fremvoksende klasse av velstående, men ikke-aristokratiske kjøpmenn ga ny og ofte uprofesjonell beskyttelse til kunstnere.
Kunsten fra den tidlige Edo-perioden fortsetter delvis og utvikler Momoyama-stilen, og forsterker dens tendenser til luksus og prakt. Rikdommen av bisarre bilder og polykromi som er arvet fra forrige periode, fortsetter å utvikle seg. Denne dekorative stilen nådde sitt høydepunkt i siste fjerdedel av 1600-tallet. i den såkalte. Genroku-tiden i Tokugawa-perioden (1688–1703). I japansk dekorativ kunst har den ingen paralleller i ekstravaganse og rikdom av farger og dekorative motiver i maleri, stoffer, lakk, i kunstneriske bagateller - attributter til en luksuriøs livsstil.
Siden vi snakker om en relativt sen periode av historien, er det ikke overraskende at navnene på mange kunstnere og deres verk er bevart; her er det mulig å nevne bare noen av de mest fremtredende. Blant representantene for den dekorative skolen som levde og arbeidet under Momoyama- og Edo-perioden er Honnami Koetsu (1558–1637) og Nonomura Sotatsu (d. 1643). Arbeidene deres viser en bemerkelsesverdig følelse av mønster, komposisjon og farger. Koetsu, en talentfull keramiker og lakkkunstner, var kjent for skjønnheten i kalligrafien sin. Sammen med Sotatsu skapte de rulledikt som var mote på den tiden. I denne kombinasjonen av litteratur, kalligrafi og maleri var bildene ikke bare illustrasjoner: de skapte eller antydet en stemning som passer til oppfatningen av teksten. Ogata Korin (1658–1716) var en av arvingene til den dekorative stilen, og sammen med sin yngre bror Ogata Kenzan (1663–1743) perfeksjonerte teknikken. Kenzan, bedre kjent som keramiker enn som kunstner, avfyrte kar påskrevet med design av sin berømte eldre bror. Gjenopplivingen av denne skolen på begynnelsen av 1800-tallet. av poeten og maleren Sakai Hoitsu (1761–1828) var den siste bølgen i den dekorative stilen. Horitsus vakre ruller og skjermer kombinerte Korins sans for tegning med Maruyama-naturalismens interesse for naturen, noe som resulterte i rikdommen av farger og dekorative motiver fra den tidligere perioden, dempet av penselstrøkets prakt og finesse.
Sammen med den polykrome dekorative stilen fortsatte tradisjonell Kano skoleblekktegning å være populær. I 1622 ble Kanō Tanyu (1602–1674) utnevnt til hoffmaler for shogunen og kalt til Edo. Med hans utnevnelse til denne stillingen og etableringen av Edo-skolen for Kano-maleri i Kobikito, begynte en periode med kunstnerisk ledelse av denne tradisjonen i et halvt århundre, som gjenopprettet Kano-familiens fremtredende plass og gjorde verkene fra Edo-perioden mest betydningsfull i Kano-maleriet. Til tross for populariteten til skjermer malt med gull og lyse farger, skapt av "store dekoratører" og rivaler, var Tangyu, takket være styrken til hans talent og offisielle posisjon, i stand til å popularisere maleriet til den gjenopplivede Kano-skolen blant adelen. Tanyu la kraft og enkelhet til de tradisjonelle egenskapene til Kano-skolen, basert på en stiv brutt linje og et gjennomtenkt arrangement av komposisjonselementer på en stor fri overflate.
En ny trend, hvor hovedtrekket var en interesse for naturen, begynte å råde på slutten av 1700-tallet. Maruyama Okyo (1733–1795), lederen for den nye skolen, var bonde, ble deretter prest og til slutt kunstner. De to første klassene ga ham ikke lykke eller suksess, men som kunstner nådde han store høyder og regnes som grunnleggeren av den realistiske skolen Maruyama. Han studerte med mester ved Kano-skolen, Ishida Yutei (d. ca. 1785); på grunnlag av importerte nederlandske graveringer, forsto han den vestlige teknikken for perspektivrepresentasjon, og noen ganger kopierte han ganske enkelt disse graveringene. Han studerte også kinesiske stiler fra Song- og Yuan-dynastiene, inkludert den subtile og realistiske stilen til Chen Xuan (1235–1290) og Shen Nanping; sistnevnte bodde i Nagasaki på begynnelsen av 1700-tallet. Okyo laget mange verk fra naturen, og hans vitenskapelige observasjoner dannet grunnlaget for oppfatningen av naturen, som Maruyama-skolen var basert på.
I tillegg til interesse for naturalisme på 1700-tallet. fornyet innflytelse fra den kinesiske kunstneriske tradisjonen. Representanter for denne trenden graviterte mot malerskolen til Ming (1368–1644) og Qing (1644–1912) maler-vitenskapsmenn, selv om deres ideer om toppmoderne kunsten i Kina var begrenset. Kunsten til denne japanske skolen ble kalt bujinga (kunsten til utdannede mennesker). En av de mest innflytelsesrike mesterne i Bujinga-stilen var Ikeno Taiga (1723–1776), en kjent maler og kalligraf. Hans modne stil er preget av tykke konturlinjer fylt med lette fjæraktige strøk i lyse toner og blekk; han malte også med brede, frie strøk av svart blekk, som skildrer bambusstammer bøyd i vind og regn. Med korte, buede linjer oppnådde han en effekt som minner om graveringer i bildet av tåkete fjell over en innsjø omgitt av skog.
17. århundre skapte en annen bemerkelsesverdig kunstretning fra Edo-perioden. Dette er de såkalte ukiyo-e (bilder av den skiftende verden) – sjangerscener skapt av og for vanlige folk. Tidlig ukiyo-e oppsto i den gamle hovedstaden i Kyoto og var for det meste pittoreske. Men sentrum av produksjonen deres flyttet snart til Edo, og mesternes oppmerksomhet fokuserte på tresnitt. Den nære assosiasjonen mellom tresnitttrykk og ukiyo-e har ført til misoppfatningen at tresnitttrykk var oppdagelsen av denne perioden; faktisk oppsto det på 1000-tallet. Slike tidlige bilder var votive i naturen, og skildret grunnleggerne av buddhismen og guddommer, og i løpet av Kamakura-perioden ble noen narrative ruller gjengitt fra utskårne blokker. Graveringskunsten ble imidlertid spesielt populær i perioden fra midten av 1600- til 1800-tallet.
Motivene til ukiyo-e-graveringene var de vakre kurtisanene fra de homofile kvartalene, favorittskuespillere og scener fra dramaer. Tidlig, såkalt. primitive graveringer ble utført i svart, med sterke rytmiske bølgete linjer, og ble preget av enkle design. De ble noen ganger malt for hånd i en oransje-rød farge kalt tan-e (lyse røde malerier), med sennepsgule og grønne markeringer. Noen av de "primitive" kunstnerne brukte håndmaling kalt urushu-e (lakkmaleri), der mørke områder ble forbedret og gjort lysere ved tilsetning av lim. Et tidlig flerfarget trykk, som dukket opp i 1741 eller 1742, ble kalt benizuri-e (karmosinrødt trykk) og brukte vanligvis tre farger - rosa rød, grønn og noen ganger gul. Virkelig flerfargede graveringer, som brukte hele paletten og kalt nishiki-e (brokadebilder), dukket opp i 1765.
I tillegg til å lage individuelle trykk, illustrerte mange av gravørene bøker og tjente penger på å lage erotiske illustrasjoner i bøker og på ruller. Det bør huskes at ukiyo-e-gravering besto av tre typer aktivitet: det var arbeidet til en tegner, hvis navn trykket bar, en utskjærer og en skriver.
Hishikawa Moronobu (ca. 1625–1694) regnes for å være grunnleggeren av tradisjonen med å lage ukiyo-e-trykk. Andre "primitive" kunstnere av denne trenden er Kiyomasu (1694-1716) og Kaigetsudo-gruppen (et merkelig samfunn av kunstnere, hvis eksistens forblir uklart), samt Okumura Masanobu (1686-1764).
Overgangskunstnere som produserte benizuri-e-trykk var Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (aktiv ca. 1751–1760) og Torii Kiyomitsu (1735–1785).
Verkene til Suzuki Harunobu (1725–1770) innleder epoken med polykrom gravering. Fylt med myke, nesten nøytrale farger, befolket av grasiøse damer og galante elskere, var Harunobu-trykk en stor suksess. Omtrent på samme tid jobbet Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) og Kitagawa Utamaro (1753–1806) med ham. Hver av dem bidro til utviklingen av denne sjangeren; mestere brakte graveringer som skildrer grasiøse skjønnheter og kjente skuespillere til perfeksjon. I løpet av flere måneder i 1794-1795 skapte den mystiske Tosusai Saraku forbløffende sterke og ærlig talt grusomme portretter av skuespillerne på den tiden.
I de første tiårene av 1800-tallet denne sjangeren har nådd modenhet og begynte å avta. Katsushika Hokusai (1760-1849) og Ando Hiroshige (1797-1858) er tidens største mestere, hvis arbeid forbinder nedgangen i graveringskunsten på 1800-tallet. og dens nye vekkelse på begynnelsen av det 20. århundre. Begge var først og fremst landskapsmalere, og fikset hendelsene i det moderne livet i graveringene sine. Den strålende mestringen av teknikken til skjærere og trykkere gjorde det mulig å formidle lunefulle linjer og de minste nyanser av solnedgangen eller tåken som stiger opp ved daggry i graveringen.
Meiji-restaureringen og den moderne perioden.
Det hender ofte at den eldgamle kunsten til et eller annet folk er fattig på navn, datoer og gjenlevende verk, så eventuelle vurderinger kan bare gjøres med stor forsiktighet og konvensjon. Det er imidlertid ikke mindre vanskelig å bedømme samtidskunst, siden vi er fratatt et historisk perspektiv for å korrekt vurdere omfanget av enhver bevegelse eller kunstner og hans verk. Studiet av japansk kunst er intet unntak, og det meste som kan gjøres er å presentere et panorama av samtidskunst og trekke noen foreløpige foreløpige konklusjoner.
I andre halvdel av 1800-tallet Japanske havner ble gjenåpnet for handel, store endringer skjedde på den politiske scenen. I 1868 ble shogunatet avskaffet og keiser Meijis regjeringstid ble gjenopprettet. Den offisielle hovedstaden og residensen til keiseren ble flyttet til Edo, og selve byen ble kjent som Tokyo (østlig hovedstad).
Som har skjedd tidligere, skapte slutten på nasjonal isolasjon stor interesse for andre nasjoners prestasjoner. På denne tiden gjorde japanerne et stort sprang innen vitenskap og teknologi. Kunstnerisk demonstrerer begynnelsen av Meiji-tiden (1868–1912) aksepten av alt vestlig, inkludert teknologi. Denne iveren varte imidlertid ikke lenge, og den ble fulgt av en periode med assimilering, fremveksten av nye former, som kombinerte en retur til sine egne tradisjoner og nye vestlige trender.
Blant malerne ble Kanō Hōgai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seihō (1864–1924) og Tomioka Tessai (1836–1942) fremtredende. De tre første holdt seg til den tradisjonelle japanske stilen og fagene, selv om de forsøkte å vise originalitet i humør og teknikk. Seihō, for eksempel, jobbet i den rolige og konservative atmosfæren i Kyoto. Hans tidlige arbeider ble utført på den naturalistiske måten til Maruyama, men senere reiste han mye i Kina og ble dypt påvirket av kinesisk blekkmaleri. Hans turer til museer og ledende kunstsentre i Europa har også satt spor i arbeidet hans. Av alle de fremtredende artistene på denne tiden var det bare Tomioka Tessai som var i nærheten av å utvikle en ny stil. I hans energiske og kraftfulle verk kombineres grove, vridde, taggete linjer og svarte blekkflekker med fintskrevne fargeflekker. I senere år lyktes noen unge oljemalere der deres bestefedre hadde mislyktes. De første forsøkene på å jobbe med dette uvanlige materialet minnet om parisiske lerreter og ble ikke preget av verken spesiell verdi eller spesifikt japanske trekk. Imidlertid skapes det nå verk med eksepsjonell appell, der en særegen japansk følelse av farger og balanse skinner gjennom abstrakte temaer. Andre kunstnere, som arbeider med mer naturlig og tradisjonelt blekk og noen ganger bruker kalligrafi som utgangspunkt, skaper energiske abstrakte stykker i strålende sort med gråtoner.
Som i Edo-perioden, på 1800- og 1900-tallet. skulptur var ikke populært. Men selv på dette området eksperimenterte representanter for den moderne generasjonen, som studerte i Amerika og Europa, veldig vellykket. De små bronseskulpturene, abstrakte i form og merkelig navn, viser den japanske følelsen av linje og farge, som manifesterer seg i bruken av en myk grønn eller varm brun patina; treskjæring vitner om japanernes kjærlighet til materialets tekstur.
Sosaku hanga, det japanske "kreative trykket", dukket opp bare i det første tiåret av 1900-tallet, men som en spesiell kunstretning formørket det alle andre områder av moderne kunst. Dette moderne trykket er strengt tatt ikke en etterfølger til det eldre ukiyo-e tresnittet; de er forskjellige i stil, plott og fremgangsmåter. Kunstnere, hvorav mange var sterkt påvirket av vestlig maleri, innså viktigheten av sine egne kunstnerisk arv og fant passende materiale i tre for å uttrykke sine kreative idealer. Hanga-mestere maler ikke bare, men skjærer også ut bilder på treklosser og trykker dem selv. Selv om trebearbeiding er på sitt høyeste i denne kunstformen, brukes alle moderne vestlige trykkteknikker. Eksperimentering med blader, hyssing og "funne gjenstander" lar deg i noen tilfeller lage unike overflatetekstureffekter. Til å begynne med ble mesterne av denne trenden tvunget til å søke anerkjennelse: Tross alt ble selv de beste prestasjonene til ukiyo-e-skolen assosiert av intellektuelle kunstnere med en analfabet folkemengde og betraktet som plebeisk kunst. Kunstnere som Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi og Maekawa Senpan gjorde mye for å gjenopprette respekten for trykking og etablere den som en verdig gren av kunst. De tiltrakk seg mange unge kunstnere til gruppen deres, og gravørene teller nå hundrevis. Blant mesterne i denne generasjonen som oppnådde anerkjennelse i Japan og i Vesten er Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen og Saito Kiyoshi. Dette er mestere hvis innovasjon og ubestridelige talent har tillatt dem å innta en verdig posisjon blant de ledende kunstnerne i Japan. Mange av deres jevnaldrende og andre, yngre hanga-kunstnere produserte også bemerkelsesverdige graveringer; det faktum at vi ikke nevner navnene deres her betyr ikke en lav vurdering av deres arbeid.
KUNST OG BRUKSKUNST, ARKITEKTUR OG HAGE
I de forrige avsnittene dreide det seg hovedsakelig om maleri og skulptur, som i de fleste land regnes som hovedtypene for billedkunst. Kanskje er det urettferdig å ta med på slutten av artikkelen dekorativ kunst og folkehåndverk, hagekunst og arkitektur - former som var en viktig og integrert del av japansk kunst. Men, kanskje med unntak av arkitektur, krever de spesiell vurdering bortsett fra den generelle periodiseringen av japansk kunst og endringer i stil.
Keramikk og porselen.
De viktigste kunst og håndverk i Japan er keramikk og porselen. Keramisk kunst faller naturlig i to kategorier. Det fine polykrome porselen Imari, Nabeshima og Kakiemon tok navnet sitt fra produksjonsstedene, og dets rike maleri på en kremfarget eller blåhvit overflate var beregnet på adelen og hoffkretsene. Prosessen med å lage ekte porselen ble kjent i Japan på slutten av 1500- eller begynnelsen av 1600-tallet; tallerkener og skåler med glatt glasur, med et asymmetrisk eller brokadelignende mønster, verdsettes både hjemme og i vesten.
I motsetning til porselen i grov keramikk laget av leire eller lavkvalitets steinmasse, som er typisk for Shino, Oribe og Bizen, er oppmerksomheten rettet mot materialet, tilsynelatende uforsiktig, men gjennomtenkt arrangement av dekorative elementer. Påvirket av konseptene fra Zen-buddhismen var slike kar veldig populære i intellektuelle kretser og ble mye brukt, spesielt i teseremonier. I mange kopper, tekanner og caddies, attributter for teseremoniens kunst, ble selve essensen av Zen-buddhismen nedfelt: tøff selvdisiplin og streng enkelhet. Under den japanske dekorative kunstens storhetstid var talentfulle kunstnere Korin og Kenzan engasjert i å dekorere keramiske produkter. Det bør huskes at berømmelsen til Kenzan er mer assosiert med hans talent som keramiker, og ikke som maler. Noen av de enklere typene og teknikkene for å lage kar kommer fra folkehåndverkstradisjoner. Moderne verksteder, som fortsetter de gamle tradisjonene, produserer vakre produkter som gleder seg over sin elegante enkelhet.
Lakk produkter.
Allerede på 7-800-tallet. lakk var kjent i Japan. Fra denne tiden er lokkene på kistene, dekorert med bilder av mennesker og geometriske motiver, påført med tynne gylne linjer, bevart. Vi har allerede snakket om betydningen av tørrlakkteknikken for skulptur på 800- og 900-tallet; samtidig og senere ble det laget pyntegjenstander som brevkasser eller røkelsesesker. Under Edo-perioden ble disse produktene laget i store mengder og med den mest praktfulle dekorasjonen. Luksuriøst dekorerte bokser til frokost, til kaker, til røkelse og medisiner, kalt inro, reflekterte rikdommen og kjærligheten til luksus som ligger i denne tiden. Overflaten på gjenstandene var dekorert med mønstre av gull og sølvpulver, biter av gullfolie, alene eller i kombinasjon med skallinnlegg, perlemor, en legering av tinn og bly, etc.; disse mønstrene sto i kontrast til den lakkerte røde, svarte eller brune overflaten. Noen ganger laget kunstnere som Korin og Koetsu lakkdesign, men det er usannsynlig at de personlig deltok i disse verkene.
Sverd.
Japanerne har, som allerede sagt, vært et folk av krigere i en betydelig periode av sin historie; våpen og rustninger ble ansett som essensielle gjenstander for en stor del av befolkningen. Sverdet var en manns stolthet; både selve bladet og alle andre deler av sverdet, spesielt håndtaket (tsuba), ble dekorert i ulike teknikker. Tsuba laget av jern eller bronse ble dekorert med gull- og sølvinnlegg, skåret ut eller trimmet med begge. De avbildet landskap eller figurer av mennesker, blomster eller familievåpen (mon). Alt dette kompletterte arbeidet til sverdmakere.
Stoffer.
Rikt mønstret silke og andre stoffer, foretrukket av hoffet og prestene i tider med overflod og overflod, samt ensfargede stoffer med en nesten primitiv design som er karakteristisk for folkekunst, er også uttrykk for nasjonalt japansk talent. Etter å ha nådd sitt høydepunkt under den rike æraen til Genroku, har tekstilkunsten blomstret igjen i det moderne Japan. Den kombinerer ideer og kunstige fibre fra vesten med tradisjonelle farger og dekorative motiver.
Hager.
De siste tiårene har interessen for japanske hager og arkitektur økt på grunn av den vestlige offentlighetens større eksponering for disse kunstformene. Hager i Japan har en spesiell plass; de er uttrykk og symbol på høye religiøse og filosofiske sannheter, og disse obskure, symbolske overtonene, kombinert med hagernes tilsynelatende skjønnhet, vekker den vestlige verdens interesse. Det kan ikke sies at religiøse eller filosofiske ideer var hovedårsaken til opprettelsen av hager, men i planlegging og opprettelse av en hage vurderte planleggeren slike elementer, hvis kontemplasjon ville få betrakteren til å tenke på ulike filosofiske sannheter. Her er det kontemplative aspektet ved Zen-buddhismen nedfelt i en gruppe uvanlige steiner, bølger av raket sand og grus, kombinert med torv, eller planter arrangert slik at strømmen bak dem forsvinner og dukker opp igjen, som alle oppmuntrer betrakteren til å fullføre selvstendig lagt ned under byggingen hage ideer. Preferansen for vage hint fremfor forståelige forklaringer er karakteristisk for Zen-filosofien. Bonsai-dvergtrær og bittesmå pottehager, nå populære i Vesten, har blitt en fortsettelse av disse ideene.
Arkitektur.
De viktigste arkitektoniske monumentene i Japan er templer, klosterkomplekser, føydale slott og palasser. Fra antikken til i dag har tre vært hovedbyggematerialet og bestemmer i stor grad designtrekkene. De eldste religiøse bygningene er helligdommer av den nasjonale japanske religionen Shinto; etter tekstene og tegningene å dømme var det relativt enkle bygninger med stråtak, som de gamle boligene. Tempelbygninger reist etter spredningen av buddhismen og knyttet til den var basert på kinesiske prototyper i stil og layout. Buddhistisk tempelarkitektur har endret seg over tid, og innredningen og arrangementet av bygninger har variert i ulike sekter. Japanske bygninger er preget av store haller med høye tak og et komplekst system av konsoller, og innredningen deres gjenspeiler smaken av deres tid. Den enkle og majestetiske arkitekturen til Horyu-ji-komplekset, bygget nær Nara på begynnelsen av 700-tallet, er like karakteristisk for Asuka-perioden som skjønnheten og elegansen til proporsjonene til Hoodo, Ujis "Phoenix Hall" reflektert i Lotus Lake , er fra Heian-perioden. De mer forseggjorte strukturene fra Edo-perioden fikk ytterligere utsmykning i form av rikt malte skyvedører og skjermer laget av de samme "store dekoratørene" som dekorerte interiøret i vollgravede slott og føydale palasser.
Japans arkitektur og hager er så nært beslektet at de kan betraktes som deler av hverandre. Dette gjelder spesielt for bygninger og hagehus til teseremonien. Deres åpenhet, enkelhet og nøye utformede forbindelse til landskap og perspektiv har stor innflytelse på moderne arkitektur i Vesten.
PÅVIRKNING AV JAPANSK KUNST I VESTEN
I løpet av bare ett århundre ble Japans kunst kjent i Vesten og hadde en betydelig innvirkning på den. Det var også tidligere kontakter (for eksempel handlet nederlenderne med Japan gjennom havnen i Nagasaki), men gjenstandene som nådde Europa på 1600-tallet var hovedsakelig brukskunst - porselen og lakk. De ble ivrig samlet som kuriositeter og kopiert på forskjellige måter, men denne dekorative eksporten reflekterte ikke essensen og kvaliteten til japansk kunst og ga til og med japanerne en lite flatterende idé om vestlig smak.
For første gang opplevde vestlig maleri den direkte innflytelsen fra japansk kunst i Europa i 1862 under en enorm Internasjonal utstilling i London. Japanske treblokktrykk ble introdusert på Paris-utstillingen fem år senere, og vakte fornyet interesse. Flere private samlinger av graveringer dukket umiddelbart opp. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh og andre tok japanske fargetrykk som en åpenbaring; en liten, men alltid gjenkjennelig innflytelse fra japansk grafikk på impresjonistene er ofte notert. Amerikanerne Whistler og Mary Cassatt ble tiltrukket av linjens tilbakeholdenhet og de lyse fargene på ukiyo-e-trykk og malerier.
Åpningen av Japan for utlendinger i 1868 skapte en fascinasjon for alt vestlig og fikk japanerne til å vende seg bort fra sin egen rike kultur og kunstneriske arv. På denne tiden ble mange flotte malerier og skulpturer solgt og havnet i Vestlige museer og private samlinger. Utstillinger av disse gjenstandene introduserte Vesten til Japan og stimulerte interessen for å reise til Fjernøsten. Utvilsomt åpnet okkupasjonen av Japan av amerikanske tropper på slutten av andre verdenskrig flere muligheter enn før for å bli kjent med og dypere studier av japanske templer og deres skatter. Denne interessen ble reflektert i oppmøtet til amerikanske museer. Interessen for Orienten generelt ble forårsaket av organiseringen av utstillinger av japansk kunst valgt fra japanske offentlige og private samlinger og brakt til Amerika og Europa.
Vitenskapelig forskning de siste tiårene har gjort mye for å tilbakevise synet om at japansk kunst bare er en refleksjon av kinesisk kunst, og en rekke japanske publikasjoner på engelsk har introdusert Vesten for østens idealer.
Detaljer Kategori: Fine Arts and Architecture of the 19th century Skrevet den 14.08.2017 18:30 Visninger: 1604I første halvdel av XIX århundre. Ukiyo-e dominerte fortsatt japansk maleri. I 1868, etter Meiji-revolusjonen og åpningen av grensene, ble prestasjonene til den vestlige sivilisasjonen mer tilgjengelige i Japan, og ukiyo-e falt gradvis av moten, og ble erstattet av fotografering.
Men først ting først.
Ukiyo-e-stil
Ukiyo-e(Japanske malerier (bilder) av den skiftende verden) - en trend innen visuell kunst i Japan. Opprinnelig ble dette buddhistiske begrepet brukt i betydningen "dødelig verden, sorgens dal." Men i Edo-perioden, med fremkomsten av spesielt utpekte byblokker, der kabuki-teatret blomstret og var hjemmene til geishaer og kurtisaner, ble begrepet tenkt nytt, og det begynte å bli forstått som "verdenen av flyktige gleder, kjærlighetens verden."
Ukiyo-e-trykk er hovedtypen tresnitt i Japan. Denne kunstformen ble populær i urban kultur i andre halvdel av 1600-tallet. Grunnleggeren av ukiyo-e er en japansk maler og grafiker. Hisikawa Moronobu.
H. Moronobu «Høst i Asakusa. Kirsebærblomstrer i Ueno-parken. Skjermmaling. Freer Gallery (Washington)
Opprinnelig var graveringene svart og hvitt, laget med blekk. Fra begynnelsen av XVIII århundre. noen arbeider ble malt for hånd med pensel.
Ukiyo-e-trykk var hovedsakelig beregnet på byboere som ikke hadde råd til dyrere billedmalerier.
Ukiyo-e-temaer er bilder av hverdagen: vakre geishaer, sumobrytere, populære kabuki-teaterskuespillere og senere landskapsbilder.
Katsushika Hokusai "Den store bølgen utenfor Kanagawa" (1823-1831)
I løpet av XVIII-XIX århundrer. bemerkelsesverdige artister var Utamaro, Hokusai, Hiroshige og Toshusai Syaraku.
I en tid da ukiyo-e-stilen begynte å gå av moten i Japan, den ble populær i Vest-Europa og Amerika, begynte kunsthistorikere å kjøpe graveringer massivt.
Japanske graveringer inspirerte mange europeiske kunstnere som arbeidet i stil med kubisme, impresjonisme, postimpresjonisme: Vincent van Gogh, Claude Monet og andre. Denne innflytelsen ble kalt "japanisme".
Vincent van Gogh "Portrett av Papa Tanguy" (1887-1888). Lerret, olje. Rodin-museet (Paris)
Bemerkelsesverdige ukiyo-e-artister:
Hisikawa Moronobu (1600-tallet)
Kitagawa Utamaro (XVIII århundre)
Kawanabe Kyosai (1800-tallet)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX århundrer)
Utagawa Hiroshige (1800-tallet)
Utagawa Kunisada (1800-tallet)
Utagawa Kuniyoshi (1800-tallet)
Keisai Eisen (1800-tallet)
Suzuki Harunobu (1800-tallet)
Toyohara Kunitika (1800-tallet)
Tsukioka Yoshitoshi (1800-tallet)
Ogata Gekko (XIX-XX århundrer)
Hasui Kawase (XX århundre)
Tenk på arbeidet til noen av dem.
Katsushika Hokusai (1760–1849)
Katsushika Hokusai. selvportrett
Berømt japansk ukiyo-e kunstner, illustratør, gravør. Jobbet under mange aliaser (minst 30). Han ble født inn i en håndverkerfamilie, og begynte å male i en alder av 6. Han jobbet i en bokhandel og lærte å lese og skrive. Så jobbet han i verkstedet til en gravør - gravering var veldig populært i Japan på den tiden.
I 1793-1794. kunstnerens uavhengige liv begynner, ganske vanskelig i materielle termer, men mettet med kunst - han studerer forskjellige malerskoler: Kano-skolene (landskap, bilder av fugler og dyr, hverdagsscener; de dekorerte dørene til skyveskjermer med en mønster); Sotatsu skole (bilde av japansk hverdagsliv og japanske landskap på skyvedører). Kunstneren begynner gradvis å utvikle sin egen stil.
I 1796 begynte kunstneren å bruke det som senere ble utbredt kjent alias Hokusai. I 1800, i en alder av 41, begynte kunstneren å kalle seg Gakejin Hokusai ("Painting Mad Hokusai").
Kunstneren forstår bildet av verden gjennom bevisstheten om betydningen, den spesielle verdien av hverdagslivet til mennesker, deres arbeid og bekymringer. Naturens liv, dens mening og skjønnhet i landskapene til Hokusai blir tydelige bare takket være tilstedeværelsen i dem av mennesker som er engasjert i deres vanlige saker. Hokusai brukte mesteparten av livet på å reise rundt i landet og skissere alt han så. Hokusai var kjent ikke bare som gravør, men også som forfatter, poet og maler.
Han var den første av de japanske graveringskunstnerne, i hvis arbeid landskapet fikk betydningen av en uavhengig sjanger. Hokusais landskap fanget den livlige og majestetiske naturen i Japan.
For min lange kunstnerisk virksomhet han laget rundt 30 000 tegninger og graveringer og illustrerte rundt 500 bøker.
Storhetstiden til Hokusais kreativitet går tilbake til 1820-tallet og begynnelsen av 1830-tallet. På dette tidspunktet skapte han sin beste landskapsserie. Disse seriene forbløffer med dybden og rikdommen i Hokusais kunstneriske visjon - fra en bred filosofisk forståelse av verdensbildet i serien "36 Views of Mount Fuji" (1823-1829), som viser naturens episke storhet i "Bridges"-serien ( 1823-1829), beundrer dens elementære kraft i "Waterfalls" (1827-1830) til en subtil lyrisk opplevelse av naturen i serien "Poets of China and Japan" (1830).
Katsushika Hokusai sørvind. Klar dag". Farget tresnitt (1823-1831) fra serien "Thirty-six Views of Fuji"
Et av de mest betydningsfulle verkene til Hokusai, som mest fullstendig avslørte originaliteten til arbeidet hans som kunstner-tenker, er serien "36 Views of Fuji". De fleste arkene i denne serien representerer ulike sjangerscener: en fisker som kaster garnene sine; sagere som jobber i et trelager; en bødker som lager et badekar osv. Alle disse scenene er satt i et landskap med Fuji-fjellet i bakgrunnen.
Kreativitet Hokusai forårsaket mange imitasjoner, antallet elever hans var veldig stort. Men nesten alle tilhengerne av kunstneren er preget av assimileringen av bare den ytre siden av hans kreative metode.
Surimono
Surimono er en type tradisjonell japansk kunst, farget tresnitt, som fungerte som en gave blant den japanske urbane intelligentsiaen. Jubileer, fødselen av en sønn, begynnelsen av kirsebærblomstringen, det kommende nyttåret, etc. kan være årsaken til en slik gave. Sjangrene til surimono var forskjellige: bildet av figurer, bildet av dyr, blomster og fugler, landskapet.
Bildet skapt med visuelle, poetiske og tekniske virkemidler måtte ha integritet. Surimono er både kunst, og et spill, og en måte å underholdning på, en del av hverdagen til byfolk.
Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Fortjenesten til Hokusai i økningen av populariteten til surimono er stor: han gjør den til den viktigste av typene japanske tresnitt.
Folk på Hokusais surimono er "i live". Avbildet mot bakgrunnen av landskapet, samhandler de aktivt med det: de dekker øynene fra solen med hendene, peker på skyene, kikker inn i de endeløse vidder, noen ganger snur de til og med ryggen til betrakteren.
Katsushika Hokusai. Surimono
Manga
"Manga" (japansk bokstavelig talt "tegninger av Hokusai") er et av de viktigste verkene i kreativ arv kunstner, skapt av ham på toppen av berømmelsen. «Manga» er et uttrykk for Hokusais syn på kreativitet, hans filosofi, avslører mesterens hemmeligheter; den er verdifull ikke bare som en milepæl i Hokusai-livet, men også som en viktig kilde til informasjon om kulturen og kunsten i Japan i en tid med senføydalisme. Hokusai's Manga blir ofte referert til som "det japanske folkets leksikon". De fleste tegningene skildret scener fra bylivet; det var mange skisser av mennesker. Samlingen var en dagbok der mesteren skrev inn alt han så i livet i form av tegninger (ikke tekst).
Katsushika Hokusai "Contemplation of Mount Fuji" (1814) Manga
Hokusai, som japansk kunst generelt, hadde en betydelig innvirkning på europeisk kunst på 1800-tallet, inkludert fransk impresjonisme. Temaet for Hokusais graveringer er til stede i verkene til Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir og andre.
Den siste betydelige representanten for japansk gravering i første halvdel av 1800-tallet. landskapsmaler Ando Hiroshige.
Ando Hiroshige (1797-1858)
Utagawa Hiroshige er en japansk grafiker, en representant for ukiyo-e-retningen, en mester i fargetresnitt. Forfatter av minst 5400 graveringer. I lyriske landskap med sjangermotiver formidlet han naturens ustødige tilstander, de atmosfæriske effektene av snø og tåke. Jobbet under pseudonymet Ando Hiroshige.
Han mistet sin far og mor tidlig. Han begynte å engasjere seg i kunst etter at han så arbeidet til Hokusai.
Hiroshige var elev av gravøren Utagawa Toyohiro (1763-1828). Det første verket som brakte Hiroshiga berømmelse var serien med trykk "53 Tokaido Stations", trykt i 1834. Hiroshige fortsetter landskapssjangeren Hokusai og utvikler den på sin egen måte.
Tokaido var en av de fem veiene som koblet Edo med andre deler av Japan. Den løp langs den østlige kysten av Honshu. Langs den lå 53 poststasjoner, hvor reisende ble tilbudt overnatting, mat og stall.
I 1832 reiste Hiroshige gjennom Tokaido som en del av en offisiell delegasjon som fraktet hester for det keiserlige hoffet. Landskap gjorde sterkt inntrykk på kunstneren, og han laget mange skisser. Da han kom hjem, skapte han en syklus på 53 verk. Suksessen til denne serien gjorde Hiroshige til en av de mest betydningsfulle og anerkjente trykkeriene.
A. Hiroshige. 1. stasjon: Shinogawa
A. Hiroshige. 30. stasjon: Maisaka
A. Hiroshige. 32. stasjon: Shirasuka
I naturlig skjønnhet Hiroshiges natur tiltrekker uttrykksevne.
Hiroshiges verk fullfører perioden med strålende blomstring av japanske fargetresnitt på 1700- og første halvdel av 1800-tallet. Gravering 1850-1860 ikke fremmet en eneste stor kunstner, stilisering og eklektisisme blir mer og mer uttalt i den.
I 1868 fant det sted en borgerlig revolusjon i Japan, og på 1880-tallet ble det et monarki. Disse hendelsene markerte begynnelsen på et nytt stadium i historien til japansk kunst, fordi. Japan gikk inn i verdenssystemet av kapitalistiske land. I kunsten til Japan i denne perioden oppsto det mange skoler og grupperinger. Noen av dem tok veien til å mestre europeisk kunst, andre japanske kunstnere (for eksempel Kuroda Kiyoteri (1866-1924) dro for å studere i Europa. Men det var også de som forsøkte å bevare renheten i nasjonale tradisjoner.
Sent på 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet i Japans kunst var en tid med revisjon av den gamle kunstneriske tradisjonen, utviklingen av europeisk kunst, jakten på en ny, så vel som sin egen måte å utvikle seg på.
Japans anvendte kunst
Den japanske brukskunstens storhetstid begynte på slutten av 1500-tallet. På 1800-tallet treskjæring, beinskjæring, keramikk og porselen ble mye brukt.
Det skal også sies om netsuke- miniatyrskulptur, et verk av japansk kunst og håndverk. Netsuke er en liten utskåret nøkkelring som ble brukt på tradisjonelle japanske klær, kimono og kosode.
Netsuke som skildrer Hotei (guden for kommunikasjon, moro og velstand). Elfenben, moderne arbeid
Den første netsuken dukket opp i Japan i andre halvdel av 1500- og begynnelsen av 1600-tallet. Fra slutten av 1800-tallet og gjennom det 20. århundre. netsuke ble laget for eksport. De lages fortsatt i dag. Dette er et suvenirprodukt, produsert ved en transportmetode, av ikke særlig høy kvalitet. Men kunsten å netsuke forsvant ikke. Og i dag er det mestere hvis spesialitet er netsuke carving.
Netsuke med en hemmelighet
Har en veldig rik historie; dens tradisjon er omfattende, med Japans unike posisjon i verden som i stor grad påvirker de dominerende stilene og teknikkene til japanske kunstnere. Det velkjente faktum at Japan har vært ganske isolert i århundrer skyldes ikke bare geografi, men også den dominerende japanske kulturelle tilbøyeligheten til isolasjon som har preget landets historie. I løpet av århundrene av det vi kan kalle "japansk sivilisasjon", utviklet kultur og kunst seg atskilt fra de i resten av verden. Og dette er til og med merkbart i praksisen med japansk maleri. For eksempel er Nihonga-maleriene blant stiftene i japansk malerpraksis. Det er basert på over tusen års tradisjon, og maleriene er vanligvis laget med pensler på ditt (japansk papir) eller egina (silke).
Imidlertid ble japansk kunst og maleri påvirket av utenlandsk kunstneriske praksiser. For det første var det kinesisk kunst på 1500-tallet og kinesisk maleri og den kinesiske kunsttradisjonen som var spesielt innflytelsesrik på flere måter. Fra og med 1600-tallet ble japansk maleri også påvirket av vestlige tradisjoner. Spesielt i førkrigstiden, som varte fra 1868 til 1945, ble japansk maleri påvirket av impresjonisme og Europeisk romantikk. Samtidig ble nye europeiske kunstbevegelser også betydelig påvirket av japanske kunstteknikker. I kunsthistorien omtales denne påvirkningen som "japanisme", og den er spesielt viktig for impresjonistene, kubistene og kunstnere knyttet til modernismen.
Den lange historien til japansk maleri kan sees på som en syntese av flere tradisjoner som skaper deler av en anerkjent japansk estetikk. For det første har buddhistisk kunst og malemetoder, så vel som religiøst maleri, satt et betydelig preg på estetikken til japanske malerier; vannblekkmaling av landskap i tradisjonen med kinesisk litterært maleri er et annet viktig element som er anerkjent i mange kjente japanske malerier; maleri av dyr og planter, spesielt fugler og blomster, er noe som ofte forbindes med japanske komposisjoner, det samme er landskap og scener fra hverdagen. Til slutt hadde eldgamle ideer om skjønnhet fra filosofien og kulturen i det gamle Japan stor innflytelse på japansk maleri. Wabi, som betyr forbigående og barsk skjønnhet, sabi (skjønnheten til naturlig patina og aldring) og yugen (dyp ynde og subtilitet) påvirker fortsatt idealene i utøvelse av japansk maleri.
Til slutt, hvis vi fokuserer på å velge de ti mest kjente japanske mesterverkene, må vi nevne ukiyo-e, som er en av de mest populære kunstsjangrene i Japan, selv om den tilhører grafikk. Den dominerte japansk kunst fra 1600- til 1800-tallet, med kunstnere som tilhørte denne sjangeren som produserte tresnitt og malerier av emner som f.eks. vakre jenter, kabuki-skuespillere og sumobrytere, samt scener fra historie og folkeeventyr, reisescener og landskap, flora og fauna, og til og med erotikk.
Det er alltid vanskelig å lage en liste over de beste bildene fra kunstneriske tradisjoner. Mange fantastiske verk vil bli ekskludert; Denne listen inneholder imidlertid ti av de mest gjenkjennelige japanske maleriene i verden. Denne artikkelen vil kun presentere malerier laget fra 1800-tallet til i dag.
Japansk maleri har en ekstremt rik historie. Gjennom århundrene har japanske kunstnere utviklet et stort antall unike teknikker og stiler som er Japans mest verdifulle bidrag til kunstverdenen. En av disse teknikkene er sumi-e. Sumi-e betyr bokstavelig talt "blekktegning", og kombinerer kalligrafi og blekkmaling for å skape en sjelden skjønnhet av penselmalte komposisjoner. Denne skjønnheten er paradoksal - eldgammel, men moderne, enkel, men kompleks, modig, men likevel avdempet, og reflekterer utvilsomt det åndelige grunnlaget for kunst i Zen-buddhismen. Buddhistiske prester brakte den harde blekkblokken og bambusbørsten til Japan fra Kina i det sjette århundre, og i løpet av de siste 14 århundrene har Japan utviklet en rik arv av blekkmaleri.
Rull ned og se 10 japanske malerimesterverk
1. Katsushika Hokusai "Dream of the Fisherman's Wife"
Et av de mest gjenkjennelige japanske maleriene er The Dream of the Fisherman's Wife. Den ble skrevet i 1814 kjent kunstner Hokusai. Med strenge definisjoner kan ikke dette fantastiske verket av Hokusai betraktes som et maleri, ettersom det er et ukiyo-e tresnitt fra Young Pines (Kinoe no Komatsu), som er en tre-binders shunga-bok. Komposisjonen skildrer en ung ama-dykker seksuelt sammenvevd med et par blekkspruter. Dette bildet var svært innflytelsesrikt på 1800- og 1900-tallet. Verket påvirket senere kunstnere som Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf og Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro skriver et nostalgisk dikt mens han ser på månen"
Tessai Tomioka er pseudonymet til en kjent japansk kunstner og kalligraf. Han regnes som den siste store kunstneren i Bunjing-tradisjonen og en av de første store kunstnerne i Nihonga-stilen. Bunjinga var en skole for japansk maleri som blomstret i slutten av Edo-perioden blant kunstnere som betraktet seg som litterater eller intellektuelle. Hver av disse kunstnerne, inkludert Tessaia, utviklet sin egen stil og teknikk, men de var alle store fans av kinesisk kunst og kultur.
3. Fujishima Takeji "Soloppgang over Østsjøen"
Fujishima Takeji var en japansk kunstner kjent for sitt arbeid med å utvikle romantikk og impresjonisme i kunstbevegelsen Yoga (vestlig stil) på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. I 1905 reiste han til Frankrike, hvor han ble påvirket av datidens franske bevegelser, spesielt impresjonismen, som kan sees i hans maleri fra 1932 Sunrise over the East Sea.
4. Kitagawa Utamaro "Ti typer kvinnelige ansikter, en samling av dominerende skjønnheter"
Kitagawa Utamaro var en fremtredende japansk kunstner som ble født i 1753 og døde i 1806. Han er desidert mest kjent for en serie kalt Ten Types of Women's Faces. En samling av herskende skjønnheter, store kjærlighetstemaer for klassisk poesi" (noen ganger kalt "Kvinner forelsket", som inneholder separate graveringer "Naken kjærlighet" og "Tenksom kjærlighet"). Han er en av de mest betydningsfulle artistene som tilhører ukiyo-e tresnittsjangeren.
5. Kawanabe Kyosai "Tiger"
Kawanabe Kyosai var en av de mest kjente japanske kunstnerne fra Edo-perioden. Kunsten hans ble påvirket av Tohaku, en Kano-maler fra 1500-tallet som var den eneste maleren på sin tid som malte skjermer helt i blekk mot en delikat bakgrunn av pulverisert gull. Selv om Kyosai er kjent som en tegneserieskaper, produserte han noen av de mest kjente maleriene i japansk kunsthistorie på 1800-tallet. "Tiger" er et av de maleriene Kyosai brukte akvarell og blekk for å lage.
6. Hiroshi Yoshida Fuji fra Kawaguchi-sjøen
Hiroshi Yoshida er kjent som en av hovedfigurene i shin-hanga-stilen (shin-hanga er en kunstbevegelse i Japan på begynnelsen av 1900-tallet, under Taisho- og Showa-periodene, som gjenopplivet den tradisjonelle kunsten ukiyo-e , som slo rot i Edo- og Meiji-periodene (XVII - XIX århundrer)). Han ble opplært i tradisjonen med vestlig oljemaleri, som ble adoptert i Japan under Meiji-perioden.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami er trolig den mest populære japanske artisten i vår tid. Arbeidene hans selges for astronomiske priser på store auksjoner, og kreativitet inspirerer allerede nye generasjoner av kunstnere, ikke bare i Japan, men også i utlandet. Murakamis kunst inkluderer en rekke medier og beskrives vanligvis som superflat. Arbeidene hans er kjent for sin bruk av farger, med motiver fra japansk tradisjonell og populærkultur. Innholdet i maleriene hans blir ofte beskrevet som "søt", "psykedelisk" eller "satirisk".
8. Yayoi Kusama "gresskar"
Yaoi Kusama er også en av de mest kjente japanske artistene. Hun jobber i en rekke medier, inkludert maleri, collage, scat-skulptur, performancekunst, miljøkunst og installasjon, hvorav de fleste viser hennes tematiske interesse for psykedeliske farger, repetisjon og mønster. En av de mest kjente seriene til denne store artisten er Pumpkin-serien. En polkaprikket vanlig kalebass i knallgul vises mot et nett. Sammen danner alle slike elementer et visuelt språk som er umiskjennelig for kunstnerens stil, og som har blitt utviklet og foredlet gjennom flere tiår med møysommelig håndverk og reproduksjon.
9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"
Tenmyoya Hisashi er en moderne japansk kunstner som er kjent for sine neo-nihonga-malerier. Han deltok i gjenopplivingen av den gamle tradisjonen med japansk maleri, som er det stikk motsatte av moderne japansk maleri. I 2000 skapte han også sin nye stil, butouha, som demonstrerer en standhaftig holdning til et autoritativt kunstsystem gjennom maleriene hans. "Japanese Spirit No. 14" ble skapt som en del av det kunstneriske opplegget "BASARA", tolket i japansk kultur som den opprørske oppførselen til det lavere aristokratiet under den krigførende statens periode, for å frata myndighetene muligheten til å oppnå et ideal livsstil ved å kle seg i frodige og luksuriøse klær og opptre fritt.vilje som ikke samsvarte med deres sosiale klasse.
10. Katsushika Hokusai "Den store bølgen utenfor Kanagawa"
Til slutt, Den store bølgen utenfor Kanagawa er sannsynligvis det mest gjenkjennelige japanske maleriet som noen gang er malt. Dette er faktisk det mest kjente kunstverket laget i Japan. Den skildrer enorme bølger som truer båter utenfor kysten av Kanagawa Prefecture. Selv om den noen ganger forveksles med en tsunami, har bølgen, som navnet på maleriet antyder, mest sannsynlig ganske enkelt en unormalt høy høyde. Maleriet er laget i ukiyo-e-tradisjonen.
Fra: , 18346 visninger
