Estetikk av livsskriving I samme grad som Bogdanovich delte sin litterære æras forkjærlighet for nasjonal folklore, hyllet han den generelle litterære lidenskapen for livsskriving i dens nye estetiske funksjoner for å skape et fullverdig materiell miljø som tjener

Filosofi. Estetikk

I. Kunsthistorie og generell estetikk<…>Poetikken, fratatt grunnlaget for systematisk-filosofisk estetikk, blir ustø og tilfeldig i selve grunnlaget. Poetikk, systematisk definert, må være estetikken til verbal kunstnerisk skapelse. Denne definisjonen

Reseptiv estetikk

Bildet av en person i litteraturen om europeisk klassisisme på 1600-tallet Nye litterære ideer fra renessansen kunne ikke oversettes til det virkelige liv. Skuffelse i humanistenes lære fører til svært betydelige endringer i skildringen av klassisisten

Det nye verdensbildet til en person på 1600-tallet. i forskjellige regioner i Europa kom til uttrykk i særegne former for åndelig kultur. I noen land, etter krisen i renessansekulturen, begynner barokktiden (Italia, Flandern), i andre dannes en ny stil - klassisisme. På begynnelsen av 1600-tallet fungerte barokken allerede som en enkelt stil i alle typer kunst, mens klassisismen var sent i sin dannelse. Klassisismens stilsystem kan ikke bare vurderes på 1600-tallet, fordi distribusjonen i modifiserte former over hele Europa faller på 1700- og begynnelsen av 1800-tallet. Men teorien om klassisisme, i motsetning til barokken, var svært utviklet og kom til og med ut foran kunstnerisk praksis. Klassisismen som helhet kunst system har sin opprinnelse i Frankrike. Det kalles ofte absolutismens kultur, fordi på 1600-tallet. i Frankrike er i utvikling klassisk mønster absolutistisk stat. Men klassisismens kunst kan ikke reduseres til absolutismens tjeneste. Klassisismen tok form i første halvdel av århundret, da spørsmålet om Frankrikes fremtid forble åpent. Det var en prosess med statlig og nasjonal konstruksjon, der det fortsatt var en balanse mellom de viktigste sosiale kreftene i landet - kongemakten, adelen og det voksende borgerskapet. Det var ikke kongemakten i seg selv, men nettopp denne balansen som tillot fremveksten av klassisk kunst, som ikke glorifiserte absolutt underkastelse til monarken, men ideologisk statsborgerskap. Denne kunsten krevde av alle - herskere og underordnede rimelige handlinger, omsorg for sosial balanse, orden og mål. Klassisisme er en reflekterende og konstruktiv kunst. Den prøvde å skape ideelle modeller for en rettferdig og harmonisk verden basert på fornuftige ideer om allmennheten. Klassisismens teoretikere anså utdanning av samfunnet for å være kunstens hovedoppgave. Selvfølgelig kan ingen kunst bygges utelukkende på fornuftens prinsipper, ellers ville den slutte å være kunst. Klassisismen gikk ut fra renessansens arv og opplevelsen av modernitet, derfor var både analyseånden og beundring for idealet like karakteristisk for det. Klassisismen kommer til å erstatte renessansens kultur, da denne kulturen selv var i en krisetilstand, da renessansens realisme ble gjenfødt til den estetiserte meningsløse manerismens kunst. Under de historiske forholdene på XVII århundre. den humanistiske troen på det godes seier over det onde, på det harmoniske prinsippet om menneskets natur, gikk tapt. Tapet av denne troen førte til en direkte krise for kunstnerisk kreativitet, fordi den mistet sitt ideal - en person med et rikt åndelig liv og et edelt mål. Derfor var den viktigste koblingen som forbinder klassisisme med kunsten fra høyrenessansen returen til det moderne stadiet av en aktiv sterk helt - en målrettet, energisk person, lengtende etter lykke og forelsket i livet. Men i motsetning til renessanseidealet, virket et sterkt moralsk kriterium som eksisterer i samfunnet på veien til lykken til helten fra New Age. Offentlig moral, som en uforanderlig lov om menneskeverd, skulle inspirere en person og lede hans handlinger. Det er en slik helt som dukker opp i tragediene til Corneille, Racine og komediene til Molière. Det er ingen tilfeldighet at klassisismens estetiske teori først og fremst utvikles i Fransk dramaturgi og litteratur. Avhandlingene til franske forfattere og poeter spilte en enestående rolle i utviklingen av de viktigste stilistiske formene for klassisisme. Parallelt med dannelsen av teorien oppsto de første komplette klassisistiske kunstverkene. En av klassisismens første teoretikere og poeter var Nicolas Boileau-Depreo (1636-1711). I hans poetiske avhandling ble "Poetisk kunst" først samlet teoretiske prinsipper klassisisme. Klassisismens normer og kanoner presenteres i dette verket i en livlig og forståelig form. Det poetiske systemet må være underlagt fornuftens disiplin. Den rasjonelle utviklingen av temaet kommer i forgrunnen. Boileaus kall "Kjærlighet tenkte på vers" ble det store prinsippet i klassisk poesi. Hovedkravet for en poet er å underordne sin kreativitet til fornuftsdisiplinen. Fornuften må styre over følelse og fantasi. Men ikke bare i verkets innhold, i betydningen, men også i dets form. For å reflektere innholdet perfekt, trenger du riktig verifisert metode, høy faglig dyktighet, virtuositet. Enheten av form og innhold er et av klassisismens grunnleggende prinsipper. Klassisismen så det estetiske skjønnhetsidealet i antikkens kultur. Antikkens kunst ble utropt til normen for både renessanse- og barokkkunst. Men korrelasjonen av denne normen med kunstnerisk praksis klassisisme er fundamentalt annerledes. For renessansen antikk kunst var en fortreffelighetsskole og et insentiv for uavhengig kreativt søk, og ikke en kanonisk modell. Barokkmestre anerkjente teoretisk antikkens kanoner, men i sitt arbeid var de langt fra dem. I klassisismens kunst får antikkens normer betydningen av en udiskutabel sannhet. Å følge disse kanonene i forholdene i New Age-kulturen dømmer klassisismens kunst til sannhetens "sekundære" natur. Selve navnet - klassisisme, ikke klassisk, understreker denne sekundære naturen. Klassisismen så i antikkens kultur ikke bare et estetisk, men også et etisk ideal. Kunsten i antikkens Hellas og Roma var et eksempel på kunsten med stor sosial lyd, som forkynte høye sivile og moralske idealer. Den indre kjernen i bruken av eldgamle kanoner i klassisismens kunst var det rasjonelle prinsippet. Dette elementet inntok også en viktig plass i kreativitetsprosessen i renessansen. Men så ble rasjonalismen fremsatt i motsetning til middelalderens irrasjonelle følelse som hovedmiddel for å forstå natur- og kunstlovene. I klassisismen fremstår ikke fornuften som et naturlig element menneskelig aktivitet men som et objekt for tilbedelse. Rasjonalisme ble grunnlaget og essensen av teorien om klassisisme. Fornuften ble utropt til hovedkriteriet for kunstnerisk sannhet og skjønnhet. Klassisismens kunst skilte seg fundamentalt fra sfæren av subjektive følelser i oppfatningen av skjønnhet. Klassisismen hevdet å bekrefte absolutte moralske sannheter og urokkelige kunstformer etablert av fornuft og uttrykt i regler. Kreativitet må følge lover. Klassisistene utledet disse lovene basert på deres observasjoner av gammel kunst. En av klassisismens første teoretikere, den store franske dramatikeren Pierre Corneille (1606-1684), som kommenterte Aristoteles' poetikk og refererte til århundrers historiske erfaring, forsøkte å utlede dramaets formelle lover. En av de viktigste var loven om tre enheter - tid, sted og handling. Corneilles virksomhet var en reell reform av dramaturgien. Han er forfatter av flere avhandlinger om dramateori og kritiske analyser av egne forfatterskap. Corneilles tragedie «The Garden» ble franskmennenes nasjonalstolthet. Veldig raskt ble det oversatt til mange europeiske språk. Herligheten til stykket og dets forfatter var ekstraordinært. «Sid» og nå i det faste repertoaret til ikke bare franske, men også mange andre teatre i Europa. Handlingene i skuespillene hans ("Horace", "Cinna", etc.) Corneille laget dramatiske øyeblikk fra den historiske fortiden, menneskers skjebne i en periode med akutte politiske og sosiale konflikter. Særlig ofte brukte han materialet fra romersk historie, som ga ham rikelig med stoff for politiske refleksjoner over moderne temaer. Den dramaturgiske hovedkonflikten i Corneilles tragedier er et sammenstøt av fornuft, ... og følelser, plikt og lidenskap. Seier har alltid vært med fornuft og plikt. Tilskueren måtte forlate teatret uten motsetninger og tvil. Kilden til det tragiske er ekstrem lidenskap, og seeren måtte lære en lekse - det er nødvendig å holde lidenskapene i sjakk. I tragediene til en annen kjent dramatiker Jean Racine (1639-1699) så publikum ikke bare en majestetisk helt, men en person med svakheter og mangler ("Andromache", "Berenik", "Iphigenia in Aulis"). Rasi-nas skuespill reflekterte salonglivet i Versailles. Grekere og romere, uunngåelig av kravene klassisk poesi, så ut til å være sin tids ekte franskmenn. På scenen opptrådte de i krøllede parykker, spennede hatter og med sverd. Kongene som Racine brakte til scenen var idealiserte portretter av Ludvig XIV. Kongens regjeringstid varte i mer enn 50 år, og i Europeisk historie denne tiden ble til og med kalt Ludvig XIVs århundre. Under gunstige omstendigheter steg Frankrike til en slik høyde av økonomisk og mental utvikling og politisk makt at det ble den fremtredende europeiske makten og trendsetter for smak og mote for hele Europa. Etableringen av absolutismen tilsvarte kongens personlige tilbøyeligheter. Maktsyk, narsissistisk, bortskjemt av hoffmennenes smiger, likte Louis å gjenta uttrykket «Staten er meg». For å heve den kongelige prestisje ble det rettet spesiell oppmerksomhet mot hofflivet. Strenge etikette fordelte kongetiden med punktlig smålighet, og hans livs mest vanlige handling (for eksempel påkledning) ble innredet med den største høytidelighet. Louis XIV var ikke fornøyd med beundring for seg selv, som han så og hørte fra hoffmennene, begynte han å tiltrekke seg fremtredende forfattere, fransk og utenlandsk, og gir dem monetære belønninger og pensjoner slik at de glorifiserer seg selv og hans regjeringstid. Fransk litteratur antok etter hvert en høvisk karakter. I 1635 ble Litteraturakademiet opprettet i Paris. Siden den gang har klassisisme blitt den offisielle dominerende trenden i litteraturen. Relativt langt fra hoffet sto Jean de La Fontaine (1621-1695). Den inntar en særegen plass i klassisismens litteratur. Lafontaine er ikke redd for interesse for "lavere" sjangere, stoler på folkevisdom, folklore som definerer dypt nasjonal karakter hans kreativitet. Hans kreative arv er mangefasettert, men han skylder berømmelsen til en av de største dikterne i Frankrike til sine fabler. (Tradisjonene til Lafontaine ble brukt av IA. Krylov.) I deres instruktive moral ser vi en manifestasjon av et av klassisismens viktigste prinsipper - kunsten skal utdanne og overbevise. Det figurative systemet i den klassiske stilen viste seg å være uproduktivt for kunsten lyrisk poesi, maleri og musikk. Den ustabile foranderlige følelsessfæren var fremmed for klassisismen. Prinsippene for den nye stilen er "harmonisk balanse mellom former og ideelle proporsjoner- var i hovedsak prinsippene for arkitektur. Det er innen denne kunsten at hovedprestasjonene til klassisismen ligger, som bestemte dens spredning over to århundrer med europeisk kultur. I klassisismens arkitektur fant de grunnleggende prinsippene for stil sin organiske legemliggjøring. Klassisk arkitektur utviklet i Frankrike, England og Holland. Ideelt sett er denne stilen det stikk motsatte av barokk. Den er preget av en klar geometri av former, strenge linjer, klare volumer og en harmonisk komposisjonsdesign. Klassisismen vendte seg til former for gammel arkitektur, han brukte ikke bare dens motiver og individuelle elementer, men også konstruksjonsmønstrene. Grunnlaget for klassisismens arkitektoniske språk var ordenen i former som var nærmere antikken enn barokken. I stedet for spontan irrasjonell barokk, søker klassisismens arkitektoniske bilde å uttrykke ideer om logikk, orden og mål. Men på 1600-tallet hadde arkitekturen ennå ikke kommet til en konsistent og tydelig legemliggjøring av disse ideene. I praksis var sammenhengen med barokksystemet fortsatt synlig. Spesielt denne låningen av noen barokkteknikker ble sett i arkitekturen i Frankrike. Strengt klassiske figurative virkemidler kunne ikke løse problemene med å glorifisere det absolutte monarkiet, som ble satt av teoretikere av offisiell kunst. Derfor tyr klassisismens arkitekter ofte til barokke metoder for seremoniell representativitet. De dekorerte fasadene til bygningene sine i barokkens ånd, noe som noen ganger gjør det vanskelig for en uerfaren seer å strengt definere stilen. Først på 1700-tallet, da kongemakten fikk utseendet til et opplyst monarki og endret sin samfunnslære, utviklet klassisismen en helt uavhengig figurativ struktur. Frankrike på 1600-tallet er preget av sammenveving av senrenessanse, gotikk og barokk med trekk fra klassisisme. Men hovedretningen var klassisisme, alle de andre fulgte med. I det generelle forløpet av kulturen i New Age var det en prosess med gradvis transformasjon av et befestet slott til et ubefestet palass. I byen ble den inkludert i den generelle strukturen til gater og torg, utenfor byen var den forbundet med en enorm park. Vindebroer ble erstattet av steiner, vollgraver ble en del av parken, tårn ved inngangen ble erstattet av paviljonger. Det ble opprettet hage- og parkensemblene til Tuileriene, Fontainebleau osv. De la grunnlaget for kunsten til en vanlig fransk hage med sine enfilader av rettede smug, trimmet med gress og busker, som ble gitt geometrisk form kjegler og kuler. Gartneren ble arkitekt og skulptør, begynte å tenke i romlige kategorier, å underordne levende materiale til rasjonell design. Det økende behovet for boliger endret utviklingen av byen. På begynnelsen av århundret utviklet det seg en type hotell i Paris, som dominerte i to århundrer. Dette er adelens hus med gårdsplass og hage. De kombinerer enkle og praktiske planer med fasader overdådig dekorert med skulptur, relieff og orden. I det nye utseendet til byhus veldig viktig hadde tak, hvis utforming og form endret seg. På 30-tallet av XVII århundre. arkitekten Mansart foreslo en ødelagt takform ved å bruke et loft som bolig. Dette systemet, oppkalt etter forfatteren av loftet, har spredt seg over hele Europa. MED tidlig XVII V. arkitekturen til engelsk klassisisme tar form. Denne perioden faller sammen med tiden for kraftig industriell utvikling av landet og dannelsen av kapitalismen. Initiativtakeren og skaperen av de første storskala komposisjonene av klassisismen var arkitekten Inigo Jones. Han eier prosjektene til det berømte Banqueting House (bygninger for offisielle mottakelser) og Lindsay House i London. Han var arkitekten til Quans House (Queen's House) i Greenwich. Dette er et strålende eksempel på klassisisme i boligbyggingens historie. I de strengeste formene for klassisisme ble det opprettet et ensemble av bygninger fra Royal Palace of Whitehall, et ensemble fra Greenwich Hospital i London (arkitektene Jones, Christopher Wren og andre). Klassisismen utviklet nye former i ulike felt- opprettelse av bytorg av ulike typer (Covent Garden Square i London, Place Vendôme i Paris), bygging palasskomplekser (Versailles, Whitehall), kirker (St. Paul's Cathedral i London - arkitekt K. Wren, Invalides Cathedral - arkitekt Hardouin-Mansart), offentlige bygninger - rådhus, sykehus, private boligbygg, adelens herskapshus, bygninger til handelsselskaper (ensemblet til Invalides - arkitekt Bruant, Trinity College Library i Cambridge", tollbygningen i London - arkitekt K. Ren; rådhusbygningen i Augsburg - arkitekt Elias Holl, rådhuset i Amsterdam - arkitekt J. van Kampen , bygging av skalaer i Gouda og etc.). Klassisismen utviklet former for arkitektonisk språk som møtte både smaken av det absolutte monarki og den borgerlige samfunnsordenen. Versailles, den nye residensen til Ludvig XIV, inntar en spesiell plass i fransk arkitektur. Versailles har blitt en estetisk stemmegaffel i stilen fra epoken Dette er et arkitektonisk ensemble av palasset uten sidestykke i storhet og integritet Tre avenyer går fra det enorme torget foran palasset, den sentrale *-aksen strekker seg 16 kilometer gjennom byen , torg, palass og park. Mange arkitekter deltok i opprettelsen av Versailles-ensemblet i flere byggeperioder - Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel. Dette ensemblet legemliggjorde konsekvent prinsippene for klassisisme - regelmessighet, streng symmetri, klarhet i komposisjonen, en klar underordning av deler, en rolig rytme av vekslende vinduer, pilastre, søyler. Samtidig minner de frodige dekorative finishene, spesielt i interiøret, om barokken. Hallene i palasset er plassert i enfilader, rikt dekorert med skulpturell dekor, farget marmor, forgylte bronserelieffer, fresker, speil. Parken har blitt en viktig del av ensemblet, uatskillelig fra dens arkitektoniske uttrykksevne. Det kan betraktes som et programarbeid av en ny type kunst - hagearbeid. André Linotre (1613-1700) perfeksjonerte kunsten sin, som kombinerte elementer fra arkitektur, skulptur, hagebruk og vannteknikk på grunnlag av et ensemble. For første gang i historien har landskap organisert av kunstnere blitt til kunstverk. Parken ble dekorert med skulpturer av de kjente mesterne François Girandon (1628-1715) og Antoine Coisevox (1640-1720). Denne skulpturen hadde en programmatisk karakter - glorifiseringen av den store monarkens regjeringstid. Billedhuggerne brukte barokke motiver på en klassisk måte: de strebet etter isolasjonen av hver figur og deres symmetriske plassering. Et typisk eksempel på klassisistisk arkitektur var østfasaden til Louvre (noen ganger kalt "Colonnaden of the Louvre") av arkitekten Claude Perrault (1613-1688). Med sin rasjonelle enkelhet, harmoniske balanse mellom deler, klare linjer, rolige og majestetiske statiske, samsvarte Perrault-kolonnaden med tidens rådende ideal. I 1677 ble Arkitekturakademiet opprettet, hvis hovedoppgave var å generalisere den akkumulerte erfaringen med arkitektur for å utvikle "ideelle evige skjønnhetslover". Disse lovene skulle følges av videre konstruksjon. Klassisisme ble offisielt anerkjent som den ledende arkitekturstilen. Kunst skulle visuelt uttrykke og glorifisere monarkiets storhet, nasjonens og statens makt i praktfulle palasser og parker, urbane ensembler og offentlige bygninger. Akademiet ga en kritisk vurdering av barokkens prinsipper, og anerkjente dem som uakseptable for Frankrike. Proporsjoner var grunnlaget for skjønnhet. Det ble ansett som obligatorisk å ha en klar inndeling etter etasje etter ordre og tildeling av bygningens sentrale akse, som nødvendigvis må samsvare med bygningens avsats, en balkong eller et fronton. Fasadens fløyer skulle omsluttes av paviljonger. Den offisielle klassisismens diktat ble også følt i billedkunsten. Skaperen av den klassisistiske trenden i maleriet var Nicolas Poussin (1594-1665). Dette fransk kunstner studerte og arbeidet i Roma (to år tilbrakt på invitasjon av Ludvig XIII i Paris ved det kongelige hoff var ikke fruktbare for hans arbeid). Poussin kombinerte en fremragende teoretiker og praktiker. I hans romerske verksted, hvor malere og teoretikere samlet seg, fant kunstnerens tanker grobunn for formidling. Poussin skrev ikke spesielle vitenskapelige avhandlinger, kunstnerens tanker om maleriets mål og muligheter har kommet ned til oss i hans korrespondanse og overføring av andre forfattere. Han mente at kunsten "majestisk stil" består av 4 elementer - dette er innholdet, dets tolkning, konstruksjon og stil. Hovedsaken er at innholdet og handlingen er majestetisk og vakker. For å gjøre dette, må kunstneren forkaste alt smålig, for ikke å motsi den høye meningen med historien. Motivet til bildet må være "forberedt" for ideen om skjønnhet, det viktigste i denne forberedelsen er rekkefølge, mål og form. Orden og form - Poussin snakker stadig om dette, Descartes, grunnleggeren av rasjonalismens filosofi, snakker også om dette: "ting som vi oppfatter veldig klart og tydelig er sanne." Bare rimelig "forberedelse" kan åndeliggjøre materie slik at den blir virkelig vakker. Naturen i kunsten bør presenteres i en form foredlet av fornuften, blottet for det som ikke samsvarer med oppfatningen om tingenes rimelige gang, reglene for "anstendighet" og god oppførsel. Landskapet skal legemliggjøre naturens episke kraft og harmoni, det er et sammensatt landskap. Som et uttrykk for denne skjønnheten oppstår Poussins Arcadia-verden, bebodd av himmellegemer, helter, satyrer, nymfer og vakre mennesker ("The Kingdom of Flora", "The Arcadian Shepherds", "Landscape with Polyphenes"). Han hentet temaer fra mytologi, bøkene i Den hellige skrift og historiske tradisjoner. Poussin ble tiltrukket av sterke karakterer, majestetiske gjerninger, fornuftens og rettferdighetens triumf. Han valgte handlinger som gir mat til ettertanke, utdanner dyd. I dette så han kunstens sosiale formål. Poussin bringer frem temaene om offentlig plikt, moralsk nødvendighet, presentert i form av et dramatisk komplott: soldatene sverger troskap til Germanicus, som ble forgiftet etter ordre fra Tiberius, Erminia klipper av det luksuriøse håret for å bandasjere den sårede helten og redde ham, opptrer kong Salomo som bærer av moralsk rettferdighet i en tvist mellom to mødre om et barn ("The Death of Germanicus", "Tancred and Erminia", "The Capture of Jerusalem", "The Rape of the Sabines") . Grunnlaget for klassisismemaleri er de eksakte uforanderlige lovene for den kunstneriske organiseringen av verket. Poussins komposisjoner er ordnet, et tydelig konstruktivt opplegg er synlig i dem, hovedhandlingen foregår alltid i forgrunnen. Hovedbetydningen i det kunstneriske språket er knyttet til formen, tegningen, linjen. Fetisjiseringen av sinnet utgjorde en trussel mot sann kunst. Å oppnå en balanse mellom beregning og inspirasjon, mellom rasjonelt og emosjonelt, intuitivt er en svært vanskelig kreativ oppgave. Poussin var den eneste maleren på 1600-tallet, i hvis verk begrepet klassisisme virkelig var produktivt nedfelt. For andre mestere viste oppgaven seg overveldende. Det abstrakte rasjonelle prinsippet rådde, og det klassisistiske systemet ble til et akademisk. Den ble dominert av en dogmatisk tilnærming, avhengighet av etablerte kanoner. Det franske kunstakademiet ble opprettet i 1648 og var under tilsyn av kongens første minister. I maleriet, som i alle andre former for kunst, var det en prosess med streng regulering og underordning av kunstnerisk kreativitet til absolutismens oppgaver. Akademiet ble bedt om å utvikle de formelle reglene for virtuos kunst. Noen kunstnere på den tiden hevdet at bare forskere kan være kjennere av kunst. Ideen om å forbedre maleriet gjennom fornuft var veldig sterk. Det var til og med matematiske tabeller over prestasjoner til hver maler. Akademiet møttes på regelmessige møter, der fremtredende kunstnere, i nærvær av studenter, sorterte ut malerier fra den kongelige samlingen av Louvre. Analysene av maleriene var basert på klassifisering. Alt ble delt inn i kategorier av design, proporsjoner, farge, komposisjon. Den høyeste sjangeren av maleri ble ansett som historisk, som inkluderte scener fra Bibelen, gammel mytologi, kjente litterære verk. Bare det perfekte er verdig å skildres, alt lavt, som i klassisistenes poesi, ble avvist som en tilfeldig, unødvendig detalj som avleder oppmerksomheten fra hovedsaken. Portrett, landskap, stilleben, hjemlige scener ble ansett som en "liten sjanger". Akademikere utviklet et helt system av regler basert på korrespondanse av bevegelser og gester til visse mentale tilstander- frykt, sinne, glede, overraskelse, etc. I de klassiske avhandlingene ble det gitt presise instruksjoner om hvordan man formidler visse følelsesmessige tilstander og tegninger-diagrammer ble vedlagt. Proporsjoner Menneskekroppen ble bygget i henhold til gamle kanoner. Med forrangen til å tegne fremfor maleriet, lignet figurene på lerretene til klassisistene gamle skulpturer. Men antikken har blitt naturlig form uttrykk for den ideelle, men obligatoriske rekvisitten for verk av "høy stil". Fornuftig og tørr normativitet førte til at klassisismen ble degenerert til akademisk. Han forviste fantasi, fantasi, individuell visjon fra kunsten. Regelsettet som styrte den kreative prosessen bidro til reguleringen av kunsten, og underordnet den kontrollen av absolutismen. Klassisismens historisk nødvendige rolle var utviklingen av et bevisst prinsipp som ligger i enhver kreativitet. Men på grunn av historiske forhold har denne trenden fått en for tørr og rasjonell tone. Bevisstheten om kunstnerisk skapelse har blitt til mekanisk hensiktsmessighet. Ideen om tankens forrang ble til det motsatte - livløs formalisme. Formler for rollebesetning har spilt både en positiv og en negativ rolle. Vi må kunne se klassisk kunst i all innholdets rikdom og mangfold. Kunstnerisk praksis er alltid rikere enn teori og overlever som regel sin epoke. Dramaene til Corneille og Racine, komediene til Molière og fablene til La Fontaine, landskapene til Poussin og Lorrain lever fortsatt, og bekrefter deres udødelighet i verdenskulturhistorien. Spørsmål 1. Hva er fellestrekkene i klassisismens stil? 2. Hvordan henger antikkens, renessansens og klassisismens kulturelle idealer sammen? 3. Hvilken rolle spilte det rasjonelle prinsippet i klassisismens kunst? 4. Hvilke prinsipper for klassisismen ble dannet i fransk dramaturgi? 5. Hvordan forsto klassisismens teoretikere kunstens hovedoppgave? 6. Hva er hovedtrekkene i klassisismestilen i arkitektur og maleri.

Klassisisme er en estetisk betydningsfull trend i kunsten som oppsto på 1600-tallet, utviklet seg på 1700-tallet og kan spores på 1800-tallet. Den er preget av en appell til de gamle klassikerne som en streng normativ modell for perfekt harmoni. estetiske ideer klassisisme er dannet i en ånd av rasjonalisme, som spredte sin dominans i den epoken - en filosofisk og vitenskapelig doktrine, ifølge hvilken fornuft er den høyeste menneskelige evne, som lar ham erkjenne og til og med transformere verden, og blir delvis på linje med Gud , reorganisere samfunn. Fornuft, fra rasjonalismens synspunkt, er ikke bare den viktigste, men også den eneste fullstendig tilstrekkelige evnen til menneskesinnet. Følelser er bare premisset for rasjonelle resonnementer, og i seg selv tilslører den klare sannheten; mystisk intuisjon er verdifull for dens inkludering i systemet med rasjonell argumentasjon. Et slikt syn kunne ikke annet enn å påvirke forholdet mellom kultursfærene, som begynte å ta form i de høyeste samfunnskretsene i europeiske land: vitenskap, filosofi og matematikk spesielt – dette er de viktigste drivkreftene for kunnskapens fremgang; kunst er tildelt en mer beskjeden, sekundær rolle som sentimental nytelse, lett underholdning og forståelig, imponerende oppbyggelse; tradisjonell religion, ikke "opplyst" av filosofisk deismes rasjonelle ideer, er troen til et enkelt uutdannet folk som er nyttig for den sosiale organismen - en slags stabilisator innen sosiale seder.
Klassisismen bygger på normativ estetisk teori. Allerede Rene Descartes, en fransk matematiker og filosof fra første halvdel av 1600-tallet, i sine originale verk for den tiden "Discourse on the Method", "Compendium of Music", etc., argumenterer for at kunst må være underlagt streng regulering av sinnet. Samtidig bør språket til kunstverk, ifølge R. Descartes, utmerkes ved rasjonalitet, sammensetningen bør være basert på strengt etablerte regler. Hovedoppgaven til kunstneren er å overbevise, først av alt, med tankens kraft og logikk. Klassisismens normative estetiske teori er preget av rasjonalisme, balansert klarhet, formell beregning med fokus på proporsjonalitet, integritet, enhet, balanse og fullstendighet av skjemaer, sammenheng med ideene om politisk absolutisme og det moralske imperativ. Klassisismens normative prinsipper tilsa en klar inndeling i høye og lave sjangere.
Disse prinsippene for klassisisme er manifestert i alle typer kunst: I teatret, som holdt seg til de ideologiske generaliseringene til N. Boileau (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega og andre); i litteratur (Lafontaine) i arkitektur, spesielt sekulær - palass og park (bildet av Versailles) og sivil og kirke (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, osv. .); i maleri (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): i skulptur (Canova, Thorvaldsen, etc.) i musikk (Gluck, Haydn, Mozart, tidlig Beethoven, etc.) Noen av de oppførte store kunstskaperne i deres dype uttrykksfulle ideer gikk utover klassisismens strenge normativitet, postulert av ham separasjonen av høye og lave sjangere, men deres arbeid er fortsatt forent av prinsippene om uttrykksfull klarhet, konsistens og stilharmoni, karakteristisk for denne epoken.
Den mest fremtredende representanten for den tidens estetiske kunstteori var Nicolas Boileau (1636 - 1711) - en fransk satirikerdikter, klassisismens teoretiker, hvis normer og regler er fastsatt av ham i den poetiske avhandlingen "Poetisk kunst" - en slags instruksjon til en nybegynner poet, kunstner.
N. Boileau er tilhenger av at den intellektuelle sfæren i dikterens verk (og i kunsten generelt) er overvekt over den følelsesmessige. Han mener at kunstverk ikke så mye henvender seg til følelse som til fornuft. De viktigste tegnene på skjønnhet - noe som lett fanges opp av sinnet - er klarhet, distinkthet. Alt er uforståelig og stygt på samme tid. Ideen til verket, dets legemliggjørelse skal være tydelig, delene og hele arkitekturen til verket skal være klar og tydelig. Enkelhet og klarhet - dette er motivet til det berømte prinsippet om "tre enheter", utvidet av N. Boileau til poesi og dramaturgi i deres perfekte komposisjon: enhet av sted (handlingen er geografisk lokalisert, selv om den innebærer et skifte av scener) , tidsenhet (handlingen må passe inn i én dag, én dag), handlingsenhet (de påfølgende scenene må samsvare med hendelsenes tidsmessige rekkefølge). Samtidig må ikke karakterene som portretteres endres gjennom hele verket. Disse prinsippene, ifølge N. Boileau, er direkte manifestasjoner av fornuftens lover, disiplin kreative muligheter poet og la leseren eller seeren lett, og derfor tilfredsstillende fullt ut forstå innholdet som overføres.
Plausibilitet er nøkkelbegrepet i N. Boileaus kunstestetikk. Siden N. Boileau presenterer det vakre som rimelig og naturlig. Fornuften er grunnlaget for den universelle gyldigheten av smaksnormene. Dermed adlyder den vakre på en eller annen måte sannheten. Men sannheten om livet er også en normativ idealisering, og ikke bare en korrekt refleksjon. Skjønnhet, ifølge N. Boileau, introduseres i verden av et slags rasjonelt åndelig prinsipp, og et kunstverk, som et produkt av rasjonell aktivitet, viser seg å være mer perfekt enn naturens skapninger. Åndelig skjønnhet er plassert over det fysiske, og kunst - over naturen.
N. Boileau konkretiserer teorien om sjangere som har utviklet seg i klassisismen når de er delt inn i høyere og lavere: Så tragedien skal skildre det høye og heroiske, og komedie - lavt og ondskapsfullt. Heltene i komedien er enkle mennesker, som ikke uttrykker tankene sine i retorikkens pompøse språk, men i et lett moderne sekulært språk.
Opplysningstidens nye ideer var i stor grad knyttet til klassisismens prinsipper og representerte en organisk enhet med den i mange kulturelle fenomener på 1700-tallet. Opplysningstiden i sine aksiomatiske prinsipper er like rasjonalistisk som det fremvoksende verdensbildet på 1600-tallet. Men i motsetning til tidlig rasjonalisme er opplysningstiden et helt program som ikke er rettet så mye mot å mestre naturkreftene på bekostning vitenskapelig kunnskap dens lover (denne prosessen, som begynte på 1600-tallet, fortsatte selvfølgelig), men om transformasjonen av hele kulturen og hele samfunnet på grunnlag av fornuft, på grunnlag av ny vitenskapelig kunnskap, i mange henseender i strid med åndelig tradisjon, som var forankret i middelalderens holdninger. Opplysningsprosjekt, hvis forfattere er franske, engelske og tyske tenkere (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder og andre, hvorav mange var medlemmer av hemmelige mystiske samfunn av en rasjonalistisk overbevisning, slik som Illuminati (fra latin illuminatio - opplysning) - besto av en rekke sammenhengende områder: konsolidering av vitenskapelig kunnskap og spredning av rasjonell kunnskap av en ny type til spørsmål om filosofisk forståelse av mennesket, samfunnet, kulturen, inkludert kunst; spredning av vitenskapelig kunnskap og verdier fra den nye generasjonen blant allmennheten, appellerer til en utdannet offentlighet; forbedring av lovene som samfunnet lever etter, opp til revolusjonære endringer.
I denne forbindelse er en av linjene i opplysningstidens filosofi identifiseringen av grensene for det erkjennende sinnet og dets forbindelse med andre erkjennende og aktive krefter hos mennesket, slik som den forståelsesfulle følelsen - derav fremveksten av filosofisk estetikk som en uavhengig disiplin, slik som viljen, hvis omfang ble tolket som en sfære praktisk sinn. Forholdet mellom naturlighet og kultur ble forstått av opplysningsmennene på forskjellige måter: de dominerende ideene om kulturell og sivilisatorisk progressivisme ble motarbeidet av tesen om menneskets naturlighet, klart uttrykt i oppfordringen til Jean-Jacques Rousseau: "Tilbake til naturen. " Et annet aspekt knyttet til gjennomføringen av opplysningstidens programoppgaver er fremveksten av kunnskap om verdenskulturens horisonter, begynnelsen på utviklingen av ikke-europeisk opplevelse av kultur, kunst og religion, og spesielt fremveksten av begrepet verdens kunstnerisk kultur (J. Goethe).
Opplysningstidens ideer i kunsten kom til uttrykk i en rekke nye fenomener i kunstnerlivet på 1700-tallet. - i demokratiet - fremveksten av kunst utover sekulære salonger, kontorer og palasser til offentlige konsertsaler, biblioteker, gallerier, i å ta opp temaer folkeliv Og nasjonal historie, i avvisningen av heroisk aristokrati og sang av bilder av vanlige mennesker, i en blanding av høye og lave sjangere, i populariteten til hverdagssjangeren og komediesjangeren; interessert i offentlig liv og fremgang; i antiklerikalisme og karikaturisk ironisk kritikk av falleferdige rester av middelalderen og ondskapsfulle skikker, inkludert de som er tilslørt av personlig fromhet; i liberalismen - å forkynne individets frihet og samtidig i den moralske forkynnelsen av menneskets enkelhet og naturlighet, koordinert med samfunnets beste; i brede encyklopediske interesser og oppmerksomhet til ikke-europeiske kulturer; i realisme - viser en enkel natur, sosial kontekst og psykologisk aura av menneskelige bilder, i en idyllisk forpliktelse til naturlighet og troskap til menneskelig følelse, i motsetning til sinnet som kan gjøre feil.
I litteratur og teater gjenspeiles dette i arbeidet til Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift; i maleri - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; i skulptur - Houdon, Shubin, etc.
Mange ideer fra opplysningstiden ble implementert i kunstformene utviklet av klassisismens estetikk, så vi kan snakke om den virkelige likheten mellom disse stilene med en viss ideologisk avgrensning av prinsippene deres. Noen pedagogiske motiver var i harmoni med rokokkoens lekne og raffinerte hoffstil. Innenfor rammen av ideene fra senopplysningstiden ble det dannet en original stil av sentimentalisme (spesielt i poesi og maleri), preget av drømmer, følsomhet, den spesielle rollen til den formidlede følelsen i forståelsen av livet og medfølelse (sympati) i moralsk utdanning, naturlig konformitet og idyllisk pastoral - i ånden til J.J. Rousseaus filosofi. Sentimentalisme, på den ene siden, og svært uttrykksfulle symbolske bilder av slike skapere av kunst fra slutten av 1700-tallet som F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David, lar oss snakke om en spesiell scene av førromantikken, utarbeidet i dypet av estetikk og opplysningstidens liv.
De filosofiske ideene til opplysningstidens estetikk ble tydelig uttrykt i arbeidet til en rekke store tenkere på 1700-tallet, inkludert:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - tysk filosof, tilhenger av Leibniz og Wolff, grunnlegger av estetikken til tysk klassisk filosofi. I 1735
A. Baumgarten introduserte først begrepet "estetikk", som han betegnet den filosofiske vitenskapen om sansekunnskap, forståelse og skapende skjønnhet og uttrykt i kunstens bilder. Baumgartens estetiske synspunkter er fremsatt i verkene: "Filosofiske refleksjoner over noen spørsmål knyttet til et poetisk verk", "Estetikk".
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - tysk filosof - pedagog, dramatiker, litteraturkritiker, kunstteoretiker, som tok til orde for konvergens av litteratur og kunst med livet; for deres frigjøring fra klassearistokratisk normativitets lenker. Kunst er ifølge Lessing en etterligning av naturen, tolket bredt som kunnskap om livet. Å underbygge teorien om realistisk kunst, er avhengig av terminologien til Aristoteles og Shakespeares arbeid for å bekjempe klassisisme. Det viktigste teoretiske arbeidet til Lessing: "Laocoön. På grensene for maleri og poesi.
Johann Goethe (1749 - 1832) - tysk poet, grunnlegger tysk litteratur Ny tid, tenker og naturforsker. I sin ungdom var Goethe en av lederne for Sturm und Drang-bevegelsen. Kunsten, ifølge Goethe, er oppfordret til å motstå foreldede konvensjoner, falleferdig moral, for å kjempe mot undertrykkelsen av individet. I. Goethe tolket kunsten som "imitasjon" av naturen. Faktisk formulerte han ideen om "Typification". For å betegne enhver kreativ kraft, introduserte Goethe konseptet "demonisk". Hovedverkene til I. Goethe: «En enkel imitasjon av naturen. Måte. Stil", "Læren om lys".
Immanuel Kant (1724 - 1804) - grunnleggeren av tysk klassisk filosofi. Hovedverket til I. Kant om estetikkens problemer er «Kritikk av dømmekraften». For I. Kant viser det estetiske prinsippet seg å være en grunnleggende a priori (bestemmelse av bevissthetens konstitusjon før enhver empirisk erfaring) form – en form for en uinteressert smaksvurdering som er universell i sin anvendelse. Smaksdommen er forbundet med evnen til å føle glede eller misnøye på grunnlag av prinsippet om "hensiktsmessighet uten formål", hvis derivater er den praktiske hensiktsmessigheten av handlingen til den menneskelige viljen og lovligheten av aktiviteten til den menneskelige viljen. sinn. Hovedkategoriene i Kants estetikk er hensiktsmessighet (den harmoniske forbindelsen mellom deler og helhet), det vakre og det sublime. Kant fordrev rasjonalistiske og utilitaristiske forestillinger om skjønnhet ved å redusere følelsen av skjønnhet til den "uinteresserte" nytelsen som kommer av å tenke på estetisk form. Samtidig er hovedfordelen med et kunstverk, ifølge I. Kant, ikke så mye deres vitale innhold som en perfekt form som appellerer til den eksperimentelle estetiske evnen til en person. Essensen av det sublime, ifølge Kant, er i strid med det vanlige målet. Dom av det sublime krever en utviklet fantasi og høy moral. For oppfatningen av kunst trenger du smak, for skapelse - et geni - en unik personlighet utstyrt med en høy grad kreativ fantasi.
Georg Hegel (1770 - 1831) - en fremragende representant for tysk klassisk filosofi, hvis synspunkter ble dannet under påvirkning av rasjonalisme, karakteristisk for opplysningstiden. Imidlertid overvant G. Hegel i sitt virkelig universelle filosofiske system rammen av opplysningsideer. I dannelsen av sin opprinnelige metodikk ble han også påvirket av tidlige romantiske motiver, som var merkbare i begrepene til tyske filosofer på begynnelsen av 1800-tallet. I. Fichte og F. Schelling. G. Hegel gjorde metoden for rasjonell refleksjon mer perfekt, i stand til å forstå motsetningene til væren og bevissthet, og integrerte i seg selv både strengt rasjonell-logiske og spesifikt estetiske og til og med mystiske modeller av tankebevegelsen, som ifølge Hegel passer inn i de bredere koordinatene til dialektisk logikk, skjønt, og blir dermed til sinnets modaliteter. G. Hegel er skaperen av systemet med objektiv idealisme basert på dialektikkens metode.
I den tidlige kreativitetens periode mente G. Hegel at fornuftens høyeste handling, som omfatter alle ideer, er en estetisk handling og at sannhet og godhet forenes av familiebånd kun i skjønnhet. Senere fremstår G. Hegels estetikk som en kunstfilosofi. Kunst tar et underordnet, sammenlignet med filosofi som en absolutt form for selverkjennelse av ånden, et skritt i historisk utvikling historisk bevissthet.
Nyheten i G. Hegels estetikk fra den modne perioden besto i å fremheve forbindelsen mellom kunst og skjønnhet med menneskelig aktivitet og med utviklingen av den «objektive ånd», det vil si, med andre ord, kulturen i samfunnet som helhet. Skjønnhet, ifølge Hegel, er alltid menneskelig. Den mest generelle estetiske kategorien i Hegel er den vakre. Estetikken til Hegel er iboende historisk prinsipp hensyn til materialet. Den dialektiske triade av selvutvikling av kunst er dannet av dens former, som suksessivt endres i løpet av historien: symbolsk (det gamle østen), klassisk (antikken) og romantisk (det kristne Europa). I Hegels estetikk ble kunstformer vurdert i detalj. Overalt prøvde han å forstå utviklingsprinsippet. Hovedverket, som skisserer det estetiske konseptet til G. Hegel, er Forelesninger om estetikk.