Hemmeligheten bak storheten til de viktigste verkene i japansk kunst. Utviklingen av japansk maleri

Med denne artikkelen begynner jeg en serie artikler om japansk historie visuell kunst. Disse innleggene vil hovedsakelig fokusere på maleri fra Heian-perioden, og denne artikkelen er en introduksjon og beskriver kunstens utvikling fram til 800-tallet.

Jōmon-periode
Japansk kultur har svært eldgamle røtter - de tidligste funnene dateres tilbake til det 10. årtusen f.Kr. e. men offisielt regnes begynnelsen av Jomon-perioden for å være 4500 f.Kr. e. Om denne perioden nekokit skrev et veldig bra innlegg.
Det unike med Jemon-keramikk er at utseendet til keramikk, sammen med utviklingen av landbruket, vanligvis indikerer begynnelsen av den neolitiske epoken. Men selv i mesolitisk tid, flere tusen år før bruken av jordbruket, skapte Jomons jeger-samlere keramikk med en ganske kompleks form.

Til tross for det veldig tidlige utseendet til keramikk, utviklet folket i Jomon-tiden teknologi veldig sakte og holdt seg på steinalderens nivå.

I løpet av den midtre Jōmon-perioden (2500-1500 f.Kr.) dukket det opp keramiske figurer. Men i både mellom- og senperioden (1000-300 f.Kr.) forblir de abstrakte og svært stiliserte.

Fra Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36,0.
Jomon-perioden, 1000–400 f.Kr.
Tokyo nasjonalmuseum

Forresten, ufologer mener at dette er bilder av romvesener. I disse figurene ser de romdrakter, briller og oksygenmasker i ansiktet, og de anser bildene av spiraler på "draktene" for å være kart over galakser.

Yayoi-periode
Yayoi er en kort periode i japansk historie, som varer fra 300 f.Kr. til 300 e.Kr., der de mest dramatiske kulturelle endringene fant sted i det japanske samfunnet. I løpet av denne perioden brakte stammene som kom fra fastlandet og fortrengte urbefolkningen på de japanske øyene sin kultur og nye teknologier, som risdyrking og bronsebehandling. Igjen ble det meste av kunsten og teknologien fra Yayoi-perioden importert fra Korea og Kina.

Kofun-periode
Mellom 300 og 500 år ble stammeledere gravlagt i hauger kalt "Kofun". Denne perioden kalles med dette navnet.

Ting som de døde kunne trenge ble lagt i gravene. Dette er mat, verktøy og våpen, smykker, keramikk, speil og de mest interessante - leirefigurer kalt "haniwa".

Fra Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Kofun-perioden, 600-tallet.
Tokyo nasjonalmuseum

Den nøyaktige hensikten med figurene er fortsatt ukjent, men de finnes på alle gravplassene i Kofun-tiden. Fra disse små figurene kan man forestille seg hvordan folk levde på den tiden, ettersom mennesker er avbildet med verktøy og våpen, og noen ganger ved siden av hus.

Disse skulpturene, som er påvirket av kinesiske tradisjoner, har uavhengige elementer som bare er iboende i lokal kunst.

Kvinnelig danser, vestlige Han-dynastiet (206 f.Kr.–9. e.Kr.), 2. århundre f.Kr.
Kina
Metropolitan Museum of Art, NY

I løpet av Kofun-perioden blir figurene mer raffinerte og mer og mer annerledes. Dette er bilder av soldater, jegere, sangere, dansere og så videre.

Fra Nohara, Konan-machi, Saitama. Present H. 64.2, 57.3.
Kofun-perioden, 600-tallet.
Tokyo nasjonalmuseum

Det er et annet trekk ved disse skulpturene. Haniva representerer ikke bare en sosial funksjon, men også stemningen til figuren. En kriger har for eksempel et strengt uttrykk i ansiktet. og på ansiktene til bøndene store smil.

Fra Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Kofun-perioden, 600-tallet.
Tokyo nasjonalmuseum

Asuka-perioden
Siden Yayoi-perioden har japansk visuell kunst vært uatskillelig fra koreansk eller kinesisk kunst. Dette blir mest merkbart på det syvende og åttende århundre, da japansk kunst raskt begynte å utvikle seg til en rekke visuelle sjangere.

På 600-tallet skjedde kardinalendringer i det japanske samfunnet: den første japanske staten Yamato tok endelig form, og også i 552 kom buddhismen til Japan, og brakte med seg buddhistisk skulptur og konseptet med et tempel, som forårsaket utseendet av templer i Japan - som Shinto, så vel som buddhistiske.
Shinto-helligdommer fulgte arkitekturen til kornmagasinene (De tidligste shinto-helligdommene var kornmagasiner hvor det ble holdt høstfeiringer. Under rituelle høytider trodde folk at gudene festet med dem.)
Shinto guder – først og fremst naturkrefter slik at arkitekturen til disse helligdommene er integrert med naturen, som elver og skoger. Dette er viktig å forstå. I Shinto-arkitekturen var menneskeskapte strukturer ment å være forlengelser av den naturlige verden.

Det første buddhisttempelet, Shitennoji, ble først bygget i 593 i Osaka. Disse tidlige templene var imitasjoner av koreanske buddhistiske templer, bestående av en sentral pagode omgitt av tre bygninger og en overbygd korridor.

Spredningen av buddhismen la til rette for kontakter mellom Japan og Korea med Kina og integreringen av kinesisk kultur i japansk kultur.

Japan? Hvordan utviklet det seg? Vi vil svare på disse og andre spørsmål i artikkelen. Japansk kultur ble dannet som et resultat av en historisk bevegelse som begynte da japanerne flyttet fra fastlandet til øygruppen og sivilisasjonen fra Jomon-perioden ble født.

Europa, Asia (spesielt Korea og Kina) og Nord-Amerika har sterkt påvirket den nåværende opplysningen til dette folket. Et av tegnene på japansk kultur er dens lange utvikling i en tid med fullstendig isolasjon av staten (sakoku-politikk) fra alle andre land under regjeringen til Tokugawa Shogunatet, som varte til midten av 1800-tallet - begynnelsen av Meiji-epoken.

Innflytelse

Hvordan gjorde kunstkultur Japan? Sivilisasjonen ble betydelig påvirket av landets isolerte regionale beliggenhet, klimatiske og geografiske trekk, samt naturfenomener (tyfoner og hyppige jordskjelv). Dette kom til uttrykk i befolkningens ekstraordinære holdning til naturen som et levende vesen. trekk nasjonal karakter Japansk er evnen til å beundre universets nåværende skjønnhet, som kommer til uttrykk i mange typer kunst i et lite land.

Den kunstneriske kulturen i Japan ble skapt under påvirkning av buddhisme, shintoisme og konfucianisme. De samme trendene påvirket den videre utviklingen.

antikken

Enig, den kunstneriske kulturen i Japan er fantastisk. Shintoismen har sine røtter i antikken. Buddhismen, selv om den dukket opp før vår tid, begynte å spre seg først fra det femte århundre. Heian-perioden (700-1100-tallet) regnes som den gylne æraen for Japans stat. I samme periode nådde den pittoreske kulturen i dette landet sitt høyeste punkt.

Konfucianismen dukket opp på 1200-tallet. På dette stadiet var det en separasjon av filosofien til Konfucius og buddhismen.

Hieroglyfer

Bildet av den kunstneriske kulturen i Japan er nedfelt i en unik versifikasjon, som kalles I dette landet er kalligrafikunsten også høyt utviklet, som ifølge legenden oppsto fra himmelske guddommelige bilder. Det var de som blåste liv i skrivingen, så befolkningen er snille med hvert tegn i rettskrivning.

Ryktene sier at det var hieroglyfer som ga japansk kultur, siden bilder rundt de innskrevne dukket opp fra dem. Litt senere begynte en sterk kombinasjon av elementer av maleri og poesi i ett verk å bli observert.

Hvis du studerer en japansk rulle, vil du finne at verket inneholder to typer symboler. Dette er tegn på skrift - seler, dikt, kolofen, så vel som pittoreske. Samtidig fikk Kabuki-teateret stor popularitet. En annen type teater - Men - foretrekkes hovedsakelig av militært personell. deres alvorlighetsgrad og grusomhet hadde en sterk innflytelse på nr.

Maleri

Kunstnerisk kultur har blitt studert av mange spesialister. En stor rolle i dannelsen ble spilt av kaiga-maleri, som på japansk betyr tegning eller maleri. Denne kunsten blir sett på som den eldste typen maleri av staten, som bestemmes av et stort antall løsninger og former.

I den er et spesielt sted okkupert av naturen, som bestemmer det hellige prinsippet. Oppdelingen av maleri i sumi-e og yamato-e har eksistert siden det tiende århundre. Den første stilen utviklet seg nærmere det fjortende århundre. Det er en slags monokrom akvarell. Yamato-e er horisontalt brettede ruller som ofte brukes til dekorasjon av litteraturverk.

Litt senere, på 1600-tallet, dukket det opp utskrift på nettbrett i landet - ukiyo-e. Mestere avbildet landskap, geishaer, kjente skuespillere kabuki-teateret. Denne typen maleri på 1700-tallet hadde sterk innflytelse på Europas kunst. Den nye trenden ble kalt "japanisme". I middelalderen gikk kulturen i Japan utover landets grenser - den begynte å bli brukt i utformingen av stilig og fasjonabelt interiør rundt om i verden.

Kalligrafi

Å, så vakker den kunstneriske kulturen i Japan er! Forståelse av harmoni med naturen kan sees i hvert av dens segmenter. Hva er moderne japansk kalligrafi? Det kalles shodo ("måte for varsler"). Kalligrafi, som skriving, er en obligatorisk disiplin. Forskere har funnet ut at denne kunsten kom dit samtidig med kinesisk skrift.

Forresten, i eldgamle tider ble en persons kultur bedømt etter hans nivå av kalligrafi. I dag er det stort antall skrivestiler, og er utviklet av buddhistiske munker.

Skulptur

Hvordan oppsto japansk kultur? Vi vil studere utviklingen og typene av dette området av menneskelivet så detaljert som mulig. Skulptur er den eldste typen kunst i Japan. I gamle tider laget folket i dette landet figurer av idoler og retter fra keramikk. Så begynte folk å installere statuer av khaniv, laget av bakt leire, på gravene.

Utviklingen av skulpturelt håndverk i moderne japansk kultur assosiert med spredningen av buddhismen i staten. En av de eldste representantene for japanske monumenter anses å være statuen av Buddha Amitabha, laget av tre, plassert i Zenko-ji-tempelet.

Skulpturer ble veldig ofte laget av bjelker, men de så veldig rike ut: håndverkerne dekket dem med lakk, gull og lyse farger.

Origami

Liker du den kunstneriske kulturen i Japan? Forståelse av harmoni med naturen vil gi en uforglemmelig opplevelse. karakteristisk trekk Japansk kultur har blitt fantastiske produkter av origami ("foldet papir"). Denne ferdigheten skylder sin opprinnelse til Kina, hvor pergament faktisk ble oppfunnet.

Til å begynne med ble «brettet papir» brukt i religiøse seremonier. Denne kunsten kunne bare studeres av overklassen. Men etter andre verdenskrig forlot origami hjemmene til adelen og fant sine beundrere over hele jorden.

Ikebana

Alle bør vite hva den kunstneriske kulturen i landene i øst er. Japan har investert mye arbeid i utviklingen. En annen komponent i denne kulturen fantastisk land er ikebana ("levende blomster", "nytt liv med blomster"). Japanerne er fans av estetikk og enkelhet. Det er nettopp disse to egenskapene som er investert i arbeidene. Sofistikeringen av bilder oppnås gjennom fordelaktig bruk av vegetasjonens naturlige skjønnhet. Ikebana, som origami, fungerte også som en del av en religiøs seremoni.

Miniatyrer

Sannsynligvis har mange allerede forstått at den kunstneriske kulturen i det gamle Kina og Japan er tett sammenvevd. Og hva er en bonsai? Det er en unik japansk ferdighet å dyrke en nesten nøyaktig miniatyrkopi av et ekte tre.

I Japan er det også vanlig å lage netsuke – små skulpturer som er en slags nøkkelring. Ofte ble slike figurer i denne egenskapen festet til klærne til japanerne, som ikke hadde noen lommer. De dekorerte det ikke bare, men fungerte også som en original motvekt. Nøkkelringer ble laget i form av en nøkkel, en pose, en flettet kurv.

Maleriets historie

Kunstkultur gamle japan interessert i mange mennesker. Maleriet i dette landet oppsto i den japanske paleolittiske perioden og utviklet seg på denne måten:

• Yamato-perioden. I løpet av Asuka og Kofuns tid (4.-7. århundre), sammen med introduksjonen av hieroglyfer, opprettelsen av et statsregime i kinesisk stil og populariseringen av buddhismen, ble mange kunstverk brakt til Japan fra Kina. Etter det begynte malerier i kinesisk stil å bli reprodusert i Land of the Rising Sun.
• Nara tid. I VI og VII århundrer. Buddhismen fortsatte å utvikle seg i Japan. I denne forbindelse begynte religiøst maleri å blomstre, brukt til å dekorere de mange templene som ble bygget av aristokratiet. Generelt, under Nara-tiden, var bidraget til utviklingen av skulptur og kunst større enn i maleri. Tidlige malerier i denne syklusen inkluderer veggmalerier på innerveggene til Horyu-ji-tempelet i Nara Prefecture, som skildrer livet til Shakyamuni Buddha.
• Heian-tiden. I japansk maleri, fra 1000-tallet, skilles trenden med yamato-e ut, som vi skrev om ovenfor. Slike malerier er de horisontale rullene som brukes til å illustrere bøker.
• Tiden til Muromachi. På XIV århundre dukket Supi-e-stilen (monokrom akvarell) opp, og i første halvdel av XVII århundre. kunstnere begynte å trykke graveringer på brett - ukiyo-e.
• Maleriet fra Azuchi-Momoyama-tiden står i skarp kontrast til maleriet fra Muromachi-perioden. Den har en polykrom stil med utstrakt bruk av sølv og i denne perioden nøt Kano utdanningsinstitusjon stor prestisje og berømmelse. Grunnleggeren var Kano Eitoku, som malte tak og skyvedører til separate rom. Slike tegninger prydet slottene og palassene til den militære adelen.
• Maiji-tiden. Siden andre halvdel av 1800-tallet har kunsten delt seg i konkurrerende tradisjonelle og europeiske stiler. Under Maiji-tiden gjennomgikk Japan store sosiale og politisk endring i ferd med modernisering og europeisering organisert av myndighetene. Unge lovende kunstnere ble sendt til utlandet for å studere, og utenlandske kunstnere kom til Japan for å lage skolekunstprogrammer. Uansett, etter den første bølgen av nysgjerrighet om den kunstneriske stilen i Vesten, svingte pendelen inn motsatt side, og den japanske tradisjonelle stilen ble gjenopplivet. I 1880 ble vestlig kunstpraksis forbudt fra offisielle utstillinger og sterkt kritisert.

Poesi

Den kunstneriske kulturen i det gamle Japan studeres fortsatt. Dens særegenhet er allsidighet, noe syntetisk, da det ble dannet under påvirkning av forskjellige religioner. Det er kjent at japansk klassisk poesi dukket opp fra hverdagslivet, handlet innenfor det, og denne jordnigheten av den ble til en viss grad bevart i de tradisjonelle formene for dagens poesi - tre-linjers haiku og fem-linjers tanka, som utmerker seg med en uttalt massekarakter. For øvrig er det nettopp denne egenskapen som skiller dem fra det "frie verset" som graviterte mot elitisme, som dukket opp i Japan på begynnelsen av 1900-tallet under påvirkning av europeisk poesi.

Har du lagt merke til at utviklingsstadiene til den kunstneriske kulturen i Japan er mangefasetterte? Poesi i samfunnet i dette landet spilte en spesiell rolle. En av de mest kjente sjangrene er haiku, du kan bare forstå den ved å gjøre deg kjent med historien.

Den dukket først opp i Heian-tiden, den liknet rengastilen, som var et slags utløp for poeter som ønsket å ta en pause fra de gjennomtenkte versene til wah. Haikai har blitt uavhengig sjanger på 1500-tallet, da renga ble for alvorlig og haiku stolte på dagligdagse og var fortsatt humoristisk.

Selvfølgelig er den kunstneriske kulturen i Japan kort beskrevet i mange verk, men vi vil prøve å snakke om det mer detaljert. Det er kjent at en av de mest kjente litterære japanske sjangrene i middelalderen var tanka ("lakonisk sang"). I de fleste tilfeller er dette en femlinje, bestående av et strofepar med et fast antall stavelser: 5-7-5 stavelser i tre linjer i den første strofen, og 7-7 i to linjer i den andre. Når det gjelder innholdet, bruker tankaen følgende skjema: den første strofen representerer et spesifikt naturlig bilde, og den andre gjenspeiler en persons følelse som gjenspeiler dette bildet:

• I de fjerne fjellene
  Langhalefasan døser -
  Denne lange, lange natten
  Kan jeg sove alene? ( Kakinomoto no Hitovaro, tidlig på 800-tallet, oversatt av Sanovich.)

Japansk dramaturgi

Mange hevder at den kunstneriske kulturen i Kina og Japan er fascinerende. Liker du scenekunst? Den tradisjonelle dramaturgien til Land of the Rising Sun er delt inn i joruri (dukketeater), dramaturgi av Noh-teateret (kyogen og yokyoku), kabuki-teater og shingeki. Skikkene for denne kunsten inkluderer fem grunnleggende teatralske sjangere: kyogen no, bugaku, kabuki og bunraku. Alle disse fem tradisjonene er fortsatt til stede i dag. Til tross for de kolossale forskjellene, er de forbundet med vanlige estetiske prinsipper som underbygger japansk kunst. Forresten, dramaturgien til Japan oppsto på scenen til nr.

Kabuki-teateret dukket opp på 1600-tallet og nådde sitt høydepunkt mot slutten av det 18. Formen for forestillinger som utviklet seg i denne perioden er bevart på den moderne scenen til Kabuki. Produksjonene til dette teatret, i motsetning til stadiene av No, fokusert på en smal krets av beundrere av gammel kunst, er designet for massepublikummet. Røttene til Kabuki-ferdigheter stammer fra forestillingene til komikere - utøvere av små farser, scener som besto av dans og sang. Den teatralske ferdigheten til Kabuki absorberte elementene i joruri og no.

Utseendet til Kabuki-teatret er assosiert med navnet på arbeideren til den buddhistiske helligdommen O-Kuni i Kyoto (1603). O-Kuni opptrådte på scenen med religiøse danser, som inkluderte bevegelsene til folkedansene til Nembutsu-odori. Forestillingene hennes ble ispedd komiske skuespill. På dette stadiet ble produksjonene kalt yujo-kabuki (kabuki av kurtisaner), o-kuni-kabuki eller onna-kabuki (dames kabuki).

Graveringer

I forrige århundre møtte europeere, og deretter russere, fenomenet japansk kunst gjennom gravering. I mellomtiden, i Land of the Rising Sun, ble tegning på et tre først ikke ansett som en ferdighet i det hele tatt, selv om det hadde alle egenskapene til massekultur - billighet, tilgjengelighet, sirkulasjon. Ukiyo-e-kjennere var i stand til å oppnå den høyeste forståelighet og enkelhet både i legemliggjøringen av plott og i deres valg.

Ukiyo-e var en spesiell kunstskole, så hun var i stand til å presentere en rekke fremragende mestere. Dermed er navnet på Hisikawa Moronobu (1618-1694) assosiert med den innledende fasen av utviklingen av tomtegravering. På midten av 1700-tallet opprettet Suzuki Harunobu, den første kjenneren av flerfargegravering. Hovedmotivene for arbeidet hans var lyriske scener, der oppmerksomhet ikke ble rettet mot handling, men til overføring av stemninger og følelser: kjærlighet, ømhet, tristhet. I likhet med den utsøkte eldgamle kunsten fra Heian-tiden, gjenopplivet ukiyo-e-virtuoser den ekstraordinære kulten av den utsøkte skjønnheten til kvinner i et renovert urbant miljø.

Den eneste forskjellen var at i stedet for de stolte Heian-aristokratene, avbildet trykkene grasiøse geishaer fra underholdningsdistriktene i Edo. Kunstneren Utamaro (1753-1806) er kanskje et unikt eksempel på en profesjonell i maleriets historie, som fullstendig viet sin skapelse til å skildre damer i forskjellige positurer og kjoler, i forskjellige livssituasjoner. Et av hans beste verk er graveringen "Geisha Osama", som oppbevares i Moskva, i Pushkin Museum of Painting. Kunstneren formidlet uvanlig subtilt enheten av gest og stemning, ansiktsuttrykk.

Manga og anime

Mange kunstnere prøver å studere maleriet av Japan. Hva er anime (japansk animasjon)? Den skiller seg fra andre animasjonssjangre ved å være mer tilpasset en voksen seer. Her er det en duplikativ inndeling i stiler for en entydig målgruppe. Målingen på knusing er kjønn, alder eller psykologisk portrett av kinogjengeren. Svært ofte er anime en filmatisering av japanske manga-tegneserier, som også fikk stor berømmelse.

Den grunnleggende delen av mangaen er designet for en voksen seer. I følge data fra 2002 var omtrent 20 % av hele det japanske bokmarkedet okkupert av manga-tegneserier.

Japan er nær oss geografisk, men til tross for dette forble det i lang tid uforståelig og utilgjengelig for hele verden. I dag vet vi mye om dette landet. En lang frivillig isolasjon har ført til at dens kultur er helt forskjellig fra kulturene i andre stater.

Japan er det minste landet i Fjernøsten - 372 tusen kvadratkilometer. Men bidraget som Japan har gitt til verdenskulturens historie er ikke mindre enn bidraget fra de store eldgamle statene.

Opprinnelsen til kunsten i dette eldgamle landet går tilbake til det 8. årtusen f.Kr. Men den viktigste scenen i alle områder av sin kunstnerisk liv det var en periode som begynte på 6-700-tallet fra R.Kh. og fortsatte til midten av 1800-tallet. Utviklingen av japansk kunst gikk ujevnt frem, men den kjente ikke til for skarpe endringer eller kraftige nedganger.

Japansk kunst utviklet under spesielle naturlige og historiske forhold. Japan ligger på fire store øyer (Honshu, Hokkaido, Kyushu og Shioku) og mange mindre. I lang tid den var uinntagelig og kjente ikke til ytre kriger. Japans nærhet til fastlandet påvirket etableringen av kontakter med Kina og Korea i antikken. Dette satte fart i utviklingen av japansk kunst.

Japansk middelalderkunst vokste under påvirkning av koreanske og kinesiske kulturer. Japan tok i bruk det kinesiske manuset og trekk ved det kinesiske verdensbildet. Buddhismen ble Japans statsreligion. Men japanerne brøt på sin egen måte kinesiske ideer og tilpasset dem til deres livsstil.

Japansk hus, japansk interiør
Det japanske huset er like klart og enkelt på innsiden som det er på utsiden. Det ble holdt konstant rent. Gulvet, polert til en glans, var dekket med lette stråmatter - tatami, og delte rommet inn i jevne rektangler. Sko ble fjernet ved dørstokken, ting ble oppbevart i skap, kjøkkenet var adskilt fra boligkvarteret. På rommene var det som regel ingen faste ting. De ble brakt inn og tatt bort etter behov. Men hver ting i et tomt rom, det være seg en blomst i en vase, et bilde eller et lakkbord, vakte oppmerksomhet og fikk en spesiell uttrykksevne.

Alle typer kunst er assosiert med utformingen av rommet til et hus, tempel, palass eller slott i middelalderens Japan. Hver fungerte som et komplement til den andre. For eksempel komplementerte og satte en dyktig valgt bukett i gang stemningen som ble formidlet i landskapsmaleriet.

Den samme upåklagelige presisjonen, den samme følelsen av materiale, som i dekorasjonen av et japansk hus, ble følt i produktene til dekorativ kunst. Ikke uten grunn ved teseremonier, som den største juvelen, ble redskapene laget av hender brukt. Dens myke og ujevne crock holdt sporet av fingrene som skulpturerte våt leire. Rosa-perle, turkis-lilla eller grå-blå glasurer var ikke fengende, men de følte utstrålingen av naturen selv, med livet som hvert gjenstand for japansk kunst er assosiert.

Japansk keramikk
Uglasert, håndstøpt og brent ved lav temperatur, leirekar lignet på keramikk fra andre eldgamle folk. Men de hadde allerede funksjoner som er unike for japansk kultur. Mønstrene til kanner og tallerkener av forskjellige former reflekterte ideer om elementene i orkaner, hav og ildpustende fjell. Fantasien til disse produktene så ut til å ha blitt tilskyndet av naturen selv.

Massive, nesten en meter høye kanner med et fast mønster av konvekse leirebunter ligner enten svingete skjell, eller forgrenede korallrev, eller floker av alger, eller taggete kanter av vulkaner. Disse majestetiske og monumentale vasene, skålene tjente ikke bare innenlandske, men også rituelle formål. Men i midten av det 1. årtusen f.Kr. bronsegjenstander kom i bruk og keramiske redskaper mistet sin rituelle hensikt.

Ved siden av keramikk dukket det opp nye produkter av kunstnerisk håndverk - våpen, smykker, bronseklokker og speil.

Japanske husholdningsartikler
På 900- til 1100-tallet e.Kr. ble smaken til det japanske aristokratiet avslørt i den dekorative kunsten. Glatt, fuktbestandig lakk, drysset med gull- og sølvpulver, lett og elegant, som om det lyser opp skumringen i japanske rom, og utgjorde et stort utvalg av hverdagsting. Lakk ble brukt til å lage skåler og skrin, kister og bord, musikkinstrumenter. Hver eneste lille ting i templet og hverdagen - sølvbestikk til mat, vaser til blomster, mønstret papir til bokstaver, broderte belter - avslørte japanernes poetiske og emosjonelle holdning til verden.

Japansk maleri
Med utviklingen av monumental palassarkitektur ble aktiviteten til malere ved rettsskolen mye mer aktiv. Kunstnere måtte male store overflater ikke bare av vegger, men også av flerfoldede papirbrettingsskjermer, som spilte rollen som både malerier og bærbare skillevegger i rommet. Et trekk ved den kreative måten til talentfulle håndverkere var valget av en stor, flerfarget detalj av landskapet på det enorme planet av et veggpanel eller en skjerm.

Komposisjonene av blomster, urter, trær og fugler, utført av Kano Eitoku på gylden skinnende bakgrunn med tykke og saftige flekker, generaliserte ideer om universets kraft og prakt. Representanter for Kano-skolen, sammen med naturlige motiver, inkludert i maleriene og nye emner som gjenspeiler livet og livet til den japanske byen på 1500-tallet.

Det var også monokrome landskap på palassskjermene. Men de har en flott dekorativ effekt. Slik er skjermen malt av Sesshus tilhenger, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Dens hvite matte overflate tolkes av maleren som et tykt tåkeslør, hvorfra silhuettene av gamle furutruk, som syner, plutselig bryter ut. Med bare noen få dristige blekkklatter, skaper Tohaku et poetisk bilde av en høstskog.

De monokrome landskapsrullene, med sin myke skjønnhet, kunne ikke matche stilen til palasskamrene. Men de beholdt sin betydning som en uunnværlig del av chashitsu-tepaviljongen, designet for åndelig konsentrasjon og fred.

Kunstverk av japanske mestere forblir ikke bare tro mot eldgamle stiler, men har også alltid noe nytt i seg som ingen andre kunstverk har. I japansk kunst er det ikke plass for klisjeer og maler. I den, som i naturen, er det ikke to helt identiske kreasjoner. Og selv nå kan ikke kunstverk av japanske mestere forveksles med kunstverk fra andre land. I japansk kunst har tiden gått ned, men den har ikke stoppet opp. I japansk kunst har tradisjonene fra antikken overlevd til i dag.

« En stor bølge i Kanagawa" av Katsushika Hokusai (1760-1849) er en av de mest kjente graveringene og det første arket i Thirty-six Views of Fuji-serien. På begynnelsen av 1830-tallet begynte Katsushika Hokusai, på oppdrag fra Eijudo forlag, å lage en serie på 46 ark (36 hovedark og 10 ekstra), og Den store bølgen utenfor Kanagawa var en gravering som åpner hele serien.

Slike samlinger av graveringer fungerte som en slags "virtuell reise" for datidens byfolk, en praktisk og rimelig måte å tilfredsstille nysgjerrigheten. Fuji-lignende utskrifter koster omtrent 20 måneder - omtrent det samme som en dobbel porsjon nudler på et datidens japansk spisested. Suksessen var imidlertid så stor at i 1838 hadde kostnadene for Hokusais ark vokst til nesten 50 måneder, og etter mesterens død ble Wave alene trykt på nytt fra nye tavler mer enn 1000 ganger.

Overraskende, til tross for det uttalte temaet for hele serien, ser det ut til at Fuji i The Wave spiller en sekundær rolle. Hovedkarakteren i denne graveringen er en bølge, og i forgrunnen utspiller det seg en dramatisk scene av en manns kamp med elementene. Kantene på skumkammen ser ut som de vridde fingrene til en fantastisk sint demon, og ansiktsløsheten og inaktiviteten til menneskefigurene i båtene etterlater ingen tvil om hvem som blir vinneren i denne kampen. Det er imidlertid ikke denne konfrontasjonen som er konflikten som skaper plottet til graveringen.
Ved å stoppe øyeblikket etter at båtene krasjer, lar Hokusai betrakteren se Fuji et øyeblikk mot den grå himmelen, mørkere mot horisonten. Selv om japanske gravører allerede var kjent med prinsippene for europeisk lineært og luftperspektiv på den tiden, følte de ikke behovet for denne teknikken. Den mørke bakgrunnen, samt øyets lange reise fra forgrunnen med båter gjennom bølgens bevegelse til Fuji, overbeviser øyet om at det hellige fjellet er atskilt fra oss av havets vidde.

Fuji reiser seg langt fra kysten som et symbol på stabilitet og bestandighet, i motsetning til de stormfulle elementene. Motsetningenes enhet og gjensidige avhengighet ligger til grunn for ideen om kosmisk orden og absolutt harmoni i verdensbildet til Fjernøsten, og det var de som ble hovedtemaet for graveringen "The Great Wave off Kanagawa", som åpnet serien av Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" av Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) kan med rette kalles en sanger kvinnelig skjønnhet på japansk trykk ukiyo-e: han skapte en rekke kanoniske bilder av japanske skjønnheter ( bijinga) - innbyggerne i tehus og det berømte underholdningskvarteret Yoshiwara i hovedstaden i Japan, Edo edo — navnet på Tokyo før 1868..

I bijinga-gravering er ikke alt helt som det ser ut til for den moderne betrakteren. Rikt kledde adelige damer var som regel engasjert i et skammelig håndverk og tilhørte underklassen, og graveringer med portretter av skjønnheter hadde en åpent reklamefunksjon. Samtidig ga graveringen ikke en ide om utseendet til jenta, og selv om Okita fra Nanivaya tehus nær Asakusa-tempelet ble ansett som den første skjønnheten til Edo, er ansiktet hennes i graveringen fullstendig blottet for individualitet.

Siden 900-tallet har kvinnelige bilder i japansk kunst vært underlagt minimalismens kanon. "Linje-øye, krok-nese" - mottak hikime-kagihana tillot kunstneren bare å indikere at en viss kvinne var avbildet: i japansk tradisjonell kultur ble spørsmålet om fysisk skjønnhet ofte utelatt. Hos kvinner adelig fødsel"Hjertets skjønnhet" og utdanning ble mye mer verdsatt, og innbyggerne i de muntre kvartalene forsøkte å etterligne de høyeste standardene i alt. I følge Utamaro var Okita virkelig vakker.

Arket "Beauty Nanivaya Okita" ble trykt i 1795-1796 i serien "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", der en av forfatterne på 900-tallet tilsvarte hver skjønnhet. På arket med et portrett av Okita i øvre venstre hjørne er det et bilde av Arivara no Narihira (825-880), en av de mest ærede poetene i Japan, som romanen Ise Monogatari tradisjonelt tilskrives. Denne edle adelsmannen og briljante poeten ble også berømt for sine kjærlighetsforhold, hvorav noen dannet grunnlaget for romanen.

Dette arket er en særegen bruk av teknikken mitate(sammenligninger) i japansk gravering. Kvalitetene til en autoritativ "prototype" overføres til den avbildede skjønnheten, og den elegante kurtisanen, med et rolig ansikt som serverer gjesten en kopp te, blir allerede lest av betrakteren som en dame som er dyktig i poesi og kjærlighetsgjerninger. Sammenligningen med Arivara no Narihira var virkelig en anerkjennelse av hennes overlegenhet blant Edo-skjønnhetene.

Samtidig skaper Utamaro et overraskende lyrisk bilde. Han balanserer mørke og lyse flekker på bladet og skisserer formen med melodiøse, elegante linjer, og skaper et virkelig perfekt bilde av ynde og harmoni. "Reklame" avtar, og skjønnheten fanget av Utamaro forblir tidløs.

Skjerm "Irises" av Ogata Korin, 1710-tallet

Et par irisskjermer med seks paneler - nå en nasjonal skatt i Japan - ble skapt av Ogata Korin (1658-1716) rundt 1710 for Nishi Hongan-ji-tempelet i Kyoto.

Siden 1500-tallet har maling på veggpaneler og papirskjermer blitt en av de ledende sjangrene innen dekorativ kunst i Japan, og Ogata Korin, grunnleggeren av Rinpa kunstskole, var en av dens største mestere.

Skjermer i det japanske interiøret spilte en viktig rolle. De romslige palasslokalene var strukturelt ikke forskjellig fra boligene til en enkel japaner: de hadde nesten ingen innvendige vegger, og plassen var sonet med foldeskjermer. Bare litt over halvannen meter høye, ble skjermene designet for den vanlige japanske tradisjonen for alle klasser å leve på gulvet. I Japan ble høye stoler og bord ikke brukt før på 1800-tallet, og høyden på skjermen, så vel som sammensetningen av maleriet, er designet for å se en person som sitter på knærne. Det er med dette synspunktet at en fantastisk effekt oppstår: irisene ser ut til å omringe den sittende personen - og en person kan føle seg på bredden av elven, omgitt av blomster.

Iris er malt på en ikke-kontur måte - nesten impresjonistisk, brede strøk av mørkeblått, lilla og lilla tempera formidler den frodige storheten til denne blomsten. Den pittoreske effekten forsterkes av den matte shimmeren av gull, mot hvilken iris er avbildet. Skjermene viser ikke annet enn blomster, men deres kantete vekstlinje antyder at blomstene bøyer seg rundt elvens svingete løp eller sikksakkene til trebroer. Det ville være naturlig for japanerne å se en bro mangler på skjermen, en spesiell "bro med åtte planker" ( yatsuhashi), assosiert med iris i klassisk japansk litteratur. Romanen Ise Monogatari (9. århundre) beskriver den triste reisen til en helt som ble utvist fra hovedstaden. Etter å ha slått seg ned med følget sitt for å hvile på elvebredden nær Yatsuhashi-broen, husker helten sin elskede og komponerer dikt, som ser iriser:

min elskede i klær
Grasiøst der, i hovedstaden,
Kjærlighet igjen...
Og jeg tenker med lengsel hvor mye
Jeg er langt fra henne... Oversettelse av N.I. Konrad.

"Så han foldet seg, og alle felte tårer på den tørkede risen sin, slik at den svulmet opp av fuktighet," legger forfatteren til og lyrisk helt historiefortelling, Arivara no Narihira.

For en utdannet japaner var sammenhengen mellom iris ved broen og Ise monogatari, iris og temaet skilt kjærlighet tydelig, og Ogata Korin unngår ordlyd og illustrativitet. Ved hjelp av dekorativt maleri skaper han bare et ideelt rom fylt med lys, farger og litterære konnotasjoner.

Kinkakuji Golden Pavilion, Kyoto, 1397

Det gylne tempel er et av symbolene til Japan, som ironisk nok ble glorifisert mer av sin ødeleggelse enn av sin konstruksjon. I 1950 satte en mentalt ustabil munk fra Rokuonji-klosteret, som denne bygningen tilhører, fyr på en dam som sto på overflaten av
paviljong Under en brann i 1950 ble tempelet nesten ødelagt. Restaureringsarbeidet i Kinkaku-ji begynte i 1955, i 1987 var gjenoppbyggingen som helhet fullført, men restaureringen av den fullstendig tapte interiørdekorasjonen fortsatte til 2003.. De sanne motivene for handlingen hans forble uklare, men i tolkningen av forfatteren Yukio Mishima var den uoppnåelige, nesten mystiske skjønnheten til dette tempelet skylden. Faktisk, i flere århundrer ble Kinkakuji ansett som et symbol på japansk skjønnhet.

I 1394 trakk Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), som underkastet nesten hele Japan sitt testament, seg formelt og slo seg ned i en spesialbygd villa i det nordlige Kyoto. Den tre-etasjes bygningen på den kunstige innsjøen Kyokoti ("innsjø-speil") spilte rollen som en slags eremitage, en bortgjemt paviljong for avslapning, lesing og bønn. Den inneholdt en samling malerier av shogunen, et bibliotek og en samling buddhistiske relikvier. Kinkakuji, som ligger på vannet nær kysten, hadde bare båtkommunikasjon med kysten og var den samme øya som de kunstige øyene med steiner og furutrær spredt rundt Kyokoti. Ideen om "himmelnes øy" ble lånt fra kinesisk mytologi, der himmelsk bolig fungerte som øya Penglai, de udødeliges øy. Refleksjonen av paviljongen i vannet fremkaller allerede buddhistiske assosiasjoner til ideer om den dødelige verdens illusoriske natur, som bare er en blek refleksjon av prakten til den buddhistiske sannhetens verden.

Selv om alle disse mytologiske overtonene er spekulative, gir plasseringen av paviljongen den en fantastisk harmoni og harmoni. Refleksjon skjuler bygningens huk, noe som gjør den høyere og slankere; samtidig er det høyden på paviljongen som gjør det mulig å se den fra en hvilken som helst bredde av dammen, alltid mot en mørk bakgrunn av grønt.

Det er imidlertid fortsatt ikke helt klart hvor gyllen denne paviljongen var i sin opprinnelige form. Sannsynligvis, under Ashikaga Yoshimitsu, var den faktisk dekket med bladgull og et beskyttende lag med lakk. Men hvis du tror på fotografiene fra 1800- og begynnelsen av 1900-tallet og Yukio Mishima, så ved midten av 1900-tallet hadde forgyllingen nesten flettet av og restene var synlige bare på det øvre nivået av bygningen. På dette tidspunktet berørte han heller sjelen med sjarmen til øde, sporene av tid, ubønnhørlig selv til de vakreste ting. Denne melankolske sjarmen tilsvarte det estetiske prinsippet sabi høyt aktet i japansk kultur.

På en eller annen måte var prakten til denne bygningen slett ikke i gull. Den utsøkte strengheten til Kinkakujis former og dens upåklagelige harmoni med landskapet gjør det til et av mesterverkene i japansk arkitektur.

Skål "Iris" i stil med karatsu, XVI-XVII århundrer

Ordet meibutsu- en ting med et navn. Denne bollen har egentlig bare navnet, siden ingen av dem eksakt tidspunkt og stedet der den ble skapt, eller mesterens navn er ikke blitt bevart. Ikke desto mindre er det oppført blant de nasjonale skattene i Japan og er et av de lyseste eksemplene på keramikk i nasjonal stil.

På slutten av 1500-tallet, teseremonien cha-no-yu forlatt fint kinesisk porselen og keramikk med glasurer som minner om edle materialer. Deres spektakulære skjønnhet virket for kunstig og ærlig for temestrene. Perfekte og dyre gjenstander - boller, vannbeholdere og tebeholdere - samsvarte ikke med de nesten asketiske åndelige kanonene til Zen-buddhismen, i ånden som teseremonien utviklet seg til. En ekte revolusjon innen te-handling var appellen til japansk keramikk, mye enklere og kunstløs i en tid da verkstedene i Japan nettopp hadde begynt å mestre teknologiene til kontinental keramikk.

Formen på Iris-bollen er enkel og uregelmessig. Den lette krumningen av veggene, pottemakerbulkene synlig over hele kroppen gir bollen en nesten naiv letthet. Leireskåren er dekket med lys glasur med et nettverk av sprekker - craquelure. På forsiden, som henvender seg til gjesten under teseremonien, er et bilde av en iris påført under glasuren: tegningen er naiv, men utført med en energisk pensel, nøyaktig, som i én bevegelse, i zens ånd kalligrafi. Det ser ut til at både formen og dekoren kunne vært laget spontant og uten bruk av spesialstyrker.

Denne spontaniteten reflekterer idealet wabi- enkelhet og kunstløshet, som gir opphav til en følelse av åndelig frihet og harmoni. Enhver person eller til og med et livløst objekt i synet til japanske tilhengere av Zen-buddhismen har Buddhas opplyste natur, og adeptens innsats er rettet mot å oppdage denne naturen i seg selv og verden rundt ham. Ting som ble brukt i teseremonien, skulle, på tross av all deres klønetehet, ha fremkalt en dyp opplevelse av sannheten, relevansen av hvert øyeblikk, tvunget til å se inn i de mest vanlige former og se ekte skjønnhet i dem.

Kontrasten til bollens grove tekstur og dens enkelhet er restaureringen med en liten oppskåret gulllakk (denne teknikken kalles kintsugi). Restaureringen ble utført på 1700-tallet og demonstrerer ærbødigheten som japanske temestere behandlet redskaper for teseremonien med. Så te-seremonien gir deltakerne en "måte" å oppdage den sanne skjønnheten til ting, for eksempel Iris-bollen. Implisitt, hemmelighold har blitt grunnlaget for det estetiske konseptet wabi og en viktig del av det japanske verdensbildet.

Portrett av munken Gandzin, Nara, 763

På 800-tallet ble skulptur den viktigste formen for kunstnerisk uttrykk for epoken, Nara-tiden (710-794), assosiert med dannelsen av japansk stat og styrkingen av buddhismen. Japanske mestere har allerede bestått læretid og blind imitasjon av kontinentale teknikker og bilder og begynte fritt og levende å uttrykke sin tidsånd i skulptur. Spredningen og veksten av buddhismens autoritet forårsaket utseendet til et buddhistisk skulpturelt portrett.

Et av mesterverkene i denne sjangeren er portrettet av Gandzin, laget i 763. Laget i teknikken med tørr lakk (ved å bygge opp lag med lakk på en treramme dekket med stoff), er skulpturen nesten livsstørrelse var realistisk malt, og i templets halvmørke satt Ganjin i en meditasjonsstilling «som om han levde». Denne naturtro var hovedkultfunksjonen til slike portretter: læreren måtte alltid være innenfor murene til Todaiji-klosteret i byen Nara og være til stede ved de viktigste gudstjenestene.

Senere, på 1000- og 1200-tallet, nådde skulpturelle portretter en nesten nådeløs illusjonisme, og skildret den senile svakheten til ærverdige lærere, deres sunkne munn, slapp kinn og dype rynker. Disse portrettene ser på buddhismens tilhengere med levende øyne, innlagt med bergkrystall og tre. Men ansiktet til Gandzin virker uskarpt, det er ingen klare konturer og klare former i det. Øyelokkene til halvt lukkede og ukruste øyne virker hovne; den spente munnen og de dype nasolabialfoldene uttrykker vanemessig forsiktighet snarere enn konsentrasjonen av meditasjon.

Alle disse funksjonene avslører den dramatiske biografien til denne munken, historien om utrolig askese og tragedier. Ganjin, en kinesisk buddhistmunk, ble invitert til Japan for innvielsesseremonien til Naras største kloster, Todaiji. Skipet ble tatt til fange av pirater, uvurderlige ruller og buddhistiske skulpturer som var ment for et fjernt japansk tempel gikk tapt i brannen, Ganjin brant ansiktet og mistet synet. Men han forlot ikke ønsket om å forkynne i den ytterste utkanten av sivilisasjonen – nemlig hvordan Japan ble oppfattet av kontinentet på den tiden.

Flere forsøk på å krysse havet endte på samme mislykkede måte, og først på det femte forsøket når den allerede middelaldrende, blinde og sykelige Ganjin den japanske hovedstaden Nara.

I Japan underviste Ganjin ikke lenge i buddhistisk lov: de dramatiske hendelsene i livet hans undergravde helsen hans. Men hans autoritet var så høy at det sannsynligvis allerede før hans død ble besluttet å lage skulpturen hans. Kunstnermunkene søkte utvilsomt å gi skulpturen mest mulig likhet med modellen. Men dette ble ikke gjort for å bevare det ytre utseendet til en person, men for å fange hans individuelle åndelige opplevelse, den vanskelige veien som Ganjin gikk gjennom og som den buddhistiske lære kalte.

Daibutsu - Big Buddha of Todaiji Temple, Nara, midten av 800-tallet

På midten av 800-tallet led Japan av naturkatastrofer og epidemier, og intrigene til den innflytelsesrike Fujiwara-familien og opprøret de reiste tvang keiser Shoma til å flykte fra hovedstaden, byen Nara. I eksil sverget han å følge veien til buddhistisk lære og beordret i 743 at byggingen av landets hovedtempel skulle begynne og støpingen av en kolossal bronsestatue Buddha Vairochana (Buddhas store sol eller alt lysende lys). Denne guddomen ble ansett som den universelle inkarnasjonen av Buddha Shakyamuni, grunnleggeren av buddhistiske læresetninger, og var ment å bli garantisten for beskyttelsen av keiseren og hele landet i perioden med uro og opprør.

Arbeidet startet i 745 og ble modellert etter den gigantiske Buddha-statuen i Longmen-huletemplene nær den kinesiske hovedstaden Luoyang. Statuen i Nara, som ethvert bilde av Buddha, skulle vise «store og små tegn på Buddha». Denne ikonografiske kanonen inkluderte langstrakte øreflipper, som minner om det faktum at Buddha Shakyamuni kom fra en fyrstefamilie og fra barndommen hadde tunge øredobber, en forhøyning på toppen av hodet (ushnisha), en prikk på pannen (urne).

Høyden på statuen var 16 meter, bredden på ansiktet var 5 meter, lengden på den utstrakte håndflaten var 3,7 meter, og urnen var større enn et menneskehode. Konstruksjonen tok 444 tonn kobber, 82 tonn tinn og en enorm mengde gull, søket etter dette ble spesielt utført nord i landet. Rundt statuen ble det reist en hall - Daibutsuden, designet for å beskytte helligdommen. I det lille rommet fyller en lett bøyd sittende Buddha-figur hele rommet, og illustrerer et av buddhismens hovedpostulater - ideen om at guddommen er allestedsnærværende og altgjennomtrengende, den omfavner og fyller alt. Den transcendente roen i ansiktet og håndbevegelsen til guddommen (mudra, gesten for å gi beskyttelse) utfyller følelsen av rolig storhet og kraft til Buddha.

Imidlertid gjenstår bare noen få fragmenter av den opprinnelige statuen i dag: branner og kriger forårsaket enorme skader på statuen på 1100- og 1500-tallet, og den moderne statuen er hovedsakelig en avstøpning fra 1700-tallet. Under restaureringen av 1700-tallet var bronsefiguren ikke lenger dekket med gull. Den buddhistiske iveren til keiser Shomu på 800-tallet tømte praktisk talt statskassen og forblødte det allerede sjokkerte landet, og de senere herskerne hadde ikke lenger råd til slike umådelige utgifter.

Ikke desto mindre ligger betydningen av Daibutsu ikke i gull og ikke engang i pålitelig autentisitet - selve ideen om en slik storslått utførelse av buddhistisk lære er et monument over en epoke da japansk monumentalkunst opplevde en ekte blomstring, frigjorde seg fra blindkopiering av kontinentale prøver og oppnådd integritet og uttrykksevne, som senere gikk tapt.

Japanerne oppdaget skjønnheten som var skjult i ting på 900-1200-tallet, i Heian-tiden (794-1185) og utpekte den til og med med det spesielle konseptet "mono no aware" (物の哀れ (もののあわれ)), som betyr " trist sjarm av ting. "Tingenes sjarm" er en av de tidligste definisjonene av skjønnhet i japansk litteratur, den er assosiert med Shinto-troen på at hver ting har sin egen guddom - kami - og sin egen unike sjarm. Avare er den indre essensen av ting, det som forårsaker glede, spenning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papirfremstilling. Middelalderjapanere verdsatte washi ikke bare for sine praktiske egenskaper, men også for sin skjønnhet. Hun var kjent for sin subtilitet, nesten gjennomsiktighet, som imidlertid ikke fratok henne styrke. Washi er laget av barken til kozo-treet (morbær) og noen andre trær.
Washi-papir har blitt bevart i århundrer, bevis på dette er albumene og bindene med gammel japansk kalligrafi, malerier, skjermer, graveringer som har kommet ned gjennom århundrene til i dag.
Vasyas papir er fibrøst, hvis du ser gjennom et mikroskop, vil du se sprekker som luft og sollys trenger gjennom. Denne kvaliteten brukes i produksjon av skjermer og tradisjonelle japanske lykter.
Washi-suvenirer er veldig populære blant europeere. Mange små og nyttige gjenstander er laget av dette papiret: lommebøker, konvolutter, vifter. De er ganske holdbare, men likevel lette.

- Gohei.
Talisman fra papirstrimler. Gohei - en rituell stab av en shintoprest, som papirsikksakkstrimler er festet til. De samme papirstrimlene henges ved inngangen til en Shinto-helligdom. Papirets rolle i Shinto har tradisjonelt vært veldig stor, og papirprodukter har alltid vært gitt esoterisk betydning. Og troen på at hver ting, hvert fenomen, til og med ord, inneholder en kami - en guddom - forklarer fremveksten av en slik type brukskunst som gohei. Shintoismen ligner litt på vår hedenskap. For shintoister er kami spesielt villig til å ta bolig i alt som er utenom det vanlige. For eksempel på papir. Og enda mer i en gohei vridd til en intrikat sikksakk, som i dag henger foran inngangen til Shinto-helligdommene og indikerer tilstedeværelsen av en guddom i templet. Det er 20 måter å brette goheien på, og de som er spesielt uvanlig foldet tiltrekker seg kamien. Gohei er overveiende hvit i fargen, men gull, sølv og mange andre nyanser finnes også. Siden 900-tallet har det vært en skikk i Japan å styrke goheiene på beltene til sumobrytere før kampen starter.

- Anesama.
Dette er produksjon av papirdukker. På 1800-tallet laget samurai-koner papirdukker som barn lekte med, og kledde dem i forskjellige klær. I tider da det ikke var noen leker, var anesama den eneste samtalepartneren for barn, og "utførte" rollen som mor, storesøster, barn og venn.
Dukken er brettet av japansk washi-papir, håret er laget av krøllet papir, farget med blekk og dekket med lim, som gir den en glans. Et særtrekk er en fin liten nese på et langstrakt ansikt. I dag fortsetter denne enkle leken, som ikke krever annet enn dyktige hender, tradisjonell i form, å bli laget på samme måte som før.

- Origami.
Den eldgamle kunsten å brette papir (折り紙, lit.: "foldet papir"). Kunsten å origami har sine røtter i det gamle Kina, hvor papir ble oppfunnet. Opprinnelig ble origami brukt i religiøse seremonier. I lang tid var denne typen kunst bare tilgjengelig for representanter for overklassen, der et tegn på god smak var besittelsen av papirbrettingsteknikker. Først etter andre verdenskrig gikk origami utover østen og kom til Amerika og Europa, hvor den umiddelbart fant fansen. Klassisk origami er brettet fra et firkantet ark papir.
Det er et visst sett med konvensjonelle symboler som er nødvendige for å skissere foldeskjemaet til selv det mest komplekse produktet. De fleste av de konvensjonelle skiltene ble tatt i bruk på midten av 1900-tallet av den berømte japanske mesteren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami foreskriver bruk av ett firkantet jevnt farget ark uten lim og saks. Moderne former kunsten avviker noen ganger fra denne kanonen.

- Kirigami.
Kirigami er kunsten å kutte ulike former fra et ark papir brettet flere ganger ved hjelp av saks. En type origami som tillater bruk av saks og papirklipp i prosessen med å lage modellen. Dette er hovedforskjellen mellom kirigami og andre papirbrettingsteknikker, som fremheves i navnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papir. Vi elsket alle å kutte snøfnugg i barndommen - en variant av kirigami, du kan kutte ikke bare snøfnugg, men også forskjellige figurer, blomster, kranser og andre søte papirting ved å bruke denne teknikken. Disse produktene kan brukes som sjablonger for utskrifter, albumdekorasjoner, postkort, fotorammer, motedesign, interiørdesign og andre forskjellige dekorasjoner.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 eller いけばな) oversatt fra japansk språk- ike" - liv, "bana" - blomster, eller "blomster som lever". Den japanske kunsten å arrangere blomster er en av de vakreste tradisjonene til det japanske folket. Ved kompilering av ikebana, sammen med blomster, brukes kuttede grener, blader og skudd.Det grunnleggende prinsippet er utsøkt enkelhet, for å oppnå som de prøver å understreke den naturlige skjønnheten til planter. Ikebana er etableringen av en ny naturlig form, der skjønnheten til en blomst og skjønnheten til sjelen til mesteren som skaper komposisjonen er harmonisk kombinert.
I dag er det 4 store ikebana-skoler i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). I tillegg til dem er det rundt tusen forskjellige retninger og trender som holder seg til en av disse skolene.

- Oribana.
På midten av 1600-tallet gikk to skoler av ohara (hovedformen for ikebana - oribana) og koryu (hovedformen - sek) fra ikenobo. Forresten, ohara-skolen studerer fortsatt bare oribanu. Som japanerne sier, er det veldig viktig at origami ikke blir til origami. Gomi betyr søppel på japansk. Tross alt, som det skjer, brettet du et stykke papir, og hva skal du gjøre med det? Oribana tilbyr mange ideer til buketter for å dekorere interiøret. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Feil.
En type kunst som er født av blomsterbruk. Blomsterhandel dukket opp i landet vårt for åtte år siden, selv om det har eksistert i Japan i mer enn seks hundre år. En gang i middelalderen forsto samurai veien til en kriger. Og oshibana var en del av den veien, akkurat som å skrive hieroglyfer og bruke et sverd. Betydningen av feilen var at i tilstanden av total tilstedeværelse i øyeblikket (satori), skapte mesteren et bilde av tørkede blomster (pressede blomster). Da kunne dette bildet fungere som en nøkkel, en guide for de som var klare til å gå inn i stillheten og oppleve den samme satorien.
Essensen av kunsten "oshibana" er at ved å samle og tørke blomster, urter, blader, bark under press og feste dem på basen, skaper forfatteren ved hjelp av planter et virkelig "maleri". Det er med andre ord feil å male med planter.
Den kunstneriske kreativiteten til blomsterhandlere er basert på bevaring av form, farge og tekstur til tørket plantemateriale. Japanerne har utviklet en teknikk for å beskytte "oshibana"-malerier fra å falme og mørkne. Essensen er at luft pumpes ut mellom glasset og bildet og det skapes et vakuum som hindrer plantene i å bli ødelagt.
Det tiltrekker seg ikke bare ukonvensjonaliteten til denne kunsten, men også muligheten til å vise fantasi, smak, kunnskap om plantenes egenskaper. Blomsterhandlere lager ornamenter, landskap, stilleben, portretter og historiemalerier.

- Bonsai.
Bonsai, som et fenomen, dukket opp for mer enn tusen år siden i Kina, men denne kulturen nådde toppen av utviklingen bare i Japan. (bonsai - japansk 盆栽 lit. "plante i en pott") - kunsten å dyrke en eksakt kopi av et ekte tre i miniatyr. Disse plantene ble dyrket av buddhistiske munker flere århundrer før vår tidsregning og ble deretter en av aktivitetene til den lokale adelen.
Bonsai prydet japanske hjem og hager. I Tokugawa-tiden fikk parkdesign en ny drivkraft: dyrking av asalea og lønn ble et tidsfordriv for de velstående. Dvergvekstproduksjon (hachi-no-ki - "tre i en pott") utviklet seg også, men bonsaiene på den tiden var veldig store.
Nå brukes vanlige trær til bonsai, de blir små på grunn av konstant beskjæring og diverse andre metoder. Samtidig tilsvarer forholdet mellom størrelsene på rotsystemet, begrenset av bollens volum, og den bakkede delen av bonsai proporsjonene til et voksent tre i naturen.

- Mizuhiki.
Macrame analog. Dette er en gammel japansk brukskunst for å knytte forskjellige knuter fra spesielle snorer og lage mønstre fra dem. Slike kunstverk hadde et ekstremt bredt spekter – fra gavekort og brev til frisyrer og håndvesker. For tiden er mizuhiki ekstremt mye brukt i gaveindustrien - for hver begivenhet i livet skal en gave pakkes inn og knyttes på en veldig spesifikk måte. Det er ekstremt mange knuter og komposisjoner i mizuhiki-kunsten, og ikke alle japanere kan dem alle utenat. Selvfølgelig er det de vanligste og enkle knutene som brukes oftest: for gratulasjoner med fødselen av et barn, for et bryllup eller en minnesmerke, en bursdag eller universitetsopptak.

- Kumihimo.
Kumihimo er en japansk flettet ledning. Ved veving av tråder oppnås bånd og blonder. Disse lissene er vevd på spesielle maskiner - Marudai og Takadai. Marudai-maskinen brukes til å veve runde lisser, og Takadai til flate. Kumihimo på japansk betyr "veving av tau" (kumi - veving, bretting sammen, himo - tau, blonder). Til tross for at historikere hardnakket insisterer på at lignende veving kan finnes blant skandinavene og innbyggerne i Andesfjellene, er den japanske kunsten kumihimo faktisk en av de eldste vevingstypene. Den første omtalen av det går tilbake til 550, da buddhismen spredte seg over hele Japan og spesielle seremonier krevde spesielle dekorasjoner. Senere begynte kumihimo-lisser å bli brukt som festemiddel for obi-beltet på en kimono for kvinner, som tau for å "pakke" hele samurai-arsenalet av våpen (samuraier brukte kumihimo til dekorative og funksjonelle formål for å knytte rustningene og hesterustningene deres) og også for å binde tunge gjenstander.
En rekke mønstre av moderne kumihimo veves veldig enkelt på hjemmelagde pappvevstoler.

- Komono.
Hva er det igjen av en kimono etter at den har uttjent sin tid? Tror du det blir kastet? Ingenting som dette! Japanerne vil aldri gjøre det. Kimonoer er dyre. Det er utenkelig og umulig å bare kaste det sånn... Sammen med andre typer kimono-resirkulering laget håndverker små suvenirer av små filler. Dette er små leker for barn, dukker, brosjer, girlandere, damesmykker og andre produkter, den gamle kimonoen brukes til fremstilling av små søte ting, som samlet kalles "komono". Små ting som vil få sitt eget liv, fortsetter veien til kimonoen. Dette er hva ordet "komono" betyr.

- Kanzashi.
Kunsten å dekorere hårspenner (oftest dekorert med blomster (sommerfugler osv.) laget av stoff (hovedsakelig silke). Japansk kanzashi (kanzashi) er en lang hårnål for en tradisjonell japansk kvinnefrisyre. De var laget av tre, lakk, sølv, skilpaddeskall brukt i tradisjonelle kinesiske og japanske frisyrer.For ca. 400 år siden, i Japan, endret stilen til kvinners frisyrer: kvinner sluttet å gre håret i den tradisjonelle formen - taregami (langt rett hår) og begynte å style det i intrikate og bisarre former - nihongami. brukte forskjellige gjenstander - hårnåler, pinner, kammer.Det var da at selv en enkel kushi-kam blir til et elegant tilbehør av ekstraordinær skjønnhet, som blir et ekte kunstverk.Japanske kvinners tradisjonelle kostyme tillot ikke håndleddssmykker og halskjeder, så frisyredekorasjoner var den viktigste skjønnheten og feltet for selvuttrykk - i tillegg til å demonstrere smaken og tykkelsen på eierens lommebok. På graveringene kan du se - hvis du ser nøye etter - hvordan japanske kvinner lett hengte opp til tjue dyre kanzashi i frisyrene sine.
Det er nå en gjenoppblomstring av tradisjonen med å bruke kanzashi blant unge japanske kvinner som ønsker å legge raffinement og eleganse til frisyrene sine, moderne hårspenner kan utsmykkes med bare en eller to lekre håndlagde blomster.

- Kinusaiga.
En fantastisk type håndarbeid fra Japan. Kinusaiga (絹彩画) er en krysning mellom batikk og lappeteppe. Hovedideen er at nye malerier settes sammen av gamle silkekimonoer – ekte kunstverk.
Først lager kunstneren en skisse på papir. Deretter overføres denne tegningen til en treplate. Konturen av mønsteret skjæres gjennom med riller, eller riller, og deretter kuttes små strimler, matchende i farge og tone, fra den gamle silkekimonoen, og kantene på disse strimlene fyller sporene. Når du ser på et slikt bilde, får du følelsen av at du ser på et fotografi, eller til og med bare ser på landskapet utenfor vinduet, de er så realistiske.

- Temari.
Dette er tradisjonelle japanske geometriske broderte baller laget med enkle sømmer som en gang var et barneleke og nå har blitt en kunstform med mange fans, ikke bare i Japan, men over hele verden. Det antas at for lenge siden ble disse produktene laget av samurai-koner for underholdning. Helt i begynnelsen ble de virkelig brukt som en ball for et ballspill, men gradvis begynte de å tilegne seg kunstneriske elementer, og ble senere til dekorative ornamenter. Den delikate skjønnheten til disse ballene er kjent over hele Japan. Og i dag er fargerike, nøye utformede produkter en av typene folkehåndverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanske fingerbøl, når man syr eller broderer for hånd, settes de på den midterste falanxen av langfingeren på den arbeidende hånden, ved hjelp av fingertuppene får nålen ønsket retning, og nålen skyves gjennom ringen på midten fingeren i jobb. Til å begynne med ble japanske yubinuki fingerbøl laget ganske enkelt - en stripe av tett stoff eller lær ca. 1 cm bred i flere lag ble viklet tett rundt fingeren og festet sammen med noen enkle dekorative sømmer. Siden yubinukene var nødvendig emne i hvert hus begynte de å bli dekorert med geometriske broderier med silketråder. Fra sammenfletting av masker ble fargerike og komplekse mønstre skapt. Yubinuki fra en enkel husholdningsgjenstand har også blitt til et objekt for "beundre", dekorasjon av hverdagen.
Yubinuki brukes fortsatt til sying og broderi, men de kan også enkelt brukes på hendene på hvilken som helst finger, som dekorative ringer. Yubinuki-broderi brukes til å dekorere forskjellige gjenstander i form av en ring - serviettringer, armbånd, temari-stativ, dekorert med yubinuki-broderi, og det er også broderte nålesenger i samme stil. Yubinuki-mønstre kan være en stor inspirasjon for temai obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk blekkmaleri. Denne kinesiske malestilen ble adoptert av japanske kunstnere på 1300-tallet og på slutten av 1400-tallet. ble hovedstrømmen av maleri i Japan. Suibokuga er monokrom. Det er preget av bruken av svart blekk (sumi), en solid form kull eller laget av sot av kinesisk blekk, som males i en blekkpotte, fortynnes med vann og påføres med en pensel på papir eller silke. Monokrom gir mesteren et uendelig utvalg av tonale alternativer, som kineserne for lenge siden anerkjente som "fargene" på blekk. Suibokuga tillater noen ganger bruk av ekte farger, men begrenser det til tynne, gjennomsiktige strøk som alltid forblir underordnet blekklinjen. Blekkmaleri deler med kalligrafikunsten slike essensielle egenskaper som tett kontrollert uttrykk og teknisk formbeherskelse. Kvaliteten på blekkmaleri kommer ned, som i kalligrafi, til integriteten og motstanden mot riving av linjen tegnet med blekk, som så å si holder kunstverket på seg selv, akkurat som bein holder vev på seg selv.

- Etegami.
Tegnede postkort (e - bilde, tagget - brev). Gjør-det-selv postkort er generelt en veldig populær aktivitet i Japan, og før ferien øker populariteten enda mer. Japanerne elsker å sende postkort til vennene sine, og de elsker å motta dem også. Dette er en type hurtigbrev på spesielle emner, det kan sendes med post uten konvolutt. Ikke i etegami spesielle regler eller en tekniker, det kan være enhver person uten spesiell opplæring. Etagami hjelper til med å uttrykke stemningen, inntrykkene nøyaktig, dette er et håndlaget postkort som består av et bilde og et kort brev, som formidler følelsene til avsenderen, for eksempel varme, lidenskap, omsorg, kjærlighet, etc. De sender disse postkortene for høytidene og bare sånn, som viser årstider, aktiviteter, grønnsaker og frukt, mennesker og dyr. Jo enklere dette bildet er tegnet, jo mer interessant ser det ut.

- Furoshiki.
Japansk innpakningsteknikk eller kunsten å brette tøy. Furoshiki kom inn i japanernes liv i lang tid. Gamle ruller fra Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) er bevart med bilder av kvinner som bærer bunter med klær pakket inn i tøy på hodet. Denne interessante teknikken oppsto så tidlig som 710 - 794 e.Kr. i Japan. Ordet "furoshiki" betyr bokstavelig talt "badeteppe" og er et firkantet stykke tøy som ble brukt til å pakke inn og bære gjenstander i alle former og størrelser.
I gamle dager var det vanlig å gå i japanske bad (furo) i lette bomullskimonoer, som besøkende hadde med seg hjemmefra. Badegjesten hadde også med seg et spesielt teppe (shiki) som han sto på mens han kledde av seg. Etter å ha skiftet til en "badende" kimono, pakket den besøkende klærne inn i et teppe, og etter badet pakket den inn en våt kimono i et teppe for å bringe den hjem. Dermed har badematten blitt en multifunksjonell veske.
Furoshiki er veldig enkel å bruke: stoffet tar form av gjenstanden du pakker inn, og håndtakene gjør det enkelt å bære lasten. I tillegg får en gave pakket inn i hardt papir, men i et mykt, flerlags stoff en spesiell uttrykksevne. Det er mange ordninger for å brette furoshiki for enhver anledning, hverdagslig eller festlig.

- Amigurumi.
Den japanske kunsten å strikke eller hekle små kosedyr og humanoide skapninger. Amigurumi (編み包み, lett.: «strikket-innpakket») er oftest søte dyr (som bjørner, kaniner, katter, hunder osv.), små menn, men de kan også være livløse gjenstander utstyrt med menneskelige egenskaper. For eksempel cupcakes, hatter, håndvesker og andre. Amigurumi er strikket eller strikket eller heklet. Nylig har heklet amigurumi blitt mer populært og mer vanlig.
strikket av garn i en enkel strikkemetode - i en spiral og, i motsetning til den europeiske strikkemetoden, er sirklene vanligvis ikke koblet sammen. De er også heklet i en mindre størrelse i forhold til garntykkelsen for å lage et veldig tett stoff uten hull for at fyllet skal komme gjennom. Amigurumi er ofte laget av deler og deretter satt sammen, med unntak av noen amigurumi, som ikke har lemmer, men bare har hode og overkropp, som er en helhet. Lemmene er noen ganger fylt med plastbiter for å gi dem levende vekt, mens resten av kroppen er fylt med fiberfyll.
Spredningen av amigurumi-estetikk lettes av deres søthet ("kawaii").