Hva er et bilde i litteraturen. Modulære malerier i interiøret

Maleri- et maleri som har en fullstendig karakter (i motsetning til en skisse og en skisse) og en uavhengig kunstnerisk verdi. Den består av en base (lerret, tre- eller metallplate, papp, papir, stein, silke, etc.), en grunning og et malingslag. Maleriet er en av typene staffelikunst. Bilder kommer i ulike sjangre. Når han lager et bilde, er kunstneren avhengig av naturen, men kreativ fantasi spiller en viktig rolle i denne prosessen. Slutten av 1800-tallet ble preget over hele Europa av et nytt, dynamisk syn på verden. Kunstneren fra århundreskiftet måtte svare til det stadig skiftende livet: ikke så mye for å vise verden rundt seg (fotografi og kino gjør nå dette), men for å kunne uttrykke sin individualitet, sin indre verden, egen visjon. Kunstens høydepunkt er nådd i maleriene til fremragende malere. I modernismens mangfoldige strømninger er det et tap av plot og en avvisning av figurativitet, og dermed blir bildebegrepet betydelig revidert. Noen kunstnere som tilhører ulike malerskoler har gått bort fra å skildre verden (mennesker, dyr, natur) slik vi ser den. På maleriene deres fremstår verden som deformert, noen ganger helt ugjenkjennelig, fordi kunstnerne styres mer av fantasien enn av den visuelle oppfatningen av fenomenene rundt oss.

Maleri spiller en viktig rolle i utviklingen av maleri.

En gjengivelse kan også kalles et maleri, dersom det i den aktuelle sammenhengen ikke spiller noen rolle om det er en kopi eller originalt verk.

Bilde i en figurativ eller mer generell betydning- ethvert komplett, integrert kunstverk, inkludert levende og levende beskrivelse, muntlig eller skriftlig, slags natur.

Maleri er flyets kunst og ett synspunkt, der rom og volum kun eksisterer i illusjon. Å male gjennom kompleksitet visuelle virkemidler er i stand til å skape på planet en slik dybde av illusorisk rom og flerdimensjonalitet kunstnerisk virkelighet, som ikke er underlagt andre representasjonsmetoder. Hvert bilde utfører to funksjoner - billedlig og uttrykksfull-dekorativ. Malerens språk er ganske forståelig bare for de som er klar over de dekorative-rytmiske funksjonene til bildets plan.

I estetisk persepsjon må alle funksjonene til bildet (både dekorative, plane og billedlige, romlige) delta samtidig. Å korrekt oppfatte og forstå et bilde betyr å samtidig, udelelig se overflaten, og dybden, og mønsteret, og rytmen og bildet.

Den estetiske oppfatningen av et maleri forsterkes kraftig når det plasseres i en passende ramme som skiller maleriet fra omverdenen. Den orientalske typen maleri beholder den tradisjonelle formen til en fritthengende utfoldet rulle (horisontal eller vertikal). Bildet, i motsetning til monumentalt maleri, er ikke stivt forbundet med et bestemt interiør. Den kan tas av veggen og henges annerledes.

Dybden av maleriets illusoriske rom

Professor Richard Gregory beskrev de "merkelige egenskapene til malerier": "Malerier er en unik klasse av objekter, fordi de både er synlige i seg selv og som noe ganske annet enn bare et papirark som de er tegnet på. Bildene er paradoksale. Ingen gjenstand kan være på to steder samtidig; ingen gjenstand kan være både todimensjonal og tredimensjonal på samme tid. Og det er slik vi ser bilder. Bildet har en perfekt definert størrelse, og viser samtidig den sanne størrelsen menneskelig ansikt, bygning eller skip. Bilder er umulige objekter.

Evnen til en person til å reagere på fraværende, imaginære situasjoner presentert i bilder er milepæl i utviklingen av abstrakt tenkning.

Hvordan malerier lages

Bildet er åndelig verden kunstneren, hans opplevelser og følelser uttrykt på lerret eller papir. Det er vanskelig å forklare hvordan malerier lages - det er bedre å se det selv. Det er umulig å formidle med ord hvordan kunstneren maler over lerretet, med hvilken pensel han tar på lerretet, hvilke malinger han velger. I løpet av arbeidet blir alt ett: kunstneren, penselen og lerretet. Og allerede etter det første penselstrøket i verkstedet, begynner den spesielle magien med maleri å virke.

Bilder er ikke bare et malt lerret, de påvirker følelser og tanker, setter et merke på sjelen, vekker forvarsel.

Hvordan lages et maleri?

Det ser ut, maling, pensler, på lerret. Det kan være et annet universelt svar: på forskjellige måter.

Metoder for å arbeide med et maleri har stadig endret seg gjennom kunsthistorien. Kunstnere italiensk renessanse de arbeidet på en helt annen måte enn Rembrandt eller 1600-tallets «lille nederlendere», romantikerne – annerledes enn impresjonistene, abstraksjonistene, samtidsrealistiske kunstnere. Ja, og innenfor samme tidsalder og til og med én retning, kan du finne et stort utvalg.

Realistiske kunstnere fra fortid og nåtid (hvis vi forstår realisme i vid forstand av ordet) er forent av følgende:

Oppretting av et komplett verk denne saken malerier, portretter eller landskap, er umulig uten en dyp studie av livet, en aktiv holdning fra forfatteren til det. Midlene for kunstnerisk livskunnskap er arbeid fra naturen, visuelle inntrykk, analyse og syntese av livsfenomener.

Å lage et maleri er komplekst, tidkrevende kreativ prosess, hvis resultater bestemmes ikke av tiden brukt, men av målingen av talentet, dyktigheten til kunstneren, styrken og effektiviteten til den originale figurative løsningen. Milepæler Denne prosessen er opprinnelsen og konkretiseringen av ideen, direkte observasjoner, skisser, skisser fra naturen, selve malingen av bildet med nødvendigvis kreativ, aktiv bearbeiding av livsmateriale.

Og når en betrakter nærmer seg et maleri på et museum eller på en utstilling, før han gjør sin egen vurdering om det, må han huske at bak det er det alltid en levende person, en kunstner som har investert en del av sitt liv, hjerte, nerver , talent og dyktighet i arbeidet. Man kan si at maleriet er en kunstnerdrøm som går i oppfyllelse.

G. S. OSTROVSKII

Fullstendigheten av bildet

I livet skjer mye ved en tilfeldighet - på bildet kan det ikke være slike ulykker, alt i det må fullføres, logisk. På hvilket tidspunkt anses et maleri som komplett?

Virtuosen Rembrandts impasto billedstrøk, som ble så høyt verdsatt senere og i vår tid, forårsaket bare forvirring blant Rembrandts samtidige og ga opphav til latterliggjøring og vitser på hans bekostning. Rembrandt protesterte mot kritikerne sine og bestred riktigheten av deres forståelse av fullstendigheten til et maleri, og motarbeidet dem med sin egen forståelse av det, som han formulerte på denne måten: bildet skulle betraktes som komplett når kunstneren sa alt han ville ha i det. . For ikke å høre spørsmålene som plaget ham om "ufullstendigheten" i maleriene hans, sluttet Rembrandt å la naive besøkende til atelieret hans komme nær dem, som så med stor nysgjerrighet på bravourslagene i maleriet hans, og skremte dem med faktum at maleriene ikke bør nærme seg for nært, siden det er usunt å lukte på malingene deres.

Matisse på maleriet sitt:

"Jeg prøver bare å sette på lerretet de fargene som uttrykker følelsen min. Den nødvendige andelen av toner kan få meg til å endre formen på figuren eller endre komposisjonen. Inntil jeg har nådd denne andelen i alle deler av bildet, ser jeg for det og fortsett å jobbe. Så kommer øyeblikket når alle delene får sine endelige proporsjoner, og da kan jeg ikke røre bildet uten å gjøre det om igjen.

Begynner omtrent med impresjonistene, kategoriene tegning, form og farge er nært forbundet, vokst sammen, ser ut til å være en kontinuerlig prosess: tegning og farge, modellering og komposisjon, tone og linje vises og utvikler seg som på samme tid. Prosessen med å male et bilde kan så å si fortsette i det uendelige, øyeblikket for fullføring av arbeidet er noe vilkårlig: hvor som helst på lerretet kan kunstneren fortsette det, bruke nye strøk på lignende, men ligge under. Den mest slående og konsekvente representanten for dette systemet er Cezanne. I brev og innspilte samtaler formulerte han gjentatte ganger denne blandede eller, mer korrekt, udifferensierte malemetoden. Når som helst kan arbeidet med et maleri avbrytes, men arbeidet vil ikke miste sin estetiske verdi. Når som helst er bildet klart.

Forbindelsen av bildets billedrom med det virkelige rommet

Kunstneren og kunstteoretikeren V. A. Favorsky la i løpet av komposisjonsteorien vekt på at et virkelig kunstnerisk verk har en dobbel eksistens fra fødselen: som et objekt i det omkringliggende rommet og som en relativt lukket verden med sine egne rom-tidsforhold. . I maleri oppnås dette målet ved å koordinere bildets indre struktur med rammen, i skulptur - med det omkringliggende rommet (et klassisk eksempel: en statue i en nisje).

For å koble det billedlige rommet med det virkelige rommet som betrakteren befinner seg i, brukes en bilderamme. Kunstnere leker også med flere «reproduksjon av rammen» i selve bildet, visuelle rim, repetisjoner av vertikaler og horisontaler. En av de karakteristiske teknikkene som lar deg visuelt "styrke" bildet innenfor grensene til et rektangulært format, er det "avfasede hjørnet". Separasjonen av maleri fra arkitektur ga opphav til et visst system for oppfatning av staffelimaleriet. Hovedinnholdet i bildet er uttrykk for et helhetlig syn på rommet. Komposisjonen forvandles til en utstilling der betrakteren møter den transformerte verden av rom-tidsforhold og ser seg selv i den som i et speil. Så det gjennomsiktige glasset fra renessansen ble til et speil av den klassiske og barokken. Kunsten etter renessansen er preget av lek med refleksjoner i speilet, introduksjon av figurer-formidlere i komposisjonen av bildet, personer som ved sin posisjon, blikk eller håndbevegelse indikerer handlingen som finner sted i bildet. dybden av bildet, som om du inviterer dem til å gå inn i det. I tillegg til rammen, er det i slike komposisjoner et proskenium - den fremre delen av scenen, backstage, deretter mellomgrunnen, der hovedhandlingen finner sted, og bakgrunnen - "bakteppet".

Kunstneren plasserer vanligvis hovedfigurene i bildets midtplan, og setter dem på en mental horisontal linje som på en pidestall. Fra posisjonen til denne referansen horisontal linje dybden på det "romlige laget" avhenger (i planimetriske termer - over eller under den nedre kanten av bilderammen). Ved å utsette det horisontale mange ganger opp, skaper maleren en viss bevegelsesrytme inn i dypet av det imaginære rommet. Takket være dette, selv på et lite lerret, kan du skildre et rom av hvilken som helst lengde med et hvilket som helst antall figurer og gjenstander. I en slik utstilling må man spesifikt gjøre betrakteren oppmerksom på at noen objekter er nærmere, mens andre er lenger unna. For å gjøre dette brukes "pekere": perspektivreduksjon, introduksjon av store landemerker (små figurer av mennesker i bakgrunnen), overlappende planer, tonekontrast, fallende skygger fra en lyskilde i eller utenfor bildet. Et annet referansepunkt for betrakterens mentale bevegelse i bildets rom er diagonalene, den viktigste er "inngangsdiagonalen" (vanligvis fra venstre mot høyre).

Bilde i bilde

Bilde i bilde

Bilde i bilde kan brukes i en spesiell komposisjonsfunksjon. En lignende hierarkisk organisasjon presenteres i tilfelle av å skildre et bilde i et bilde (så vel som fresker i veggmalerier, etc.).

"Bilde i bilde" - komposisjonsteknikk, funnet i kunsten med klassisk maleri fra XVI-XVII århundrer. Et bilde i et bilde kan gis en spesiell skjult betydning.

Komposisjonsteknikken "bilde i bilde" kan utføre flere oppgaver:

• uttrykke en idé
• forklare handlingen
• å motarbeide eller skape harmoni
• være en detalj av situasjonen (interiør)

Svært ofte kan bildet av en bakgrunn i et maleri forstås som et slags bilde i et bilde, det vil si et uavhengig bilde bygget i henhold til sine egne spesielle lover. Samtidig er bildet av bakgrunnen, i større grad enn bildet av figurene på hovedplanet, gjenstand for rene dekorative oppgaver, vi kan si at det ofte ikke er selve verden som er avbildet her, men naturen til denne verden, det vil si at ikke selve bildet presenteres, men bildet av dette bildet.

Nederlenderne har et kart, et billedvev, et maleri, åpent vindu hvordan bildet som er inkludert i bildet utvider verdens grenser eller tjener til å utvikle den allegoriske betydningen av hovedplottet. Vermeer, som åpner sløret til verkstedet, blir en guide gjennom tre virkelighetsnivåer: rommet til betrakteren, rommet til verkstedet hans, rommet til kunstverket (lerretet som står på staffeliet), og likner disse metamorfosene å svømme på havene malt på geografisk kart eller flyr over kartlagt land.

Overløpet av virkelighet - kunst - myte kan også observeres hos Velazquez, som villig tyr til "bilde i bilde"-teknikken, et eksempel på dette kan være Meninas og Spinners.

«Picture in picture» er også i «Venus foran et speil» av Velasquez, men det tåkete speilet reflekterer bare skyggen av kjærlighetsgudinnen.

Maling og ramme

Ethvert bilde laget av en kunstner, med unntak av gamle bergmalerier, har en ramme. Innramming er nødvendig og en viktig del komposisjon, den fullfører den, gir enhet. Rammen kan være på samme plan som selve den billedlige eller grafiske komposisjonen. Den kan også lages spesifikt som en slags relieffform ved hjelp av dekorative, skulpturelle og arkitektoniske elementer. Oftest er det rammer med rektangulær form, noe sjeldnere - runde og ovale.

Rammen er med på å fremheve maleriet fra miljø som noe spesielt og verdig oppmerksomhet, men samtidig kobler det sammen med miljøet. Så hvis stilen på rammen faller sammen med det kunstneriske utseendet, strukturen og karakteren til interiøret der bildet er plassert, bidrar dette til ensemblets integritet. Avhengig av farge, metning med dekorative og skulpturelle detaljer, påvirker rammen betydelig helhetsinntrykket av det billedlige bildet. Alt dette lar oss snakke om enheten i bildet og rammen, der innrammingen utfører selvfølgelig ikke hovedfunksjonen, men en veldig nødvendig funksjon.

Utviklingen av staffelimaling var kompleks. For en lys milepæl i historien var overgangen fra middelalderen til renessansen! Det mest betydningsfulle i den var ønsket om å komme vekk fra stivheten og abstraksjonen i ikonbildet som dominerte middelalderen. Omtrent på XIV-tallet ble et maleri i moderne betydning av ordet født, og med det dukket det opp en ramme, fortsatt kledd i blonder av et gotisk landskap.

De første rammene var ikke helt i motsetning til hele bildet og ble ikke skilt fra det; Materialene til begge var like, den betingede forgyllingen av bakgrunnen, for eksempel av et gammelt russisk eller bysantinsk ikon, ble overført til rammen, og selve bildet "sprutet" ofte på den. Da ble grensene mellom bildet og rammen mer og mer tydelig gjenkjent. Likevel, som et slags minne fra tidligere århundrer, beholdt rammen sin gylne farge. Da den gyldne bakgrunnen, som betegner det guddommeliges verden, forsvant fra maleriet, begynte forgyllingen av rammen å bli oppfattet betinget, med andre ord, som en nødvendig egenskap ved rammen, som bidro til å fremheve bildet i rommet, tiltrekke seerens blikk til det.

I renessansen dominerte ideen om å male som et blikk på verden gjennom et vindu, rammen, med sine former, hentydet veldig tydelig til den rådende ideen og reagerte på den. Disse praktfulle, høytidelige rammene ble laget etter tegninger av kunstnere i spesielle verksteder eller av kunstnerens assistenter som jobbet i verkstedet hans.

Under renessansen ble maleriet hele tiden sammenlignet med et speil som reflekterer virkeligheten, og rammen, skapt som en ornamental speilramme, understreket denne sammenligningen enda sterkere. Denne rammen kan ikke bare lages av trelameller og gips, men også av edle materialer, inkludert sølv, elfenben, perlemor, etc. Materialenes verdi så ut til å matche maleriets verdi, og forsterket det.

De gamle mesterne var veldig oppmerksomme på rammen, og tok hensyn til dens innvirkning i arbeidsprosessen, noen ganger malte de til og med i en ferdig ramme, under hensyntagen til en viss tone og dekorativ rytme til rammen. Derfor har komposisjonene til de gamle mestrene ofte stor nytte av de originale rammene.

Observasjoner på rammene til de gamle mesterne lar oss etablere et annet prinsipp - samsvaret mellom profilen og bredden på rammen og størrelsen på bildet: for eksempel pleide nederlandske malere å sette inn deres små malerier inn i store rammer med dyp, ren profilering, som så å si leder øyet til midten av bildet og isolerer det fra enhver påvirkning fra miljøet

På begynnelsen av 1900-tallet begynte det å høres stemmer som ba om å forlate rammer helt, som noe for materiell, som "jordet" kunstens spiritualitet. Ulike avantgarde-kunstnere, etter å ha tatt slike samtaler, begynte å stille ut verkene sine uten rammer. Men som et resultat av denne innovasjonen, sluttet verkene deres selv å være malerier i ordets snevre betydning. Dette var en slags "objekter", "flekker", ofte blottet for en klar betydning.

Selv om det nå ikke er en stil i utformingen av rammer, som det en gang var, men det er mer enn før, korrespondansen til rammen til kunstnerens individuelle stil.

I i det siste på kunstutstillinger det kan sees at tregheten i forhold til utformingen av rammer (la dem være, og det som ikke er så viktig), som ble manifestert i fortiden av våre kunstnere, begynner å bli overvunnet. Rammene er malt i forskjellige farger, små tilleggsbilder og inskripsjoner er ofte plassert på dem, skulptører hjelper malerne - rammer med rike plastmotiver vises.

Bildeformat

Det er imidlertid to spesifikke elementer i bildet, som ser ut til å skape en overgang fra planet til bildet, samtidig som det tilhører bildets virkelighet og dets fiksjon – formatet og rammen. Det kan virke som om formatet på bildet kun er en kunstners verktøy, men ikke et direkte uttrykk for hans kreative konsept: kunstneren velger tross alt bare formatet. I mellomtiden er formatets natur nærmest knyttet til hele den interne strukturen til et kunstverk og viser ofte til og med den rette veien til å forstå kunstnerens intensjon. Som regel velges formatet før starten på malerens arbeid. Men det er kjent en rekke kunstnere som likte å endre formatet på bildet mens de arbeidet, enten å kutte av biter fra det, eller legge til nye (Velasquez gjorde dette spesielt villig).

Det vanligste formatet for et bilde er firkantet, med en ren firkant som er mye sjeldnere enn en firkant mer eller mindre forlenget oppover eller i bredden. Noen epoker setter pris på det runde formatet (tondo) eller det ovale. Valget av format er ikke tilfeldig, formatet oppdager vanligvis dype, organisk forbindelse både med innholdet i kunstverket, med dets emosjonelle tone, og med komposisjonen av bildet, gjenspeiler det like tydelig det individuelle temperamentet til kunstneren, og smaken av en hel epoke. Vi føler den skjulte årsakssammenhengen mellom formatet og kunstnerens intensjon foran hvert bilde, hvorfra sjarmen til et ekte kunstverk kommer. Det er malerier hvis innhold er så sammensmeltet med formatets natur at den minste endring i proporsjoner, ser det ut til, bør forstyrre den stilistiske og ideologiske balansen i bildet.

Det horisontale, langstrakte formatet er generelt sett mer egnet for narrativ komposisjon, for sekvensiell utfoldelse av bevegelse forbi betrakteren. Derfor tyr kunstnere som er episke i stemningen, som strever etter aktiv komposisjon, for handling, villig til dette formatet, for eksempel italienske malere fra 1300- og første halvdel av 1400-tallet (spesielt i freskomposisjoner). Tvert imot, et kvadratisk format eller et der høyden noe dominerer over bredden, som om umiddelbart stopper handlingens dynamikk og gir komposisjonen karakteren av en høytidelig representasjon - det var denne typen format mesterne foretrakk for altermaleriene deres. Høyrenessanse ("sixtinske madonna"). På sin side, med en betydelig overvekt av høyde over bredde, får komposisjonen igjen dynamikk, sterk trekkraft, men denne gangen opp eller ned; et så smalt format falt spesielt i smak hos kunstnere aristokratisk, dekorativ (Crivelli) eller mystisk (manerister, Greco ), søker å legemliggjøre visse følelser, stemninger.

Forbindelsen mellom formatet og kunstnerens individuelle temperament er også utvilsomt: Rubens sensuelle, dynamiske fantasi krever et større format enn Rembrandts beherskede og spirituelle fantasi. Til slutt er formatet direkte avhengig av maleteknikk. Jo bredere og friere penselstrøket kunstneren har, desto mer naturlig er ønsket om et stort format.

Bilde, akvarell, panel, pastell, landskap, lerret, skisse, studie, hode, naturmorte; mosaikk. ons . .. Se bilde... Ordbok over russiske synonymer og lignende uttrykk. under. utg. N. Abramova, M .: Russiske ordbøker, 1999. bilde ... Synonymordbok

BILDE, malerier, kvinne. 1. Et arbeid med å male i maling. Samtalestykke. Akvarell maleri. 2. Kinematisk film. 3. En rekke bilder som er forskjellige i klarhet og danner en helhet. Bilde av naturen. Et bilde av en fjern fortid. Dette … … Ordbok Ushakov

Et maleri som har en selvstendig kunstnerisk verdi og har egenskapen til fullstendighet (i motsetning til en studie og en skisse). Bildet er som regel ikke koblet, som en freske eller en bokminiatyr, med et visst interiør ... ... Art Encyclopedia

- (inosk.) vakkert utseende. ons "Se, bildet, og du vil se, dyret." ons Tenner som mandler, øyne som en kanel, stemme som nattergalen din, og et bilde. Baker. (com.) Ons. Bildschön … Michelson's Big Explanatory Phraseological Dictionary (original stavemåte)

BILDE, s, kvinne. 1. Et maleverk. Bilder av russiske kunstnere. Heng opp bildene. 2. Det samme som filmen (i 2 verdier) (samtale). 3. Bilde av hva n. V kunstverk. K. liv. 4. Hva kan sees, kartlegges eller ... ... Forklarende ordbok for Ozhegov

Hunn bilde, natt · forringe. bilde foraktelig bilde · ledet bort. maleri, esp. i maling; | muntlig eller skriftlig livlig og levende bilde; | vakker utsikt over naturen. | hos taktekkere: to jernplater klinket sammen. ... ... Dahls forklarende ordbok

Repin "Pripyli". Jarg. de sier Skyttel. jern. 1. Om uoppfylte forhåpninger, fiasko, fiasko. 2. Hva l. absurd, uforståelig, forvirrende. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. Tårefullt bilde. Sib. At det er veldig ynkelig, til tårer er det synd på noen. FSS, 91. Av ... ... Stor ordbok Russiske ordtak

maleri- BILDE, panorama, lerret, lerret, åpen, hån. daub, samtale, hånlig skitne ... Ordbok-tesaurus av synonymer av russisk tale

- "PICTURE", USSR, 1989, farge, 40 min. Tragikomedie, TV-program. Av skuespill med samme navn V. Slavkin. En ingeniør som bor på et hotellrom får besøk av en lokal kunstner, en taper, forfatteren av et maleri som har hengt på veggen i dette rommet i mange år. En gang …… Cinema Encyclopedia

maleri- BILDE, s, f. Ansikt. Gi ham et bilde. Et bilde i en sølepytt. Evt. argotisme på 1800-tallet; funnet for eksempel i A.P. Chekhov ... Ordbok for russisk Argo

maleri- (f.eks. fenomener) [A.S. Goldberg. Engelsk russisk energiordbok. 2006] Emner energi generelt EN bilde … Teknisk oversetterhåndbok

Bøker

• Bilde, Granin Daniil Alexandrovich. Daniil Granin, vinner av Russlands statspris og to ganger vinner av USSRs statspris, refererer i romanen "Bildet" igjen til problemene med stor offentlig resonans. Boken er satt i…

Vi er vant til å se malerier i museer malt i forskjellige farger: tempera, olje, akvarell. Men hvor ofte tenker vi på hvordan de dukket opp, og hvem var deres skaper? For første gang ble malingen, som faktisk fungerte som leire, brukt av primitiv. Deretter begynte han å blande leire, kull og andre naturlige fargestoffer med fett, som kan betraktes som den første ekte malingen. Hele årtusener gikk før fremkomsten av maling, som kunstnere begynte å bruke overalt.

egg tempera

Denne malingen var eggtempera. Det ble spesielt populært under renessansen, da så store mestere som Raphael, Leonardo da Vinci og Michelangelo jobbet med det. Tempera bestod av eggeplomme, vann og tørre pigmenter. På den tiden ble kunstnere tvunget til å lage sine egne malinger. De malte leire, plantemineraler, bær og til og med insekter til et fint pulver, og blandet det deretter med vann og eggeplomme. Tempera krevde spesielle ferdigheter fra artister. Denne vannrøde tørket overraskende raskt. Dette tvang mesterne til å jobbe i en veldig høy hastighet for å opprettholde mønsterets enhet.

Oljemaling

En virkelig revolusjon innen maleri ble gjort på 1400-tallet ved oppfinnelsen av oljemaling av Jan van Eyck. Som bindemiddel brukte han linolje, i stedet for den vanlige eggeplommen. Strengt tatt var de kjent før vår tidsregning. Dette bekreftes av rester av maling funnet etter ødeleggelsen av Bamiyan Buddha-statuene. Det er kjent at gamle malere også brukte vegetabilske oljer til fargerike komposisjoner. Ulike avhandlinger fra det 8. til 12. århundre snakker om bruken av linolje. Ingen materielle bevis har imidlertid overlevd. Oljemaling på mange måter overlegen eggtempera. Først av alt ble kunstnere bestukket av hennes plastisitet. Oljemaling var lett å blande, noe som gjorde det mulig å lage helt nye farger. Maling begynte å påføres i tynne lag. Denne teknikken formidlet best plass, volum og fargedybde.

Akvarell

Til tross for at utseendet tilskrives det 2. århundre e.Kr., fikk det stor popularitet først på begynnelsen av 1700- og 1800-tallet. Den består av et finmalt pigment, og lim av planteopprinnelse som er lett løselig i vann. Denne malingen fortynnes med vann og påføres papir. Spesifisitet akvarellteknikk ligger i dens åpenhet. Akvareller skaper lette, delikate, som om luftfylte malerier. Men det er en hake: Gjenta tegningen eller ta opp laget, som i oljemaleri, for eksempel er umulig. Ved blanding av mer enn to eller tre farger mister malingen sin lyshet og renhet, og når malingslaget vaskes av, deformeres papiret, noe som fører til smuss.

Siden de fjerne tider har maling blitt laget på grunnlag av naturlige ingredienser: vegetabilske oljer, treharpiks og naturlige fargestoffer. Men på begynnelsen av 1900-tallet begynte kjemikere som jobbet for store malingsprodusenter å finne opp nye malingsformler. Det er på 1900-tallet at historien til maling som kan sees i butikkene i dag begynner. Mange av dem inneholder syntetiske komponenter, men er på ingen måte dårligere enn naturlige.

• Et bilde i maleri er et kunstverk som har en fullstendig karakter (i motsetning til en skisse og skisse) og en selvstendig kunstnerisk verdi. I motsetning til en freskomaleri eller bokminiatyr, er ikke et maleri nødvendigvis forbundet med et bestemt interiør eller et bestemt dekorasjonssystem. Maleriet er en av de mest typiske typer staffelikunst. Når han lager et lerret, er kunstneren avhengig av naturen, men kreativ fantasi spiller en viktig rolle i denne prosessen. Maleri spiller en ledende rolle i utviklingen av maleri.

  Den består av en malerbase (lerret, tre- eller metallplate, papp, papir, stein, silke, etc.), en grunning og et malingslag.

  Et bilde i drama, opera, ballett, kinokunst er en komplett del av en handling eller et verk, begrenset av et ufravikelig handlingsrom. Når den er iscenesatt, vises den som regel uten å endre landskapet.

  Et bilde i overført eller mer generell forstand er ethvert komplett, integrert kunstverk, inkludert en levende og levende beskrivelse, muntlig eller skriftlig, av naturen.

  En gjengivelse eller kopi av en original kan også omtales som et maleri dersom det ikke har betydning i den aktuelle sammenhengen om det er en kopi eller et originalverk. For eksempel «hengte det flere malerier i korridoren». Hvis du ikke bruker moderne belysning(strøm, stearinlys osv.), før du starter arbeidet med et bilde (maling), er det lurt å markere tidspunktet med et solur samme dag i året, for eksempel hvis du begynte å male et bilde kl. 13.00 og fortsatte. for å male den i løpet av én time før kl. 14.00 den 25. juli 1979, vil din neste skriveøkt være fra kl. 13.00 til 14.00 den 25. juli 1980. Dette kravet er knyttet til den astronomiske posisjonen til planeten vår i forhold til solen. Det er også nødvendig å være klar over at det er malerier (spesielt gamle mestere) mettet med gift, da det er giftige planter, væsker og mineraler som ble brukt til å skrive dem.

  Professor Richard Gregory beskrev de "merkelige egenskapene til malerier": "Malerier er en unik klasse av objekter fordi de både er synlige i seg selv og som noe helt annet enn bare papirarket de er tegnet på. Bildene er paradoksale. Ingen gjenstand kan være på to steder samtidig; ingen gjenstand kan være både todimensjonal og tredimensjonal samtidig, og det er slik vi ser bilder. Bildet har en veldig bestemt størrelse, og viser samtidig den sanne størrelsen til et menneskeansikt, bygning eller skip. Bilder er umulige objekter. Bilder er viktige fordi øyet ser manglende gjenstander i dem. Biologisk sett er det ekstremt rart."

  En persons evne til å reagere på fraværende, imaginære situasjoner presentert i bilder er et viktig stadium i utviklingen av abstrakt tenkning.

  Johann Wolfgang Goethe skrev: "Bilder er ikke bare et malt lerret, de påvirker følelser og tanker, setter et merke på sjelen, vekker forvarsel."