Genial kunstner A. Zverev og diktene hans

Hvor mange verdener er det på jorden? Så mange som det er folk. Fordi alle skaper sin egen verden. Hvordan skjer dette? Fra barndommen er vi ubønnhørlig trukket mot fantasi, eventyr. Å oppleve dette livet i sin helhet. Verden virker ikke bare kjedelig, men uinkarnert. Og når vi tillater oss selv å skape, dukker en ny verden opp.

Hva lærer kunstnerens erfaring oss? Tegn først hvis du har lyst til å tegne! Hvis dette er din måte å uttrykke hva du bryr deg om. For det andre - skildre livet ditt, fortell med en linje, farge, husk detaljene, prøv å formidle hele "minnets teater." For det tredje - hvis det ikke er noe album og børster, ta en enkel notatbok, et sett med barneblyanter, en kulepenn, og til slutt - gå.

Livet vårt er et kunstverk. Selv om vi ikke skriver eller tegner, skaper vi fortsatt.

Tilbake i boken

Hvis du forstår at livet er kreativitet, at hvert øyeblikk er opplyst av skaperverkets energi, vil realiseringen av dette føre til oppvåkning av talentet ditt, og deretter geni. Som en gang i barndommen vil alt være mulig - og tegne, og synge, og danse, skape din egen verden, alt var da mulig - til og med fly!

Dette rørende god bok vil bidra til å finne og utvikle ditt kreative "jeg". Av det vil du lære:

• hvordan lage kunstprosjekter
• hva er en skattekiste
• om forviklingene ved karikaturtegning
• hvordan holde drager i et maleri
• bokstav- og kalligrafitips
• hvorfor er den "svarte firkanten" så dyr
• hvem er dabloidene som bor i snabelen til en elefant og hemmelig liv dykkere
• om å male med vind

…340 sider med inspirasjon, metaforer, historier som taler til din indre kunstner.

Ikke vær redd for talentet ditt. Oppdag ditt unike "jeg" og tro på deg selv! En vakker dag vil verdenene dine få uavhengighet og, som regnbuebobler, fly over jorden og begynne å leve sine egne liv.

P.S.: Abonner på vårt nyhetsbrev om kreative bøker for å få de lekreste utdragene hver uke, bli den første som får vite om rabatter og delta i kreative utfordringer.

Adolphe-William Bouguereau (Bouguereau)(1825-1905) - en av de mest talentfulle franske kunstnere 1800-tallet største representant salongakademiisme, som skrev mer enn 800 malerier. Men det skjedde slik at hans navn og geniale kunstnerisk arv ble utsatt for den strengeste kritikk og ble glemt i nesten et århundre.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0002.jpg" alt=""En kvinne fra Cervar og hennes barn". Forfatter: William Bouguereau." title=""Kvinne fra Chervar og hennes barn".

Den fremtidige kunstnerens begavelse ble fullt ut manifestert i grunnskole: alle notatbøkene hans var bokstavelig talt malt med tegninger og forskjellige skisser. Men på grunn av økonomiske problemer i familien ble svært unge William plassert i omsorgen for den 27 år gamle onkel Yuzhen, som innpodet ungt talent interesse for filosofi, litteratur, mytologi og religion.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0033.jpg" alt="Døperen Johannes. Forfatter: Adolf William Bouguereau." title="Den unge døperen Johannes.

Snart gikk drømmen i oppfyllelse, og William Bouguereau ble en av de beste elevene på denne skolen. I et forsøk på å lære mer om din fremtidig yrke, han tar kurs i kostymehistorie, studerer arkeologi og deltar i anatomiske obduksjoner.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0028.jpg" alt=""Italiensk gutt med et stykke brød". Forfatter: William Bouguereau." title=""Italiensk gutt med et stykke brød."

Og da maleren kom tilbake til Paris, kjente hans popularitet ingen grenser.
Bouguereau jobbet utrettelig med sine kreasjoner. Han kom til verkstedet sitt tidlig om morgenen, og dro hjemmefra etter midnatt. Som alle store kunstnere var han preget av konstant misnøye med seg selv og et ukuelig ønske om perfeksjon. For dette ga samtidige ham kallenavnet "Sisyfos på 1800-tallet."

Og den talentfulle maleren ble sammenlignet med Rembrandt. De sa det "Rembrandt fanget alderdommens sjel, mens Bouguereau fanget ungdommens sjel." Perfekt kunnskap om anatomi Menneskekroppen, nøye detaljering, overraskende utvalgte farger - alt dette gjorde lerretene til William Bouguereau uvanlig realistiske.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0003.jpg" alt=""Virgin of Consolation". (1877). Forfatter: William Bouguereau." title=""Jomfru av komfort" (1877).

Og for på en eller annen måte å glemme det alvorlige tapet, viet kunstneren seg helt til arbeidet. Han malte portretter og malerier om historiske, mytologiske, bibelske og allegoriske emner, der nakenhet rådde. kvinnelige kropper og lediggang, som forårsaket misnøye blant mange.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0004.jpg" alt=""Oreads".

Men Bouguereau fortsatte å skrive i sin egen stil, og da nye fasjonable trender og trender raskt begynte å strømme inn i kunsten, godtok han dem ikke og motarbeidet dem med alt arbeidet sitt.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00113.jpg" alt="Elizabeth Gardner er kunstnerens andre kone. (1879). Forfatter: William Bouguereau." title="Elizabeth Gardner er kunstnerens andre kone. (1879).

Sønnens død lammet mesterens helse fullstendig. Og den deprimerte stemningen, den akkumulerte trettheten, den enorme avhengigheten av alkohol og røyking hadde en skadelig effekt på hjertet hans. Og i en alder av 79 døde den strålende maleren.

Glemsel og triumferende retur

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00115.jpg" alt=" Dante og Virgil i helvete. (1850). Forfatter: William Bouguereau." title="Dante og Virgil i helvete. (1850).

I nesten et århundre ble hans navn og kunstneriske arv glemt, og bare i kritisk litteratur kunne man finne en negativ omtale av William Bouguereau som en maler av nakensjangeren. Hans malerier, sendt til lagerrommene til museer, ble i alle disse årene holdt i fuktig kjellere og på loft.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0017.jpg" alt=""Nydelig byrde".

I 1984, med støtte fra Montreal Museum kunst i Paris ble den første retrospektive utstillingen av en strålende maler organisert.
Med store vanskeligheter klarte arrangørene å samle og bringe arven etter William Bouguereau til en presentabel form. Mange kreasjoner måtte restaureres, siden nesten et århundre hadde gått, og lokalene de ble lagret i samsvarte ikke i det hele tatt med spesielle lagringsfasiliteter.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219412167.jpg" alt=""Bønn".

Ved det første auksjonssalget i 1977 oversteg ikke kostnadene for malerier av William Bouguereau 10 tusen dollar, men allerede i 1999 var det bare ett lerret"Амур и Психея" было продано на аукционе Christie’s за 1,76 миллиона долларов. Ну а к 2005 году стоимость его работ превысила отметку в 23 миллиона долларов. Это было воистину триумфальным возвращением гениального художника.!}

De sa at han spilte rollen som en bygaling. Jeg spilte for å overleve og ikke falle under undertrykkelsesbanen. Han solgte ikke verkene sine i løpet av livet, han ga dem til barn og sa at han skrev for den fremtidige seeren.

Kunstneren utviklet sin egen originale malestil, noen ganger referert til som "fantastisk ekspresjonisme". Nå er maleriene hans verdsatt til - 15 000-26 000 dollar.

Som en fakir, en tryllekunstner og en tryllekunstner, kunne han lett skape et ekte mirakel utenom vanlige ting. Hans kulisser for forestillinger i teatret. Abai i Alma-Ata gjorde en ordinær lokal forestilling til et uvanlig lyst show, og publikum gledet seg alltid til de nye verkene hans dukket opp. Hele livet hans er et teater, og kunstneren dekorerte det sjenerøst med alle de midler han hadde til rådighet.

Uten denne personen er det vanskelig å forestille seg Alma-Ata på 40-60-tallet. Han gikk rundt i byen i merkelige, latterlige antrekk, og var en integrert del av hovedstaden. genial kunstner eller bygal? Den berømte Alma-Ata-beboeren Sergey Kalmykov var en kontroversiell og kontroversiell figur. Likevel er det maleriene hans som nå pryder museene i mange byer.

De ble vant til Kalmykov - til hans hjemmelagde bukser med flerfargede bukser, til den skarlagenrøde baretten hans, til den fantastiske jakken hans med tomme blikkbokser knyttet til den, som klirrer når han går. Over tid har den blitt en unik del av Almatys bylandskap, som en kolibri i den sibirske taigaen. Han kalte seg selv, ikke uten ironi, "den siste avantgarde-artisten av den første samtalen" ... tross alt viste han seg å være nesten den eneste representanten for en strålende kultur Sølvalderen mirakuløst overlevde til Khrusjtsjov tiner.

1896, familie. Signatur på baksiden: «Min far, mamma, Lelya, Shura! Vanya og jeg, den minste. Jeg husker da vi ble filmet. Vanya og jeg var i røde silkeskjorter. Shura er en videregående elev!

Sergei Ivanovich Kalmykov ble født i 1891 i Samarkand. Snart flyttet familien til Orenburg, hvor Seryozha Kalmykov studerte ved gymsalen, deretter på skolen for maleri, skulptur og arkitektur. I sin ungdom var han en reservert, lite kommunikativ person. I 1910 dro han til St. Petersburg og gikk i 4 år på skolen til V.N. Zvantseva, hvor slike kjente artister som Dobuzhinsky, Petrov-Vodkin, Bakst.

Det var da en tjue år gammel ungdom skapte fantastisk bilde"Bade de røde hestene" Petrov-Vodkin satte stor pris på studentens arbeid, og sa om ham: "han er som en ung japaner som nettopp har lært å tegne."

Et år senere malte Kuzma Petrov-Vodkin selv sin berømte røde hest, som ble et symbol på den russiske avantgarden. Ved denne anledningen husket Kalmykov: «Ser ut som en japaner gul gutt som sitter på en rød hest er meg. Men beina mine er ikke så korte. Denne skrev Petrov-Vodkin fra en lavere vinkel. Bena mine blir lengre."

Da han kom tilbake til Orenburg, jobbet Kalmykov hardt etterpå oktoberrevolusjon ble en av de mest aktive Orenburg-artistene. Han deltok i utformingen av revolusjonerende helligdager, offentlige bygninger, foreleste. Hans malerier, tegninger og skulpturer vakte publikums oppmerksomhet. På 1920-tallet deltok Kalmykov i den kunstneriske utformingen av forestillingene til Orenburg teater og sirkus, i utviklingen av skisser teatralske kostymer og plakater. På den tiden reiste han mye med Middle Volga Mobile Opera as hovedkunstner, på samme tid bestemte Kalmykov seg som dekoratør og bestemte seg for å knytte sin kreativt liv med teatret.

tre nåder

I 1935 ble Kalmykov invitert til Kasakhstan for å jobbe i det nyopprettede musikkteater(nå GATOB oppkalt etter Abay). Her tegnet han selvstendig operaene Aida, Prince Igor, Faust, Floria Tosca og andre.

"Kazakhstanskaya Pravda" av 30. oktober 1935 skrev om skuespillet "Prins Igor": "Kunstnerne Kalmykov og Mikheev løste med suksess scenedesignet, og forårsaket fortjent applaus fra publikum. Skrevet i behagelige farger, med stor sans for proporsjoner, landskap som ikke rotet opp scenene som vanlig, vellykkede kostymer - indikerer at kunstnerne nøye studerte epoken og dyktig brukte det tilgjengelige materialet. I Alma-Ata tegner han mye, skriver, men stiller ikke ut, publiseres ikke, selger ikke verkene sine.

Kunstsenteret er for tiden i hodet mitt- skrev kunstneren.

I 1936 ble Sergei Ivanovich medlem av Union of Artists of Kasakhstan. Parallelt med sitt arbeid i teatret ledet Kalmykov også en uavhengig kunstnerisk arbeid tegning, maling og gravering. Han deltok i nesten alle fagforeningene kunstutstillinger. I 1946 forlot han arbeidet av helsemessige årsaker. I 1952 kom han tilbake til teatret og jobbet som dekoratør.

selvportrett

Slik beskrev forfatteren Yuri Dombrovsky sitt første møte med kunstneren: "... og så så jeg kunstneren ved staffeliet. Jeg har hørt om denne fyren før. For en måned siden leverte han en forklaring til politiet (naboer klaget) og skrev under på følgende måte: «Geni av 1. rang av Jorden og galaksen, dekoratør, artist-utøver ved Opera- og Ballettteateret. Abai SERGEY IVANOVICH KALMYKOV.<…>

Han var også kledd ikke for mennesker, men for galaksen. På hodet hans lå en flat og en slags heftig beret, og på de tynne skuldrene hans hang en blå kappe med pyntegjenstander, og noe utrolig lyst og desperat glitret under den - rød-gul-syrin. Kunstneren jobbet. Han kastet ett slag på lerretet, et annet, et tredje - alt dette skjødesløst, tilfeldig, lekende - så gikk han til side, senket børsten skarpt - folkemengden vek unna, kunstneren prøvde på, så nøye og kastet plutselig ut hånden - gang ! - og det falt et svart tykt utstryk på lerretet. Den stakk et sted under, skrått, klønete, som helt malplassert, men så ble det flere strøk, og noen flere strøk og berøringer av penselen - altså flekker - gule, grønne, blå - og nå på lerretet av farget tåke begynte noe å bryte ut, tykne, vise seg. Og et stykke av basaren dukket opp: støv, varme, sand oppvarmet til en hvit lyd, og en vogn lastet med vannmeloner ... ".

«Folk forestiller seg et geni, sannsynligvis sånn. Dette er de høyeste lønningene. Popularitet. Økende berømmelse, penger. Vi er ydmyke profesjonelle genier, vi vet: geni er revne bukser. Dette er tynne sokker. Dette er en slitt kåpe», skrev kunstneren.

"Kalmykov ble vurdert av alle talentfull artist– sa en av kunstnerens kolleger. - Dette ble anerkjent av svært kompetente mennesker, men massen av rariteter i oppførselen hans tillot ham ikke å oppnå den stillingen han fortjente. Så han kunne tegne den mest praktfulle skissen eller bildet på bestilling, men så dekke alt og skrive noe vanskelig. Han kunne for eksempel skrive Venus de Milo, tegne hendene hennes og legge en primus i dem.

Eller skildre en skuespiller i en sketsj i en absurd drakt som ikke samsvarer med situasjonen og ideen. En masse av de mest varierte teoriene var alltid overfylt i hodet hans: enten ønsket han å bygge uvanlige raketter, eller en korridor som forbinder Moskva med Alma-Ata. Eller han jobbet med avhandlingen «Connecting sutures of the skull». Allerede da ble hans ideer om storhet tydelig manifestert. Han kalte seg et kosmisk geni, en strålende kunstner og sa at alle burde kysse hælene hans ...

I i fjor han ble ikke tildelt selvstendig arbeid, han gjorde ofte helt latterlige ting, bortskjemt. Mange av verkene hans, som hele leiligheten hans er strødd med, ble sett av Moskva-kunstnere og betraktet ham beste artist byer. Han var alltid slurvete, utseende og klær var ikke interessert. Begynte å smøre ut håret oljemaling, og forklarte at han trengte å ha svart hår for lang levetid ... Han hadde sitt eget ernæringssystem: han spiste bare brød (i ungdommen tygget han alltid franske rundstykker), men samtidig, når han dro på besøk, spiste han alt som ble gitt. Da spiste han hovedsakelig melk, ost og cottage cheese, men uten brød. Han spiste ikke kjøtt, han var vegetarianer. Han sa at varm te og mat var usunt, elektrisk lys var dårlig for øynene, så han hadde ikke gass, og om kvelden jobbet han ved levende lys eller satt i mørket.

Innenlandsk fattigdom var i hælene på ham, han visste hva underernæring og sult var. År etter år utgjorde melk og brød kostholdet hans. "Møblene" i kennelen hans ble bygget av bunter med gamle aviser bundet med hyssing.

Da han ble presentert for en kåpe i Union of Artists, rev han den opp, satte inn kiler. Siden den gang begynte han å gå i latterlige antrekk, bisarre klær, som han endret fra diverse gammelt søppel. Han trodde at han skapte en revolusjon i modelleringsverdenen. Han betraktet seg selv som forfatter, skrev mye under falske navn. Han kjente ikke kvinner, førte dagbøker der han skrev om sine seksuelle opplevelser. Ingen visste om han noen gang hadde besøkt et badehus. Sov på gulvet på aviser. I I det siste Jeg slapp ingen inn, jeg tok ikke imot hjelp fra naboer.»

Romlig arkitektur var et viktig tema for russisk kosmisme, så Sergey Kalmykov bygger sine Babel-tårn, strekker seg mot himmelen og designer noen beboelige kjøretøyer for verdensrommet. Noen ganger dukker det plutselig opp en frosk i hans "rompastoraler", som snart må bli en vakker prinsesse, og dette er lett å forklare, fordi kunstneren, som bodde alene, selvfølgelig drømte om en kjæreste, men ikke om "Venus med Primus ”, som han kalte en av tegningene sine, men om en søt og vakker dame.

Titlene på Kalmykovs verk er fulle av pretensiøsitet: romanen " De siste dagene omvisning i den legendariske Kasfikis, eller apoteosen til Sergei Kalmykov", selvportrett "Pretendenten til absolutt udødelighet - S. Kalmykov", "Ekstraordinære avsnitt", hans manuskripter, essays, kunsthistoriske skrifter, filosofiske diskurser og romaner er bevart : "Pigeon Book", " grønn bok”, “Boom Factory”, “Moon Jazz” og andre.

Offisiell kritikk anerkjente ikke Kalmykovs arbeid, det forårsaket "uheldig forvirring."

"Verden er syk. Og det er ikke noe overraskende i det faktum at bare kunstnere kan lede verden til frelse.". - skrev Sergey Kalmykov

Men nå henger kreasjonene hans i museene i St. Petersburg, Moskva, Astana og Almaty. Lerreter oppbevares også i private samlinger. Noen av Sergey Kalmykovs malerier er fortsatt http://bonart.kz/kalmyikov-s.html Og en av de amerikanske samlerne grunnla Sergey Kalmykov Foundation.

I 1962 trakk Sergei Kalmykov seg og ble løslatt fra jobb i teatret. For aktiv deltakelse i produksjonen og sosialt arbeid av teatret ble Kalmykov gjentatte ganger tildelt diplomer fra det øverste rådet for den kasakhiske SSR (i 1940, 1945, 1959).

I mars 1967 ble Kalmykov ført med ambulanse til sykehuset i alvorlig tilstand, hvor de konkluderte: «Utslitt, usammenhengende tale, ustø gang. Paranoid tull. Dystrofi". 27. april 1967 døde Sergei Kalmykov. Før sin død, på et sykehusrom, beundret han smaken av varm mat. Hans hvilested er ukjent. Det er rettferdig å si: planeten Jorden.

I følge de mest grove estimatene etterlot Kalmykov over halvannet tusen verk (tegninger, grafikk, malerier) og rundt ti tusen sider med manuskripter. Disse manuskriptene er i seg selv en slags «samizdat»: sammensydde, innbundne og innbundne bøker, overdådig illustrert. Uten unntak er alle tekster utført for hånd, hver bokstav er en tegning, hver side inneholder en komplett komposisjon.

Materialet bruker fotografier fra Sentralen Statsarkivet RK.

Kilder,

For det første må det sies med en gang at genialitet er en myte som har oppstått relativt nylig og som vellykket fungerer for å løse spesifikke problemer som knapt er relatert til aspektene ved virkeligheten som interesserer oss.

Hvis vi erstatter spørsmålet med et mer dekkende spørsmål "Er Pavlensky en talentfull artist-aktivist", så kan vi allerede argumentere.

Problemet med kunstnerisk aktivisme er at den kombinerer to tråder: kunst og politisk aktivisme. Som aktivist er det lite etisk å diskutere Pavlensky, siden han virkelig gjør dristige ting, hevder enkle, forståelige og sunne ideer og er ansvarlig for dem. Dessuten er hans aktivisme unektelig mer ambisiøs enn noen streik og bannerhenging, noe han absolutt fortjener respekt for.

På den annen side kan man diskutere Pavlensky som kunstner. Kritikere-filosofers holdning til ham som helhet varierer fra behersket positiv til (etter sansninger - i de fleste tilfeller) entusiastisk; problemet er at de fleste deler det Politiske Synspunkter, og det oppstår en situasjon der kritikk av Pavlensky sidestilles med støtte til regimet og generell obskurantisme.

Enhver kunstnerisk handling inkluderer to aspekter: estetisk-konseptuell omtanke og effekt. Pavlenskys aksjer er svært heterogene. Ja, mest Godt jobbet"Carcass" (den nakne artisten klatret inn i en spole av piggtråd, ble sittende fast i den, ble reddet av politiet, som umiddelbart arresterte ham), der han omhyggelig orkestrerte situasjonen med skiftende tilstander av fare-forsvarsløshet-beskyttelse-straff , fikk ikke en slik resonans som en mer grei og dum handling med å spikre pungen: dens sosiale patos ble fullstendig drept av det urovekkende bildet av kunstneren.

Handlingen med å sette fyr på døren er moderat interessant: det viktigste resultatet (i tillegg til svært vakre bilder) - handlingene til FSB-offiserene, som lukket den skadede døren med metallplater, og avslørte dermed en utrolig frykt for å ødelegge sin egen integritet. Det var en slik stigmatisering av ikke-sterilitet, et ønske om å eliminere spor av ytre forstyrrelser, selv på bekostning av å begrense ens egen frihet, dukket opp. Det kan sammenlignes med handlingen til en person som, flau av en ripe i ansiktet, vil bandasjere hele hodet, mens han mister evnen til å se.

Motsetningen mellom intensjon og resultat blir ganske åpenbar hvis man ser på aksjene til Pussy Riot (og begge tilhører i alle fall artistene). Så de gjorde det samme flere ganger (på Lobnoye mesto, på taket av en trolleybuss, i t-banen, i XXC). Hver gang er i hovedsak det samme verket, men det var "furore" av handlingen i katedralen Kristi Frelseren som brakte arbeidet deres til et helt annet nivå.

Oppsummert er jeg overbevist om at Pyotr Pavlensky er en veldig god kunstner, med en noe ujevn kreativitet, blant hvis andeler det er både fremragende verk og forbigående ting.

Han gikk ned i historien, men han vil ikke lage sin egen skole.

Hvorfor i maleriene av den såkalte. moderne kunst har ikke et slikt nivå av utdypning av detaljer, som i klassisk maleri?

Over hele verden er de spesielt elsket av amerikanerne, som ønsker å se Russland akkurat slik. Han viser livet til en russer uten «masker». Drikking, utskeielser, bunn og menneskelige laster. Noen respekterer arbeidet hans, og noen forakter. Hvert bilde bærer dyp betydning. Hvis du ser nøye etter, kan du se historien til hver karakter. Mange tror at Vasily hater, men kanskje han vil at den som så seg selv på lerretet skal forandre seg?! Arbeidet hans kan beskrives som "dystert, men sant."

Den polske surrealistiske kunstneren Jacek Yerka har sin egen spesialitet, og tegner hver eneste detalj. Hans malerier domineres av varme behagelige farger. Å se på dem omslutter en følelse av magi, naturens og verdens mektige kraft som vi kanskje ikke vet noe om. Malerier gir fritt spillerom til fantasien vår og endrer virkelighetsoppfatningen. Jacek Yerka er definitivt ekstraordinær kreativ kunstner og maleriene hans er verdt vår oppmerksomhet.

Virker tysk kunstner og illustratør Quint Buchholz gir hjernen vår "mat" til ettertanke. Jeg ønsker å gå tilbake til maleriene hans og se på dem igjen og igjen. Hver har sin egen historie. Paletten er behagelig, delikat og vektløs. Når du ser på maleriene hans, roer du deg ufrivillig ned og får en følelse av letthet. Kunstneren har holdt mer enn 70 utstillinger og maleriene hans har blitt belønnet med en rekke og internasjonale. Blant verkene hans vil alle finne noe de liker.

Malerier Amerikansk artist Mark Raiden kan i begynnelsen virke rar og litt sprø, men hvis du ser nærmere på dem, kan du se karakterenes indre opplevelser, verden av oppriktighet og ærlighet i menneskelige relasjoner og relasjoner til seg selv. Oftest ender maleriene hans på tristhet, tristhet og sorg. Fremførelsesstilen beskrives som pop, og hans signaturelement er "øye og humla", som flimrer på hvert av verkene hans.