Símbolos artísticos de diferentes países do mundo. Símbolos artísticos dos povos do mundo

Símbolos poéticos dos países do mundo

Flora e fauna como símbolos de países

Preencha o diagrama

O nome do país,

símbolo artístico

Rússia

Urso

bétula

Birch Grove

Por que você está triste, bosque de bétulas?

Que pensamento pesa em sua mente?

Eu olho para a luz através das grossas coroas de flores

E eu escuto seu barulho verde.

Você agita as folhas ansiosamente,

Correndo para abrir toda a minha alma novamente.

E eu balanço minha cabeça também

Incapaz de acalmar os pensamentos amargos.

Aqui em Rus' não há limite para as tristezas...

Vamos ficar quietos, queridos, vamos ficar de pé.

E tudo o que você queria dizer

Eu entendo e por isso estou em suas lágrimas.

Byvshev Alexandre

bétula branca

debaixo da minha janela

coberto de neve,

Exatamente prata.

Em galhos fofos

fronteira de neve

Pincéis floresceram

Franja branca.

E há uma bétula

Em silêncio sonolento

E os flocos de neve estão queimando

No fogo dourado

Um amanhecer, preguiçoso

Andando por aí,

polvilha ramos

Nova prata.

Sergey Yesenin

Japão

Fujiyama

sakura

guindaste japonês

faisão japonês

haicai (ou haicai)

• haicai (ou haicai) - Esse tipo especial um poema japonês que consiste em uma três linhas. Na maior parte, é filosófico e não rima. Claro, um tema como flores de cerejeira não poderia passar despercebido. Portanto, sugiro a leitura de alguns haicai sobre sakura.

Ela está triste

O que sol Nascente seguindo

Sob a sakura sonha suavemente

Não há estranhos entre nós

Somos todos irmãos uns dos outros

Sob as flores de cerejeira

A noite de primavera passou

Amanhecer branco virou

Um mar de flores de cerejeira

China

Panda

Peônia

Austrália

Canguru

Canadá

Castor

Bordo

Índia

Lótus

Tigre de bengala

Pavão

Inglaterra

um leão

Rosa

tailândia

elefante indiano

Mongólia

cavalo mongol

EUA

Águia careca

Mustang

Emirados Árabes Unidos

Falcão

Alemanha

Centáurea

MHK Grau 8 LIÇÃO No. _5_

Tema: Símbolos artísticos dos povos do mundo.

Metas: 1) Apresentar aos alunos os símbolos artísticos dos povos do mundo, revelar o significado da imagem da bétula russa na poesia, pintura e música

2) Melhorar o senso de linguagem, a habilidade de leitura expressiva.

3) Cultive o amor pela palavra poética, a capacidade de tratar a palavra com cuidado e consideração ao ler obras poéticas, cultivar um sentimento de amor pela pátria, a natureza.

Durante as aulas:

organizando o tempo

Atualização dos conhecimentos dos alunos sobre o tema:

Na verdade

A) O romance "Vida e aventuras incríveis Robinson Crusoe" escreveu escritor inglês D. Defoe? (Sim).

B) a palavra "civilização" no grego antigo soa como "civil, público, estatal"? (não, do latim e outros romanos).

C) Civilização - o nível de material e desenvolvimento espiritual sociedade (sim).

D) Cultura está associada à palavra “culto” e significa reverência, adoração (sim).

E) No dicionário de Ozhegov, a palavra “cultura” tem o seguinte significado: Processamento, cuidado, cultivo” e “educação mental e moral” (não, no dicionário de V. Dahl)

E) O conceito de "civilização" é mais amplo que o conceito de "cultura" (sim)

G) A cultura é um conceito temporário e a civilização é universal (não, pelo contrário)

H) Chamamos de culto aquele que age de acordo com as normas de pensamento e comportamento aceitas na sociedade (sim)

eu) imagem pessoa culta mesmo na era da antiguidade, ele tentou recriar Pitágoras (não, Platão)

K) Confúcio é um pensador japonês? (chinês não)

L) O artista Hieronymus Bosch viveu no século XV na Holanda? (Sim)

Defina o conceito de MHC

Qual deus era o patrono das artes, quais eram os nomes de seus assistentes?

Postagens de alunos sobre I. Bosch

III. Estudo novo topico:

Não consigo imaginar a Rússia sem uma bétula, -
ela é tão brilhante em eslavo,
que, talvez, em séculos diferentes
de uma bétula - nasceu toda a Rus'.
Oleg Shestinsky

1. Apresentação do tema e objetivos da aula. Hoje na aula faremos um pouco viagem ao redor do mundo e conheça os símbolos artísticos dos povos do mundo, dê um passeio pelo “país da chita de bétula” e, claro, mergulhe nas nossas extensões nativas de Kalmyk, que nos são familiares desde a infância.

2. Aprendendo novo material.

Professor: Existem mais de 250 países em nosso planeta, onde vivem vários milhares de povos diferentes, cada um com suas próprias tradições e tradições. características. Provavelmente, você já ouviu essas combinações mais de uma vez: “precisão alemã”, “bravura francesa”, “temperamento africano”, “frieza dos britânicos”, “irascibilidade dos italianos”, “hospitalidade dos georgianos” etc. eles são características e características que se desenvolveram em um determinado povo ao longo dos anos.

Bem, em cultura artística? Existem imagens e recursos tão estáveis ​​nele? Sem dúvida. Cada nação tem seu próprio simbois, refletindo ideias artísticas sobre o mundo.

Imagine que você chegou a um país desconhecido. O que vai te interessar antes de tudo? Claro, que língua é falada aqui? Quais atrações serão mostradas primeiro? O que eles adoram e no que eles acreditam? Que lendas, mitos e lendas são contadas? Como eles dançam e cantam? E muitos outros.

O que, por exemplo, será mostrado a você se você visitar o Egito?

Estudante: As antigas pirâmides, consideradas uma das maravilhas do mundo e há muito se tornaram o símbolo artístico deste país.

Estudante: No planalto rochoso do deserto, projetando sombras claras na areia, por mais de quarenta séculos surgiram três enormes corpos geométricos- pirâmides tetraédricas impecavelmente corretas, os túmulos dos faraós Quéops, Khafre e Mykerin. Seu revestimento original há muito se perdeu, as câmaras mortuárias com sarcófagos foram saqueadas, mas nem o tempo nem as pessoas foram capazes de perturbar sua forma idealmente estável. Os triângulos das pirâmides contra o céu azul são visíveis de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

Professor: Se você tem um encontro com Paris, certamente vai querer subir ao topo da famosa Torre Eiffel, que também se tornou um símbolo artístico desta incrível cidade. O que você sabe sobre ela?

Estudante: Construído em 1889 como decoração da Exposição Mundial, inicialmente despertou indignação e indignação entre os parisienses. Contemporâneos competindo uns com os outros gritaram:

Estudante: Aliás, naquela época era o prédio mais alto do mundo, sua altura era de 320 metros! Os dados técnicos da torre são surpreendentes até hoje: quinze mil peças metálicas conectadas por mais de dois milhões de rebites formam uma espécie de "laço de ferro". Sete mil toneladas repousam sobre quatro pilares e não exercem mais pressão sobre o solo do que um homem sentado em uma cadeira. Ela ia ser demolida mais de uma vez e se ergue orgulhosamente sobre Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade de uma perspectiva aérea...

Professor: E quais são os símbolos artísticos dos EUA, China, Rússia?

Estudante: Estátua da Liberdade para os EUA, Palácio Imperial cidade proibida» para a China, o Kremlin para a Rússia.

Professor: Mas muitos povos têm seus próprios símbolos poéticos especiais. Conte-nos sobre um deles?

Estudante: Ramos bizarramente curvos de cerejeira - sakura - um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

O que é a alma

Ilhas do Japão?

No aroma das cerejas da serra

Ao amanhecer.

Professor: O que há de tão atraente nas flores de cerejeira no Japão? Talvez uma abundância de pétalas de sakura brancas e rosa pálido em galhos nus que ainda não tiveram tempo de ser cobertos com vegetação?

A beleza das flores desapareceu tão rapidamente!

E a beleza da juventude era tão passageira!

A vida passou em vão...

Assistindo a longa chuva

E penso: como no mundo nem tudo é para sempre!

Komachi (traduzido por A. Gluskina)

Estudante: O poeta é atraído pela beleza da impermanência, pela fragilidade e transitoriedade da vida. As cerejeiras florescem rapidamente e a juventude é passageira.

Professor: Qual técnica artística o autor usa?

Estudante: Personificação. Uma flor de cerejeira para um poeta é um ser vivo capaz de experimentar os mesmos sentimentos que uma pessoa.

Professor:

Névoa da primavera, por que você se escondeu

Flores de cerejeira que agora estão voando por aí

Nas encostas das montanhas?

Não só o brilho é querido para nós, -

E o momento de desvanecimento é digno de admiração!

Tsurayuki (Traduzido por V. Markova)

Professor: Linhas de comentário.

Estudante: As pétalas da flor de cerejeira nunca murcham. Girando alegremente, voam para o chão ao menor sopro da brisa e cobrem o solo com flores que ainda não tiveram tempo de murchar. O momento em si é importante, a fragilidade da floração. Esta é a fonte da Beleza.

Professor: A bétula de tronco branco tornou-se um símbolo poético artístico da Rússia.

Eu amo bétula russa
Ou brilhante ou triste
Em um sarafan branqueado,
Com lenços nos bolsos
Com lindos fechos
Com brincos verdes.
eu amo ela elegante
Que claro, fervilhante,
Que triste, chorando.
Eu amo bétula russa.
Curvado baixo sob o vento
E dobra, mas não quebra!
A. Prokofiev.

Professor: Já na idade adulta, Igor Grabar disse: “O que poderia ser mais bonito do que uma bétula, a única árvore da natureza, cujo tronco é de um branco deslumbrante, enquanto todas as outras árvores do mundo têm troncos escuros. Fantástico, árvore sobrenatural, árvore de conto de fadas. Apaixonei-me apaixonadamente pela bétula russa e por muito tempo quase a pintei sozinha.

Professor: O tema da Pátria está intimamente ligado à imagem da bétula. Cada linha de Yesenin é aquecida por um sentimento de amor sem limites pela Rússia.

bétula

bétula branca

Sob minha janela.

coberto de neve,

Exatamente prata.

Em galhos fofos

fronteira de neve

Pincéis floresceram

Franja branca.

E há uma bétula

Em silêncio sonolento

E os flocos de neve estão queimando

No fogo dourado

Um amanhecer, preguiçoso

Andando por aí,

Ramos de chuveiros

Nova prata. 1913

Professor. As bétulas brancas tocam a alma não só dos nossos, mas também dos estrangeiros. Depois de visitar Moscou, o famoso jogador de futebol Pelé foi questionado sobre o que mais o impressionou e gostou na Rússia. Ele respondeu: "Bétulas".

Professor: Centenas de anos se passarão, mas a bétula simbolizará nossa pátria imortal e poderosa.

Agora vamos nos voltar para os símbolos artísticos de nossa pequena pátria- Calmúquia.

O que você acha que será o símbolo de Kalmyk?...

Rosa Cáspio da Rússia

2010 declarado o ano da saiga na Calmúquia

Tabela: preenchida durante a aula.

Um país

símbolo artístico

Trabalho de casa - escreva uma mensagem sobre qualquer imagem artística dos povos do mundo.

PIRÂMIDES

Aluno: No planalto rochoso do deserto, projetando sombras claras na areia, há mais de quarenta séculos existem três enormes corpos geométricos - pirâmides tetraédricas perfeitamente regulares, as tumbas dos faraós Quéops, Khafre e Mykerin. Seu revestimento original há muito se perdeu, as câmaras mortuárias com sarcófagos foram saqueadas, mas nem o tempo nem as pessoas conseguiram quebrar sua forma idealmente estável. Os triângulos das pirâmides contra o céu azul são visíveis de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

TORRE EIFFEL 1

Discípulo: Construído em 1889 como decoração da Exposição Mundial, a princípio despertou a indignação e indignação dos parisienses. Contemporâneos competindo uns com os outros gritaram:

“Estamos protestando contra esta coluna de chapa de ferro aparafusada, contra esta ridícula e vertiginosa chaminé de fábrica, erguida para glorificar o vandalismo industrial. A construção desta inútil e monstruosa torre Eiffel no centro de Paris não passa de uma profanação ... "

Curiosamente, este protesto foi assinado muito figuras famosas culturas: compositor Charles Gounod, escritores Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... O poeta Paul Verlaine disse que esta "torre esquelética não duraria muito", mas sua previsão sombria não estava destinada a se tornar realidade. A Torre Eiffel ainda está de pé e é uma maravilha da engenharia.

TORRE EIFFEL 2

Aluno: A propósito, naquela época era o prédio mais alto do mundo, sua altura era de 320 metros! Os dados técnicos da torre são surpreendentes até hoje: quinze mil peças metálicas conectadas por mais de dois milhões de rebites formam uma espécie de "laço de ferro". Sete mil toneladas repousam sobre quatro pilares e não exercem mais pressão sobre o solo do que um homem sentado em uma cadeira. Ela ia ser demolida mais de uma vez e se ergue orgulhosamente sobre Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade de uma perspectiva aérea...

SAKURA

Aluno: Ramos bizarramente curvos de cerejeira - sakura - um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

O que é a alma

Ilhas do Japão?

No aroma das cerejas da serra

Ao amanhecer.

Norinaga (traduzido por V. Sanovich)

BÉTULA

Eu amo bétula russa
Ou brilhante ou triste
Em um sarafan branqueado,
Com lenços nos bolsos
Com lindos fechos
Com brincos verdes.
eu amo ela elegante
Que claro, fervilhante,
Que triste, chorando.
Eu amo bétula russa.
Curvado baixo sob o vento
E dobra, mas não quebra!

A. Prokofiev.

BÉTULA

bétula branca

Sob minha janela.

coberto de neve,

Exatamente prata.

Em galhos fofos

fronteira de neve

Pincéis floresceram

Franja branca.

E há uma bétula

Em silêncio sonolento

E os flocos de neve estão queimando

No fogo dourado

Um amanhecer, preguiçoso

Andando por aí,

Ramos de chuveiros

Nova prata.

TULIPAS

Venha para a Calmúquia em abril - você verá como a estepe floresce. As tulipas o cobrem com um tapete contínuo. Amarelo, vermelho, rosa e até preto! E o cheiro... estonteante.

Como eles dizem locais: "Tulipas - são como cavalos, não crescem em um lugar. Este ano aqui, no próximo ano - em outro lugar. Às vezes você até tem que procurá-los."

O Tulip Festival é o despertar da estepe. Este feriado é muito curto: as tulipas florescem por 10 dias, não mais, e então começa o verão escaldante e quente.

Na Calmúquia, abril é a época das tulipas. A terra ganha força, ganha vida, cheia de novas cores e sons.

A vitória do sol e do calor foi coroada com uma coroa de tulipa escarlate.

LÓTUS

Uma coisa incrível, sempre quando falam sobre o Lótus, eles acreditam que esta é a flor do Egito e existe até uma lenda que o Deus do Sol Ra apareceu da flor do Lótus, dando luz e calor à Terra. No cerne das lendas sobre o lótus estão as ideias da humanidade sobre fertilidade e vida, sobre longevidade e saúde. No entanto, a Kalmykia também pode se orgulhar de ter vastas extensões onde e a "rainha dos rios" Volga, onde esta flor, chamada de "rosa do Cáspio", floresce lindamente e agrada aos olhos.

Lótus

Cabeça baixa com sono
Sob o fogo da luz do dia,
Lótus tranquilo perfumado
Esperando por noites cintilantes.

E apenas flutua
No céu uma lua suave,
Ele levanta a cabeça
Acordar do sono.

Brilha em lençóis perfumados
Suas lágrimas puras orvalham,
E ele treme de amor
Olhando tristemente para o céu.

G. Heine

saigas

Na Calmúquia, 2010 FOI declarado o Ano da Saiga. O decreto sobre isso foi assinado no último dia do outono pelo chefe da república, Kirsan Ilyumzhinov.
O seu objetivo é preservar a população da saiga europeia, um dos mais antigos representantes sobreviventes da fauna relíquia, intensificar as atividades das estruturas de conservação da natureza na República da Calmúquia e desenvolver um conjunto de medidas para melhorar a eficiência da conservação da saiga.

Kalmykia - o centro do budismo na Europa

Em 27 de dezembro de 2005, um novo templo budista foi inaugurado no centro de Elista com a estátua mais alta de Buda Shakyamuni na Europa. Este templo, construído graças aos esforços do chefe da República da Kalmykia Kirsan Ilyumzhinov, do Shajin Lama da Kalmykia Telo Tulku Rinpoche, bem como de todo o povo da Kalmykia, nos próximos anos se tornará o centro de estudo da língua tibetana Budismo, bem como um local de peregrinação para numerosos seguidores desta religião na Rússia e nos países europeus. O templo foi erguido em um local abençoado por Sua Santidade o Dalai Lama durante sua visita à Calmúquia em novembro de 2004.

Símbolos artísticos dos povos do mundo - o que são? Imagine que você chegou a um país desconhecido. O que mais lhe interessará? Quais pontos turísticos serão mostrados a você primeiro? O que as pessoas deste país adoram e acreditam? Que lendas, mitos e lendas são contadas? Como eles dançam e cantam? E muitos outros. E muitos outros.

Egito - PIRÂMIDES As pirâmides são construídas na margem esquerda ocidental do Nilo (Oeste reino dos mortos) e se elevou sobre tudo cidade dos mortos incontáveis ​​túmulos, pirâmides, templos. PIRÂMIDES DO EGÍPCIO, as tumbas dos faraós egípcios. O maior deles são as pirâmides de Quéops, Khafre e Mikerin em El Giza nos tempos antigos foram consideradas uma das Sete Maravilhas do Mundo. A construção da pirâmide, na qual gregos e romanos já viram um monumento ao orgulho e crueldade sem precedentes dos reis, que condenou todo o povo do Egito a uma construção sem sentido, foi o ato de culto mais importante e deveria expressar, aparentemente, a identidade mística do país e seu governante.

A maior das três A maior das três pirâmides de Quéops. a Pirâmide de Quéops. Sua altura era originalmente de 147 m, sua altura era originalmente de 147 m, e o comprimento do lado da base era de 232 m, e o comprimento do lado da base era de 232 m. Para sua construção, 2 milhões 300 mil pedra enorme blocos eram necessários, peso médio das quais 2,5 toneladas As lajes não foram fixadas com argamassa, apenas um encaixe extremamente preciso as segura. Nos tempos antigos, as pirâmides eram revestidas com lajes de calcário branco polido, seus topos eram cobertos com lajes de cobre que brilhavam ao sol (apenas a pirâmide de Quéops preservou o revestimento de calcário, os árabes usaram o revestimento de outras pirâmides na construção do Mesquita Branca no Cairo). Para sua construção foram necessários 2 milhões e 300 mil enormes blocos de pedra, com peso médio de 2,5 toneladas, as lajes não foram fixadas com argamassa, apenas um encaixe extremamente preciso as segura. Nos tempos antigos, as pirâmides eram revestidas com lajes de calcário branco polido, seus topos eram cobertos com lajes de cobre que brilhavam ao sol (apenas a pirâmide de Quéops preservou o revestimento de calcário, os árabes usaram o revestimento de outras pirâmides na construção do Mesquita Branca no Cairo).

Perto da pirâmide de Khafre ergue-se uma das maiores estátuas da antiguidade e do nosso tempo, uma figura de uma esfinge deitada esculpida na rocha com características de retrato do próprio faraó Khafre. Perto da pirâmide de Khafre ergue-se uma das maiores estátuas da antiguidade e do nosso tempo, uma figura de uma esfinge deitada esculpida na rocha com características de retrato do próprio faraó Khafre. Pirâmide de Khafre Khafre

América - Estátua da Liberdade Estátua da Liberdade - vista aérea A ESTÁTUA DA LIBERDADE é uma escultura colossal localizada na Ilha da Liberdade, no porto de Nova York. A estátua em forma de mulher com uma tocha acesa na mão direita levantada simboliza a liberdade. O autor da estátua escultor francês F. Bartholdi. A estátua foi doada pela França aos Estados Unidos em 1876 para o centenário da independência dos Estados Unidos.

Japão - sakura SAKURA, um tipo de cereja (cereja serrilhada). Cresce e é cultivada como planta ornamental principalmente em Extremo Oriente(a árvore é o símbolo do Japão). As flores são rosa, duplas, as folhas são roxas na primavera, verdes ou laranjas no verão, roxas ou marrons no outono. Os frutos não são comestíveis. SAKURA, um tipo de cereja (cereja serrilhada). Cresce e é cultivada como planta ornamental principalmente no Extremo Oriente (a árvore é símbolo do Japão). As flores são rosa, duplas, as folhas são roxas na primavera, verdes ou laranjas no verão, roxas ou marrons no outono. Os frutos não são comestíveis.

Sakura é considerada o símbolo artístico do Japão. Sakura é considerada o símbolo artístico do Japão. flores bonitas rosa, duplo, deixa roxo na primavera, verde ou laranja no verão, roxo ou marrom no outono. Lindas flores são rosa, duplas, as folhas são roxas na primavera, verdes ou laranja no verão, roxas ou marrons no outono. Sob os ramos de sakura, os amantes fazem desejos e se beijam. Sob os ramos de sakura, os amantes fazem desejos e se beijam. imagem de flor flores de cerejeira Também é usado em trajes nacionais japoneses. A imagem de uma cerejeira em flor também é usada em trajes nacionais japoneses. A flor de sakura é uma criatura viva que pode experimentar os mesmos sentimentos que uma pessoa. A flor de sakura é uma criatura viva que pode experimentar os mesmos sentimentos que uma pessoa.

China - Grande Muralha da China GRANDE MURALHA DA CHINA, uma muralha no norte da China; grande monumento arquitetônico China antiga. GRANDE MURALHA DA CHINA, uma muralha de fortaleza no norte da China; grandioso monumento da arquitetura da China Antiga. O comprimento, segundo algumas suposições, é de cerca de 4 mil km, segundo outras, mais de 6 mil km, 10 m Construído principalmente no século III aC. e. Seção completamente restaurada do Grande muralha da China perto de Pequim. altura 6,6 m, em algumas áreas até 10 m Construído principalmente no século III aC. e. Uma seção da Grande Muralha da China perto de Pequim foi completamente restaurada.

Convento Novodevichy Em homenagem ao nascimento do herdeiro, o futuro czar Ivan IV, em 1532 em Kolomenskoye, perto de Moscou, na margem alta e íngreme do rio Moskva, foi erguida a Igreja da Ascensão. A sua construção marca o aparecimento de novos templos aacêntricos de pedra, dinamicamente dirigidos para cima. Perto dali, na aldeia de Dyakovo, foi construída a Igreja da Decapitação de João Batista, que se distingue por uma arquitetura incomum. Em homenagem ao nascimento do herdeiro, o futuro czar Ivan IV, em 1532 em Kolomenskoye, perto de Moscou, na margem alta e íngreme do rio Moscou, foi erguida a Igreja da Ascensão. A sua construção marca o aparecimento de novos templos aacêntricos de pedra, dinamicamente dirigidos para cima. Perto dali, na aldeia de Dyakovo, foi construída a Igreja da Decapitação de João Batista, que se distingue por uma arquitetura incomum. O evento foi a construção da Catedral da Intercessão no lado sul da Praça Vermelha no fosso, mais conhecida como Catedral de São Basílio. O evento foi a construção da Catedral da Intercessão no lado sul da Praça Vermelha no fosso, mais conhecida como Catedral de São Basílio.

Catedral de São Basílio Uma das igrejas mais famosas de Moscou, construída sob o nome de Catedral Pokrovsky em homenagem à vitória sobre o Canato de Kazan na festa da Intercessão da Virgem. Posteriormente, a igreja anexa de São Basílio, o Abençoado, deu o nome a todo o templo. A coloração variegada reflete os gostos de épocas posteriores (século XVII). O templo foi originalmente pintado de vermelho e pintura branca. A Catedral da Intercessão foi concebida como a primeira catedral em toda a cidade construída fora dos muros do Kremlin e deveria simbolizar a unidade do czar com o povo. Uma das igrejas mais famosas de Moscou, construída sob o nome de Catedral Pokrovsky em homenagem à vitória sobre o Kazan Khanate na festa da Intercessão da Virgem. Posteriormente, a igreja anexa de São Basílio, o Abençoado, deu o nome a todo o templo. A coloração variegada reflete os gostos de épocas posteriores (século XVII). O templo foi originalmente pintado em vermelho e branco. A Catedral da Intercessão foi concebida como a primeira catedral em toda a cidade construída fora dos muros do Kremlin e deveria simbolizar a unidade do czar com o povo.

A Torre Spasskaya do Kremlin de Moscou A parte antiga de Moscou tem um layout radial-circular. O núcleo histórico de Moscou é o conjunto do Kremlin de Moscou, próximo a ele fica a Praça Vermelha. A parte antiga de Moscou tem um layout radial-circular. O núcleo histórico de Moscou é o conjunto do Kremlin de Moscou, próximo a ele fica a Praça Vermelha.

Campanário "Ivan, o Grande" evento importante foi a construção de novas paredes de tijolos e torres do Kremlin, que foram construídas em seis das dezoito torres eram portões de passagem. O Kremlin foi transformado em uma das fortalezas europeias mais poderosas. Um evento importante foi a construção de novas paredes de tijolos e torres do Kremlin, que foram construídas em seis torres de dezoito portas de passagem. O Kremlin foi transformado em uma das fortalezas europeias mais poderosas.

Mais de duzentos e cinquenta países, vários milhares de nacionalidades, nacionalidades, povos - grandes e pequenos - existem e interagem entre si no planeta Terra. E cada um deles tem suas próprias características, costumes e tradições, formados ao longo dos séculos. traços de caráter. Há também símbolos artísticos povos do mundo, refletindo sua ideia de ser, religião, filosofia e outros conhecimentos e conceitos. EM países diferentes Ah, eles diferem entre si, possuindo a singularidade e originalidade inerentes a este ou aquele pedaço do planeta. Eles não dependem diretamente do poder do Estado, mas às vezes são formados durante mudanças de autoridades e governantes pelo próprio povo. Quais são os símbolos artísticos dos povos do mundo no sentido geralmente aceito da palavra?

Símbolo

Grosso modo, um símbolo é um signo hipertrofiado. Ou seja, uma imagem, via de regra, esquemática e condicional, de um objeto, animal, planta, ou conceito, qualidade, fenômeno, ideia. Difere do contexto sagrado, momento da normatividade e da espiritualidade social ou místico-religiosa, expressa na imagem (via de regra, de forma esquemática e simplificada).

Símbolos artísticos dos povos do mundo

Provavelmente cada país tem o seu próprio milagres feitos pelo homem"feito por humanos. Não foi em vão que os “sete milagres” foram destacados nos velhos tempos, que eram considerados, é claro, símbolos artísticos originais (a primeira lista foi dobrada, como dizem, por Heródoto no século V aC). nova era- teve apenas três milagres). Eles incluíam os jardins da Babilônia, a estátua de Zeus e outros. A lista variou ao longo dos séculos: alguns nomes foram adicionados, outros desapareceram. Muitos símbolos artísticos dos povos do mundo não sobreviveram até hoje. Afinal, de fato, sempre houve entre vários povos um número imensurável. Apenas o número sete era considerado sagrado, mágico. Bem, o tempo preservou hoje apenas alguns símbolos dos povos do mundo.

Variedade essencial, ou modificação semântica, imagem artística, mas também seu núcleo espiritual é arte Símbolo, atuando na estética de uma das categorias significativas. Dentro da imagem está aquele componente essencial, difícil de isolar a nível analítico, que propositadamente ergue espírito do destinatário realidade espiritual, não está contida na própria obra de arte. Por exemplo, nos já mencionados "Girassóis" de Van Gogh, a imagem artística real é formada principalmente em torno da imagem visual de um buquê de girassóis em uma jarra de cerâmica e, para a maioria dos espectadores, pode se limitar a isso. Em um nível mais profundo de percepção artística em receptores com maior suscetibilidade artística e estética, essa imagem primária começa a se desdobrar em um símbolo artístico que desafia absolutamente a descrição verbal, mas é ele quem abre o portão para o espírito do espectador para algumas outras realidades, completamente percebendo evento estético desta imagem. O símbolo como uma conclusão profunda da imagem, seu conteúdo artístico e estético (não verbalizado!) essencial testemunha o alto significado artístico e estético da obra, o alto talento ou mesmo genialidade do mestre que a criou. Inúmeras obras de arte de nível médio (embora bom), via de regra, possuem apenas uma imagem artística, mas não um símbolo. Eles não trazem o destinatário para níveis mais altos realidade espiritual, mas estão limitados aos níveis emocional-psicológico e até mesmo fisiológico da psique do receptor. Quase a maioria das obras de tendências realistas e naturalistas, comédias, operetas, toda a arte de massa está nesse nível - elas têm imagens artísticas, mas são desprovidas de simbolismo artístico. É típico apenas para alto arte de qualquer tipo e culto sagrado obras de grande qualidade artística.

Junto com isso, na arte mundial existem classes inteiras de obras de arte (e às vezes grandes eras inteiras - por exemplo, arte antigo Egito), em que a imagem artística é praticamente reduzida a uma simbólica. Exemplos absolutos de tal arte são a arquitetura gótica, bizantino-russa ícone o período de seu apogeu (séculos XIV-XV para Rus') ou a música de Bach. Muitas outras obras de arte específicas podem ser citadas de quase todos os seus tipos e períodos da história, em que arte simbólica, ou símbolo artístico. Aqui é uma realidade percebida sensorialmente concretamente projetada, mais direcionada que a imagem, remetendo o destinatário à realidade espiritual no processo de contemplação não utilitária e espiritualmente ativa da obra. No processo de comunicação estética com um símbolo, surge uma substância figurativo-semântica superdensa única do ser-consciência estética, que tem a intenção de se desdobrar em outra realidade, em um cosmos espiritual holístico, em uma multiplicidade fundamentalmente não-verbalizada. espaço semântico nivelado, seu próprio campo de significados para cada destinatário, imersão na qual lhe dá prazer estético, alegria espiritual, uma sensação de prazer por sentir uma profunda fusão não fundida com esse campo, dissolvendo-se nele enquanto mantém a autoconsciência pessoal e a distância intelectual .

No campo artístico-semiótico, o símbolo está em algum lugar entre a imagem artística e o signo. Sua diferença é observada nos graus de isomorfismo e liberdade semântica, na orientação para vários níveis percepção do destinatário, ao nível da energia espiritual e estética. O grau de isomorfismo diz respeito principalmente forma externa estruturas semânticas correspondentes e diminui do mimético (no sentido estrito do termo mimese) imagem artística (aqui chega limite superior no que se chama semelhança) de um símbolo artístico a um signo convencional, que, via de regra, é geralmente desprovido de isomorfismo em relação ao significado. O grau de liberdade semântica é o mais alto para um símbolo e é amplamente determinado por uma certa “identidade” (Schelling), “equilíbrio” (Losev) da “ideia” e da “imagem” externa do símbolo. No signo e na imagem artística é inferior, porque no signo (= no símbolo filosófico, e ao nível da arte - idêntico ao signo em termos de funções alegorias)é essencialmente limitado por uma ideia abstrata que prevalece sobre a imagem, e vice-versa na imagem artística. Em outras palavras, no signo (igual à alegoria) a ideia racional, e nas imagens da arte (clássica), um grau suficientemente alto de isomorfismo com o protótipo limita a liberdade semântica dessas formações semióticas em comparação com o símbolo artístico.

Assim, eles são orientados para diferentes níveis de percepção: o signo (alegoria) - para o puramente racional, e a imagem artística e símbolo - para o espiritual e estético. Nesse caso, o símbolo (em todo lugar, como no caso da imagem, nós estamos falando O artístico símbolo) tem um foco mais nítido nos níveis mais elevados da realidade espiritual do que uma imagem, cujo campo artístico e semântico é muito mais amplo e diversificado. Finalmente, o nível de energia espiritual-estética (meditativa) de um símbolo é superior ao de uma imagem; ele parece acumular energia do mito, uma das emanações das quais, via de regra, atua. O símbolo é mais destinado a destinatários com maior suscetibilidade espiritual e estética, o que foi bem sentido e expresso em seus textos por teóricos do simbolismo e pensadores religiosos russos do início do século XX, que já vimos repetidamente e nos quais nos deteremos aqui. .

O símbolo contém em si de forma dobrada e revela à consciência algo que é em si inacessível a outras formas e métodos de comunicação com o mundo, estando nele. Portanto, não pode ser reduzido de forma alguma aos conceitos da razão ou a quaisquer outros (além dele mesmo) métodos de formalização. O significado em um símbolo é inseparável de sua forma, existe apenas nele, brilha através dele, desdobra-se a partir dele, porque somente nele, em sua estrutura, está contido algo que é organicamente inerente (pertencente à essência) simbolizado. Ou, como A. F. Losev, “o significante e o significado aqui são mutuamente reversíveis. A ideia é dada de forma concreta, sensual; visualmente, não há nada nela que não esteja na imagem, e vice-versa.

Se um símbolo artístico difere de um símbolo filosófico (= signo) no nível semântico, então difere até certo ponto dos símbolos culturais, mitológicos e religiosos essencialmente ou substancialmente. Um símbolo artístico ou estético é um mediador dinâmico e criativo entre o divino e o humano, verdade e aparência (aparência), ideia e fenômeno no nível da experiência espiritual e estética, consciência estética (ou seja, no nível semântico). À luz de um símbolo artístico, mundos espirituais holísticos são abertos à consciência, não explorados, não revelados, não pronunciáveis ​​e não descritos de nenhuma outra forma.

Por sua vez, os símbolos religiosos-mitológicos (ou culturais gerais, arquetípicos) têm substancial ou pelo menos energia em comum com o que é simbolizado. O pensamento cristão se aproximou da essência de tal compreensão do símbolo desde a época da patrística, mas foi expresso e formulado com mais clareza pelo pe. Pavel Florensky, confiando na experiência da patrística, por um lado, e nas teorias de seus contemporâneos-simbolistas, especialmente seu professor Vyach. Ivanova, por outro.

Ele estava convencido de que "no nome - o nomeado, no símbolo - o simbolizado, na imagem - a realidade do retratado presente, e isso porque o símbolo Há simbolizado" 277. Na obra "Imeslavie como uma premissa filosófica" Florensky deu uma das definições mais amplas de um símbolo, que mostra sua natureza dual: "Ser, que é maior do que si mesmo, é a definição básica de um símbolo. Um símbolo é algo que é aquilo que não é ele mesmo, maior que ele, mas essencialmente manifestado por meio dele. Revelamos esta definição formal: um símbolo é tal entidade, cuja energia, fundida ou, mais precisamente, fundida com a a energia de alguma outra entidade, mais valiosa a esse respeito, carrega dessa forma em si esta última.

O símbolo, segundo Florensky, fundamentalmente antinômico, aqueles. une coisas que se excluem do ponto de vista do pensamento discursivo unidimensional. Portanto, sua natureza é difícil de compreender por uma pessoa da cultura européia moderna. Porém, para o pensamento dos povos antigos, o símbolo não apresentava nenhuma dificuldade, sendo muitas vezes o elemento principal desse pensamento. Essas personificações da natureza na poesia popular e na poesia da antiguidade, que agora são percebidas como metáforas, não são de forma alguma - acreditava Florensky - isso é precisamente símbolos no sentido acima, e não "decorações e temperos de estilo", não figuras retóricas. "... Para o poeta antigo, a vida dos elementos não era um fenômeno de estilo, mas uma expressão profissional da essência." Para um poeta moderno, apenas em momentos de inspiração especial “essas camadas profundas da vida espiritual rompem a crosta da visão de mundo de nosso tempo, que lhes é estranha, e o poeta nos fala em linguagem inteligível sobre uma vida incompreensível a nós com todas as criaturas de nossa própria alma” 279.

O símbolo, no entender do Pe. Paulo, tem "dois limiares de receptividade" - superior e inferior, dentro dos quais ele ainda permanece um símbolo. A superior protege o símbolo do "exagero do misticismo natural da matéria", do "naturalismo", quando o símbolo é totalmente identificado com o arquétipo. A Antiguidade muitas vezes caiu neste extremo. A Nova Era caracteriza-se por ir além do limite inferior, quando a conexão subjetiva entre o símbolo e o arquétipo é quebrada, sua substância-energia comum é ignorada, e o símbolo é percebido apenas como um signo do arquétipo, e não como um portador de energia material.

O símbolo, Florensky está convencido, é “um fenômeno fora da essência mais íntima”, a descoberta da própria essência, sua corporificação em ambiente externo. É nesse sentido, por exemplo, no simbolismo sagrado e secular que a vestimenta atua como símbolo do corpo. Bem, a manifestação final de tal símbolo na arte é, de acordo com Florensky e os antigos pais da Igreja, ícone como fenômeno artístico sacro ideal, dotado da energia do arquétipo.

O resultado no campo das buscas filosóficas pela compreensão do símbolo artístico foi resumido em uma série de trabalhos A.F. Losev, assim como Florensky, que se considerava simbolista. Em A dialética da forma artística, ele mostra, como vimos, a ontologia do desdobramento de uma série expressiva do Primordial em eidos – mito – símbolo – personalidade etc. O símbolo, portanto, no Losev inicial aparece como uma emanação, ou expressão, mito. "Finalmente sob símbolo eu entendo esse lado mito, que é especialmente expressivo. O símbolo é a expressividade semântica do mito, ou a face externa do mito"280. Com a ajuda do símbolo, a expressão essencial pela primeira vez atinge o nível de manifestação externa. O mito, como base e vida profunda da consciência, revela-se fora do símbolo e realmente o compõe (o símbolo) base vital, seu significado, sua essência. Losev sente profundamente essa dialética de mito e símbolo e procura fixá-la com a maior precisão possível no nível verbal. “O símbolo é o eidos do mito, o mito é como o eidos, a face da vida. O mito é a vida interior de um símbolo, o elemento da vida que dá origem à sua face e aparência externa. Assim, no mito, o significado essencial, ou eidos, encontrou uma corporificação profunda no "elemento da vida", e no símbolo adquiriu uma dimensão externa expressão, aqueles. realmente apareceu em realidade artística.

Losev lidou com o problema do símbolo ao longo de sua vida. Em um de seus trabalhos posteriores, O problema do símbolo e da arte realista (1976), ele apresenta o seguinte resumo estendido de sua pesquisa:

"1) O símbolo de uma coisa é de fato seu significado. No entanto, é esse significado que a constrói e a gera modelarmente. Ao mesmo tempo, é impossível parar no fato de que o símbolo de uma coisa é sua reflexão, ou no fato de que o símbolo de uma coisa dá origem à própria coisa. E em ambos os casos, a especificidade do símbolo é perdida, e sua relação com a coisa é interpretada no estilo do dualismo metafísico ou logicismo, há muito desaparecido na história. O símbolo de uma coisa é seu reflexo, mas não passivo, não morto, mas aquele que carrega força e poder em si. a própria realidade, pois uma vez que o reflexo recebido é processado na consciência, analisado no pensamento, limpo de tudo aleatório e insignificante e chega a um reflexo não apenas da superfície sensorial das coisas, mas de suas leis internas. a mesma coisa objetiva, mas em sua regularidade interna, e não no caos de amontoados aleatórios. " Esta geração é apenas a penetração na base profunda e regular das próprias coisas, representadas na reflexão sensorial, apenas muito vaga, indefinida e caótica.

2) O símbolo de uma coisa é sua generalização. No entanto, essa generalização não é morta, não é vazia, não é abstrata e não é estéril, mas permite, ou melhor, até manda voltar às coisas generalizadas, introduzindo nelas uma regularidade semântica. Em outras palavras, a generalidade que existe no símbolo, implícita, já contém tudo o que é simbolizado, mesmo que seja infinito.

3) O símbolo de uma coisa é a sua lei, mas tal lei que gera as coisas de forma semântica, deixando intacta toda a sua concretude empírica.

4) O símbolo de uma coisa é a ordem regular de uma coisa, mas dada na forma princípio geral construção semântica, na forma de um modelo gerador.

5) O símbolo de uma coisa é sua expressão interno-externo, mas é concebido de acordo com o princípio geral de sua construção.

6) O símbolo de uma coisa é sua estrutura, mas não solitária ou isolada, mas carregada de uma série finita ou infinita de manifestações individuais correspondentes dessa estrutura.

7) O símbolo de uma coisa é seu signo, porém não morto e imóvel, mas dando origem a numerosas, e talvez incontáveis ​​estruturas regulares e únicas, designadas por ela em visão geral como uma imagem ideológica abstratamente dada.

8) O símbolo de uma coisa é o seu signo, que nada tem em comum com o conteúdo imediato dessas singularidades aqui designadas, mas essas singularidades designadas distintas e opostas são aqui determinadas por aquele princípio construtivo geral que as transforma em um único totalidade dividida, dirigida de uma certa maneira.

9) O símbolo de uma coisa é a identidade, a interpenetração da coisa significada e a imagem ideológica que a significa, mas essa identidade simbólica é uma totalidade unidividida, determinada por um ou outro princípio único que a gera e a transforma em uma série finita ou infinita de várias singularidades naturalmente obtidas, que se fundem na identidade geral do princípio ou modelo que lhes deu origem como em um certo comum para eles limite ". 282

Na história do pensamento estético, o conceito clássico de símbolo foi mais plenamente desenvolvido pelos simbolistas do final do século XIX e início do século XX, como já discutimos acima. No século vinte o conceito de símbolo ocupa um lugar de destaque na estética hermenêutica. Em particular, GG Gadamer acreditava que o símbolo é até certo ponto idêntico jogo; não remete o observador a outra coisa, como muitos simbolistas acreditavam, mas incorpora seu significado em si mesmo, ele próprio manifesta seu significado, como a obra de arte baseada nele, ou seja, é um "aumento do ser". Assim, Gadamer marca a destruição da compreensão clássica tradicional do símbolo e delineia novas abordagens não clássicas a ele, em cujas variações semânticas se basearão a estética do pós-modernismo e muitas práticas artísticas da segunda metade do século XX.

Na estética não clássica, as categorias tradicionais de imagem E símbolo são frequentemente substituídos e substituídos pelo conceito simulacro- “semelhança”, que não possui nenhum protótipo, arquétipo. Alguns pensadores de orientação pós-moderna retêm os conceitos de símbolo e simbólico, mas são preenchidos pelo espírito da teoria psicanalítica estrutural com conteúdo não tradicional. Em particular, J. Lacan compreende o simbólico como o universal primário em relação ao ser e à consciência, gerando todo o universo semântico do discurso simbólico, como o único real e acessível à percepção humana, gerando a própria pessoa pelo ato de nomeá-la.

Cânone

Durante várias épocas e tendências da arte, onde predominava o símbolo artístico e não a imagem, um papel proeminente no processo criativo foi desempenhado pelo pensamento artístico canônico, a normatização da criatividade, a canonização do sistema de meios visuais e expressivos e princípios. Assim, em primeiro lugar, ao nível da estética implícita cânone tornou-se uma das categorias essenciais da estética clássica, definindo toda uma classe de fenômenos na história da arte. Geralmente significa um sistema de regras e normas criativas internas que prevalecem na arte em algum período histórico ou em alguma direção artística e fixam as principais leis estruturais e construtivas de tipos específicos de arte.

A canonicidade é inerente principalmente à arte antiga e medieval. O cânone de proporções foi estabelecido em plástico do Antigo Egito corpo humano, que foi repensado pelos antigos clássicos gregos e fixado teoricamente pelo escultor Polykleitos (século V aC) no tratado "Canon" e praticamente incorporado na estátua "Dorifor", também chamada de "Canon". O sistema de proporções ideais do corpo humano desenvolvido por Polykleitos tornou-se a norma para a antiguidade e, com algumas mudanças, para os artistas do Renascimento e do Classicismo. Vitrúvio aplicou o termo "cânone" ao conjunto de regras para a criatividade arquitetônica. Cícero usou a palavra grega "cânon" para denotar uma medida do estilo de oratória. Na patrística cânone a totalidade dos textos das Sagradas Escrituras, legalizados pelos concílios da igreja, foi chamada.

Nas artes visuais do Oriente e Idade Média européia, especialmente no culto, o cânone iconográfico foi estabelecido. Elaborados no processo de uma prática artística secular, os principais esquemas compositivos e os correspondentes elementos da imagem de determinadas personagens, as suas vestes, posturas, gestos, detalhes paisagísticos ou arquitetónicos circulam desde o século IX. foram fixados como canônicos e serviram de modelo para artistas dos países da área cristã oriental até o século XVII. A música e a poesia bizantinas também obedeciam a seus próprios cânones. Em particular, uma das formas mais complexas de hinografia bizantina (século VIII) foi chamada de "cânone". Consistia em nove canções, cada uma com uma estrutura específica. A primeira estrofe de cada música (irmos) era quase sempre composta a partir de temas e imagens retiradas de Antigo Testamento, no restante dos poemas, os temas de irmos se desenvolveram poética e musicalmente. Na música da Europa Ocidental dos séculos XII-XIII. sob o nome de "canon", uma forma especial de polifonia está sendo desenvolvida. Seus elementos foram preservados na música até o século XX. (por P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich e outros). A padronização canônica da arte na estética do classicismo é bem conhecida, muitas vezes evoluindo para o academicismo formalista.

O problema do cânone foi colocado em nível teórico nos estudos estéticos e artísticos apenas no século XX; mais produtivo nas obras de P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman e outros cientistas russos. Florensky e Bulgakov consideraram o problema do cânone em relação à pintura de ícones e mostraram que o cânone iconográfico consolidou a secular experiência espiritual-visual da humanidade (a experiência conciliar dos cristãos) ao penetrar no mundo divino, que liberou ao máximo “o energia criativa do artista para novas conquistas, para altos e baixos criativos” 283 . Bulgakov viu no cânon uma das formas essenciais da "Tradição da Igreja".

Losev definiu o cânone como "um modelo quantitativo e estrutural de uma obra de arte desse estilo, que, sendo um certo indicador sócio-histórico, é interpretado como o princípio de construção de um conjunto conhecido de obras" 284 . Lotman estava interessado no aspecto informacional-semiótico do cânone. Ele acreditava que o texto canonizado é organizado não de acordo com o modelo da linguagem natural, mas “de acordo com o princípio da estrutura musical” e, portanto, atua não tanto como fonte de informação quanto como seu ativador. O texto canônico reorganiza as informações do sujeito de uma nova maneira, "recodifica sua personalidade" 285 .

O papel do cânone no processo de existência histórica da arte é duplo. Sendo o portador das tradições de determinado pensamento artístico e da prática artística correspondente, o cânone no nível estrutural e construtivo expressava o ideal estético de uma determinada época, cultura, povo, direção artística, etc. Este é o seu papel produtivo na história da cultura. Quando o ideal estético e todo o sistema de pensamento artístico mudaram com a mudança das eras culturais e históricas, o cânone de uma época passada tornou-se um freio no desenvolvimento da arte, impedindo-a de expressar adequadamente a situação espiritual e prática de seu tempo. No processo de desenvolvimento cultural e histórico, esse cânone é superado por uma nova experiência criativa. Numa obra de arte particular, o esquema canônico não é o portador do próprio significado artístico, que surge a partir dele (nas artes "canônicas", graças a ele) em todo ato de criação artística ou percepção estética, no processo de a formação de uma imagem artística.

O significado artístico e estético do cânone reside no fato de que o esquema canônico, fixado de alguma forma materialmente ou existente apenas na mente do artista (e na percepção dos portadores dessa cultura), sendo base construtiva de um símbolo artístico, como se provocasse um talentoso mestre a superá-lo concretamente dentro dela pelo próprio sistema de desvios pouco perceptíveis, mas artisticamente significativos, nas nuances de todos os elementos da linguagem pictórica e expressiva. Na psique do observador, o esquema canônico despertou um complexo estável de informações tradicionais para seu tempo e cultura, e variações específicas artisticamente organizadas dos elementos da forma o levaram a perscrutar profundamente uma imagem aparentemente familiar, mas sempre um tanto nova, ao desejo de penetrar em seus fundamentos arquetípicos essenciais, à descoberta de alguns ainda desconhecidos de suas profundezas espirituais.

A arte da Nova Era, a partir do Renascimento, está se afastando ativamente do pensamento canônico em direção a um tipo de criatividade pessoal-individual. A experiência da "catedral" está sendo substituída pela experiência individual do artista, sua visão pessoal original do mundo e a capacidade de expressá-la em formas artísticas. E só em rápido-cultura, começando pela pop art, conceptualismo, pós-estruturalismo e pós-modernismo, no sistema de pensamento artístico e humanitário, princípios próximos do canónico, alguns simulacros cânone ao nível dos princípios convencionais da criatividade, quando nos domínios da produção artística e da sua descrição verbal (a mais recente hermenêutica da arte) se formam peculiares técnicas canónicas e tipos de criação de produtos artísticos e o seu suporte verbal. Hoje pode-se falar dos "cânones", ou melhor, dos quase-cânones da pop art, do conceitualismo, da "nova música", da crítica de arte "avançada", do discurso filosófico e estético etc., cujo significado só está disponível para aqueles "iniciado" nos "jogos de regras" dentro desses espaços canônico-convencionais e está fechado a todos os outros membros da comunidade, não importa em que nível de desenvolvimento espiritual-intelectual ou estético eles se encontrem.

Estilo

Outra categoria significativa na filosofia da arte e na história da arte é estilo. Na verdade é mais livre nas formas de manifestação e uma espécie de modificação cânone, mais precisamente - razoavelmente estável por um determinado período na história da arte, uma direção específica, tendência, escola ou um artista, difícil de descrever um sistema multinível de princípios de pensamento artístico, formas de expressão figurativa, técnicas figurativas e expressivas, estruturas construtivas e formais e assim por diante. Nos séculos XIX-XX. esta categoria foi vigorosamente desenvolvida por muitos historiadores e teóricos da arte, estetas e filósofos. A escola de críticos de arte G. Wölfflin, A. Riegl e outros entendiam por estilo um sistema bastante estável de características formais e elementos da organização de uma obra de arte (planicidade, volume, pitoresco, qualidade gráfica, simplicidade, complexidade, abertura ou forma fechada, etc.) e com base nisso considerado é possível considerar toda a história da arte como uma história supra-individual de estilos (“a história da arte sem nomes” - Wölfflin). A.F. Losev definiu o estilo como “o princípio de construir todo o potencial de uma obra de arte com base em suas várias atribuições supraestruturais e extraartísticas e seus modelos primários, sentidos, porém, imanentemente pelas estruturas artísticas da obra” 286 .

VOCÊ. Spengler em O Declínio da Europa, deu especial atenção ao estilo, como uma das principais e essenciais características da cultura, suas certas fases epocais. Para ele, o estilo é um “sentido metafísico da forma”, que é determinado pela “atmosfera da espiritualidade” de uma determinada época. Não depende de personalidades, nem do material ou tipos de arte, nem mesmo dos rumos da arte. Como uma espécie de elemento metafísico desse estágio da cultura, o próprio “grande estilo” cria personalidades, tendências e épocas na arte. Ao mesmo tempo, Spengler entende estilo em um sentido muito mais amplo do que artístico e estético. "Os estilos se sucedem, como ondas e pulsos. Eles não têm nada em comum com a personalidade de cada artista, sua vontade e consciência. Pelo contrário, é o estilo que cria as coisas mais tipo artista. O estilo, como a cultura, é um fenômeno primordial no sentido goetheiano mais estrito, não importa o estilo das artes, religiões, pensamentos ou o próprio estilo de vida. Como a "natureza", o estilo é uma experiência sempre nova de uma pessoa desperta, seu alter ego e imagem espelhada no mundo circundante. É por isso que no quadro histórico geral de qualquer cultura só pode haver um estilo - estilo desta cultura 287 . Ao mesmo tempo, Spengler não concorda com a classificação bastante tradicional de “grandes estilos” na história da arte. Ele, por exemplo, acredita que o gótico e o barroco não são estilos diferentes: "estes são a juventude e a velhice do mesmo conjunto de formas: o amadurecimento e o amadurecimento do estilo ocidental" 288 . O historiador de arte russo moderno V.G. Vlasov define estilo como "o significado artístico da forma", como sentimento“um artista e um espectador da integridade abrangente do processo de formação artística no tempo e no espaço históricos. O estilo é a experiência artística do tempo. Ele entende estilo como "uma categoria de percepção artística" 289 . E esta série de definições e entendimentos bastante diferentes de estilo pode ser continuada 290 .

Cada um deles tem algo em comum e algo que contradiz outras definições, mas no geral sente-se que todos os pesquisadores adequadamente sentir(entende intrinsecamente) a essência profunda desse fenômeno, mas não consegue expressá-lo com precisão em palavras. Isso indica mais uma vez que o estilo, como muitos outros fenômenos e fenômenos da realidade artística e estética, é uma questão relativamente sutil para que possa ser definido de forma mais ou menos adequada e inequívoca. Aqui, apenas algumas abordagens descritivas circulares são possíveis, o que acabará por criar na percepção do leitor uma ideia bastante adequada do que realmente está sendo discutido.

No nível épocas culturais e tendências da arte, os pesquisadores falam sobre os estilos de arte do Egito Antigo, Bizâncio, Românico, Gótico, Classicismo, Barroco, Rococó, Art Nouveau. Durante os períodos de indistinção dos estilos globais de uma época ou de uma grande tendência, eles falam sobre os estilos de escolas individuais (por exemplo, para o Renascimento: os estilos das escolas sienense, veneziana, florentina e outras) ou os estilos de escolas específicas artistas (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman, etc.).

Na história da arte, os principais estilos surgiram, via de regra, em eras sintéticas, quando as principais artes se formaram até certo ponto com base no princípio de algum tipo de unificação em torno e com base na arte principal, que geralmente era a arquitetura. Pintura, escultura, Artes Aplicadas, às vezes a música era guiada por ela, ou seja. sobre o sistema de princípios de trabalho com a forma e a imagem artística (princípios de organização do espaço, em particular), que está a emergir na arquitetura. É claro que o estilo na arquitetura e em outras formas de arte (assim como o estilo de vida ou o estilo de pensamento - eles também falam sobre esses estilos) foi formado histórica e intuitivamente, extraconsciente. Ninguém jamais se propôs uma tarefa específica: criar tal e tal estilo, diferenciado por tais e tais traços e características. Na verdade, o estilo "grande" é um ótimo mediado de forma complexa manifestação e expressão artística no nível macro (nível de toda uma época ou de um grande movimento artístico) de certas características essenciais espirituais, estéticas, ideológicas, religiosas, sociais, sujeito-práticas de uma certa comunidade histórica de pessoas, um estágio etno-histórico específico da cultura ; uma espécie de macroestrutura do pensamento artístico, adequada a uma determinada comunidade sócio-cultural, etno-histórica de pessoas. Os materiais específicos da arte, a técnica e a tecnologia de seu processamento no processo criativo também podem ter alguma influência no estilo.

O estilo é, até certo ponto, um sistema materialmente fixo e relativamente definido de princípios figurativo-expressivos do pensamento artístico, bem e precisamente percebido por todos os destinatários com um certo nível de talento artístico, sensibilidade estética, “senso de estilo”; esta é uma tendência mais ou menos claramente sentida em direção a uma modelagem artística holística, expressando profundas intuições espirituais e plásticas (inconsciente artístico coletivo, arquétipos plásticos, protoformas, experiências catedrais, etc.) de uma determinada época, período histórico, direção, personalidade criativa, subindo para sentir o espírito de seu tempo; é, figurativamente falando, caligrafia estéticaépocas; ótimo para uma determinada época (direções, escolas, personalidades) modelo de exibição estética(sistema de característica princípios de organização meios artísticos e métodos de expressão), internamente espiritualizado vitais para esta era princípios não-verbalizados, ideais, ideias, impulsos criativos dos mais altos níveis da realidade. Se não houver essa espiritualidade, o estilo desaparece. Apenas seus traços externos permanecem: maneira, sistema de recepções.

O estilo, por toda a tangibilidade de um senso estético altamente desenvolvido de sua presença em certas obras de arte, mesmo para os "grandes" fenômenos estilísticos, não é algo absolutamente definido e "puro". Com a presença e predominância de um conjunto integral de certas características estilísticas dominantes, quase todas as obras desse estilo sempre contêm elementos e recursos aleatórios para ele, estranhos a ele, o que não só não diminui o "estilismo" de esta obra, mas, pelo contrário, aumenta o seu valor artístico, a sua atividade, a sua vitalidade concreta como fenómeno estético deste estilo particular. Assim, por exemplo, a presença de muitos elementos românicos nos monumentos da arquitetura gótica apenas enfatiza a expressão da originalidade gótica desses monumentos.

Para concluir a conversa sobre estilo, tentarei dar descrição breve um dos "grandes" estilos, mostrando ao mesmo tempo a insuficiência de tal descrição verbal. Tomemos, por exemplo, gótico- um dos maiores estilos internacionais de arte europeia desenvolvida (breves características de características estilísticas classicismo E barroco podem ser encontrados acima (Seção Um. Ch. I. § 1), onde aparecem como descrições das características da consciência artística e estética das tendências correspondentes na arte).

Gótico (o termo vem de “godos” - nomeação generalizada pelos romanos de tribos européias que conquistaram o Império Romano nos séculos III-V, sinônimo de “bárbaros”; como característica da arte, os pensadores renascentistas começaram a aplicar arte medieval em um sentido zombeteiramente depreciativo), que dominou a arte da Europa Ocidental nos séculos XIII-XV, surgiu como a forma estilística mais elevada, última e mais adequada de expressão artística do próprio espírito cultura cristã em sua modificação ocidental (no Oriente - na área ortodoxa - uma expressão semelhante foi o estilo bizantino que floresceu em Bizâncio e nos países de sua influência espiritual - especialmente ativo entre os povos eslavos do sul e na antiga Rus'). Foi formado principalmente na arquitetura e se espalhou para outros tipos de arte, principalmente relacionados ao culto cristão e ao estilo de vida dos citadinos cristãos medievais.

O significado profundo desse estilo reside na expressão artística consistente da essência da cosmovisão cristã, que consiste em afirmar a prioridade do princípio espiritual no homem e no Universo sobre o material, com profundo respeito interno pela matéria como portadora do espiritual, sem e fora do qual não pode existir na Terra. O gótico alcançou a esse respeito, talvez, o melhor possível na cultura cristã. A superação da matéria, material, materialidade pelo espírito, espiritualidade foi realizada aqui com incrível poder, expressão e consistência. Isso foi especialmente difícil de implementar na arquitetura de pedra, e foi aqui que os mestres góticos atingiram o auge da perfeição. caminho trabalho meticuloso Muitas gerações de construtores, guiados por algum tipo de mente artística catedrática unificada de seu tempo, buscaram consistentemente maneiras de desmaterializar completamente as pesadas estruturas de pedra das abóbadas do templo no processo de transição da abóbada de cruz para a abóbada de nervuras, na qual o expressão da tectônica construtiva foi completamente substituída pela plasticidade artística.

Com isso, o peso do material (pedra) e as técnicas construtivas voltadas para a superação de suas propriedades físicas ficam totalmente escondidas de quem entra no templo. O templo gótico é transformado por meios puramente artísticos (organizando o espaço interno e a aparência plástica externa) em um fenômeno escultórico e arquitetônico especial da transformação essencial (transformação) do continuum espaço-tempo terrestre em um espaço completamente diferente - mais sublime , extremamente espiritualizado, irracional-místico em sua orientação interna. Em última análise, todas as principais técnicas e elementos artísticos e expressivos (e também construtivos e compositivos) que juntos criam o estilo gótico funcionam para isso.

Estes incluem colunas finas e graciosas de perfil complexo (ao contrário dos maciços pilares românicos), ascendendo a uma altura quase inacessível às abóbadas lancetas sem peso, afirmando a predominância do vertical sobre o horizontal, a dinâmica (ascensão, ereção) sobre a estática, a expressão sobre o repouso. Na mesma direção, trabalham inúmeros arcos de lanceta e abóbadas, com base nas quais o espaço interno do templo é realmente formado; enormes janelas de lanceta cheias de vitrais coloridos, criando uma indescritível vibração constante e mudando a atmosfera surreal de cor clara no templo; naves alongadas, conduzindo o espírito do observador ao longo de um caminho estreito, visualmente ascendente e de longo alcance até o altar (espiritualmente também contribuem para a ascensão, ereção para cima, para outro espaço); altares de fechamento em lanceta entalhada com imagens góticas dos acontecimentos e personagens centrais do evangelho e estruturas de altares em lanceta vazada - retábulos (Retábulo Francês - atrás da mesa). Na mesma forma alongada de lanceta, são feitos os assentos no altar e no templo, itens de serviço e aplicados e utensílios do templo.

Os templos góticos por fora e por dentro estão repletos de uma enorme quantidade de escultura tridimensional, feita, como a pintura gótica, de maneira próxima ao naturalista, que também foi enfatizada na Idade Média pelo colorido realista das esculturas. Assim, criou-se uma certa oposição espaço-ambiental entre a arquitetura extremamente irracional que aspira a distâncias místicas e a plasticidade terrena e a pintura que organicamente afluem construtivamente, mas se opõem a ela em espírito. No nível artístico (e este é um traço característico do estilo gótico), expressava-se a antinomia essencial do cristianismo: a unidade dos princípios opostos no homem e no mundo terreno: espírito, alma, espiritual e matéria, corpo, corporal.

Ao mesmo tempo, não se pode falar no sentido literal do naturalismo da escultura e pintura gótica. Este é um naturalismo especial, de inspiração artística, repleto de matéria artística sutil, elevando o espírito do observador aos mundos espiritual e estético. Com o naturalismo peculiar das expressões faciais e gestos de fileiras aparentemente estatuárias de estátuas góticas, impressiona a riqueza e a plasticidade artística das dobras de suas roupas, sujeitas a algumas forças fisicamente incondicionadas; ou a requintada linha de curvatura dos corpos de muitas figuras góticas ainda em pé - a chamada curva gótica (dobra em forma de S da figura). A pintura gótica está sujeita a algumas leis peculiares de expressão de cores especiais. Muitos rostos, figuras, roupas quase naturalisticamente (ou ilusórias) escritas em pinturas de altar surpreendem com seu poder sobrenatural superreal. Um exemplo notável a esse respeito é a arte do artista holandês Rogier van der Weyden e alguns de seus alunos.

As mesmas características estilísticas são características de aparência Templos góticos: escultural, aspiração para cima de toda a aparência devido às formas lancetadas de arcos, abóbadas, todos os pequenos elementos arquitetônicos e, finalmente, as enormes flechas coroando os templos a céu aberto, como se tecidas de rendas de pedra, torres para fins puramente decorativos e fins arquitetônicos; rosetas de janela geometricamente precisas e decorações ornamentais incontáveis, contrastando dentro de um único organismo arquitetônico inteiro com a plasticidade semi-naturalista de esculturas e ornamentos florais frequentes de galhos com folhas. A natureza orgânica e uma forma matematicamente verificada e geometricamente prescrita formam no gótico uma imagem integral altamente artística e altamente espiritual, orientando, aspirando, elevando o espírito de um crente ou sujeito estético a outras realidades, a outros níveis de consciência (ou ser). Se acrescentarmos a isso a atmosfera sonora (a acústica nas igrejas góticas é excelente) do órgão e do coro da igreja, por exemplo, canto gregoriano, então a imagem de algumas características essenciais do estilo gótico será mais ou menos completa, embora longe de ser suficiente.