Mirage intriga no inspetor de comédia. A peculiaridade do conflito

Em 1856, a primeira edição do poema "O Demônio" de Mikhail Lermontov foi publicada na cidade alemã de Karlsruhe e, no mesmo ano, o futuro artista Mikhail Vrubel nasceu em Omsk. "Demon" era um programa de imagem-símbolo, uma forma artística de cosmovisão filosófica e herói lírico muitas obras de ambos os artistas.

E o demônio orgulhoso não ficará para trás

Enquanto eu viver de mim,

E vai iluminar minha mente

feixe fogo milagroso;

Mostre a imagem da perfeição

E de repente tirar para sempre

E, dando premonições de bem-aventurança,

Nunca me dê felicidade.

O Demônio de Lermontov se apaixona por princesa georgiana Tâmara; ela é uma imagem da perfeição da beleza terrena e da pureza angelical; mas também nele há uma atração pelo desconhecido e majestoso, nasce uma dúvida nas regras estabelecidas e no catecismo da fé. Em seu leito de morte em seus lábios "sorriso estranho":

O que há nele? Uma zombaria do destino

É dúvida invencível?

Ou frio desprezo pela vida?

Ou orgulhosa inimizade com o céu?

Entre os heróis de Vrubel estão os personagens de Shakespeare e Goethe. Tanto em Fausto quanto no coro das bruxas em "Macbeth" ("Mal - no bem, bem - no mal") o artista encontra a dialética demoníaca.

Pushkin não podia e não tinha tal musa com a harmonia olímpica de sua visão de mundo e a saudável alegria de ser. Em Onegin e outras obras, Pushkin olhou ironicamente para o demonismo byroniano, na moda em sua época, como uma máscara secular, como uma "paródia".

Depois do Demônio, talvez, apenas Hamlet fosse um forte apego, o interlocutor de Vrubel. Em sua opinião, nenhum dos atores contemporâneos penetrou na essência do príncipe dinamarquês. "Se eu tiver dinheiro, alugo um teatro, encontro atores e interpreto Hamlet de verdade", Vrubel disse uma vez a seu círculo de amigos. "Olhe no espelho, que tipo de Hamlet você é?" Vrubel respondeu. "Você é um anão, você tem um dente que assobia e uma voz de ventríloquo Nem uma única pessoa irá assistir como você distorcerá Shakespeare! .. - Bem? - Vrubel objetou friamente. - Isso não me toca; vou jogar sozinho na frente de um salão vazio, isso é o suficiente para mim " 1 .

Depois de completar as ilustrações das obras de Lermontov, Vrubel, atormentado pelo Demônio, se liberta de seu feitiço e de sua opressão e por quase 10 anos não volta à imagem deste "mestre do mal". Dez anos livre do Demônio foram, talvez, a época mais feliz de toda a sua vida. Estes são os anos de um feliz amor conjugal, o surgimento de forças criativas, mais duráveis ​​\u200b\u200bdo que antes, sucesso com os clientes.

No final de dezembro de 1898, Vrubel escreveu a Rimsky-Korsakov: “Estou preparando O Demônio.” A dolorosa busca continuou por três anos. Em dezembro de 1901, a pintura Demon Downcast foi concluída. em exposições em Moscou e especialmente em St. Petersburg, onde a foto estava em fevereiro - março de 1902. Alexandre Benois diz: "Todas as manhãs, até às 12h, o público podia ver como Vrubel" completava "o seu quadro. Neste última luta(2 meses depois o artista já estava no hospital) aconteceu algo terrível e monstruoso. Todos os dias encontramos novas e novas mudanças. O rosto do Demônio tornou-se cada vez mais terrível, cada vez mais doloroso; sua postura, sua constituição tinha algo torturado e retorcido, algo estranho e doloroso ao extremo, o colorido geral, ao contrário, torna-se cada vez mais encantador, brilhante. Todo um fogo de artifício de cores de pavão espalhadas sobre as asas do Demônio, as montanhas atrás iluminadas com um estranho brilho solene, a cabeça e o peito do Demônio foram decorados com pedras semipreciosas e ouro real. Nessa forma, a imagem era feia e insanamente sedutora. Mas ou o próprio artista estava com medo dela, ou a modelo astuciosamente mudou de rosto, confundindo a imagem do mestre e empurrando-o para uma completamente diferente. Ocorreu uma revolução e desde então a imagem ficou esmaecida, escurecida, a postura ficou mais natural, a cabeça ficou mais bonita, de alguma forma mais prudente, e o encanto demoníaco quase desapareceu completamente. Vrubel teria mudado completamente a imagem se seus companheiros não tivessem implorado a ele, mesmo na exposição, para não tocar em sua obra. 2 .

Mesmo os artistas que aceitavam a arte de Vrubel não podiam renunciar aos requisitos da anatomia correta na representação de uma figura cuja expressão era percebida como falha ou feiúra do desenho. A crítica dos artistas, mesmo de seus camaradas próximos, enfureceu Vrubel. Em carta a E. I. Ge, ele diz que o leigo, infectado com as ideias tolstoi-cristãs, "com tripla raiva protege sua visão tímida da luz brilhante. Antes patético, ele suspira por sua doce eructação e goma de mascar de mesquinho, todos os dias alegado naturalismo”.

N.A. Prakhov, que conhecia bem Vrubel, escreveu que "o Demônio de Vrubel não poderia ser quebrado em um ataque de desespero ... Em Última foto Vrubel, ele não caiu, mas apenas definha ... ".

Quando Vrubel foi internado no hospital, malfeitores e perseguidores, sem esconder sua alegria, apressaram-se em notificar os leitores impressos de que o chefe dos decadentes russos era "louco" como Baudelaire e que, consequentemente, "O Demônio " e todas as pinturas de Vrubel foram fruto da loucura 3 .

2. Benois A. Vrubel // Mundo da Arte. 1903. No. 10-11, p. 182.

3. Texto e citações: Suzdalev P.K. Vrubel e Lermontov. M., 1991.

Existem estranhas coincidências de eventos na vida, coincidências incompreensíveis de circunstâncias, datas significativas que parecem não ter relação entre si e podem parecer milagrosas, como manifestação de uma vontade superior ou predestinação misteriosa. Mas décadas, séculos se passam, e o que parecia estranho, maravilhoso, torna-se um fenômeno compreensível da continuidade necessária na história da cultura.

Mikhail Lermontov (1814 - 1841)

Em 1856, na cidade alemã de Karlsruhe, foi publicada a primeira edição do poema "Demônio" do ex-tenente do regimento Tenginsky, Mikhail Yuryevich Lermontov. No mesmo ano em Omsk, na família do capitão do mesmo regimento de infantaria Tenginsky, Alexander Mikhailovich Vrubel, nasceu um filho - o futuro artista Mikhail Vrubel, cuja vida se desenvolveu de tal forma que era como se o Demônio de Lermontov voasse ao berço, escolhendo o recém-nascido como seu novo profeta.

Triste Demônio, espírito do exílio,
Ele voou sobre a terra pecaminosa,
E dias melhores recordações
Uma multidão se aglomerava diante dele;

Aqueles dias em que na morada da luz
Ele brilhou, um querubim puro,
Quando um cometa correndo
Um sorriso de saudações afetuosas
Amei trocar com ele

Qualquer pessoa que esteja seriamente interessada na cultura e arte russas não pode deixar de notar a incrível relação espiritual e criativa entre os dois grandes gênios russos do século 19 - o poeta Mikhail Lermontov e o artista Mikhail Vrubel.

Mikhail Vrubel (1856-1910)

As trágicas trajetórias de vida de ambos ecoam constantemente nas imagens de sua arte, tormentos criativos e insights. Um dos temas centrais na obra de ambos os artistas foi o tema do Demônio - anjo caído, em orgulhosa solidão vagando pelas extensões do universo.

O brilhante poema de Lermontov "O Demônio" e os incríveis desenhos de Vrubel para ele se tornaram os pináculos na obra de ambos os mestres. Todos que conheceram Vrubel durante sua vida, e todos que mais tarde escreveram sobre seu personagem e obra, não puderam deixar de pensar na essência da óbvia conexão profunda e parentesco espiritual entre o extraordinário, ao contrário de outros artistas russos do final do século XIX e o grande poeta russo dos anos 30. do século passado.

Na infância houve características semelhantes: ambos perderam cedo as mães, de quem herdaram a fragilidade espiritual e, ao mesmo tempo, o ardor oculto. Ambos eram fascinados pela música que podiam ouvir por horas, ambos preferiam jogos teatrais com fantasias de heróis de contos de fadas e romances a todos os outros.

Uma imaginação insaciável despertou neles cedo e cresceu - tornaram-se verdadeiros heróis de histórias de ficção e, entregando-se com toda a sua paixão ardente ao jogo, que para eles não era um jogo de todo, mas sim a poesia infantil, a criatividade, levaram consigo pares, conquistou-os com o poder de sua imaginação.

Mas muitas vezes eles sonhavam acordados e depois deixavam todos na solidão: Lermontov fugiu para um caramanchão com acácias no jardim, Vrubel silenciosamente foi para seu quarto ou para a biblioteca de seu avô. O distanciamento repentino e a consideração, o silêncio e o desejo de solidão, que surgiram independentemente das condições e circunstâncias - tudo isso aconteceu com o poeta e o artista desde a infância devido às suas naturezas românticas.

Tanto Lermontov quanto Vrubel receberam uma educação completa, mas o artista teve a oportunidade de estudar mais e se diversificar no ginásio, na universidade e na Academia de Artes. E, no entanto, com todas as diferenças de época e privilégios de classe, status de propriedade, educação, seus interesses tinham muitas semelhanças: mestres familiares, paixão pela história e literatura - antiguidade, Idade Média, épico, as mesmas obras e autores favoritos: Dante , Shakespeare , Goethe, Byron e Walter Scott. Pushkin era o ídolo de ambos, mas Vrubel também tinha Lermontov, Turgenev, Tolstoi e Dostoiévski.

Desde a infância, ambos desenham e pintam com paixão, mas esse hobby não excluiu outros; seus enormes talentos não se manifestaram de forma alguma no amor por uma coisa - literatura ou pintura, eles mergulharam vividamente nas ciências.

Lermontov já foi fascinado por matemática, Vrubel era fascinado por geologia, ambos estudaram conscienciosamente latim para ler escritores antigos nos originais, francês, alemão e Vrubel também estudaram inglês e italiano.

Na universidade, o futuro poeta e artista penetrou nas profundezas da filosofia clássica, principalmente alemã - Schelling, Hegel, Kant, Schopenhauer.

O encontro de Vrubel com Lermontov não aconteceu logo no início maneira criativa, mas apenas aos trinta anos, quando o jovem artista pintou afrescos e a iconostase da Igreja de São Cirilo em Kiev. Durante seus anos na universidade e na Academia de Artes de São Petersburgo, ele pintou imagens das obras de outros escritores: Turgenev (Asya, Lisa e Lavretsky), Goethe (Margarita e Faust), Leo Tolstoy's Anna Karenina, Pushkin's Mozart e Salieri estavam então mais próximos dele do que o Anjo e o Demônio.

Pela primeira vez, Vrubel embarcou em uma imagem que prometia "pressentimentos de felicidade" e a glória de um grande artista em 1885 em Odessa. Mas naqueles anos, o Demônio não foi dado ao artista, escapou, dissipou-se em uma névoa, como um fantasma. Provavelmente, a ideia da imagem ainda não se tornou uma forma clara e visualmente tangível.

Vrubel via às vezes quase naturalmente apenas partes separadas: ou olhos enormes apareciam diante dele, queimando como diamantes negros, cheios de desejo inumano, então ele via lábios ressecados como lava, então uma juba de cabelos serpentinos, então uma maravilhosa plumagem de asas, então um rosto alongado oval cinza pálido dolorosamente distante.

Mas tudo isso não se reuniu em um todo, borrou, tornou-se “não o mesmo” assim que o artista transferiu sua visão para tela, papel ou argila; e tudo acabou com uma enxaqueca que deprimia Vrubel uma ou duas vezes por mês, insuportável, "de modo que o corpo tem cãibras de dor".

Só depois que o artista "encontrou" seu Demônio, o "rei do conhecimento e da liberdade" de Lermontov, a própria ideia da imagem e a sede de sua incorporação na pintura iluminaram sua mente com um "raio de fogo milagroso".

Em 1891, no aniversário de morte trágica Mikhail Lermontov, um único coleção completa obras do poeta, pelo desenho e obra em que muitos artista famoso naquela época. Entre os outros mestres estava Mikhail Vrubel, que ninguém realmente conhecia na época e, portanto, ninguém levava a sério.

No entanto, foram os desenhos de Vrubel para o poema "O Demônio" de Lermontov que melhor se aproximaram da própria essência, do próprio espírito da poesia de Lermontov. Sem essas ilustrações de Vrubel, o objetivo de publicar as obras de Lermontov não teria sido alcançado.

Os desenhos de outros artistas próximos aos de Vrubel parecem pobres, desinteressantes, estereotipados. Eles não se elevam acima da norma adotada naqueles anos. Mesmo desenhos de sucesso de mestres como Repin, Surikov, Vasnetsov são obras de cavalete sobre os temas de Lermontov, mas não ilustrações para sua poesia e prosa.

Mas, enquanto isso, críticos e artistas, acima de tudo, caluniaram Vrubel por "mal-entendido Lermontov", por analfabetismo e até por incapacidade de desenhar. Mesmo os conhecedores não entendiam os desenhos de Vrubel. Stasov, esse crítico presunçoso, chamou-os de "terríveis", Vrubel tornou-se "desagradável nessas ilustrações" para Repin.

Naquela época, apenas em um círculo estreito de jovens artistas (Serov, Korovin) e conhecedores compreendiam o significado dos desenhos únicos de Vrubel, sua genialidade e adequação às obras do poeta. Nenhum dos outros ilustradores de Lermontov abordou sua herança criativa e filosófica do poeta tão de perto quanto o artista, enfeitiçado pelo "Demônio" de Lermontov e pelo seu próprio.

Depois de terminar seu trabalho em desenhos para Lermontov, Vrubel não voltou ao tema demoníaco por muito tempo. Não voltou para voltar um dia - e ficar com ela para sempre.

Nos últimos anos de sua vida, o tema do Demônio tornou-se central na vida de Vrubel. Ele criou muitos desenhos, esboços e pintou três pinturas enormes sobre esse assunto - o Demônio sentado, o Demônio voando e o Demônio derrotado. Ele continuou a “melhorar” o último deles mesmo quando já estava exposto na galeria, surpreendendo e assustando o público.

Por esta altura, remonta a deterioração do estado físico e mental do artista, o que só acrescentou lenha ao fogo e fortaleceu a lenda que já havia surgido sobre o mestre que vendeu a alma ao diabo. Mas, como o próprio Vrubel disse,

“Eles não entendem o demônio - eles o confundem com o diabo e o diabo, enquanto o “diabo” em grego significa simplesmente “com chifres”, o diabo é “caluniador” e “Demônio” significa “alma” e personifica o luta eterna do inquieto espírito humano buscando a reconciliação das paixões que o dominam, o conhecimento da vida e não encontrando resposta para suas dúvidas nem na terra nem no céu.

O artista que pintou demônios teve que beber seu cálice amargo até o fundo. Ele começou a ficar gradualmente cego. Meio cego, tentou desenhar, depois esculpir.

E então houve uma escuridão impenetrável. Mikhail Vrubel passou os últimos anos de sua vida na escuridão absoluta. Na clínica, ele adorou os olhos "safira" que alguém deveria dar a ele.

Vrubel morreu em 1º de abril de 1910. Ele ultrapassou a linha tênue que separa a existência da inexistência, e quem o encontrou além dessa última linha - anjos ou demônios - não saberemos...

Alexander Blok disse sobre Vrubel em seu túmulo:

“Foi nele que o nosso tempo se exprimiu no que de mais belo e triste só ele foi capaz... Voltando constantemente ao “Demónio” nas suas criações, apenas traiu o segredo da sua missão. Ele próprio era um demônio, um belo anjo caído, para quem o mundo era uma alegria sem fim e um tormento sem fim ... "

Quando através de névoas eternas,
Ávido por conhecimento, ele seguiu
caravanas nômades
No espaço de luminárias abandonadas;

Quando ele acreditou e amou
Feliz primogênito da criação!
Ele não conhecia malícia nem dúvida.
E não ameaçou sua mente
Séculos de séries estéreis de monótonas...

E muitos, muitos... e tudo
Ele não tinha forças para lembrar!

M.Yu. Lermontov "Demônio"
Música: Georg Ots - fragmento do "Demônio"

Configurar sinais de pontuação. Escreva duas frases nas quais você precisa colocar UMA vírgula. Escreva os números dessas frases.

1) Em 1856, na cidade alemã de Karlsruhe, foi publicada a primeira edição do poema "Demônio" do ex-tenente do regimento Tenginsky M. Yu. Lermontov, e no mesmo ano em Omsk na família do capitão do mesmo regimento de infantaria Tenginsky A. M. Vrubel nasceu filho - o futuro artista Mikhail Vrubel.

2) Muitas telas de I. K. Aivazovsky são percebidas como improvisações musicais ou poéticas.

3) Pela primeira vez em tantos anos de guerra, sonoras gargalhadas infantis foram ouvidas no parque e o rangido de um balanço enferrujado pelas chuvas caiu no ar.

4) O compositor A. A. Alyabyev foi associado aos poetas dezembristas tanto em visões gerais quanto em muitas circunstâncias da vida e difícil destino pessoal.

5) Na região de Meshchersky, as nascentes de rios e nascentes e bosques e florestas de carvalho tornaram-se reservadas.

Explicação (ver também Regra abaixo).

Vamos colocar sinais de pontuação.

1) Em 1856, na cidade alemã de Karlsruhe, foi publicada a primeira edição do poema "Demônio" do ex-tenente do Regimento Tengin M. Yu. Lermontov, e no mesmo ano em Omsk na família do capitão do mesmo Regimento de Infantaria Tengin A. M. Vrubel nasceu um filho - o futuro artista Mikhail Vrubel (uma vírgula separa as bases).

2) Muitas telas de I. K. Aivazovsky são percebidas como improvisações musicais ou poéticas (a união COMO atua no sentido de “como”, e não como parte de uma rotatividade comparativa, portanto não se coloca vírgula).

3) Pela primeira vez em anos de guerra tão longos, risos sonoros de crianças foram ouvidos no parque e o rangido de um balanço enferrujado pela chuva caiu no ar (as bases têm um termo secundário comum PELA PRIMEIRA VEZ, então um vírgula não é colocada entre as bases).

4) O compositor A. A. Alyabyev foi associado aos poetas dezembristas tanto em visões gerais quanto em muitas circunstâncias da vida e difícil destino pessoal (uma vírgula para homogêneos).

5) Na região de Meshchersky, as fontes de rios, nascentes, bosques e florestas de carvalho (vírgulas com homogêneo, conectadas por uma união repetitiva E) tornaram-se reservadas.

Resposta: 1, 4.

Resposta: 14|41

Fonte: Versão de demonstração do USE-2016 no idioma russo.

Regra: Tarefa 16. Sinais de pontuação no SSP e em uma frase com membros homogêneos

PONTUAÇÃO EM FRASE COMPOSTA E EM FRASE COM MEMBROS HOMOGÊNEOS

Nesta tarefa, o conhecimento de dois puntogramas é testado:

1. Vírgulas em uma frase simples com membros homogêneos.

2. Vírgulas em uma frase composta, partes das quais são conectadas por uniões de coordenação, em particular, a união I.

Alvo: encontre DUAS frases nas quais você precisa colocar UMA vírgula em cada uma. Não duas, não três (e isso acontece!) vírgulas, mas uma. Nesse caso, é necessário indicar os números das frases em que a vírgula ausente foi COLOCADA, pois existem casos em que a frase já possui vírgula, por exemplo, em caso de troca adverbial. Nós não contamos.

Você não deve procurar por vírgulas em vários turnos, palavras introdutórias e em NGN: de acordo com a especificação, apenas três puntogramas indicados são verificados nesta tarefa. Se a frase precisar de vírgulas para outras regras, elas já estarão colocadas

A resposta correta será dois números, de 1 a 5, em qualquer sequência, sem vírgulas e espaços, por exemplo: 15, 12, 34.

Lenda:

OC - ​​membros homogêneos.

SSP é uma frase composta.

O algoritmo de execução da tarefa deve ser o seguinte:

1. Determine o número de bases.

2. Se a sentença for simples, então encontramos TODAS as séries de termos homogêneos nela e nos voltamos para a regra.

3. Se houver duas bases, esta é uma frase complexa e cada parte é considerada separadamente (consulte o parágrafo 2).

Não se esqueça que sujeitos e predicados homogêneos NÃO criam uma frase complexa, mas sim uma frase simples e complicada.

15.1 PUNIÇÕES COM MEMBROS HOMOGÊNEOS

Membros homogêneos de uma frase são aqueles membros que respondem à mesma pergunta e se referem ao mesmo membro da frase. Os membros homogêneos de uma sentença (principal e secundário) estão sempre conectados por um elo de coordenação, com ou sem união.

Por exemplo: Em "Os anos da infância de Bagrov, o neto", S. Aksakov descreve as fotos de verão e inverno da natureza russa com entusiasmo verdadeiramente poético.

Nesta frase, há uma linha de OCs, são duas definições homogêneas.

Em uma frase pode haver várias linhas de membros homogêneos. Sim, na proposta Logo uma forte chuva caiu e cobriu com o barulho de correntes de chuva e rajadas de vento, e os gemidos de uma floresta de pinheiros. duas linhas: dois predicados, atingido e coberto; duas adições, rajadas e gemidos.

observação: cada linha de OC tem suas próprias regras de pontuação.

Considere vários esquemas de frases com OC e formule as regras para definir vírgulas.

15.1.1. Um número de membros homogêneos, conectados APENAS por entonação, sem uniões.

esquema geral: OOO .

Regra: se dois ou mais OCs estiverem ligados apenas pela entonação, coloca-se uma vírgula entre eles.

Exemplo: amarelo, verde, vermelho maçãs.

15.1.2 Dois membros homogêneos são conectados pela união E, SIM (no sentido de E), OU, OU

esquema geral: O e/sim/ou/ou O .

Regra: se dois EPs estiverem conectados por uma única união E/SIM, não é colocada vírgula entre eles.

Exemplo 1: A natureza morta retrata amarelo e vermelho maçãs.

Exemplo 2: Em todos os lugares ela foi recebida alegremente e amigável..

Exemplo 3: Só você e eu vamos ficar nesta casa.

Exemplo 4: Vou cozinhar arroz com legumes ou pilaf .

15.1.3 Último OC adicionado pela união I.

esquema geral: O , O e O .

Regra: Se o último membro homogêneo é unido pela união e, então não é colocada vírgula antes dele.

Exemplo: A natureza morta retrata amarelo, verde e vermelho maçãs.

15.1.4. Há mais de dois membros homogêneos e a união E repetido pelo menos duas vezes

Regra: Para várias combinações de associação aliada (cláusula 15.1.2) e não sindicalizada (cláusula 15.1.1) de membros homogêneos da proposta, observa-se a regra: se houver mais de dois membros homogêneos e o sindicato Eé repetido pelo menos duas vezes, então uma vírgula é colocada entre todos os membros homogêneos

esquema geral: Ah, e Ah, e Ah.

esquema geral: e O, e O, e O.

Exemplo 1: A natureza morta retrata amarelo e verde e vermelho maçãs.

Exemplo 2: A natureza morta retrata e amarelo e verde e vermelho maçãs.

Exemplos mais complexos:

Exemplo 3: Da casa, das árvores, e do pombal, e da galeria- longas sombras correram para longe de tudo.

Duas uniões e quatro pontos. Vírgula entre OCH.

Exemplo 4: Foi triste no ar da primavera, e no céu escurecendo, e no carro. Três sindicatos e, três och. Vírgula entre OCH.

Exemplo 5: Casas e árvores e calçadas estavam cobertos de neve. Duas uniões e, três och. Vírgula entre OCH.

Observe que não há vírgula após o último EP, porque não está entre o OC, mas depois dele.

É esse esquema que muitas vezes é percebido como errôneo e inexistente, lembre-se disso ao concluir a tarefa.

observação: essa regra só funciona se a união AND for repetida em uma linha da OC, e não na frase inteira.

Considere exemplos.

Exemplo 1: À noite, eles se reuniam à mesa crianças e adultos e leia em voz alta. Quantas linhas? Dois: crianças e adultos; reunido e lido. A união não é repetida em cada linha, é usada uma vez. Portanto, vírgulas NÃO são colocadas de acordo com a regra 15.1.2.

Exemplo 2: À noite, Vadim foi para seu quarto e sentou-se reler carta e escreva uma resposta. Duas filas: esquerda e sentou-se; sentou-se (por quê? com que propósito?) para reler e escrever.

15.1.5 Membros homogêneos são conectados pela união A, MAS, SIM (= mas)

Esquema: O, a / não / sim O

Regra: Na presença da união A, MAS, SIM (=mas), coloca-se vírgula.

Exemplo 1: O aluno escreve rapidamente, mas de forma desleixada.

Exemplo 2: O bebê não choramingava mais, mas chorava incontrolavelmente.

Exemplo 3: Carretel pequeno, mas precioso.

15.1.6 Com membros homogêneos, as uniões são repetidas NÃO NÃO; NÃO ISSO, NÃO ISSO; AQUILO QUE; OU; OU OU

Esquema: O, ou O, ou O

Regra: com uma dupla repetição de outras uniões (exceto E) nem, nem; não isso, não isso; Então então; ou; or, or uma vírgula é sempre colocada:

Exemplo 1: E o velho andava pela sala, ora cantarolando salmos em voz baixa, ora instruindo sua filha de maneira impressionante.

Observe que também existem circunstâncias e acréscimos homogêneos na proposta, mas não os destacamos para uma imagem mais clara.

Não há vírgula após o predicado “paced”! Mas se ao invés da união E ISSO, E ISSO fosse apenas E, houvesse três vírgulas (conforme regra 15.1.4)

15.1.7. Com membros homogêneos, há alianças duplas.

Regra: Com uniões duplas, uma vírgula é colocada antes de sua segunda parte. Estes são sindicatos tanto ... quanto; não apenas mas; nem tanto... quanto; como... tanto; embora... mas; se não então; não isso... mas; não isso... mas; Não só não, mas sim... do que outros.

Exemplos: eu tenho uma tarefa Como do juiz Entãoé igual a E de todos os nossos amigos.

verde era Não somente grande paisagista e contador de histórias, Mas Estava quieto E psicólogo muito sutil.

Mãe isso não nervoso, Mas ela ainda estava insatisfeita.

Há neblinas em Londres se não diariamente , Que em um dia com certeza.

Ele era não muito decepcionado, Quantos surpreso com a situação.

Observe que cada parte da união dupla é ANTES do CO, o que é muito importante considerar ao concluir a tarefa 7 (tipo "erro em membros homogêneos"), já nos reunimos com esses sindicatos.

15.1.8. Freqüentemente, membros homogêneos são conectados em pares

Esquema geral: Esquema: O e O, O e O

Regra: Ao combinar membros secundários de uma frase em pares, coloca-se uma vírgula entre os pares (a união AND atua localmente, somente dentro de grupos):

Exemplo 1: Becos plantados com lilases e tílias, olmos e choupos conduziam a uma plataforma de madeira.

Exemplo 2: As canções eram diferentes: sobre alegria e tristeza, o dia que passou e o que está por vir.

Exemplo 3: Livros sobre geografia e guias turísticos, amigos e conhecidos casuais nos disseram que Ropotamo é um dos cantos mais bonitos e selvagens da Bulgária.

15.1.9. Não são homogêneos, portanto não são separados por vírgulas:

Várias repetições que têm uma tonalidade intensificada não são membros homogêneos.

E a neve veio e foi.

Predicados compostos simples também não são homogêneos.

Ele disse isso, vou dar uma olhada.

Fraseologismos com uniões repetidas não são membros homogêneos

Nem isso nem aquilo, nem peixe nem carne; nem luz nem madrugada; nem dia nem noite

Se a oferta contiver definições heterogêneas, que estão na frente da palavra que está sendo explicada e caracterizam um objeto de lados diferentes, é impossível inserir uma união entre eles e.

Um abelhão dourado sonolento ergueu-se repentinamente das profundezas da flor.

15.2. MARCAS DE PUNCIAÇÃO EM SENTENÇA COMPOSTA

Frases compostas são frases complexas nas quais frases simples são iguais em significado e conectadas por uniões de coordenação. As partes de uma frase composta não dependem umas das outras e formam um todo semântico.

Exemplo: Três vezes ele passou o inverno em Mirny, e cada vez que voltar para casa parecia para ele o limite da felicidade humana.

Dependendo do tipo de união coordenadora que conecta as partes da frase, todas as frases compostas (CSP) são divididas em três categorias principais:

1) SSP com uniões de conexão (e; sim no significado de e; nem ... nem; também; também; não apenas ..., mas também; ambos ..., e);

2) BSC com sindicatos divisivos (que ..., então; não isso ..., não isso; ou; ou; ou ..., ou);

3) SSP com sindicatos opostos (a, mas, sim no sentido de mas, porém, mas, mas, apenas, mesmo).

15.2.1 A regra básica para definir uma vírgula no SSP.

A vírgula entre as partes de uma frase complexa é colocada de acordo com a regra básica, ou seja, SEMPRE, com exceção de condições especiais que limitam o efeito desta regra. Essas condições são discutidas na segunda parte da regra. De qualquer forma, para determinar se uma frase é complexa, é necessário encontrar seus fundamentos gramaticais. O que deve ser levado em conta neste caso:

a) Nem sempre toda frase simples pode ter um sujeito e um predicado. Então, frases de frequência com um parte impessoal, com o predicado em oferta pessoal indefinida. Por exemplo: Ele tinha muito trabalho a fazer e sabia disso.

Esquema: [ser], e [ele sabia].

A campainha tocou e ninguém se mexeu.

Esquema: [eles ligaram] e [ninguém se mexeu].

b) O sujeito pode ser expresso por pronomes, tanto pessoais quanto de outras categorias: De repente, ouvi uma voz dolorosamente familiar e ela me trouxe de volta à vida.

Esquema: [ouvi] e [retornou]. Não perca um pronome como sujeito se ele duplicar o sujeito da primeira parte! São duas frases, cada uma com sua própria base, por exemplo: O artista conhecia bem todos os convidados e ficou um pouco surpreso ao ver um rosto que não lhe era familiar.

Esquema: [O artista era familiar], e [ele ficou surpreso]. Compare com uma construção semelhante em uma frase simples: O artista conhecia bem todos os convidados e ficou um pouco surpreso ao ver um rosto que não lhe era familiar.[O Skaz e O Skaz].

c) Como uma frase complexa é composta por duas simples, é provável que cada uma delas possa ter membros homogêneos em sua composição. As vírgulas são colocadas tanto de acordo com a regra de membros homogêneos quanto de acordo com a regra de uma frase composta. Por exemplo: Folhas carmesim, ouro caíram silenciosamente no chão, e o vento os circulou no ar e os jogou para cima. Esquema de sentença: [As folhas caíram] e [vento O Skaz e O Skaz].

15.2.2 Condições especiais para a colocação de sinais em uma frase composta

No curso escolar de língua russa, a única condição sob a qual uma vírgula não é colocada entre as partes de uma frase complexa é a presença em geral membro menor .

O mais difícil para os alunos é entender se há membro menor comum de uma frase, que dará o direito de não colocar vírgula entre as partes, ou ela não existe. Geral significa referir-se à primeira parte e à segunda parte ao mesmo tempo. Se houver um membro comum, uma vírgula não é colocada entre as partes do SSP. Se for, então na segunda parte não pode ter um termo menor semelhante, ele é apenas um, fica bem no início da frase. Considere casos simples:

Exemplo 1: Um ano depois, a filha foi para a escola e a mãe pôde ir trabalhar.

Ambas as frases simples podem igualmente reivindicar ser o advérbio de tempo "em um ano". O que aconteceu em um ano? A filha foi para a escola. Mamãe conseguiu ir trabalhar.

Reorganizar o termo comum no final da frase muda o significado: Minha filha foi para a escola e minha mãe pôde trabalhar um ano depois. E agora esse termo menor não é mais comum, mas se aplica apenas ao segundo sentença simples. Portanto, é tão importante para nós, em primeiro lugar, o lugar de um membro comum, apenas o começo da frase , e em segundo lugar, o significado geral da frase.

Exemplo 2:À noite, o vento diminuiu e começar a congelar. O que aconteceu à noite? O vento diminuiu. Comece a congelar.

Agora exemplo mais complexo 1: Na periferia da cidade a neve já havia começado a derreter e já havia uma foto bastante primaveril aqui. Existem duas circunstâncias na frase, cada uma simples tem a sua. É por isso uma vírgula é colocada. Não há membro secundário comum. Assim, a presença de um segundo membro menor do mesmo tipo (local, horário, finalidade) na segunda frase dá direito à colocação de vírgula.

Exemplo 2: À noite, a temperatura da minha mãe subia ainda mais e não dormíamos a noite toda. Não há razão para atribuir a circunstância "à noite" à segunda parte da frase complexa, portanto uma vírgula é colocada.

Deve-se notar que existem outros casos em que uma vírgula não é colocada entre as partes de uma frase composta. Isso inclui a presença de uma palavra introdutória comum, uma cláusula subordinada comum, bem como duas frases indefinidamente pessoais, impessoais, idênticas em estrutura, exclamativas. Mas esses casos não foram incluídos nas tarefas de USE, não são apresentados nos manuais e não são estudados no curso escolar.

Enquanto isso, Vrubel não se parecia com Lermontov nem em sua disposição mental nem em sua visão de mundo.

Mas existem estranhas coincidências de eventos na vida, coincidências incompreensíveis de circunstâncias, datas significativas. Em 1856, na cidade alemã de Karlsruhe, foi publicada a primeira edição do poema "Demônio" do ex-tenente do regimento Tenginsky Mikhail Yuryevich Lermontov, e no mesmo ano em Omsk, na família do capitão do mesmo Regimento de infantaria Tenginsky, Alexander Mikhailovich Vrubel, nasceu um filho - o futuro artista Mikhail Vrubel, cuja vida acabou de tal forma que era como se o Demônio de Lermontov voasse para seu berço, escolhendo o recém-nascido como seu novo profeta.

Como Lermontov, Vrubel nasceu com uma alma romântica, mas 15 anos após a morte prematura do poeta.

Na infância houve características semelhantes: ambos perderam cedo as mães, de quem herdaram a fragilidade espiritual e o ardor oculto; ambos eram fascinados por música que podiam ouvir por horas, ambos preferiam jogos teatrais a todos os outros; uma imaginação insaciável despertou cedo neles e cresceu. Desapego repentino e consideração, silêncio e desejo de solidão - tudo isso aconteceu com o poeta e o artista.

Mesmo na infância, tanto Lermontov quanto Vrubel podiam sentir a amplitude do mundo graças a viagens e viagens: dos Urais a Moscou e do Cáucaso - Lermontov; da Sibéria às cidades do Volga, a São Petersburgo e Odessa - Vrubel. O artista viajou muito tanto no seu país como no estrangeiro, viveu na Alemanha, Itália, França, viu a Grécia, viajou pelo Mediterrâneo e, embora pintou poucas pinturas puramente paisagísticas, amou e compreendeu a natureza não menos profundamente do que o poeta .

Ambos receberam uma educação completa.

Eles também foram reunidos pelo seguinte: ambos, que se formaram nos tempos mortos da reação (o poeta - nos anos 30, após a derrota dos dezembristas, o artista - nos anos 80, após a derrota do Narodnaya Volya) , apesar disso, acariciavam em suas almas o ideal de um espírito humano orgulhoso e recalcitrante. Seu Demônio não é um demônio, um portador do mal, representado com chifres, rabo e cascos de cabra, coloquialmente chamados de "espíritos malignos". O demônio é um símbolo do começo rebelde, um anjo que se rebelou contra Deus, que rejeitou a indiscutibilidade da vontade de Deus. Mais tarde, a imagem da "personalidade demoníaca" enraíza-se na arte do romantismo, na poesia de Byron.

Dos titãs rebeldes de Byron - Lúcifer, Manfred, Caim - o Demônio de Lermontov traça parcialmente sua linhagem.

A essência desta imagem é dupla. De um lado, a impressionante grandeza do espírito humano, que não tolera proibições ou grilhões em seus impulsos rumo à liberdade e à plenitude do conhecimento. Por outro lado, existe um orgulho sem limites, uma imensa superestimação das forças do indivíduo, que se transforma em solidão, frio, vazio. O Demônio de Lermontov alcançou liberdade absoluta, mas acabou sendo uma liberdade odiosa para ele, um fardo pesado.

Apenas a maldição de Deus

Virou -

Do mesmo dia

Abraço quente da natureza

Para sempre frio para mim. Lermontov M.Yu. Poesia, editora "Literatura Infantil", Leningrado, 1981, p.158

Nos anos de "sono e escuridão", supressão e existência vegetativa miserável da personalidade, Vrubel queria mais uma vez glorificar a orgulhosa inflexibilidade do espírito. Mas a história já fez seus próprios ajustes para entender o "demonismo", e os motivos de saudade, solidão e morte involuntariamente vieram à tona. Além disso, o próprio artista, que bravamente assumiu o fardo do tema “demoníaco” sobre seus ombros frágeis, estava longe de ser um titã, não um herói - ele era um filho fraco de seu tempo não heróico.

O artista pintou o quadro em 1890, no estilo Vrubel único e individual finalmente formado. Esse estilo é baseado no domínio do desenho plástico-escultórico e tridimensional, cuja originalidade reside no esmagamento da superfície da forma em arestas vivas e nítidas, comparando objetos a algum tipo de formações cristalinas. A cor é entendida por Vrubel como uma espécie de iluminação, luz colorida penetrando no rosto com uma forma cristalina. Assim está escrita a pintura "Demônio (sentado)" - resultado de tudo o que foi encontrado pelo artista no período de criatividade de Kiev... É o trabalho programático de Vrubel, no qual seu método de transformação artística da realidade recebe o enredo . Este não é um método de observação direta e transmissão da natureza visível, mas método de representação ideal, imaginação, que só é usado por formas visíveis para criar um mundo fantasticamente transformado de "expressividade demoníaca", nas palavras de um dos últimos críticos. O impressionismo, com foco na percepção empírica direta, que desempenhou um papel tão importante no desenvolvimento da arte no final do século XIX, não tocou a arte de Vrubel por M. M. Alpatov Vrubel, p. 221

A imagem do demônio rompe com seu protótipo poético - Satanás e representa o "demoníaco em geral" na interpretação do artista do século XIX. Não há enredo aqui, mas há um "tema eterno". A forma desta obra é tão carregada de memórias artísticas quanto o seu tema. O corpo esculpido do Demônio lembra as imagens titânicas de Michelangelo. O Demônio Sentado é como um gigante. Ele é enorme, sua figura parece esculpida em pedra. Contra o fundo de cores fantásticas, dispostas em planos coloridos, como se fosse um mosaico, o Demônio parece sobrenatural, longe das ideias usuais a que as pessoas estão acostumadas. A imagem de Vrubel expressava um símbolo no qual se fundiam o anseio pela beleza e o sonho da felicidade humana, difícil de encontrar na terra. Esta imagem só poderia ser realizada pelos meios utilizados pelo artista. Sua pintura é sempre incomum. As cores queimam como pedras preciosas, como se brilhassem por dentro. As figuras parecem enormes, comparadas aos heróis dos mitos antigos.

O Demônio de Lermontov, embora sofrendo, ainda é "o rei do conhecimento e da liberdade". Em Vrubel, ele não é real - há mais melancolia e ansiedade nele do que orgulho e grandeza. Isso se refletiu nas ilustrações do poema de Lermontov.

Aqui, Vrubel conseguiu, acima de tudo, um rosto feroz, triste e solitário contra o pano de fundo dos picos das montanhas. Ele teve menos sucesso nas cenas da tentação de Tamara, onde triunfa sobre sua vitória sobre ela - aqui um sinal de teatralidade aparece em sua aparência.

Você pode ter uma impressão incrível das folhas "O Demônio na Cela de Tamara", elas são tão cheias de expressão e lindas como obras arte gráfica. Você não sabe qual das três opções dar preferência. A primeira - “Não chore, criança, não chore em vão” - o Demônio sussurra discursos sedutores para Tamara, ela cobre o rosto confusa. Ambas as figuras têm como pano de fundo um magnífico padrão de tapetes orientais. A segunda folha - Tamara, com confiança e oração, volta-se para quem tocou seu coração: "Jure para mim ... agora me dê um jantar para renunciar às posses do mal." Do lado de fora da janela está uma noite estrelada mágica, uma grande estrela brilha mais forte, mais próxima do que outras. O demônio olha para a garota com ternura, comovido.

E agora vamos nos voltar diretamente para o poema "O Demônio" de M. Lermontov. Belos poemas em que o Demônio conta a Tamara sobre seu amor e sua solidão:

Assim que te vi -

E secretamente de repente odiou

Imortalidade e meu poder.

eu invejei involuntariamente

Alegria terrena incompleta;

Não viver como você me machucou

E é assustador - é diferente morar com você.

Em um coração sem sangue, um raio inesperado

Aqueceu de novo,

E a tristeza no fundo de uma velha ferida

Ela se movia como uma cobra.

O que é essa eternidade sem você?

Meu domínio é infinito?

Palavras que soam vazias

Um vasto templo - sem uma divindade!

A terceira opção retrata o momento em que

Um olhar poderoso olhou em seus olhos!

Ele a queimou. Na escuridão da noite

Acima dela, ele brilhava,

Irresistível como uma adaga. Dmitrieva N.A. "Mikhail Vrubel", Literatura Infantil, M., 1984; Com. 117

Esta folha é decorativamente um pouco mais pobre que as anteriores, mas a mais notável em termos de expressão. Ambos os rostos estão de perfil, o Demônio se inclina sobre Tamara, ela se eleva para ele como um ímã atraído por seu olhar ardente, sua vontade é escravizada.

Voltemos ao poema de M.Yu. Lermontov "Demônio".

Uma lava de sentimentos jorra da alma do Demônio. Contra o pano de fundo dos comentários assustados de Tamara ("Diga-me, por que você me ama? Por que eu deveria conhecer suas tristezas? Eles podem nos ouvir"), os monólogos de um negador impiedoso evocam uma forte resposta na alma do leitor. Uma paixão furiosa congelou neles, fervendo e escapando, enquanto algo como um pressentimento cauteloso está apenas começando a ser sentido em Tamara. Em êxtase, o Demônio está até pronto para mudar sua natureza:

Eu quero me reconciliar com o céu

Eu quero amar, eu quero rezar

Eu quero acreditar bem.

Enxugue com uma lágrima de arrependimento

Estou em uma testa digna de você,

Traços de fogo celestial -

E o mundo na ignorância é calmo

Deixe florescer sem mim!

Me ame!

Além disso, o artista desenha Tamara em um caixão. Existem duas opções, mas a melhor, talvez, seja aquela que retrata apenas a cabeça em repouso. O formato do rosto, sua plasticidade é tangível, como em uma escultura, e isso é feito com os toques mais leves do pincel, claro-escuro suave, apenas em alguns pontos e levemente complementado com pinceladas leves.

O poema "Demon" é a melhor obra romântica de Lermontov. O trabalho durou quase todo vida criativa poeta. Segundo o mito religioso, o demônio é um ex-anjo que Deus baniu do céu para a terra e puniu com a solidão eterna. Para perceber corretamente o poema, é muito importante captar a entonação do autor da primeira característica do herói:

Triste Demônio, espírito do exílio,

Ele voou sobre a terra pecaminosa ...

Não "amargo" ou "terrível", mas "triste". O primeiro epíteto incita o leitor a simpatizar com o andarilho solitário, em vez de condená-lo. Isso é ainda mais surpreendente porque, de acordo com as crenças religiosas, o demônio é a personificação do mal. O herói de Lermontov não é assim. Bom, o amor também não é ordenado a ele. O demônio é contraditório, como todas as coisas vivas. O leitor encontra o herói em um momento em que ele, farto de atrocidades, se ocupa cada vez mais com lembranças de “dias melhores”:

Aqueles dias em que na morada da luz

Ele brilhou, querubim puro

Quando a túnica de corrida

Um sorriso de chegada afetuosa

Adorava negociar com ele.

Quando através de névoas eternas,

Ávido por conhecimento, ele seguiu

caravanas nômades

No espaço de luminárias abandonadas;

Quando ele acreditou e amou.

Feliz primogênito da criação!

Eu não conhecia malícia nem dúvida,

E não ameaçou sua mente

Uma série estéril de séculos...

E muitos, muitos... e tudo

Ele não tinha forças para lembrar!

"Conhecimento ganancioso." Em outra parte do poema, diz-se que o demônio é o "Rei do conhecimento e da liberdade". Nessa lógica, Deus é símbolo da fé, impondo arbitrariamente suas verdades inabaláveis, o Demônio é signo dessa dúvida em sua imutabilidade, sem a qual nenhuma criatividade é possível. O demônio não nega por negar. Mas para aprovação posterior. Ele contrasta a ansiedade da busca com a calma divina. A base de sua "liberdade" escolhe não a fé, mas o autoconhecimento. O demônio protesta contra os regulamentos divinos que agrilhoam a personalidade, e acaba por ser um herói mais “humano” do que o próprio Deus. A orgulhosa luta de Demon o aproxima dos rebeldes românticos de Byron. Como herói romântico, o Demônio também é individualista.

Em geral, o ciclo Lermontov, em particular as ilustrações de O Demônio, pode ser considerado o auge da habilidade de Vrubel como artista gráfico. Aqui Vrubel se colocou conscientemente o problema de expressar cor sem cor, apenas com gradações de escuro e claro. O artista chamou essas buscas de busca por "tecnologia", e a técnica de Vrubel é semelhante à mágica - possibilitou a concretização de sua visão romântica da natureza.

Entre a intelectualidade artística, especialmente geração mais nova, eram cada vez mais apaixonados, ao ponto do fanatismo, fãs de Vrubel, para quem cada uma de suas obras era um santuário e cada palavra uma revelação.

Vrubel tornou-se o porta-voz do tempo de fronteira. E a pintura de seu “Demônio” brilhava com cores, refratando fantasticamente tanto o “passado” quanto o “futuro” no “presente”. Essas eram as cores da arte "épica" e "futurista", da arte dos "arcaístas", "inovadores", "clássicos" e "vanguardistas". O fenômeno de Vrubel consistia no fato de ele ser o menos preocupado em pertencer a qualquer orientação artística, e sua “anormalidade” se transformou em uma tragédia cruel - incompreensão, condenação e rejeição dele como artista. A ironia histórica é que Vrubel nunca se tornou artista de nenhum dos "rebanhos" artísticos. E nesse sentido, o sinal de seu destino é "Demon Downtrodden". Feitiço de imagem. E a imagem é uma profecia.

O talento dramático de G. foi revelado muito cedo (ainda no ginásio). Segundo os colegas, o jovem G. teve muito sucesso no papel da Sra. Prostakova do famoso "Undergrowth" Fonvizin. Um dos truques da história em quadrinhos de Gogol: a identificação de uma pessoa com uma coisa, o vivo com o morto, que assume dimensões fantásticas e grotescas na mente dos personagens. Em 1842, “Casamento”, “Jogadores” estão sendo adicionados e a versão final do “Inspetor Geral” está sendo criada. As técnicas cômicas usadas por G. criam uma sensação de absurdo de ser, mais um passo - e esse absurdo vai se transformar em uma fantasia grotesca, monstruosa. Mas a cidade, como escreve J. Mann, não ultrapassa esta linha, mantendo a imagem no quadro da verossimilhança quotidiana, criando uma “comédia de personagens com reflexo grotesco”; de fato, a poética do cômico cria em suas peças aquela "intriga miragem", que encontra a expressão mais completa na trama de O Inspetor Geral.

intriga miragem . G. deliberadamente coloca no centro da peça um herói que não tem consciência da situação em que caiu e que não tenta tirar proveito dessa situação. Não é o herói quem conduz a ação, mas a ação conduz o herói - isso é muito condicional, mas pode-se indicar sucintamente a principal característica da construção da comédia. Mas o principal em que o “grotesco gogoliano” foi realizado foi a “intriga da miragem”, que destacou o absurdo em um brilho fantástico. vida humana em sua busca por inúmeras miragens, quando as melhores forças são desperdiçadas em um esforço para ultrapassar o vazio, tão brilhantemente personificado em Khlestakov. Assim, pode-se falar com segurança da "intriga da miragem" como uma "situação de delírio".
As comédias de Gogol se opõem às obras clássicas desse gênero em termos de enredo. Em vez de amantes astutos e pais intratáveis, personagens nacionais vivos apareceram no palco. Gogol expulsa o assassinato e o veneno de suas peças: em suas peças, a loucura e a morte são o resultado de fofocas, intrigas e escutas. Ele repensa o princípio da "unidade de ação" como a unidade da ideia e sua execução pelo personagem principal. Nas peças de Gogol, o enredo se desenvolve de acordo com as regras jogatina, controla o herói e o carrega. O resultado final se opõe ao objetivo do herói, afastando-se dele "a grande distância", torna-se uma aproximação ao objetivo. Gogol cria uma situação inovadora, quando uma cidade dilacerada por contradições internas se torna capaz de uma vida inteira, graças a uma crise geral, um sentimento geral de medo de poderes superiores. Cada personagem se torna uma espécie de símbolo. Mas uma certa propriedade psicológica está relacionada ao personagem não como seu Característica principal, mas sim como uma série de certos movimentos mentais... Em sua peça O Inspetor Geral, Gogol tenta limitar os efeitos cômicos - esta é uma comédia de personagens. Segundo o próprio autor, o espectador não ri do "nariz torto" dos personagens, mas "da alma torta". A descrição dos tipos está subordinada e decorre da manifestação de suas propriedades psicológicas e sociais do cômico na peça. Gogol abandona a estrutura tradicional da peça. Gogol encontra a movimentação cênica nas surpresas, manifestadas nos próprios personagens, na versatilidade alma humana por mais primitivo que seja. Eventos externos não movem a peça. Imediatamente se estabelece um pensamento geral, uma ideia: o medo, que é a base da ação. Isso permite que Gogol mude drasticamente o gênero no final da peça: com a revelação do engano de Khlestakov, a comédia se transforma em tragédia. Pela primeira vez na comédia russa Gogol atrai parte de um único todo, e não uma ilha separada de vício, com a virtude surgindo ali. De fato, como na comédia do classicismo, Gogol não tem denúncia, o início crítico da peça é que o modelo da cidade é expandido para uma escala totalmente russa. A grande importância vital da situação do "Inspetor Geral" reside no fato de que ela pode surgir em qualquer lugar e a qualquer momento. O Inspetor Geral foi justamente considerado a melhor comédia social de seu tempo. . O próprio Nikolai Vasilyevich Gogol notou a peculiaridade de sua comédia: "Lamento que ninguém tenha notado o rosto honesto que estava em minha peça. Esse rosto honesto e nobre era uma risada". o que é "a própria vida moderna digna em suas manifestações comicamente feias é escolhido como tema de uma comédia. E essa é a originalidade do riso de Gogol. O enredo de O Inspetor Geral é baseado em uma típica inconsistência cômica: uma pessoa é tomada não por quem ele realmente é.
Gogol viu no teatro uma tribuna pública, um "departamento" com um enorme Valor educacional . “O teatro não é de forma alguma uma ninharia e nada vazio”, escreveu ele em 1845, “se você levar em conta o fato de que uma multidão de cinco, seis mil pessoas de repente pode caber nele e que toda essa multidão , em nada semelhante ao desmantelamento por unidades, ele pode de repente ser abalado por um choque, soluçar com uma lágrima e rir com uma risada universal. Esta é uma cadeira da qual você pode dizer muito bem ao mundo.

Ao longo de sua carreira, Gogol voltou-se constantemente para as questões do teatro e da dramaturgia, defendendo invariavelmente os princípios da dramaturgia nacional e socialmente dirigida. Em artigos sobre o teatro - "Palco de Petersburgo em 1835/36", "Notas de Petersburgo de 1836", "No teatro, em uma visão unilateral do teatro" (1845) e especialmente em "Viagem teatral" (1842) - Gogol criou uma teoria integral e profunda da comédia social, fundamentou a estética do teatro da verdade da vida

Gogol rompe decisivamente com a doutrina do drama e da comédia na estética do classicismo, com sua exigência de "plausibilidade" e não de verdade, a regulação artificial de "unidades". Apresentando os princípios da sátira social e da verdade da vida na comédia, Gogol foi o sucessor direto de Pushkin.

Os princípios da dramaturgia de Gogol foram formados na luta contra a "produção" burocraticamente bem-intencionada e artisticamente defeituosa que lotava os palcos dos teatros. O lugar principal no repertório da época era ocupado por vaudevilles traduzidos, vazios e sem sentido ou melodramas ridículos e suas alterações à maneira russa, que, no entanto, se limitavam apenas a uma mudança de nomes e detalhes individuais. Em "Notas de Petersburgo" Gogol se opôs veementemente a esse domínio dos melodramas e do vaudeville, vendo neles uma distorção da verdade da vida, uma traição à arte genuína.. Ele apontou para a degeneração e refinamento da dramaturgia européia moderna, recentemente representada por nomes como Lessing e Schiller: “... olhe o que está sendo feito depois de você em nosso palco; olha que monstro estranho, disfarçado de melodrama, se interpôs entre nós! Onde está a nossa vida? onde estamos com todas as paixões e esquisitices modernas? Pelo menos vimos algum reflexo disso em nosso melodrama! Mas nosso melodrama reside da maneira mais desavergonhada ... ”Em todas as suas declarações sobre teatro e dramaturgia, Gogol perseguiu persistentemente o principal requisito - a exigência de verdade na vida, ideologia, representação dos principais fenômenos da realidade à luz desses ideais progressistas e democráticos, que determinou a natureza realista e acusatória de suas próprias peças.

“A arte caiu”, escreveu Gogol amargamente em uma nota de 1842 “On the Theatre”, “... tudo é uma caricatura inventada para ser engraçada ou uma paixão fictícia monstruosa”.

A comédia, segundo Gogol, não deve se divertir com situações engraçadas, encobrindo contradições e úlceras genuínas e sangrentas. vida pública mas para abri-los com ousadia e verdade, para tirar a máscara de hipocrisia dos representantes das classes dominantes. Essa “ideia” socialmente denunciadora da comédia, a profundidade de seu reflexo da realidade determinam sua estrutura artística: “... rege o jogo”, aponta Gogol, “uma ideia, um pensamento: sem ele não há unidade nele". Assim, insistindo nos princípios do realismo (a comédia é “uma verdadeira lasca da sociedade”), Gogol adverte contra uma abordagem naturalista da vida, contra uma simples “cópia de cenas” que não é iluminada orientação ideológica. Essa profunda consciência teórica dos princípios artísticos da dramaturgia permitiu a Gogol criar um exemplo de "alta comédia", uma comédia verdadeiramente ideológica e realista.

Em The Theatre Journey, Gogol fundamentou os princípios estéticos da comédia como um "espelho da vida social", um teatro da verdade da vida.“Se a comédia deve ser uma imagem e um espelho de nossa vida social”, aponta Gogol, “então deve refleti-la com toda a fidelidade”.

“Dê uma boa olhada em todo o comprimento e largura da população vital de nosso país dividido - quantas pessoas boas nós temos, mas quantos joios existem, dos quais não há vida para os bons e que nenhuma lei é capaz de siga”, escreveu Gogol no artigo “Cena de Petersburgo em 1835/36”. - Ao palco deles: que todos os vejam, que riam deles. Oh, o riso é uma grande coisa! Nada tem mais medo de uma pessoa do que o riso.

Gogol também apresentou a demanda por uma encenação completa da peça por um "ator-artista": “Apenas um verdadeiro ator-artista pode ouvir a vida contida na peça, e tornar esta vida visível e viva para todos os atores...”

Em primeiro lugar, Gogol exigia naturalidade e veracidade da atuação de um ator. Ele aconselha Shchepkin, ao encenar O Inspetor-Geral, a introduzir os atores na "natureza adequada dos papéis", no "ritmo correto das conversas", "para que não se ouça um som falso". “Em uma palavra, expulsar completamente a caricatura e introduzi-la no conceito de que é necessário não representar, mas primeiro transmitir pensamentos.”

Princípios dramáticos de Gogol, sua estética teatral marcou a vitória do realismo. O maior mérito inovador do escritor foi a criação do teatro da verdade da vida, aquele realismo efetivo, aquela dramaturgia socialmente dirigida, que abriu caminho desenvolvimento adicional Arte dramática russa.

Fonvizin e Griboyedov podem ser chamados de predecessores de Gogol na dramaturgia russa. Griboyedov atuou como um inovador, afastando-se em seu trabalho dos princípios básicos da construção de uma comédia (ele empurrou um caso de amor, introduzindo um conflito social que se desenvolvia em conjunto com ele; ele preencheu a comédia caracteres negativos e retratou apenas uma face positiva, etc.).
Gogol foi ainda mais longe em seu trabalho. Desenvolvendo as tendências de Griboedov, ele cria uma comédia completamente nova em termos de princípios de construção e temas de exposição. Esta comédia foi "The Examiner".
A inovação de Gogol está na escolha do conflito, que é a base do trabalho. Olhando para as obras de seus antecessores, Gogol chega à conclusão de que o caso de amor já se esgotou.. Vendo que isso se tornou a base de conflitos dramáticos com muita frequência, Gogol decide seguir um caminho diferente. Ele encontra novo enredo, mais relevante para o presente: a história do auditor. A figura do auditor sempre foi terrível para as prefeituras que vivem com medo constante de revisão. E é justamente o "medo da espera, o próprio horror, a tempestade da lei indo longe" (Gogol), que se apoderam dos funcionários, formam a situação dramática em O Inspetor Geral.
Gogol recorre à técnica da inversão composicional: o enredo está à frente da exposição. D A ação da comédia é amarrada instantaneamente, com a primeira frase do prefeito: "Eu os convidei, senhores, para contar as notícias mais desagradáveis. O auditor está vindo até nós." O enredo inclui quase todos atores, que corresponde ao entendimento teórico de Gogol sobre a composição comédia pública: "A comédia deve se unir, com toda a sua massa, em um grande nó comum. A gravata deve envolver todo o rosto, não apenas um ou dois."
A exposição são os diálogos dos funcionários no primeiro ato, revelando a real situação da cidade e mostrando a contradição interna na mente dos funcionários entre suas atividades desonestas e a consciência completamente tranquila. Considerando que "pequenos pecados" são encontrados atrás de cada pessoa, eles também classificam suas atividades nesta categoria. Gogol mostra a psicologia peculiar da burocracia urbana: o mundo inteiro é dividido para eles em duas partes - o entorno Vida real com base nas leis não escritas de suborno e mentiras. e a vida desconhecida para eles de acordo com as leis escritas, que é necessária para cuidar não de seu próprio benefício, mas do bem público. O horror do auditor visitante se deve à incerteza da situação: a que mundo pertence o auditor visitante? Mas o medo dos funcionários se combina com a esperança baseada em experiências anteriores e em uma opinião elevada de si mesmos ("Enganei golpistas sobre golpistas ... enganei três governadores!").
Todas as ações da peça são baseadas no comportamento dos personagens em situação de emergência quando o auditor chega, correspondendo ao personagem de cada um deles. Os funcionários da cidade representam uma espécie de sistema integral na comédia, mas, ao mesmo tempo, os personagens são nitidamente individualizados. Eles são únicos em suas características individuais, o que torna interessante receber seu relatório "um a um" sobre a situação na instituição confiada, apresentação "um a um" a Khlestakov, "um a um" lendo o malfadado carta. Ao construir um sistema de personagens, Gogol lança mão de outra técnica inovadora: ele se recusa a retratar um bom personagem . Se na comédia de Griboyedov Chatsky era um herói ideológico, um herói racional parcial, então Khlestakov não pode ser chamado de herói positivo, ele é um "pingente de gelo, um trapo" com escassez de pensamento e estreiteza de interesses. Assim, a comédia rende absolutamente sem um herói elevado. O autor chamou o riso de herói positivo.
A construção incomum do sistema de personagens aumenta a amplitude da generalização do retratado. Gogol, generalizando o máximo possível. procura mostrar a tipicidade da cidade descrita e dos funcionários que nela vivem, "falando" sobrenomes(oficial de justiça Ukhovertov, policial Derzhimorda, juiz Lyapkin-Tyapkin) servem não tanto como uma caracterização de indivíduos, portadores de vícios, mas como uma imagem tipificada da sociedade como um todo. todos os funcionários da cidade são caracterizados pelo alogismo de pensamento. Isso, juntamente com o medo, os leva ao autoengano. Eles tomam o "helicóptero" por um auditor, e sobre este fato o surgimento do chamado "miragem" intriga , que se transforma em nada. No primeiro encontro do prefeito com Khlestakov, o medo do auditor o faz não acreditar em seus olhos ("Mas que indefinido, baixinho, ao que parece, ele o teria esmagado com uma unha"), a não acreditar em seus ouvidos : Khlestakov fala a pura verdade - o prefeito admira sua "astúcia" ("Ah, coisa fina! Está mentindo, está mentindo e não vai quebrar em lugar nenhum"). O principal objetivo do prefeito é forçar o auditor a deixá-lo escapar, e Khlestakov, um funcionário mesquinho, temendo ser mandado para a prisão por falta de pagamento, de repente se transforma em pessoa importante: "Eu, confesso, não exigiria mais nada, desde que você me mostrasse devoção e respeito, respeito e devoção." Khlestakov, por assim dizer, aceita as condições do jogo propostas pelo prefeito.
A imagem de Khlestakov - A descoberta de Gogol. Este é um ladino, mas um ladino de acordo com a situação. Ele não queria enganar ninguém, e apenas o medo e o pensamento ilógico dos funcionários o transformaram em auditor. Khlestakov é simplório. E é justamente por isso que ele aparece aos olhos do prefeito como um verdadeiro auditor, que fala com o coração, com franqueza, e o prefeito procura truques em suas palavras. A inocência permite que Khlestakov não engane ninguém, mas apenas desempenhe os papéis que os funcionários lhe impõem. Khlestakov justifica plenamente a caracterização que lhe foi dada por Gogol: "Ele fala e age sem qualquer consideração." No entanto, a miragem se dissipa e dois resultados imaginários se seguem (a partida de Khlestakov e a leitura da carta). Ninguém suspeita da saída de Khlestakov, pois ele, que se provou uma pessoa decente, com certeza voltará se prometeu. Mas a leitura da carta de Khlestakov que se seguiu à partida coloca tudo em seu lugar e abaixa os funcionários do céu à terra. Vale ressaltar que ao ler a carta, todos os personagens nela descritos com lado negativo os funcionários pensam apenas no insulto infligido a eles por Khlestakov. Eles não entendem que o perigo que os espera e já se aproxima deles é muito mais terrível do que "tornar-se motivo de chacota".
Após a leitura da carta, verdadeiro desenlace: "cena silenciosa", acompanhando a notícia da chegada de um auditor de verdade na cidade. "Cena silenciosa" é uma forma plástica de expressar a Ideias. A comédia de Gogol é dirigida não a um círculo estreito de leitores selecionados e esclarecidos, mas a toda a massa do público leitor. Isso levou Gogol a rejeitar o princípio da "quarta parede". A linha entre os atores da comédia e o público no salão é apagada em poucos minutos, durante os quais o "grupo petrificado" permanece imóvel no palco. Há um senso de unidade entre personagens e espectadores. Heróis congelados em um momento de crise severa. assombrado pela ideia de retribuição inevitável. Impressionar o leitor com o pensamento deste supremo tribunal foi a principal tarefa de Gogol, que ele expressou na "cena silenciosa".
O único "rosto honesto e nobre na comédia é o riso "(Gogol). Mas o riso na comédia é dirigido não a uma pessoa específica, um funcionário, não a uma cidade específica do condado, mas ao próprio vício. Gogol mostra como é terrível o destino de uma pessoa atingida por ele. A peça combina comédia e drama, que reside na discrepância entre o destino originalmente elevado de uma pessoa e sua insatisfação. exaustão em busca das miragens da vida. O monólogo final do prefeito e a cena do namoro de Khlestakov são cheios de drama, mas o trágico ponto culminante, quando o cômico desaparece completamente em segundo plano, é a "cena silenciosa" final.
A comédia de Gogol, em muitos aspectos desenvolveu as tradições da comédia pública de Griboyedov, continua em busca de novos expressivos e meios visuais. Os experimentos ousados ​​de Gogol levaram à criação de uma obra única que incorpora muitos recursos inovadores.

Comédia "Inspetor». significado ideológico e significado, os personagens principais. Assunto homem pequeno e miserável realidade. A universalidade da exposição na comélia. Situação do auditor. O papel de Khlestakov no conflito. A polissemia da cena silenciosa. Composição e linguagem. Habilidade dramática de Gogol. A atitude dos contemporâneos para com o "Inspetor".

Enredo: Em cidade do condado, do qual “você cavalga três anos, não chega a nenhum estado”, o prefeito Anton Antonovich Skvoznik-Dmukhanovsky reúne funcionários para relatar notícias desagradáveis: foi notificado por carta de um conhecido que “um auditor de São Petersburgo, incógnito. E com uma ordem secreta." O prefeito - dois ratos de tamanho não natural sonharam a noite toda - teve uma premonição de algo ruim. Os motivos da visita do auditor estão sendo investigados, e o juiz Ammos Fedorovich Lyapkin-Tyapkin (que leu “cinco ou seis livros e, portanto, tem um pensamento um tanto livre”), sugere uma guerra iniciada pela Rússia. O prefeito, por sua vez, aconselha Artemy Filippovich Strawberry, curador de instituições de caridade, a colocar gorros limpos nos enfermos, a descartar a força do tabaco que fumam e, em geral, se possível, a reduzir seu número; e encontra toda a simpatia de Strawberry, que reverencia aquele “homem simples: se ele morrer, morrerá de qualquer maneira; Se ele se recuperar, ele se recuperará.” Para o juiz, o prefeito aponta “gansos domésticos com pequenas lagartas” que bisbilhotam sob os pés na frente dos peticionários; no avaliador, de quem desde a infância "dá um pouco de vodca"; em um rapnik de caça que paira sobre o próprio armário com papéis. Com uma discussão sobre subornos (e em particular sobre cachorros galgos), o prefeito dirige-se a Luka Lukich Khlopov, superintendente das escolas, e lamenta hábitos estranhos, “inseparáveis ​​de um título acadêmico”: um professor constantemente faz caretas, outro explica com tanta fervor que ele não se lembra de si mesmo (“Claro, é Alexandre, o herói macedônio, mas por que quebrar as cadeiras? Isso é uma perda para o tesouro”).

O postmaster Ivan Kuzmich Shpekin aparece, "uma pessoa simplória ao ponto da ingenuidade". O prefeito, temendo uma denúncia, pede-lhe que examine as cartas, mas o carteiro, que as lê há muito tempo por pura curiosidade (“você lerá outra carta com prazer”), ainda não viu nada sobre São Petersburgo oficial. Sem fôlego, os proprietários Bobchinsky e Dobchinsky entram e, interrompendo-se a cada minuto, falam sobre a visita a uma taberna de hotel e homem jovem, observador (“e olhou para os nossos pratos”), com tal expressão no rosto, - numa palavra, precisamente o auditor: “não paga dinheiro, e não vai, quem seria senão ele ?”

Os funcionários dispersam-se ansiosos, o autarca decide “ir desfilar para o hotel” e dá instruções apressadas ao quartel sobre a rua que dá para a taberna e a construção de uma igreja numa instituição de caridade (não se esqueçam que começou a “ ser construído, mas incendiado”, caso contrário, alguém deixará escapar o que e não foi construído). O prefeito com Dobchinsky sai empolgado, Bobchinsky corre atrás do droshky como um galo. Anna Andreevna, esposa do prefeito, e Marya Antonovna, sua filha, aparecem. A primeira repreende a filha por sua lentidão e pergunta ao marido que vai embora pela janela se o recém-chegado tem bigode e que tipo de bigode. Irritada com o fracasso, ela manda Avdotya buscar o droshky.

Em um pequeno quarto de hotel, o servo Osip está deitado na cama de um mestre. Ele está com fome, reclama do dono que perdeu dinheiro, de sua extravagância impensada e relembra as alegrias da vida em São Petersburgo. Ivan Alexandrovich Khlestakov aparece, um jovem estúpido. Depois de uma briga, com timidez crescente, ele manda Osip jantar - se não derem, então para o dono. As explicações com o criado da taverna são seguidas de um jantar ruim. Depois de esvaziar os pratos, repreende Khlestakov, nessa época o prefeito pergunta sobre ele. Em um quarto escuro embaixo da escada, onde Khlestakov está hospedado, eles se encontram. Palavras sinceras sobre o propósito da viagem, sobre o formidável pai que chamou Ivan Alexandrovich de São Petersburgo, são confundidas com uma hábil invenção incógnita, e o prefeito entende seus gritos sobre sua falta de vontade de ir para a prisão no sentido de que o visitante irá não encobrir seus erros. O autarca, amedrontado, oferece dinheiro ao visitante e pede para se mudar para a sua casa, bem como para inspecionar - a título de curiosidade - algumas instituições da cidade, "alguém caritativas e outras". O visitante concorda inesperadamente e, tendo escrito duas notas na conta da taverna, para Strawberry e sua esposa, o prefeito envia Dobchinsky com eles (Bobchinsky, que estava escutando diligentemente a porta, cai no chão com ela), e ele vai com Khlestakov.

Anna Andreevna, esperando com impaciência e ansiedade por notícias, ainda está irritada com a filha. Dobchinsky vem correndo com um bilhete e uma história sobre o oficial de que "ele não é general, mas não cederá ao general", sobre sua ameaça no início e amolecimento depois. Anna Andreevna lê uma nota em que a enumeração de picles e caviar é intercalada com um pedido para preparar um quarto para um hóspede e levar vinho do comerciante Abdulin. As duas senhoras, brigando, decidem qual vestido usar para quem. O prefeito e Khlestakov voltam, acompanhados por Strawberry (cujo labardan acabara de ser comido no hospital), Khlopov e os indispensáveis ​​​​Dobchinsky e Bobchinsky. A conversa gira em torno dos sucessos de Artemy Filippovich: desde que assumiu o cargo, todos os doentes "se recuperam como moscas". O prefeito faz um discurso sobre seu zelo desinteressado. O exasperado Khlestakov está interessado em saber se é possível jogar cartas em algum lugar da cidade, e o prefeito, entendendo o truque da questão, fala veementemente contra as cartas (nem um pouco envergonhado por sua recente vitória sobre Khlopov). Completamente desencadeado pela aparência das senhoras, Khlestakov conta como em Petersburgo o levaram para o comandante-chefe, que ele e Pushkin estão em pé de amizade, como ele já administrou o departamento, que foi precedido por persuasão e envio de trinta -cinco mil e um mensageiros para ele; ele pinta sua severidade incomparável, prevê seu trabalho iminente como marechal de campo, o que induz o pânico ao prefeito e sua comitiva, em cujo medo todos se dispersam quando Khlestakov se retira para dormir. Anna Andreevna e Marya Antonovna, discutindo sobre quem o recém-chegado olhava mais, junto com o prefeito, competindo entre si, perguntam a Osip sobre o dono. Ele responde de forma tão ambígua e evasiva que, assumindo uma pessoa importante em Khlestakov, eles apenas se afirmam nisso. O prefeito manda policiais ficarem na varanda para impedir a entrada de comerciantes, peticionários e qualquer pessoa que possa reclamar.

Funcionários da prefeitura conferem o que fazer, decidem subornar o visitante e persuadir Lyapkin-Tyapkin, famoso por sua eloqüência (“a cada palavra, Cícero saía da língua”), a ser o primeiro. Khlestakov acorda e os assusta. O totalmente covarde Lyapkin-Tyapkin, tendo entrado com a intenção de dar dinheiro, não consegue nem responder coerentemente há quanto tempo está servindo e o que fez; ele larga o dinheiro e já se considera quase preso. Khlestakov, que levantou o dinheiro, pede um empréstimo, pois "ele gastou na estrada". Conversando com o agente do correio sobre os prazeres da vida em uma cidade do condado, oferecendo um charuto ao superintendente das escolas e questionando quem, a seu gosto, é preferível - morenas ou loiras, envergonhando Morango com o comentário de que ontem ele era mais baixo, ele toma de todos, por sua vez, "empréstimo" sob o mesmo pretexto. Os morangos diversificam a situação denunciando a todos e oferecendo-se para expor seus pensamentos por escrito. De Bobchinsky e Dobchinsky, Khlestakov pede imediatamente mil rublos, ou pelo menos cem (no entanto, ele se contenta com sessenta e cinco). Dobchinsky está preocupado com seu primeiro filho, nascido antes do casamento, querendo torná-lo um filho legítimo - e ele está esperançoso. Bobchinsky pede, ocasionalmente, para dizer a todos os nobres de São Petersburgo: senadores, almirantes ("sim, se o soberano precisar, diga ao soberano também") que "Peter Ivanovich Bobchinsky mora em tal e tal cidade".

Tendo mandado embora os proprietários, Khlestakov sentou-se para escrever uma carta a seu amigo Tryapichkin em São Petersburgo, a fim de descrever um incidente engraçado, como eles o consideraram um "estadista". Enquanto o proprietário escreve, Osip o convence a sair o mais rápido possível e obtém sucesso em seus argumentos. Tendo enviado Osip com uma carta e para cavalos, Khlestakov recebe os mercadores, que são fortemente impedidos pela Derzhimorda trimestral. Eles reclamam dos “insultos” do prefeito, emprestam os quinhentos rublos solicitados (Osip pega um pão de açúcar e muito mais: “uma corda vai dar jeito na estrada”). Comerciantes tranquilos são substituídos por um serralheiro e a esposa de um suboficial com reclamações do mesmo prefeito. Osip destaca o resto dos peticionários. O encontro com Marya Antonovna, que, na verdade, não foi a lugar nenhum, mas só pensou se sua mãe estivesse aqui, termina com uma declaração de amor, um beijo do mentiroso Khlestakov e seu arrependimento de joelhos. Anna Andreevna, que apareceu de repente com raiva, expõe sua filha, e Khlestakov, achando-a ainda muito "apetitosa", cai de joelhos e pede sua mão. Ele não fica constrangido com a confissão perplexa de Anna Andreevna de que ela é "casada de alguma forma", ele sugere "aposentar-se sob o dossel dos jatos", pois "para o amor não há diferença". Marya Antonovna, correndo inesperadamente, recebe uma repreensão de sua mãe e uma proposta de casamento de Khlestakov, que ainda está de joelhos. O prefeito entra, assustado com as reclamações dos mercadores que invadiram Khlestakov, e implora para não acreditar nos golpistas. Ele não entende as palavras de sua esposa sobre casamento até que Khlestakov ameaça se matar. Sem entender muito bem o que está acontecendo, o prefeito abençoa os jovens. Osip relata que os cavalos estão prontos e Khlestakov anuncia à família completamente perdida do prefeito que ele vai passar apenas um dia com seu tio rico, pede dinheiro emprestado novamente, senta-se em uma carruagem, acompanhado pelo prefeito e sua família. Osip leva cuidadosamente o tapete persa no tapete.

Depois de se despedir de Khlestakov, Anna Andreevna e o prefeito se entregam aos sonhos da vida em Petersburgo. Os mercadores chamados aparecem, e o prefeito triunfante, tendo-os alcançado com grande medo, liberta todos com alegria com Deus. Um após o outro, "funcionários aposentados, pessoas de honra da cidade" vêm, cercados por suas famílias, para parabenizar a família do prefeito. Em meio às felicitações, quando o prefeito com Anna Andreevna, entre os convidados definhando de inveja, se consideram um casal de general, o carteiro corre com a mensagem de que “o funcionário que tomamos por auditor não era o auditor”. A carta impressa de Khlestakov para Tryapichkin é lida em voz alta e por sua vez, pois todo novo leitor, tendo atingido as características de sua própria pessoa, fica cego, escorrega e é removido. O prefeito esmagado entrega uma diatribe não tanto ao heliporto Khlestakov, mas ao “clicker, paper marak”, que certamente inserirá em uma comédia. A raiva geral é dirigida a Bobchinsky e Dobchinsky, que começaram um boato falso quando o súbito aparecimento de um gendarme anunciando que “um oficial que chegou por ordem pessoal de St. A cena silenciosa dura mais de um minuto, durante o qual ninguém muda de posição. "A cortina cai."

Linguagem.

A linguagem do Inspetor-Geral despertou não apenas a admiração de Belinsky e do avançado leitor russo, mas também a indignação dos "guardiões da decência" da literatura russa. O Inspetor-Geral é uma comédia de personagens, e Gogol só poderia mostrar a tipicidade das imagens fazendo com que a fala de cada uma delas correspondesse à educação, modo de pensar, idade, profissão, condição social, gênero e situação específica. E ele conseguiu brilhantemente. Palavras e frases precisas e certeiras, provérbios e ditados que surgem fora do lugar, não uma linguagem suavizada e penteada, mas viva, soando fora das paredes do teatro - foi o que o espectador ouviu do palco.

A linguagem de Gogol é lacônica. Atrás de cada frase está um traço de caráter de um herói em particular. Como a imagem da esposa de Gorodnichiy, Anna Andreevna, se revela em um diálogo com sua filha! V. G. Belinsky chamou a atenção para isso: “O terceiro ato, e Anna Andreevna ainda está na janela com a filha - uma característica extremamente cômica! Há mais de uma curiosidade ociosa de uma mulher vazia: a inspetora é jovem, e ela é uma coquete, senão mais ... A filha fala que vem alguém - a mãe fica brava ... Aí a questão de quem é vindo: não concorda e novamente repreende a filha por nada ... Finalmente, os dois olham; filha diz: “O quê? E aí, mãe? Veja aquele Dobchinsky! A mãe responde: "Bem, sim, Dobchinsky, agora entendo - sobre o que você está discutindo?" É possível manter melhor a dignidade de uma mãe do que estar sempre certa diante de sua filha e nem sempre torná-la culpada diante de si mesma? Que complexidade de elementos se expressa nesta cena: uma dona de bairro, uma coquete antiquada, uma mãe ridícula! Quantas sombras há em cada uma de suas palavras, quanto, cada uma de suas palavras é necessária! ”: Voltemos ao discurso de Khlestakov. “Um simples Elistratishka”, de acordo com a observação exata de seu servo Osip, que, por acaso, surgiu aos olhos dos funcionários assustados com a revisão esperada, ele fala e fala ... Quanto mais incoerente, confuso, “fabuloso” seu fala, mais peso ele tem aos olhos de Dobchinsky e daqueles que se tornaram seus ouvintes. E eles o escutam obsequiosamente, com boa vontade... Então ele não vê as palavras que saem de sua boca, ou seja, "ele fala e age sem pensar". Gogol enche seu discurso de exageros, o que o torna ainda mais engraçado. Aqui está uma melancia “a setecentos rublos”, e “seu uíste foi feito: o ministro das Relações Exteriores, o enviado francês, o enviado inglês, alemão e eu”, e no corredor, “quando ainda não acordei para cima: condes e príncipes estão empurrando e zumbindo iam, como zangões”, e “trinta e cinco mil e um mensageiros” e “com Pushkin em pé de amizade”... Mas logo no início da peça ele é tímido e obsequioso com o próprio criado, rude e atrevido com o criado da taberna, quando ainda o traz vou ... só se ouvem dele insultos: “Estou contigo, idiota, não quero argumentar”, “golpistas, malandros”, “canalhas”, “mocassins” ...

Voltemos à primeira cena, a principal, onde o Governador informa os funcionários sobre a chegada do auditor. Já naquelas observações que ouvimos, os personagens são visíveis. Lyapkin-Tyapkin, que leu vários livros e “porque tem um pensamento um tanto livre”, reage devagar, como se pensasse: “Sim, tal circunstância é incomum, simplesmente incomum. Algo do nada." Luka Lukich, superintendente das escolas, é exigente e ansioso: “Oh meu Deus! Também com uma ordem secreta!.. Por que, Anton Antonovich, por que isso? Por que precisamos de um auditor? Khristian Ivanovich, um médico do condado, "emite um som, em parte semelhante à letra e um pouco ao e". A partir de uma frase tão longa, não é difícil adivinhar como ele cumpre suas funções oficiais, negociando com os pacientes, o que é confirmado pelas palavras de Artemy Filippovich, curador de instituições de caridade: “Quanto mais perto da natureza, melhor - fazemos não usar remédios caros. Um homem simples: se ele morrer, ele morrerá de qualquer maneira, se ele se recuperar, ele se recuperará de qualquer maneira. Se o governador fala com seus subordinados em pé de igualdade, então, voltando-se para o “auditor” Khlestakov, ele fica um tanto sem palavras: “E wah-wah-wah ... Wah-wah-wah ... procissão, Excelência, faria você me manda descansar? Mas com os mercadores ele é condescendentemente desdenhoso, e sua raiva, cada vez maior, reflete a paixão de seus discursos ... “Ah, que legal, falcões! O que, pombas, como vocês estão? O que, samovar, arshinniki, reclamar? Archwilds, proto-bestas, vigaristas mundanos! Reclamar? O que? você tomou muito? Então, eles pensam, é assim que vão colocá-lo na prisão! .. Sabe, sete demônios e uma bruxa na sua boca que ... Agora eu vou te levar! Gogol também usa a técnica de "falar" sobrenomes, conhecida desde a época de Fonvizin. Deixe-os não soar durante a continuação da peça, mas o espectador tem um programa em suas mãos e, olhando para ele, verá imagens inteiras: Khlopov, Lyapkin-Tyapkin, Strawberry, Gibner, Lyulyukov, Rastakovskiy, Korobkin, Ukhovertov , Svistunov, Pugovitsyn , Derzhimorda - pessoas dignas da cidade e servos do poder ... Assim, Gogol traz ao palco a linguagem viva das ruas e tabernas, a linguagem dos funcionários mais vazios, rudes, dominadores ou sem instrução que lutam por poder, tremendo por seu lugar diante das autoridades e desprezando aqueles que são deles depende. Com toda a sua habilidade de observador e ouvinte sensível, Gogol consegue a vivacidade das imagens, o seu reconhecimento. Expressões folclóricas adequadas, retrabalhadas de forma criativa, dão frescor e nitidez ao humor de Gogol, forçando o espectador a rir dos vícios e a superá-los.
O efeito cômico em O Inspetor Geral é criado pela proximidade no diálogo dos personagens de solenes palavras oficiais, por um lado, e vernaculares, por outro.

O bairro é solene de um lado e a extensão dos prédios do governo do outro. palavras do ato III (aprox. 5) - o prefeito: "... aqui, pode-se dizer, não há outro pensamento, exceto ganhar a atenção das autoridades com reitoria e vigilância." Khlestakov: "Café da manhã" foi muito bom. Estou completamente sobrecarregada…”

O mesmo significado cômico está na vizinhança de palavras coloquiais com expressões livrescas na fala do mesmo personagem, por exemplo, na observação de Khlestakov: “Adoro comer.

Afinal, você vive para colher flores de prazer, qual era o nome desse peixe? (ato III, yavl. 5).

O uso de palavras e expressões distorcidas na fala dos personagens também é ridículo, por exemplo, no monólogo de Osip (Ato II, Ph. 1).

Um fluxo de palavras emocionais

A comédia também é alcançada por um fluxo de palavras e expressões emocionalmente coloridas, como, por exemplo, inúmeras exclamações e perguntas nas palavras de Anna Andreevna (final do ato I), ou uma cascata de repreensões do prefeito contra os comerciantes ( ato I, fenômeno 2), ou vários epítetos fortes divulgados por oficiais a Bobchinsky e Dobchinsky no final da comédia.

Seleção de meios artísticos finos, palavras coloquiais certeiras.

Quadrinhos são alcançados e pictóricos habilmente selecionados meios artísticos- hipérbole: “a sete dólares, cem rublos a melancia”, “a sopa na panela veio direto de Paris” (Khlestakov), “há um barulho tão grande no estômago, como se todo um regimento tocasse trombetas” (Osip) , etc .; comparações: "Moftoieu é teimoso e estúpido, como um tronco" (Khlestakov), "que tipo de urso desajeitado bate com as botas" (prefeito), etc .; com palavras coloquiais certeiras: “você está brincando aí” (prefeito), “o conselho estadual está repreendendo” (juiz), “eu te encheria de tal forma que você se coçaria por quatro dias” (Osip), “ agora ele está sentado e virou o rabo para cima” (Osip) e outros